evolución de los estilos escultóricos
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EVOLUCIÓN DE LOS ESTILOS ESCULTÓRICOSRecorrido histórico por las formas escultóricas
Asignatura de Volumen, 1º Bachillerato ArtesProfesora: Carmen María Belmonte
Cinceles
Útiles de escultor
•A- Punta o puntero•B- Cincel plano•C- Cincel de cabeza de toro•D- Cincel de uña o dentado
•E- Bujarda•F- Martillo de punta o de desbastar
•G, H – Escofinas•I- Trépano móvil•K- trépano•L- Taladro
La escultura griegaPeríodos:
•Escultura arcaica: siglos VIII-VI a. de C.
•Escultura clásica: siglos V-IV a. de C.
•Escultura helenística: siglos III-I a. de C.
PERÍODO ARCAICO
La escultura tiene
cuatro vistas bien
diferenciadas debido al
proceso de trabajo del
escultor que esculpe el
bloque de piedra por
caras.
Utiliza el puntero, lo
cual , acompañado de
las características del
mármol griego, poroso
y cálido, da unas
superficies de calidades
suaves.
kuroikorai
PERÍODO CLÁSICO
•En el siglo V se usan , además del
puntero, el cincel llano, el dentado y el
trépano, consiguiendo efectos realistas.
•Mirón, Policleto y Fidias , en el primer
período que se caracteriza por la
idealización, el equilibrio y la dignidad
en el tratamiento de las divinidades.
•Praxiteles, Scopas y Lisipo, destacan en
el segundo período , en el que la
idealización, la serenidad y el equilibrio
fueron sustituidos por la expresividad y
acentuación del movimiento. Esto es
debido a que en el siglo IV a. de C. hubo
cambios sociales y políticos en la
sociedad helena (la guerra del
Peloponeso, donde Atenas perdió su
hegemonía como ciudad-estado), lo
cual repercutió en el arte. Discóbolo, de Mirón
Doríforo i Diadumeno de Polícleto
Policleto es el creador del canon, sistema de relaciones matemáticas establecido entre todas las partes del cuerpo. El canon de Policleto es de siete cabezas, el Doríforo, joven portador de lanza, demuestra la exactitud de su canon. El movimiento de esta escultura se encuentra “en potencia”, el joven está quieto pero se intuye que va a moverse, un pie se apoya en el suelo mientras el otro está a punto de iniciar el movimiento, es lo que se denomina ritmo deambulatorio.
Fidias destacó en el tratamiento de los ropajes con abundantes y sinuosos pliegues de las telas que se pegan al cuerpo como paños mojados , revelan un estudio de la anatomía, consiguiendo un efecto de mayor naturalidad en el tratamiento del cuerpo humano. Pericles le encargó la dirección de los trabajos del Partenón, relieves y frontones donde se narran hechos de la mitología y de la cultura griega, además de varias esculturas de bulto redondo. Destaca en el grupo escultórico de las Tres Parcas, la Procesión de las Panateneas, la Atenea Partenos, la Atenea Lemmnia y la efigie del Zeus de Olimpia.
Apolo Sauróctono
Las esculturas de Praxíteles adoptan una lánguida postura en forma de S, la cual se denomina curva praxiteliana , representan cuerpos desnudos y esbeltos (fue el primer escultor griego que representó a la divinidad femenina desnuda) y la postura que se repite, se arquean ligeramente para apoyar un brazo en un soporte, desplazando el otro hombro ligeramente hacia arriba contrarrestando el resto del peso.
Apoxiomeno, de LisipoMénade, de Scopas
Scopas y Lisipo representan el paso del clasicismo al arte helenístico, ambos intentan captar el momento psicológico. Lisipo crea el canon de nueve cabezas, es el escultor oficial de Alejandro Magno.
PERÍODO HELENÍSTICO
Características: la acentuación del
movimiento, del patetismo y de la
tensión, así como de temas
fantásticos y de escenas de tipo
cotidiano, como el Niño de la
espina. De esta época es el grupo de
Laoconte y sus hijos o la Victoria de
Samotracia.
Se utiliza el trépano para dar más
dramatismo a la obra.
Formalmente destaca
la acentuación del
movimiento, del
patetismo y de la
tensión, así como de
temas fantásticos y de
escenas de tipo
cotidiano.
Laoconte y sus hijos
La Victoria de SamotraciaVenus de Milo
La escultura RomanaLos romanos copiaron los originales de la
estatuaria griega, permitiéndonos
conocer esculturas griegas perdidas. Sus
influencias son etruscas y helenísticas,
realistas por tanto.
