universidad veracruzana facultad de historia · elementos del arte culto (de la historia de la...
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Universidad Veracruzana
Facultad de Historia
HISTORIA DE ARTE
ARTE POSMODERNISTA I 1) Primera Fase: 1960-1985
2) Segunda Fase: 1978-2008
3) Fase Alternativa: 1977-2008
Maestro: Dr. Raúl Romero Ramírez
Ideas Estéticas POSMODERNISMO
Primera Fase 1960-1985
Estilos Individualistas: La presentación creativa de lo inimaginable
BELLEZA Pop Art
EE.UU.
Minimalismo y
Conceptualimo
EE.UU.
Neoexpresionista
Alemania
Neo dadaísmo
España
Sentido Satirizar el mundo a través de
los objetos del común de la
masa
Reaccionar en contra del
pop Art, del mColorismo y
los Medios de
Comunicación Masiva y
Comercial
Reaccionar en contra del
minimalismo y el arte
conceptual
Deshacerse del proceso
estético y proponer lo cruel, lo
crudo y lo esencial;
Experimentar
Gusto Por el cartel publicitario; por
la celebridad y la fama
Lo fugitivo y elusivo
Privacidad e
individualismo
Agresividad y temas
descarnados y figuras
burdas humanas
Por lo excéntrico, lo
crudamente cruel o
inimaginable
Ideal Centralización de la
publicidad en el artista o en el
tema expuesto;
plasmar la vida colectiva de
las sociedades urbanas de
consumo
Eliminar los elementos de
expresividad contaminados
por el elitismo y la
mercantilización del
mundo artístico, volver al
concepto original
Hacer obras de gran
tamaño, con una técnica
agresiva (dripping), con
pinceladas gestuales y
figurativas aplicadas
violentamente sobre la tela.
Reinventar el Arte mediante
formas, figuras y objetos
relacionados entre sí
aparentemente sin relación
lógica
Valor Medios de comunicación
masiva
“Lo que ves es lo que
obtienes”; Realidad Cruda y
Comercial
Reducir al máximo los
elementos propios del arte,
los volúmenes y formas en
escultura, arquitectura y
pintura
Generar un sentimiento en
el espectador de un ánimo
exaltado y salvaje;
Realidad Agresiva
Por los objetos y un nuevo
destino para ellos en cuanto
uso y apreciación de los
mismos
Pasión Publicidad, historietas,
embalajes comerciales, mitos
populares y comerciales;
Por la mercancía; por el
consumismo
Por la conversación
conceptual entre el artista,
el espacio circundante y el
espectador
Agresividad temática y
cromática
Por lo absurdo; lo
momentáneo es peredecedero e
incapaz de explicar con
claridad
Sentimientos Incertidumbre; morbidez Intimidad y privacidad
extrema
Salvajismo e inmediatez Indiferencia y estupidez
Jasper Johns
Este artista es un apasionado por la
bandera norteamericana que convirtió
en icono posindustrial y la usó como
un elemento propio del consumismo
norteamericano. Sus temas tratan el
estilo de vida americano “american
dream” y la sofisticación de la
sociedad postindustrial a base del
consumismo capitalista desmedido.
Flag 1954
Carteles 1983-1990
Andy Warhola, llamado
Warhol
Campbell´s Soup
Este artista estadounidense utiliza
los happenings y la serigrafía y las
nuevas técnicas del cartel para
confeccionar obras excéntricas
mediante una técnica que
denomina imágenes-objeto en
serie.
Sus temas los llega a hacer iconos
populares para norteamérica, tales
como las latas de sopa Campbell,
celebridades como Marilyn Monroe
y cantantes pop como Elvis
Presley, figuras como la silla
eléctrica; cartoons como Mickey
Mouse, etc.
Andy Warhool
Este artista es un apasionado por el
póster a color el uso publicitario del
cartel con temas de artistas e
historietas. Utiliza su obra tal cual
como si fuera mercancía, siempre a
favor del consumismo americano.
Shot blue Marylin 1972
Mickey Mouse 1972
Lichtenstein Roy
Este artista es un apasionado por el
póster, la publicidad, las historietas,
los mitos populares y comerciales y
utiliza su obra como si fuera
mercancía, siempre a favor del
consumismo.
