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Universidad Iberoamericana Torreón
62 MUESTRA INTERNACIONAL DE CINE
Tel. 705-10-15 y 73
/Difusión Cultural Ibero [email protected]
Voraz (Julia Ducournau, Francia-Bélgica, 2016)
Viernes 25 de agosto. Clasificación C
Yo, Daniel Blake (Ken Loach, Reino Unido-Francia-Bélgica, 2016)
Sábado 26 de agosto. Clasificación B
La chica desconocida (Jean-Pierre y Luc Dardenne, Francia-Bélgica, 2016)
Domingo 27 de agosto. Clasificación B
La lección (Kristina Grozeva y Petar Valchanov, Grecia, 2014)
Lunes 28 de agosto. Clasificación B
Tras la tormenta (Kore-eda Hirokazu Koreeda, Japón, 2016)
Martes 29 de agosto. Clasificación B
La vida de Calabacín (Claude Barras, Suiza-Francia, 2016)
Miércoles 30 de agosto. Clasificación B
Hogar (Fien Troch, Bélgica, 2016)
Jueves 31 de agosto. Clasificación C
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Voraz
Raw
Francia-Bélgica, 2016, 99 min.
Dirección y Guión: Julia Ducournau.
Fotografía: Ruben Impens.
Música: Jim Williams.
Edición: Jean-Christophe Bouzy.
Con: Garance Marillier (Justine), Ella Rumpf (Alexia), Rabah Naït Oufella (Adrien), Joana
Preiss (la madre), Laurent Lucas (el padre), Bouli Lanners (el camionero).
CP: Petit Film, Rouge International, Frakas Productions.
Prod: Jean des Forêts, Julie Gayet, Nadia Turincev, Jean-Yves Roubin y Cassandre
Warnauts.
Dist: Caníbal.
Justine, una chica de 16 años, proviene de una familia en la cual todos sus integrantes son
vegetarianos. Al ingresar a la facultad de veterinaria, se ve obligada a comer carne cruda.
Este acto tendrá consecuencias fatales, ya que Justine comenzará a develar su verdadera
y aterradora naturaleza. Con reminiscencias de las delirantes cintas de Dario Argento y
referencias a películas como Carrie: Extraño presentimiento (1976) y Feroz (2000) de John
Fawcett, el primer largometraje de Julia Ducournau es una provocadora película que
conjunta el universo adolescente y sus problemas cotidianos con una atmósfera cruenta y
sangrienta, respetando el fresco rigor del cine de autor europeo.
Premios y festivales
2016 Premio FIPRESCI de la Semana de la Crítica. Festival de Cannes. Francia. | Premio
Ciudadano Kane al Mejor Director Revelación, Premio del Jurado de la Alianza Catalana
de la Juventud a la Mejor Película y Meliès de Plata a la Mejor Película Europea. Festival
Internacional de Cine Fantástico de Cataluña-Sitges. España. | Selección Oficial de la
sección Midnight Madness. Festival Internacional de Cine de Toronto. Canadá.
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Julia Ducournau
París, Francia, 1983
Tras graduarse de la carrera de Guión en la Escuela Superior de Cine La Fémis de París,
trabajó como redactora y asesora de guiones hasta dirigir su primer cortometraje, Junior
(2011), el cual fue proyectado en la Semana de la Crítica del Festival de Cannes. Voraz es
su opera prima.
Voraz comienza con un shock total. Una vez advertidos de esto, la experiencia al ver la
coproducción francesa-belga presentada en la Semana de la Crítica de Cannes es
impactante, vigorizante y emocionante. Descrita por Julia Ducournau como una película
“mutante”, la historia recupera el personaje de Justine, protagonista de su cortometraje
Junior (2011), y su universo favorito: los años de escuela y los motivos que les
acompañan, como el alboroto entre compañeros de clase, sin descanso y muy coloreado
por la honestidad y el descaro de la juventud actual, además de los cambios corporales,
diversos nuevos apetitos y la desconcertante voracidad adolescente.
