apreciacion del arte. escultura

Apreciación

La esculturaescultura se ha desvinculado en nuestros días de todo nexo con el mundo exterior, así como lo ha hecho la pintura.

Durante siglos la escultura mantuvo una constante función representativa de la realidad, aunque hay representaciones abstractas con una serie de transformaciones.

Arcilla Madera Piedra (mármol)

De bulto redondo

De relieve

Figura humana

Personaje divino

Estatua

Imagen

Parte representada

BustoMedio cuerpoTres cuartosCuerpo enteroTorso

De bulto redondoDe bulto redondo

Posición

SedenteYacenteOranteOferenteEcuestre

Altorrelieve Medio relieve Bajo relieve Hueco relieve

Arte maya

El luchador.

Arte olmeca.

Arte olmeca.

Máscara africana.

Máscara de vidrio.

Fenicios.

Gran Buda de Kamakura

1252

Altura 14. 9 m

Kamakura, Japón.

Aún en las manifestaciones abstractas escultóricas, siempre estuvo presente el elemento naturalista.

La escultura es una de las primeras y más intensas formas de expresión. En la creación adquiere perennidad en cuanto más sólida y duradera sea el material usado para lograr la obra.

Arte africano

Tótem polinesio

Arte prehistórico.

Venus de Vestonice.

Figura esquematizada de una venus.

Hallada en Vestonice.

La escultura es la única de las artes visuales que además del sentido de la vista utiliza el tacto para poderla apreciar en su totalidad.

Detalle de un sarcófago realizado en mármol blanco, siglo III dC

Retrato del emperador Adriano

Copia romana de un original helenístico tradicionalmente conocido como retrato de Séneca.

Código de Hammurabi.

Mesopotamia. Babilonia.

David

Miguel Ángel Buonarroti.

1501 – 1504

4.10 m

Galería de la Academia de Florencia.

La Piedad.

Miguel Ángel.

Mármol.

1499

174 cm altura

Ciudad del Vaticano.

Mercurio

Juan de Bolonia.

Escultura manierista.

Bronce

1580

Museo del Bargello, Florencia, Italia.

Éxtasis de Santa Teresa.

Gian Lorenzo Bernini.

Mármol

1645 – 1648

Santa Maria della Vittoria, Roma.

Apolo y Dafne.

Gian Lorenzo Bernini.

1622.

Galería Borghese.

Desde el siglo XX

Actualmente al contemplar la escultura, se observan láminas retorcidas, hilos metálicos, materiales no convencionales, esto provoca en el espectador una dificultad de apreciarla porque no hay semejanza con la escultura del pasado.

Tanto en la escultura del pasado como en la actual el elemento constante es la modulación espacial: la forma y el cuerpo.

La expansión del arte fue consecuencia principalmente de la expansión de la Escultura.

En 1960 se dio la más grande expansión de la escultura moderna, pero esto fue consecuencia de varios artistas revolucionarios entre 1906 y 1916.

Las fases de expansión de la Escultura se ubican entre:

1906 y 19161960 y 1970

En el Arte cada generación reinventa el pasado y escribe su propia historia.

La Escultura como manifestación individual de la era de su creación plasma necesariamente los conflictos y esperanzas de su tiempo.

Rodin (1840 – 1917) Gauguin (1848 – 1903) Maillol (1861 – 1944) Matisse (1869 – 1954) Duchamp – Villon (1876 – 1918) Brancusi (1876 – 1957)

Picasso (1881 – 1973) Boccioni (1882 – 1916) Archipenko (1887 – 1964)

1840 – 1917 De origen francés.

Estudió arte en una escuela pública para artesanos y por su cuenta en el Museo del Louvre ya que no fue admitido en la Escuela de Bellas Artes.

Rodin ha sido denominado "el primer moderno" en la historia del arte.

En 1875 viajó a Italia donde se sintió atraído por el movimiento y acción muscular en las obras de los escultores del Renacimiento, Donatello y Miguel Ángel.

En 1875 emprendió un viaje a Italia para conocer la obra de Miguel Ángel.

El resultado de su contacto con el genio del Renacimiento fue La edad del bronce, presentada en el Salón de 1877, que desagradó profundamente por su extraordinario realismo.

La era de bronce.

bocetos.

Museo Rodin.

La era de bronce.

Bronce.

Museo Rodin.

