Géneros FotográficosVíctor Hugo Ordóñez Kock

INTRODUCCIONEntendemos por género fotográfico los distintos temas sobre los que puede tratar una fotografía. La clasificación de los géneros fotográficos nos va a servir para:

• Disponer la ubicación de las fotografías y poder localizarlas en un archivo sin problemas.• Mostrar una categoría básica según la cual se pueden agrupar las imágenes cuando, por ejemplo, las

mandamos a un concurso fotográfico.

El problema que nos da esta definición de género es que no sabremos colocar los nuevos géneros que van apareciendo, como por ejemplo la fotografía digital. Esto nos lleva a pensar que cada uno podrá formar su propia clasificación de géneros. Lo ideal sería que estas clasificaciones fueran amplias y centrarnos en las cosas que cada fotografía tenga en común, no en lo que las diferencia unas de otras.

Cuando aparece la fotografía, ésta se destina a realizar actividades que hasta ese momento se hacían a través de la pintura. La demanda social y la necesidad de expresión determinaron en ese momento los temas que más se iban a tratar. Estos primeros temas se fueron agrupando en una clasificación o géneros que tenía mucho que ver con la pintura, es más, se trataba de los géneros pictóricos más representativos en el momento de la aparición de la fotografía:

• Retrato.• Paisaje.• Naturaleza muerta (bodegones).

Estos tres géneros se convirtieron, por tanto, en géneros fotográficos. Habría que añadir un cuarto género, que es estrictamente fotográfico, nacido por y para la fotografía, que es el reportaje, considerado el género fotográfico por excelencia.

La fotografía tiene características que le permiten registrar imágenes en tiempos muy breves como para memorizar una situación determinada en un entorno variable constantemente.

Una clasificación de géneros bastante útil es en función de que la escena esté preparada o no y en función del elemento que domina en la escena.

Escena preparada Escena no preparada

Elemento humano predominante Retrato ReportajeElemento humano no predominante Bodegón Paisaje

Esta clasificación es un poco limitada.Podríamos tener otra clasificación atendiendo a otros criterios, que es desde el punto de vista de la función o el fin con el que se toma la imagen y en función del uso que se le va a dar a la misma:

Utilidad pública. Existen cuatro funciones:• Función informativa.• Función didáctica.• Función persuasiva.• Función estética. Dentro de ésta podemos encontrar:

o Función predominantemente NO ARTÍSTICA.Reportaje.Fotografía científica.Fotografía publicitaria.

o Función predominantemente ARTÍSTICA.Expresiva: retrato psicológico y surrealismo fotográfico o abstracción surrealista.Racional: realismo formal, abstracción formal y fotografía científico-artística.

En ambas funciones se puede desarrollar la personalidad del autor con un grado de libertad bastante elevado, aunque puede tener problemas de comercialización. Lo que las diferencia es la visión de la realidad que va a dar el autor.

Utilidad privada. El autor es un aficionado. El destino de las fotografías es el álbum personal.

NO ARTÍSTICA

Reportaje. El fotógrafo actúa seleccionando imágenes instantáneas que recogen acontecimientos humanos. No predomina la expresividad del fotógrafo, sino la del sujeto. Pero hemos de tener en cuenta que las actitudes del sujeto o su comportamiento o bien los acontecimientos son interpretables. Hay distintos tipos de reportaje y en todos ellos predomina la función informativa, ya que suele estar sujeto al texto.

Fotografía científica. Es fundamentalmente descriptiva. El fotógrafo no muestra sus sentimientos, sino que quiere demostrar o enseñar algo. A la fotografía se le pide que sea clara y limpia.

Fotografía publicitaria. El fotógrafo subordina su expresividad y su técnica a una finalidad, que es la de persuadir al espectador. Requieren una cuidadosa elaboración. No son instantáneas. No importa que el objeto sea artificial o que lo parezca. Nunca pueden prescindir del texto.

