República Bolivariana de Venezuela

Ministerio del Poder Popular para la Educación

U.E Colegio Santa Rosa

Asignatura: ARTE Y PATRIMONIO Año: 2do.

Sección(es): A, B, C, D y E Docente: Omar Morales

Lapso1er.

Estimados estudiantes soy el

Profesor Omar Morales,

les doy una cordial bienvenida a este nuevo año escolar 2020-2021, donde estaremos conociendo las diferentes tendencias artísticas mundiales que se han generado a lo largo de la historia. Será una gran aventura en la que descubriremos lo genial del arte.

Les envió la siguiente guía didáctica con la finalidad que sirva como material de apoyo para elaborar todas actividades correspondientes al 1er lapso del año escolar.

También les recomiendo tener a la mano algunos materiales como: cuaderno, hojas de reuso, lápices, colores, juego geométrico y toda la disposición creativa para cumplir con los contenidos planificados.

Para la elaboración de tus expresiones artísticas debes tomar en cuenta lo

siguiente:

Cuaderno o carpeta con hojas perforadas

Colores

Block de dibujo / hojas blancas / de reuso

Un marcador negro punta fina.

Tomando en cuenta todas estas indicaciones al finalizar este lapso, realizaremos grandes obras artísticas que formarán parte de tu preparación integral.

A todos les deseo éxito en esta aventura de crear.

1er Corte

La pandemia del Covid-19 está siendo trágica e incluso, devastadora. Pero, como en otros episodios negros de la Historia, también está siendo una fuente de inspiración para muchos artistas, que están plasmando en sus obras emociones, puntos de vista y realidades asociadas al nuevo mundo que emerge del coronavirus.

Vivimos un momento oportuno para reflexionar críticamente sobre nuestro estilo de vida y nuestras elecciones. Aunque este sea también un período muy duro, no deberíamos dejarlo en el olvido.

Hay gente creando cosas increíbles, como las que se puede apreciar en las cuentas de Instagram CovidArtMuseum y CoronaArtMuseum

Muchos crearon arte como forma de expresión y conexión social mientras mantienen la distancia

física.

Algunos decidieron ilustrar la importancia de cuidar la salud mental durante el aislamiento. Otros optaron por rendir tributo a los trabajadores sanitarios en el frente de batalla de la pandemia. Otros han compartido un mensaje de apoyo contra el estigma y la discriminación.

La tecnología ha sido de gran utilidad para las organizaciones, cultores y artistas que ante el confinamiento preventivo del coronavirus han aprovechado la Internet para ofrecer presentaciones y conciertos en línea, recorridos virtuales por museos, galerías digitales, videoconferencias, entre otras alternativas que les han permitido mantenerse en contacto con el público a distancia.

Área: Arte y

Patrimonio CCoonntteenniiddoo AAmmbbiieennttaall:: EEll aarrttee eenn ttiieemmppooss ddee

PPaannddeemmiiaa

Competencia: Lograr que el estudiante reconozca formas de arte en tiempos atípicos aplicando la

creatividad en las creaciones individuales

Actividad de evaluación (2pts)

Recuerda colocar la fecha completa, tu nombre, año y sección a la que perteneces.

Diseña un afiche con toda tu creatividad donde se vea reflejado una expresión artística en

tiempos de pandemia.

o Diseño original.

o Usando técnica claroscuro o coloreado básico.

Desarrolla en tu cuaderno o carpeta con hojas perforadas lo siguiente:

Investiga sobre 3 artistas líderes emergentes con la situación actual de pandemia.

Haz un mensaje de prevención basado en la Organización Mundial de la Salud

(Organización Líder en salud mundial)

Glosario de Términos

Pandemia: Epidemia de una enfermedad u otra afección de salud que ocurre en una zona extensa (varios países o continentes) y

suele afectar a una parte considerable de la población.

Ilustración: es la acción y efecto de ilustrar (dibujar, adornar). El término permite nombrar al dibujo, estampa o grabado que

adorna, documenta o decora un libro.

Arte Virtual: es una disciplina creativa de las artes plásticas, una nueva tendencia surgida en torno a la aplicación de programas

vectoriales y gratificadores, que comprende obras en las que se utilizan elementos digitales que son imprescindibles en el proceso

de producción o en su exhibición, manifestando estas obras mediante soportes digitales o al menos tecnológicamente avanzados.

Criterios de evaluación:

Puntualidad.

Pulcritud.

Tomar foto (remitir todas las fotos en un solo archivo en formato PDF) a las actividades de evaluación y

enviar a la sesión correspondiente del aula virtual.

Enlace con el Programa de Jóvenes Emprendedores: Liderazgo mundial

1er Corte

Para poder conocer el significado del término dibujo artístico se hace necesario, en primer lugar, descubrir el origen etimológico de las dos palabras que le dan forma: Dibujo, en primer lugar, deriva del verbo francés “déboissier”, que puede traducirse como “dibujar”.

Artístico, en segundo lugar, emana del latín ya que es fruto de la suma de tres componentes de dicha lengua: el sustantivo “ars, artis”, que significa “arte”, y el sufijo “-ico”, que se utiliza para indicar “relativo a”.

