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Diseño durante 1990-2000

Introducción a la investigación

Laura Güiza

Stephania León

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INDICE

Introducción....................................................................................................................3

1. Planteamiento del Problema......................................................................................4

2. Hipótesis......................................................................................................................5

3. Trabajo de Campo......................................................................................................6

3.1.1 POSMODERNISMO.................................................................................6

3.1.2 El posmodernismo en el diseño grafico....................................................7

3.2. MINIMALISMO.........................................................................................9

3.2.1. Características del minimalismo...............................................10

3.2.2. Minimalismo en el diseño gráfico..............................................11

3.3. MAXIMALISMO......................................................................................12

3.3.1.Características del maximalismo................................................13

3.3.2. Maximalismo en el diseño gráfico.............................................14

3.4. Consumismo...............................................................................................16

3.4.1. La contracara de la sociedad del consumo...............................17

3.5. Philippe Starck...........................................................................................18

3.5.1. Philippe Starck en Buenos Aires...............................................19

3.6. Hermanos Campana..................................................................................20

4. Conclusiones..............................................................................................................21

5. Bibliografía................................................................................................................22

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Introducción

La presente tesis tiene como objetivo el estudio de tres movimientos presentes desde

finales del siglo XX hasta la actualidad, siendo éstos maximalismo, minimalismo y

posmodernismo, enfocándonos en la influencia que éstos tuvieron en el diseño gráfico.

Estudiaremos las características de cada corriente para analizar los porqués de la

influencia que tuvo el posmodernismo luego el minimalismo y que actualmente tiene el

maximalismo en la estética de las personas de la época y su entorno.

Así mismo veremos las secuelas que dejó el arte pop en una sociedad que se arraigó al

consumismo, extravagancia y exceso, y además el grito opacado de aquellos que se

levantaron en busca de cambio.

Finalmente tendremos un acercamiento a las obras maximalistas de artistas como l,os

hermanos campana y el francés Philip Starck con su presencia en Buenos aires.

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Planteamiento del problema

El movimiento maximalista repercute a nivel psicológico en las personas de la época y

trasciende a nivel mundial, hasta el punto de desplazar los movimientos minimalistas y

posmodernistas abarcando áreas del diseño, tanto del diseño gráfico como de interiores.

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Hipótesis

En una sociedad consumista, el hombre nunca esta satisfecho, y siempre quiere más,

también es un ser competitivo que busca demostrar su lujo por medio de la exageración

y extravagancia, tendiendo a ocupar todo lo que, a su parecer, esté vacío, aburrido y

silencioso, cerrando así las puertas a corrientes como el minimalismo que no se

acomodan a su estilo de vida saturado.

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POSMODERNISMO

El movimiento posmoderno surge como una de las críticas a el Modernismo.

Puede resumirse como un híbrido del diseño, ya que en el proceso de creación, las

formas extraídas de su contexto temporal y concreto, se combinan al azar y hacen del

diseño decoración pura.

Los primeros defensores del posmodernismo argumentaban que la adhesión del anterior

movimiento moderno a la abstracción geométrica (que negaba el argumento y el

simbolismo) había deshumanizado el diseño, dado que en éste primaba entonces el

funcionalismo y el racionalismo.

El diseño posmodernista se identifica como tal al diferenciar y evolucionar con respecto

al modernismo gobernado por el estilo Bauhaus, en el que se despliega un estilo pulcro

claro y ordenado. A su vez rescata elementos desechados y despreciado por su

antecesor, como lo son las referencias históricas, la decoración y lo domestico alusivo a

las tradiciones, esto para ampliar sus limites de inspiración. Además se puede describir

como una forma intuitiva y espontanea lejana a la racionalización de la comunicación

visual transformándola en una forma subjetiva y excéntrica que convierte al diseñador

mas en un artista.

El posmodernismo desaparece cuando la recesión económica de los años noventa

motivó a los diseñadores a buscar enfoques menos expresivos y más racionales: de este

modo, las atrevidas manifestaciones del "antidiseño" de los años ochenta fueron

sustituidas por la pureza del minimalismo de los noventa.