ARTÍSTICA

Retrato psicológico. El fotógrafo retrata al sujeto según le ve, como piensa que es.Abstracción surrealista. La imagen se aleja de la realidad y se crean ambientes expresivos nuevos donde se desenvuelven los objetos.Realismo formal. Tiene lugar cuando se hace una investigación de forma, textura, luz, color, perspectiva, encuadre, composición,... sin abstraer la realidad y sin mostrar los sentimientos del autor.Abstracción formal. La forma llega a perder la conexión con el modelo que lo originó (pierde el referente con la realidad).

Científico-artística. Estudia el espacio, el tiempo, el movimiento y el relieve de forma científica y con finalidad estética.

Hay otra serie de imágenes que se consideran artísticas porque son bonitas, pero son casuales. Son las llamadas hallazgo casual.

EL RETRATO

En 1839 se hace público el invento del daguerrotipo, siendo su primera aplicación práctica la producción de retratos. El resultado de estos retratos fue decepcionante. ¿A qué se debía este resultado? El problema era que el tiempo de exposición requerido era muy largo, por lo que los modelos aparecían movidos. Así, se intenta, por un lado, que los tiempos de exposición se hagan más cortos y, por otro, utilizar un invento que consistía en mantener inmóvil al modelo mediante unos soportes y artilugios. La manera de reducir el tiempo de exposición era incrementando la intensidad de luz del sol. Pero es la técnica la que va a ser quien resuelva finalmente este problema con la aparición de los flashes, que van a generar luz suficiente como para captar el sujeto en el menor tiempo posible. De esta manera, el retrato se convierte en un boom.

El nivel de calidad del retrato cambia. Los pintores mediocres van desapareciendo y muchos de ellos se dedican a la fotografía, quedando sólo como pintores los grandes retratistas. Consecuencia de esto es la vulgarización del retrato. Anteriormente, sólo se retrataban las familias de clase alta, con mayor poder adquisitivo. En este momento la fotografía es más barata por lo que se puede retratar a más gente . Este proceso se da con más intensidad en Francia debido a todos los grandes cambios que sufre esta sociedad a finales del siglo XVIII. La clase social que mayor afición tiene por el retrato es la burguesía, que lo considera como una manera de afirmación en la sociedad. Esto dura poco tiempo, ya que la técnica avanza y se abren cada vez más estudios de fotografía en cada vez más ciudades, lo que hace que el retrato llegue a las clases más bajas. Se expande a un número mayor de gente.

Un factor muy importante son las cartes du visite del fotógrafo Disderi, que eran pequeñas fotografías de regalo que se hacían a la vez que el retrato.

Este tipo de retrato tenía poco valor desde el punto de vista fotográfico. Eran retratos de cuerpo entero, las posturas eran muy forzadas y el rostro tenía un tamaño muy pequeño, por lo que era difícil diferenciar un sujeto de otro. Los posados aún eran largos, por lo que las posturas eran muy rígidas, poses muy tiesas y altivas.

A partir de la segunda mitad del siglo XIX avanza la técnica y se consigue una mayor naturalidad en el retrato. Uno de los retratistas que mejor aprovecha esta técnica fue Nadar. Descubrió la capacidad que tiene el rostro humano para reflejar la personalidad. Intenta que sus modelos tengan carácter, que digan algo. Nadar le pone un sello artístico al retrato. Hay que tener en cuenta que este fotógrafo era además caricaturista y provenía del arte, y llegó a la fotografía con una edad avanzada (30 años). Además, era investigador de la fotografía y es el primero que hace fotografías aéreas en 1870. La investigación más interesante que realizó Nadar fueron las relacionadas con la luz artificial en las tomas fotográficas. Instaló una batería de 50 pilas a un foco y posó él mismo junto a sus empleados para comprobar el resultado, que fue negativo. A ese foco le añadió otro con luz más suave para matizar la anterior, y fue añadiendo otros elementos como espejos, difusores de luz,... para reflejar la luz donde él quería. Así, consiguió retratar como con luz solar pero sin depender de la climatología. Tenía su propia fuente de luz dentro del estudio, un estudio ya moderno. Todo los retratos que hacía Nadar era a amigos. Se sentía más inspirado cuando conocía al modelo. Decía que a quien mejor retrataba era a quien mejor conocía. Este es el mejor momento de Nadar, haciéndose cada vez más famoso. Empieza a retratar a todo el mundo y a retocar las fotografías, colocando a los modelos como él quería, cambiando las luces,... de manera que va perdiendo su sello artístico. Entre 1850 y 1875 el retrato conoció una época muy buena gracias a Nadar.

