UNIVERSIDAD DE GUANAJUATO

DEPARTAMENTO DE ARTE

DIVICION DE ARQUITECTURA ARTE Y DISIÑO

DEPARTAMENTO DE ARQUITENTURA

TERORIA DE LA ARQUITECTURA

MAESTRO: ARQUITECTO OCTAVIO HERNÁNDES DÍAZ

ALUMNA: ALEJANDRA ALBA ALVAREZ

TADAO ANDO

INTRODUCCION

Tadado Ando nació el 13 de Septiembre de 1941, en la secundaria

descubrió que le gustaba hacer bocetos y asistió a una escuela de

dibujo, terminando el bachillerato, sin haber terminado la universidad,

creciendo en un ambiente de artesanal, obtuvo conocimiento de forma

autodidacta, viajando por Estados Unidos, Europa y África, visitando

santuarios, residencias, casas populares por lo regular eran lugares

cerca de Osaka. El asegura “adquiero de forma natural la sensibilidad

especial que caracteriza la arquitectura japonesa”. A los 28 años fundó su

propio estudio en Osaka (después de adquirir experiencia en una serie de

oficinas). En su lucha como proyeccionista quiere crear espacios en los

que la gente pudiera vivir pero dentro de un medio urbano que este en

contante cambio, de modo que empezó a hacer edificios de acuerdo a la

lógica y a las condiciones del lugar.

Para Tadao el objetivo primario de la arquitectura era “ordenar el espacio

desnudo” esto significa emplear la forma para reducir del espacio las

relaciones invisibles que constituyen un orden transparente (para esto la

arquitectura precisa geometría). La geometría para Ando es la esencia

dedicada a producir un orden lógico, racional a partir de las relaciones

forma con forma y forma con espacio. La forma como idea sería la

representación visible de un concepto y espacio material abstractos,

considerando la geometría como las relaciones lógicas (valores como

verdad), lo bueno y hermoso terminaron siendo para Tadao secundarios,

estos términos se ven reflejados en su obra “la casa adosada”.

El propósito de Ando se situo por diseñar lugares en los que la gente

pudiera vivir hacia la vivienda solo dejando detalles esenciales y

eliminando todo aquello lujoso, el decía “… Quiero materializar mi visión

de la arquitectura seleccionando aquello que este en armonía con la vida

de hoy (esencia del espacio)”.

Su idea era que el hombre moderno dejado llevar por los bienes

materiales estuviera mas en contacto con la naturaleza, con una vida real

y cotidiana, su resultado fue la purificación del espacio hasta llegar a la

forma original del espacio.

Ando creía mucho en el trabajo en equipo creía que era una manera más

eficaz de trabajar “creo que trabajar en un proyecto de arquitectura lo

mejor es la relación uno-uno con un miembro de mi equipo mi despacho

realiza la sistematización y utiliza un enfoque artesanal en el trabajo”.

CARACTERISTICAS

Decia que el objeto principal de la arquitectura es establecer un

estereotipo mundial “ordenar el espacio desnudo”

Teniene dos puntos acerca de la arquitectura que es

1. La arquitectura es intrínsecamente móvil, esto se refiere a que la gente

que había la arquitectura (edificios, casas, etc.) es lo que hace que el

edificio sea móvil.

2. La arquitectura debe despertar sensibilidades en el hombre

Tadado Ando clasifica en tres elementos útiles para analizar, examinar y

calsificar la arquitectura:

Orden

Gente

Poder emotivo

Asociaba diferentes elementos arquitectónicos en una forma de rivalidad

(pugna)

Forma con forma

Forma con espacio

Interior con exterior

Naturaleza con geometría

El conflicto de esto da como resultado su arquitectura la cual mucha

gente pensó que lo que quería lograr Tadao era crear espacios

abstractos cuando lo que en realidad hacia era buscar la forma original

del espacio, lo que significa que para su arquitectura

funciona como una máquina, todas las condiciones dadas las

substracciones de una parte de han eliminado lo que la hace funcional, lo

estético para él está en segundo plano.

LA ARQUITECTURA DE TADAO ANDO SE DIVIDE EN TRES ESTILOS

1. MONISTA: que se caracteriza por su forma pura, un perfilado

nítido(puro), espacios sosegados (tranquilos) y ritmo (armonía

entre luz y sombra) en esta categoría se encuentran las

primeras obras de Ando como los templos, como la casa

adozada o azoma, iglesia de la luz etc.

2. DUALISTA: es de forma ovoide inerte como

de los años ochenta , espacios que se atraen

y repelen al mismo mutuamente y

que forma y espacio se ensartan,

como ejemplo esta la casa

koshino.

3. PLURALISMO: Son de gran dimencion, variedad

deformas, fuerza centrifuga, cualidades superiores de iluminación, ligeresa

y velocidad.

CASA AZUMA (CASA ADOSADA), SUMIYOHI, OSAKA

1975-1976

La casa esta ubicada en el lugar centrico de la residencia de Osaka, se

contruyo en una ilera de tres

casa de madera adosadas(que

sobrevivieron a una guerra). Se

trata de una caja de hormigon

que ocupa todo el solar “mi

intencion fue insertar una caja de

hormigony crear en ella un

microcosmo”, la organización es

centripeto ( que atrae y dirije

hacia el centro), con un patio

central que ocupa la parte

central descubierto de una

planta tripartita (divida en tres

partes o clases), este patio

separa la sala de estar

(situada en la planta baja), de

la cosina, el comedor y el

baño. En la planta superiror, el

cuarto de los niños es como el

dormitorio principal situado en

patio central. El eidifcio

presenta una fachasa ciega a

la calle.solo la cavidad que

contituye la entrada nos aporta

algun inicio de vida que

desarroll en su interior.

Conclucion

Tadao ando me sorprencidio en la menera en que aprendio a hacer

arquitectura ya que sus estudios fueron escasos y aprendio

empiricamente y viendo y trabajando en despachos relacionados con la

arquitectura y el diseño.

Su arquitectura es a mi forma de ver algo escasa ya que es muy sonbria

pero, en su punto de ver es algo compleja de entender ya que utlisa

varios temas unvluso como se vio en el desarrollo tiene tres tipos de

arquitectira pero en ninguno se vale de la pintura mas bien de la luz y de

la manenera en que eravora sus edificios (entrandonos en varios

conseptos de la geometria).

Lo que el buscaba era incluir la naturaleza dentro de sus construcciones

por medio de la luz ya que como vimos en la casa adozada la unica

entrada o conexión con el exterior es la puerta principal, el buscaba

apartir de todo sus conceptos, despertar estados animicos en la person e

incluir solo lo necesario en caso de una vivienda, con las varias fuentes

de influencia, para el la arquitectura era como una maquina, nada le

sobrarba ni nada le faltaba tenia solo lo esencial.

Fuentes bibliograficas:

Tadao ando - masao furuyama

Tadao ando

VIDA Y OBRA DE LE CORBUSIER

ALEJANDRO RAPEETA ALMANZA.

La arquitectura es

cuestión de armonías.

“Arquitectura es cuestión de armonías, una pura creación del espíritu”.

Charles Édouard jeannered, nacido en la localidad de la chaux- de-fonds, suiza,

1887. A la edad de los 29 años emigro a la ciudad de parís donde adoptó el

sobrenombre le corbesier. En 1900 charls comenzó su aprendizaje en la escuela

de arte de la chaux-de-fonds, uno de sus profesores llamado charles L’ Eplattenier

fue quien lo oriento hacia la pintura y poco después a la arquitectura.

Le Corbusier junto a Walter gropius, principal protagonista del renmacimiento

arquitectónico internacional del siglo xx. Además de ser uno de los grandes

renovadores de la arquitectura moderna fue un incansable agitador cultural, labor

que ejercio con pasión toda su vida.

En 1905 diseño su primer edificio, una casa unifamiliar para un miembro de la

escuela de arte dándole a esta el nombre d villa fallet.

Ya en París, trabajó durante quince meses en el estudio de Auguste Perret,

arquitecto pionero en la técnica de construcción en hormigón armado. A

continuación viajó a Alemania para estudiar las tendencias arquitectónicas de ese

país. Allí trabajó en la oficina de Peter Behrens, donde coincidió con Ludwig Mies

van der Rohe y Walter Gropius, quienes también trabajaron ahí en esa época,

aunque probablemente no a la vez.1 El año 1911 lo dedicó por completo a viajar.

Fue profesor durante dos años en el departamento de arquitectura y decoración

de la Escuela de Arte de París.

En 1918 editó la revista L'Esprit Nouveau junto al pintor Amadeo Ozenfant,

publicación donde ambos sentaron las bases del Purismo. Es en esta revista que

Jeanneret comenzó a firmar algunos de sus artículos con el pseudónimo de Le

Corbusier.

En 1922, Le Corbusier comenzó a

trabajar con su primo Pierre

Jeanneret en su despacho de

arquitectura en la rue de Sèvres en

1924, con el cual mantuvo su

asociación hasta 1940. Inicialmente los

dos diseñaron casi exclusivamente

edificios residenciales. Uno de sus

grandes proyectos de estos años, en

este caso como urbanista, fue su

diseño conceptual de una ciudad de

tres millones de habitantes, Ciudad

Contemporánea.

En octubre de 1929 Le Corbusier dictó

en Buenos Aires un ciclo de diez

conferencias, invitado por la Asociación

Amigos del Arte. En este viaje también

visitó Río de Janeiro, Asunción,

y Montevideo. En referencia a la

primera de las ciudades citadas dejó

bien clara su percepción de urbanista al

expresar: Buenos Aires es una ciudad

que le da la espalda a su río, aludiendo

con esto a algo de lo que aún adolece tal ciudad: pese a tener una extendida costa

frente al gran estuario del Río de La Plata se ha privilegiado ediliciamente un área

que no permite la vista a tal estuario, más aún el acceso al mismo se halla

obstaculizado por instalaciones de antiguos puertos, un aeropuerto, tramos

ferroviarios a nivel y autopistas. Los temas de estas conferencias son publicados

en 1930 en el libro "Precisiones".

Le Corbusier fue, además de un gran arquitecto y pintor, un eminente teórico de la

arquitectura. Escribió varios libros, en los que ejemplificaba sus ideas mediante

Casa Fallet

Arquitecto: Le Corbusier

Construido en: 1906-1907

Ubicación: La Chaux-de-Fonds,

Suiza

proyectos propios, tuvo muy claro que, aparte de saber crear buenos edificios era

necesario saber explicarlos y transmitirlos al resto de los profesionales y a los

estudiantes, y ejerció con gran maestría la tarea de publicitar su propia obra.

Como visionario, Le Corbusier veía la posibilidad de cambiar el mundo a través de

la arquitectura. Si bien nunca se alió con un grupo político en particular, su postura

estaba más cerca de una postura liberal algunos lo han descrito como un socialista,

adjetivo que probablemente se queda corto para caracterizar sus actividades, y

como tal, veía todo proceso de diseño con fines utópicos. Lo que le permitió

contribuir grandemente al significado de la arquitectura en general.

“La arquitectura es el punto de partida del que quiera llevar a la humanidad hacia

un porvenir mejor”.

Grandes obras:

Una de sus más grandes obras: Villa Savoye. Poissy, Francia.

Así como de los Cinco Puntos para una nueva Arquitectura desarrollados por el

propio Le Corbusier, que consisten en:

Edificio que descansa sobre columnas en planta baja, dejando la superficie en

su mayoría libre para permitir que el paisaje quede autónomo del edificio.

Cubierta plana, sobre la que se sitúa un jardín.

Espacio interior libre, debido a la estructura basada en pilares y tabiques.

Fachada libre de elementos estructurales, de forma que puede diseñarse sin

condicionamientos.

Ventanas corridas en las fachadas para conseguir una profusa iluminación

natural en el interior

El primer y más famoso de estos edificios, también conocido como Cité Radieuse

en francés, ‘Ciudad radiante’, está localizado en Marsella, Francia, y fue

construido entre 1947 y 1952. El edificio supone uno de los trabajos más famosos

de Le Corbusier, siendo enormemente influyente y a menudo citado como

fenómeno inspirador de la filosofía y estilo arquitectónico brutalista.

El Centro de Artes Visuales Carpenter es un edificio de Le Corbusier finalizado

en 1963 en la Universidad de Harvard, Massachusetts(EE. UU.).

Es el único edificio del arquitecto construido en Estados Unidos y, junto con

la Casa Curutchet en Argentina, su única obra construida enAmérica.

El diseño se realizó en colaboración con el arquitecto chileno Guillermo Jullian, y

coordinador por el estudio de Josep Lluís Sert, quien por aquel entonces ocupaba

la cátedra de diseño en dicha universidad. Los fondos para construir el centro

fueron donados por la familia Carpenter.

El edificio aloja el departamento de estudios visuales, así como el extenso archivo

cinematográfico de la universidad. Le Corbusier jamás llegó a ver el edificio

construido, pues declinó la invitación a su inauguración debido a problemas de

salud.