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El posmodernismo en el diseño gráfico

Sus comienzos se remontan a la década de 1960 con los términos de Supermanierismo y

Supergraficas. El primero de estos términos escondía un afán de menosprecio,

relacionándolo con el manierismo, arte elegante que rompió la supremacía de la belleza

armónica y natural del alto renacimiento perteneciente al siglo XVI.

El Supermanierismo se caracteriza por una suerte de destape de las formas geométricas

tradicionales imperantes en las que se agregaron las diagonales en zigzag a las

estructuras verticales y horizontales.

Las supergraficas surgieron a finales de 1960, consistiendo en la aplicación a gran

escala de diseños gráficos geométricos de colores vibrantes mezcladas con grandes

tipografías dispuestas en construcciones arquitectónicas; paredes y techos entre otros,

permitiendo vivificar estos espacios en extremo planos y desteñidos. Con ello se lograba

modificar las atmósferas, que se caracterizaban por ser frías y deprimentes,

trasladándose con ello un valor de tipo psicológico mucho mas positivo, entusiasta y

agradable para las personas.

Otra característica importante se relaciona con lo meramente decorativo permitiendo la

manipulación y posterior modificación de las perspectivas y disposición de distintas

gamas de colores vitalizando de esta forma los espacios.

Las Supergraficas adquirieron una gran valor comercial y publicitario para empresas y

tiendas en los años setentas, tendiendo profundos lazos comunicadores entre diseño

gráfico y arquitectura.

"The Language of Michael Graves"

Exhibition poster announcing an exhibition of drawings by architect Michael Graves.

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MINIMALISMO

En el año 1965, en un artículo publicado en la revista Art Magazine, el filósofo Richard

Wolheim utiliza el término “minimal” para referirse a las pinturas de campo de color de

Ad Reinhart, una serie compuesta por superficies de un metro cincuenta de tamaño en

las que una oscura cruz se perdía a primera vista en un fondo de tono muy similar. El

término de Wolheim se usaría posteriormente para definir una serie de obras de

principios de los 60 que enfrentaban al expresionismo abstracto con formas puras. Así

se formaliza el nacimiento del “Minimal Art”, también conocido como Minimalismo.

El surgimiento del minimalismo fue a finales de la década del 60 en Nueva York, con

orígenes en Europa, gracias al prestigioso arquitecto alemán Ludwig Mies Van Der

Rohe, reconocido hoy como uno de los arquitectos más importantes de este siglo.

Los artistas minimalistas reducen la expresión de su arte a lo más mínimo. En el caso de

la pintura, ésta también es conocida como “pintura del silencio” ya que las obras se

apartan del "ruido" de formas y objetos de la sociedad de consumo, se oponen al

“bullicio” del Pop-Art en aquella época, intentan realizar una síntesis formal y

conceptual del arte, muestran la esencia de la obra sin ningún ornamento que le

acompañe. La filosofía que más lo caracteriza es “Menos es más” dicha por el señor

Mies Van Der Rohe.

Pero no fue si no hasta en los años 80 que el minimalismo ejerció influencia no solo en

la arquitectura y el diseño sino también en la pintura, la moda y música. El minimalismo

va muy bien con edificaciones de arquitectura moderna, aunque también puede aplicarse

a construcciones antiguas siempre que no sean rústicas.

En el año 1963 Donald Judd nos trae un “sin título”, este título se vuelve uno de los más

famosos y usados, ya que alude a la idea “menos es más” . El estadounidense Sol leWitt

crea “objectivity” en el 1962. A este concepto minimalista se unen otros artistas, otro

ejemplo es de Dan Flavin que crea un “sin título” en honor a Harold Joachin en el 1977,

Danl Flavin usa mayormente tubos de luz. Frank stella crea “aqbatana II” en el año

1968 que trae un colorido interesante y una introducción de bastidores, en los cuales el

desarrollo de sus pinturas es características de colores y figuras geométricas.

Un ejemplo de minimalismo en argentina es el Hotel Sofitel. El edificio forma parte de

un conjunto con dos alas de viviendas hechas en ladrillo y un volumen exento de

oficinas fabricado en vidrio y aluminio.