Un dibujo es un trazo que se desarrolla sobre una superficie, generalmente con el objetivo de representar algo o de constituirse como una imagen. Artístico, por su parte, es aquello vinculado al arte: una expresión que permite plasmar ideas, emociones o sentimientos, a través de un recurso sonoro, lingüístico, plástico o de otro tipo. Se llama dibujo artístico a la creación de una figura representativa o abstracta que se emplea como una forma de expresión gráfica. El concepto puede aludir al gráfico en sí mismo o a la disciplina que permite su desarrollo. Para que exista el dibujo artístico debe haber un dibujante (una persona con una intención estética) que crea un dibujo (una representación gráfica de lo que el dibujante imagina u observa). En el proceso que lleva a la producción del dibujo artístico interviene un aspecto psicológico o espiritual que motiva al dibujante a plasmar sus ideas en el dibujo. Un dibujante artístico puede crear sus dibujos a partir de la imitación o la copia de aquello que ve, o dibujar algo que formó en su imaginación. Por lo general el proceso de desarrollo comienza con apuntes y bocetos que se realizan en un soporte diferente al definitivo. Luego, en la superficie definitiva, se realiza el encajado, se trazan los contornos, se concreta el sombreado y se colorean las figuras. Finalmente el artista puede llevar a cabo las correcciones que le parecen necesarias para dar por concluido su dibujo artístico.

Área: Arte y

Patrimonio AAccttiivviiddaadd IInniicciiaall

DDiibbuujjoo AArrttííssttiiccoo

Competencia: Lograr que el estudiante identifique desarrolle su creatividad considerando sus

habilidades y destrezas, a través de un dibujo libre

A la hora de hablar de un dibujo artístico hay que conocer que quien lo lleva a cabo hace uso de una serie de instrumentos y de términos importantes. Este sería el caso, por ejemplo, del boceto, que viene a ser la prueba que realiza a lápiz y que viene a establecer algunos criterios que necesita como el enfoque, los elementos que van a aparecer y la distribución de los mismos…

De la misma manera, no podemos pasar por alto tampoco lo que se conoce como encajado que viene a ser el conjunto de líneas generales que se llevan a

cabo para ejercer como pilares de ese dibujo y que luego se borrarán u ocultarán.

Asimismo, hay que tener en cuenta que, a la hora de realizar cualquier dibujo artístico, hay que tener en cuenta criterios tales como la luz, la composición, el tamaño, el contraste, el encuadre, la distribución de los elementos, la perspectiva, la distancia o la textura, entre otros.

Cuando un dibujo se hace sobre la marcha, sin preparativos ni correcciones, se le denomina dibujo a mano alzada. Aunque existen dibujos artísticos de este tipo, habitualmente se trata de representaciones con alguna intención científica.

Glosario de Términos

Representación: es la acción y efecto de representar (hacer presente algo con figuras o palabras, referir, sustituir a alguien, ejecutar una obra en público). La representación, por lo tanto, puede tratarse de la idea o imagen que sustituye a la realidad. Artes gráficas: es un conjunto de oficios, de técnicas, trabajos y de profesiones que intervienen en la gráfica o en la editorial, las mencionadas artes gráficas incluyen áreas como el diseño gráfico, la

prensa, los diferentes sistemas de impresión, la encuadernación y los acabados.

Enlace con el Programa de Jóvenes Emprendedores:

https://www.youtube.com/watch?v=4avcp7aYa_4 “Dibujo técnico y Dibujo artístico”

Actividad de evaluación (2pts)

La actividad debe ser realizada en una hoja de reuso, recuerda colocar

la fecha completa, tu nombre, año y sección a la que perteneces.

Diseña un afiche con toda tu creatividad aplicando la técnica de

dibujo artístico.

o Diseño original.

o Usando técnica claroscuro o coloreado básico.

Identifica la tendencia pictórica o corriente artística

Criterios de evaluación:

Puntualidad.

Pulcritud.

Tomar foto (remitir todas las fotos en un solo archivo en formato PDF) a las actividades de evaluación y

enviar a la sesión correspondiente del aula virtual.

1er Corte

1er Corte

EL PUNTO Y LA LÍNEA

(Breve reseña histórica)

En la comunicación visual el punto es la unidad más simple y

mínima.

Un punto se concibe como un marcador de espacio y en el ojo ejerce una fuerte atracción en su existencia natural o con un fin determinado cuando es el hombre quien lo sitúa.

El Punto En las Artes Plásticas El Punto es el elemento mínimo de expresión gráfica, es el origen de cualquier forma e indica su posición en el espacio. Por concepto, el punto no tiene longitud, ancho o profundidad y, en consecuencia es estático, sin curso, centralizado.

Como el elemento primario de la forma, el punto puede servir para marcar:

Los dos extremos de una línea. La intersección de dos o más líneas. El encuentro de dos o más líneas en la

esquina de un plano o volumen. El centro de un campo gráfico. O puede generar desde una mancha,

un círculo, un triángulo, un ovalo, un cuadrado o infinidad de formas.

Visualmente, los puntos los conectamos.

Área: Arte y

Patrimonio CCoonntteenniiddoo 11:: EEll ppuunnttoo yy llaa llíínneeaa

Competencia: Reconocer la importancia del punto y la línea en el dibujo

Ejemplos de valores y texturas creadas con puntos.