Destaca el retrato, verdadero estudio
psicológico, sobre todo de emperadores,
o de escuelas locales con retratos
funerarios. La escultura romana destacó
sobre la griega en lo relativo a la creación
de la escultura-retrato.
Los romanos siguen utilizando el trépano,
herencia del arte helenístico.
Relieves del Ara Pacis
Destaca el relieve histórico que narra ceremonias o hazañas bélicas de gran realismo aunque con escaso tratamiento de la perspectiva. Ara Pacis, Arco de Tito , Columna Trajana, son algunas obras señaladas.
Relieves del Ara Pacis
Edad MediaLa Edad Media nunca rompió del todo su punto de unión con
la Antigüedad clásica.
El procedimiento vigente a principios del siglo XII es el de los
escultores arcaicos, es decir, dibujar directamente sobre el
bloque, sin dibujos preparatorios.
Posiblemente los escultores de la Antigüedad cambiaron sus
planteamientos a mediados del siglo V antes de C. viendo la
necesidad de pasar por fases preparatorias; las estatuas
romanas presentan huellas de haber sido punteadas lo que
demuestra que ya entonces era normal trabajar a partir de
modelo. Pero en el siglo XII no era tan fácil, debido a la escasez
de papel, el planear de antemano la elección de una obra,
bien en hueso o piedra. Hasta el siglo XVI el papel es
escasísimo y el pergamino demasiado caro para este tipo de
ejercicios.
En la Edad Media era casi desconocido el término sculptor en
el sentido de artista, y en particular de artista que trabaja tres
dimensiones, no se distinguía entre arquitecto, albañil, cantero
y otros similares.
La función de la escultura románica es
decorar los templos, por este motivo está
supeditada a la arquitectura y no se concibe
como estatuaria exenta. En este sentido
cumple la "ley del marco", teniéndose que
adaptar las figuras a la estructura
arquitectónica.
La escultura va ligada a los talleres de las
catedrales, yendo ligado el trabajo de la
talla con la iglesia.
A partir del siglo XIV se da el proceso de humanización gótica, coincidiendo con una nueva forma de vida, la del burgués. Surgen los gremios y la individualidad del artista, con el nuevo tipo de relación, maestro y cliente, que comienza a desligar al artista de los talleres de las catedrales.
El RenacimientoEn el siglo XV surge la concepción del artista
consciente de sus valores intelectuales y creativos,
que lucha por ser estar reconocido dentro de las
artes liberales ( ciencias lingüísticas y matemáticas)
y ser comparado con poetas, retóricos y
geómetras.
Surge la diferenciación entre modeladores y
escultores. Los modeladores trabajan en cera o
yeso, añadiendo o quitando material y los
escultores o tallistas sólo quitan material y sacan la
figura a la luz.
En su afán de imitar la naturaleza surgen sistemas
para obtener figuras semejantes: la medida y la
definición.
•La medida se realiza con dos instrumentos, la
exempeda y las escuadras móviles. Para tomar
medidas.
•Con el definitor se toman puntos que dan
medidas de las distintas protuberancias y huecos
de una figura
El RenacimientoAntecedentes de Miguel Ángel:
Durante el Quattrocento, S. XIV, el
escultor Donatello, el cual realizó
el primer desnudo en bronce
desde la época de la Grecia clásica
y el escultor Verrochio, a su vez
seguidor del anterior. Ambos
realizaron sendas esculturas del
personaje bíblico David,
recordando el David de Donatello
a las esculturas de la época clásica
griega por la conocida “curva
praxiteliana”, del griego Praxiteles.
David, de DonatelloDavid, de Verrochio
El cuerpo de Cristo es muy fino, sin apenas musculatura. Técnicamente es una escultura muy trabajada con abrasivos, de ahí su extraordinario pulido.
La Pietá: Obra de juventud realizada en 1498, durante su etapa romana. La obra se encuentra en la basílica de San Pedro del Vaticano. Expresa la juventud de María, símbolo de virginidad en el mundo cristiano.
David: Obra de su etapa florentina, realizada entre 1501-05, de más de 5 metros de altura, está realizada en un bloque único de mármol. Aparece el gesto dramático y el ceño fruncido, terribilitá, que conjuga el idealismo con una fuerza y sensación de dinamismo que marcan la transición del Renacimiento al Manierismo.