Julia Margaret Cameron conoció la fotografía cuando tenía 48 años. Empieza a retratar a la gente en primeros planos muy cortos. Hacía composiciones de grupo muy suaves y tiernas. Las fotografías tenían un efecto desenfocado, con efecto flou (niebla).Salvo estas excepciones, el resto de los retratos intentaban imitar a la pintura, con modelos serios, estáticos, sentados, con mucha iluminación,...Cuando llega el siglo XX, la técnica sigue avanzando. Cada vez es más ligera y rápida. Al fotógrafo se le da la oportunidad de salir a retratar fuera del estudio, lo que también ayuda a modificar los retratos de interior.

Man Ray utilizó un proceso conocido como solarización, creando así estudios tridimensionales de cabezas y figuras.Steichen utilizó de forma muy imaginativa las sombras.Cecile Beaton realiza un tipo de retrato en el que el modelo queda integrado dentro de un ambiente decorativo artificial.Richard Avedon es famoso por el realismo con el que retrata a los personajes célebres.Penn utiliza una iluminación muy sencilla con la que crea primeros planos con mucha energía y fuerza, llenos de vida.Todos estos fotógrafos apenas han retratado en el exterior. Los retratistas más famosos de exterior fueron Cartier-Bresson, Eugene Smith, Bill Brandt,...

La vieja concepción de retrato fotográfico estático y de frente se pasa de moda y trata todas las formas posibles de captar al ser humano. Se siguen distinguiendo dos tendencias básicas:

o El retrato pictórico. El tomar este tipo de retrato va a depender del modelo. Éste ha de sentirse cómodo y, para ello, es fundamental la comunicación entre el fotógrafo y el retratado. Otros trucos para que se sienta cómodo es colocarle en un ambiente familiar, y que esté apoyado o sentado. No se debe dejar solo al modelo en un espacio vacío y debajo de un foco.

o El retrato informal.

Factores a considerar a la hora de realizar un retrato:

• Composición. La vista o el ojo, instintivamente, prefiere el orden y la sencillez y rechaza el caos y la desorganización. Por lo tanto, manejamos tres reglas básicas:o Eliminar de la composición aquellos elementos que resulten superfluos.o Utilizar las leyes clásicas de la composición:

♣!Ley de los tercios. Si tenemos una imagen y la dividimos en tres líneas horizontales y tres verticales, los puntos de fuerza serán aquellos que entrecruzan las líneas.

♣!El uso de las diagonales. Por medio de las diagonales, implícitas o explícitas, se nos lleva a un punto de interés.

♣!Huir del centro. Resulta mejor y más interesante que el objeto o sujeto retratado quede descentrado.

• Encuadre. Se debe aprovechar el marco de la imagen para crear una composición dinámica. Esto tiene que ver con las teorías del centro de impacto visual: en una imagen, si colocamos un punto de interés, el ojo se quedará ahí. Por tanto, colocando otros centros de interés, se obligará al ojo a recorrer toda la imagen. Se debe buscar un ritmo para que la imagen no quede estática.

Los encuadres verticales son los más apropiados para el retrato. Pero hay que tener en cuenta que no es el único formato. El formato horizontal lo utilizaremos para incluir elementos no superfluos del ambiente del sujeto que de forma vertical no podríamos incluir. Normalmente, el ojo del fotógrafo se sitúa a la altura del ojo del retratado, aunque se pueden buscar efectos de superioridad o inferioridad según nos coloquemos más abajo o más arriba.

• Uso del color. La fotografía puede tener colores fríos, cálidos, suaves,... Puede que haya un color dominante o no. El uso de los filtros nos ayuda a crear efectos de color.

