VI Festival Internacional de Música y Musicología

13 al 18 de Octubre de 2008

Ensenada, Baja California

Lunes 13 de Octubre Teatro Universitario Benito Juárez 20:00 hrs. Inauguración Sonidos de Nueva York Orquesta del Centro de Estudios Musicales de la UABC Ernesto Rosas, Director David Rodríguez de la Peña, solista

Programa

Duke Ellington medley Duke Ellington

Rhapsody in blue

Piano solista: David Rodríguez

George Gershwin

Intermedio

Sinfonía No. 8 en mi menor, opus 95

“Desde el Nuevo Mundo”

Adagio – Allegro molto

Largo

Scherzo: Molto Vivace – Poco sostenuto

Allegro con fuoco

Antonín Dvořák

Martes 14 de Octubre Sala Ernesto Muñoz Acosta - CEARTE 18:30 hrs. Jorge Fernando López Ramos, guitarra

Programa

Fandango Variado Op.16 Dionisio Aguado

Raíz (Rondeña) José Jiménez El Viejín

Elegía Hebert Vázquez

Remache (Seguiriya) Gerardo Núñez

Intermedio Sequenza XI Luciano Berio

Ventanas al alma (Minera) Vicente Amigo

Tarantos Leo Brouwer

Callejón de la Luna (Taranta) Vicente Amigo

Concierto realizado a través del programa de Intérpretes 2007/08 del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes

Martes 14 de Octubre Teatro Universitario Benito Juárez 20:00 hrs. Las siete últimas palabras de nuestro salvador en la cruz (1801) Franz Joseph Haydn Jesús Herrera, piano Fernando Núñez, barítono Eduardo Contreras Soto, narrador

Programa Introduzione 1. Pater, dimitte illis, non enim sciunt quid faciunt.

Padre, perdónalos, porque no saben lo que hacen. (Lc 23,33) 2. Amen dico tibi: hodie mecum eris in paradiso.

En verdad te digo: hoy estarás conmigo en el paraíso. (Lc 23,43) 3. Mulier, ecce filius tuus, et tu, ecce mater tua!

Mujer, he aquí a tu hijo, y tú, he aquí a tu madre. (Jn 19, 26-27) 4. Deus meus, Deus meus, utquid dereliquisti me?

Dios mío, ¿Dios mío, ¿por qué me has abandonado? (Mc 15, 35; Mt 27, 46) 5. Sitio.

Tengo sed (Jn 19,28) 6. Consummatum est.

Todo está cumplido. (Jn 19,30) 7. Pater, in manus tuas commendo spiritum meum.

Padre, en tus manos encomiendo mi espíritu. (Lc 23,46)

Il Terremoto

Notas al Programa Jesús Herrera Joseph Haydn (1732-1809) fue uno de los tres grandes compositores del clasicismo vienés. En 1786

compuso la obra orquestal Las siete últimas palabras de nuestro salvador en la cruz —o Las siete

palabras— por encargo de un sacerdote mexicano que vivía en España. La finalidad de la música era

ayudar a la meditación que realizaban los miembros de una comunidad religiosa, conocida como la

Hermandad de la Santa Cueva, sobre las palabras que pronunció Cristo en la cruz.

Las siete palabras se hizo muy popular y fue publicada en Viena, París y Londres.

Posteriormente, Haydn hizo otra versión para cuarteto de cuerdas, que llegó a ser más popular que la

versión original para orquesta y se publicó en Viena, París, Londres y Amsterdam. Otro compositor

escribió un arreglo para fortepiano (o piano antiguo), que Haydn consideró como “muy bueno” y

“preparado con gran cuidado”, así que dio su aprobación para que fuera publicado en Viena.

En 1795, Haydn escuchó un arreglo para coro y orquesta, hecho por Joseph Friebert, basado en

la partitura de Las siete palabras de Haydn y en un texto en alemán de Karl Ramler, llamado Tod Jesu

(La muerte de Jesús). Haydn consideró que él lo podía hacer mejor, así que decidió hacer una versión

más. El barón Gottfried van Swieten, amigo de Haydn, modificó el texto de Ramler y el compositor hizo lo

mismo con la partitura de Friebert. Así Haydn concluyó en 1801 una obra para coro, solistas y orquesta,

que conocemos ahora como la versión de oratorio de Las siete palabras.

Por lo tanto, podemos disfrutar cuatro versiones distintas de Las siete palabras: para orquesta,

para cuarteto, para fortepiano y la versión de oratorio. Recuerda esto para que en los ejemplos musicales

que están más adelante en este artículo puedas identificar a qué versión pertenece cada uno.

Joseph Haydn fue uno de los compositores más importantes durante el clasicismo americano, y

Las siete palabras es una de sus obras cuya fama muy pronto cruzó el Atlántico. Por ejemplo, se

conservan algunas partes de una versión instrumental en la Catedral Metropolitana de la Ciudad de

México. En un archivo que está muy cerca de este templo se encuentra la partitura completa de la

versión de fortepiano, en un cuaderno didáctico titulado Quaderno de lecciones i varias piezas para Clave

ô Forte piano para el uso de Da. Maria Guadalupe Mayner, también conocido como Quaderno Mayner.

En la primera página de esta copia manuscrita de Las siete palabras podemos leer la fecha de 1805.

También encontramos diversas copias de Las siete palabras en ciudades de otros países americanos,

como Chile, Venezuela y Brasil.

Miércoles 15 de Octubre Teatro de la Ciudad 20:00 hrs. Metrópolis (1927) Concierto de música incidental Musicalización de la cinta de ciencia ficción de Fritz Lang. Iván Velázquez de León Reyes, pianista

Metrópolis es un film alemán realizado por la productora UFA. Se trata de una película

de ciencia ficción dirigida por Fritz Lang. Cuya trama se desarrolla en una distopia

urbana futurista. Este film fue lanzado originalmente en el año de 1927, antes de la

cinematografía sonorizada. Se le considera uno de los máximos exponentes del

expresionismo en las artes cinematográficas.

Trama:

En una megalópolis del siglo XXI los obreros viven en un gueto subterráneo donde se

encuentra el corazón industrial con la prohibición de salir al mundo exterior. Incitados

por un robot se rebelan contra la clase intelectual que tiene el poder, amenazando con

destruir la ciudad que se encuentra en la superficie. Pero Freder (Gustav Frölich), hijo

del dirigente de Metrópolis, con la ayuda de la hermosa María (Brigitte Helm) de origen

humilde, intentarán evitar la destrucción apelando a los sentimientos y al amor.