Conclusión:

Arquitectura una palabra que puede ser definida en su concepción tangible, pero

en realidad que es para cada ser que la crea, es solo diseñar y proyectar, acaso

será solo construir, arquitectura es parte de nuestra sociedad y es sentimiento es

cualidad, es espacio, es una pequeña parte a la que podemos llamar un todo

como fin de satisfacer al hombre.

"Mi pecado capital es estar sometido a las cosas visuales. Tengo ojos y todo lo

visual, el dibujo, la pintura, la escultura, la arquitectura, para mí es igual. Es

sinfónica. La arquitectura exige ciertas cualidades del pensamiento del cerebro, o

sea la concepción. Las otras cosa también, pero con posibilidades manuales".

Charles Édouard jeannered. Le Corbusier.

OSCAR NIEMEYER

MARÍA FERNANDA ALMANZA MANZANO

102520

100C

8.09.2014

ARQUITECTUTA

UNIVERSIDAD DE GUANAJUATO

« Lo que es importante para el arquitecto es hacer lo que le gusta, no lo que otros quisieran que haga. Esa es la forma, no darle tanta importancia a tu trabajo. Muy pocas cosas tienen importancia en esta vida. »

Oscar Niemeyer

Introducción

El propósito de este trabajo es realzar y dar a conocer el asombroso trabajo de

Oscar Niemeyer. ¿Quién es Oscar Niemeyer? Fue un arquitecto brasileño nacido

el 15 de diciembre de 1907 y fallecido el 5 de diciembre de 2012 con 104 años.

Dejo huella con sus obras en muchos países pero es más conocido por haber

construido y modernizado la ciudad de Brasilia, capital de Brasil. Seguidor de las

ideas de Le Corbusier. Creo palacios, edificios del Gobierno, la Catedral y los

principales edificios de Basilia siempre con gran impacto por su belleza y

funcionalidad. Se puede decir que Niemeyer fue de gran importancia para la nueva

arquitectura moderna. Gano premios, medallas, títulos, entre ellos el Premio

Pritzker de Arquitectura de los Estados Unidos en 1987. Un muy digno Arquitecto

de mencionar y resaltar su obra ya que salto barreras y logro cosas que otros no

hubieran podido lograr en la arquitectura moderna.

Concepto de Niemeyer

Este personaje no es común entre los otros de su época, a él no le gustaba seguir

lineamientos sino lo contrario pero eso fue lo que lo llevo a hacer excelentes

obras. Niemeyer no usaba la línea simple y recta, no le gustaba usar ángulos

rectos, más bien lo suyo fue usar la curvas de hormigón armado, los espacios

abiertos y amplios. Lo que decía era que le atraía la curva porque era libre y

sensual y que las encontraba en las montañas, en los ríos, en las olas del mar y

en el cuerpo de una mujer.

Otra cualidad de las obras de Niemeyer es que tenían un gran compromiso social,

si fueron fuera de lo común, con su originalidad y su esencia pero sin salirse del

contexto en el que estaba dichas obras en las que trabajaba. Entonces sus obras

en resumen se trataban de llevarlos más como a un contexto futurista, con curvas,

tecnología nueva, espacios grandes, abiertos, volúmenes, vidrios y grandes

ventanales. Jugo con todo eso y logro transformar lo más moderno y todavía de

acuerdo a costumbres brasileñas. Se pude decir que fue un revolucionario de sus

diseños por seguir una ideología diferente a otros arquitectos.

Arquitectura

Llevo al hormigón a otro nivel, obteniendo volúmenes propiamente de su cultura

brasileña dándole su esencia arquitectónica y moderna.

Tiene gran fuerza ambientalista ya que siempre buscaba adaptarlos al ambiente

en el que se encontraba su obra.

No se pude llamar de otra forma a su arquitectura más que Modernista. Una

Modernidad inusual que no seguía reglas y que lo llevo a que sus construcciones

lo hicieran exitoso. Uso tendencia como el futurismo, cubismo, expresionismo

entre otros.1

1 (Alan, 2009)

1. Catedral de Brasilia por el exterior.

Uso nuevos materiales como el acero y sobre todo el hormigón armado. Su

arquitectura es única ya que el siguió solo sus ideas y sus gustos porque para él

eso era lo que importaba, que le gustara lo que diseñaba.

Obras

Niemeyer tiene muchas obras que son impresionantes, de gran belleza,

importantes en la sociedad y para la arquitectura moderna, y aquí se muestran

algunas de ellas.

CATEDRAL DE BRASILIA

2. Catedral de Brasilia por dentro. 1959-1970

Con esta catedral Niemeyer quería que fuera totalmente de la expresión religiosa.

Usa mucha iluminación y por adentro quería producir una sensación de llegar al

cielo y no lo que otras catedrales lo hacían sentir de penumbra. Por el exterior

representa unos brazos queriendo alcanzar el cielo.

MUSEO OSCAR NIEMEYER

Tambien conocido por el museo del ojo. La institución tiene como foco las artes

visuales, la arquitectura y el diseño. Inaugurado en el 2006 en honor a su creador.

MUSEO DE ARTE CONTEMPORÁNEO DE NITEROI

Era un terreno amplio y Niemeyer quiso aprovechar la hermosa vista que tenía.

“En palabras del creador, el Museo surge como una flor en una roca que lo

sostiene.”2

2 (ARQHEAD, 2011)

3. MON (Museo Oscar Niemeyer) localizado en la ciudad de Curitiba.

4. MAC. (Museo de Arte Contemporáneo) 1996.

CENTRO CULTURAL INTERNACIONAL ÓSCAR NIEMEYER

Obra caracterizada por, claro las curvas, pero también por colores rojo, azul y

amarillo. Esta es una obra con gran belleza y con mucha manifestación artística.

Niemeyer dice sobre que implica su obra: "Una plaza abierta a todo el mundo, un

lugar para la educación, la cultura y la paz"3.

EL PALACIO DE PLANALTO

6. Palácio do Planalto. 1960. Brasilia.

Sede del Gobierno Federal. Este lugar es donde mayormente se encuentra el

presidente de Brasil. Se ubica en Brasilia, en el Palacio de los Tres Poderes. En

esta obra juega con las líneas horizontales y las curvas. Otra de sus obras de gran

impresión.

3 (Fundación Wikimedia, 2014)

5. Centro Niemeyer. Avilés, España. 2011

Conclusión

Oscar Niemeyer fue un arquitecto de gran influencia para muchas personas, no

solo en su forma de diseñar sino en la forma de lograr salirse de lo común y lograr

cosas espectaculares con ideas diferentes a las clásicas.

Él se fue a buscar otras ideas, a lo que veía y a lo que le gustaba, como la idea de

usar curvas en sus obras porque era lo que veía en la naturaleza y aplicarlo para

lograr hacer destacar una ciudad, la capital de Brasil. Y no solo fue eso, también

fue uno de los principales que influencio en la modernidad arquitectónica

internacional.

Sus obras personalmente me parecen impresionantes, los espacios abiertos que

usa y el espacio ambiental en donde trabaja y que lo sabe aprovechar. Dejar de

usar la típica línea recta y usar colores más modernos y otro tipo de líneas y

volúmenes es lo que lleva a innovar la arquitectura para mi forma de pensar. No

queriendo decir que se salga de contexto pero si salirse de lo común y eso puede

llegar a ser un reto pero como Niemeyer pudo lograrlo de diferentes formas y

dejando huella en diferentes partes del mundo y sobre todo de su país. Lo nuevo

significa innovar, y lo innovador significa algo estético, algo que es bello para la

sociedad y que sea funcional, que puede dejar impresionado a las personas,

entonces se puede decir que Niemeyer logro innovar y llevar al otro extremo la

arquitectura dejando excelentes obras en su trabajo.

Fuentes

Alan, K. (25 de Agosto de 2009). slideshare. Recuperado el 16 de

Septiembre de 2014, de http://es.slideshare.net/wverdugo/oscar-niemeyer-

karen-alan

ARQHEAD. (29 de Diciembre de 2011). es.wikiarquitectura. Recuperado el

16 de Septiembre de 2014, de

http://es.wikiarquitectura.com/index.php/Categor%C3%ADa:Niemeyer,_Osc

ar

Fundación Wikimedia, I. (04 de Septiembre de 2014). es.wikipedia.org.

Recuperado el 16 de Septiembre de 2014, de

http://es.wikipedia.org/wiki/Centro_Cultural_Internacional_Oscar_Niemeyer

LaTercera. (6 de Diciembre de 2012). Cultura. Recuperado el 16 de

Septiembre de 2014, de

http://www.latercera.com/noticia/cultura/2012/12/1453-497153-9-conoce-

las-obras-mas-representativas-del-arquitecto-oscar-niemeyer.shtml

Nicolás, P. D. (5 de Diciembre de 2012). Revista Diners | Revista Colombiana de Cultura y Estilo de Vida. Recuperado el 16 de Septiembre

de 2014, de http://revistadiners.com.co/articulo/45_492_oscar-niemeyer-el-

hombre-que-creo-una-ciudad-de-cero-brasilia

Arquitecto Santiago Calatrava

Andrea Alejandra Morales García

Licenciatura en Arquitectura

100-C

Introducción Santiago Calatrava es un arquitecto español, nacido en 1951 en Valencia, en el

barrio de Benimamet. Sus diseños se caracterizan por un aire futurista y la

innovación técnica y estética.

A los ocho años Calatrava, ingresó en una escuela de arte para aprender dibujo y

pintura, actividad que compaginó con sus estudios escolares. Poco después, se

matriculó en la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Valencia, donde

también realizó un curso de post-graduado en urbanismo.

En 1975 se trasladó a Zúrich para ampliar su formación. Allí estudió durante cuatro

años ingeniería civil en el Instituto Federal de Tecnología y trabajó como profesor

auxiliar en el Instituto Federal de Tecnología.

Él concibe cada proyecto como una obra viva donde todas las partes que la

componen están relacionadas. Da gran importancia a al efecto dinámico, al

hormigón y al acero como materiales de construcción. Se inspira en la naturaleza

y en los esqueletos humanos. Arquitectura e ingeniería se funden en sus obras

hasta tal punto que resulta imposible dividirlas.

Cuidad de las artes y las ciencias.

Cuidad de las artes y las ciencias Los edificios que integran

esta ciudad son: el „Hemisfèric

(Planetario), el Museo de las

Ciencias

Príncipe Felipe, L‟Umbracle

(Paseo con especies autóctonas), el Oceanográfico, Palacio de las Artes Reina

Sofía (anfiteatros y salas de exposiciones) y el Ágora (plaza para conciertos y

eventos deportivos).

Ciudad de las artes y las ciencia

El proyecto abarca una superficie de 350.000

Metros cuadrados y se extiende por casi dos

Kilómetros de largo. Los colores predominantes

utilizados dentro de la arquitectura

Futurista por Calatrava son el azul y blanco

tan relacionados con el mediterráneo.

*L‟Hemisféric

Dispone de una superficie aproximada de 143 000 m² Alberga un espacio tecnológico y educativo, con salas

IMAX, medios audiovisuales, la última tecnología, y

un planetario. En él pueden dictarse clases, hacer

presentaciones, o inclusive espectáculos de

entretenimiento.

*Museo de las Ciencias Príncipe Felipe

Cuenta con 40.000 metros cuadrados distribuidos en tres pisos. Su imagen

exterior aparenta ser el esqueleto de algún animal prehistórico o quizás una

enorme ballena. La particularidad de ser un museo

interactivo de ciencia hace que sea un lugar especial

para los jóvenes y menores. Al contrario de cualquier

otro museo convencional, en él desaparecen las

señalizaciones de “prohibido tocar” y cada muestra

invita a acercarse y participar de ellas; aprender en

cada una de las intervenciones. Su aspecto lúdico

y descontracturado llama la atención tanto como esos enormes “huesos” que lo

acuñan.

*L‟umbracle

Se trata de de una estructura alargada que conforma un espacio al aire libre.

Mediante arcos fijos y flotantes se genera una zona

desde donde puede apreciarse toda la Ciudad de las

Artes. Su interior alberga toda clase de vegetación

propia de la zona valenciana (jara, lentisca, romero,

lavanda, madreselva, buganvilla, palmeras) así como

también un paseo de esculturas contemporáneas.

*L‟Oceanográfic

Con un volumen de 110.000m² se convirtió en el

mayor oceanográfico europeo y el tercero a nivel

L Hemisféric

Museo de las ciencias Príncipe Felipe

L umbracle

L Oceanografic

mundial. Sus 45.000 especies de todas partes

del mundo hacen de la visita un conocimiento

exhaustivo de las profundidades marinas.

*Palacio de Las Artes Reina Sofía

Es el edificio principal del conjunto. Se ubica

sobre el margen occidental del eje y constituye

un hito urbano majestuoso. Este componente

representa la apuesta por el arte, difundiendo

la música, danza, y teatro. Sus formas sugerentes remiten a la actividad náutica y

son casi como una metáfora de un barco que hubiese encallado en el cauce del

antiguo río Turia.