Su reconocimiento llegó en 1877 con la exhibición en el Salón de su desnudo masculino La era de bronce. Este trabajo levantó controversia dado su extremado realismo y provocó la acusación de que Rodin había hecho moldes de yeso a partir de modelos vivos.

Manos.

Balzac.

Bronce.

Museo Rodin, París.

¿Quién fue Balzac?

Fue el novelista francés más importante de la primera mitad del siglo XIX.

Balzac

.

Cabeza de Honoré de Balzac.

1912

Museo Metropolitano

Realizó en bronce esta escultura del escritor francés Honoré de Balzac, que mide aproximadamente 2,95 metros.

Aunque Rodin era capaz de crear esculturas de carácter naturalista, eligió de forma deliberada la representación de Balzac en un estilo distorsionado y ligeramente tosco para transmitirnos el estado emocional del escritor.

El Pensador

Museo Rodin, París.

El Pensador

Copia.

Copenhague

Réplica de El Pensador.

Copenhague.

El Pensador.

Museo de Estambul.

Adán.

Museo Rodin.

1880.

Bronce.

Adán.

Museo Rodin.

Eva.

1881.

Museo Rodin.

Debía constituir en un principio el elemento central del dintel de Las puertas del infierno para el Museo de Artes Decorativas de París.

Esta obra, inspirada en el "Infierno" de la Divina Comedia de Dante y en Las flores del mal del poeta francés Charles Baudelaire, refleja una visión pesimista de la vida y de la felicidad.

El Hombre.

Bronce

Jardín des Tuileries, París.

1881.

El Beso.

Mármol.

1888 – 1889.

Museo Rodin.

El Beso.

Galería Nacional de Arte, Washington.

Apareció originalmente en los relieves de la puerta de bronce “Las Puertas del Infierno”.

En un inicio se llamaba Francesca da Rímini (nombre de uno de los personajes del Infierno de Dante, que se enamoró del hermano de su marido, Paolo, a su vez casado,

Paolo y Francesca enamorados leían juntos una novela, cuando fueron descubiertos y asesinados por el marido de Francesca.

Fue tan popular, que la compañía Barbedienne ofreció a Rodin un contrato para producir un número ilimitado de pequeñas copias en bronce.

El poeta y su musa.

Museo del Hermitage,

Andrómeda.

Rodin,

Amor fugitivo. 1881. Bronce. 46 x 36 x 21 cm

Víctor Hugo

Bronce.

Museo Rodin.

Las puertas del Infierno

Bronce.

Museo de Rodin.

Trabajó durante casi toda su vida en estas puertas desde 1880 a 1917 (año de su muerte) no la concluyó.

Era una puerta de bronce esculpida para el Museo De Artes Decorativas de París.

Representaban escenas del infierno y estaba inspirada en obras literarias.

Este proyecto fue cancelado y permaneció en el taller de Rodin, que le fue añadiendo detalles hasta su muerte.

Por la modernidad del estilo de Rodin lo relacionaban con los impresionistas.

Su estilo era el de moldear las superficies de sus obras creando un juego fluído, vibrante de luz, que lo sitúan como contemporáneo de los impresionistas.

No se le puede considerar como un impresionista en el estricto estilo de éste, ya que Rodin se aferró a todo aquello de que los verdaderos impresionistas deseaban deshacerse.

En sus esculturas no se refleja la atmósfera, el sol, el paso de las nubes, al contrario, sus esculturas están llenas de energía interior luchando por salir al exterior.

Recurrió a la mitología y a la literatura en busca del heroísmo y pasión y se sirvió de ellos para representar la sombra de la tragedia y el pesimismo que oscurecieron el rostro del siglo.

Se nutrió de la tradición escultórica de la Antigua Grecia, las catedrales góticas, de Donatello, Miguel Ángel y Bernini.

Se le considera como el heredero del movimiento romántico francés porque fue capaz de trasladar el patetismo y la pasión de Théodore Géricault y Eugene Delacroix, de Víctor Hugo, a una representación tridimensional: la escultura.

La Libertad guiando al pueblo. 1830. Delacroix.

La Balsa de la Medusa. Géricault. 1819. Museo del Louvre.

(1818-1819, Louvre, París) está basada en la tragedia de los náufragos de la fragata francesa Medusa, hundida al oeste de África.

Géricault investigó en profundidad los hechos y los plasmó con gran detalle en esta obra que provocó un gran escándalo en su época.

Víctor Hugo.

Sus obras expresan la indignación del autor por las injusticias sociales y el sufrimiento.

