El arte clásico: Grecia.

1 Características esenciales del arte griego. Precedentes: arte minoico y micénico

La antigua civilización griega se extendió entre los siglos VIII y II a. C en el Mediterráneo oriental, en la actual península griega, el sur de Italia y Sicilia ( la Magna Grecia) y las costas de la península de Anatolia. Tiene su precedente en las civilizaciones del Egeo del II milenio a. C, la minoica o cretense y la micénica, de la que hereda algunos rasgos artísticos a pesar de entre ambas hay un período de crisis y retroceso cultural, llamada la “ Edad Oscura”. La civilización griega fue esencialmente urbana, con actividades como la artesanía y el comercio y formas políticas avanzadas como la democracia ateniense. El pensamiento antropocéntrico griego se plasma tanto en la filosofía ( “ el hombre es la medida de todas las cosas”), el teatro, la política y el arte.

La arquitectura y escultura griega evolucionan en el tiempo distinguiéndose los períodos arcaico ( siglos VIII al VI aC), clásico ( siglos V y IV aC) y helenístico ( a partir siglo III aC). AL estudiar la arquitectura y la escultura estudiaremos la evolución de la arquitectura y la escultura griegas. Los precedentes del arte griego se encuentran en las civilizaciones del Egeo, la cultura micénica y minoica del III y II milenio a. C. La arquitectura griega tomará algunos elementos de la arquitectura minoica o cretense como el gusto por la arquitectura arquitrabada de los palacios minoicos como del de Knossos con columnas que anticipan el orden dórico. Posiblemente la pintura griega que conocemos sobre todo a partir de la cerámica tiene su origen en la pintura mural minoica que a su vez aparece claramente influida por la egipcia como muestra la famosa escena del Príncipe de los Lirios de Cnossos. Por su parte la escultura minoica como las famosas diosas de las serpientes se inspiran también en el arte egipcio e influirán junto con él en las primeras esculturas griegas del período arcaico por su gusto por la composición simétrica y la ley de frontalidad. En cuanto al arte micénico desarrollado en el sur de la Grecia peninsular como el Peloponeso donde se encuentra la ciudad de Micenas, el megaron es una construcción que sirve de modelo a los posteriores templos griegos. Las esculturas como la máscara de Agamenón muestran la influencia egipcia que también se apreciará en las primeras obras escultóricas griegas.

2. La arquitectura y su evolución en el tiempo

2.1 Caracteristicas de la arquitectura griega. Los órdenes

La arquitectura griega es una arquitectura arquitrabada, renuncia por lo tanto a utilizar arcos y bóvedas para emplear exclusivamente columnas y entablamentos. Las columnas y los muros son los soportes o elementos sustentantes de unos entablamentos o elementos sustentados horizontales. El juego de líneas verticales y horizontales proporciona una imagen de serenidad y equilibrio

La gran novedad del arte griego es la búsqueda de la belleza de un modo intencional. Y la belleza para el griego reside en la armonía, es decir, una determinada relación entre las partes de un todo. Por eso para crear una obra armónica el arquitecto construye el edificio de acuerdo con unas reglas que fijan la forma, el tamaño y la decoración de las partes del edificio: son los órdenes. Los griegos crearon tres " reglas " fijas de construcción y decoración de un edificio, tres órdenes, el dórico, el jónico y el corintio.

En el orden dórico la columna arranca directamente del suelo, sin basa y el fuste es estriado juntándose las estrías formando aristas ( aristas vivas). En la parte superior del fuste el collarino señala el comienzo del capitel. El capitel es muy sencillo presentando dos volúmenes, el equino, la parte redondeada y convexa, y el ábaco, de forma paralelepípeda. El entablamento, el gran elemento horizontal sostenido por las columnas, se divide en tres partes: arquitrabe, friso y cornisa. El arquitrabe es liso, sin ningún tipo de decoración, el friso está dividido en triglifos o espacios decorados con bandas verticales y metopas o espacios lisos que se decoraban con relieves escultóricos.