El edificio cuenta con 37.000 metros cuadrados

de superficie, y más de 70 metros de altura.

En su interior se ubican cuatro grandes salas:

la Sala Principal, el Aula Magistral, un Anfiteatro,

y Teatro de Cámara. Y a ello se le suma una

Sala de Exposiciones. Los espacios son variados

y múltiples.

Ágora

Un espacio con una versatilidad que permite acoger eventos

de diversa naturaleza.

Un escenario multifuncional proyectado para la celebración

de congresos, convenciones, conciertos o representaciones,

con la posibilidad de transformarse en zona para exposiciones.

Su estructura es metálica y estará revestida de trencadís azul

y cristal. Tendrá una altura de 80 metros y ocupará una

superficie elíptica de 5000 metros cuadrados.

Interior del L Oceanografic

Palacio de las Artes Reina Sofía

Ágora

Conclusión

Con este proyecto de calatrava podemos llegar a la conclusión de cómo hay una

inspiración en formas naturales y humanas, fundiéndolas con sus materiales

cuidadosamente seleccionados para crear armonía estética. Su estilo es único y

simbólico, reconocible en todo el mundo por la sensación de movimiento que

consigue infundir a objetos estacionarios.

Calatrava hace que sus estructuras arquitectónicas sean tan interesantes al

aplicar su conocimiento innato de la ingeniería para usar la estructura técnica de

su creación como base para el diseño. Piensa un uso puro del cristal y la luz.

Bibliografía

http://es.wikipedia.org/wiki/Santiago_Calatrava http://www.arqchile.cl/reina_valencia.htm

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..

Jean Nouvel.

“Segundo premio Pritzker para Francia”

.

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ÍNDICE.

Introducción...................................................................................................................... 1

Biografía............................................................................................................................2

Obras representativas........................................................................................................3

Premios y galardones…………………………....………………………………………4

Conclusión…………..…………………………………………………………………..5

Fuentes de información………………………………………………………………….6

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INTRODUCCIÓN

Jean Nouvel es un arquitecto francés reconocido y nombrado como uno de los 32

ganadores del premio Pritzker, autor de obras representativas como la torre Agbar de

Barcelona, o la ampliación del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid.

En casi cuatro décadas Nouvel ha diseñado más de 200 proyectos tanto en Europa como

en Asia y Estados Unidos, declarando su Arquitectura como “Arquitectura genérica”.

Se sintió honrado y sorprendido por haber sido galardonado, "Estoy muy contento de

estar en un club de buenos amigos como Frank Gehry, Renzo Piano, Zaha Hadid," declaró

Nouvel a Reuters por teléfono desde París..

Se trata de analizar y comprender el punto de vista que tiene Jean Nouvel, aprender de

su “Arquitectura genérica”, es importante ver cuales son los puntos en común de sus

proyectos y el porqué los hace ser tan importantes en la historia de la Arquitectura.

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En 1994 abre su despacho junto con otros arquitectos.

Trata de alejarse de los movimientos del modernismo y post-modernismo, y no acepta

los establecimientos que propone Le Corbusier, que influyó en muchos otros

arquitectos, y casa obra que realiza no sé basa en uno ya creado, por eso sus proyectos

son nuevos e innovadores

VS.

Su único común denominador es la transparencia, la luz y sombre y claro sus obras

hacen una armonía espléndida con su entorno.

Es una persona inconformista estuvo en la revuelta de 1968.

En 1976 fue miembro fundador de “MARS” junto con otros jóvenes arquitectos

franceses, participó en la fundación del sindicato de Arquitectura.

Nouvel ha ganado numerosos premios de arquitectura y diseño, y ha recibido varias

distinciones por su trabajo. En 1980 se le concede la Medalla de Plata de la Académie

d´Architecture1. En 1983 fue nombrado doctor honoris causa por la Universidad de

Buenos Aires. En1987 recibió el "Grand Prix d'Architecture"2 por el conjunto de su

obra y la "Equerre d'Argent"3 por sus diseños minimalistas de muebles.

Definitivamente es un Arquitecto que le gustan los riesgos, creando un espacio

confortable, y nuevo. A su vez se puede ver claramente que el trabajo de un arquitecto

no es sólo diseñar, construir o plasmar una idea. Es un ser concreto que puede diseñar

muebles, habitaciones y hasta mismos materiales que se pueden utilizar en obra.

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Un arquitecto tiene que tener siempre que su trabajo es con lo social, dar conforth al

cliente, encontrar ese detalle tan minucioso que dan al momento de proyectar, pues es

cubrir una necesidad con un estilo definido, la habilidad que tiene el profesional en esta

carrera le abre puertas a más conocimiento, a si mismo los reconocimientos que está

recibiendo Jean Nouvel dicen mucho de esta persona, está logrando tener ese balance y

es integración como profesionista. .

1Académie d´Architecture (Académia de Arquitectura)

2Grand prix d´Architecture (Gran premix de Arquitectura)

3Equerre d´Argent (Plaza cuadrada)

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OBRAS REPRESENTATIVAS

Torres Agbar, Barcelona, España

Opera de Lyon, Francia.

Centro médico Val Nôtre Dame, Benzos

Francia.

Galeries Lafayette, Berlín, Alemania.

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PREMIOS Y GALARDONES.

Grado honorario de la Universidad de Buenos Aires (1983), el Colegio real de artes

Londres (2002) y la Universidad de Nápoles (2002).

1989- Premio Aga Khan de Arquitectura por el Instituto del Mundo Árabe.

Mención honoraria del Instituto Americano de Arquitectos (1993) y del Instituto Real

de Arquitectos Británicos. (1995).

En 1997, Nouvel fue nombrado Comandante de la orden de artes y letras. El es

también Chevalier de la légion d'honneur.

2005 - Premio Wolf

2008 - Premio Pritzker

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CONCLUSIÓN

Este arquitecto sale de todos los estándares del diseño, sin perder el entorno, con

propuestas innovadoras e inimaginables.

Me agrada que utilice mucho el cristal porque puede dar una sensación de abertura, gran

espacio y aumenta la cantidad de luz en estos edificios.

En mi punto de vista, conociendo un poco del trabajo de Le Corbusier y de Jean Nouvel

se podría encontrar una propuesta mezclada para hacer proyectos alucinantes.

Así como Le Corbusier daba importancia al traslado de la luz y Jean Nouvel utiliza el

cristal pues lo más apropiado sería eso, mezclar estas grandes mentes para crear

espacios más útiles, y bellos de admirar.

Al momento de que le da importancia al entorno lo apoyo al cien por cierto, pues opino

que si un edificio no entra en el contexto en el cual se está desenvolviendo no llega a lo

sublime, o apreciación de las personas, puede que aleje a turistas o ciudadanos, así, si

entra en el contexto ya hablado, se da con más facilidad y naturalidad la utilidad que

tenemos como fin darle a ese inmueble.

Universidad de Guanajuato

Lic. en Arquitectura

22- agosto- 2014. Segura León Andrea Berenice 9

FUENTES DE INFORMACIÓN.

http://noticias.arq.com.mx/Detalles/2207.html#.VA_2Ifl5OUk http://es.wikipedia.org/wiki/Jean_Nouvel

ANTONI GAUDÍ

“El arquitecto del futuro se basará en la imitación de la naturaleza porque es la forma más racional, duradera y económica de todos los métodos”.

UNIVERSIDAD DE GUANAJUATO

TEMA: TEMPLO EXPIATORIO DE LA SAGRADA FAMILIA.

MATERIA: TEORÍA DE LA ARQUITECTURA.

ALUMNO: CAMARGO LÓPEZ JESÚS EMMANUEL.

PROFESOR: ARQ. OCTAVIO HERNÁNDEZ DÍAZ

Antoni Gaudí fue un arquitecto español nacido en Reus que estudió y desarrolló

sus estudios en la ciudad de Barcelona y vivió entre los años (1852 – 1926).

Antoni Gaudí fue más allá de lo que era en ese entonces el modernismo ortodoxo,

dotado con una fuerte intuición y capacidad creativa, Gaudí era capaz de concebir

sus edificios de una forma global atendiendo, tanto a las soluciones estructurales,

como las funcionales y decorativas. Creó un estilo personalizado basado en la

imitación de la naturaleza aun conservando la experiencia aportada por estilos

anteriores, generando una obra arquitectónica que es una simbiosis perfecta de la

tradición, la innovación y es en el que se basan todas sus obras.

TEMPLO EXPIATORIO DE LA SAGRADA FAMILIA

Iniciada en 1882 y aún en construcción pero en

1883 al renunciar el arquitecto anteriormente

puesto a cargo de la obra, Francisco de Paula del

Villar y Lozano, Gaudí aceptó llevar a cabo la

construcción, cosa que hizo que cambiara o se

modificara por completo el proyecto. Lo que

comenzó con un estilo corintio, fue modificado

por Gaudí, a fin que le imprimió su estilo peculiar.

Éste evolucionó desde el primer proyecto

neogótico hacia su estilo orgánico, basado en la

naturaleza.

Una de sus fuentes de inspiración fue la Cueva del

Salnitre en Collbató (provincia de Barcelona), así

como la montaña de Montserrat. El arquitecto reusense opinaba que el gótico era

imperfecto, porque sus formas rectas, su sistema de pilares y arbotantes, no

reflejaban las leyes de la naturaleza, que según él es propensa a las formas

geométricas regladas, como son el paraboloide hiperbólico, el hiperboloide, el

helicoide y el conoide.1

1 (http://es.wikipedia.org/wiki/Templo_Expiatorio_de_la_Sagrada_Familia)

Templo de la Sagrada Familia (Fachada de Nacimiento)

Gaudí fue modificando el proyecto a lo largo de los

años ya que las interrupciones por falta de recursos

económicos le daban tiempo para encontrar o

buscar nuevas soluciones estructurales. Un

elemento clave en su forma de idear la estructura

fue el arco parabólico o catenario, en el cual se

basan las torres de la sagrada familia.

Gaudí ideó el interior de la sagrada familia como si

fuera la estructura de un bosque, en el cual hay un

conjunto de columnas arbotantes que se dividen en

varias o diversas ramas, las cuales sustentan una

estructura de bóvedas de hiperboloides

entrelazados.

Gaudí concibió una compleja iconografía que basó

exclusivamente en su condición de templo católico y

en el culto religioso, para lo que adaptó todos los

elementos arquitectónicos a los ritos litúrgicos. Para

ello se inspiró principalmente en el año litúrgico de

Prosper Guéranger, recopilación de todos los cultos

y festividades religiosas producido al cabo del año,

así como en el Misal Romano y el Ceremonial de

obispos. Para Gaudí, la Sagrada Familia era un

himno de alabanza a Dios, en que cada piedra era una estrofa.2

Interior de la Sagrada Familia

2 (http://es.wikipedia.org/wiki/Templo_Expiatorio_de_la_Sagrada_Familia)

Bóvedas de hiperboloides de la Sagrada Familia

Columnas helicoidales de la Sagrada Familia.

LA CRIPTA

Al encargarse Gaudí del proyecto, transformó los pilares de la cripta agregándoles

capiteles con razones naturalistas, también elevó la bóveda y rodeó la cripta de un

foso para tener iluminación y ventilación directas. Los planos iniciales de Gaudí

para la sagrada familia fueron los de la cripta de San José construida entre 1884 y

1885. Está compuesta por siete capillas dedicadas a la sagrada familia de Jesús:

San José, el Sagrado Corazón, la Inmaculada Concepción, San Joaquín, Santa

Ana, San Juan y la capilla de Santa Isabel y San Zacarías.

Cripta de la Sagrada Familia

EL ÁBSIDE

El ábside es la cabecera del templo entre dos de sus fachadas, la del nacimiento y

la de la pasión. Gaudí dedicó este importante conjunto a la

Virgen María de la cual era gran devoto. Su construcción

se hizo entre los años 1891 – 1893.

Después se continuó con la fachada del nacimiento que

está dedicada al nacimiento de Jesús cosa por la cual

lleva el nombre de nacimiento. Su construcción se realizó

entre los años 1894 y 1930.

Fachada del Ábside

El 7 de junio de 1926, cuando se dirigía a la iglesia de San Felipe Neri, fue

atropellado por un tranvía, murió el 10 de junio a días previos de cumplir los 74

años de edad. En su lápida se encuentra la siguiente frase: “la belleza es el resplandor de la verdad y como que el arte es belleza sin verdad no hay arte”.