El Punto puede ser usado de manera concentrada o dispersa, se obtienen así, muchas posibilidades dentro del plano gráfico Composición con puntos

La Línea

Puede ser definida como la unión o aproximación de varios puntos. Casi siempre genera dinamismo y definen direccionalmente la composición en la que la insertemos. Su presencia crea tensión en el espacio donde la ubiquemos y afecta a los diferentes elementos que conviven con ella. Puede definirse también como un punto en movimiento o como la historia del movimiento de un punto, por lo cual tiene una enorme energía, nunca es estática y es el elemento visual básico del boceto (Kandinsky, 1968).

La línea, es un elemento indispensable en el diseño, tiene en el gráfico la misma importancia que la letra en el texto. Sus principales elementos son: la dirección con respecto a la página, su longitud, su grosor o espesor, su forma recta o curva y color.

La línea es capaz de expresar emociones: línea gruesa se asocia con audacia, línea recta es fuerza y estabilidad, la línea en zigzag es excitación (todo es generalización). Líneas rectas de misma longitud y grosor en agrupaciones paralelas introducen factores de relación proporcional e intervalos rítmicos.

Horizontales y verticales introducen el principio de la oposición equilibrada de tensiones. La vertical expresa una fuerza de significación primordial: la gravedad. La horizontal es un plano soportante. Producen un sentimiento satisfactorio, porque simbolizan la experiencia

humana del equilibrio absoluto.

El Claroscuro

Claroscuro. En el arte es una

técnica de dibujo y pintura que se

basa en producir el efecto de

contrastes entre la luz y las

sombras. El claroscuro busca una

conveniente distribución de luces y

sombras en una obra, de modo que

se opongan y complementen

mutuamente. En escultura es un

contraste acusado de luz y sombra,

y se consigue por medio del

trépano. En pintura, es una

transición suave entre la claridad y

la oscuridad, e implica la presencia de luz y

color en toda sombra, y la presencia de

sombra y color en toda luz.

El claroscuro es una técnica pictórica

consistente en el uso de contrastes

acusados entre los volúmenes iluminados y

los ensombrecidos del cuadro para destacar

más efectivamente algunos elementos.

Desarrollada inicialmente por los pintores

flamencos e italianos del cinquecento, la

técnica alcanzaría su madurez en el barroco,

en especial con Michelangelo Caravaggio,

dando lugar al estilo llamado tenebrismo.

EL claroscuro busca la representación de los objetos

a partir del desarrollo de las zonas de luz y de sombra

como un contraste simultaneo de tonos. El modelado

de las formas a partir del estudio de la luz es un

ejercicio que requiere un profundo estudio de

valoración tonal y del funcionamiento de las

graduaciones de los diferentes grises. El trabajo del

claroscuro no solo permite un modelado de las

formas, es importante también como afecta el cambio

de luz en la composición del cuadro.

1. Tendencias Pictóricas

El Romanticismo: Defiende la

superioridad del sentimiento sobre la

razón, y por ello exalta la sensibilidad, la

imaginación y las pasiones. Más que

como un estilo pictórico, ha de concebirse

como un movimiento social y espiritual.

El Naturalismo: Estilo artístico que surge en la segunda

mitad del siglo XIX. En historia de la pintura, la

bibliografía denomina naturalismo a distintos

movimientos pictóricos. Aplicado a principios estéticos o

de teoría del arte, el término "naturalismo" se utiliza muy

a menudo de forma intercambiable con el término

"realismo".

El impresionismo: es un estilo pictórico

que se origina en Francia, en la segunda

mitad del siglo XIX. Se caracteriza por su

persistente experimentación con la

iluminación (similar al luminismo). El manejo

de la luz se considera como un factor

crucial para alcanzar belleza y balance en

la pintura.

El postimpresionismo: es un movimiento artístico que se

desarrolló durante la década de 1890. Se caracteriza por un

enfoque subjetivo de la pintura, ya que los artistas buscaban

evocar emociones, a través de su obra, dejando a un lado el

realismo.

Puntillismo: El puntillismo o divisionismo es una técnica pictórica

que consiste en representar la vibración luminosa mediante la

aplicación de puntos que, al ser vistos desde una cierta distancia,

componen figuras y paisajes bien definidos.

Abstracto: Se entiende por pintura abstracta aquella que

prescinde por completo del objeto y de la figura y el cuadro se

compone mediante la combinación de líneas y colores. Surge en

torno a 1910, pero fueron varias las tendencias de la vanguardia

histórica las que acabaron desembocando en creaciones no

figurativas.

El Surrealismo

pictórico, es un

movimiento

artístico que surgió

alrededor de 1924, llamada también por muchos,

arte de la vanguardia, por su forma beligerante y

por su energía experimental e innovadora, donde

el artista expresa su mundo interno influido en el

psicoanálisis de Freud y las doctrinas

revolucionarias de la época, con nuevas formas

extraídas del subconsciente, temas eminentemente

oníricas, cortando en cierto modo, lo tradicional

heredado del renacimiento y el realismo puro.