En los órdenes jónico y corintio el fuste no arranca directamente del suelo sino de una basa formada por molduras convexas y cóncavas. Los fustes son más altos y estilizados que en el orden dórico. Tienen también estrías, pero más separadas una de otra que en el dórico, por lo que no forman aristas y se llama a este fuste de " arista muerta". Ambos órdenes difieren en el capitel. El capitel jónico presenta dos volutas encuadrando el equino siendo además el ábaco muy fino. El capitel corintio es el mas decorativo y suntuoso y se compone de un núcleo cubierto de decoración vegetal de hojas de acanto de las que brotan unos tallos que se enroscan en los extremos superiores formando pequeñas espirales o caulículos. Los entablamentos jónico y corintio presentan diferencias respecto al dórico: el arquitrabe se divide en tres bandas horizontales o platabandas y el friso es continuo al desaparecer los triglifos decorándose con relieves que forman escenas.

En época helenística se aprecia una predilección por el orden jónico, y un gran desarrollo del orden corintio. La influencia de estos órdenes hizo que el dórico se hiciera más esbelto y se multiplicasen los triglifos.

El material utilizado para la construcción es el muro de sillería de mármol. Para embellecer aún más los templos, se pintaron con vivos colores como el rojo y azul, aunque hoy se han perdido. Los elementos decorativos se subordinan a los constructivos, y se concentran en ciertos lugares del templo: tímpano de los frontones, metopas del friso jónico, frisos jónicos.

El antropocentrismo de la cultura griega hará que para el arte griego la preocupación fundamental sea la de crear un arte a la medida del hombre. Incluso los grandes templos como el Parthenón no resultan ni desmesurados ni pesados, el hombre frente a ellos no se siente anonadado como ocurría en las construcciones orientales

2.2 Tipologías: templo y teatro

La manifestación más representativa de la arquitectura griega es el templo y a través de él podemos conocer los rasgos fundamentales de la arquitectura griega El templo posee una planta rectangular y consta de un breve ámbito de acceso llamado pronaos, la cámara que alberga la estatua del dios denominada cella o naos, y una habitación posterior e incomunicada con la cella u opistodomos donde se guardan las ofrendas. El templo se eleva sobre un graderío o krepis, dividido en gradas, denominándose la superior " estilóbato". El edificio se cubre con un tejado a dos vertientes que definen en las dos fachadas principales dos espacios triangulares llamadas frontones, cuyo espacio interno, llamado tímpano se suele decorar con relieves.

El edificio no está concebido para reuniones colectivas de fieles. Las grandes ceremonias religiosas se realizaban delante del templo, que básicamente cobija la estatua del dios y guarda sus ofrendas. Por ello hay una gran preocupación por el aspecto externo del edificio que además, no es concebido como algo aislado sino que debe contribuir a la belleza de la ciudad. Por ello la decoración exterior se cuida y se rodea de columnas. Precisamente en función de la disposición de las columnas en el exterior del edificio c lasifican los templos como templos " in antis " si presentan tan sólo columnas en el pronaos, próstilos o anfipróstilos si tan

sólo en una o las dos fachadas; perípteros si se rodean por un peristilo o pasillo de columnas, llamándose pseudoperíptero si las columnas están embebidas en la pared. Simultáneamente en virtud del número de columnas en la fachada se denominan tetrástilos, exástilos, octástilos, etc. .

Las danzas y cantos que acompañaban al culto del dios Dionisos se convirtieron poco a poco en representaciones de la vida del dios y de los héroes griegos: así nació el teatro. El público se sentaba en los graderíos tallados sobre las laderas de una colina aprovechando el desnivel del terreno. El graderío, de planta ultrasemicircular rodea en parte la orchestra circular donde se situaba el coro. La representación se verifica sobre la escena ( Skena ), situada sobre un zócalo y a la que los actores acceden por dos pasillos ( parodos ). Todo este esquema se puede apreciar en el teatro de Epidauro, de época clásica.

2.3 La evolución en el tiempo

Durante los siglos VIII a VI a. C ( período arcaico ) se construyeron templos como el de Hera en Olimpia o los templos de la Magna Grecia. Pero la arquitectura religiosa alcanza su máximo esplendor durante la época clásica en Atenas.

En el siglo V a.C esta ciudad se ha convertido en la Polis más importante de Grecia y Pericles quiere dejar testimonio de su grandeza embelleciendo la Acrópolis. La Acrópolis situada sobre una colina y que servía como lugar de refugio en los momentos de peligro, pasa en este momento a convertirse en un lugar exclusivamente sagrado. El acceso a la Acrópolis se realiza por los Propíleos, unos pórticos que albergan en su interior un corredor de columnas. Fueron levantados por Mnesicles, que por primera vez hace convivir en un mismo edificio los órdenes jónico y dórico. Junto a ellos se encuentra el templo de Atenea Niké levantado por Calícrates. Otro edificio singular es el Erecteion. Este templo no responde a un plan rigurosamente geométrico debido a las desigualdades del terreno que lejos de ser suprimidas se tuvieron en cuenta para emplazar los diversos cuerpos. El templo posee pórticos en los cuatro lados, uno de ellos con la famosa tribuna de las Cariátides.