Al morir sólo se había construido una torre del proyecto del edificio. Sólo se

conservaban planos y un modelo en yeso que resultó muy dañado durante la

Guerra Civil. Sin embargo, desde entonces han proseguido las obras sin

interrupción: actualmente están terminados los portales del Nacimiento y de la

Pasión, y se ha iniciado el de la Gloria; se ha cubierto todo el espacio interior, y se

han puesto las bases de las seis torres centrales.3

La obra que realizó Gaudí, es decir, la fachada del Nacimiento y la cripta, fue

incluida en 2005 por la UNESCO en el Sitio del Patrimonio de la Humanidad

«Obras de Antoni Gaudí». El templo fue consagrado y declarado Basílica menor el

7 de noviembre de 2010 por el papa Benedicto XVI.4

La obra de Gaudí es difícil de clasificar, pero termina en un estilo orgánico

inspirado en la naturaleza, toda su labor está marcada por las que fueron sus

cuatro grandes pasiones: la arquitectura, la naturaleza, la religión y el amor a

Cataluña.

Templo Expiatorio Sagrada Familia

3, 4 (http://es.wikipedia.org/wiki/Templo_Expiatorio_de_la_Sagrada_Familia)

A pesar de que no inició el proyecto, ni tampoco lo pudo terminar se entregó en

cuerpo y alma a éste y eso es lo que realmente se respeta, al menos en mi

opinión. El estimaba que la Sagrada familia duraría siglos en ser terminada. Antoni

Gaudí fue el máximo exponente de la arquitectura basada en la naturaleza, para

mí es un gusto haber escogido a este arquitecto, en el transcurso de este ensayo,

aprendí mucho sobre él, me gusta como pensaba, proyectaba y actuaba ante las

situaciones. Excelente en todo lo que hacía, tenía un amplio conocimiento y

capacidad creativa para generar soluciones estructurales. Se dedicó a estudiar

minuciosamente las estructuras de los edificios de los cuales obtenía experiencia

para aplicar a otras construcciones. Concluyo que Antoni Gaudí se basó en la

imitación de la naturaleza y gracias a eso logra lo inimaginable.

Bibliografía

http://www.muyinteresante.es/historia/articulo/siete-frases-geniales-de-gaudi-

121372159044

http://es.wikipedia.org/wiki/Antoni_Gaud%C3%AD

http://www.biografiasyvidas.com/biografia/g/gaudi.htm

http://es.wikipedia.org/wiki/Templo_Expiatorio_de_la_Sagrada_Familia

http://es.wikipedia.org/wiki/Obras_de_Antoni_Gaud%C3%AD

Galaxy Soho; ubicado en Pekín, China.

Introducción:

Dentro de este trabajo se hablará sobre la arquitecta con nombre ¨Zaha

Hadid¨. Ella ha logrado destacar en el mundo de la arquitectura formando cada vez,

su estilo tan peculiar, es una de las principales figuras de la arquitectura, ha sido

reconocida con premios de rango internacional, como mujer es muy admirada ya que

es la primera mujer que consigue llegar a este nivel de reconocimiento internacional

y a la vez es muy criticada, lleva años creando polémica sin embargo ella se

defiende con sus majestuosas obras. A continuación se desarrollaran varios puntos

en donde se desarrollara de una forma más completa este tema.

Bibliografía:

ZAHA HADID Bagdad, 31 de Octubre

1950. Arquitecta Iraquí de

origen Árabe.

Proviene de una cultura

fundamentalista en la cual

por preceptos religiosos las

mujeres tienen prohibido

ejercer y vivir sus propios

potenciales. Para el

musulmán la mujer no tiene

derecho a la realización

personal o a la vida, únicamente debe permanecer al lado del hombre y de Dios.

La arquitecta ha vivido en la capital Británica la mayor parte de su vida, es ahí donde

se ubica su estudio de Arquitectura, su estilo es el deconstructivismo. Comenzó su

carrera profesional a principios de los años 70. Ha sido reconocida a nivel

internacional como lo es el premio Pritzker (2004) tratándose de la primera mujer

que consigue este premio.

Estilo Arquitectónico. Hadid se da a conocer como una arquitecta que impulsa consistentemente las

fronteras de la arquitectura y el diseño urbano. Su trabajo experimenta nuevas

concepciones del espacio, intensificando el paisaje urbano en la búsqueda de una

estética del diseño. Ha presentado un fuerte rechazo en el campo de la arquitectura

por el desarrollo de la mujer dentro de este tipo de profesión.

Es una arquitecta un gran estilo innovador Por algo ha dicho: “Si hay 360 grados, no

hay razón para restringirme a uno solo”.

¿Qué es el deconstructivismo?

Es un movimiento que surge alrededor de los años 1980 – 1990. Esta corriente de

arquitectura muestra el postmodernismo. Rompe principalmente con las funciones,

las formas, los materiales y con los volúmenes. Se caracteriza el proceso de diseño

no lineal y el uso de la geometría con formas no rectilíneas, que se emplean para

distorsionar y dislocar algunos de los principios elementales de la arquitectura. El

deconstructivismo es un estilo que muy pocos se atreven a adoptar, es un estilo no

muy usual, además de que llama mucho la atención, suele salir de lo ordinario pero

es muy importante que no salga del contexto en donde se ubicaran las obras.

Zaha Hadid, la reina de la curva, la arquitecta de lo imposible.

Sus críticos le dicen diva y ella les

responde: “¿Me llamarían diva si fuera un

hombre?”. Una respuesta que la arquitecta

Zaha Hadid les da a quienes la ven solo

como la mujer de temperamento fuerte en

un mundo que ha estado dominado por

hombres y en el que ella se ha abierto

camino con un trabajo que podría

resumirse en una palabra: audaz.

De esta forma Hadid empezó a dejar huella, superando los límites de la arquitectura

y aunque ha dado mucho de qué hablar a la prensa es una persona que debe

admirarse. Logro destacar con propuestas de edificios que parecían inconstruibles.

Algunas de sus obras.

Lilium tower Varsovia-Polonia.

Características:

Torre de 250 metros en la ciudad de Varsovia.

La torre tiene una superficie de 130,000 m2, y estará integrada por un complejo

residencial y un hotel de lujo. Dentro de los servicios que incluirá esta espectacular torre

se encuentran: área de spa, restaurante y una pequeña tienda ubicada en el

subterráneo, zona donde también se situará el estacionamiento.

Cuenta con sistemas de ahorro de energía, para lidiar con los climas extremos del lugar.

Dorobanti Tower, Bucarest -Rumanía

Dorobanti Tower', situado en el centro de Bucarest, tiene

100.000 m2 destinados a un uso mixto. El proyecto contiene un

hotel de cinco estrellas, apartamentos de lujo, zonas de retail,

un centro de negocios, un casino y aparcamiento subterráneo.

Estadio olímpico Tokio (2020)

La idea principal consiste en demoler el

estadio actual y sustituirlo por uno nuevo,

este es el diseño de la Arquitecta Zaha

Hadid.

Capacidad para 80,000 personas y

techo retráctil.

El proyecto original del estadio

olímpico, cuenta con 290,000 m2.

el presupuesto total se mantiene en

los 185,000 millones de yenes (alrededor

de 1,300 millones de euros) aunque según el Gobierno podría llegar a

triplicarse.

Personas organizadas han presentado una petición al gobierno Japonés para

que reduzca el futuro estadio olímpico de Tokio (2020).

Otros arquitectos han criticado el proyecto, no por el diseño, sino por la

cantidad de dinero que se invertirá.

Es un gran proyecto, se prestara para muchos eventos deportivos que se

pudieran organizar, además que es muy moderno y la capacidad de

espectadores es impresionante. De acuerdo con la inconformidad de algunas

personas hacia el estadio el proyecto ha tratado de ser cambiado.

Conclusión:

Como trabajo de opinión e investigación puedo concluir de mi tema que es una gran

arquitecta, llegar a ese nivel no es tan fácil, no fue fácil para ella romper esquemas

desde el momento en que ella decidió ir en contra de la corriente con su cultura y

religión demostró que su potencial iba más allá de un deseo, me agrado bastante

cómo logra borrar los límites de la arquitectura ideando construcciones

inimaginables. Para mi Zaha Hadid es una persona que admiro bastante y lo

mencione antes en mi trabajo, logra romper esquemas del machismo ya que dentro

de su cultura las mujeres no tenían espacio para esta profesión. Me gustaría seguir

aprendiendo de ella.

Bibliografías:

http://www.cromos.com.co/personajes/espectaculo/articulo-141420-zaha-hadid-la-

arquitecta-de-lo-imposible

http://www.arqhys.com/articulos/zahahadid.html

http://es.slideshare.net/gasib/deconstructivismo-22499245

Michel Rojkind (Ciudad de México, 1969)

TEORÍA DE LA ARQUITECTURA

NOMBRE DEL ALUMNO:

CÉSAR GONZÁLEZ

MAESTRO: ARQ.

OCTAVIO HERNÁNDEZ

GRUPO: 1° C

FECHA: 03-09-2014

Michel Rojkind (México, Naucalpan, 18 de Diciembre de 1969), es un arquitecto mexicano.

Creador de numerosas obras y espacios vanguardistas en la ciudad de México y el resto del

pais. Destaca por su arquitectura monumental y representativa en construcciones como

bancos, museos, proyectos corporativos todos con nueva tecnología o arquitectura Hig

Tech. Ha trabajado en varios proyectos vanguardistas y es fundador de Rojd Kind

Arquitectos.

Es un arquitecto reconocido internacionalmente por contribuir a la arquitectura moderna y

en la actualidad sus obras han alcanzado un gran renombre por su estética, forma y belleza.

En la mayor parte de sus obras resalta en demasía el uso de arquitectura Hig Tech que

impone una característica única en sus obras. También su diseño rompe con todo el

esquema de cómo construir y no le teme a la física y problemas técnicos que pueda

representar o tener al paso del tiempo el

edificio construido.

En algunos de sus trabajos más

reconocidos se encuentran la videoteca

nacional, casa F2 ,Tlaxcala 190 , Sede

central de Falcon en San Ángel, Museo

del chocolate Nestle en paseo

Tollocan, Cineteca Nacional del Siglo XXI

entre otros.

La arquitectura de Michel Rojkind impacta

y genera un vocabulario propio y único en la sociedad que admira sus obras, es un justo

equilibrio entre realidad y arte ya que refleja en sus obras las raíces de la arquitectura

futurista también respetando la armonía con la naturaleza. Sin duda un arquitecto pionero en

la nueva arquitectura o arquitectura moderna, preocupado por las repercusiones o beneficios

de sus obras en la sociedad, dedicado y firme con lo que desea.

Muchas de sus obras han representado al país en diversos festivales y concursos en el

mundo y es impulsor motivador para muchos estudiantes de arquitectura.

EL OVNI DE INTERLOMAS

(Huixquilucan, estado de

México)

Es una construcción muy

semejante a un ovni como su

nombre lo dicta que

principalmente su

funcionalidad es la de un

centro comercial, pero alberga

más tiendas departamentales, salas de cine tipo estadio, una pista de hielo 12 restaurantes y

una plaza de comida con 180 locales. Es un centro comercial muy controversial por parte de

la funcionalidad por la demanda de las tiendas departamentales en la zona y algunas

cuestiones al empeoramiento de la circulación vial según algunos vecinos. Un centro

comercial es un espacio público necesario en la actualidad para los habitantes de la

comunidad,

La compañía Liverpool le encargo el proyecto al arquitecto Rojkind porque quería romper

con el esquema tradicional de construir su tienda y esta tienda departamental se convirtió en

un espacio social representativo de la comunidad. Con una azotea verde para la recreación

eh interacción con los usuarios, su fachada es un juego de texturas que representan estética

y un lugar en el que se quiere estar, la forma asemeja a unas manos entrelazadas que

llaman al cliente a entrar y genera emociones. Con un diseño concéntrico y un hueco central,

algo no tan nuevo pero su diseño

es muy distinto a todos los huecos

de edificios ya que en muy pocas

partes del mundo existen esté tipo

de construcciones. Desde el

momento en que se entra no sólo

es el ir y comprar si no que desde

que se entra se está generando

emociones en los usuarios.

Restaurante japonés Tori Tori (Polanco,

México D.f)

Está construcción se encuentra en una de

las zonas con mayor exclusividad de la

ciudad y es un complejo que representa

arquitectura Hig Tech, se podría decir que

es un edificio con vida ya que su fachada

cambia de día a una transformación total

de noche. La gran demanda de esté

restaurante aumento y la clientela exigía

un lugar más amplio por lo cual el dueño decidió mudarse y construir está gran obra a

manos del arquitecto Michel Rojkind. Los requisitos del cliente principalmente iban

orientados a una interpretación japonesa pero esto no era algo litaral, en realidad se

esperaba que el lugar tuviera una propia identidad contemporánea y con arquitectura

innovadora. La fachada da la sensación de que surge del suelo, como imitando la hiedra

natural que se encuentra alrededor en los muros de contención y está cortada a con

maquinas especiales y especificaciones exactas. Como ya se había dicho antes es un

edificio con vida ya que en la noche su iluminación crea una perfecta armonía en tonalidades

azules gracias unos LEDS instalados

que desde el momento en que estás

cerca no pasaras desapercibido por el

sitio. Los usuarios se conectan con

ambientes diferentes y cada quien

elige su mejor opción para comodidad,

los muebles, interiores e instalaciones

crean un ancho espectro de

emociones desde el momento es que

se observa la construcción.