Escultor, pintor y
arquitecto del
Cinquecento, S XV,
1475-1564. Se formó
desde los trece años
en el estudio del
pintor Ghirlandaio, y
aprendió la técnica de
la escultura con
Bertoldo, discípulo a
su vez de Donatello.
Tumbas de Giulano y Roberto de Medicis: Realizadas durante su segunda etapa florentina, entre 1520-34, representan el día y la noche.
Moisés: Obra realizada entre 1513-16 durante su segunda etapa romana, forma parte del proyecto monumental del sepulcro del Papa Julio II, al cual pertenecen también dos cautivos, Raquel y Lea, sólo debastada la piedra en estas últimas, no las finalizó.
Pietá Rondanini: Realizada durante su
tercera etapa romana, entre 1534-
1564. Renuncia al colosalismo,
cediendo a temas espirituales y
valores simbólicos, la maternidad, el
dolor. La obra quedó inconclusa.
En esta etapa, en 1540, realizó el
busto de Bruto.
Cellini
Cellini, quizá el más dotado de los
escultores, broncistas que hay entre
Miguel Angel y la generación de
Giambologna.
La obra "Dos tratados técnicos sobre
orfebrería y escultura de Cellini, señalan
una línea divisoria entre los antiguos
métodos y los nuevos.
Según Vasari; los escultores para realizar
una figura en mármol realizan una
pequeña en barro, cera, o yeso, como de
un pie de altura. La cera puede aplicarse
sobre un armazón de madera o alambres
de hierro. Esto se emplea aún hoy, pero
Vasari dice que también puede levantarse
un modelo de cera poco a poco sin
armazón. Después se hará otro de tamaño
igual a la figura a realizar en mármol.
El ManierismoEn la segunda mitad del siglo XVI -Período
Manierista-, se pone de moda una
escultura con muchos puntos de vista de
igual importancia.
Esto se refleja en la obra de Giovanni
Bologna, generación siguiente a la de Cellini.
El "Rapto de las Sabinas" refleja el nuevo
ideal de escultura con múltiples vistas.
Hasta ahora la escultura renacentista -
incluida la de Miguel Angel pedía un
espectador estático, en posición fija frente a
la vista principal. El infinito número de vistas
convierte al espectador inmóvil en un
espectador cinético- al hablar de escultura
cinética moderna, se entiende que la
escultura está en movimiento y es
contemplada por un espectador que está
quieto.
Para Bologna el bloque de mármol, no
es algo intocable y es capaz de
liberarse de las limitaciones que la
piedra le imponía.
Esto implica la apertura hacía la
utilización dé más de un bloque de
mármol para una sola figura. Lo que
aprovecharía ya en el sitio XVII,
Bernini.
Gianbologna
Hércules luchando con el centuro Nesseus
Gianbologna
El Barroco Bernini, Bouchardon, Pigalle, Falconet
Bernini, es el gran escultor del siglo XVII.
Rechaza la limitación renacentista de la
forma del bloque y crea así figuras de
fuertes contornos y extremidades que se
alejan nacía el exterior.
No podrá aceptar la escultura de vistas múltiples seguida por Bologna. Y la principal razón es que todas sus obras representan el clímax de una acción. De ahí que necesiten ser contempladas desde un determinado punto de vista, que normalmente el centro de la estatua está precisamente fuera de ella, y solo en el punto de vista adecuado podremos entender el movimiento de la figura.
Bernini
Todas sus obras representan el clímax de una acción. De ahí que necesiten ser contempladas desde un determinado punto de vista, que normalmente el centro de la estatua está precisamente fuera de ella, y solo en el punto de vista adecuado podremos entender el movimiento de la figura.
Uno de los inventos de Bernini es la utilización de la luz dirigida. En contraste con la luz quieta y difusa que empleaban los artistas del Renacimiento, la luz dirigida parece pasajera, inestable y refuerza la sensación de paso que tiene el espectador ante la escena representada.
La policromía, tiene gran importancia para Bernini, pero no hará nunca un uso realista del color. Bernini utilizó escenarios policromos y combinó figuras de bronce y de mármol.
Bouchardon
Ni Bouchardon, ni otros de la época se sintieron
atraídos por la idea de Bernini, de un solo punto de
vista. Volvieron a los principios que inspiraron a los
manieristas del siglo XVI.
Falconet
Pigalle, de inicios modestos, hacía novedades, alejadas de Bernini y de lo clásico. Pero con lo que quizá, da un paso más allá es con la realización de un monumento a un escritor, Voltaire, aún vivo y además desnudo.