Cubismo: El cubismo es considerado la primera vanguardia, ya

que rompe con el último estatuto renacentista vigente a principios

del siglo XX, la perspectiva. En los cuadros cubistas, desaparece

la perspectiva tradicional. Trata las formas de la naturaleza por

medio de figuras geométricas, fragmentando líneas y superficies.

Glosario de Términos

Representación: es la acción y efecto de representar (hacer presente algo con figuras o palabras, referir, sustituir a alguien, ejecutar una obra en público). La representación, por lo tanto, puede tratarse de la idea o imagen que sustituye a la realidad. Artes gráficas: es un conjunto de oficios, de técnicas, trabajos y de profesiones que intervienen en la gráfica o en la editorial, por caso, las mencionadas artes gráficas incluyen áreas como el diseño

gráfico, la prensa, los diferentes sistemas de impresión, la encuadernación y los acabados.

Enlace con el Programa de Jóvenes Emprendedores: Liderazgo

https://www.youtube.com/watch?v=i2mLKXVh4sc “Líneas y Puntos en el Arte”

Actividad de evaluación (2pts)

La actividad debe ser realizada en hojas de reuso, recuerda colocar la fecha

completa, tu nombre, año y sección a la que perteneces (letra en molde).

Diseña un afiche con toda tu creatividad donde se vea reflejado una

expresión artística de puntillismo.

o Diseño original.

o Usando lápices, colores y/o marcadores.

Menciona los representantes más destacados del Puntillismo en la

actualidad

Criterios de evaluación:

Puntualidad.

Pulcritud.

Tomar foto (remitir todas las fotos en un solo archivo en formato PDF) a las actividades de evaluación y

enviar a la sesión correspondiente del aula virtual.

1er Corte

Veo, veo. ¿Qué color ves? En este contenido te vamos a introducir en el mundo del color. Vamos a darte una guía básica del color y explicarte de manera sencilla qué es el color y la Teoría del color.

¡Comencemos!

Vamos lo más básico.

Teoría del color: ¿Qué es el color? ¿Cómo aparecen los colores?

o ¿Qué son los colores primarios? o ¿Qué son los colores secundarios?

Colores primarios y el círculo cromático

o ✓ Psicología del color

o ✓ El significado de los colores

¿Por qué tienen significado los colores? ¿Qué significado tienen los colores?

El color en las páginas web

Teoría del color:

El color Según la Real Academia de la Lengua Española, en su primera definición, el color es una” Sensación producida por los rayos luminosos que impresionan los órganos visuales y que depende de la longitud de onda”. El mundo es incoloro. Se podría decir que todo el color que vemos no existe. Es una percepción. Los objetos poseen la característica de absorber determinadas partes del espectro lumínico. La luz que no es absorbida se remite y transmite diferentes estímulos de color al de la ambientación general. Al llegar estos estímulos hasta el órgano de la vista, nos produce una sensación de color. ¿Por qué dos colores, uno al lado del otro, producen música? ¿Puede alguien explicar eso? No. De la misma manera en que uno nunca puede aprender a pintar en realidad. (Pablo Picasso)

Se considera que el color se genera de la descomposición de la luz blanca proveniente del sol, o de un foco o fuente luminosa artificial. La apariencia de esos colores siempre es visual, y variará dependiendo del tipo de rayos luminosos, su intensidad o el modo en que son reflejados.

La luz blanca está formada por tres colores básicos: rojo, verde y azul. Este fenómeno fue descubierto por Issac Newton al hacer pasar un rayo de luz blanca por medio de un

Área: Arte y Patrimonio Contenido 2: Teoría del Color

Competencia: Conocer la teoría del color y su aplicación en el desarrollo artístico

prisma de cristal, este haz de luz se dividió en un espectro de colores idéntico al del arco iris.

¿Cómo aparecen los colores? Los colores aparecen a partir de lo que se conoce como los tres colores primarios.

Colores primarios

El ojo cuenta con tres tipos de células visuales, que rigen tres tipos diferentes de sensaciones, correspondientes a los colores primarios (azul, amarillo y rojo). A partir de ellos se forma para cada sensación de color un código de

tres partes.

Estos colores no surgen de la mezcla de ningún color, por eso son colores primarios.

Colores secundarios Los colores secundarios son aquellos que se forman de la mezcla, por partes iguales, de dos primarios (es decir: de la mezcla del azul y el amarillo surge el verde, del rojo y amarillo, el naranja y del rojo y azul, el violeta). Por su parte, los colores terciarios se forman

con la mezcla, por partes iguales, de un color primario con uno secundario adyacente. Así, de esta combinación resulta el rojo violáceo, rojo anaranjado, amarillo anaranjado, amarillo verdoso, azul verdoso y azul violáceo.

Círculo cromático

✓ Psicología del color

Dentro de la teoría del color podemos hablar sobre la psicología del color, de la que existen diferentes teorías. Algunas de ellas se contradicen entre sí, ya que dependiendo de nuestra cultura, el color nos puede transmitir sensaciones completamente diferentes.

Dependiendo de nuestra experiencia personal y del lugar en que vivimos, los colores y los elementos que nos rodean, nos pueden transmitir sensaciones, gustos o estados de ánimo.