• Luz. Hay que tener en cuenta la intensidad de la luz y cómo refleja ésta en el sujeto. La calidad de la luz es también muy importante (si es suave, dura,...). Dependiendo de la dirección de la luz, ésta tendrá un efecto u otro. Si la luz está de frente, aplana la cara. La dirección lateral hace efectos de sombra muy feos, al igual que la luz desde abajo o desde arriba (cenital). Hay un retrato clásico que es mostrar al sujeto tal cual es, retrato a contraluz (el foco desde atrás), retrato de la silueta (foco desde atrás sin rastros), retrato en clave alta (muy pocos negros y tonos muy brillantes y luminosos), retrato en clave baja (muy pocos blancos y muchos negros),... Encontramos tres tipos de luz:

o Natural en interiores. Es la que da mejor resultado.o Flash. Da menos calor, más potencia y gasta poco.o Tungsteno. Es incómodo, provoca calor y brillos.

Objetivos. Los mejores objetivos para el retrato son los teleobjetivos cortos. Nos permite mantener una distancia respecto al sujeto. El peso nos obliga a utilizar el trípode. Los teleobjetivos largos se utilizan también para primeros planos muy cortos, pero tienen muy poca profundidad de campo. Un objetivo normal sirve para sacar al sujeto en su entorno. Un gran angular distorsionará la imagen.

EL DESNUDO

Von Gloeden fue un aristócrata que se dedicó a realizar desnudos (siglo XVIII). Utilizaba modelos masculinos (era homosexual), y se vio obligado a exiliarse a Italia. Cuando murió dejó todas sus fotos a su amante italiano. Otros retratistas de desnudo importantes fueron Schenk y Durien & Delacroix.

Consejos a tener en cuenta a la hora de realizar un desnudo:

• Es importante que el modelo esté cómodo, tanto o más que en un retrato común. Debe haber confianza. Hay que explicarle lo que se va haciendo y por qué. Suele haber un ayudante que es el que arregla los focos, al modelo,... No debe haber público. La música ayuda a crear un ambiente agradable. No debemos caer en el mal gusto, ya que erotismo y pornografía van muy unidos. Si el modelo va maquillado hay que tener cuidado, ya que pueden quedar muy marcadas las zonas que llevan maquillaje y resaltarse así las que no lo llevan. Si el modelo se depila deberá hacerlo con tiempo para evitar que no se queden marcas en la piel. La temperatura tiene que ser agradable para el sujeto, que no pase frío ni calor. Intentaremos que el modelo se desnude de 15 a 20 minutos antes de retratarle, para que no queden las marcas de ropa en la piel.

• Técnica. La película que mejor resultado da es la de 100 ASA, aunque con una de 400, que proporciona mayor grano, puede quedar bien.

• Objetivo. El gran angular sacará al modelo en su entorno o distorsionado. El teleobjetivo ayuda a fragmentar el cuerpo y a mantenerse más lejos del modelo.

EL PAISAJESe trata de una escena de la naturaleza, pero en un término más amplio también puede tratarse de una escena urbana. Dentro del mundo de la fotografía, los paisajes han constituido un género muy popular. En los primeros años de la fotografía, este género era perteneciente a la pintura.

El paisaje representa una pequeña porción de la naturaleza, escogida por el fotógrafo. Un buen consejo es dejarse llevar por lo que nos llama la atención, pero siempre teniendo en cuenta que lo que la cámara va a coger es más limitado que lo que nuestra visión percibe.

Una vez claro lo que vamos a fotografiar, elegimos el encuadre. No hay que conformarse con el primer encuentra que se tenga. Hay que jugar con el zoom, moverse. Según el tema, se verá si la fotografía queda mejor en horizontal o en vertical.

No se debe recargar mucho la fotografía: cuanto más limpia quede, mejor. En ella, siempre ha de haber un centro de interés. Se trata de apoyarse en él, de manera que se ayude al ojo a recorrer toda la fotografía. El mejor elemento para conseguir esto son las líneas diagonales. Además de estas, otras líneas importantes son las del horizonte, que deben situarse en el tercio superior o inferior de la fotografía, nunca en el centro. Además, se debe procurar que la línea del horizontal salga recta (a no ser que se quiera dar sensación de desequilibrio). Hay que evitar las simetrías en los paisajes, ya que son las líneas asimétricas las que dan más ritmo.