Lo que le espera a esta joven tímida, nacida en el seno de una familia de
veterinarios y vegetarianos, es toda una metamorfosis que empieza con una mordedura
similar a la de una serpiente, y que acabará llegando a las entrañas de su cuerpo. La
escuela a la que Justine ingresa se encuentra permeada por un agente animal que parece
emanar de todos los futuros veterinarios, reflejado en las tradicionales novatadas
(ingeniadas por los mayores) que provocan, además, un acercamiento físico sin pudor
que sexualiza cruelmente sus cuerpos.
El florecer de la pequeña Justine después de descubrir la carne fresca nos ofrece
una sucesión de escenas geniales, amplificadas por la intensidad del vínculo que la une
con su hermana Alexia, y entre ésta y su atractivo amigo gay Adrien. Sin embargo, esta
serie de momentos extraordinariamente fuertes, y que incluso podrían recordar el
imaginario de El resplandor [The Shining, 1980], la crueldad de El señor de las moscas
[Lord of the Flies, 1963] y la explosión hemática de un Dario Argento visto con
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anfetaminas, la genial película de Julia Ducournau no renuncia a un vena artística y de
autor que puede ponerle los pelos de punta a los espectadores, quienes no se
arrepentirán de la experiencia de ver una verdadera y sublime carnicería en la pantalla.
Fragmentos de un texto de Bénédicte Prot
Cineuropa (cineuropa.org)
Cannes, 15 de mayo de 2016
Traducción: Edgar Aldape Morales
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Yo, Daniel Blake
I, Daniel Blake
Reino Unido-Francia-Bélgica, 2016, 100 min.
Dirección: Ken Loach.
Guión: Paul Laverty.
Fotografía: Robbie Ryan.
Música: George Fenton.
Edición: Jonathan Morris.
Con: Dave Johns (Daniel Blake), Hayley Squires (Katie), Dylan McKiernan (Dylan), Briana
Shann (Daisy), Kate Rutter (Ann), Sharon Percy (Sheila).
CP: Sixteen Films, Why Not Productions, Wild Bunch, Les Films du Fleuve, Le Pacte.
Prod: Rebecca O’Brien, Pascal Caucheteux, Grégoire Sorlat y Vincent Maraval.
Dist: Caníbal.
Daniel Blake, un carpintero de 60 años, se ve obligado a acudir a los servicios sociales
para solicitar ayuda después de tener problemas cardiacos. A pesar de que el médico le
ha prohibido trabajar, la administración lo obliga a encontrar un empleo o de lo contrario
recibirá una sanción. Junto a una madre soltera con dos hijos, Daniel intentará superar la
situación, enfrentándose a exigencias burocráticas que se convertirán en un conflicto para
ambos. En esta cinta, el veterano cineasta Ken Loach diseña una mordaz crítica hacia el
gobierno británico que sigue la vena de su trabajo fílmico: un cine político, humanista y
contestatario con una estética hiperrealista que se centra en la clase obrera.
Premios y Festivales
2016 Palma de Oro y Mención Especial del Premio del Jurado Ecuménico. Festival de
Cannes. Francia. | Premio de la Audiencia. Festival Internacional de Cine de Locarno.
Suiza. | Premio de la Audiencia. Festival Internacional de Cine de Donostia-San Sebastián.
España.
2017 Premio BAFTA al Mejor Filme Británico. Academia Británica de Cine y Televisión.
Reino Unido.
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Ken Loach
Nuneaton, Reino Unido, 1936
Influenciado por la narrativa del Free Cinema y el documental inglés de los años treinta,
desarrolló gran parte de su trabajo como una crítica a la llamada política del Estado de
Bienestar. A partir de Kes (1970), se consolidó como uno de los cineastas más
políticamente comprometidos de su país.
Crítica
Uno pensaría que la sofocante centralización de la industria cinematográfica de hoy en día
habría alentado la creación de un sólido cine político y contestatario. Pero las tiranías
homogéneas de los productos comerciales, respaldadas por los estudios y las redes
sociales, se han vuelto muy poderosas y no dejan escuchar a las voces alternas. Lo
paradójico es que, a pesar de las parábolas religiosas de la extrema derecha, el tipo de
agitador humanista de izquierda en el cual Ken Loach ha focalizado su trabajo desde 1966
(con la representación de la falta de hogar y la pobreza sistemática en Cathy Come Home)
es en gran parte inexistente en esta era de indignación.