Pensando en mi 1960
Ayuda 1968
Adami Valerio
Este artista europeo propone póster
comerciales de acuerdo a la cultura
propia del Viejo Continente.
Freud – Maeght 1972
Il Tondo 1972
Yves Klein
Este artista impresiona con su colorido, pero no se
aparta de la conceptualización propia que su obra
debe detentar a fin de concretar en una expresión
mínima del arte como si fuese una mancha o una
estado de tranquilidad y paz, siempre en fondos
blancos. Sus obras son las más intensas
expresiones del conceptualismo el arte minimal
Homenaje a Tenessee
RE26 1960
J Olitski y E. Kelly
Estos pintores del arte minimal,
reducen al máximo la expresión y
presentan sólo tal simbología
concreta y reducida el sentido del
arte.
Por su parte, el sentido de la
individualidad de la obra de arte
convive con la privacidad, en una
forma de intimidad en donde ocurre
una conversación conceptual entre
el artista, el espacio circundante y el
espectador.
Dan Flavin
1960s and 1970s Installations
Este artista utiliza las “Instalaciones” para presentar
su arte minimal, reacción frente al pop art. y al
colorismo, minimizando la importancia de los
medios de comunicación de masas y el fenómeno
comercial y aparente. el minimalismo barajando
conceptos diametralmente opuestos.
La arquitectura minimalista ganó espacios hasta la
actualidad. Sus espacios amplios, llenos de luz,
enblanquecido con paredes clars y con los más
mínimos objetos de uso y los demás guardados en
cajoneras discretas montadas en la pared, hacen de
este arte una forma aún de vida muy contemporánea.
Reloj Minimal Jardín Minimal
Georg Baselitz
El neoexpresionismo alemán se destaca por obras de
gran tamaño mural, con una técnica agresiva: el
"dripping", pinceladas gestuales aplicadas violentamente
sobre la tela. Generalmente son obras figurativas y este
autor las propone presentar “de cabeza”
En Alemania, el director del museo de
Aquisgrán, Wolfgang Becker, acuñó el término
"Die Neue Wilden" los Nuevos Salvajes.
Markus Lüpertz
Este autor neoexpresionista destaca por la
imagen de un color preponderante sobre la tela
que impone y deja claro que es la base de su
propia forma de expresión.
Karl Horst Hödicke
Los neoexpresionistas alemanes utilizan gamas
cromáticas amplias, con intensos contrastes
cromáticos. Es el primer movimiento de posguerra
alemán que se enfrenta a su propia historia,
asumiendo el vacío de la época nazi, a la cual
ironizan y ridiculizan. Sus obras se encuentran en
la época de la caída del Muro de Berlín y el fin del
Comunismo Soviético.
Anselm Kiefer
El neoexpresionismo con sus pinturas murales,
sólo destacó durante la década de los ochenta,
pero gozó de una gran popularidad en su
momento, en parte gracias a la fuerte promoción
que recibió por parte de gente importante dentro
del medio artístico de la época quienes quedaron
impactados por el “salvajismo” de sus formas.
Un capricho del azar conjuró el
nacimiento del artista alemán
Anselm Kiefer en 1945, el año que
acababa la Segunda Guerra
Mundial y que Alemania daba
carpetazo a su reciente historia.
"Cuando él iba a la escuela, casi no
se hablaba de ese periodo de la
historia de Alemania; él no podía
entender por qué se ignoraba, se
vio obligado a plantar cara al
silencio para asumir su propia
historia, de ahí surgieron la serie de
pinturas Símbolos Heróicos“.
Los girasoles
Kiefer explora la religión, pero no como doctrina religiosa, sino como interrogante metafísico:
“por qué estoy aquí“. Kiefer en sus diálogos artísticos y espirituales incorpora cenizas con
toda la carga simbólica que conllevan, yeso, tierra, plomo, paja, flores muertas con especial
trato a los girasoles, alambres, arena o espigas son algunos de los materiales que inyectan
simbolismo y profundidad en sus trabajos.
Víctor Vidal
El Nuevo Altar Las manos
El neodadá intenta deshacerse del proceso estético clásico y proponer lo cruel, lo crudo, lo
esencial, lo extraño. Reinventando el Arte mediante formas, figuras y objetos relacionados
entre sí aparentemente sin relación lógica.