El ojo humano ve las imágenes de izquierda a derecha, al igual que lee los textos. Si se coloca el elemento de interés en la parte izquierda, quedará una composición abierta, mientras que si se coloca en la parte derecha, la composición quedará cerrada. La composición abierta da más dinamismo y da una mejor sensación en la fotografía.

En cuanto a los modos de componer la imagen podemos decir que la composición de un elemento interesante en primer término va a aportar profundidad al paisaje, de manera que no queda plano.

El encuadre y la composición tienen mucho que ver con los objetivos que se utilicen:• Gran angular: para paisajes amplios. Los detalles se pierden. Será bueno sacar más o menos las dos

terceras partes de la composición de cielo, mar o tierra.• Teleobjetivo: permite acercarse mejor al tema. Los detalles quedan más definidos. Tiene el inconveniente de

que se pierde perspectiva y profundidad.

Para reforzar una situación se pueden utilizar filtros (por ejemplo, con el polarizador se saturan los colores y se eliminan los brillos).

En cuanto a la luz, al contrario de lo que se cree, no es la luz del sol la ideal para fotografiar paisajes, ya que es dura y provoca sombras muy fuertes, sino que la mejor luz es la del amanecer o el anochecer y la de los días nublados, ya que las nubes canalizan los rayos.

La lectura de la exposición se realiza enfocando la cámara hacia las zonas más oscuras, se mide ahí la luz, en los puntos intermedios de las zonas de más y menos luz.

Situaciones específicas:• Nieve. Requiere un filtro polarizador o skylight, ya que quita brillos y hace que la nieve salga muy blanca.

Hay que evitar la luz parásita, por lo que se debe usa un parasol.• Playa. Tiene las mismas recomendaciones que la fotografía de nieve. El peligro de fotografiar en la playa es

el agua y la arena.• Niebla. Se debe trabajar con un diafragma pequeño (número grande) para que capte bien el detalle.

Relámpagos. Se requiere el uso del trípode. Se coloca el obturador en B y el diafragma lo más abierto posible. La lluvia da una luz muy buena.

EL BODEGÓN FOTOGRÁFICO

Tuvo especial influencia en el siglo XVI en Flandes. Este género era llamado naturaleza muerta, que era un tipo de pintura simbólica. Se solía hacer en interiores y se le llamaba bodegón porque representaba elementos que estaban en las cocinas, en las bodegas o en las despensas (pan, botellas de vino, frutas,...).

Bodegón es el retrato de un objeto o grupo de objetos que se realiza siempre en estudio (interior). Se pueden diferenciar dos tipos:

• Bodegón seco. Son los que tienen más en común con los que se realizaban en pintura (naturaleza muerta). Admiten sombras, texturas y el color suele ser cálido: cuerda, madera, cereales, barro, frutos y flores secas, pasta, botellas de vino,... En el caso de que quedara una composición muy monótona en cuanto a color, se puede poner un elemento que destaque del resto.

• Bodegón húmedo. Es más luminoso, brillante. No admite sombras y las texturas son suaves: frutas y verduras, cristal, cubiertos de acero inoxidable, porcelana,...

La principal aplicación del bodegón es la fotografía publicitaria, donde el objetivo es vender un objeto, por lo que se trata de una fotografía muy cuidada y preparada. Los equipos son de gran calidad y se trabaja en estudios.Se deben tener en cuenta tres aspectos:

• La composición. Es importante respetar la ley de los tercios: las grandes masas estarán en el centro y los pequeños detalles alrededor. Un bodegón cuenta con varios planos de composición, lo que obliga a trabajar con diafragmas cerrados para conseguir mayor profundidad.