Jueves 16 de Octubre Sala Ernesto Muñoz Acosta-CEARTE

20:00 hrs.

Un siglo de pasiones

Cuarteto AURORA

Programa Cuarteto en Sol Menor de W.A. Mozart (1756-1791)

Allegro

Andante

Rondo

Cuarteto en Mi bemol Mayor de Ludwig Van Beethoven (1770-1827)

Allegro ma non troppo

Andante cantabile

Allegro ma non troppo

Cuarteto en Fa menor Op.1 de Félix Mendelsson (1809-1847)

Allegro vivace

Adagio

Presto

Allegro moderato

Cuarteto AURORA

Farizat Tchibiriva, piano

Vera Koulkova, violìn

Yoko Suzuki, viola

Fabiola Flores, cello

Viernes 17 de Octubre Teatro Universitario Benito Juárez

19:00 hrs.

Raíces Musicales

Ensamble de Música Contemporánea de la UABC Álvaro Díaz Rodríguez, director.

Programa

Trecillería (2008)* Abraham E. Duarte

Veracruz Preludes (2005) Brian Banks

Electric Counterpoint (1987) Steven Reich

Blues por medio (2000) Brian Banks

Clemente González, solista

Intermedio

La trampa (1997)*

Sobre una poesía de Roxana Elvridge-Thomas

Brian Banks

Alejandrina Vázquez, solista

Sueños en cuarzo (2007)*

Agua

Tierra

Fuego

Aire

Ana Cristina Caelen

* Estreno Mundial

La Trampa [poema]

Roxana Elvridge-Thomas

La mirada circular de un pozo y las trenzas desatadas de la niña abren, silenciosos, los

goznes del líquido que ondea entre paredes enlamadas. Los cabellos -cobre húmedo-

se van destiñendo en el ámbar de esta agua coagulada y su rostro se deslava, se

hunde, se hace carne del abismo que la ciñe. El cuerpo se derrite entre pétreos

caminos circulares.

Ella vio en el fondo una ardiente naranja y es ahora quien evoca resplandores en la

trampa, reverbera frutas en sus sótanos sedientos.

Y tú, al atisbar, encuentras a la niña siempre viéndote, en el fondo, con sus ojos que

nunca desembocan.

Ensamble de Música Contemporánea de la UABC

Integrantes

Violínes: Hermes Padilla, Fatima del Toro, Karla Alcocer, Tatiana Ezquerra,

Guadalupe Fragoso. Violas: Abner Macías, Mauricio Prieto. Violonchelo: Liliana

Martínez, Samantha Flores. Contrabajo: Cesar Beltrán. Flautas: Teresa Díaz de

Cossio, Tanya Ciapara. Oboe: Pavel Cortéz. Clarinete: Ángel Ortega. Fagot:

Cinthia Pérez. Piano: Gema García. Percusiones: Cesar Barajas, Víctor Gallardo.

Guitarras: Karla Bañales, Edwin Montes, Joaquín Torres, Julio Ángel Victoria,

Alejandra Aviña, Oliver Lobo, Clemente González.

Álvaro G. Díaz Rodríguez, director.

Sábado 18 de Octubre Teatro Universitario Benito Juárez

20:00 hrs.

Las Tres Caras del Barroco

Horacio Franco, Flautas Fabián Espinosa, Clavecín

Programa Triosonata en Sol Mayor, BWV 525 Johann Sebastian Bach (1685-1750) (de las 6 Triosonatas, BWV 525-530) I. Allegro II. Adagio III. Allegro Triosonata en Fa Mayor, BWV 529 Johann Sebastian Bach (1685-1750) I. Allegro II. Largo III. Allegro Sonata en do menor, RV 53 Antonio Vivaldi (1678-1741) I. Largo II. Allegro III. Adagio IV. Allegro

Intermedio

Triosonata en re menor, BWV 527 Johann Sebastian Bach I. Andante II. Largo e dolce III. Vivace “El ruiseñor enamorado” Francois Couperin (1688-1733) Variaciones sobre “La folia” Anónimo italiano, S. XVIII Para flauta y continuo

Las Tres caras del Barroco

El período barroco (1600-1750 aprox.), época en la que la música toma su forma de

“modernidad” y se concretan las principales formas musicales que se utilizan hasta el

siglo XXI, tuvo su origen en Italia. Gracias a los espléndidos mecenazgos de los nobles

italianos de finales del renacimiento, la música pudo tiene un desarrollo floreciente y

próspero en ese país.

Posteriormente, Francia pasa a ser una importante influencia del movimiento musical

italiano, y desarrolla su propio estilo, que en el siglo XVIII ya es absolutamente contrario

al italiano. Alemania, por su parte, tuvo un desarrollo muy diferente a principios del

barroco, pero en las postrimerías de ésta época se dejó sentir una enorme influencia

italiana y francesa y los grandes compositores del final de periodo, como Bach, son

creadores sumamente eclécticos que resumen su propio estilo con las formas italianas

y francesas.

En éste programa se exponen obras de los tres principales estilos de composición del

barroco, con exponentes de la talla de J.S. Bach, Francois Couperin, y Antonio Vivaldi

Agradecemos infinitamente el apoyo para este concierto del Sr. Mauricio Monroy,

quien facilitó su clavecín para la realización de este concierto. Así como el patrocinio de este concierto del Instituto de Cultura de Baja

California, a través del Mtro. Ángel Norzagaray y del Consejo Nacional para la Cultura y las Artes, a través del departamento de Animación Cultura y Gloria

Barajas.

Conferencias Magistrales Sala Ernesto Muñoz Acosta-CEARTE

16:30 hrs.

Martes 13 de Octubre Retos y avances en la investigación de la música mexicana del siglo XX y

comienzos del XXI. Dra. Luisa Vilar Payá (UDLAP).

Miércoles 14 de Octubre

Una nueva página del Himno Nacional Mexicano Karl Bellinghausen (Conservatorio Nacional de Música-INBA)

Jueves 15 de Octubre

W. H. Auden, libretista Luis Miguel Aguilar

Viernes 16 de Octubre

Las Primeras grabaciones de música y músicos mexicanos, ca. 1890-1920 John Koegel (Fullerton, CSU)

Conferencia audiovisual Explanada de CEARTE

20:00hrs.

Clemente Orozco, bajo las estrellas Dr. Gregorio Luque

IV Coloquio Internacional Investigación Musical en México

14 al 17 de Octubre de 2008

Ensenada, Baja California

Sala Ernesto Muñoz Acosta

Centro Estatal de las Artes de Ensenada

Martes 14 de octubre Sala Ernesto Muñoz Acosta / CEARTE

10:00 hrs.