Lihue Pumilla
Festín desnudo
Santero de Toay
El neodadá está por lo absurdo; lo
momentáneo es peredecedero e incapaz de
explicar con claridad lo que se desea.
La escultura neodadá propone formas
extraordinarias y llenas de místicas formas.
Froilán León Orozco
Cenicero con queso El sueño de una guitarra española
El neodadá intenta recrear el arte con los objetos más inimaginables a favor de un nuevo
destino para ellos en cuanto uso y apreciación de los mismos.
Ideas Estéticas POSMODERNISMO
Segunda Fase 1978-2008
Movimientos Subjetivistas en contra del Conceptualismo
BELLEZA Nueva Imagen o New Image
Painting EE.UU.
Transvanguardia
Italia
Simulasionismo
EE.UU.
Anacronistas o Neomanieristas
Italia
Sentido Generar una imagen visual en
la pintura que sea emotiva y
expresiva en contra del
conceptualismo
Reacción en contra del
Minimalismo y arte
Conceptual
Ser una variante del
neoexpresionista pero de
acuerdo a la postura no
violenta de EE.UU. de los
años 80
Ser anticonceptuales,
misteriosos y místicos, criticar la
Cultura de Occidente mediante
la ironía y el misticismo
Gusto Por las imágenes de tipo
emocional y expresiva y de
temas de alta cultura junto con
imágenes populares
inquietantes
Por temas mitológicos
clásicos como el minotauro
o el cíclope y a temas
heroicos con gran
expresividad cromática
Por generar un realismo
geométrico “amable y
amistoso” al observador que
da equilibrio a la
composición
Por la figura humana, a la que
colocan en actitudes incómodas,
llenas de parodias místicas o
personificando escenas
decadentes
Ideal Unir en el mismo cuadro
elementos diversos, como
figuración y abstracción, o
elementos del arte culto (de la
historia de la cultura
occidental), con otros del arte
popular
Ejercer el "nomadismo", el
artista es libre para transitar
en cualquier época o estilo
del pasado, tomando
libremente cualquier
referencia de otros autores
La reinterpretación del
neoexpresionismo con
criterios subjetivos a partir
sólo de la importancia de la
imagen y al arte como
objeto
Tratar temas occidentales de la
cultura con cierto estilo irónico
o de parodia, resultando a veces
una caricatura
Valor Generar un arte a base de
nuevos pensamientos
imaginistas a base del collage
Colorismo subjetivo y
visión personalísima del
autor
Orden y estabilidad
simulada
Reflexión sobre la cultura y el
orden que esta guarda
Pasión Por técnicas de pintura como el
grafiti, el pattern & decoration
y la bad painting
Pastiche, mezcla
indiscriminada de temas y
estilos
Por el contrate de colores y
la mezcla de imágenes
Por la cultura y s distorsión en
eventos irónicos y misteriosos
Sentimientos Por una diversidad y amplitud
en la cultura
Individualismo y
subjetivismo extremo
Pasividad y tranquilidad,
superficialidad
Por lo profundo de la cultura
occidental y su ironía
Julian Schnabel
Esperanza
Nueva Imagen es la denominación que se da a la corriente integrada por una serie de pintores
estadounidenses que comenzaron a pintar mediados los setenta y durante los años ochenta. Unen
en el mismo cuadro elementos diversos, como figuración y abstracción, o elementos del arte culto
con otros del arte popular. Aquí el autor sugiere una esperanza para la humanidad desbordada por
la destrucción, tema particularmente recurrente en la época.
Julian Schnabel
Acto
El autor imprime aquí imágenes emocionales y expresivas, emplea, como la mayoría de
los pintores de la Nueva Imagen, grandes formatos (mural) y usa la pintura al óleo. Su
estilo resulta estridente y cargado de elementos decadentes y destructivos.
David Salle
American 1952
El autor de la Pintura de la Nueva Imagen es un artista que denota un tipo de
neoexpresionismo, por su “imaginativismo” (gran imaginación creativa), su corriente es
americana y diferente a la europea. Esta corriente artística se dio a conocer en Nueva York,
alcanzando gran éxito en los años ochenta.