• La toma. Es importante la posición de la cámara y los objetivos con los que se va a trabajar. Por ejemplo, si el objeto es muy plano, se deberá hacer una toma cenital (desde arriba). La toma que más se utiliza es la toma frontal ligeramente picada. En cuanto a los objetivos, con ellos se pueden crear diferentes efectos:

o Teleobjetivo. Enfoca muy bien el bodegón, pero el fondo queda desenfocado.o Gran angular. Se puede deformar el bodegón por los extremos.

El objetivo que más se utiliza es el teleobjetivo corto (70-100) ya que respeta la profundidad de campo lo suficiente y no deforma el objeto, ni llega a pegar la perspectiva.

• La luz. Es muy importante, más que en otros géneros. Dependerá del tipo de bodegón:

o Bodegón húmedo. Al no pedir sombras, se deberán evitar éstas y controlar los brillos (deben aparecer en los bordes de los objetos). Los fondos son lisos y con colores vivos. Lo ideal es que no haya demasiados objetos y procurar, además, que éstos queden ligeramente sobreexpuestos (de luz). Debe haber profundidad de foco (o campo). Se trabaja con luz difusa. Si se utiliza un foco directo, se hará frontal o cenitalmente.

o Bodegón seco. Todo lo contrario. Admite sombras, por lo que se utiliza luz directa frontal o lateral. Los fondos son de colores cálidos, fogosos, con texturas,... Quedará mejor cuando los objetos queden ligeramente subexpuestos. A este tipo de bodegones les va bien el fondo desenfocado, por lo que se utilizan objetivos largos. Si se utilizan líquidos, se iluminarán de manera especial, con un foco dirigido hacia él. Hay que tratar de alejar los elementos más claros de la fuente de luz.

Pasos para la toma de un bodegón: Componer. Una vez compuesto no se debe mover nada. Hay que juntar los elementos. Situación de la cámara. Se debe colocar en un trípode. Una vez colocada la cámara no hay que moverse. Elegir el objetivo. Elegir el diafragma y la obturación. Iluminación.

EL REPORTAJE FOTOGRÁFICOUna fotografía puede tener sentido por sí misma, pero en la mayoría de las ocasiones, un conjunto de imágenes con el mismo motivo puede ayudar mejor al espectador a formar una opinión sobre el hecho que se está documentando. Éste sería el principio del reportaje.

Reportaje es un conjunto de fotografías y texto escrito dentro de una unidad física compuesta por una o varias páginas a lo largo de las cuales se respeta una unidad temática o de acción agrupada bajo un título. En el caso de que haya una gran superficie de imágenes se puede prescindir del texto.

El fotógrafo debe verse a sí mismo como un testigo ocular de la realidad de manera que puede plantear el reportaje de dos modos:

• Realizar un enfoque objetivo y realista. Se limita a colocar su cámara y fotografiar.• Realizar un enfoque implicándose emocionalmente en los hechos que están ocurriendo.

Otro aspecto del reportaje es que los temas fotografiados no tienen por qué tener una importancia universal. Independientemente de la importancia del tema, podemos enfrentarnos a 2 situaciones que darán lugar a trabajos distintos: Partiendo de una base o basándose en ella. Antes del reportaje, el fotógrafo tiene una idea de lo que quiere. Buscando el momento decisivo, el instante interesante. Esto no se puede planificar. Hay tres cosas a tener en cuenta:

o El fotógrafo ha de estar en el lugar donde es posible que ocurra la acción.o Hay que dejarse llevar por el instinto, fotografiar sin más.o Capacidad de anticipación.

Es importante no ser tacaño con el negativo. Se debe llevar película de sobra para disparar lo máximo posible.

El reportaje como género nación en la guerra de Crimea en 1855, cuando Roger Fenton y su equipo se dedican a tomar fotografías de la guerra para una revista, fotos que reflejan la crudeza de una guerra de manera que nunca se había visto. Desde entonces, las publicaciones empiezan a darle importancia al impacto de la imagen.Más tarde, Mathew Brady se dedica a fotografiar, junto a su equipo, la guerra de secesión norteamericana, consiguiendo hasta 70 mil negativos que aún se guardan en la Biblioteca de Congresos de Estados Unidos.A principios del siglo XX, algunos acontecimientos registrados por la cámara empiezan a impactar a los lectores de prensa, como por ejemplo, la recogida por parte de Warnecke del asesinato del alcalde de Nueva York, o el incendio del dirigible Hindenburg.

