diseño durante 1990 2000 - orientación al estudiante...
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INDICE
Introducción....................................................................................................................3
1. Planteamiento del Problema......................................................................................4
2. Hipótesis......................................................................................................................5
3. Trabajo de Campo......................................................................................................6
3.1.1 POSMODERNISMO.................................................................................6
3.1.2 El posmodernismo en el diseño grafico....................................................7
3.2. MINIMALISMO.........................................................................................9
3.2.1. Características del minimalismo...............................................10
3.2.2. Minimalismo en el diseño gráfico..............................................11
3.3. MAXIMALISMO......................................................................................12
3.3.1.Características del maximalismo................................................13
3.3.2. Maximalismo en el diseño gráfico.............................................14
3.4. Consumismo...............................................................................................16
3.4.1. La contracara de la sociedad del consumo...............................17
3.5. Philippe Starck...........................................................................................18
3.5.1. Philippe Starck en Buenos Aires...............................................19
3.6. Hermanos Campana..................................................................................20
4. Conclusiones..............................................................................................................21
5. Bibliografía................................................................................................................22
3
Introducción
La presente tesis tiene como objetivo el estudio de tres movimientos presentes desde
finales del siglo XX hasta la actualidad, siendo éstos maximalismo, minimalismo y
posmodernismo, enfocándonos en la influencia que éstos tuvieron en el diseño gráfico.
Estudiaremos las características de cada corriente para analizar los porqués de la
influencia que tuvo el posmodernismo luego el minimalismo y que actualmente tiene el
maximalismo en la estética de las personas de la época y su entorno.
Así mismo veremos las secuelas que dejó el arte pop en una sociedad que se arraigó al
consumismo, extravagancia y exceso, y además el grito opacado de aquellos que se
levantaron en busca de cambio.
Finalmente tendremos un acercamiento a las obras maximalistas de artistas como l,os
hermanos campana y el francés Philip Starck con su presencia en Buenos aires.
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Planteamiento del problema
El movimiento maximalista repercute a nivel psicológico en las personas de la época y
trasciende a nivel mundial, hasta el punto de desplazar los movimientos minimalistas y
posmodernistas abarcando áreas del diseño, tanto del diseño gráfico como de interiores.
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Hipótesis
En una sociedad consumista, el hombre nunca esta satisfecho, y siempre quiere más,
también es un ser competitivo que busca demostrar su lujo por medio de la exageración
y extravagancia, tendiendo a ocupar todo lo que, a su parecer, esté vacío, aburrido y
silencioso, cerrando así las puertas a corrientes como el minimalismo que no se
acomodan a su estilo de vida saturado.
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POSMODERNISMO
El movimiento posmoderno surge como una de las críticas a el Modernismo.
Puede resumirse como un híbrido del diseño, ya que en el proceso de creación, las
formas extraídas de su contexto temporal y concreto, se combinan al azar y hacen del
diseño decoración pura.
Los primeros defensores del posmodernismo argumentaban que la adhesión del anterior
movimiento moderno a la abstracción geométrica (que negaba el argumento y el
simbolismo) había deshumanizado el diseño, dado que en éste primaba entonces el
funcionalismo y el racionalismo.
El diseño posmodernista se identifica como tal al diferenciar y evolucionar con respecto
al modernismo gobernado por el estilo Bauhaus, en el que se despliega un estilo pulcro
claro y ordenado. A su vez rescata elementos desechados y despreciado por su
antecesor, como lo son las referencias históricas, la decoración y lo domestico alusivo a
las tradiciones, esto para ampliar sus limites de inspiración. Además se puede describir
como una forma intuitiva y espontanea lejana a la racionalización de la comunicación
visual transformándola en una forma subjetiva y excéntrica que convierte al diseñador
mas en un artista.
El posmodernismo desaparece cuando la recesión económica de los años noventa
motivó a los diseñadores a buscar enfoques menos expresivos y más racionales: de este
modo, las atrevidas manifestaciones del "antidiseño" de los años ochenta fueron
sustituidas por la pureza del minimalismo de los noventa.