Sin duda alguna el edificio más importante es el Parthenón, el templo que la ciudad levanta a su diosa protectora Atenea. Períptero y octástilo, es una síntesis de los órdenes griegos pues siendo básicamente de orden dórico en el muro exterior de todo el edifico se coloca un friso jónico continuo con el relieve de la procesión de las panateneas de Fidias. El afán de belleza perfecta que guía al arte griego llevó a realizar en esta obra correcciones, calculadas con precisión para evitar que, por ilusiones ópticas, se crearan en el espectador defectos inexistentes. Los elementos horizontales de un edificio, si son extensos, son percibidos por el ojo humano no rectos, sino ligeramente hundidos en el centro. Para evitarlo el centro de los entablamentos y del estilobato tienen unos centímetros de elevación convexa. Así, a la vista se ofrecen completamente horizontales, aunque no lo sean. Como las cuatro columnas situadas en las esquinas del pórtico reciben más fuertemente en todo su perfil, la luz y se recortan sobre el espacio, si fuesen iguales a las demás del pórtico el ojo humano las percibiría como más delgadas. Para evitarlo estas cuatro columnas son un poco más gruesas. Dada la altura del edificio, al avanzar y llegar a él podría el espectador sufrir la sensación de que de que el pórtico iba a desplomarse sobre él. Este efecto se elimina dando a toda la construcción una ligera inclinación hacia el interior

En el período helenístico la arquitectura busca lo monumental y el efecto sorpresa con edificios como altar de Zeus en Pérgamo con columnata sobre alto pódium con relieves o el Mausoleo de Halicarnaso.

3.La evolución de la escultura griega

3.1 Rasgos generales

La escultura griega de bulto redondo presenta gran diversidad de temas, sobre todo en la época helenística, pero sobre todo predominan los temas de tipo religioso, dioses, atletas divinizados, escenas mitológicas. De todas formas el verdadero protagonista de la escultura griega es el cuerpo desnudo del hombre donde plasman su ideal de belleza concebida como proporción, como armonía entre las partes. El material empleado por antonomasia es el mármol, con superficies muy pulidas que luego se policromaban y el bronce.

La escultura griega tanto en bulto redondo como en el relieve emplea un lenguaje de un naturalismo que a lo largo de los siglos avanza en la representación naturalista del cuerpo humano. Pero emplea un naturalismo idealizado que presenta cuerpos de una belleza ideal o perfecta. El cuerpo humano está sujeto a unas reglas de proporción llamadas canon en el que la cabeza es tomada como unidad de medida ( módulo ) Para Policleto el canon de un cuerpo es de siete veces el tamaño de la cabeza. A su vez el rostro se divide en tres partes iguales.

A lo largo de los tres períodos del arte griego, arcaico ( del siglo VIII al V a. C ), período clásico ( siglos V y IV a. C ) y período helenístico ( a partir del siglo III a C ) la escultura griega avanza en su capacidad de representar el cuerpo humano de forma naturalista, con un estudio cada vez más real de la anatomía humana. A lo largo de los tres períodos del arte griego, el escultor aprende a representar el volumen de las figuras, que adquieren un carácter más volumétrico. Se pasa así de esculturas muy planas del período arcaico a una mayor redondez y una plasmación más rotunda del cuerpo humano. De unas esculturas frontales, concebidas para ser representadas desde un punto de vista central, se pasará a otras que ofrecen diversos puntos de vista invitando al espectador a rodearlas para su contemplación ( estereometría ).

También se produce una representación cada vez más natural del movimiento. Si en el período arcaico las estatuas aparecen estáticas, adelantando únicamente un pie, ya en el período clásico la figura dará sensación de dinamismo mediante la técnica del contraposto, un convencionalismo propio del arte griego que luego es heredado por los estilos que imitan el lenguaje clásico. En el contraposto, la figura flexiona levemente una pierna descansando el peso del cuerpo en la otra, lo cual hace oscilar la cadera y contribuye a dar a la escultura sensación de vida. Hay además una oposición armónica de los brazos y piernas: si la pierna derecha se dobla, el brazo izquierdo se extiende en tanto se extienda la pierna izquierda y se dobla la derecha. Se rompe la simetría mediante leve giro de la cabeza. En el período helenístico se busca transmitir la sensación de dinamismo mediante posturas inestables, perfiles abiertos, figuras en serpentinata.