Discurso de apertura: Dr. Ricardo Miranda (INBA-UV).

Mesa 1: Música Virreinal

Moderador: Aurelio Tello

Nelson Hurtado: Los libros de coro de la Catedral de México: los Kyriales.

Omar Morales Abril: Aproximación a una obra musical con doble atribución.

Bárbara Pérez Ruiz: La librería de coro de la catedral metropolitana de México: tradición y cambio.

Miércoles 15 de octubre 10:00 hrs.

Mesa 2: Música del Siglo XIX, I: Ideología y música para piano

Moderador: Ricardo Miranda

Yael Bitrán: El exceso de la sensibilidad: la construcción de la identidad femenina en el México romántico.

Miriam Vázquez Montano: Suspiros de Luz Musical: un marco modernista para la literatura pianística de Castro, Elorduy y Villanueva.

Jesús Herrera: La música para piano de Melesio Morales.

John G. Lazos: Maestro de los maestros, o mejor no recomendar ningún festival. José Antonio Gómez.

Jueves 16 de octubre

10:00 hrs.

Mesa 3: Música del Siglo XIX, II: Música escénica

Moderador: Eduardo Contreras Soto

Armando Gómez Rivas: Zulema. Entre el exotismo y la modernidad.

Julieta V. González García: Cenobio Paniagua: Elisabetta regina d’Inghilterra. Áurea Maya: Ildegonda, ópera de Melesio Morales e Ildegonda, paráfrasis para

piano de Guadalupe Olmedo: dos interpretaciones en torno a una misma obra. Mario Roger Quijano Axle: Peregrina, que dejaste tus lugares... La zarzuela en Yucatán (1857-1921). Presencia, desarrollo y creación regional.

Viernes 17 de octubre 10:00 hrs.

Mesa 4: Música del siglo XX

Moderadora: Luisa Vilar Payá

Enrique Salmerón: Catálogo de la obra de Eduardo Hernández Moncada, en un archivo de la Universidad Veracruzana.

David Rodríguez: Aproximación a la Estructura Formal de la Sonata para Violín y Piano de Blas Galindo. Emilio Casco Centeno: Preludio y Fuga Rítmicos de José Pomar, aportes a la música en México.

12:00 hrs.

Presentaciones editoriales

Presentadores: Aurelio Tello, Juan Antonio Martínez y Álvaro Díaz.

Arenitas del Nazas, Prócoro Castañeda Casales 1899-1980. Por Juan Antonio

Martínez

Tesoro de la música polifónica en México, XII. Cláusulas, Secuencias, Salmos de

Manuel de Sumaya. Revisión, Estudio y Transcripción de Aurelio Tello.

Resúmenes de ponencias

Mesa 1: Música Virreinal

Nelson Hurtado: Los libros de coro de la Catedral de México: los Kyriales. Para el momento de la conquista de América, el repertorio de canto llano estaba

bien definido en la Península Ibérica y pasó al Nuevo Mundo con los primeros

frailes y misioneros. Es así como ese repertorio, bastante consolidado, viene a

penetrar en las vidas de los naturales de estos reinos y comienza un proceso de

adaptación derivado de las variaciones, maneras, estilos y modas que se

desarrollaron en la América Colonial.

La Catedral de México, uno de los principales centros religiosos y

culturales de la Nueva España, conserva 120 cantorales en su archivo. De ellos,

106 son de canto llano y 14 de polifonía. El objetivo de la presente ponencia es

presentar un análisis litúrgico-musical de una parte del acervo: los libros Kyriales.

Omar Morales Abril: Aproximación a una obra musical con doble atribución.

El libro 1 de polifonía de la catedral de Puebla contiene, entre diversas obras de

Cuaresma y Semana Santa, una identificada en el índice como Salve de

Bermúdez a cuatro voces, de contraltos. Una revisión superficial de esta obra y

del contenido general del libro daría verosimilitud a esta atribución. Sin embargo,

el problema surge al cotejar con otras fuentes documentales y encontrar que

esta Salve asignada a Pedro Bermúdez en Puebla es exactamente la misma que

una de las adjudicadas a Hernando Franco en el libro 4 de polifonía de la

catedral de Guatemala.

A través de un acercamiento a estas fuentes desde diversas perspectivas

se revisan elementos comparativos —relación entre ambas, posible copista,

contextualización de los autores y de la propia obra en cuestión, rasgos

diferenciales entre la producción compositiva de Franco y de Bermúdez— que

permiten deslindar la autoría de esta obra con doble atribución y, sobre todo,

proponer una metodología y herramientas para hacerlo.

Bárbara Pérez Ruiz: La librería de coro de la catedral metropolitana de México: tradición y cambio.

Si bien la catedral de México fue sufragánea de la de Sevilla, que a su vez

seguía -con sus particularidades- la tradición toledana, la adopción oficial del rito

romano promovida por la reforma tridentina y acatada en forma en el Tercer

Concilio Provincial Mexicano (1585), así como las reformas pos-tridentinas,

cristalizaron en una serie de variantes en aspectos litúrgicos y musicales de

algunas celebraciones, así como en modificaciones del calendario civil. Algunos

de estos cambios permanecen visibles en los propios libros de dicha colección;

otros, son sólo detectables a través del estudio minucioso de una diversidad de

fuentes.

Esta ponencia propone dilucidar y contextualizar este tipo de variantes

presentes en algunos libros de coro de la catedral metropolitana de México. Para

ello, ha sido fundamental el establecimiento de concordancias entre dos

inventarios de los libros de canto llano, que datan del siglo XVIII (1749 y 1791), y

la colección de hoy, lo que ha hecho posible “deconstruir” la historia de algunas

de estas fuentes, y entender su condición actual.

Mesa 2: Música del Siglo XIX, I: Ideología y música para piano

Yael Bitrán: El exceso de la sensibilidad: la construcción de la identidad femenina en el México romántico.