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El posmodernismo en el diseño gráfico
Sus comienzos se remontan a la década de 1960 con los términos de Supermanierismo y
Supergraficas. El primero de estos términos escondía un afán de menosprecio,
relacionándolo con el manierismo, arte elegante que rompió la supremacía de la belleza
armónica y natural del alto renacimiento perteneciente al siglo XVI.
El Supermanierismo se caracteriza por una suerte de destape de las formas geométricas
tradicionales imperantes en las que se agregaron las diagonales en zigzag a las
estructuras verticales y horizontales.
Las supergraficas surgieron a finales de 1960, consistiendo en la aplicación a gran
escala de diseños gráficos geométricos de colores vibrantes mezcladas con grandes
tipografías dispuestas en construcciones arquitectónicas; paredes y techos entre otros,
permitiendo vivificar estos espacios en extremo planos y desteñidos. Con ello se lograba
modificar las atmósferas, que se caracterizaban por ser frías y deprimentes,
trasladándose con ello un valor de tipo psicológico mucho mas positivo, entusiasta y
agradable para las personas.
Otra característica importante se relaciona con lo meramente decorativo permitiendo la
manipulación y posterior modificación de las perspectivas y disposición de distintas
gamas de colores vitalizando de esta forma los espacios.
Las Supergraficas adquirieron una gran valor comercial y publicitario para empresas y
tiendas en los años setentas, tendiendo profundos lazos comunicadores entre diseño
gráfico y arquitectura.
"The Language of Michael Graves"
Exhibition poster announcing an exhibition of drawings by architect Michael Graves.
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MINIMALISMO
En el año 1965, en un artículo publicado en la revista Art Magazine, el filósofo Richard
Wolheim utiliza el término “minimal” para referirse a las pinturas de campo de color de
Ad Reinhart, una serie compuesta por superficies de un metro cincuenta de tamaño en
las que una oscura cruz se perdía a primera vista en un fondo de tono muy similar. El
término de Wolheim se usaría posteriormente para definir una serie de obras de
principios de los 60 que enfrentaban al expresionismo abstracto con formas puras. Así
se formaliza el nacimiento del “Minimal Art”, también conocido como Minimalismo.
El surgimiento del minimalismo fue a finales de la década del 60 en Nueva York, con
orígenes en Europa, gracias al prestigioso arquitecto alemán Ludwig Mies Van Der
Rohe, reconocido hoy como uno de los arquitectos más importantes de este siglo.
Los artistas minimalistas reducen la expresión de su arte a lo más mínimo. En el caso de
la pintura, ésta también es conocida como “pintura del silencio” ya que las obras se
apartan del "ruido" de formas y objetos de la sociedad de consumo, se oponen al
“bullicio” del Pop-Art en aquella época, intentan realizar una síntesis formal y
conceptual del arte, muestran la esencia de la obra sin ningún ornamento que le
acompañe. La filosofía que más lo caracteriza es “Menos es más” dicha por el señor
Mies Van Der Rohe.
Pero no fue si no hasta en los años 80 que el minimalismo ejerció influencia no solo en
la arquitectura y el diseño sino también en la pintura, la moda y música. El minimalismo
va muy bien con edificaciones de arquitectura moderna, aunque también puede aplicarse
a construcciones antiguas siempre que no sean rústicas.
En el año 1963 Donald Judd nos trae un “sin título”, este título se vuelve uno de los más
famosos y usados, ya que alude a la idea “menos es más” . El estadounidense Sol leWitt
crea “objectivity” en el 1962. A este concepto minimalista se unen otros artistas, otro
ejemplo es de Dan Flavin que crea un “sin título” en honor a Harold Joachin en el 1977,
Danl Flavin usa mayormente tubos de luz. Frank stella crea “aqbatana II” en el año
1968 que trae un colorido interesante y una introducción de bastidores, en los cuales el
desarrollo de sus pinturas es características de colores y figuras geométricas.
Un ejemplo de minimalismo en argentina es el Hotel Sofitel. El edificio forma parte de
un conjunto con dos alas de viviendas hechas en ladrillo y un volumen exento de
oficinas fabricado en vidrio y aluminio.