Por esta razón cuando elegimos colores para nuestros diseños, material comercial o negocios es bueno tener claro qué puede transmitir ese color, en ese lugar y a la gente que esté en él.

✓ El significado de los colores

Antes de hablar del significado de los colores debemos conocer algunas de las características de éstos, tales como el tono, la saturación y la brillantez. Tono de un color El tono es el color en sí mismo, es la cualidad que define la mezcla de un color con el blanco o con el negro. Así podemos decir que existen tonos cálidos o tonos fríos. Los cálidos son aquellos tales como el rojo, el amarillo y los naranjas, mientras que los fríos son el azul y el verde. El verde si tiene más cian que amarillo, tendría una tendencia a ser frío, y si tiene más amarillo parecería ser más cálido. Por eso es importante saber manejar los tonos. Saturación de un color La saturación constituye la pureza del color respecto al gris, y depende de la cantidad de blanco que presente. Cuanto más saturado está un color, más puro es y menos mezcla de gris posee. Brillantez de un color La brillantez o brillo de un color es la relación existente entre la intensidad del estímulo luminoso también conocida como luminancia y la sensación percibida, conocida como brillantez. Para un color de un matiz y saturación determinados, en la misma medida que la luminosidad alcanza el ojo aumentará la brillantez.

Desde tiempos antiguos grandes artistas incluyeron dentro de sus técnicas, la armonización del color, la cual consiste en pintar con una tendencia de color determinada. Estas técnicas que utilizaron grandes artistas (Rubens, Velázquez y muchos más) se emplean en la actualidad tanto en pintura como en diseño para la captación de público determinado.

Significado de los colores Color blanco: Implica inocencia y pureza, nos ayuda en momentos de estrés, a seguir adelante. Significa igualdad y unidad. Contiene todos los colores del espectro y representa lo positivo y lo negativo de cada uno de ellos.

Color negro: El color negro es útil para transmitir elegancia, nobleza, sofisticación, o tal vez un toque de misterio. Es autoritario y puede evocar emociones fuertes. Al contrario que el blanco es la ausencia total de luz. Color gris: El gris es un color que está en el medio entre el blanco y el negro, es muy idóneo para la neutralidad. No carga visualmente y utilizado en la justa medida puede transmitir elegancia y lujo. Al ser un color tan neutral no tenemos que abusar de él, o corremos el riesgo de generar tristeza y melancolía, como un día de lluvia. Color amarillo: Está relacionado con la inteligencia, fomenta la creatividad, es un color de los más luminosos y cálidos. En diseño se utiliza para atraer la atención. Color rojo: Es un color muy intenso, apasionante. Usado frecuentemente por los diseñadores para llamar la atención sobre un elemento en particular. Debe usarse de manera lógica, pues su intensidad y excitación puede cansar. Color naranja: Color cálido, activo y dinámico, que actúa como estimulante de los tímidos y tristes. Posee fuerza activa, radiante y expansiva. Es muy útil en pequeñas dosis ya que en grandes extensiones es atrevido y agresivo. Color azul: El color frío por excelencia. Simboliza la frescura, la calma y el reposo, se le asocia con la inteligencia y las emociones profundas, con la amistad,

la fidelidad, la serenidad. Si es muy claro denota optimismo y pureza. Color violeta: Es el color del misterio, de la lucidez y reflexión. Tiene que ver con lo espiritual y emocional. Es un color que bien utilizado es elegante. Color verde: Evoca lo relacionado con la naturaleza y la vegetación, lo fresco y lo sedante. Es el color calmado, incita al equilibrio por lo cual es el más tranquilo y sedante.

Color marrón: Es el color del otoño, da la impresión de equilibrio. Es confortable y masculino. Representa el color de la tierra.

El color en las páginas web

La teoría del color también se puede aplicar al ámbito digital. El uso del color de un sitio web es muy importante, ya que como se ha explicado, los colores son capaces de transmitir una infinidad de sensaciones o sentimientos. El uso adecuado de un color es una clave segura de éxito para captar la atención de los visitantes de nuestra página web, y se muestren receptivos.

Dentro de la teoría del color, existen los colores pigmento y los colores luz.

Los colores pigmento son los colores físicos (pinturas, tintas…) son el azul cian, el rojo magenta y el amarillo medio con el blanco y el negro (CMYK). Los colores luz (para todo tipo de dispositivos) son el azul, el magenta, el amarillo y el verde, el blanco es la suma de todos estos y el negro es la ausencia total de color (RGB).

Los monitores de ordenador muestran siempre los colores con el modelo RGB, es decir, la mezcla de los tres primarios luz: Rojo (red), verde (green) y el azul (blue). Por lo cual, en la web, un color se define por la cantidad de cada uno de estos colores primarios que contiene, cantidad que va de 0 a 255. Habitualmente se expresa con seis dígitos (RRGGBB) para cada componente.

Un color cualquiera tiene rojo= 20, verde= 120 y azul=170, hablando en decimales. Otro ejemplo sería el negro, representado por R=00, G=00 B=00, pues es la ausencia total del color mientras que el blanco seria R=255 G=255 B=255.

Para una página web exitosa, lo mejor es mezclar colores que sean armónicos entre sí y no usar más de 4 colores para lograr un buen esquema, también utilizaremos las diferentes luminosidades de esos mismo colores.