En 1849 El Álbum Mexicano publicó “Balanza amorosa”, una especie de

diccionario comercial dirigido a explorar los “productos” femeninos existentes en

el mercado y su disponibilidad. Partiendo de este texto y a través de anuncios en

la prensa y fuentes literarias se exploran los distintos tipos de educación

disponibles para las mujeres a mediados del siglo XIX en México, el papel que la

música jugaba en éstos y las ideas sobre las mujeres y la educación femenina

que circulaban en la prensa. La “sensibilidad romántica” se asoció con el género

femenino y con la práctica de la lectura de literatura romántica y la práctica

musical, actividades dilectas de las mujeres de las clases altas, que en exceso

llegó a considerarse nociva. El “exceso de la sensibilidad” en las mujeres, dice

Don Antonio a Don Timoteo en la obra A ninguna de las tres de Fernando

Calderón, es una falta grave que el hombre debe atajar. Este trabajo propone

evaluar el papel de la música y la lectura en la construcción de la identidad de las

mujeres de la época dentro de la nueva nación independiente.

Miriam Vázquez Montano: Suspiros de Luz Musical: un marco modernista para la literatura pianística de Castro, Elorduy y Villanueva.

El repertorio pianístico mexicano de finales del siglo XIX ha sido considerado por

la crítica como ‘europeizante’, ‘francesista’ e ‘imitativo’. Si bien las descripciones

hechas resultan hasta cierto punto negativas para la comprensión y valoración

de este estilo, desde el punto de vista heurístico pueden ser de ayuda. Declarar

‘la poca presencia del nacionalismo’ en esta música no es un dato equívoco; sin

embargo este rasgo estilístico requiere una explicación, ya que afirmar que un

compositor mexicano empleó tendencias ajenas a su nacionalidad y a su época

debería llevarnos a dar una respuesta de porqué fue así.

El presente trabajo propone revaluar la música de los compositores

mexicanos Castro, Elorduy y Villanueva en sus propios términos, situándola en

su momento histórico-cultural y entendiéndola como una manifestación que no

es ajena a los procesos sociales. Para ello no puede minimizarse la relación con

el modernismo literario, por lo que a través de la poesía de Darío, Gutiérrez

Nájera, Nervo, Díaz Mirón, etc., entenderemos la estética de la época y por ende

del estilo musical finisecular en México.

Jesús Herrera: La música para piano de Melesio Morales. Actualmente se considera a Melesio Morales (1838-1908) como uno de los

principales compositores de ópera del siglo XIX en México. Además escribió una

gran cantidad de música para piano, que ha sido prácticamente ignorada a pesar

de la importancia que tiene dentro de su obra. Prácticamente la mitad de las

entradas del catálogo general de Morales son para piano solo: de las ciento

treinta y nueve composiciones localizadas que reportó Karl Bellinghausen en

1999, sesenta y nueve son piezas para piano, a las que se pueden agregar unas

cuantas más que se han encontrado recientemente. Al día de hoy sólo se han

editado unas cuantas partituras de música infantil y únicamente existe grabación

comercial de tres piezas.

Las obras para piano de Morales reflejan tres aspectos centrales de la

cultura musical de la época: la ópera, el baile y las piezas de salón sin relación

directa con la ópera o el baile. Con base en este esquema se pretende hacer un

acercamiento a la música para piano de Morales, que sirva como punto de

partida para su redescubrimiento.

John G. Lazos: Maestro de los maestros, o mejor no recomendar ningún festival. José Antonio Gómez.

Siguiendo la literatura sobre la música Mexicana del siglo diecinueve, el nombre

del ‘filarmónico’ José Antonio Gómez y Olguín (1805-1876) figura como uno de

los personajes más prolíficos, tanto en el ámbito eclesiástico como secular, de

este periodo. Empero, estas referencias van del ya conocido “maestro de los

maestros entre los mexicanos” (Francisco Sosa, 1884), donde su repertorio

perteneció a la ‘escuela italiana, aun la que escribió para la iglesia, que fue la

mayor parte….muy alabada y se consideró de la mejor calidad’ (Gabriel Saldívar,

1991), como por su jarabe (1841), situado entre las Danzas Eslovacas de

Antonín Dvořák, o las Danzas Noruegas de Edvard Grieg (Robert Stevenson,

1952), sin embargo, las obras de piano son “poco cuidadosamente escritas como

otras composiciones de este autor” (Mayer-Serra, 1941), para así finalizar con

que “después de un breve periodo clásico, procede un descenso con

características romántico-sentimentales superficiales. José Antonio Gómez es un

compositor de cierta relevancia de este último periodo, sin embargo, no se

recomienda ningún festival” (Lincoln B. Spiess y Thomas E. Stanford, 1969).

Mesa 3: Música del Siglo XIX, II: Música escénica

Armando Gómez Rivas: Zulema. Entre el exotismo y la modernidad. La ponencia que se presenta está dirigida a describir e interpretar el contenido

dramático-musical de la zarzuela oriental: Zulema (1903), del compositor Ernesto

Elorduy (1854-1913) y del libretista guanajuatense Rubén M. Campos (1871-

1945), en la versión orquestada por Eduardo Vigil y Robles. La zarzuela Zulema

constituye, una de las primeras obra musical compuesta para la escena nacional

sobre temáticas orientales. Esta condición significativa, la transforma en un

referente significativo del exotismo del período modernista en tierras mexicanas,

además de que se trata de la obra dramática de uno de los músicos más

reconocidos del período, en uno de los géneros de mayor aceptación social.

En este trabajo se establece una directriz que parte del análisis musical de

la obra, pasando por la recepción de la época en publicaciones periódicas y para

concluir, se exponen ejemplos auditivos de la reposición escénica efectuada en

el teatro “Raúl Flores Canelo” del Centro Nacional de las Artes de la Ciudad de

México, en marzo de 2006.

Julieta V. González García: Cenobio Paniagua: Elisabetta regina d’Inghilterra. La ponencia pretende, en primer término, participar la localización en la ciudad

de Xalapa, Veracruz de una nueva partitura del compositor michoacano Cenobio

Paniagua (1821-1882). A pesar de ser una figura importante de la música

mexicana en el siglo XIX, no hace más de 10 años que la obra de Paniagua se

ha retomado por los investigadores Áurea Maya y Eugenio Delgado, a quienes

se debe, dicho sea de paso, la localización de un amplio y valioso acervo con

partituras suyas.

El manuscrito que se presentaría en el Coloquio corresponde a una obra

para tres voces y piano, cuyos personajes y letra concuerdan con un acto de

Elisabetta regina d’Inghilterra, ópera de Gioacchino A. Rossini (1792-1868).

Entre otros puntos, se analizaría justamente la relación y diferencias entre la

obra de Paniagua y la de Rossini; las características de su escritura (a voces),

que hacen pensar en la posibilidad de un bosquejo de una ópera; el lugar de la

partitura dentro del libro empastado que la contiene; así como su relación con el

archivo Ceballos-Paniagua (caligrafía, anotaciones), entre otros aspectos.