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LAS CARACTERÍSTICAS DEL MINIMALISMO

La simplicidad es lo que más caracteriza el minimalismo, líneas puras, espacios

despejados y colores neutros. Utilizar formas simples y geométricas realizadas con

precisión mecánica, trabajar con materiales industriales de la manera más neutral

posible y diseñar sobre superficies limpias. Todo debe ser suavidad, serenidad y orden,

nada de elementos sobrantes y ostentosos, llenos de excesos, muchas veces ajenos al

mundo exterior. Simplemente sobriedad sin ornamentación. En el minimalismo todos

los elementos deben combinar y formar una unidad, priorizando el todo sobre las partes.

El espacio en sí es de gran importancia, nunca dominado por los elementos decorativos.

Una de las principales características del minimalismo es el uso de colores puros, con

superficies o fondos monocromáticos, de tonos suaves predominando el blanco y el

crudo. También se incorporan contrastes de negro con sutiles toques de color para

acentuar detalles y accesorios.

Los materiales son claves del minimalismo. En la ambientación minimalista se utiliza la

madera, tanto en pisos como en muebles, y los materiales rústicos: cemento alisado,

vidrio, alambre de acero, venecita y piedras, principalmente en estado natural,

mínimamente manipulados.

"sin titulo" Donald Judd

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El minimalismo en el diseño gráfico

Como ya hemos dicho el minimalismo está destinado a ser calmado y supremamente

sencillo, la idea es llevar al observador a lo básico de la pieza. Por lo tanto, los diseños

minimalistas ofrecen contenidos visuales concretos abordados de la simplicidad de los

recursos gráficos que se deben emplear para lograr desarrollos consecuentes, sin

distracciones.

El diseño gráfico minimalista sigue las características propias del estilo: la abstracción,

la economía de lenguaje, estructuras puras y funcionales, orden, reducción, síntesis,

sencillez y concentración.

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MAXIMALISMO

El maximalismo surge a finales del siglo XX y principios del siglo XXI. En este

movimiento mas es más, siempre que exista una intención tanto en el emisor como del

receptor. Uno de los pensamientos maximalistas es “ todo es posible, aceptable y

respetable; cada obra de arte conlleva un esfuerzo y por lo tanto una valoración del

receptor, pero el punto de vista critico solo depende de cada ser humano" este es el

pensamiento de un artista impulsor del movimiento maximalista en Daryush Shokof.

El maximalismo surge como respuesta contraria al minimalismo, donde “menos es

más” y predomina la sencillez y vacío. En el maximalismo podemos observar que los

espacios se caracterizan por estar recargados en su máxima expresión. Reaparecen las

formas onduladas, los zócalos altos, las molduras, la boisserie, los casetones en

cielorrasos y los estucados venecianos. Desaparece el ángulo recto y vuelven los

ornamentos, los acabados sofisticados y las formas caprichosas.

Este movimiento es muy actual y por tal motivo aún carece de perspectiva suficiente

como para ser contrastada o hablar sobre la historia. Sin embargo, ya que es atribuible al

arte, se destaca por dos variables muy importantes: cada cosa es importante en toda su

dimensión y puede ser valorada de distintas formas. En el maximalismo la capacidad de

crear se multiplica, crece y se enriquece por toda la variedad que existe y por qué todo

es posible.

El nombre maximalismo agrupa las intenciones de los diseñadores que están

construyendo una nueva modernidad compleja y eléctrica. Ha sacudido todas las

disciplinas e incluso ha servido para que estas se hayan combinado y den lugar a nuevas

materias multidisciplinarias. El diseño de moda, fue uno de los primeros campos donde

el maximalismo empezó a tener forma. Distintos materiales como cuero, charol, gasa y

tachuelas impregnan la ropa de firmas como Dolce & Gabanna, Versace o Vivienne

Westwod, su frase, "Nunca es demasiado". Se busca la originalidad mediante formas y

colores singulares.

Ha transformado disciplinas como la joyería, el cine, la literatura o el diseño grafico,

que se rigen por instrumentos conceptuales y técnicos que buscan las ambigüedades, las

tensiones y los órdenes transgredidos.

El ornamento ya no es un delito, las telas, los acabados sofisticados, la mezcla de

muebles antiguos y futuristas conforman ambientes ricos en sensaciones donde la

belleza es lo que importa.

Posee un lenguaje complejo, eléctrico y caprichoso. Está dirigido a personas

ambiciosas, con pretensiones, a lugares donde prima la creatividad sin prejuicios.