Por último, hay una progresiva conquista de la expresión que conduce la convencional sonrisa arcaica del período arcaico, a una cierta inexpresividad clásica para llegar la expresión intensa de los sentimientos humanos en el período helenístico.

El relieve del período clásico presenta estos rasgos. El modelado es suave y hay una tenue transición entre las zonas de luz y sombra que contribuye a la claridad narrativa. El naturalismo conduce a la existencia dentro de una escena de la misma escala en todas las figuras y a una relación lógica entre el tamaño de las figuras y los elementos escenográficos. En el frontón las figuras se adaptan al marco para mantener todas la misma escala en una escena. La profundidad espacial se consigue mediante la gradación del relieve. En el período helenístico se utilizarán altorrelieves de vigorosos modelados para crear contrastes luminosos ( claroscuro) que animen la superficie escultórica

32 El arcaísmo

Las primeras esculturas arcaicas, que son la base de la escultura, son las xonanas, figuras pequeñas de madera tosca y carácter votivo. Las dos obras típicas del período arcaico son el atleta desnudo o Kouros ( Kóuroi en plural ) y la sacerdotisa o Kóre.( Kórai en plural ). Ambas son esculturas de finalidad votiva: se ofrecen a los dioses.

El Kóuros es escultura de los atletas triunfadores en los juegos olímpicos. De granito o mármol, están totalmente desnudos siendo el primer ejemplo del tema fundamental de la escultura griega: el cuerpo humano desnudo. En sus rostros se percibe una sonrisa típica de este período, la llamada " sonrisa arcaica ", un primer intento de dotar a las esculturas de expresión. Otros convencionalismos son los ojos almendrados, las caras en forma de V y el tratamiento geométrico del cabello. En estos momentos la griega está muy influida por la cultura egipcia, y ello se aprecia en el carácter orientalizante de las esculturas: el frontalismo ( la obra está concebida para ser contempladas únicamente por un espectador situado frente a ella ), la simetría ( la escultura es idéntica a ambos lados de un eje de simetría que atraviesa el cuerpo de la cabeza a los pies), y en el escaso interés por el movimiento, pues únicamente adelantan un pie como las estatuas egipcias y los brazos permanecen pegados al cuerpo. La escultura es de una gran rigidez, los miembros no se doblan con naturalidad, los músculos del cuerpo apenas se insinúan... Son esculturas de perfiles cerrados. A lo largo del período arcaico hay una evolución que conduce a una representación cada vez más naturalista del cuerpo humano, donde los miembros se doblan ya con más naturalidad. Podemos citar el Kouros de Anavyssos.

Las Kórai se representan vestidas, y la evolución se encuentra en una representación cada vez más naturalista de los plegados del vestido. Podemos citar la Dama de Auxerre, la Kore del Peplo de la Acrópolis que lleva en la mano una ofrenda ( en este caso perdida).

La transición al clasicismo se encuentran en algunas obras como El Auriga de Delfos, de bronce, ya sin sonrisa arcaica, de perfil cerrado rompe con la frontalidad y la simetría: un brazo avanza otro cae verticalmente, el rostro gira levemente; y El Poseidón del Cabo Artemisión. En el Poseidón, de bronce, se dan las primeras conquistas del movimiento ( los brazos se abren para lanzar el tridente creando un perfil abierto ) y el volumen, con ese cuerpo donde ya se representa el pecho henchido y la musculatura activa

En el relieve destacan los del llamado Trono Ludovisi, especialmente el Nacimiento de Venus, de composición simétrica con la figura protagonista en el centro ( Venus) que muestra el dominio en la técnica de la representación de los tejidos, que pegados al cuerpo, permiten contemplar la anatomía femenina, los paños mojados, anticipando los relieves de Fidias. La profundidad espacial se sugiere con la superposición de planos de mayor o menor relieve.