David Salle
(Sin título)
La denominación de esta corriente proviene de la exposición New Image Painting, celebrada en
el Museo Whitney de Arte Americano de Nueva York en 1978. Entonces, Salle obtuvo las mas
altas recomendaciones de la crítica por sus obras “imaginativas y figurativas”.
Sandro Chia
Guerra de Nessuno
El término Transvanguardia fue acuñado en 1979 por el crítico italiano Achille Bonito Oliva,
para una serie de pintores italianos de estilos figurativistas y coloristas. Nació en los primeros
años de los ochenta, en contraposición al arte povera, movimiento anterior de moda hasta
entonces en Italia. Chia y Cucchi pertenecen a los figurativistas más puros.
Sandro Chia
The Pharmacist's son
La transvanguardia teorizaba el regreso a la alegría y a los colores de la pintura después de
algunos años de dominación del arte conceptual. Chia tiene entre sus temas favoritos la
violencia de la guerra y de las mega-ciudades, la intolerancia y la excitación propia de la gran
alteración de una época llena de sobresaltos.
Enzo Cucchi
Musica Ebbra, 1982.
Los transvanguardistas se caracterizan por un eclecticismo subjetivo, en el que los artistas
vuelven a un lenguaje pictórico clásico. Cuchi propone u paisaje dislocado lleno de terror y
muerte en donde se celebra la desventura de la guerra en Europa del Este.
Enzo Cucchi
Montagne miracolate, 1981.
Su eclecticismo subjetivo y lenguaje pictórico clásico hacen de Cuchi un realizador de obras
figurativas, con referencias iconográficas de dolor y desesperanza. Sus temas so de gusto
fragmentario, es decir, partes como de una película, en donde las cosas ocurren una tras otra.
Enzo Cucchi
Paisaje en llamas, 1985.
El autor recurre a la cruenta realidad de la Europa en guerra y de la devastación de la
humanidad en Sarajevo y otros sitios de los Balcanes o Europa del Este. Siendo italiano, esta
muy cerca de los acontecimientos en los países Balcánicos.
Mimmo Paladino
Paisaje urbano, 1985.
Mimmo s halla entre el figurativismo y el colorismo. Usando los alegres coloridos, aún sus
temas son figurativistas, es decir que el autor recurre a su subjetividad figurativista y propone
en esta obra, una ciudad con sus terribles enredos. La muerte esta presente como un tachón
en donde la figura humana aparece ya desdibujada.
Mimmo Paladino
Matemático, 1985.
El autor ahora nos conmueve con un “paisaje” en donde el hombre sólo reconoce cantidades y
formas geométricas, como artífice de un mundo matemático influido por las leyes del comercio
capitalista, las casas de bolsa y el dinero como opio del pueblo, este hombre nos mira
buscando en nosotros nuestro verdadero costo.
Francesco Clemente Ritz, 1983 Self-Portrait with Lemon Heart, 2008
Este autor transvanguardista aunque figurativista, utiliza temas muy distintos a los de Chia o
Cucchi, pues vive interiorizado en la crítica hacia su país y pretende denotar mediante el
figurativismo su apreciación subjetiva de lo que la ciudad hacía en las personas. En su cuadro
Ritz, se ven varios rostros en el famoso restaurante hablando sobre política y mintiéndose el
uno al otro hasta su muerte. En su Auto retrato con corazón de limón propone al limón, un
icono propio, como el corazón amargo de la humanidad, triste realidad de su época.
Nicola De María
La transvanguardia se dividió en dos facetas: los figurativistas y los coloristas. Nicola pertenece
a los segundos. Nótese como teorizaba el regreso a la alegría y a los colores de la pintura
después de algunos años de dominación del arte conceptual. Sus obras son “coloristas” y
evocan tintes del expresionismo abstracto.
Sherrie Levine.
After Charles Baudelaire: Les Fleurs du Mal 2000
De acuerdo a los críticos, es una variante del neoexpresionismo surgida en Estados Unidos en
los años 80. Se fundamenta en una reinterpretación de artistas y estilos anteriores en el
tiempo, que elaboran según criterios subjetivos, dando importancia tan sólo a la imagen, al arte
como objeto, sin valor conceptual. En esta composición aparecen libros y cuadros con poemas.