Cineteca Nacional del Siglo XXI

(sur de la ciudad de México)

El edificio de la Cineteca

Nacional del Siglo XXI ya estaba

construido como tal pero pasaron

37 años y pidieron una nueva

remodelación para que su

fachada eh instalaciones fueran

más vistas y funcionales. El

concurso lo gano el despacho de

Rojd Kind Arquitectos y planteo un

proyecto muy vistoso y agradable

el cual tiene como función principal asegurar y resguardar el acervo de imágenes en

movimiento del país y del mundo entero. Así la cineteca no sólo se crea con el fin de un

espacio de “cines” si no también como un espacio de conexiones, físicas y virtuales, entre

medios y personas. El proyecto comprende la renovación total del complejo, construido

principalmente como una plaza y transformado varias veces al paso del tiempo. Con esta

propuesta se busca generar, la reflexión, la convivencia y el encuentro que creará al

espectador una experiencia

cinematográfica diferente a la que se

está acostumbrado. Desde luego

CONACULTA fue muy exigente en la

elaboración del proyecto porque la

inversión es mucha y su funcionalidad

tendrá muchos años quizás como los

treinta y siete que pasaron para volver

a remodelar sus instalaciones.

Fachada Frontal de la Cineteca Nacional

Interior de la Cineteca

Conclusión:

Para mí Michael Rojkind ha sido una de mis mayores inspiraciones como estudiante de

arquitectura porque sus obras expresan mucho de su personalidad en una entrevista el

decía que su trabajo era más reconocido en otros países que aquí en México porqué el

antes era músico, algo que la gente juzga mucho cuando en otros países eso es un plus.

Sus obras enmarcan la energía y juventud lo cual me llama mucho la atención y el emplear

nuevas tecnologías creando una armonía y respetando el medio ambiente, sin duda y sí

continua con su trabajo en un futuro podrá ser objeto de estudio para muchas nuevas

generaciones que se aproximan. También trate de buscar un arquitecto Mexicano y joven

para tratar de todos buscar una identidad pertenecer a algo y el sin duda es un gran ejemplo

a seguir.

Considero que es muy importante primero conocer nuestra arquitectura mexicana, nuestras

raíces y cultura para después continuar con la arquitectura de otros países y al final tratar de

establecer un lenguaje en la cátedra universal.

Bibliografía:

http://www.rojkindarquitectos.com

http://www.noticiasarquitectura.info

http://www.wikipedia.org

https://www.facebook.com/ARQ.MR.UAEH

1

PETER ZUMTHOR

LAS TERMAS DE PIEDRA

Alumna: Medina Torres Guadalupe Dalia

Lic. En Arquitectura

Teoría de la Arquitectura

2

Hablar de una gran arquitectura

contemporánea es hablar de Peter

Zumthor, quien ha logrado impactar con

cada una de sus obras. Si bien usando

su pensamiento claro y exigente con lo

poético ha impactado a la sociedad.

Cada una de las formas que usa, así

como el juego que provoca al unir la luz

con la oscuridad logrando un efecto

verdaderamente hermoso que es la luz

cenital.

Peter Zumthor nació el 26 de abril de 1943, es un arquitecto de origen suizo y

ganador del Premio Pritzker en 2009 y uno de los arquitectos contemporáneos más

influyentes.

Este gran arquitecto se caracteriza por tomarse su tiempo al diseñar y elegir sus

proyectos hacia un fin artístico que va sobre la economía.

Se puede notar que en cada una de sus obras hace uso de un rigoroso trabajo

artesanal, además de la madera que por ser ebanista1, obtiene un gran sentido espacial

y un amplio manejo de la combinación luz-oscuridad. Sabe combinar el pensamiento

claro y exigente con lo poético; además de que tiene una gran habilidad para crear

lugares que expresan respeto por el lugar y el legado de la cultura local.

Ha ganado algunos premios como el Premio de la Arquitectura Contemporánea

Mies Van del Rohe en 1998, el Premio Pritzker en 2009 y la Medalla de Oro del RIBA en

2013. La mayor parte de su trabajo ha sido realización en Suiza, pero de igual forma se

1 Persona que tiene por oficio trabajar con maderas finas y constuir muebles de calidad.

Peter Zumthor, arquitecto sueco.

3

ha desarrollado en Alemania,

Austria, Holanda, Inglaterra,

España, Noruega, Finlandia y

Estados Unidos.

Y como dijo Lord Palumbo,

el presidente del Jurado del

Premio Pritzker: “Tiene una gran

habilidad para crear lugares que

son mucho más que un simple

edificio. Su arquitectura expresa

respeto por la primacía del lugar,

el legado de la cultura local y las

lecciones imposibles de valorar de la historia de la arquitectura”

En lo personal, la obra que más me interesó de Zumthor es Las Termas de Vals,

que fueron construidas en 1996. Se trata de un complejo termal que se encuentra en la

loma de una ladera del valle en Suiza, de la cual a su alrededor se puede apreciar el

paisaje de todo el valle.

Desde su interior da la idea del interior de la tierra y con espacios iluminados esto

debido a los módulos que contiene. Este complejo incluye spa, tienda, hotel, baños,

sauna y solárium entre otros servicios.

En cuanto a su forma, el proyecto está construido a través de una serie de

modulas en forma de L invertida. En la agregación de módulos se dejaron pequeños

espacios que se cubrieron con vidrio pero que dejar entrar perfectamente la luz del sol

dando una discreta luz cenital que favorece el ambiente dentro de ella.

Me parece maravillosa la idea de Zumthor, la verdad es que incorporar algunos

servicios que sirven como relajación para los clientes y ubicarlos en un valle rodeado de

una naturaleza sorprendente, hace que de una mayor función tanto estética como en lo

Las Termas de Vals ubicadas en un valle de Suiza.

4

funcional. Relacionar dos conceptos como lo dije anteriormente naturaleza-relajación es

una gran idea. Los clientes deben estar satisfechos al sentir paz y tranquilidad rodeada

de una gran pradera verde además que esto los induce a aprovechar más y más de los

recursos ya existentes.

Pero igual me pregunto ¿Cómo logró proyectar las Termas de Vals? Al menos yo

como estudiante, estoy sorprendida de su trabajo, de su uso y la relación que hace entre

la luz y la oscuridad. Provocando el ambiente adecuado de paz y tranquilidad ubicado

perfectamente en un valle. Rodeado totalmente de vida.

Y es que la fascinación por las cualidades místicas de un mundo de piedra en la

montaña, de la oscuridad y de la luz, de reflejos de luz en el agua o en el vapor saturado

del aire, el placer en la acústica única del agua que burbujea en un mundo de piedra, un

sentimiento de piedras calientes y la piel desnuda, el ritual del baño, estas nociones

guiaron el arquitecto. Su intención de trabajar con estos elementos, para ponerlas en

práctica de manera consciente y dotarlas de una forma especial estaba allí desde el

principio. Las habitaciones de piedra fueron diseñados para no competir con el cuerpo,

sino para halagar la forma humana (jóvenes o viejos) y darles espacio.

En cuanto a la situación, el complejo de Zumthor está incorporado al complejo de

un hotel ya existente, en el cantón suizo de Los Girasoles.

Y es que el concepto que utilizó para dar el

ambiente en los baños y el spa está inspirado en

una cueva o cantera, y como lo he venido

mencionando también tomando en cuenta la basta

naturaleza que se encuentra a su alrededor. La

sala de baños fue ubicada debajo de un techo de

hierba, una estructura semienterrada en la ladera,

que por ello provoca cierta oscuridad pero que

realmente da muy buen aspecto.

Baños, al interior de las termas de vals.

5

De acuerdo a la página www.wikipedia.org2 nos menciona que las combinaciones

de luz y sombras, espacios cerrados y abiertos, conjuntamente con los elementos

lineales fueron pensados para crear un ambiente en el cual los visitantes disfruten del

lujo y redescubran los beneficios de las aguas termales. El diseño informal subyacente

del espacio interior es un camino cuidadosamente modelado de circulación que conduce

a los bañistas a ciertos puntos predeterminados, para que a partir de un punto puedan

explorar por si mismos otras áreas. La perspectiva está siempre controlada, garantizando

u ocultando una vista. El edificio cuenta con 15 unidades dispuestas en una cuadrícula,

5 metros de altura y relacionadas entre sí por los techos en voladizo.

También es importante mencionar los materiales con los que se construyó tal

obra. Para levantar las paredes del spa son las delgadas lajas de cuarcita locales. Son

apiladas de tal forma que hacen alusión a la geología natural y empujan el edificio hacia

el hermoso paisaje del lugar, permitiéndole que domine la escena.

En los techos delgadas ventanas hacen referencia a las lajas de piedra, pero

también delinean la forma exterior creando una pesada sensación de cueva en su

interior. Estas estrías de

entrada de luz crean un

fuerte contraste enfatizando

la naturaleza lineal de los

materiales utilizados en la

construcción. Las largas

líneas horizontales enfatizan

el pacífico horizonte del

agua.

2 www.wikipedia.org/PeterZumthor (Peter Zumthor)

Interior de las Termas de Vals

6

CONCLUSIÓN

Las maravillosas obras de Zumthor me han dejado sin palabras. La verdad yo lo

considero como uno de los mejores arquitectos contemporáneos ya que ha logrado

innovar con cada una de sus obras. Tan solo hablando en cuanto a la estructura, las

formas, los colores e incluso cada uno de los materiales empleados.

Por supuesto que cada arquitecto tiene su propio toque y el que posee Zumthor

es sin duda algo único, y esto ¿Por qué? Pues se debe a que hace una perfecta

combinación de la luz y la oscuridad obteniendo así la luz cenital que da como la

sensación de algo de misterio pero que atrae a las personas a descubrir ese misterio que

engloba su arquitectura.

En definitiva, yo como futura arquitecta que quiero ser, deseo tomar los pasos de

este arquitecto que ha logrado mucho. En verdad me fascinan los espacios que realiza

y algún día espero ser como él, claro también tener mi propio toque.

REFERENCIAS

http://es.wikipedia.org/wiki/Peter_Zumthor. (Peter Zumthor) Revisado el 14 de

septiembre de 2014.

http://www.archdaily.mx/mx/02-317541/peter-zumthor-siete-observaciones-

personales-sobre-la-presencia-en-arquitectura (Siete observaciones personales

sobre la presencia en arquitectura de Peter Zumthor) Revisado el 14 de

septiembre de 2014.

http://www.swissinfo.ch/spa/peter-zumthor--el-arquitecto-de-las-

atm%C3%B3sferas/40509618 (Peter Zumthor el arquitecto de las atmósferas)

Revisado el 15 de septiembre de 20144.

LE CORBUSIER

U N I V E R S I D A D D E

G U A N A J U A T O

T e o r í a d e l a a r q u i t e c t u r a I

A R Q . O C T A V I O H E R N Á N D E Z

F E L I P E G A R C I A P A T I Ñ O

1 5 / 0 9 / 2 0 1 4

Le Corbusier y su

Modulor, un fracaso

contemporáneo.

1

ÍNDICE

Le Corbusier --------------------------------------------------------------------------------- pág. 2

El Modulor ------------------------------------------------------------------------------------ pág. 3

Conclusión ------------------------------------------------------------------------------------ pág. 6

Bibliografía ----------------------------------------------------------------------------------- pág. 7

Datos sobre imágenes y figuras.------------------------------------------------------- pág. 7

Advertencia:

En este breve ensayo sobre el Modulor se revisan solo los conceptos de este

enrejado de proporciones sin más a fondo como las medidas reales o exactas ni

medios para calcular proporciones mediante tablas, el objetivo real sería más

bien, dar una idea de lo que se trataba de lograr con este método.

2

Le Corbusier

Durante la década de 1930, la imagen de Le Corbusier era tan popular, por su

innovación y por su carácter, que las personas pretendían imitar su estilo físico,

desde los anteojos negros, hasta el moño en su cuello. Para los estudiantes de

arquitectura de ese tiempo, la obra de Le Corbusier era tan moderna que veían en

él un ídolo, un ídolo que se conserva hasta la actualidad. Pero, para empezar,

¿Quién era realmente Le Corbusier?

Nacido el 6 de octubre de 1887, en “Le Locle et La

Chaux-de-fonds (Neuchâtel) Suiza, hijo de Georges-

Edouard JEANNERET-GRIS y de Marie-Charlotte-Amelié

neé Jeanneret fue bautizado con el nombre de Charles-

Edouard Jeanneret-Gris. (Fig. 1)

Tras descubrir un profundo sentimiento de expresión

artística, ingresa en la escuela de arte de su ciudad natal

bajo la enseñanza del que fuera su primer ídolo; Charles

L’Eplattenier.