3.3 Los escultores clásicos

El Discóbolo de Mirón es conocido por copias romanas en mármol aunque originalmente fue fundido en bronce. En el Discóbolo pretende la representar el movimiento potencial, no la propia acción del movimiento: el atleta no es representado en el momento de lanzar el disco sino en el momento anterior, cuando se repliega concentrando sus energías para el esfuerzo posterior. Es una figura de perfil cerrado con composición compleja: por un lado se equilibran dos semicírculos, uno formado por cabeza, torso y piernas y otro por los brazos extendidos; por otro lado, el brazo que sostiene el disco, el tronco y la pierna forman un zigzag. El rostro permanece inalterable, sin acompañar el esfuerzo, un tanto inexpresivo como toda escultura del siglo V.a.C . Podríamos decir que resume el ideal de la escultura clásica del siglo V a.C.

Fidias es conocido sobre todo por su participación en los relieves del Partenón: " En los frontones se representa la vida de la diosa Atenea ( en el frontón este el nacimiento de Atenea, en el oeste la lucha de Atenea y Poseidón por el dominio de Atenas). En las metopas del entablamento dórico aparecen escenas mitológicas de luchas de centauros y amazonas con

gradación de planos. En el friso jónico de la cella aparece la famosa procesión de las Panateneas ". Lo fundamental es La Procesión de las Panateneas. En este medio relieve se describe la procesión de los atenienses llevando ofrendas a la diosa Atenea. Los dioses contemplan sentados la escena en el Olimpo. En la cabalgata el artista evita toda monotonía con gran variedad de actitudes: unos caballos avanzan solemnes, otros se encabritan, etc Este relieve es considerado el paradigma del clasicismo: los verdaderos protagonistas son los cuerpos humanos con movimientos plasmados con naturalidad, sin ningún tipo rigidez, la belleza ideal de los rostros, la flexibilidad y transparencia de las vestiduras. Todo en este relieve transmite una impresión de equilibrio y armonía.. Destaca sobre todo la llamada “ técnica de los paños mojados” en la que Fidias nos muestra las vestiduras pegadas al cuerpo, como si estuvieran mojadas, dejando de este modo entrever la anatomía humana.

Policleto es un teórico de la anatomía humana que plasma sus teorías sobre el canon en su Doríforo, joven atleta desnudo de rostro sereno que porta una lanza. La obra originariamente en bronce se conoce por copia romana en mármol, y es la síntesis de la escultura griega: un cuerpo humano desnudo, bello y sujeto a un canon ( el cuerpo es siete veces el tamaño de la cabeza, y el rostro está dividido en tres partes iguales que corresponden a la frente, la nariz y la distancia desde ésta al mentón, el torso se inscribe en un rectángulo y los pectorales y músculos inguinales se marcan con líneas curvas ), que plasma con naturalidad el movimiento mediante el contraposto, que consigue dar impresión de profundidad mediante la posición de brazos y piernas, aunque es un tanto inexpresivo como es característico del siglo V. La cabeza gira y rompe la simetría. Algo semejante podemos decir del Diadúmenos, su otra obra maestra, que representa a un atleta atándose un lazo a la frente que lo acredita como atleta ganador.

En el siglo IV Praxíteles crea figuras con un contrapposto muy marcado por lo que sus cuerpos describen una amplia curva llamada “ curva praxitélica” que confiere a las figuras gran dinamismo. Pule intensamente la superficie de las figuras dando lugar a un efecto de sfumato de la luz sobre la escultura. Obras suyas son la Venus de Gnido en el momento de salir del baño, la primera vez además en que una divinidad femenina aparece plenamente desnuda; Apolo que contempla un lagarto ( Apolo Sauróctonos), o Hermes jugndo con Dioniso poniendo lejos de su alcance un racimo de uvas. Podemos citar además la obra Sátiro escanciador. Lisipo en su obra principal El Apoxiomenos, conocido por copia romana, donde crea un nuevo canon de belleza más estilizado, con cabeza más pequeña, que es ahora un 1\8 del cuerpo. Es esta una escultura que representa a un atleta desnudo en el momento de quitarse con el estrígila el aceite y arena con el que se había untado para realizar los ejercicios gimnásticos Scopas destacan su famosas Ménades, figuras poseídas por el furor dionisíaco que aparecen en una contorsión violenta en forma serpentinata. Frente a la inexpresividad del siglo V, Scopas representa sentimientos de gran intensidad, anticipando el período helenístico: la Ménade, llevada por un sentimiento intenso ( pathos) entreabre la boca, tiene los ojos hundidos y los inclina hacia arriba llenándolos de una expresión intensa. El cabello está trabajado con la técnica del trépano para aumentar los contrastes lumínicos sobre la superficie escultórica, algo que también hace en los relieves del Mausoleo de Halicarnaso que narran episodios de la Amazonomaquia.