Así que tiene sentido que Yo, Daniel Blake, sirva como recordatorio de la capacidad
del cine para generar simpatía por los oprimidos. La crítica de Loach contra el Estado
británico y su deshumanización burocrática hacia los necesitados es brutal, directa, y a su
vez golpea fácilmente el nervio populista. La película sigue a detalle la vida de Daniel
Blake, un carpintero de 60 años, y su camino a través de tediosos procesos burocráticos
del gobierno para asegurar el mantenimiento de sus derechos sociales, disponibles si
acredita que tiene un empleo. Sin embargo, debido a sus problemas del corazón, él no
puede trabajar.
Junto a Katie, una madre soltera con dos hijos, Daniel sorteará la ironía inhumana
de funcionarios que bloquean toda resolución, empuñando portapapeles y plumas como
escudos y dagas. La situación es una reflexión sobre la pérdida de confianza de los
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ciudadanos hacia su gobierno, donde sobresale la deshumanización de un proceso de
evaluación interminable por parte del Estado, particularmente implacable para los adultos
mayores que quizá ni siquiera saben usar una computadora. No obstante, Daniel se
convierte en una especie de héroe de la clase obrera, aunque Loach podría tomar ese
mando, ya que su película se transforma en un punto de debate público, sin importar esa
Palma de Oro que obtuvo en Cannes.
Fragmentos de un texto de Michaek Koresky
Film Comment (filmcomment.com)
Nueva York, noviembre/diciembre de 2016
Traducción: Edgar Aldape Morales
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La chica desconocida
La fille inconnu
Bélgica-Francia, 2016, 106 min.
Dirección y Guión: Jean-Pierre y Luc Dardenne.
Fotografía: Alain Marcoen.
Edición: Marie-Hélène Dozo.
Con: Adèle Haenel (Jenny Davin), Olivier Bonnaud (Julien), Louka Minnella (Bryan),
Jérémie Renier (padre de Bryan), Christelle Cornil (madre de Bryan), Nadège Ouedraogo
(cajera de cibercafé), Yves Larec (doctor Habran), Ben Hamidou (inspector). CP: Les
Films du Fleuve, Archipel 35, Savage Film, France 2 Cinéma, VOO, Be Tv, RTBF
(Télévision belge).
Prod: Jean-Pierre y Luc Dardenne, Denis Freyd.
Dist: ND Mantarraya.
Jenny, una joven médico de familia, se siente culpable por no haber abierto la puerta de su
consultorio a una chica a la que encuentran muerta poco después. Al saber que la policía
no tiene forma de identificarla, Jenny decide llevar a cabo su propia investigación para
averiguar toda la información posible sobre la misteriosa mujer, asumiendo así una
implicación personal en el caso. Los hermanos Dardenne ofrecen una nueva parábola
social sobre el tema de la responsabilidad individual y la inmigración, con una puesta en
escena aséptica y sin efectismos que hace gala del clásico estilo visual de los cineastas
belgas.
Premios y Festivales
2016 Selección Oficial. Festival de Cine de Cannes. Francia
2017 Nominación al César a la Mejor Película Extranjera. Academia de las Artes y
Técnicas del Cine de Francia | Nominación al Premio Lumière a la Mejor Película
Francófona. Académie des Lumières. Francia.
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Jean-Pierre Dardenne / Luc Dardenne
Lieja, Bélgica, 1951 / Lieja, Bélgica, 1954
Escriben, dirigen y producen juntos todas sus películas. Comenzaron su carrera realizando
documentales hasta que en 1987 rodaron su primera obra de ficción, Falsch. Dos veces
ganadores de la Palma de Oro, son considerados como la gran voz del cine social
europeo.