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LAS CARACTERÍSTICAS DEL MINIMALISMO
La simplicidad es lo que más caracteriza el minimalismo, líneas puras, espacios
despejados y colores neutros. Utilizar formas simples y geométricas realizadas con
precisión mecánica, trabajar con materiales industriales de la manera más neutral
posible y diseñar sobre superficies limpias. Todo debe ser suavidad, serenidad y orden,
nada de elementos sobrantes y ostentosos, llenos de excesos, muchas veces ajenos al
mundo exterior. Simplemente sobriedad sin ornamentación. En el minimalismo todos
los elementos deben combinar y formar una unidad, priorizando el todo sobre las partes.
El espacio en sí es de gran importancia, nunca dominado por los elementos decorativos.
Una de las principales características del minimalismo es el uso de colores puros, con
superficies o fondos monocromáticos, de tonos suaves predominando el blanco y el
crudo. También se incorporan contrastes de negro con sutiles toques de color para
acentuar detalles y accesorios.
Los materiales son claves del minimalismo. En la ambientación minimalista se utiliza la
madera, tanto en pisos como en muebles, y los materiales rústicos: cemento alisado,
vidrio, alambre de acero, venecita y piedras, principalmente en estado natural,
mínimamente manipulados.
"sin titulo" Donald Judd
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El minimalismo en el diseño gráfico
Como ya hemos dicho el minimalismo está destinado a ser calmado y supremamente
sencillo, la idea es llevar al observador a lo básico de la pieza. Por lo tanto, los diseños
minimalistas ofrecen contenidos visuales concretos abordados de la simplicidad de los
recursos gráficos que se deben emplear para lograr desarrollos consecuentes, sin
distracciones.
El diseño gráfico minimalista sigue las características propias del estilo: la abstracción,
la economía de lenguaje, estructuras puras y funcionales, orden, reducción, síntesis,
sencillez y concentración.
12
MAXIMALISMO
El maximalismo surge a finales del siglo XX y principios del siglo XXI. En este
movimiento mas es más, siempre que exista una intención tanto en el emisor como del
receptor. Uno de los pensamientos maximalistas es “ todo es posible, aceptable y
respetable; cada obra de arte conlleva un esfuerzo y por lo tanto una valoración del
receptor, pero el punto de vista critico solo depende de cada ser humano" este es el
pensamiento de un artista impulsor del movimiento maximalista en Daryush Shokof.
El maximalismo surge como respuesta contraria al minimalismo, donde “menos es
más” y predomina la sencillez y vacío. En el maximalismo podemos observar que los
espacios se caracterizan por estar recargados en su máxima expresión. Reaparecen las
formas onduladas, los zócalos altos, las molduras, la boisserie, los casetones en
cielorrasos y los estucados venecianos. Desaparece el ángulo recto y vuelven los
ornamentos, los acabados sofisticados y las formas caprichosas.
Este movimiento es muy actual y por tal motivo aún carece de perspectiva suficiente
como para ser contrastada o hablar sobre la historia. Sin embargo, ya que es atribuible al
arte, se destaca por dos variables muy importantes: cada cosa es importante en toda su
dimensión y puede ser valorada de distintas formas. En el maximalismo la capacidad de
crear se multiplica, crece y se enriquece por toda la variedad que existe y por qué todo
es posible.
El nombre maximalismo agrupa las intenciones de los diseñadores que están
construyendo una nueva modernidad compleja y eléctrica. Ha sacudido todas las
disciplinas e incluso ha servido para que estas se hayan combinado y den lugar a nuevas
materias multidisciplinarias. El diseño de moda, fue uno de los primeros campos donde
el maximalismo empezó a tener forma. Distintos materiales como cuero, charol, gasa y
tachuelas impregnan la ropa de firmas como Dolce & Gabanna, Versace o Vivienne
Westwod, su frase, "Nunca es demasiado". Se busca la originalidad mediante formas y
colores singulares.
Ha transformado disciplinas como la joyería, el cine, la literatura o el diseño grafico,
que se rigen por instrumentos conceptuales y técnicos que buscan las ambigüedades, las
tensiones y los órdenes transgredidos.
El ornamento ya no es un delito, las telas, los acabados sofisticados, la mezcla de
muebles antiguos y futuristas conforman ambientes ricos en sensaciones donde la
belleza es lo que importa.
Posee un lenguaje complejo, eléctrico y caprichoso. Está dirigido a personas
ambiciosas, con pretensiones, a lugares donde prima la creatividad sin prejuicios.