Los innumerables diseños de la época, de mobiliario y de

accesorios cotidianos, entre los que se encuentran los

Relojes, le bastaron para encontrar en el diseño el planteamiento de cosas

nuevas desde una muy temprana edad, entrelazados por su profundo amor por la

naturaleza como fuente de inspiración. (Fig.2)

Fue primeramente grabador y cincelador, luego se

interesó en la pintura, mente de artista, mente de

músico, mente de urbanista, pero sobre todo de

arquitecto.

A la edad de veintitrés años se le presentó una idea

que, si no revolucionó completamente el campo de la

medición en la arquitectura, abrió paso a una mejor

interpretación de la necesidad de estructuración de

espacios arquitectónicos.

Fig. 2 Reloj diseñado por L.C.

Fig. 1 Certificado de Bautismo

3

El Modulor

La belleza de este ensayo sobre la proporción humana aplicada a la arquitectura y

a la mecánica ha sido dirigida

principalmente por esa revelación que

desde joven, sumamente interesado por

la arquitectura romana así como por el

número de oro, Le Corbusier visualizó

como algo de lo cual se debería extraer

para todo, una proporción que favorezca

a las personas y que, incluso elimine

aquellas trabas que las costumbres le

han dado a la arquitectura.

Tras elaborar un croquis de una

edificación próxima a ser construida, el

joven se ha planteado una pregunta que

dio origen a los primeros bosquejos del

Modulor, a los veintitrés, su afán por

poner todo esto en claro dio origen a lo

obvio: ¿Cuál es la regla que enlaza

todas las cosas?

Le Corbusier se enfrenta ante un

problema de naturaleza meramente

geométrica. Y entonces, la manera más

apropiada de resolver esto es recurrir a

la sección áurea, a la secuencia

Fibonacci, al espiral logarítmico y a la geometría en general, porque somos nada

más que eso, matemática y geometría pura.

El problema parece ser, la medida común. Se habla principalmente del sistema de

medición que toma partes del cuerpo humano como el pie y la pulgada, pero de

una manipulación complicada, y por otro lado, la diezmillonésima parte del

cuadrante del meridiano terrestre y esto al parecer de Le Corbusier, no guarda

relación alguna con el cuerpo humano, pues ninguna parte del cuerpo mide un

metro, ni siquiera el hombre común mide uno o dos. De esa forma la arquitectura

se ha “pervertido”. Ahora esa medida ya no cumple con su principal objetivo para

la arquitectura: contener hombres.

En este tiempo la ergonomía se ha encargado de conocer mas a fondo la

mecánica en relación al cuerpo humano, para su bienestar, para su comodidad

Fig.3 Hombre-con-el-brazo-levantado que L.C. adaptó al rectángulo áureo junto con otras medidas.

4

pero sobre todo para la salud, pero son pocas personas las que se preocupan

realmente por relacionar todos los espacios con el hombre. Aun más, en territorios

mexicanos donde se le da la espalda a la utilidad, el beneficio de las personas no

existe. Esto es fácilmente comprobado al estar dentro de una casa de interés

social donde, si se intenta resolver el hábitat para las personas la tarea queda muy

lejana. Las medidas son de acomodo de cajones, no de personas. Pero para Le

Corbusier, la solución parece ser muy obvia, y esta, es muy remota para

remediarlo a pesar de que está aquí, en todas partes. El lugar del ángulo recto y la

sección aurea, además de las medidas especiales de un hombre con el brazo

levantado que creaban una medida total de entre 2.10m y 2.20m que Le Corbusier

acomodó dentro del rectángulo. (Fig.3)

Después de complicados cálculos y acomodos por doquier, quedó listo, y se podía

anunciar ahora el invento de una manera muy sencilla:

“El Modulor es un aparato de medida fundado en la estatura humana y en la matemática” Le Corbusier – “El Modulor”

Le Corbusier estaba para ese momento tan orgulloso de su invento que aseguró

que el mismo podría tener un sinfín de combinaciones apropiadas y todas ellas a

razón de matemática y cuerpo humano. La reacción que L.C. tuvo ante la idea de

redondear sus cifras para hacerlas métricas (pues se pretendía lograr que el

Modulor fuese universal) fue de defensa, él nunca pensó en redondear sus cifras

pues nuevamente ya no tendrían que ver con el cuerpo humano.

Pero las ideas de este gran maestro eran un poco absurdas para la realidad y todas ellas eran a base de ideas que surgían de un momento a otro, sin mayor ciencia que comentarios o sueños que se tenían dentro de su grupo de trabajo:

“¿No habéis observado en las novelas policíacas inglesas que los buenos tipos —un policía, por ejemplo— tienen siempre SEIS PIES de alto?"

Entonces intentamos aplicar este módulo:

6 pies = 6 X 30,48 = 182,88 cm

Y, con gran alegría por nuestra parte, la graduación de un nuevo Modulor sobre la

base de un hombre de seis pies de estatura se traducía ante nuestros ojos en pies

y pulgadas, en cifras que llenaban todos los escalones.

Le Corbusier - “El Modulor”

5

Entonces ¿cuál sería una realidad práctica?, o de alguna forma, ¿cómo es que se

podría aplicar el Modulor en la vida cotidiana, en las construcciones de hoy?

Hasta ahora se conoce poco sobre arquitectos que hayan usado este enrejado de

proporciones en sus estructuras, se puede decir que son maravillas las que fabrica

el Modulor sin embargo, los trabajos de Le Corbusier con su invento son lo que se

conocen mejor. (Fig. 4)

Puesto que estamos en un nuevo mundo en el que se necesita una mayor

solidaridad con el ser humano, se ha planteado una nueva forma de acomodo

tanto en mercados, en transporte, en urbanismo, en todo; una forma que organiza

todo de manera eficiente, practica, útil y bella.

Si nos comparamos con países en los que se emplea el uso de este tipo de construcciones ¿cuál sería la realidad? Tal vez las técnicas de construcción sean las mismas que incluso las que eran antes de Le Corbusier, (si se habla de la población en general) pero tras la llegada de genios que establezcan medidas estándar para satisfacer las necesidades del humano podremos avanzar en torno a la arquitectura, mientras tanto veremos como esas mismas medidas se siguen renovando por sí mismas de acuerdo a una

evolución propia del ser humano, de acuerdo a necesidades inmediatas, que no requieran cálculos tan complicados como los que se

necesitan en el Modulor y que se apliquen de una forma inmediata a cualquier cosa. Entonces, una mayor información sobre el tema fue la que se necesitó para poder llevar a cabo la realización universal de este sueño, así como dejar de lado la curiosa obsesión por los números de oro y fijarse más aun en datos estadísticos sólidos sobre el cuerpo humano, base de todo este tratado o ensayo, ya que la arquitectura es variadísima, el uso de proporciones de Dios o algunas otras invenciones humanas no deben ser consideradas como panaceas del diseño estructural sino más bien como algo meramente estético. A pesar de todo esto, mentes innovadoras como las de este gran genio nos hacen darnos cuenta de que si buscamos algo más lógico, es aun más complicado que la multitud lo adopte, por las costumbres o por los usos, como el mismo Le Corbusier lo admite.

Fig. 4 La unidad de vivienda de Marsella en el bulevar Michelet

6

Conclusión Las causas por las que el Modulor fue un fracaso son a mí parecer las siguientes:

- La gente tiene una gran tendencia a seguir en una inercia de modelos de construcción y difícilmente alguna persona se pararía a entender el Modulor y darle alguna promoción. - La medida del Modulor no es de cifras sino de escalas visuales, por lo tanto existen pocas medidas en comparación con el sistema métrico - A decir verdad son pocas las personas en el mundo de la arquitectura las que se atreverían a entregarse a la tarea de entender el Modulor a la perfección y así mismo usar esta medida en algo estructural, primeramente se estaría dudando mucho de la eficiencia del Modulor, y por otro lado solo se le aplicaría mas convencida mente en cosas meramente estéticas. A pesar de que el Modulor es una lectura difícil de comprender incluso para un arquitecto, bastaría no tener la mente abierta debido a nuestras costumbres, para olvidar la medida y aun más, para tener la idea de Le Corbusier como algo nostálgico, algo del pasado. Tal vez esta forma de medir de un genio nunca se aplique por lo que hay que tener en mente que ante la entrada de cualquier idea nueva se debe estar preparado con una mentalidad dispuesta a analizar más detalladamente un proceso mental ajeno.

7

BIBLIOGRAFÌA

Le Corbusier, Le Grand, editorial phaidon, Jean – Louis Cohen ISBN-13: 9780714846682 (Disponible en biblioteca)

Le Corbusier - El Modulor, ensayo sobre una medida armónica a la escala humana aplicable universalmente a la arquitectura y a la mecánica, - Le Corbusier, - Editorial Poseidón, - Traducción de Rosario Vera.

IMÁGENES Y FIGURAS Todas las imágenes han sido extraídas del libro, Le Corbusier, Le Grand. Excepto la sig. (Fig. 5):

Fig. 5 Franco Suizo con la imagen del Modulor en la parte posterior.

 

María  Esther  Monserrat  García  Nieto  Teoría  de  la  Arquitectura  I  Arq.  Octavio  Hernández  Díaz  22  de  Agosto  del  2014-‐08-‐19  Facultad  de  Arquitectura  

Otto  Wagner  

  2  

Otto Wagner (Austria, 1841-1918)

Introducción.  

 

Otto Wagner fue un reconocido arquitecto y diseñador austriaco.

Máximo exponente del movimiento moderno y de la Sezession1 vienesa.

Creció dentro de la alta sociedad en Viena, estudió en la Universidad Politécnica

de Viena y en la Bauakademie de Berlín, herencia de Karl Friedrich Schinkel2.

Realizó importantes encargos de estilo historicista3,

como los decorados para las bodas de plata del

Emperador Francisco José I (1879), la Villa Hütteldorf

(1886) y su propia casa en Viena (1888).

Aunque éstos, fueron encargos con gran éxito, su

verdadera influencia comenzó hasta 1894, cuando

ocupó el puesto de director de arquitectura en la

Academia de Bellas Artes de Viena y pidió una

renovación estilística, que en 1897 le dio origen a

Sezession.

“La arquitectura debe dejar de imitar estilos del pasado. Debe convertirse en un

verdadero reflejo de nuestros tiempos, expresando simplicidad, una naturaleza

funcional, e incluso la precisión militar de nuestra vida moderna.”

Otto Wagner.                                                                                                                1La Secesión vienesa formó parte del muy variado movimiento actualmente denominado modernismo. Fue fundada en 1897 por un grupo de 19 artistas vieneses que había abandonado la Asociación.   2 Karl Friedrich Schinkel fue un arquitecto y pintor alemán. Schinkel fue el más destacado arquitecto del neoclasicismo en Alemania, siendo uno de los artífices de la ciudad de Berlín en su periodo prusiano. 3 El historicismo se desarrolló principalmente en el siglo XIX e inicios del XX, se basaba en la recuperación de la arquitectura de épocas anteriores.

Edificio de la Sezession de Viena

  3  

Nueva influencia de la Sezession de en sus obras.

CAJA POSTAL DE VIENA(1903-06) Es el claro ejemplo del

tránsito de la arquitectura modernista (Art Noveau o Judendstil) a

la arquitectura moderna. Funcionalismo, flexibilidad, generosa

iluminación, economía, tecnología y austeridad en la

ornamentación son el inicio de las características de este estilo.

ANTECEDENTES

La Caja Postal abrió en 1880. El propósito era ser el

banco para los pequeños ahorristas. Con el cambio

de siglo, se organizó un concurso para un nuevo

edificio que transmitiera el progreso a sus clientes y a

toda la sociedad. El proyecto de Wagner fue elegido

entre otros 37, más conservadores. El edificio

enfrenta una pequeña plaza, la cual enmarca su fachada principal, ya que fue

diseñada con precisas proporciones.

COMPOSICIÓN

Aunque su estilo es diferente al resto de edificios que lo

rodean, Wagner respetó algunas características del

entorno, como volumetría, color y ritmo de vanos.

Es muy simétrico, tiene 8 niveles y 5 pozos de luz natural

que iluminan el interior. La fachada está coronada con

esculturas, muy simples si se compara con otras estatuas

cercanas. Hay clavijas metálicas recubiertas de aluminio

(17,000 en total), que según unen las losas de piedra a las paredes de ladrillo y

representan la arquitectura industrial, pero hay quienes dicen que es como una

Caja Postal de Viena de 1880

Esculturas que coronan la fachada

  4  

caja fuerte. Sin embargo, se trata de un ardid4 decorativo, pues las planchas

fueron unidas con mortero.

Una sencilla marquesina5 de metal y vidrio, sostenida por

finas columnas de hierro recubiertas de aluminio, marca el

acceso principal. Después hay un atrio de escaleras que

conduce al gran patio central, el espacio público más

cautivante de todo el edificio. Es un patio de 550m2 con

una cobertura de metal y vidrio. La nave principal es más

alta que las dos laterales, al estilo de una iglesia paleocristiana6.