Crítica
«Un buen médico debe controlar sus emociones», explica severamente la doctora Jenny
Davin a su intimidado interno Julien, en un irónico prólogo a una serie de acontecimientos
que la verán aprovechar sus propios sentimientos un tanto reprimidos, a fin de servir
plenamente sus responsabilidades como médico. El intercambio de palabras siguiente con
Julien –él quiere abrir la puerta al paciente, ella insiste en que es demasiado tarde– es lo
que da inicio al más reciente thriller moral de los hermanos Dardenne.
El visitante inoportuno resulta ser una prostituta de ascendencia africana que muere
en misteriosas circunstancias poco tiempo después, y cuya identidad es desconocida
cuando la policía encuentra su cuerpo. Darse cuenta de que «si hubiera abierto la puerta,
ella estaría todavía con vida», lleva a Jenny a reflexionar sobre su propio camino
profesional, así como a llevar a cabo una investigación amateur. La mirada investigativa
de Jenny no solamente recae en la mujer fallecida, sino también en los aspectos de su
propio carácter que tuvieron que ver en la tragedia.
Hay algo impresionante en este momento, tanto en términos de lo que se refiere a
la interconexión humana –que un momento impulsivo de mezquindad puede tener
consecuencias monumentales– y lo que revela sobre la narración de los Dardenne. El
estado de ánimo de Jenny al inicio de la película –estresada, intimidante–, no es explicado
en términos específicos, sin embargo es completamente familiar: todos hemos estado allí.
Parte de la rareza de los Dardenne como narradores es su capacidad para reconocer no
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sólo el carácter moral básico y las circunstancias sociales, sino también el estado de
ánimo como punto esencial. La vida de Jenny se descarriló y la de alguien más terminó en
parte por un mal humor. La cruzada de Jenny para saber más sobre la mujer muerta es
un intento de aliviar su propio trauma y también un despertar moral de su capacidad para
efectuar el cambio. La chica muerta no es la única desconocida, Jenny también es un
enigma, para ella misma y para nosotros.
Fragmentos de un texto de Hannah Mcgill
Sight & Sound, vol.26, núm.12
Londres, diciembre de 2016
Traducción Israel Ruiz Arreola
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La lección
Urok
Bulgaria, Grecia, 2014, 111 min.
Dirección y Guión: Kristina Grozeva, Petar Valchanov.
Fotografía: Krum Rodriguez.
Edición: Petar Valchanov.
Con: Margita Gosheva (Nadezhda), Ivan Barnev (Mladen), Stefan Denolyubov
(prestamista), Ivan Savov, Ivanka Bratoeva.
CP: Abraxas Film, Graal Films, Little Wing Productions.
Prod: Kristina Grozeva, Konstantina Stavrianou, Irini Vougioukalou.
Dist: Mirada Distribution.
En un pequeño pueblo de Bulgaria, Nadezhda, una joven profesora, intenta descubrir al
alumno que roba en su clase para enseñar una lección en torno al concepto de lo bueno y
lo malo. Sin embargo, cuando se endeuda con algunos prestamistas, ¿sabrá cuál es el
camino correcto? ¿Qué factor hace que una persona se convierta en un delincuente? El
primer largometraje de ficción de Kristina Grozeva y Petar Valchanov intenta responder
esta pregunta al revelar poco a poco detalles de su protagonista mientras se sumerge en
la estática vida de una villa búlgara, todo con el objetivo de simbolizar la rebelión del ser
humano frente a un mundo actual definido como cínico y mercantil.
Premios y Festivales
2015 Nominación al Premio FIPRESCI. Festival de Cine de Jerusalén. Israel. /
Nominaciones a los premios Big Screen y KNF. Festival Internacional de Cine de
Róterdam. Países Bajos. / Mejor Dirección y Mejor Actriz (Margita Gosheva). Festival
Internacional de Cine de Transilvania. Estados Unidos.
2014 Alejandro de Bronce. Festival de Cine de Tesalónica. Grecia. / Gran Premio y
Premio Especial del Jurado. Festival Internacional de Cine de Tokio. Japón.