Por cierto, ¿cuál es tu color preferido?

Glosario de términos

Marca personal: (en inglés Personal Branding) es un concepto de desarrollo personal que consiste en

considerarse uno mismo como una marca, que al igual que las marcas comerciales, debe ser elaborada, transmitida y protegida, con ánimo de diferenciarse y conseguir mayor éxito en las relaciones sociales y profesionales. El concepto surgió como una técnica para la búsqueda de trabajo sea por primera vez o sea como cambio de carrera o profesión. Desarrollar una marca personal consiste en identificar y comunicar las

características que nos hacen sobresalir, ser relevantes, diferentes y visibles en un entorno homogéneo, competitivo y cambiante.

Diseño: se define como el proceso previo de configuración mental, «prefiguración», en la búsqueda de una solución en

cualquier campo. Se aplica habitualmente en el contexto de la industria, ingeniería, arquitectura, arte, comunicación y otras disciplinas que requieren creatividad. El diseño involucra variadas dimensiones que van más allá del aspecto, la forma y el color, abarcando también la función de un objeto y su interacción con el usuario. Durante el proceso se debe tener en cuenta además la funcionalidad, la operatividad, la eficiencia y la vida útil del objeto del diseño.

Actividad de evaluación (2pts)

La actividad debe ser realizada en hojas de reuso, recuerda colocar la fecha

completa, tu nombre, año y sección a la que perteneces (letra en molde).

Diseña tu marca personal (logo) usando técnicas de la psicología del

color, donde se denote tu gusto y personalidad. (puedes apoyarte en el

link del video de youtube)

o Diseño original.

o Usando lápices, colores y/o marcadores.

Responde:

o Cómo crees que tu marca personal puede causar impacto a otras

personas y ejercer liderazgo

Enlace con el Programa de Jóvenes Emprendedores: Liderazgo

https://www.youtube.com/watch?v=JtlsZGQE9GE “5 PASOS PARA CREAR EL MEJOR LOGO DE TU VIDA”

Criterios de evaluación:

Puntualidad.

Pulcritud.

Tomar foto (remitir todas las fotos en un solo archivo en formato PDF) a las actividades de evaluación y

enviar a la sesión correspondiente del aula virtual.

1er Corte

Reseña Histórica del Arte en Venezuela

El arte venezolano, como en otras culturas comienza a manifestarse desde tiempos donde

la existencia humana ya era una realidad. En Venezuela, esa manifestación comienza desde el

período precolombino, con piezas autóctonas moldeadas y pintadas de compleja y fina

decoración. Piezas toscas donde predominaban los motivos geométricos y estilizados. Luego

poco a poco se fueron adoptando formas humanas simplificadas rectangulares o trapezoidales.

En el período colonial, desde los primeros tiempos de la conquista, la pintura fue utilizada

como soporte didáctico e instrumentos de evangelización. A parir de allí, comienza el arte

venezolano a ser influenciado por las formas europeas, a través de obras flamencas, italianas y

españolas, que junto a los grabados y a la presencia de numerosos pintores españoles, sirvieron

de instrumento de aprendizaje y difusión de la pintura en el Nuevo Mundo.

En Venezuela, durante los siglos XVI y XVII, los centros receptores fueron las ciudades de

Caracas, Maracaibo, Coro, Mérida y El Tocuyo. Las primeras manifestaciones pictóricas indican

la vigencia de una pintura localista que reinterpretó según su propia sensibilidad el mundo

icnográfico europeo.

Área: Arte y Patrimonio Contenido 3: Movimiento artístico del siglo

XX en Venezuela. Parte 1

Competencia: Conocer los principales representantes del movimiento artístico de Venezuela del siglo

XX

Para el siglo XVIII, los primeros talleres locales se inician con obras del estilo plenamente

barroco. A raíz de las guerras de independencia (1810-1824), se introduce en la pintura la

escena del género histórico y el retrato de héroe civil y militar.

Movimiento Artístico del siglo XX

No fue sino hasta el siglo XX, cuando en 1912, con la creación del Círculo de Bellas Artes,

un grupo de jóvenes pintores, se opusieron a las enseñanzas académicas y se abrieron a las

corrientes internacionales de la época, como el impresionismo, el postimpresionismo, el

cubismo, el muralismo social y el arte abstracto.

Tras la Segunda Guerra Mundial, la vanguardia artística venezolana se inicia en París, de

un grupo de artistas nativos que experimentaron con la abstracción geométrica y el cinetismo.

Con la caída de la dictadura de Marcos Pérez Jiménez, en 1958 y el surgimiento de la

democracia, se cuestionó la cultura oficial y emergieron expresiones artísticas más libres y

eclécticas, como el informalismo, la nueva figuración y el arte conceptual. El fin de la década de

los 70 atestigua una profusa resonancia del estilo surrealista.

En la década de 1980 hubo un auge de la pintura neoimpresionistas.

Como se pudo apreciar, cada época de la historia venezolana, estuvo signada por una

tendencia, movimiento o expresión artística.

Se definirá cada una de las tendencias artísticas, sus características principales y máximos

representantes en Venezuela.