Áurea Maya: Ildegonda, ópera de Melesio Morales e Ildegonda, paráfrasis para

piano de Guadalupe Olmedo: dos interpretaciones en torno a una misma obra. La ponencia plantea mostrar, a partir de un análisis de la forma musical, cómo la

compositora mexicana Guadalupe Olmedo (1853-1889?) realizó la interpretación

de los materiales musicales usados por Melesio Morales (1838-1908) en su

ópera Ildegonda (1869) para la composición de Ildegonda, paráfrasis para piano

(1875?); asimismo se realizará una comparación del sentido dramático mostrado

en la ópera misma, en su obertura y en la propia obra para piano.

Mario Roger Quijano Axle: Peregrina, que dejaste tus lugares... La zarzuela en Yucatán (1857-1921). Presencia, desarrollo y creación regional.

Los estudios sobre la zarzuela se han circunscrito en gran medida al entorno

geográfico español o en el caso de México a su desarrollo en el centro de la

República, por lo que esta investigación pretende dar un panorama de la

zarzuela en la península yucateca, contextualizada entre dos espacios

significativos de su historia: la Guerra de Castas (1847-1901) y la Revolución

Mexicana, período que contiene la más significativa era de prosperidad

económica de la zona debido a la explotación del llamado “oro verde”: el

henequén. A mitad de camino entre La Habana y la Ciudad de México –

capitales de las dos grandes regiones depositarias de la herencia zarzuelística

en América – la ciudad de Mérida fue testigo de una interesante vida lírica

evidente en la actividad de sus teatros, con un variado repertorio proveniente de

la constante labor de compañías extranjeras y mexicanas así como de las

regionales, que patentizan el arraigo del género español hasta dar por resultado

la creación de obras locales, esto es la zarzuela yucateca o teatro regional

yucateco.

Mesa 4: Música del siglo XX

Enrique Salmerón: Catálogo de la obra de Eduardo Hernández Moncada, en un archivo de la Universidad Veracruzana.

Esta es una conferencia documental y que responde a la necesidad de promover

un archivo propiedad de la Universidad Veracruzana y que contiene una parte de

la obra del compositor Eduardo Hernández Moncada. En ella se hará una

descripción bibliográfica y del entorno cultural y musical de Henández Moncada,

pasando a la descripción del catálogo que se esta elaborando.

La propuesta de esta conferencia es difundir el catálogo que un servidor

esta trabajando como investigador de la Universidad Veracruzana. Este trabajo

es sobre una donación que la familia de Eduardo Hernández Moncada, hizo a la

UV con motivo del homenaje que esa casa de estudio promovió por el centenario

del nacimiento de este músico xalapeño, en el año de 1999.

David Rodríguez: Aproximación a la Estructura Formal de la Sonata para Violín y Piano de Blas Galindo.

El tema pretende ser un complemento que contribuya a la definición estilística de

Blas Galindo a través de la delineación formal, por medio de los parámetros

estructurales que la articulan como armonía, ritmo, melodía y textura.

Quizás una de las mayores contribuciones en la música de Galindo no se

refiere particularmente a las innovaciones de la estructura formal, sino al

tratamiento textural y rítmico de ésta y sus implicaciones en el tratamiento de las

articulaciones formales. Sus estructuras son muy apegadas a la de los clásicos;

por lo tanto, podemos situar a Blas Galindo como un compositor no solo

nacionalista, sino con fuertes rasgos de “neoclasicismo”.

Es importante también señalar el carácter de escritura percusiva en su

música instrumental, enfatizada en gran parte por los constantes acentos

señalados en la partitura. Este rasgo, parte del llamado “primitivismo” era propio

de la música de Bartók y Stravinsky, y seguramente se reafirmó en Galindo a

través de Chávez y de Copland.

Emilio Casco Centeno: Preludio y Fuga Rítmicos de José Pomar, aportes a la música en México.

Dentro de la historia de la música en México los huecos que falta por cubrir son

aún muchos y de diversa índole. Ejemplo de ello es el compositor José Pomar

(1880-1961), quien, al parecer, por sus inclinaciones políticas de izquierda, no ha

sido incluido propiamente en la historia, y cuya obra aún queda por rescatar en

todos los sentidos. El trabajo que se pretende realizar sobre este compositor

abarca la discusión y análisis del estilo de su obra musical, con la finalidad de

integrarlo con claridad a una narrativa histórica de la música en México, que

además conduzca a nuevas inquisiciones y redunde en las clases que se

imparten en los conservatorios y universidades del país.

Clases Maestras y Talleres

Miércoles 15 de octubre

Clases maestras de piano, violín, viola y violonchelo. Cuarteto Aurora

Clase maestra de guitarra flamenca. Jorge Fernando López Ramos

Escuela de Artes-UABC y CEARTE Ensenada

Jueves 16 y viernes 17 de octubre

Taller de Composición Brian Banks (UDLAP)

Escuela de Artes-UABC

Informes e inscripciones: Escuela de Artes y CEARTE

Biografías Luis Miguel Aguilar, escritor. Ha hecho comentario y crítica cultural en diversas

publicaciones desde el año de 1975. Fue miembro de los Consejos de

Redacción de La Cultura en México, suplemento de Siempre!, y de la Revista

de la UNAM. Ha escrito ensayos sobre diversos autores extranjeros y ha

traducido a varios poetas y narradores de lengua inglesa. Fue colaborador de

los diarios unomásuno y La Jornada y de la columna Luna de enfrente en el

periódico La Crónica de Hoy.

En 1979 apareció su primer libro de poemas, Medio de construcción, al que

siguió Chetumal Bay Anthology (1983). En 1980 publicó la antología Cuentos

y relatos norteamericanos del siglo XX. En 1988 publicó La democracia de los

muertos. Ensayo sobre poesía mexicana, 1800-1921. El libro Todo lo que sé

(1990) reúne varios años de su trabajo poético. Suerte con las mujeres (1992)

es su primer libro de relatos. Nadie puede escribir un libro (1997) contiene

textos de literatura y vida cotidiana. Autor de la antología Poesía popular

mexicana (1999) y de Fábulas de Ovidio (2001). Su último libro es Pláticas de

familia. Poemas y prosas (2007). De junio de 1995 a marzo de 2004 Aguilar

fue director de la revista Nexos.