Su gran novela histórica Nuestra Señora de París (1831), un relato que se desarrolla en el París del siglo XV, le hizo famoso y le condujo al nombramiento como miembro de la Academia Francesa en 1841.

Su más extensa y famosa obra, Los miserables (1862), donde describe vívidamente, al tiempo que condena, la injusticia social de la Francia del siglo XIX.

Charles Baudelaire

Su obra se considera precursora de la poesía moderna. En su momento, levantó las iras del gobierno francés por las supuestas ofensas a la moral que contenía su obra Las flores del mal (1857).

Maestro del soneto y brillante crítico literario, contribuyó a difundir en Europa las obras de Edgar Allan Poe traduciéndolas al francés. Su decadente estilo de vida le llevó a una muerte prematura, cuando contaba con apenas 46 años.

Charles Baudelaire

El demonio se agita a mi lado sin cesar; flota a mi alrededor cual aire impalpable; lo respiro, siento como quema mi pulmón y lo llena de un deseo eterno y culpable.

A veces toma, conocedor de mi amor al arte, la forma de la más seductora mujer, y bajo especiales pretextos hipócritas acostumbra mi gusto a nefandos placeres.

Así me conduce, lejos de la mirada de Dios, jadeante y destrozado de fatiga, al centro de las llanuras del hastío, profundas y desiertas,

y lanza a mis ojos, llenos de confusión, sucias vestiduras, heridas abiertas, ¡y el aderezo sangriento de la destrucción!

El más característico revela una dureza en la forma y un laborioso modelado de la textura.

En ocasiones dejaba una superficie pulida y delicada de la forma.

Para él, la belleza en el arte consistía en una representación fidedigna del estado interior y para lograr este fin a menudo distorsionaba sutilmente la anatomía.

“yo lo veo todo desde una perspectiva cubista, de manera que superficie y

volumen representan para mí la gran ley de toda la vida y de toda la belleza …

Como escultor, creo haber sido realista. La belleza no es un punto de partida, sino un

resultado, pues la belleza reside únicamente allá donde hay verdad”

Auguste Rodin.

En sus obra logró plasmar la sutileza psicológica.

Se le considera como uno de los más grandes escultores del siglo XIX, era un escultor total, se anticipó en muchos aspectos al arte del siglo XX.

Es el mediador entre la estética romántica y el principio moderno.

El estilo de Rodin, influyó a las generaciones venideras, incluso posterior a 1960.

Cuando falleció en 1917, la generación había comenzado a romper con la tradición.

Es la figura central de los inicios de la escultura moderna.

Pionero del Arte Primitivo

Nació en Perú en 1848. Años más tarde su familia regresa a París. Ahí trabajó en una empresa financiera,

donde era un hombre exitoso. Se casó con la hija de un millonario, Mette

Gad.

Después de 12 años de matrimonio decide dejar a su esposa y a sus 5 hijos, para buscar inspiración para crear.

Partió a Panamá, después a Tahití para asentarse en las Islas Marquesas.

En los mares del sur del Pacífico, logró captar imágenes de mujeres con los colores más desbordantes que la pintura europea no podía ofrecer.

Realizó pinturas y esculturas.

Sus escultura de arcilla y de madera, tienen aspecto salvaje y bárbaro que él buscaba.

Tiene influencia de las antiguas tribus de Perú y de los Mares del Sur.

Regeneró la escultura mediante la talla directa que influyó directamente en la escultura moderna.

Actualizó el arquetipo escultórico en Europa.

Murió en las Islas Marquesas.

Tehura.

Museo D’Orsay.

1892.

Enamoraos y seréis felices.

1889.

Talla en madera pintada.

Museo de las Finas Artes, Boston.

Ídolo con moluscos.

1892.

Madera, hierro y otros materiales.

Museo de Orsay, París.

Teoría.

Ernst Haeckel

1834 – 1919.

La teoría formulada por este biólogo alemán, influyó en la sociedad europea en el siglo XIX.

Esta teoría hacía una relación paralela: Que la Prehistoria (infancia de la

humanidad) y que los Tiempos Modernos (edad adulta de la humanidad).

1861 – 1944

Nació en el sur de Francia.

Era un artista opuesto a Rodin. Redondea las extremidades y crea organismos sólidos y sensuales.

Cuyas obras se caracterizan por su volumen y realismo sencillo.

Estuvo influido sobre todo por el arte clásico griego.