El Impresionismo:

Movimiento pictórico francés de finales del siglo XIX

que apareció como reacción contra el arte académico. El

movimiento impresionista se considera el punto de partida

del arte contemporáneo. El impresionismo en pintura partió

del desacuerdo con los temas clásicos y con las

encorsetadas fórmulas artísticas preconizadas por la

Academia Francesa de Bellas Artes. Los impresionistas se

preocuparon más por captar la incidencia de la luz sobre el objeto que por la exacta

representación de sus formas, debido a que la luz tiende a difuminar los contornos y refleja los

colores de los objetos circundantes en las zonas de penumbra. Los pintores académicos definían

las formas mediante una gradación tonal, utilizando el negro y el marrón para las sombras. Los

impresionistas eliminaron los detalles minuciosos y tan sólo sugirieron las formas, empleando

para ello los colores primarios.

En Venezuela la influencia del impresionismo se

reforzó con la llegada de dos artistas europeos en 1918,

el rumano Samys Mützner el franco-venezolano Emilio

Bogigio. En este contexto la obra de Armando Reverón

alcanzó una destacada modernidad pictórica gracias a su

profunda investigación lumínica. Su pintura evolucionó a

la abstracción y el simbolismo. Los temas preferidos

fueron el paisaje y el desnudo femenino. Ejemplo; La

La Maja Criolla 1939 Armando Reveron

Paisaje con puente, Emilio Boggio

maja criolla, 1939) al tiempo que su producción se torna

dramática con acentos expresionistas.

Otro exponente de éste movimiento fue Manuel

Cabré. Entre sus obras más conocidas se encuentran:

Vista al Ávila desde la Estación del Ferrocarril Maripérez,

Paisaje, Tarde de Agosto, Ávila desde la Avenida la Mata

de Coco en la Castellana, Vista del Ávila desde Sarría,

Ruinas de Trapiche, autorretrato, entre otros.

El Postimpresionismo:

Movimiento dado en 1886-1906. En él se le da valor al color y la forma dentro de la obra, al

igual que su contenido formal. Cada artista impone un estilo propio, buscando la excelencia.

Surgió como consecuencia del Impresionismo. Este desarrolla una temática y un estilo particular

a partir de los impresionistas. A partir de este movimiento nacen las principales corrientes de arte

del siglo XX.

Los postimpresionistas basaron su obra en el uso del color experimentado por los

impresionistas, pero reaccionaron contra el deseo de reflejar fielmente la naturaleza y

presentaron una visión más subjetiva del mundo. Utilizaron pinceladas rápidas y realizaron una

síntesis del espacio. Las figuras aparecen como recortadas sobre un fondo La pintura es de

contenido emotivo y subjetivo, con énfasis en la línea y el plano y su interrelación, dominio de las

pinceladas, el color se aplica con relieve y se busca la armonía de conjunto en la obra. Sus

exponentes en Venezuela, fueron los mismos del impresionismo.

El Cubismo:

Movimiento artístico que se manifestó sobre

todo en pintura, cuyo objetivo principal era el de

alejarse de la representación naturalista y conseguir

plasmar de modo simultáneo sobre la superficie del

cuadro un objeto visto desde múltiples ángulos. El

cubismo significó un cambio crucial en la historia del

arte, convirtiéndose en el precursor de la abstracción

y de la subjetividad artística. Fue una revolución

contra el sentimentalismo y el realismo de la pintura tradicional,

contra la importancia que se daba al efecto de la luz y el color y

contra la ausencia de formas. Los cubistas rechazan la

perspectiva y el movimiento y le dan primacía a la línea y la

forma. En Venezuela el cubismo tiene numerosos seguidores,

podemos citar a Ángel Hurtado, Armando Barrios y Manuel

Quintanilla como representantes de esta tendencia en nuestro

país.

El Ávila 1967 Manuel Cabré

Ángel Hurtado

Las Planchadoras Manuel Barrios

El Muralismo Social:

Movimiento artístico de carácter indigenista, que

surge tras la Revolución Mexicana de 1910 de acuerdo

con un programa destinado a socializar el arte, y que

rechaza la pintura tradicional de caballete, así como

cualquier otra obra procedente de los círculos

intelectuales. Propone la producción de obras

monumentales para el pueblo en las que se retrata la

realidad mexicana, las luchas sociales y otros aspectos

de su historia. El muralismo se desarrolló e integró

fundamentalmente en los edificios públicos y en la

arquitectura virreinal.

Los muralistas se convirtieron en cronistas de la historia mexicana y del sentimiento

nacionalista, desde la antigüedad hasta el momento actual. La figura humana y el color se

convierten en los verdaderos protagonistas de la pintura. En cuanto a la técnica, redescubrieron

el empleo del fresco y de la encáustica, y utilizaron nuevos materiales y procedimientos que

aseguraban larga vida a las obras realizadas en el exterior. Desde 1922 hasta nuestros días no

se han dejado de hacer murales en México, lo que prueba el éxito y la fuerza del movimiento. En

la década de 1930, la internacionalización del muralismo se extendió a Argentina, Perú y Brasil,

y fue adoptado incluso por Estados Unidos en algunos de sus edificios públicos.