Brian Banks, compositor. Comenzó sus estudios formales de composición a la edad

de 16 años. Obtuvo sus grados de Maestría en Peabody Institute of Music y en

el San Francisco Conservatory, obteniendo posteriormente su doctorado en

música por la Universidad de California en Berkeley. Dentro de sus principales

maestros se encuentran Morris Moshe Cotel, Andrew Imbrie, Richard Felciano

y Olly Wilson. Ha recibido varios premios por sus composiciones en los que se

incluyen San Francisco Conservatory's Orchestral Composition Prize,

California Octagon Composition Competition, y Nicola DeLorenzo Prize.

Impartió cursos de armonía en la Universidad de California en Berkeley y fue

asistente de director del San Francisco Contemporary Music Players.

Sus obras han sido interpretadas en distintos foros y festivales como Festival

Camarissima, el Foro Internacional de Música Nueva "Manuel Enríquez" en la

Ciudad de México, Oregon Bach Festival, y su música ha sido interpretada por

diversos grupos como Gregg Smith Singers, San Francisco Symphony New

and Unusual Music Players, Ars Subtilior, San Francisco Contemporary Music

Players, California Octagon, San Francisco Choral Artists, U. C. Riverside

Chamber Chorus y U.C. San Diego Collegium Musicum. En 1996 recibió el

premio Fulbright; actualmente es maestro titular de la Unviersidad de las

Américas-Puebla.

Karl Bellinghausen, musicólogo. Es profesor de Historia de la música en los

conservatorios Nacional y del Estado de México, y ha sido miembro de los

consejos académicos de estos conservatorios y del Cenidim. Ha participado en

congresos nacionales e internacionales sobre música mexicana y educación

musical. Ha publicado diversos artículos sobre la música de México en revistas

como Nexos, Etcétera Archipiélago, Inter-American Music Review y

Heterofonía. Es investigador del Cenidim desde 1978, donde se ha

especializado en la música mexicana de los siglos XVIII y XIX.

En 1980 participó en la organización de la serie de conciertos y conferencias

Primer panorama de música virreinal en América Latina. Ha realizado y

publicado diversas investigaciones: Mi libro verde de apuntes e impresiones

(diario de Melesio Morales), Catálogo de música de Melesio Morales,

restitución de canciones orquestales y la Sinfonía Vapor de Morales,

restauración de la Marcha Zaragoza de Aniceto Ortega, una antología de

música para piano de Tomas León y una antología de Melesio Morales.

Actualmente realiza un proyecto de investigación sobre los orígenes de la

música orquestal en México.

Eduardo Contreras Soto, recitador. Estudió teatro y letras clásicas en la Facultad de

Filosofía y Letras de la UNAM. Ha realizado diversos trabajos de investigación

teatral y ha publicado artículos especializados en revistas como Repertorio,

Escénica, La Gaceta del Fondo de Cultura Económica, Nova Tellus, Tramoya,

Documenta CITRU y Origina, entre otras; también ha publicado tres obras

teatrales en la Universidad Autónoma del Estado de México (UAEM) y

dramaturgia breve en la revista Los universitarios. Sus obras representadas

son Ganarás la luz (estr. 1991) y Sonata para dos actores (estr. 2004). Ha

dirigido lecturas dramatizadas de repertorio mexicano: La politicomanía de V.

Riva Palacio y J. A. Mateos (1997); La Sirena roja de Marcelino Dávalos (1997,

y en 2005 con el Cuarteto Latinoamericano); La exposición de Rodolfo Usigli

(1999); La Genoveva de Francisco de Soria (1999) –cuya edición anotada

también preparó– y Viniendo de picos pardos de Manuel José Othón (2001);

también ha puesto en atril su propia traducción de Los acarnios de Aristófanes

(2004).

Ha dirigido los montajes de El reloj y la cuna de Sergio Magaña (1988), La

cena del rey Baltasar de Pedro Calderón de la Barca (2000), Pedro de

Urdemalas de Miguel de Cervantes Saavedra (2005) y el espectáculo de

poesía y música Este amoroso tormento (2005-2006). Desde 1987 realiza

investigación musical en el Centro Nacional de Investigación, Documentación e

Información Musical “Carlos Chávez” (CENIDIM), del INBA, para el cual ha

escrito sendos libros sobre Eduardo Hernández Moncada (1993) y Silvestre

Revueltas (Silvestre Revueltas: Baile, duelo y son, 2000, reimpreso en 2003),

así como diversos artículos especializados en su revista Heterofonía, de cuyo

consejo de redacción es miembro. También ha publicado cuentos (El

conferenciante, 1995). Ha sido catedrático en la UAEM (1989-1995, 1999-2000

y 2003- ) y en el Centro Universitario de Teatro (CUT) de la UNAM (1994-

2003). Es editor de la sección "Testimonios" así como compilador de la

fongrafia de Silvestre Revueltas en el Foro Virtual Silvestre Revueltas.

Álvaro G. Díaz Rodríguez, director. Originario de Baja California, México. Realizó sus

estudios de Música en el Centro de Estudios Musicales de la UABC-Ensenada

y en la Escuela Nacional de Música de la Universidad Nacional Autónoma de

México (UNAM).

Ha sido becario por el Fondo Nacional para la Cultura y las Artes, Fondo

Estatal para la Cultura y las Artes de Baja California y se le ha otorgado el

Apoyo a la Promoción Artística y Cultural del Centro Cultural Tijuana, así

mismo es nivel cinco dentro del Programa de Premios en Reconocimiento al

Desempeño del Personal Académica de la UABC. Ha sido invitado a dar

pláticas, clases maestras y conferencias en diversas universidades, encuentros

y congresos de México, Argentina, Francia, España, Bélgica, Suiza, Estados

Unidos y Canadá.

En el año de 2002 crea el Festival Internacional de Música y Musicología, en la

ciudad de Ensenada, del cual es coordinador general. Actualmente es director

musical de Ensamble Clásico, Ensamble de música contemporánea de la

UABC y Orquesta Infantil Forjadores de El Sauzal; Catedrático de la

Universidad Autónoma de Baja California; es coordinador general de Proyecto

redes música, proyecto enfocado a la difusión de la música de concierto, y

editor de la revista electrónica independiente redes música

[www.redesmusica.org].

Ensamble de Música Contemporánea de la UABC. Este Ensamble esta integrado por

alumnos de la licenciatura en Música de la Escuela de Artes-Ensenada de la

UABC. En abril de 2007 dan su primer concierto dentro del V Festival

Internacional de Música y Musicología, así mismo en Junio de 2008 se

presentaron en la sala Silvestre Revueltas del Conservatorio Nacional de

Música, en México, D.F.