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Maximalismo en el diseño gráfico

Características del Maximalismo

El maximalismo combina estilos de todas las épocas, desde muebles antiguos a

futuristas. Se trata de un estilo ostentoso que inunda espacios con estampados, texturas,

colores y formas, pero siempre combinando cada elemento con precisión y buen gusto .

Con el maximalismo desaparece el ángulo recto y vuelven los ornamentos, los acabados

sofisticados y las formas caprichosas.

Se utiliza el terciopelo, las panas, telas muy pesadas y una combinación variada de

colores como damascos, verdes limas y violetas.

La luz se transforma en un recurso de ambientación teatral, dramática, por lo que los

candelabros son bien recibidos.

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Consumismo

La llamada sociedad de consumo, apareció como consecuencia de la producción en

masa de bienes, en la que era más fácil fabricar los productos que venderlos, por lo que

el esfuerzo empresarial se desplazó hacia su comercialización.

A partir de la segunda guerra mundial, cuando la producción cobró una gran

importancia, se ocasionó un gran incremento de la producción industrial. Importantes

sectores sociales de los países industrializados aumentaron, considerablemente, el poder

adquisitivo. Para mantener y aumentar el nivel de ganancias de los empresarios, fue

necesario elevar el consumo, para lo cual se incorporó a los sectores medios y bajos en

el mercado consumidor de productos antes reservados a las clases privilegiadas, tales

como, electrodomésticos, automóviles, etc… formando un círculo en el cual tanto la

producción como el consumo debían conservar un equilibrio.

Para lograr este objetivo en Estados Unidos fue creado un estilo de vida llamado

“American way of life” (estilo de vida americano) Para ello, se utilizaron dos

elementos: la publicidad y la disminución de la calidad de los productos, con el fin de

que tuvieran menor vida útil y por lo tanto, fuera necesario reponerlos más rápidamente.

La sociedad del consumo es un modelo basado en el consumo masivo, que aumentaba el

estilo de vida de los obreros y los alejaba de los posibles conflictos de vida sociales.

Dos elementos fundamentales ayudaron a instalar el consumismo: la publicidad y las

ventas a crédito.

Mientras tanto en 1950 surge un movimiento llamado “Arte popular”. Se caracteriza por

el empleo de imágenes y temas tomados de la sociedad de consumo y de la

comunicación de masas y los aplican al arte.

El Arte Pop utiliza imágenes conocidas con un sentido diferente para lograr una postura

estética o alcanzar una postura crítica de la sociedad de consumo. Como su propio

nombre indica "Arte Popular", toma del pueblo los intereses y la temática.

El mundo ideal y fantástico era aquel al que solo se podía entrar comprando

determinadas “marcas” de productos. Y esto fue estimulado por el cine, la radio, la

televisión, los diarios y las revistas.

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La contracara de la sociedad del consumo

En los 60 empezaron varios movimientos que se oponía a esta sociedad de consumo,

individualista y competitiva de la que ya hemos hablado.

Algunos de estos movimientos se produjeron alrededor de la música rock. El

movimiento rock se originó en Inglaterra y Estados Unidos. Otro de los movimientos

fue el movimiento hippie de los “60 que vivían en comunidades, optaron por una

indumentaria informal, incorporaron el consumo de drogas, al que consideraban una

forma de liberarse de una realidad que les resultaba opresiva. El consumo.

El otro movimiento juvenil fue político. Se originó en las universidades francesas e

italianas y se extendió a los centros universitarios de Europa y de Latinoamérica. Se

caracterizaba por una orientación izquierdista, antiimperialista, anticolonialista y

antisoviética. Estaban influidos por las obras de Karl Marx, Hebert Marcuse, el chino

Mao Zedong y el francés Jean Paul Sartre. Fue un movimiento más clasista que el

movimiento rock y hippie.

Teniendo en cuenta que en esta misma época de los años ’60 surgió el movimiento del

minimalismo en Nueva York. En el cual el concepto era salir del consumismo y la

opresión de la época, con un arte muy simple. Donde menos es más.

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Philippe Patrick Starck

(París, 18 de enero de 1949)

Diseñador industrial francés reconocido mundialmente por la funcionalidad de sus

diseños y la estética de los mismos.