Sin embargo, a pesar de todo ello, aún no se puede hablar de reportaje fotográfico propiamente dicho, ya que las imágenes se agrupan de forma caprichosa, sin orden o coherencia. El reportaje requiere una organización a la hora de disponer las imágenes para que transmitan una lectura ordenada de las mismas.

Podemos empezar a hablar de reportaje fotográfico propiamente dicho en Alemania en la década de los años '20. En casi todas las ciudades del mundo empezaban a editarse revistas ilustradas, lo que fue posible gracias a tres hechos fundamentales:

• La aparición de cámaras más pequeñas y manejables que permiten tomar imágenes instantáneas y más naturales.

• La colaboración conjunta de los redactores jefes y de los fotógrafos que daba como lugar un trabajo o resultado conjunto compuesto por textos e imágenes como un todo coherente.

• La gran libertad de iniciativa que empieza a tener el fotógrafo.

Dr. Salomon. Es uno de los mejores reporteros alemanes de los años '20-'30. Era abogado y, casualmente, entra a trabajar en una agencia de publicidad. Entra en el mundo de la fotografía de manera casual. Los temas que usaba para sus fotografías eran sobre gente importante, famosos, políticos,... Los retrataba en actitudes informales, más relajadas y naturales. Se las ingeniaba para sacar la fotografía de la manera más natural posible. Salomon hizo muchas fotografías a las que llamó en su conjunto Contemporáneos Célebres captados en momentos inesperados (1930). No tiene en cuenta la teórica sino que trata la fotografía sincera. Su carrera fotográfica fue muy corta (1928-1933), pero deja un buen grupo de seguidores que se agrupan en torno a una agencia llamada Depoth. En esta agencia destaca Felix H. Man, que comienza haciendo reportajes muy populares. Su trabajo más importante es el que lleva por título Un día en la vida de Mussolini.

Hitler llega al poder y muchos fotógrafos alemanes huyen. Hay una fuerte censura hacia la prensa gráfica, que disminuye en calidad en Alemania, mientras que aumenta en aquellos países donde se acogen a estos fotógrafos que huyeron. Es el caso de la revista francesa Vu, fundada por Vogel, cuya especialidad era la fotografía de países de manera crítica y progresista. Al accionariado de la revista no terminó de gustarle esta idea, por lo que Vogel fue destituido. Finalmente, la revista fracasa.

Con la desaparición de Vu, decae la prensa gráfica en Europa. Es entonces cuando nace Life en 1936, en Estados Unidos, cuyo objetivo era reflejar aspectos humanos en imágenes que no fueran evidentes a los ojos del ser humano. El éxito de la revista se debía en gran parte a su organización. Los contenidos fotográficos eran revisados por Hicks, quien elaboraba para los fotógrafos un pequeños guión determinando qué imágenes quería y cómo las quería. Con la competencia de los nuevos medios audiovisuales, sobre todo la televisión, hacia 1960, comienza el declive de la revista, que termina cerrando en 1972. Life tuvo importantes colaboradores, como Eugene Smith, que colaboraba de manera muy asidua aunque no estaba de acuerdo con los criterios de la revista. Sus tres reportajes más importantes son: Nurse midwife, Spanish Village y Minamata.

LA FOTOGRAFÍA CREATIVAMACROFOTOGRAFÍA.

Se trata de una fotografía de aumento, aumentando el objeto alrededor de diez veces (la microfotografía lo aumenta hacia 15 veces). Interpreta objetos pequeños o bien grandes de los que se destaca una de sus partes. El primer uso de la macrofotografía está relacionado con los objetos pequeños (insectos, flores,...). En el caso de seleccionar una parte de un objeto grande se trataría de una fotografía más creativa, donde el objeto deja de parecerse a sí mismo para parecerse a otro.