El Ensamble de Música Contemporánea tiene como propósito principal el

interpretar repertorio escrito en el siglo XX y XXI para orquesta de cámara y

pequeños ensambles, así mismo esta contemplado el encargo de obra a

jóvenes compositores y su interacción con otras disciplinas. Dentro de su

repertorio se encuentran obras de: L. Berio, A. Schoenberg, L. Dallapicola, J.

Cage, K, Stockhausen, S. Revueltas, T. Riley, Ch. Ives, W. Lutoslawsky, entre

otros.

Fabián Espinosa, Clavecín. Fabiola Flores Herrera, violonchelista. En 1983 obtuvo una beca para continuar sus

estudios en la Escuela Ollin Yoliztli, con los maestros Guillermo Helguera y

Álvaro Bitrán, éste último, integrante del Cuarteto Latinoamericano y

catedrático en la Carnegie Mellon University of Pittsburgh.

El verano de 1987 recibió otra beca de la Indiana University String Academy,

en la que tomó clases magistrales con los célebres violoncellistas Janos

Starker y Magg. A su regreso gana el 2do. Lugar en el Primer Concurso

Nacional de Violoncello en la categoría B, organizado por la E.N.M. de la

U.N.A.M. en 1988, año en el que nuevamente es becada por la Carnegie

Mellon University of Pittsburgh, en donde se diploma de Master of Fine Arts

Music Performance. En 1990 en la Ciudad de México gana el concurso de

oposición, para ocupar la plaza de violoncellista principal en la Orquesta de

Cámara de Bellas Artes, bajo la dirección del maestro Luis Samuel Saloma.

Horacio Franco, flautista. Es uno de los artistas mexicanos más reconocidos en la

actualidad, aclamado por la crítica internacional como uno de los

representantes más dignos de su instrumento a nivel mundial.

Estudió en el Conservatorio Nacional en México y posteriormente en el

Sweelinck Conservatorium en Ámsterdam, Holanda, hoy Conservatorio de

Ámsterdam, con Marijke Miessen y Walter Van Hauwe, donde obtuvo el grado

de “solista cum laude”. Franco es un concertista muy activo, con lo cuál ha

ampliado a través del tiempo la visión que comúnmente se tiene de la flauta de

pico; su repertorio abarca desde las formas tradicionales de la música

medieval, renacentista y barroca-inclusive música colonial latinoamericana –

hasta contemporánea, folklórica y popular. Cuenta con un amplio repertorio de

música contemporánea escrita especialmente para él por compositores

mexicanos y extranjeros. Durante sus giras por Europa, Estados Unidos,

Sudamérica e Israel ha impartido numerosas clases magistrales; en Inglaterra

y Estados Unidos ha participado en proyectos de educación, así como en

proyectos de apoyo a sectores marginados y desprotegidos de la sociedad.

Jesús Herrera, pianista. En 1999 obtuvo el título de Licenciado en Piano, con Mención

Honorífica, en la Escuela Nacional de Música (ENM) de la Universidad

Nacional Autónoma de México (UNAM). En 2001 recibió el grado de Master of

Music-Piano Performance en la Universidad de Indiana-Bloomington, Estados

Unidos. En 2007 obtuvo el grado de Maestro en Música: Musicología, con

Mención Honorífica, en la Universidad Veracruzana-Xalapa. Ha recibido becas

como la Fulbright-García Robles (1999-2001) y la de Intérprete del Fondo

Nacional para la Cultura y las Artes (2004-2005).

Ha publicado diversos trabajos de investigación sobre música mexicana,

especialmente sobre música para teclado de finales del virreinato y de

principios del México independiente. Ha presentado ponencias en distintos

congresos nacionales e internacionales sobre investigación musical. Entre

2002 y 2008 escribió numerosos artículos de divulgación sobre música,

principalmente mexicana, que se encuentran en diversos apartados de la

sección “El librero” del portal Sepiensa del Instituto Latinoamericano de la

Comunicación Educativa (www.sepiensa.org.mx).

Vera Koulkova, violinista. Tocó su primer concierto como solista con acompañamiento

de orquesta a los once años. En Moscú (Rusia) ganó diversos concursos por

oposición, fue miembro de las orquestas más importantes de Rusia, como

Gran Orquesta Sinfónica de la Radio y Televisión de Rusia, Pequeña Orquesta

Sinfónica de Rusia, Orquesta de Opera y Ballet del Teatro Bolshoi.

En 1990 fue invitada a formar parte de la Orquesta Sinfónica del Estado de

México. Durante su residencia en México ha sido invitada a participar como

solista y músico de cámara en diversos festivales nacionales e internacionales,

tales como el Festival Internacional Cervantino en Guanajuato, el Festival 70

Aniversario del Palacio de Bellas Artes, el Festival de México en el Centro

Histórico, el Foro de Música Nueva, Festival del Valle de Bravo, el Festival de

Zacatecas, Expo-2000 en Alemania, Festival Haydn-Mozart, etc.

Ha participado como solista con las siguientes orquestas: Orquesta

Filarmónica de la Ciudad de México, Orquesta de Cámara de Bellas Artes,

Orquesta Sinfónica Carlos Chávez, Orquesta “México Nuevo”, Orquesta de

Cámara de la Ciudad de México. Actualmente es jefa de la sección de los

violines segundos de la Orquesta de Cámara de Bellas Artes, miembro de la

orquesta barroca “Capella Puebla” bajo la dirección del Mtro. Horacio Franco y

forma parte del Ensamble “Concordia”.

Jorge Fernando López Ramos, guitarrista. A lo largo su trayectoria se ha presentado

en Argentina, España, Portugal, Estados Unidos y México; además ha

pertenecido a diversos grupos y ensambles entre los que destacan “Guitarras

de Cámara”, “La Orquesta de Guitarras del H. Congreso del Estado de

Coahuila”, “Ensamble de Guitarras del Festival Internacional de Guitarra del

Noreste”, “Orquesta de Guitarras USA/México del Guitar Foundation of

America Festival 2000”.

Frecuentemente participa con la Orquesta de Baja California en diversos

programas entre los que ha destacado su participación con el renombrado

tenor Luciano Pavarotti y el concierto inaugural del XXXII Festival Internacional

Cervantino con el estreno mundial de la obra Sonatas de baja California del

compositor Leo Brouwer. Mantiene una nutrida actividad en la música de

cámara de la que destaca el grupo Cuatro para Tango, ensamble que centra

su labor musical en el tango y con quienes ha realizado presentaciones en

Baja California y Argentina, además de colaborar con el bandoneonísta Cesar

Olguín. Ha sido becario del Fondo Estatal para la Cultura y las Artes de

Coahuila y del FONCA con proyectos relacionados a la difusión de música

contemporánea para guitarra y el estudio de la guitarra flamenca.