Se dedicó casi en exclusiva al desnudo femenino y las figuras que creó suelen representar a mujeres contundentes, con un aspecto muy terrenal.

Se le considera como el segundo fundador de la escultura moderna, pero si se realiza un análisis retrospectivo se le califica como el último gran maestro de la tradición clásica.

Mediterránea.

Mármol.

110 x 117 x 68 cm

Museo de Orsay, París.

Mediterránea.

H. 1905.

Altura: 103 cm. Bronce.

Jardín de las Tullerías. París.

El aire.

Bronce.

129 x 235 x 96 cm

Es de Francia.

1925.

Bronce.

166 cm

Museo Ludwig, Colonia.

1876 – 1957

Escultor de origen rumano que desarrolló su actividad principalmente en Francia.

Está considerado como uno de los grandes escultores del siglo XX y su obra ha influido profundamente en la estética contemporánea desde el punto de vista formal tanto en el terreno de la escultura como en el de la pintura y el diseño industrial.

En su obra predominan dos figuras: el huevo y el cilindro.

Brancusi buscaba una belleza pura y espiritual, expresada a través de sus figuras favoritas (el pájaro, el huevo, las cabezas femeninas) y resaltada mediante el pulido de los materiales (bronce, mármol y, ocasionalmente, madera).

Se les considera los padres fundadores de la escultura moderna.

El recién nacido.

Pájaro en el espacio.

1923

Museo Metropolitano de Nueva York.

Musa

1917

Bronce pulido.

Museo de las Finas Artes, Houston, Texas.

El Recién Nacido.

Versión I.

1920.

Museo de Arte Moderno, Nueva York.

Pogany, versión I

1912

Museo de Arte Moderno, Nueva York.

Columna sin fin. Versión I

1918.

Museo de Arte Moderno, Nueva York.

Mademoiselle Pogany.

1912.

Mármol.

44.5 cm

Museo de Artes de Filadelfia.

El Beso.

1912.

Piedra calcárea.

58 x 34 x 25 cm

Museo de Artes de Filadelfia.

El pájaro en el espacio.

1928.

Bronce pulido.

1372 cm.

Museo de Arte Moderno, Nueva York.

La negra rubia.

1926.

Bronce pulido.

Museo de Arte Moderno, San Francisco.

Columna infinita.

Hierro fundido.

1937.

35 m

Tirgu – Jiu, Rumania.

Henri Matisse.

1869 – 1954. Francés. Henri Matisse es uno de los pintores más

representativos de la primera mitad del siglo XX y pertenece a la corriente pictórica conocida como Fauvismo.

No realizó demasiados trabajos en escultura, la utilizaba como una forma de arte complementaria a la pintura.

Utilizaba la distorsión como medio expresivo y decorativos, conceptos centrales en la obra de él.

“Me volqué a la escultura cuando me cansé de la pintura. Para cambiar de medio. Pero concibo la escultura como pintor, no como escultor. La escultura no dice lo mismo que la pintura del mismo modo que la pintura no dice lo mismo que la música. Recorren vías paralelas, pero no deben entremezclarse” .

Henri Matisse.

Jaguar devorando una liebre.

1899.

Museo Matisse.

Madeleine II.

1903.

Cabeza de fauna.

1907.

Bronce.

14 cm

La Serpentina.

1909.

56 x 29 x 19 cm

Bronce.

Museo Matisse.

Jeannette V

1913

Bronce.

58 cm altura

Galería de Arte, Toronto.

La Tiara.

1930

Bronce.

20 cm

Museo Matisse.

Venus en la concha.1930

Desnudo de la parte posterior.

190 x 114 x 16 cm

Bajo relieve.

Museo Matisse.

Siglo XX

A principios del siglo XX algunos escultores definieron las fronteras de la representación humana.

En este inicio de siglo la escultura sufrió dos situaciones:

1. Clara ruptura con la tradición2. Moderada modernidad y conservadora,

basada en la conservación de la imagen humana y la fidelidad del cuerpo humano.

Esta revolución de la escultura moderna se centró en la imagen de la figura humana.

Los temas más usados de la figura humana

fueron: el busto, la cabeza y el desnudo.

Los escultores que liberaron a la figura humana de sus formas tradicionales fueron:

Brancusi (1876 -1957) Picasso (1880- 1973) Boccioni (1882- 1916) Archipenko (1887- 1964) Naum Gabo (1890- 1977)

Otro aspecto de la revolución de la escultura que rompió con la tradición fue el utilizar a la naturaleza muerta como tema. Por ejemplo: usar guitarras, botellas, vasos y el escultor los usa y los reconstruye.