CASA DE DEPARTAMENTOS MAJOLIKAHAUS (1898, Viena)

Es uno de los primeros experimentos wagnerianos en estilo Art Noveau.

El edificio combina comercio en el primer

nivel y departamentos en los pisos

superiores.

La composición volumétrica (basada en tres

zonas: base, cuerpo y corona), simetría y

proporciones de estos departamentos

mantienen ciertos recuerdos Neo-

Renacentistas de sus primeros trabajos.

Su mayor atractivo reside en las imágenes

florales que adornan su fachada, logrados

sobre la base de mayólicas 7 (de ahí su

nombre), principalmente en tonos rojos y

verdes.

                                                                                                               4  Acción hábil con que se pretende engañar a alguien o conseguir algo. 5  cubierta (normalmente de vidrio) frente a una puerta, un porche o una ventana, que sirve como un refugio de la lluvia, viento o sol. 6  Se denomina arte paleocristiano al estilo de arte que se desarrolla durante los seis primeros siglos de nuestra era, desde la aparición del cristianismo, durante la dominación romana, hasta la invasión de los pueblos bárbaros  7  Loza común con esmalte metálico.  

Patio principal

(A la derecha) Fachada de la Majolikahaus

  5  

El trabajo en mayólica va incrementándose la complejidad conforme va ganando

altura. Adicionalmente incluye balcones y otros ornamentos de hierro.

ESTACIONES FERROVIARIAS DE VIENA “STADBAHN”. Entre 1894 y 1901 Wagner recibió el encargo de construir el metro de Viena, lo

cual le dio una nueva visión sobre el futuro, la tecnología y la arquitectura.

De las estaciones ferroviarias, la más popular es Karlsplatz Stadtbahn

Station (1899).

Esta pequeña estación se está a un lado de la Plaza Carlos. Su figura y color

llaman la atención.

El edificio mantiene ciertos elementos historicistas, pero innova con

reminiscencias industriales. Está hecho de una armadura de hierro recubierta con

planchas de mármol.

La estación se salvó de ser demolida en 1981 gracias al reclamo popular. Hoy es

el ingreso al museo de Viena y un agradable café.

  6  

Conclusiones:

El trabajo de Wagner hizo que el nuevo siglo se viera como una época de

renovación para la gente de Austria y el resto del mundo con características más

flexibles, funcionalistas y económicas. Wagner fue esencial para lograr un

movimiento moderno que también reflejara cómo la sociedad Austria se fortaleció

y siguió con su desarrollo a pesar de haber tenido muchos conflictos en su

territorio y pasado por varias crisis económicas.  

  7  

Fuentes:

Moleskinearquitectonico.blogspot.mx

http://www.wien.info/es/sightseeing/sights/art-nouveau/secession

http://www.arqhys.com/contenidos/arquitectura-historicista-construccion.html

https://www.youtube.com/watch?v=Q509n1uW7js

http://www.epdlp.com/arquitecto.php?id=3271

FRANK GEHRY

TLALOC LEONEL GONZALEZ GUTIERREZ.

100C

18 de septiembre de 2014

INTRODUCCION:

En este trabajo se va a desarrollar la obra de Frank Gehry en la arquitectura, para

conocer más sobre sus obras tan creativas y retorcidas que tienen un gran

impacto visual y a la hora de analizarlas rompe con el contexto del lugar pero se

ve muy bien sus obras arquitectónicas y aunque estén muy raras las obras

cumplen con la función encomendada.

Cambian los tiempos, cambian los lugares en los que uno construye, cambian los

clientes, y lo más lógico es que los nuevos edificios sean distintos de los

anteriores. Hay muchas razones para no repetirse. De modo que la innovación me

parece algo natural.

Nació con el nombre de Frank Owen Goldberg en Toronto, Canadá. En 1947 se

trasladó con sus padres a la ciudad de Los Ángeles y en 1954 se graduó en

arquitectura en la Universidad del Sur de California (USC),

En 1961, ya casado y con dos hijas, Gehry se trasladó con su familia a París,

donde trabajó en el estudio de André Rémonder. La educación francófona que

había recibido en Canadá le fue de gran ayuda para desenvolverse en París.

Permaneció un año, durante el cual estudió las obras de Le Corbusier y otros

arquitectos franceses y europeos, así como las iglesias románicas existentes en

Francia.

Cuando regresó a Los Ángeles, Gehry abrió su propio despacho de Arquitectura.

En los años siguientes fue desarrollando su estilo arquitectónico personal y

ganando reconocimiento nacional e internacional. Su arquitectura es impactante,

realizada frecuentemente con materiales inacabados. En un mismo edificio

incorpora varias formas geométricas simples, que crean una corriente visual entre

ellas. Sus diseños no son fáciles de valorar para el observador inexperto, ya que

una buena parte de la calidad de diseño se encuentra en el juego de volúmenes y

en los materiales empleados en las fachadas, preferentemente el metal, en todo lo

cual sólo el entendido reconoce enteramente la armonía y el diseño estructural.

Boceto del museo Guggenheim Bilbao

Frank Gehry está considerado como uno de los arquitectos más importantes e

influyentes del mundo, y es internacionalmente célebre por su arquitectura

personal, que incorpora nuevas formas y materiales y es especialmente sensible

con su entorno. El Museo Guggenheim Bilbao es una de sus obras más

conocidas.

El Museo Guggenheim Bilbao es obra del arquitecto estadounidense Frank Gehry

y representa un magnífico ejemplo de la arquitectura más vanguardista del siglo

XX. Con 24.000 m2 de superficie, de los que 11.000 están destinados a espacio

expositivo, el edificio representa un hito arquitectónico por su audaz configuración

y su diseño innovador, conformando un seductor telón de fondo para el arte que

en él se exhibe.

En conjunto, el diseño de Gehry crea una estructura escultórica y espectacular

perfectamente integrada en la trama urbana de Bilbao y su entorno.1

1 http://www.guggenheim-bilbao.es/el-edificio/

Gehry es uno de los arquitectos contemporáneos que considera que la

Arquitectura es un arte, en el sentido de que una vez terminado un edificio, éste

debe ser una obra de arte, como si fuese una escultura. Para acercarse cada vez

más a este ideal, Gehry ha ido trabajando en sus sucesivos proyectos en esta

dirección, sin abandonar otros aspectos primordiales de la arquitectura, como la

funcionalidad del edificio o la integración de éste en el entorno.2

La obra de Frank O. Gehry es retadora por su belleza y el simbolismo de sus

formas. Estilo arquitectónico gran parte de la obra de Frank Owen Gehry se

inscribe en el estilo de deconstructivismo3. También conocido como Decon

Arquitectura, se lo considera post-estructuralista por su capacidad de ir más allá

de las actuales modalidades de definición estructural. Si bien la arquitectura “libre”

de Gehry es considerada una genialidad por muchos otros arquitectos y

diseñadores, como en todo tipo de obra controversial, tiene sus detractores.

2 http://es.wikipedia.org/wiki/Frank_Gehry 3 El deconstructivismo es un estilo arquitectónico que se caracteriza por la fragmentación, el proceso de

diseño no lineal, la manipulación de la superficie de las estructuras y una geometría no euclidea que distorsiona y disloca algunos principios arquitectónicos; porque, una estructura deconstructivista tiende a ser impredecible.

Walt Disney Concert Hall.

Conclusión:

Las obras de Frank Gehry recae en las formas geométricas que poseen, es decir,

las obras de Gehry no son completamente perfectas, siempre tienen muros que

sobresalen, que entran, líneas que doblan, intersecciones puras; una infinidad de

detalles que en realidad hacen sus obras muy particulares. Frank Gehry en una

entrevista confesó que mientras el diseña algún proyecto, no sabe que material va

a utilizar; el material lo pensaba después de diseñar el proyecto. La utilización de

los metales mediante ondulaciones, acabados, planchas en fachadas serán

elementos identificativos de su arquitectura. Se puede decir que el estilo particular

de Frank es uno de los factores que más lo distinguen y por lo que se lo reconoce

y diferencia a la vez.

Bibliografía:

http://es.wikipedia.org/wiki/Frank_Gehry

http://es.slideshare.net/nievesiita/frank-gehry-sus-obras

http://es.gizmodo.com/frank-gehry-es-aun-el-peor-arquitecto-vivo-del-mundo-

1523438720

http://www.jmhdezhdez.com/2013/06/frases-frank-gehry-phrases-quotes.html

http://www.guggenheim-bilbao.es/el-edificio/

http://www.arquimaster.com.ar/galeria/obradest16.htm

Mies van der Rohe : fue un arquitecto y diseñador industrial. Dirigió la escuela Bauhaus entre 1930 y 1933,

año en que fue cerrada. Página 1

Philip Johnson Ana Claudia Guzmán Rodríguez

Prof. Octavio Hernández Díaz

Teoría de la Arquitectura

10/Septiembre/2014

100 “C”

Mies van der Rohe : fue un arquitecto y diseñador industrial. Dirigió la escuela Bauhaus entre 1930 y 1933,

año en que fue cerrada. Página 2

Introducción

Philip Cortelyou Johnson nació en Cleveland, Ohio el 8

de julio de 1906 y murió el 25 de enero de 2005 en New

Canaan, Estados Unidos.

Estudió Filología en 1923-1930 en la Universidad de

Harvard (Cambridge, Massachusetts). Al terminar sus

estudios de Filología, Philip aceptó ser el director del

departamento de Arquitectura del Museo de Arte

Moderno de Nueva York, que se creó en 1930. En 1936

Philip abandonó el cargo de director para regresar a

Harvard a estudiar Arquitectura de 1940-1943 y

posteriormente en 1946 regresa al cargo de director del departamento de

Arquitectura del Museo de Arte Moderno de Nueva York hasta 1954.

A la edad de 36 años ya concentrado en la arquitectura, diseñó su primer edificio.

A partir de entonces empezó su trayectoria como arquitecto. En 1967 se unió a

John Burgee, con el que estuvo asociado durante 20 años, en ese tiempo ambos

arquitectos realizaron muchos proyectos.

Una característica particular era que Johnson estaba interesado en la exposición

estética de los elementos estructurales, es decir que destacaba los elementos

estructurales dejándolos aparentes. Él ha sido distinguido

por el Instituto Americano de Arquitectos con la medalla de

Oro. En 1979, Philip Johnson fue el primer arquitecto en

recibir el Premio Pritzker de Arquitectura. Fue el padre de

dos términos de la arquitectura en el siglo XX: el Estilo

Internacional y el Deconstructivismo y padrino de la

Arquitectura Posmoderna de los años 80. Se basaba en

corrientes deconstructivas y en formas geométricas puras y

simples.

Penzoil Place 1976

Houston-EE UU

Mies van der Rohe : fue un arquitecto y diseñador industrial. Dirigió la escuela Bauhaus entre 1930 y 1933,

año en que fue cerrada. Página 3

Casa de Cristal de día

Casa de Cristal

La Casa de cristal es uno de los proyectos

más importantes realizados por Philip

Johnson, pues con esta obra comenzó su

gran carrera de arquitecto y como promotor

de los discursos arquitectónicos que han

marcado de manera significativa el

entendimiento de la arquitectura.

Philip Johnson, en un principio era discípulo del arquitecto alemán Mies van der Rohe y después comenzó a trabajar en 1949 en el proyecto de su propia casa en

New Canaan, Connecticut, EUA. Está ubicada en un terreno de veinte hectáreas y

mide 9,75 m x 19,07 m. Todos los espacios de la casa, subdivididos por paneles

de vidrio y combinados con una fina estructura de fierro, muestran complejidad por

su geometría, proporción, estructura, transparencia y reflexión.

Concepto

La Casa de Cristal sigue uno de los principios arquitectónicos más importantes

propuestos por Mies van der Rohe: “Less is more”, y ahí en la casa son

mínimos los materiales aplicados.

El concepto básico de La casa de Cristal fue

tomado de la Casa Farnsworth de Mies van der

Rohe, habiendo diferencias entre las mismas

como la simetría y el asiento firme sobre la

tierra. El espacio interior está dividido por

gabinetes bajos y un cilindro de ladrillo que

contiene el cuarto de baño. Mucho del

mobiliario Bauhaus de Johnson permanece en la casa.

Casa Farnsworth-Mies van der Rohe

Mies van der Rohe : fue un arquitecto y diseñador industrial. Dirigió la escuela Bauhaus entre 1930 y 1933,

año en que fue cerrada. Página 4

Simbolismo

La Casa de cristal marcó un punto importante

en la búsqueda de la transparencia y la

flexibilidad de la modernidad europea, que sin

dudas representa el extremo de la

desmaterialización de la arquitectura.

Descripción

La casa lleva la propuesta del prisma rodeado totalmente de vidrio a su síntesis

extrema resolviendo los distintos ambientes y funciones de la vivienda como

distintos sectores de equipamiento dentro de un único espacio, solo ritmado por la

presencia del volumen del hogar y el cubículo en forma de medialuna del baño.