Gregorio Luke, crítico de arte. Gregorio Luke fue Director del Museum of Latin

American Art, en Long Beach, California, Agregado Cultural del Consulado de

México en Los Ángeles y Primer Secretario en la embajada de México

Washington D.C. El maestro Luke ha impartido conferencias en museos y

universidades de México, Europa y los Estados Unidos. Se ha presentado en

instituciones como la Librería del Congreso, the Smithsonian Institution, el San

Diego Art Museum, Detroit Institute of Art, y universidades como Harvard,

Columbia y Georgetown entre otras. Ha participado como conferencista y

jurado en la Biennal Internacional de Florencia, Italia (2005 y 2007).

En 1995 fue condecorado con el Irving Leonard Award por la Sociedad

Hispánica de la Librería del Congreso. En 2005, el Ebell de Los Ángeles le

honró con el Life Achievement Award, en el 2006 recibió El Angel Award por

la Bilingual Foundation of the Arts y en 2007 recibió un reconocimiento por

parte de CATE (California Association of Teacher’s in English) por su labor de

promoción cultural dirigida a escuelas públicas.

Inese Salaks, violista. En el año de 1978 participó en el concurso nacional juvenil para

los jóvenes más talentosos del país otorgándole el jurado el primer premio.

Posteriormente ingresó al Conservatorio P.I. Tchaikosky de Moscú siendo su

maestra Galina Odinetz y se graduó en el año de 1984. En la actualidad recibe

asesoría de Gela Dubrova.

En ese mismo año regresa a su ciudad natal para ingresar a la Orquesta de

Cámara de Riga, y un año después en la Orquesta de Opera y Ballet de la

misma ciudad. En 1988 realizó una gira de conciertos por Finlandia, con el

Cuarteto de la Filarmónica de Riga. En el 2001 destacó notablemente su

interpretación de “Lachrymae” de Benjamín Britten, con la Orquesta

Filarmónica de la Ciudad de México dirigida por el Mtro. Carlos Miguel Prieto;

en el 2002, el estreno en México de la “Rapsodia Concierto” de B. Martinú con

la Orquesta Sinfónica de Aguascalientes y su interpretación del “Concierto para

Viola y Orquesta de Cuerdas” del compositor mexicano Armando Lavalle.

Farizat Tchibirova, pianista. Inició su educación musical en Bakú, su ciudad natal a

la orilla del mar Caspio, en la ex Unión Soviética, a la edad de cinco años.

Posteriormente se traslada a Moscú, donde obtiene su doctorado en el

prestigiado conservatorio Tchaikovsky, bajo la tutela del Profesor Emérito

Mihail Voskressensky y la Maestra Elena Kuznietsova.

A partir de 1988 se establece en México y desde entonces ha sido solista de

las principales orquestas del país, como la Filarmónica de Jalisco, la Sinfónica

de Minería, la Filarmónica de la Universidad Nacional Autónoma de México y la

Sinfónica de Xalapa, habiendo participado en importantes festivales

nacionales, como “Blanco y Negro”, del Centro Nacional de las Artes; “Junio

Musical”, de Xalapa, Veracruz, “Festival de Música Rusa” en el Palacio de

Bellas Artes, “Música de Cámara” de San Miguel de Allende, por mencionar

algunos. Entre sus conciertos realizados en el extranjero han sobresalido sus

exitosas presentaciones en las salas más importantes de Rusia,

interpretaciones de los conciertos de S. Rachmaninov con la Sinfónica de

Dallas (E.U.A.) y con la Filarmónica de la Universidad de Lima (Perú), y su

reciente participación en el Festival “Estrellas Mundiales del Arte Pianístico”,

celebrado en la ciudad de Moscú.

Iván Velázquez de León Reyes, compositor y pianista. Nació en 1973 en la ciudad

de México lugar al que regreso en 1994 para comenzar su carrera musical

estudiando la carrera de composición y piano. Su obra aborda diversos

lenguajes contemporáneos como la música serial, espectral, micro tonal, y

minimalista, predominando principalmente este ultimo estilo. Ha trabajado

como compositor y director musical de cuatro radionovelas, de las cuales “para

siempre” fue creada para ser transmitida en España; “la búsqueda” radionovela

que fue transmitida a nivel nacional ha sido inclusive doblada a lenguas

indígenas y las demás a nivel regional en el DF. y el estado de México.

También ha musicalizado obras de teatro destacando entre estas “tiempo para

vivir” obra que recorrió gran parte del país. Ha dirigido y musicalizado varios

performance, y algunos cortometrajes de carácter independiente. Sus obras de

concierto hasta ahora han sido presentadas únicamente de manera

independiente obteniendo siempre una buena aceptación entre la audiencia.

Como pianista se ha presentado en varias salas independientes de la ciudad

de México, y en las casas de cultura de las ciudades de Xalapa, Querétaro,

Cuernavaca y Tijuana. Interpretando obras que abordan desde el barroco

hasta la música contemporánea, de manera solista, en ensambles y como

acompañante.

Luisa Vilar Payá, musicóloga. Doctora en Musicología por la Universidad de California

en Berkeley y becaria Fulbright. Obtuvo la Maestría en Musicología en

Columbia University, Nueva York y la Licenciatura en Filosofía en la

Universidad Iberoamericana, México D.F. Su interés principal se centra en el

estudio de la música del siglo veinte con especial énfasis en el análisis

musical, la teoría del arte y la historiografía. Ha publicado y participado como

editora en diversas revistas especializadas tanto nacionales como extranjeras.

Su trabajo de investigación sobre Arnold Schoenberg ha obtenido premios

internacionales y ha sido citado, entre otros, por Richard Taruskin en la Oxford

History of Music y Joseph Auner en Journal of Music Theory. Recientemente fue nombrada Consejero de la American Musicological Society

por el período 2000-2003 y Miembro el Sistema Nacional de Investigadores.

Junto con Ricardo Miranda es editora de Discanto, ensayos de investigación

musical Tomo 1, publicado por la Universidad Veracruzana (2005). Su reciente

interés en la obra de Revueltas ha redundado en varios trabajos de análisis

publicados en México y Argentina. Actualmente se desempeña como Decano

de Ciencias Sociales, Artes y Humanidades de la Universidad de las Américas,

Puebla.