La macrofotografía puede darse tanto en interiores como en exteriores. En interiores tenemos la ventaja de que es mucho más fácil controlar el entorno y, además, no hay que cargar con el equipo de macro, que es bastante pesado. En cambio, en el exterior encontramos modelos más interesantes para fotografiar.

En ambos casos, el tema de la luz va a resultar complicado. En exteriores se trabaja con luz ambiente, mientras que en interiores se pueden crear esquemas de iluminación básicos y característicos de macro:

• Iluminación básica de macro. Cuenta con un solo foco encima del objeto, colgado del techo (cenital o picado), que se puede mover un poco para eliminar sombras.

• Axin. Se utiliza un foco suspendido del techo pero en posición oblicua.• De joyería. Se coloca el objeto sobre una superficie de cristal transparente y se ilumina con un foco por

encima y otro por debajo. Puede que el cristal haga reflejos, con lo que colocamos un papel cebolla. Se utiliza básicamente para fotografiar piezas de joyería.

• Iluminación con separación. Se trata de una iluminación de apoyo que crea un efecto específico de espacio. Se coloca paralelo al objeto y a su misma altura. El efecto que crea es un pasillo de luz. Las macrofotografías tienen muy poca profundidad de campo, por lo que parece que el objeto está pegado al fondo. Este haz de luz evita esa sensación y crea espacio entre objeto y fondo.

• Iluminación con relleno. Consta de un foco principal y otro de apoyo para eliminar sombras. El foco de relleno lo que hace es rebotar la luz.

Hay que saber diferenciar si se va a hacer macro de forma profesional o como aficionado, para invertir en un equipo u otro. Podemos encontrar diferentes accesorios:

• Objetivo macro. Son especiales, de aspecto normal, pero diseñados para enfocar desde infinito hasta 5 centímetros. Son caros y pesan mucho, pero dan bastante contraste y nitidez.

• Tubos de extensión. Son anillas que se montan entre el cuerpo de la cámara y el objetivo. Sirve para aumentar la distancia entre el centro óptico de la lente y el plano focal, es decir, aumenta el tamaño del objeto.

• Duplicadores. Su denominación correcta es teleconvertidores. Aumentan el tamaño del objeto a fotografiar por dos veces, por eso se le llama duplicador, aunque también los hay que multiplican por tres.

• Fuelles de extensión. Sería igual que un tubo de extensión con la diferencia de que el fuelle es un elemento flexible, con lo que el objetivo se puede descentrar.

• Lentes de aumento. Se trata de una especie de lupas que se enroscan al objetivo y sirven para aumentar el tamaño del objeto. Funcionan igual que los filtros, pero con la ventaja de que, al ser transparentes, no pierden luz. El problema que tiene es que esferiza la imagen, la deforma.

Para no perder nitidez a la hora de hacer una macrofotografía, debemos situar el diafragma por encima de 8 (8, 11, 16,...), aunque los tiempos de exposición sean mayores.

FOTOGRAFÍA NOCTURNA.

En la fotografía nocturna lo más difícil de manejar es la luz. No se mide, sino que se trabaja con un diafragma F8 y a partir de ahí se calcula la exposición. Se suelen tirar tres tomas de lo mismo: a la velocidad a la que creemos que es la correcta, una velocidad por encima y una velocidad por debajo. Normalmente, se trabaja con velocidades muy bajas, por lo que tendemos a utilizar el trípode. Debemos tener cuidado con los objetos en movimiento

Tiempos:• Calle iluminada (Gran Vía) 2-4 segundos.• Calle con poca luz 6-8 segundos.• Sólo farolas (casco antiguo) 8-9 segundos.• Monumento con luz de candileja 5-8 segundos.• Mar con luna reflejada 2-4 segundos.• Luz de luna -llena 8 segundos aprox.• cuartos 15 segundos aprox.

Efecto fantasma. Se trata de una exposición larga donde hay un modelo. Se da un disparo de flash y el modelo se retira. La foto quedará con el fondo y una ligera impresión del modelo.Efecto Sabattier. Genera copias con partes en positivo y partes en negativo. Además, genera líneas de Mackie (líneas definidas en las zonas de contraste). También se le conoce con el nombre de solarización.