Starck estudió en la escuela de Nissim de Camondo en París. En 1968 fundó su primera

empresa, que produjo objetos hinchables. En 1969 se convirtió en director artístico de

Cardin.

En 1974 se estableció en los Estados Unidos y dos años más tarde volvió a París, donde

proyectó su primer night club, "La main bleu", y el local nocturno "Les Bains-

Douches". En 1979 fundó la empresa "Starck Product".

Durante los años 1980 renovó los apartamentos privados del presidente francés François

Mitterand en el Palais de l'Elysée, realizó la decoración de los interiores del Café Costes

en París y se encargó de los interiores del caffé Manin en Tokio. También fue el

responsable de la decoración de los interiores del Hotel Royalton de Nueva York y

proyectó los planos para los locales de la cuchillería francesa Lagouiole. A fines de la

década de 1980, construyó el barco "La Fiamma" para la empresa Asahi y el inmueble

Nani Nani para Rikugo en Tokio. Además se ocupó del diseño de interiores del Teatriz

y de Ramses en Madrid y fue el responsable de la decoración de interiores del Hotel

Paramont.

En 1991 participó en la construcción del Groningen Museum, construyó el edificio de

oficinas Le Baron Vert en Osaka para Meisei y se ocupó de una serie de residencias

particulares, como Lemoult (París), L'Angle (Amberes), 18 maisons de rapport en Los

Ángeles y una residencia particular en Madrid. A fines de los años 1990, creó el

catálogo de Good Goods con La Redoute.

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Philippe Starck en Buenos Aires

Philippe Starck fue el encargado de diseñar los interiores del Faena Hotel en la ciudad

de Buenos Aires, Argentina.

Lo siguiente es un segmento de una entrevista en la que el diseñador habla sobre el hotel

que él decoró:

"-El hotel de Alan Faena es uno de los más lujosos y sofisticados de la Argentina. Y lo

decoró usted...

-Si usted analiza el conjunto de mi obra, en hotelería puedo diseñar el hotel más lujoso

y el hotel más económico con el mismo respeto, la misma creatividad, la misma

generosidad. Soy el único en el mundo que ha estado en los dos extremos. Es decir, el

único que puede diseñar una nave espacial para el proyecto Virgin Galactic, que vale

200 millones de dólares, y, al mismo tiempo, un biberón de dos dólares. Soy el único

que puede hacer objetos completamente metafóricos y poéticos, como muebles y

lámparas. El hotel del que usted habla representa, antes que nada, a Alan (Faena). Hay

proyectos en los que soy totalmente yo, y hay otros proyectos donde el iniciador del

proyecto es una persona tan fuerte que resulta más interesante ponerme detrás, y servir

a esa visión."

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Hermanos Campana

Los hermanos brasileños Fernando Campana y Humberto Campana son actualmente

los diseñadores latinoamericanos más reconocidos del mundo. La característica

principal de sus obras se basa en el uso de materiales naturales y económicos, las que ya

ocupan un lugar en los grandes museos internacionales.

Humberto Campana nació en Rio Claro, São Paulo, Brasil, el 17 de marzo de 1953. En

1972 entró a estudiar leyes en la Universidad de São Paulo. Luego de dedicarse de lleno

al diseño, en 1998 trabajó como instructor de Diseño Industrial en la Fundación

Armando Alvares Penteado (FAAP) de São Paulo y en 1999 hasta el 2000 en el MUBE

(Museo Brasilero de Escultura) de la misma ciudad. Fernando Campana nació en

Brotas, São Paulo, Brasil, el 19 de mayo de 1961. En 1979 entró a estudiar arquitectura

en la Escuela de Bellas Artes de São Paulo. En el ámbito profesional, en 1983, trabajó

como asistente y monitor en XVII Biennal de Arte Internacional de São Paulo. Luego,

desde 1998 hasta el 2000, trabajó como instructor de Diseño Industrial en la FAAP de

São Paulo y en 1999 hasta el 2000 en el MUBE, al igual que su hermano.