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Maximalismo en el diseño gráfico
Características del Maximalismo
El maximalismo combina estilos de todas las épocas, desde muebles antiguos a
futuristas. Se trata de un estilo ostentoso que inunda espacios con estampados, texturas,
colores y formas, pero siempre combinando cada elemento con precisión y buen gusto .
Con el maximalismo desaparece el ángulo recto y vuelven los ornamentos, los acabados
sofisticados y las formas caprichosas.
Se utiliza el terciopelo, las panas, telas muy pesadas y una combinación variada de
colores como damascos, verdes limas y violetas.
La luz se transforma en un recurso de ambientación teatral, dramática, por lo que los
candelabros son bien recibidos.
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Consumismo
La llamada sociedad de consumo, apareció como consecuencia de la producción en
masa de bienes, en la que era más fácil fabricar los productos que venderlos, por lo que
el esfuerzo empresarial se desplazó hacia su comercialización.
A partir de la segunda guerra mundial, cuando la producción cobró una gran
importancia, se ocasionó un gran incremento de la producción industrial. Importantes
sectores sociales de los países industrializados aumentaron, considerablemente, el poder
adquisitivo. Para mantener y aumentar el nivel de ganancias de los empresarios, fue
necesario elevar el consumo, para lo cual se incorporó a los sectores medios y bajos en
el mercado consumidor de productos antes reservados a las clases privilegiadas, tales
como, electrodomésticos, automóviles, etc… formando un círculo en el cual tanto la
producción como el consumo debían conservar un equilibrio.
Para lograr este objetivo en Estados Unidos fue creado un estilo de vida llamado
“American way of life” (estilo de vida americano) Para ello, se utilizaron dos
elementos: la publicidad y la disminución de la calidad de los productos, con el fin de
que tuvieran menor vida útil y por lo tanto, fuera necesario reponerlos más rápidamente.
La sociedad del consumo es un modelo basado en el consumo masivo, que aumentaba el
estilo de vida de los obreros y los alejaba de los posibles conflictos de vida sociales.
Dos elementos fundamentales ayudaron a instalar el consumismo: la publicidad y las
ventas a crédito.
Mientras tanto en 1950 surge un movimiento llamado “Arte popular”. Se caracteriza por
el empleo de imágenes y temas tomados de la sociedad de consumo y de la
comunicación de masas y los aplican al arte.
El Arte Pop utiliza imágenes conocidas con un sentido diferente para lograr una postura
estética o alcanzar una postura crítica de la sociedad de consumo. Como su propio
nombre indica "Arte Popular", toma del pueblo los intereses y la temática.
El mundo ideal y fantástico era aquel al que solo se podía entrar comprando
determinadas “marcas” de productos. Y esto fue estimulado por el cine, la radio, la
televisión, los diarios y las revistas.
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La contracara de la sociedad del consumo
En los 60 empezaron varios movimientos que se oponía a esta sociedad de consumo,
individualista y competitiva de la que ya hemos hablado.
Algunos de estos movimientos se produjeron alrededor de la música rock. El
movimiento rock se originó en Inglaterra y Estados Unidos. Otro de los movimientos
fue el movimiento hippie de los “60 que vivían en comunidades, optaron por una
indumentaria informal, incorporaron el consumo de drogas, al que consideraban una
forma de liberarse de una realidad que les resultaba opresiva. El consumo.
El otro movimiento juvenil fue político. Se originó en las universidades francesas e
italianas y se extendió a los centros universitarios de Europa y de Latinoamérica. Se
caracterizaba por una orientación izquierdista, antiimperialista, anticolonialista y
antisoviética. Estaban influidos por las obras de Karl Marx, Hebert Marcuse, el chino
Mao Zedong y el francés Jean Paul Sartre. Fue un movimiento más clasista que el
movimiento rock y hippie.
Teniendo en cuenta que en esta misma época de los años ’60 surgió el movimiento del
minimalismo en Nueva York. En el cual el concepto era salir del consumismo y la
opresión de la época, con un arte muy simple. Donde menos es más.
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Philippe Patrick Starck
(París, 18 de enero de 1949)
Diseñador industrial francés reconocido mundialmente por la funcionalidad de sus
diseños y la estética de los mismos.