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Kristina Grozeva / Petar Valchanov
Sofía, Bulgaria, 1976 / Plovdiv, Bulgaria, 1982
Tras codirigir el documental A Parable of Life (2009), los dos realizadores iniciaron una
estrecha colaboración que ha resultado en la creación de guiones, cortometrajes y
documentales. La lección es su debut en el largometraje de ficción, precedido por Glory
(Slava, 2016).
Crítica
Situándose en el malestar de una Bulgaria inmersa en las secuelas del sistema comunista,
los directores y guionistas Kristina Grozeva y Petar Valchanov han confeccionado un
relato sobre la moral que cobra fuerza gradualmente. La lección sigue a una profesora de
primaria llevada por el deseo de enseñar a sus alumnos el valor de la honestidad, sólo
para darse cuenta, más tarde y de primera mano, lo que significará tomar medidas
desesperadas cuando ella misma se vea confrontada por terribles circunstancias
económicas.
En la primera escena de la película, los alumnos de una clase son confrontados a
una frase escrita en el pizarrón: «Alguien ha robado mi cartera». Esto va más allá de ser
sólo un ejercicio lingüístico: en efecto, uno de los alumnos ha sido víctima de un robo, y la
maestra, Nade (Margita Gosheva) les pide leer la frase en voz alta. Tiene buenas
intenciones, pero lo primero que consigue es humillar a la joven Katya. Cuando nadie
admite su responsabilidad, Nade le pide que revise la mochila de sus compañeros sin
ninguna evidencia.
El preludio se erige como una metáfora sobre las dificultades profundamente
arraigas de una nación desilusionada tras la disolución del Bloque del Este. Los ideales no
son para los débiles de corazón, y Nade aprenderá su propia lección cuando el banco
reclame su casa. Los directores proceden entonces a darle vida a una íntima historia
sobre la moral individual frente a un contexto de caóticas condiciones sociopolíticas. Si el
guión del filme está endeudado con Dostoievski, su realización imita a la de los hermanos
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Dardenne en El silencio de Lorna [2008], utilizando un estilo de cámara en mano que se
enfoca en la protagonista.
La lección es un interesante debut en el largometraje de ficción para Kristina
Grozeva y Petar Valchanov. El bajo perfil, las grandes actuaciones y el estilo
completamente consistente de la película, retienen nuestra atención y evocan no tanto el
“crimen y el castigo” como el “crimen y la desilusión”.
Fragmentos de un texto de Hans Morgenstern
Film Comment (filmcomment.com)
Nueva York, 4 de marzo de 2015
Traducción: Gustavo E. Ramírez Carrasco
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Tras la tormenta
Umi yori mo mada fukaku
Japón, 2016, 117 min.
Dirección, Guión y Edición: Hirokazu Kore-eda.
Fotografía: Yutaka Yamazaki.
Música: Hanaregumi.
Con: Hiroshi Abe (Ryota Shinoda), Yōko Maki (Kyoko Shiraishi), Taiyô Yoshizawa (Shingo
Shiraishi), Kirin Kiki (Yoshiko Shinoda), Satomi Kobayashi (hermana de Ryota), Shôno
Hayama (estudiante de secundaria).
CP: Aoi Pro. Inc., Fuji Television Network, Bandai Visual Co., Gaga Corporation.
Prod: Kaoru Matsuzaki, Hijiri Taguchi y Akihiko Yose.
Dist: ND Mantarraya.
A pesar de haber tenido una prometedora carrera como escritor, Ryota lleva una vida
espinosa: se divorció de su esposa y gasta en apuestas todo el dinero que gana como
detective privado, lo que no le permite pagar la manutención de su hijo de once años. La
oportunidad de Ryota para intentar ganar de nuevo la confianza de sus seres queridos se
presenta cuando un tifón hace que él y los integrantes de su familia se vean obligados a
pasar una noche juntos. El más reciente largometraje de Hirokazu Kore-eda recupera el
incisivo análisis a las relaciones familiares que el director ha desarrollado en su trabajo
previo, a partir de examinar a sus personajes bajo una mirada tierna y agridulce.