El movimiento muralista, influenció a un grupo de

artistas venezolanos entre los que destacaron; Héctor

Poleo, César Rengifo y Gabriel Bracho. Ellos iniciaron una

temática de crítica social, naciendo así el realismo social

con su claro enfoque orientado a dar a la figura humana

papel protagónico de su drama social. Surge así, quizás

por primera vez, el mensaje del pintor revolucionario,

oponiéndose a una estética que, como la del Círculo, se

juzgaba formalista.

Representó en aquel momento un estilo de transición más

que un arte de ruptura lo suficientemente estructurado como para ejercer una influencia tan

determinante como había sido la de los paisajistas del Círculo, el realismo social jugó un papel

cuyos logros fueron resultado más de la actividad de dos o tres personalidades descollantes que

la de un movimiento amplio y consistente. Los postulados del realismo pueden resumirse en los

siguientes puntos:

Retorno a la figura humana como eje principal de la composición.

Disminución del papel protagónico del paisaje en beneficio de la anécdota o del

tema de contenido social o político.

Simbolismo de la representación.

Empleo de técnicas pictóricas derivadas del realismo mexicano, con predominio de

la composición estática.

La Noche de los Girasoles 1978. César

Rengifo

La Cota 905, 1956. Gabriel Bracho

Carácter escénico del motivo empleando una o varias figuras,

generalmente en primer término

Recurrencia a temas históricos o políticos y escaso interés en

el tratamiento de la luz o en el uso de una gama de colores

claros en función de la observación del natural.

Temas literarios o imaginativos.

Énfasis en lo gestual y en el dinamismo de las masas.

El Arte Abstracto: Este arte consistía en extraer de

una imagen figurativa los elementos esenciales, deformándolos o

modificándolos; en él se tiende a impresionar lo psíquico por

encima de lo puramente visual, se busca una nueva expresión de

la realidad, llegando a oscilar entre dos polos: el acercamiento a

la realidad para entenderla y el alejamiento de ella al

interpretarla. El arte Abstracto es un movimiento que nace con la

creación de la nueva pintura del ruso Wassily Kandinsky en 1910,

en la cual no existía ninguna representación figurativa, sino

formas y colores. Esta tendencia artística se basó, no en la

representación real del objeto, sino en la belleza que el cuadro

pueda reflejar, de allí la importancia del color en las obras

abstractas.

En Venezuela el arte abstracto no llegó a Caracas antes

de 1949, si bien todos los movimientos gestados fuera o dentro de la Escuela de Artes Plásticas

apuntaban hacia él. Este paso a la abstracción fue dado en París por la generación que egresó

de la Escuela entre 1945 y 1946, y de la cual formaban parte aquéllos que serían los pioneros o

protagonistas de los primeros cambios de signo vanguardista que se operaron en el arte

venezolano.

El primero en experimentarlo fue Alejandro

Otero, quien viajó a la capital francesa en 1945. Otero

se convirtió a la postre en el principal teórico del nuevo

arte. Luego viajó, en distintas ocasiones, el resto de

aquella importante generación. En 1950 todos esos

artistas Pascual Navarro, Jesús Soto, Carlos González

Bogen, Mateo Manure, Luis Guevara Moreno, Mercedes

Pardo, Aimée Battistini, Armando Barrios, Dora Hersen,

Rubén Núñez, Perán Erminy, Narciso Debourg,

fundaron en París la revista Los Disidentes, que sirvió

de manifiesto a una toma de partido a favor del arte

más radical por aquel tiempo: el llamado

abstraccionismo geométrico.

Los tres comisarios,

Héctor Poleo. 1942

Las Cafeteras, Alejandro Otero

Mural Uracoa, Manaure Mateo

Ejemplo de Línea de Tiempo

Enlace con el Programa de Jóvenes Emprendedores: Liderazgo

https://www.youtube.com/watch?v=vUCceOuJeNE “Vanguardias Pictóricas Latinoamericanas Siglo XX”

Actividad de evaluación (3pts)

Recuerda colocar la fecha completa, tu nombre, año y sección a la que perteneces.

En tu cuaderno o carpeta con hojas perforadas desarrolla lo siguiente:

Elabora una línea de tiempo de la evolución del arte en Venezuela.

o Diseño original.

o Usando lápices, colores y/o marcadores.

o Puedes guiarte con el ejemplo

Realiza un mapa conceptual (ver glosario de términos) o esquema de las

tendencias artísticas del siglo XX en Venezuela. Parte 1, que incluya

información de los líderes referentes y su obra más importante

Penetrables. Jesús Soto

Esfera. Jesús Soto

Glosario de términos

Difuminar: en un dibujo o pintura, extender el color o las líneas para que pierdan intensidad o para sombrear.

Hacer que algo pierda intensidad o claridad.

Mapa conceptual: es una herramienta gráfica de aprendizaje que se fundamenta en las relaciones que contienen los

conceptos, explicados de una forma jerárquica y que resulta ser eficiente a la hora de aprender sobre un tópico determinado.

Criterios de evaluación:

Puntualidad.

Pulcritud.

Tomar foto (remitir todas las fotos en un solo archivo en formato PDF) a las actividades de evaluación y

enviar a la sesión correspondiente del aula virtual.