Pigalle
Falconet, se identifica con el pensamiento de la Ilustración, lee a los filósofos, pero le interesa más directamente el arte, así rechaza la metafísica y la estética abstracta y adopta un método empírico de investigación y demostración
El NeoclasicismoA finales del Siglo XVIII y principios del
siglo XIX cabe destacar a tres artistas,
Winckelmann, Cánova y Schadow.
Cánova
Cánova, realizaba pequeños modelos en cera, luego de igual tamaño en barro y el traslado al mármol lo dejaba en manos de ayudantes cualificados. Él interviene al final.
Canova
Canova
Winckelmann, era un
estudioso de lo clásico y no
un escultor. Recomienda el
método de Miguel Ángel
para copiar figuras.
Cánova intenta dar al mármol un aspecto flexible. Para ello al final, manchaba la estatua con hollín, pretendiendo romper el blanco brillante del mármol. Esta manera de tratar la piedra puede considerarse como un paso más.
Según Schadow, los dibujos son necesarios, pero no muy útiles, pues sólo pueden mostrar una vista, por ello debe hacerse un boceto y de ahí pasar al modelo. Aconseja sacar en yeso un vaciado del modelo en barro y utilizarlo para el traslado al mármol. Es exactamente lo que hacía Cánova. También habla del método de puntos y el uso de compases.
Schadow
El siglo XIX Rodin, Adolf von Hildebrand
Adolf von Hildebrand parte de que en una obra de arte debe prevalecer sobre todo la forma, por encima de otras consideraciones como la línea o el color. Bajo el influjo de la antigüedad clásica y de Miguel Ángel preconizó el retorno a la talla directa, afirmando que la función de la escultura es, esencialmente, la de embellecer la arquitectura. De ahí que algunas de sus obras, en el extremo opuesto a Rude o Carpeux, sugieren la visión de los volúmenes en reposo. Su escultura “Adolescente”, refleja la pureza, la austeridad y la claridad de formas que siempre preconizó Hildebrand como artista y como teórico
Las vanguardias artísticas: Los
escultores de principios del siglo XX
tomaron conciencia de la diferencia entre
tallado y modelado y entre los más
jóvenes se popularizó el gusto por la
talla así como por las obras de
civilizaciones primitivas, con sus formas
sencillas y cúbicas, y no sólo fue una
reacción contra la ideología clásica sino
que era una reacción contra el
impresionismo de Rodin. Las nuevas
corrientes artísticas de principios de siglo
XX, encabezadas por cubismo,
futurismo, abstracción, surrealismo o
constructivismo, llevan hacia el arte
conceptual y hacia la apertura que éste
significó dentro de las últimas tendencias
de mediados y finales de siglo.
El siglo XX
CUBISMO
“Cabeza de mujer (Fernande)” 1909
Pablo PICASSO (1881-1973)
“Guitarra” 1912
FUTURISMO Umberto BOCCIONI (1882 -1916)
“Formas únicas de la continuidad en el espacio”. 1913
“Desarrollo de una botella en el espacio”. 1912-1913
“Antigrazia”. 1913
ABSTRACCIÓN
“El Beso” . 1912“El pájaro en el espacio”. 1928
Constantin BRANCUSI (1876-1957)
“La columna infinita”. 1928
DADAISMO & SURREALISMO
“Rueda de bicicleta”. 1913
Marcel Duchamp
(1887-1968)
Las llamadas “últimas tendencias artísticas” son el conjunto de movimientos artísticos surgidos en las últimas décadas del siglo XX. Todos ellos tienen en común su actitud de ruptura con el arte tradicional o clásico. Dentro de estas vanguardias artísticas se pueden citar tendencias como: el arte povera, el minimal art, el happening, el pop-art, el land-art, el arte cinético… Estas tendencias persiguen la aproximación del arte a la vida, llegando algunas a proclamar que la vida es arte. Sus obras trascienden los límites del lienzo y de la materia. Realizan obras completas, difícilmente clasificables dentro de la división de las artes tradicionales -pintura, escultura, música, teatro y arquitectura-, ya que estas obra no se pueden enmarcar, ni se hallan situadas sobre pedestales sino que podemos encontrarlas colgadas del techo, flotando, suspendidas en el aire, integradas con la naturaleza, sobre el suelo, etc. estos movimientos trabajan en direcciones creativas distintas.