Premios y Festivales
2016 Selección Oficial de la sección Una Cierta Mirada. Festival de Cannes. Francia. |
Selección Oficial de la sección Perlas. Festival Internacional de Cine de Donostia-San
Sebastián. España | Selección Oficial de la Competencia Internacional. Festival
Internacional de Cine de Chicago. Estados Unidos.
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Hirokazu Kore-eda
Tokio, Japón, 1964
Realizó su primer largometraje en 1995, el cual fue premiado en la Muestra de Venecia.
Su trabajo fílmico examina las relaciones familiares con una mirada cálida que también
retrata las vicisitudes de la sociedad japonesa, como lo hizo en De tal padre, tal hijo (2013)
y Nuestra pequeña hermana (2015).
Crítica
Hirokazu Kore-eda parece condenado a la comparación con Yasujirō Ozu. Desde que se
estrenara en la ficción con Maboroshi no Hikari (1995), la crítica quiso ver en él a un
continuador de la tradición del shomingeki, esos dramas sobre la vida cotidiana de las
clases medias que popularizó la productora Shochiku en la edad dorada del cine japonés.
Kore-eda es uno de los pocos directores japoneses contemporáneos que recogen y
actualizan la inquietud de Ozu y el shomingeki por retratar a la sociedad de su tiempo
desde la institución familiar. En Tras la tormenta, un marcado minimalismo es lo que le
permite encontrar resonancias más afines a la obra de Ozu, mismas que no se habían
visto tanto en sus trabajos previos.
Esta película es restrictiva en lo temporal (abarca sólo unos días en el relato
fílmico), en lo espacial (un solo espacio doméstico que totaliza casi todo el metraje), en lo
estructural (una larga secuencia inicial y otra final que suponen dos tercios del tiempo
total), en sus personajes (centra casi todos sus recursos en profundizar la descripción de
su protagonista) y en lo expresivo (no replica la dulzura de Nuestra pequeña hermana
[2015] ni el discurso de De tal padre, tal hijo [2013]). Todos estos son trazos minimalistas
paralelos a la obra de Ozu. Es más, incluso se sitúa en la época de año de los títulos
metafóricos del maestro Ozu: el verano tardío y el paso hacia la melancólica madurez
otoñal.
No obstante, Kore-eda explota un recurso habitual de su cine: los depósitos de
memoria. El uso de objetos ordinarios llenos de significado al constituir detonantes de los
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recuerdos de sus personajes, se convierten en ese depositario donde se mezclan la
dulzura y la amargura que entrañan los ecos del pasado, lo que da cabida a una
combinación cálida de sabores que hacen de la cinta un relato entrañable. En ese sentido,
el acercamiento de Kore-eda a las complejidades de la familia recoge mejor que nunca la
esencia de Ozu y, por encima de todo, su espíritu.
Fragmentos de un texto de Miguel Muñoz Garnica
El antepenúltimo mohicano (elantepenultimomohicano.com)
Cáceres, 1 de noviembre de 2016
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La vida de Calabacín
Ma vie de Courgette
Suiza-Francia, 2016, 66 min.
Dirección: Claude Barras.
Guión: Céline Sciamma, basada en la novela Autobiographie d'une courgette de Gilles
Paris.
Fotografía: David Toutevoix.
Música: Sophie Hunger. E: Valentin Rotelli.
Voces originales: Gaspard Schlatter (Calabacín), Sixtine Murat (Camille), Paulin Jaccoud
(Simon), Michel Vuillermoz (Raymond), Raul Ribera (Ahmed), Estelle Hennard (Alice).
CP: Rita Productions, Blue Spirit, Gebeka Films, KNM.
Prod: Max Karli, Pauline Gygax, Marc Bonny, Armelle Glorennec, Eric Jacquot.
Dist: Cinépolis Distribución.
Tras la repentina muerte de su madre alcohólica, Calabacín se verá obligado a ingresar en
un orfanato con otros niños de su edad que han vivido historias igual de trágicas con sus
padres. En ese ambiente marcado por el dolor y el abandono, Calabacín aprenderá a
rehacer los vínculos de afecto y confianza. El primer largometraje de Claude Barras,
nominado al Óscar a la Mejor Película de Animación, explora las implicaciones sociales y
morales de la orfandad esquivando toda cursilería y amarillismo. Con las dosis exactas de
ternura y realismo, La vida de Calabacín sobresale por contar a través de la animación en
stop-motion un tema tan delicado sin condescendencia forzada hacia el público infantil.