Los hermanos Campana comenzaron a emerger en la década de los 80. Humberto,

egresado de derecho, cuando ya acababan los años 70, decidió dedicarse a convertir

materiales reciclables y económicos en objetos decorativos. Por su parte, Fernandose

encontraba finalizando la carrera de arquitectura, sumándose al proyecto corto tiempo

después. Los llamativos trabajos que realizaban, comenzaron a hacerse reconocidos y

exhibidos en galerías paulatinamente. En 1989 fue su primera exposición llamada

'Desconfortáveis', principalmente de sillas, realizada en el Museo de Arte de São Paulo,

la cual los consagró como diseñadores. Su primer salto internacional se produjo luego

de que la revista Domus dedicara un artículo a sus creaciones, hecho que acaparó las

miradas de importantes firmas europeas.2 Han sido galardonados con múltiples premios

entre los que se destaca el George Nelson Design Award, el del primer lugar en la Feria

Internacional del Mueble de Valencia y el de Diseñador del Año 2008 en Design

Miami. Actualmente tienen un lugar ganado en el Museo de Arte Moderno de Nueva

York (MOMA), en el Museo de Diseño Vitra de Alemania y en el Centro Georges

Pompidou de París.

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Conclusión

Aunque el minimalismo no fue desplazado por completo según el arquitecto Gustavo

Pelaez, de concepto urbano, quien afirma que: "No es que el minimalismo esté

retrocediendo. Lo que ocurre es que ahora se tiene mucho más criterio estético en

materia de decoración. El gusto se ha personalizado. Ya no se adquiere un mueble

porque esté de moda, sino que se opta por enseres confortables. Se prioriza, por

ejemplo, la comodidad de un sillón a que sea moderno". Sí está claro que no predomina

en la mayor parte de la sociedad consumista.

Otra opinión importante es la del decorador Fernando Viceconte, estudioso de las

tendencias, quien es muy claro al respecto: "En realidad el minimalismo nunca formó

parte de nuestro entorno, ni aun estando de moda. No podía satisfacer nuestras

necesidades y nunca formó parte de lo cotidiano. Quienes lo adoptaron lo han tenido

que modificar, día tras día, buscando aquello que los identificara y que se adecuara a su

modus vivendi". Destaca que es sólo una moda, una corriente que conquista y capta a

quienes no tienen un estilo personal.

Aunque no haya un estudio que se especialice y se base en la influencia del consumismo

en los movimientos minimalismo y maximalismo. Con la información recopilada y

basándonos en los tiempos que surgieron estos movimientos podemos concluir que el

maximalismo surge de la necesidad de consumo que las personas han incorporado en su

estilo de vida.

En conclusión según nuestro trabajo de campo y algunas opiniones de varios

especialistas en la materia se podría decir que la tendencia del minimalismo fue

desplazada o fue quien reforzó el maximalismo. Por el motivo de que el consumismo

que viene desde algunas décadas atrás, siempre predominó o tuvo mayor auge en las

personas, la mentalidad humana, en su mayoría, piensa que entre más se tiene mejor se

vive "siempre es mejor tener más". Una mentalidad muy parecida a la de “nunca es

demasiado” del espíritu de Dolce & Gabanna Donatella Versace.

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Bibliografia

Anonimo seudónimo “Orígenes del minimalismo en el arte”

Anonimo seudónimo “El minimalismo: piezas gráficas”

Pigna, Felipe “Historia El Mundo Contemporáneo Polimodal A-Z” en AAVV

Claudio “el movimiento hippie la contracultura en la década de los 60 cambios”,

historia y biografias, noviembre 2014

Romero, Natalia “Sintesis del minimalismo al maximalismo” Noviembre de

2011

Garcia, Roxana, “Maximalismo, una tendencia que se viene” la Nacion, pagina

web.

Claudio, “la sociedad de consumo origen historia características” historia y

biografias, noviembre 2014

Longhauser, William, "The Language of Michael Graves", página web.

Cifuentes, Mauricio. "HISTORIA DEL DISEÑO GRÁFICO", blog. Viernes,

julio 06, 2007

Referencias web: http://www.universaldeco.es/hermanos-campana-diseno-

sostenible/ ; http://diario.elmercurio.cl/detalle/index.asp?id={fef540fd-eddd-

4b33-b1d7-b75cedfa5b74}A<DEGTASDSDXF