Sherrie Levine
(Sin título)
Aquí, la obra es un ajedrez y un bagamon donde la principal exponente de este estilo artístico,
hace una descontextualización de la imagen, que pierde su carácter referencial y se ve
reducida a su condición de signo abstracto.
Gérard Garouste
Los artistas de la corriente neomanierista francesa Garouste reacciona en contra del
conceptualismo, es misterioso y místico, critica la Cultura de Occidente mediante la ironía y el
misticismo.
Gérard Garouste
Como buen neomanierista gusta de utilizar la figura humana, a la que coloca en actitudes
incómodas, llenas de parodias místicas o personificando escenas decadentes como las
mostradas arriba.
Alberto Abate
Este pintor español gusta de los temas culturalistas – místicos. Expone la cultura y su
distorsión en eventos místicos que combinados crean un mundo neomanierista propio de un
sueño. Tal cual las obras arriba presentadas.
Carlo Maria Mariani
Desde 1983, Mariani crea pinturas particularmente con una atmósfera culta y recrea escenas
históricas basadas en su apropiación neomanierista del espacio y el tiempo.
Guillermo Pérez Villalta
Este pintor español proyecta mediante escenas legendarias, míticas figuras con una técnica
típicamente neomanierista que las recrea como esculturas inprobables en un mundo
inexistente mas que sólo en sus sueños.
Ideas Estéticas POSMODERNISMO
Fase Alternativa 1980-2008
Movimientos animados y callejeros
BELLEZA Neo-pop
EE.UU.
Figuración Libre
Francia
Bad Painting
Francia
Superflat
Japón
Sentido Reacciona contra el arte
conceptual a favor de un
movimiento de cultura popular
Reacciona contra la
deshumanización del
minimalismo y del arte
conceptual
Reacciona contra el arte
intelectual y convencional
de los años setenta
Movimiento que provee una
interpretación "exterior" a la
cultura popular japonesa de la
post-guerra a través de los ojos
de la subcultura otaku
Gusto Por la disponibilidad de imágenes
mediáticas como el pop-art, pero
usando nuevos materiales y la
combinación de imágenes
históricas
Por una pintura figurativa,
espontánea, primitiva, con
gran intensidad cromática
Por las culturas e
ideologías marginales
como el punk, el rock, la
cultura afroamericana, la
cultura hispanoamericana
actual, etc.
Por el manga y el anime
realizado de una manera
infantil, que puede ir de lo
“rosa” a lo “grotesco” pero con
temas que hablan de la
madurez sexual
Ideal Asumir la iconografía de la
historieta, los dibujos animados,
los medios de comunicación de
masas o los anuncios publicitarios
Crear una obra inspirada en
la historieta, el rock, la
cultura de masas, la
publicidad, los dibujos
animados o el cine
Propósitos por alcanzar
otras alturas en la cultura
Occidental y realizar una
“pintura malvada” o una
edificación inspirada en la
crítica de lo establecido
Uno de los objetos de crítica es
el estilo loli-con, satirizado por
el Superflat, por eso, se critica
el paso del niño al adulto y el
temor a la madurez sexual
Valor Colorismo subjetivo y visión
individual y colectiva sobre la
cultura occidental
El arte de lo popular de
acuerdo a los medios
Crítica a la sociedad
decadente angloamericana
Crítica mirada al mundo del
consumismo y el fetichismo
sexual
Pasión Por los personajes de historieta,
los cantantes de rock pop, los
artistas de cine y televisión
La fiesta popular, eventos
populares, la televisión, el
cine,
Por ser voluntariamente
sucio y descuidado
Por los trabajos de exploración
de la sexualidad otaku
mediante imágenes grotescas o
distorsionadas y por el miedo a
la madurez del niño al adulto
Sentimientos Alegría, amistad, festejo,
imaginación figurativista
Festejo, alegría,
inmediatez,
despreocupación
Decepción, desilusión,
desencanto por lo
establecido
Interés por la sexualidad,
Imaginación figurativista,
Vitalidad, Virtualidad
(irrealidad)
Keith Haring
USA 1987 Invitados Este cartelista y pintor experimenta un acto de regreso a los años del Pop Art, pero el Neo-pop
es un movimiento artístico que data de los ochenta y aunque las bases de este arte son muy
parecidas en muchos casos, principalmente el uso de imágenes de la cultura popular y de los
medios de comunicación de masas, lo cierto es que el Neo-pop va mucho más allá.