Claude Barras
Sierre, Suiza, 1973
Estudió ilustración y computación gráfica en la escuela de dibujo École Émile-Cohl y en la
Escuela Cantonal de Arte y Diseño de Lausana. Ha trabajado como ilustrador
independiente y ha dirigido varios cortometrajes animados. Centrándose en la niñez, sus
historias están llenas de realismo, fantasía y humor.
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Premios y Festivales
2017 Nominación al Óscar a la Mejor Película de Animación. Academia de Artes y
Ciencias Cinematográficas. Estados Unidos. | Nominación a la Mejor Película, Mejor
Música y Mejor Edición. Premios del Cine Suizo. Suiza
2016 Premio del Público. Festival Internacional de Cine Donostia-San Sebastián. España.
| Premio a Mejor Película de Animación. Premios del Cine Europeo | Cristal al Mejor
Largometraje y Premio del Público. Festival Internacional de Cine de Animación de
Annecy. Francia. | Premio del Jurado Infantil. Festival de Cine de Zúrich. Suiza. | Quincena
de realizadores. Festival de Cine de Cannes. Francia. | Premio del Público al Mejor
Largometraje. Festival de Cine de Varsovia. Polonia.
Crítica
Dejemos a una película de animación acercarse más a la realidad de la experiencia de ser
un huérfano que Annie [1982], Matilda [1996] o cualquier melodrama live-action. Adaptada
de la novela de Gilles Paris por la guionista joven más experimentada de Francia, Céline
Sciamma (Girlhood [2014]), La vida de Calabacín, del director suizo Cluade Barras, cuenta
una historia sencilla de forma sencilla desde el punto de vista de un niño atormentado de
nueve años que relata su estancia en un orfanato tras la muerte de su madre alcohólica.
[Calabacín] pronto descubre que los otros niños del orfanato de Fontaines tuvieron
una infancia igualmente dura: el padre de Ahmed fue arrestado por robar una tienda de
conveniencia; el padre de Alice fue apartado por comportamiento inapropiado y la recién
llegada Camille (de quien Calabacín se enamora instantáneamente) fue testigo del
asesinato-suicidio de sus padres.
Ésta no es la materia de la cual las películas infantiles son hechas típicamente, y
mientras La vida de Calabacín cae en esa zona de la animación que es bastante madura
para que los adultos la aprecien, aborda con franqueza los hechos de la vida de una
manera que ni condesciende ni marca con una cicatriz a las audiencias más jóvenes.
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Capturar y transmitir ese estado de ánimo sin caer en territorio pesimista o
deprimente es más difícil de lo que parece, pero La vida de Calabacín encuentra ese
equilibrio. Aunque de colores brillantes y atractivamente diseñados, los personajes
ligeramente dañados tienen las narices torcidas y cicatrices faciales que nunca son
explicadas –evidencia externa de todo lo que han pasado a través de su corta edad. Pero
también encuentran ligereza en sus días, ya sea especulando sobre dónde vienen los
bebés o llevando a cabo una lucha de bolas de nieve. La animación nunca teme en ser
linda, pero lo más importante, está comprometida a ser real.
Fragmentos de un texto de Peter Debruge
Variety (variety.com)
Los Ángeles, 15 de mayo de 2016
Traducción: Israel Ruiz Arreola
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Hogar
Home
Bélgica, 2016, 103 min.
Dirección: Fien Troch.
Guión: Fien Troch y Nico Leunen.
Fotografía: Frank van den Eeden.
Música: Johnny Jewel.
Edición: Nico Leunen.
Con: Sebastian Van Dun (Kevin), Mistral Guidotti (John), Loïc Batog (Sammy), Lena
Siujkerbuijk (Lina), Robbie Cleiren (Willem), Karlijn Sileghem (Sonja).