Starck estudió en la escuela de Nissim de Camondo en París. En 1968 fundó su primera
empresa, que produjo objetos hinchables. En 1969 se convirtió en director artístico de
Cardin.
En 1974 se estableció en los Estados Unidos y dos años más tarde volvió a París, donde
proyectó su primer night club, "La main bleu", y el local nocturno "Les Bains-
Douches". En 1979 fundó la empresa "Starck Product".
Durante los años 1980 renovó los apartamentos privados del presidente francés François
Mitterand en el Palais de l'Elysée, realizó la decoración de los interiores del Café Costes
en París y se encargó de los interiores del caffé Manin en Tokio. También fue el
responsable de la decoración de los interiores del Hotel Royalton de Nueva York y
proyectó los planos para los locales de la cuchillería francesa Lagouiole. A fines de la
década de 1980, construyó el barco "La Fiamma" para la empresa Asahi y el inmueble
Nani Nani para Rikugo en Tokio. Además se ocupó del diseño de interiores del Teatriz
y de Ramses en Madrid y fue el responsable de la decoración de interiores del Hotel
Paramont.
En 1991 participó en la construcción del Groningen Museum, construyó el edificio de
oficinas Le Baron Vert en Osaka para Meisei y se ocupó de una serie de residencias
particulares, como Lemoult (París), L'Angle (Amberes), 18 maisons de rapport en Los
Ángeles y una residencia particular en Madrid. A fines de los años 1990, creó el
catálogo de Good Goods con La Redoute.
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Philippe Starck en Buenos Aires
Philippe Starck fue el encargado de diseñar los interiores del Faena Hotel en la ciudad
de Buenos Aires, Argentina.
Lo siguiente es un segmento de una entrevista en la que el diseñador habla sobre el hotel
que él decoró:
"-El hotel de Alan Faena es uno de los más lujosos y sofisticados de la Argentina. Y lo
decoró usted...
-Si usted analiza el conjunto de mi obra, en hotelería puedo diseñar el hotel más lujoso
y el hotel más económico con el mismo respeto, la misma creatividad, la misma
generosidad. Soy el único en el mundo que ha estado en los dos extremos. Es decir, el
único que puede diseñar una nave espacial para el proyecto Virgin Galactic, que vale
200 millones de dólares, y, al mismo tiempo, un biberón de dos dólares. Soy el único
que puede hacer objetos completamente metafóricos y poéticos, como muebles y
lámparas. El hotel del que usted habla representa, antes que nada, a Alan (Faena). Hay
proyectos en los que soy totalmente yo, y hay otros proyectos donde el iniciador del
proyecto es una persona tan fuerte que resulta más interesante ponerme detrás, y servir
a esa visión."
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Hermanos Campana
Los hermanos brasileños Fernando Campana y Humberto Campana son actualmente
los diseñadores latinoamericanos más reconocidos del mundo. La característica
principal de sus obras se basa en el uso de materiales naturales y económicos, las que ya
ocupan un lugar en los grandes museos internacionales.
Humberto Campana nació en Rio Claro, São Paulo, Brasil, el 17 de marzo de 1953. En
1972 entró a estudiar leyes en la Universidad de São Paulo. Luego de dedicarse de lleno
al diseño, en 1998 trabajó como instructor de Diseño Industrial en la Fundación
Armando Alvares Penteado (FAAP) de São Paulo y en 1999 hasta el 2000 en el MUBE
(Museo Brasilero de Escultura) de la misma ciudad. Fernando Campana nació en
Brotas, São Paulo, Brasil, el 19 de mayo de 1961. En 1979 entró a estudiar arquitectura
en la Escuela de Bellas Artes de São Paulo. En el ámbito profesional, en 1983, trabajó
como asistente y monitor en XVII Biennal de Arte Internacional de São Paulo. Luego,
desde 1998 hasta el 2000, trabajó como instructor de Diseño Industrial en la FAAP de
São Paulo y en 1999 hasta el 2000 en el MUBE, al igual que su hermano.