Keith Haring
Amistad (Sin título) Haring crea un personaje propio que interpreta en diferentes estados de movimiento y
situación, con el cual se siente trasladado a la cultura pop de la época. Evoca la formación
individual y autónoma del sujeto en un mundo comercial y publicitario de los años ochenta. La
fiesta, celebraciones y recreación animosa son temas de este autor americano.
Jeff Koons Este escultor neo pop americano recrea
los iconos de su país mediante figuras de
bulto hechas con nuevos materiales
petrolizados como plásticos, hules, etc.
Intenta mantener vivos los iconos de
artistas, personajes de historietas, objetos
pop clásicos como la comida rápida
(enlatados, recetas clásicas, etc.) a fin de
considerar a estos iconos y crear nuevos
de acuerdo a su popularidad.
Michael Jackson
Comentarios sobre el arte
Jeff Koons Este escultor utiliza nuevos materiales en sus
exposiciones en museos y centros comerciales
interiores o exteriores, tal cual es el caso de estas
dos obras con globo plástico.
The Hulks
Corazón Colgante
Kenny Scharf
Este pintor neo pop, realiza obras con amplio uso
del colorido y da alegría y vida a su personajes
fantásticos en ambientes exóticos, casi
surrealistas.
Globup 1989
Graffiti 1985
Kenny Scharf
Este pintor y escultor crea su propio icono
mediante unos personajes creados a partir de sus
pinceles y que representa lo que es la postrimería
del siglo: lo nuevo en realidad.
Graffiti 2001
Extraño 2001
Lee Quinones Este pintor y “presentador”, muestra en sus graffiti una obra donde aparecen artistas,
principalmente músicos a partir de un “homenaje” que les rinde. Además, expone su mejor
obra mediante presentaciones de sus zapatos tenis que improvisa de acuerdo al punto del
espectador.
Herman Kelly Graffiti
Superestrella 35 Serie 10
Robert Combas
Este cartelista francés retoma el clásico camino Pop Art en donde el afiche es sin duda la
mejor forma de mostrar su tiempo y circunstancia, sus gustos y su postura popular que mide
frente a la sociedad francesa de los años ochenta.
Jean-Michel Alberola
Figuración Libre o Figuración libre popular es un movimiento pictórico que surge en Francia a
finales de los años setenta. La figura es esencial en el mural que se pinta con intención de que
la gente lo lea y lo vea. El graffiti resulta ser una mirada crítica hacia la sociedad.
Jean-Michel Alberola
Este artista francés transmite un ideal en sus muros e donde se distingue la intencionalidad de
representar aquello que es propio de un gran evento popular. Por ello, el Figuratismo Libre es
una de las tendencias neoicónicas o neorrepresentativas que surgieron en Europa y los
Estados Unidos en la misma época, volviendo a las figuraciones después de que la Pintura
abstracta dominara a mediados del siglo XX. La figura es lo esencial.
Jean-Charles Blais
La Figuración Libre tuvo como exposición el muralismo pictórico antes de ir a galerías de arte.
El graffiti sirvió de base para su expresión libre contenida en el figurativismo anticonceptual y
antiabstracto. La forma y figura debían surgir sin más del pintor.
Jean-Charles Blais
La primer exposición de Figuración Libre se celebró en 1981, en el apartamento privado del
crítico de arte Bernard Lamarche-Vadel. En ella mostraron sus cuadros los pintores franceses
Combas, Di Rosa, Alberola, Blais, Blanchard, Boisrond, Maurige y Viollet. Su ideología era
populista y anticultural. Reclamaban la total libertad y espontaneidad de la expresión.
Rémy Blanchard
Franceses 1984
El autor cultiva una pintura figurativa, espontánea, primitiva, con gran intensidad cromática. El
tema por la celebración, la fiesta, el baile, el festejo por la vida parece intenso y necesario.
Rémy Blanchard
Obras de 1984
Crear una obra inspirada en la vida cotidiana, el juego, el esparcimiento, la contemplación
plácida y los festejos populares, son la forma de cultura de masas europea observa esta
corriente artística.