CP: Prime Time, Versus Production, Centre du Cinéma et de l’Audiovisuel de la Fédération
Wallonie-Bruxelles.
Prod: Antonino Lombardo, Jacques-Henri Bronckart y Olivier Bronckart.
Dist: Alfhaville Cinema.
Kevin, un chico que acaba de salir de un centro de detención, se instala en la casa de sus
tíos, los padres de Sammy, quien fuma en la cocina de su casa. Por otra parte, Lina lidia
con las recriminaciones del director de su colegio, mientras John ignora las
amonestaciones del vigilante del instituto. La madurez y el halo delincuente de Kevin
impresionan a esta pequeña pandilla, cuya amistad crece y se conduce, inevitablemente, a
un destino trágico. En Hogar, la directora Fien Troch plasma la realidad cotidiana de la
juventud actual, a partir de una arriesgada trama que pone en escena los impulsos
narcisistas e hipersexualizados de unos adolescentes influidos por las drogas y la
tecnología.
Premios y Festivales
2016 Premio Horizontes al Mejor Director. Muestra de Arte Cinematográfico de Venecia.
Italia. | Premio de la Audiencia, Premio CANVAS de la Audiencia, Premio Georges Delerue
a la Mejor Música y Mención Especial del Premio del Jurado Joven. Festival Internacional
de Cine de Ghent. Bélgica. | Selección Oficial de la sección Platform. Festival Internacional
de Cine de Toronto. Canadá.
Universidad Iberoamericana Torreón
62 MUESTRA INTERNACIONAL DE CINE
Tel. 705-10-15 y 73
/Difusión Cultural Ibero [email protected]
Fien Troch
Londerzeel, Bélgica, 1978
Antes de graduarse de la Escuela de Artes LUCA de Bruselas en 2000, empezó a escribir
Someone Else’s Happiness (Een ander zijn geluk), su primer largometraje que después
fue proyectado en festivales como San Sebastián. En 2011 filmó Kid, cinta que la
consolidó como una directora promesa de su país.
Crítica
Hoy en día, algunos realizadores emplean el formato cuadrado de fotografía (1.33:1) para
replicar los cánones del cine clásico de la época de oro hollywoodense. Otros tantos miran
al presente, y afeitan los marcos para reflejar el encuadre favorito de la generación
Instagram. Hogar, de la directora belga Fien Troch, se orienta en la segunda vertiente.
Ajustando su imagen a la medida del video de iPhone, este drama políticamente incorrecto
se fija en la tecnología como una de las muchas barreras de comunicación entre los
adolescentes contemporáneos y sus padres, bajo una irónica mirada que devela los
temores personales y las frustraciones de la juventud actual.
El guión de Troch, coescrito con su editor y esposo Nico Leunen, toma su tiempo en
elegir una hebra dominante para el relato, inmerso en un torbellino de confrontaciones
entre jóvenes interconectados y figuras de autoridad exasperadas. La directora identifica la
delgada línea entre la bienintencionada unidad de sus protagonistas y la involuntaria mala
influencia de las redes sociales que los empuja a las aguas del riesgo y las malas
acciones. El desarrollo de la historia representa una colaboración irresponsable entre
padres e hijos que no saben interactuar.
Troch adopta una placentera postura amoral en torno a la posesión de drogas y las
expresiones sexuales (casuales y explícitas) de sus jóvenes al filmar su comportamiento
con franqueza y sin ninguna implicación por parte de la cámara, la cual funciona como el
registro de algún smartphone o un video de YouTube sujeto a preservar la vida cotidiana
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de los personajes. La juventud es vista sin ninguna interferencia editorial y, de hecho, la
estremecedora fotografía a cargo de [Frank] van den Eeden casi se alinea con la imagen
vertical ocasionalmente disparada en la puesta en escena, que junto al encuadre 1.33:1 y
el formato de iPhone, contribuye a crear una sensación de claustrofobia en esta
impresionante colección de cuerpos jóvenes inconclusos.
Fragmentos de un texto de Guy Lodge
Variety (variety.com)
Venecia, 10 de septiembre de 2016
Traducción: Edgar Aldape Morales