Los hermanos Campana comenzaron a emerger en la década de los 80. Humberto,
egresado de derecho, cuando ya acababan los años 70, decidió dedicarse a convertir
materiales reciclables y económicos en objetos decorativos. Por su parte, Fernandose
encontraba finalizando la carrera de arquitectura, sumándose al proyecto corto tiempo
después. Los llamativos trabajos que realizaban, comenzaron a hacerse reconocidos y
exhibidos en galerías paulatinamente. En 1989 fue su primera exposición llamada
'Desconfortáveis', principalmente de sillas, realizada en el Museo de Arte de São Paulo,
la cual los consagró como diseñadores. Su primer salto internacional se produjo luego
de que la revista Domus dedicara un artículo a sus creaciones, hecho que acaparó las
miradas de importantes firmas europeas.2 Han sido galardonados con múltiples premios
entre los que se destaca el George Nelson Design Award, el del primer lugar en la Feria
Internacional del Mueble de Valencia y el de Diseñador del Año 2008 en Design
Miami. Actualmente tienen un lugar ganado en el Museo de Arte Moderno de Nueva
York (MOMA), en el Museo de Diseño Vitra de Alemania y en el Centro Georges
Pompidou de París.
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Conclusión
Aunque el minimalismo no fue desplazado por completo según el arquitecto Gustavo
Pelaez, de concepto urbano, quien afirma que: "No es que el minimalismo esté
retrocediendo. Lo que ocurre es que ahora se tiene mucho más criterio estético en
materia de decoración. El gusto se ha personalizado. Ya no se adquiere un mueble
porque esté de moda, sino que se opta por enseres confortables. Se prioriza, por
ejemplo, la comodidad de un sillón a que sea moderno". Sí está claro que no predomina
en la mayor parte de la sociedad consumista.
Otra opinión importante es la del decorador Fernando Viceconte, estudioso de las
tendencias, quien es muy claro al respecto: "En realidad el minimalismo nunca formó
parte de nuestro entorno, ni aun estando de moda. No podía satisfacer nuestras
necesidades y nunca formó parte de lo cotidiano. Quienes lo adoptaron lo han tenido
que modificar, día tras día, buscando aquello que los identificara y que se adecuara a su
modus vivendi". Destaca que es sólo una moda, una corriente que conquista y capta a
quienes no tienen un estilo personal.
Aunque no haya un estudio que se especialice y se base en la influencia del consumismo
en los movimientos minimalismo y maximalismo. Con la información recopilada y
basándonos en los tiempos que surgieron estos movimientos podemos concluir que el
maximalismo surge de la necesidad de consumo que las personas han incorporado en su
estilo de vida.
En conclusión según nuestro trabajo de campo y algunas opiniones de varios
especialistas en la materia se podría decir que la tendencia del minimalismo fue
desplazada o fue quien reforzó el maximalismo. Por el motivo de que el consumismo
que viene desde algunas décadas atrás, siempre predominó o tuvo mayor auge en las
personas, la mentalidad humana, en su mayoría, piensa que entre más se tiene mejor se
vive "siempre es mejor tener más". Una mentalidad muy parecida a la de “nunca es
demasiado” del espíritu de Dolce & Gabanna Donatella Versace.
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Bibliografia
Anonimo seudónimo “Orígenes del minimalismo en el arte”
Anonimo seudónimo “El minimalismo: piezas gráficas”
Pigna, Felipe “Historia El Mundo Contemporáneo Polimodal A-Z” en AAVV
Claudio “el movimiento hippie la contracultura en la década de los 60 cambios”,
historia y biografias, noviembre 2014
Romero, Natalia “Sintesis del minimalismo al maximalismo” Noviembre de
2011
Garcia, Roxana, “Maximalismo, una tendencia que se viene” la Nacion, pagina
web.
Claudio, “la sociedad de consumo origen historia características” historia y
biografias, noviembre 2014
Longhauser, William, "The Language of Michael Graves", página web.
Cifuentes, Mauricio. "HISTORIA DEL DISEÑO GRÁFICO", blog. Viernes,
julio 06, 2007
Referencias web: http://www.universaldeco.es/hermanos-campana-diseno-
sostenible/ ; http://diario.elmercurio.cl/detalle/index.asp?id={fef540fd-eddd-
4b33-b1d7-b75cedfa5b74}A<DEGTASDSDXF
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