33. La escultura helenística

Con los maestros del siglo anterior los ideales de la escultura griega se habían alcanzado y por eso los escultores buscan nuevos caminos. Algunos autores utilizan las técnicas de los paños mojados de Fidias, como se ve en Venus de Milo y la Victoria de Samotracia. Otros, como los de la llamada Escuela de Rodas busca representar de forma intensa los sentimientos dando lugar a figuras muy expresivas, y las posturas inestables que transmiten la sensación de movimiento mediante posturas inestables o figuras en serpentinata.

. El Laocoonte es un grupo escultórico de temática mitológica que representa el momento en el que el sacerdote de Apolo muere junto a sus hijos estrangulado por dos serpientes como resultado de un castigo divino. Ideado para ser contemplado de frente, es una composición piramidal con vértice en la cabeza de Laocoonte, al que dirigen sus miradas sus hijos.. Pero no es una composición simétrica y equilibrada buscándose el dinamismo mediante la composición en diagonal marcada por el brazo doblado y la pierna extendida del sacerdote, y por las formas abiertas. Las miradas y el cuerpo de la serpiente

sirven para dar unidad al conjunto. Al dinamismo contribuyen las figuras en leve serpentinata del Laocoonte y el contrapposto de cada figura. Las exageradas anatomías, de vigorosos e hinchados músculos, influirán en Miguel ´angel. Las figuras muestran una gran expresividad, heredada de las Menades de Scopas, con rostros que muestran el miedo y el dolor del sacerdote, con boca entreabierta y expresión de angustia en los ojos. En cuanto al tratamiento de las superficies, éstas son animadas por los violentos contrastes entre luces y sombras, especialmente en el rostro y el cabello ( trabajado con la técnica del trépano). Es obra de tres escultores, Agesandros, Polydoros y Athenodoros y muestra la síntesis de estilos propia del período helenístico: el canon de Lisipo conjugado con la expresividad de Scopas.

. La Venus de Milo representa a la diosa del amor, Afrodita, Venus en la mitología romana, y muestra el gusto por el eclecticismo, pues combina los plegados fidiacos con la curva praxitélica. La Victoria de Samotracia es una escultura de bulto redondo siglo IV a. C, escuela rodia. De autor desconocido, es una escultura de carácter mitológico que representa a Niké, la diosa de la victoria. La finalidad es conmemorativa pues se labró para celebrar una victorias militares. La figura femenina de la Victoria se representa en el momento en el que desciende del cielo y se posa en la proa de un barco, que actúa de pedestal de la figura femenina. Va envuelta en un fino manto que se adhieren al cuerpo dejando traslucir su anatomía empleando la técnica de paños mojados de Fidias. La composición está marcada por la línea vertical de la pierna izquierda y la línea oblicua de la derecha.

Estandares de aprendizaje

1.1. Explica las características esenciales del arte griego y su evolución en el tiempo a partir de fuentes históricas o historiográficas. 1.2. Define el concepto de orden arquitectónico y compara los tres órdenes de la arquitectura griega. 1.3. Describe los distintos tipos de templo griego, con referencia a las características arquitectónicas y la decoración escultórica. 1.4. Describe las características del teatro griego y la función de cada una de sus partes. 1.5. Explica la evolución de la figura humana masculina en la escultura griega a partir del Kouros de Anavysos, el Doríforo (Policleto) y el Apoxiomenos (Lisipo).

1.2. Identifica, analiza y comenta las siguientes obras arquitectónicas griegas: Partenón, tribuna de las cariátides del Erecteion, templo de Atenea Niké, teatro de Epidauro. 3.2. Identifica, analiza y comenta las siguientes esculturas griegas: Kouros de Anavysos, Auriga de Delfos, Discóbolo (Mirón), Doríforo (Policleto), una metopa del Partenón (Fidias), Hermes con Dioniso niño (Praxíteles), Apoxiomenos (Lisipo), Victoria de Samotracia, Venus de Milo, friso del altar de Zeus en Pérgamo (detalle de Atenea y Gea).

2.1. Especifica quiénes eran los principales clientes del arte griego, y la consideración social del arte y de los artistas 4.1. Realiza un trabajo de investigación sobre Fidias. 4.2. Realiza un trabajo de investigación sobre el debate acerca de la autoría griega o romana del grupo escultórico de Laocoonte y sus hijos.