“Bottle dryer”. 1914 “Fuente” . 1917
“Desnudo bajando por una escalera, nº2”. 1912“La desposada desnuda por sus solteros, incluso”. (El gran cristal). 1915-1923
“Cadeau “. 1921
Man Ray
“Emak Bakia”. 1926
“Le Déjeuner en fourrure”. 1936
Meret Oppenheim
“Traccia”. 1939
“Teléfono-Homard”. 1936
Salvador Dalí
“Bola suspendida”. 1930-1931
Alberto Giacometti
“La mesa surrealista”. 1933
“El palacio a las cuatro de la mañana”. 1932-1933
“Maqueta para el Monumento a la Tercera Internacional”.1919Vladimir TATLIN
CONSTRUCTIVISMO
Antoine Pevsner
“Retrato de Marcel Duchamp”. 1926 “Construcción”. 1938
“Construcción”. 1921 “Modulador de luz y espacio”. 1930
László Moholy-Nagy
ESCULTURA BIOMÓRFICA
“Figura recostada”. 1932
HENRY MOORE
“Rey y reina”. 1952-1953
“Figura recostada nº5”. 1963-1964 HENRY MOORE
“Cabeza con tres objetos desagradables”. 1932 HANS ARP
“Torso femenino”. 1953HANS ARP
HANS ARP
HANS ARP
Barbara HEPWORTH
Barbara HEPWORTH
Barbara HEPWORTH
“Cabeza de toro”. 1943Pablo PICASSO
“Le Nez”. 1947
Alberto Giacometti
(1901-1966)
“Three men walking II”. 1949
“Cane”. 1951
“Diego”. 1953
“Hombre caminando”. 1960
MINIMALISMO
S/T. 1965
Donald Judd
S/T. 1966 DONALD JUDD
S/T. 1971 DONALD JUDD
S/T. 1979 DONALD JUDD
“49 Three-Part Variations in three differents kinds of cube”. 1967-1971
Sol Lewitt
“Incomplete Open Cube”. 1974SOL LEWITT
“Floor plan nº4”. 1976SOL LEWITT
“Four-Sied”. 1997 SOL LEWITT
“Instalación de luces fluorescentes”. 1974 DAN FLAVIN
“Monumento a Tatlin”. 1966DAN FLAVIN
S/T. DAN FLAVIN
“Chain well”. 1964Carl ANDRE
“Equivalent VIII”. 1966Carl ANDRE
“Aluminio y Cinc”. 1970 Carl ANDRE
“Lament for the children”. 1976 Carl ANDRE
“Una mañana temprano”. 1962 Anthony CARO
“Sculpture 2”. 1962 Anthony CARO
“Sun Feast”. 1969-1970 Anthony CARO
“Pleats Flat”. 1974Anthony CARO
POP ART
“Bronce pintado II”. 1964
Jasper Jons
“Monograma”.1955-1959
Robert Rauschenberg
“Head with blue shadow”. 1965
Roy Lichtenstein
Roy LICHTENSTEIN
“Floor Cake”. 1962
Claes Oldenburg
“Miniature Soft Drumset”. 1969
“Giant Ice Bag”. 1969-1970
“Spoonbridge and Cherry”. 1985-1988
“Apple”. 2006
Jeff Koons
“Pink Panther”. 1988“Rabbit”. 1986
“Michael Jackson & Bubbles”. 1988
Jeff KOONS
“Rock and Roll Combo”. 1964
George Segal
George SEGAL
“Nana negra”. 1968-1969
Niki De Saint Phalle
Niki De Saint Phalle
LAND ART & EARTH WORKS
“Stone Line”. 1980
Richard Long
“A line made by walking”. 1967RICHARD LONG
Richard Long
“Caída de asfalto”. 1969
Robert Smithson
“Marco Fotográfico”. 1969
“Floating Island to travel around Manhattan Island”. 1970
“Spiral Jetty”. 1970
“la habitación de tierra de Munich”. 1968
Walter De Maria
“The Lightning Field”. 1974-1977
“Islas rodeadas”. 1980-1983
Cristo & Jeanne-Claude
“El Reichstag empaquetado, Berlín”. 1971-1995
“Los Paraguas”. 1984-1991
“Venus…”. 1967 PISTOLETTO
ARTE POVERA
“Igloo de Giap”. 1968 Mario MERZ
“Scarpe”. 1968 Mario MERZ
“Chevaux”. 1969 Jannis KOUNELLIS
S/T. 1979 Jannis KOUNELLIS
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