François Boisrond
Obras de 2000
Crear una obra inspirada en la televisión, la
historieta, el rock, la cultura de masas, la
publicidad, los dibujos animados o el cine
también fueron los temas preferidos de los
figuratistas libres.
Jean-Charles Blais
Obras 2006
La evolución del figuratismo libre generó
una pintura “sucia”, desgarrada y hasta
perversa, muy propia de la época
occidental de entonces. Así junto con esta
degeneración, se hallan otras como la Bad
Painting y Superflat.
Asesinos del mar
Violaciones tumultuarias
Jean-Michel Basquiat
Flexible 1984 Aopkhes 1984 El Bad painting es una tendencia dentro del neoexpresionismo. El término bad painting (pintura
mala) se acuñó en 1978 en Nueva York, en referencia a una exposición de Neil Jenney. Con este
nombre se designa a la corriente pictórica que toma prestados elementos del arte de la calle
(graffiti, plantillas, carteles) como reacción al arte intelectual y convencional de los años setenta
(arte minimal, arte conceptual). Se inspira en culturas e ideologías marginales (punk, rock,
afroamericana, hispanoamericana). Es voluntariamente sucio y descuidado.
Arnulf Rainer Sin título 1969-1974 Sin título 1976
La obra de este pintor descuidado y sucio en su pintura, lo hacen un Bad Painting y con ella
recrea un retrato en donde aparece “manchado” a propósito con pincelazos descuidados.
Jonathan Borofsky Stephen Buckley En la escultura del Bad Painting tenemos como principales a Borofsky y Bucley, quienes
elaboran obras impresionantemente grandes (de 5m de alto en adelante) y mostradas al aire
libre en exposiciones temporales de varios meses e incluso sus obras yacen permanentes en
las grandes ciudades.
Jonathan Borofsky En esta obra hay una serie de personas que están apostadas en un singular elevado al cielo
caminando o guardando equilibrio. Esta obra se presentó en la ciudad de Nueva York en el
año 2004 con gran éxito.
Jonathan Borofsky Las obras de Borofsky han alcanzado gran fama y aún no se clasifican como obras de estilo
de arte en concreto. Se les ha clasificado como Bad Painting por algunos críticos, sin embargo
sus propósitos por alcanzar otras alturas en la cultura Occidental y realizar una obra inspirada
en la crítica de lo establecido, la asocian a esa corriente posmoderna.
Takashi Murakami
Skulls Rock MOCA
El Superflat es un movimiento artístico posmoderno fundado por el artista Takashi Murakami, quien
está influenciado por el manga y anime. Este movimiento provee una interpretación "exterior" a la
cultura popular japonesa de la post-guerra a través de los ojos de la subcultura otaku.
Takashi Murakami Info, Ya‘ll. Chiho Aoshima City Glow
Las obras de estos dos maestros del Superflat intentan recrear fantasiosos mundos anime
donde existe movimiento constante y variaciones de color y forma continua. Todo parece tener
vida y provee de una aparente sensoriedad simulada sonde la sensualidad puede aparecer de
pronto y exacerbarse mediante la sexualidad cruda de la cultura japonesa.
Chiho Aoshima
Mushroom Room I Mushroom Room II
Las obras de Aoshima son verdaderos trabajos de exploración de la sexualidad otaku,
mediante imágenes serenas y llenas de calidez o sensualidad que pasando de pronto a ser
grotescas o distorsionadas y evidencian el miedo a la madurez en la etapa del niño al adulto.
Chiho Aoshima
Strawberry fields 2003
Influenciado por un mundo surrealista lleno de perversión y bajo reglas darwinianas,
Aoshima investiga la profundidad del campo de la morbidez y la hiperrealidad llevada
a sitios inexperados. El cine y el anime serán las bases de talleres de investigaciñon
sobre el desarrollo mórbido de dichos sitios.
Mahomi Kunikata
Out Side 2007
La obra de Kunikata narra en el más desgarrante de las formas la importancia del sexo en
la cultura y la forma desmensurada de hacer del crimen, la violencia personificada de un
descontrol infantil que posee el hombre y se apropia de él mediante detestables “sueños”.