1876 – 1918.

escultor francés, uno de los maestros del movimiento moderno de principios del siglo

Era el hermano mayor del artista Dadá Marcel Duchamp.

“Es imposible satisfacer las necesidades del arte actual con los medios del pasado. Queremos incluir en la escultura cosas que la escultura nunca antes habría aceptado. ¿Fallaremos nosotros o lo hará la escultura en esta empresa?

Duchamp Villon.

Baudelaire

Bronce.

39.37 cm

Norton Museum, West Palm Beach,

Los amantes.

Yeso. 1913. Museo de Arte de Filadelfia.

Cabeza de caballo.

1914.

Bronce con pátina.

Museo Pompidou, París.

Caballo.

1914.

Bronce.

Museo Guggenheim, Venecia.

Símbolo de la potencia y el poder de la máquina, el tema del caballo es una constante en la obra de Raymond Duchamp-Villon.

Esta pieza en bronce, titulada Caballo es la primera obra francesa de inspiración futurista.

Mujer sentada

1914

Bronce

73 x 29 x 22 cm

Museo Ludwig, Colonia.

1881 – 1973.

“El cubismo no es ni una semilla ni un feto, sino un arte en el que el tema principal es la forma y una vez creada, la forma existe y vive su propia vida.”

Pablo Picasso.

Era la época de la difusión de las ideas de:

Henri Bergson (teoría sobre la realidad)Einstein (teoría de la relatividad)

El loco.

1905.

Bronce.

Museo Picasso, París.

Cabeza de mujer.

1906.

Bronce.

34 x 24 x 25 cm

Museo Picasso, París.

Cabeza de mujer.

1909.

Bronce.

40 x 23 x 26 cm

Museo Picasso, París.

Guitarra.

1912.

Cartón, papel, lápiz.

23 x 15 x 7 cm

Museo Picasso, París.

Copa de ajenjo.

1914.

Bronce pintado, con cuchara de ajenjo en plata.

Museo de Arte Moderno, Nueva York.

Botella, copa y periódico.

1914.

Hojalata, arena, alambre, papel.

21 x 14 x 9 cm.

Museo Picasso, París.

Proyecto para el monumento de Apollinaire.

1928.

Alambre y chapa.

51 x 19 x 41 cm

Museo Picasso, París.

Cabeza de toro

1942.

Partes de una bicicleta.

Museo Picasso, París.

Calavera.

1943.

Bronce.

25 x 21 x 31 cm

Museo Picasso, París.

El hombre del cordero,

1943.

Bronce

222 x 78 x 78 cm

Museo Picasso, París.

Realizó figuras en espiral. Interacción entre volumen y espacio. Combinó en una sola obra el volumen, lo

expresivo, lo dinámico y lo estático.

“Desde 1912 he unificado en una forma lo intangible, el espacio, la transparencia, la luz y el reflejo. Ello ha desembocado en la escultura moderna, junto con la forma cóncava”.

Archipenko.

“Mi pintura – escultura representa una correlación recíproca entre forma y color. Cada uno realza o disminuye al otro. Ambos conceptos se hallan visual e intelectualmente unidos o contrastados”.

Archipenko

Soldado marchando.

1917.

Bronce

Altura 117 cm

Colección privada.

Médrano II

1913.

Metal, madera, vidrio, hule.

126 x 51 x 31 cm

Museo Guggenheim.

Danza azul

Bronce

1913.

118 cm

Colección privada

Carrusel Pierrot.

1913.

Museo Guggenheim, Nueva York.

Torso plano

1914.

Bronce.

40 cm

Colección privada.

La reina de Saba.1961Bronce. 167,6 cm.

Franklin Murphy Garden. Los Angeles

Fotografía de 1960.

1882 - 1916

“Finalmente, debemos insistir en que, en la escultura, el artista no debería dudar en emplear todo aquello que le permita alcanzar la realidad. No existe un miedo más absurdo que el temor a sobrepasar las fronteras de nuestro arte”.

Boccioni.

Desarrollo de una botella en el espacio.

1912

Bronce

Galería Cívica de Arte, Milán.

Formas únicas de continuidad en el espacio.

1913.

Bronce.

112 x 89 x 40 cm

Galería Tate, Londres.

Dinamismo de la velocidad.

Papel, cartón, bronce, madera.

1914.

Museo Guggenheim.