Materiales

La planta del edificio parte de un cubo cuyo contorno se forma

solo gracias al trabajo de herrería de acero pintado de negro.

El acero negro de los marcos y el cilindro de tabique rojo que

contiene la chimenea y el baño, definen el volumen de esta obra

y anclan la composición al piso, lo que provoca que el edificio se

erija casi de manera natural sobre el terreno, lo cual lo distingue

de los diseños de Mies van der Rohe, que generalmente “flotan”

en el espacio.

Debido al techo opaco y a las paredes transparentes de la Casa

de cristal, los visitantes tienen la sensación de estar

definitivamente debajo de un techo, pero nunca de encontrarse

dentro de un edificio. La transparencia del material permite que el

paisaje sea prácticamente el elemento que construye la imagen interior de la casa.

Casa de Cristal de noche

Casa de Cristal Interior

Mies van der Rohe : fue un arquitecto y diseñador industrial. Dirigió la escuela Bauhaus entre 1930 y 1933,

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Obras de Philip Johnson

Water Gardens 1974- 68 años Fort Worth, EEUU

Es un gigantesco laberinto pentagonal de paredes rojizas, que

el agua recorre cayendo de peldaño en peldaño hacia la

alberca central. Es una obra maravillosa, pues desprende

mucha frescura y es un lugar muy estético, además es un lugar

en donde puedes relajarte y descansar la mente.

Puerta de Europa 1998- 92 años Madrid, España

Son dos torres inclinadas la una hacia la otra, 15°

respecto a la vertical, con una altura de 114 m y 26

plantas. La Puerta de Europa son las segundas torres

gemelas más altas de España. Las puertas pasaron a

ser elementos conmemorativos y éstas, representan la

puerta de Europa.

Catedral de Cristal 1980- 74 años Garden Grove, EEUU

El edificio del santuario, fue construido con 10.000 paneles

rectangulares de vidrio. Una de las misiones de la iglesia

era "encontrar una necesidad y llenarla, encontrar una

herida y sanarla.” Es una obra increíblemente grande,

además con un fin de ayudar a mucha gente.

Mies van der Rohe : fue un arquitecto y diseñador industrial. Dirigió la escuela Bauhaus entre 1930 y 1933,

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Conclusión

La Casa de Cristal, la obra transparente de Johnson, es una obra llena de vida,

pues a través de la luz y las sombras se crean características únicas en cada

espacio. Cada persona que aprecie esta obra arquitectónica tendrá una

percepción única de los espacios. Johnson fue uno de los últimos arquitectos

modernos y una figura importante en el mundo de la arquitectura. Su legado,

aportaciones y obras son la huella y herencia que nos dejó. El demostró que se

puede ir un paso adelante y junto con otros arquitectos nos dan las bases para

seguir lo que ellos comenzaron.

“I hate vacations. If you can build buildings, why sit on the beach?”

“Architecture is the art of how to waste space.”

Philip Johnson

Dato: Johnson era gay, ha sido llamado "el más conocido arquitecto gay de

América". Salió del armario en 1993. Fue sobrevivido por su pareja de 45 años,

David Whitney que murió ese mismo año a la edad de 66 años.

Bibliografía

http://es.wikipedia.org/wiki/Philip_Johnson

http://www.biografiasyvidas.com/biografia/j/johnson_philip.htm

http://www.ecured.cu/index.php/Philip_Johnson

http://www.epdlp.com/arquitecto.php?id=77

*http://www.uimunicipalistas.org/redes/redurbanismo/?page_id=344

http://prezi.com/bpfq2h6nui0l/vida-y-obra-de-philip-johnson/

http://www.galenusrevista.com/Arquitectura-transparente-Philip.html

Universidad de Guanajuato

División de Arquitectura, Arte y Diseño

Departamento de Arquitectura

Teoría de la Arquitectura

Arq. Octavio Hernández Díaz

Título: “Teodoro González de León”

Gustavo Hurtado Alvarez

1° “C”

Viernes 19 de Septiembre del 2014

“La arquitectura, prosigue, no se aprende a la primera, igual que la pintura;

es a través de reiteradas visitas como se empieza a entender, hay que ver a la

arquitectura reiteradamente”

Mediante este trabajo les daré a conocer algunos de los rasgos más

importantes, así como las obras más reconocidas y logros sobresalientes del

Arquitecto Teodoro González de León, quien es para la arquitectura

contemporánea mexicana, el creador de nuevas propuestas arquitectónicas, es

decir, testigo y hacedor de la nueva urbe mexicana.

Nació en la Ciudad de México en 1926. De 1942 a 1947 realizó sus

estudios de arquitectura en la Escuela Nacional de Arquitectura, donde obtuvo

mención honorífica en su tesis profesional.

Mientras estudiaba participó en el proyecto de la Ciudad Universitaria. El

Gobierno de Francia le otorgó una beca, país donde trabajó en el taller de Le

Corbusier. Su talento y dedicación han sido recompensados con premios y

reconocimientos que ha recibido en México y el extranjero, entre los que

sobresalen: el Premio Nacional de Artes 1982, el Gran Premio de la Bienal de

Sofía, Bulgaria de 1988 y el Premio de la Bienal de Buenos Aires, Argentina, de

1991.

En su brillante trayectoria, el arquitecto González de León se ha dedicado,

además, a los ensamblajes de volúmenes de diversas dimensiones, lo que lo

mantiene ocupado actualmente. Considera que su paso por esta tarea no ha sido

fácil, pues es necesario tener millones de diseños creativos y que cada uno tenga

una característica distinta a todos sus demás proyectos; no le gusta copiarse a sí

mismo, pues afirma que eso es lo más fácil en lo que uno puede caer, pero a la

vez lo más triste ya que conformaría una arquitectura monótona y sin alma propia.

Tomando en cuenta uno de los elementos fundamentales de la arquitectura:

la luz, opina que ésta es todo. González de León dice que se necesita toda una

vida para aprender a usarla, no sólo la natural, sino también la artificial, porque es

muy difícil manejarla: –“La arquitectura es luz, son formas bajo la luz-“, afirma. Una

arquitectura que carece de luz se vuelve sombría y sobria sin importar su tamaño

o apariencia, pues la luz hace vibrar todas sus formas y dimensiones.

En cuanto al color, dice que prefiere verlo en los materiales, porque los de

la arquitectura lo tienen: el concreto, la madera y los aceros. Para el arquitecto

González de León, ese es el color de la arquitectura. En este sentido, afirma que

no le gusta la pintura en la arquitectura.

Al experimentar la arquitectura de Teodoro González de León, podemos

identificar dos corrientes (clásica y contemporánea) las cuales existen en

diferentes grados en sus proyectos, no se elimina uno para dar cabida a otro, sino

que los dos interactúan para el diseño y generación del espacio habitable.

La arquitectura clásica no es realmente expresiva, se limita a “construir una

realidad”, no a representarla. Nos ofrece percepciones espaciales e imágenes que

pueden inferirse de su estructura, pero no están en la misma, es decir, no

construye algún contacto con la realidad, sino un objeto estético; tiene que ver con

los misterios físicos y matemáticos, con la naturaleza y su geometría, la cual se

relaciona espacialmente con la mente y las ideas.

La arquitectura contemporánea es distinta ya que tiene un carácter

expresivo; hace mayor énfasis en un concepto o idea. Hablar de expresión en una

obra arquitectónica es un tema difícil, sin embargo es un aspecto que ha

permanecido latente en un buen número de prácticas contemporáneas, como el

caso de la obra de Teodoro González, quien ha perseverado en su necesidad de

trabajar con la expresión del objeto construido y con su resonancia espacial.

La expresión está en relación con el sentido, y la arquitectura es quien se

encarga de producirlo. Estas nociones son importantes en el análisis con el que se

determina un proyecto pues siempre existe lo material, lo expresivo y lo

imaginario. Una de las principales tareas de la arquitectura es crear sentido, se

crea sentido a partir de cosas significantes y no significantes.

Como la nueva generación de arquitectos debemos intentar no ser una

mera articulación de reglas preestablecidas en cuanto a creación de arquitectura

sino más bien reinventarlas.

La arquitectura es arte, es creación, y al meternos en eso que se llama

creatividad, nos metemos en los misterios de la mente humana que nadie logrado

penetrar.

Palacio Legislativo

Torres Arcos Bosques

Embajada de México en Berlin (izquierda) y Auditorio Nacional (derecha) con colaboración del Arq. Abraham Zabludovsky

Luis Ramiro Barragán Morfín (1902-1988)

José Luis Echeverría Cabrera

Luis Ramiro Barragán Morfín, una persona con gran calidad humana y con un

fascinante sentido de la arquitectura, nació en Guadalajara, Jalisco, México, el 9

de marzo de 1902, murió el 22 de noviembre de 1988 en México, D.F. a los 86

años de edad. Fue uno de los arquitectos más importantes del siglo XX y único de

su nacionalidad en obtener el Premio Pritzker en 1980.

Vivió en lo rural, en la de hacienda de corrales, graduado en Ingeniería Civil pero,

siempre le apasionó la arquitectura, tal interés por la arquitectura, según afirmaba

él mismo, había nacido fundamentalmente de la influencia del arquitecto Agustín

Basave, uno de sus maestros.

Su padre le obsequió un viaje a Europa al finalizar su carrera; Regresando a

México, interpretó la arquitectura que conoció en Europa, sobretodo la

mediterránea, se dedicó a diseñar casas, hasta que le llegó la oportunidad de

remodelar algunas, como la hoy conocida Casa Clavigero, que perteneció al

abogado Emilio Robles León, que quedó maravillado pues Barragán diseño el

interior, algunos muebles, barandales e incluso jardines internos; el abogado le

encargo nuevas remodelaciones, y así se hizo de reconocimiento en la ciudad.

Casa Clavigero

Marcó ciertos contrastes en los elementos, con espacios discretos, sobrios y

reconfortantes, predominando en sus interiores la mayor profusión de luz y color.

Muestra a la arquitectura como una solución para el bienestar de las personas.

En 1931 Barragán viajo a Paris, donde se encuentra con Charles Edouard

Jeanneret Gris, más conocido como Le Corbusier, creador de varios edificios; El

Cual Fue influencia directa en las obras de Barragán.

Barragán creyó en la belleza y

potencial de un lugar inhóspito

cubierto de lava, por tal motivo,

en 1944 compra el Pedregal de

San Ángel, en donde el tezontle,

que abundaba en el suelo de la

zona, serviría como principal

material estético.

Barragán iba en contra de la

moda nacionalista que invadía al

país, pues el buscaba la manera

de mostrar vanguardia y

abstracción con sus obras,

El pedregal de San Ángel expresar modernismo y respeto a

………………………………………………………...las formas de la naturaleza.

En 1948 concluye la

construcción de su casa en

Tacubaya, la conocemos hoy

como casa-taller Luis

Barragán.

Casa de Luis Barragán

Fue su obra más significativa y el mayor ejemplo de arquitectura emocional

(término que él mismo denominaba a su obra), un hogar confortable, habitable,

sencillo, supo ordenar todos los elementos perfectamente en su lugar, cálido, una

iluminación sensiblemente dinámica, armonioso con su entorno.

Su manejo de la luz indirecta

muy bien calculada propicio

espacios llenos de emociones.

En 2004 la UNESCO declara la

construcción como patrimonio de

la humanidad, reconoce que

representa una de las obras

arquitectónicas contemporáneas

de mayor trascendencia en el

contexto internacional.

Casa de Luis Barragán

Casa de Luis Barragán

En mi opinión, sus obras son arte

formada por emociones,

sentimientos y sensaciones, las

cuales podemos apreciar en

cualquiera de éstas, principalmente

en su casa, busca siempre el

vanguardismo, ver las cosas desde

otro punto de vista, buscar siempre

como fin último la habitabilidad, es

una obra maestra dentro del

desarrollo del movimiento moderno,

que hace un conjunto de elementos

tradicionales y corrientes artísticas

de todos los tiempos.

Casa de Luis Barragán

FUENTES http://www.casaluisbarragan.org/ http://www.youtube.com/watch?v=BOPy5BnHluE http://es.wikipedia.org/wiki/Casa_Luis_Barrag%C3%A1n http://moleskinearquitectonico.blogspot.mx/2008/12/la-casa-estudio-de-luis-barragn.html http://www.youtube.com/watch?v=FbK3WqsqHT8

10-9-2014

UNIVERSDAD DE GUANAJUATO Mitzi Mabel Pérez Gutiérrez

ARQUITECTURA JUAN

O´GORMAN

INTRODUCCION

Hablare acerca del ARQUITECTO JUAN O´GORMAN, que innovó en México con

el hecho de traer una nueva forma de proyectar, con el argumento de “construir

con la minoría de trabajo y disminución de costos”, influido por las ideas que en

ese tiempo tenía Le Corbusier.

De las pocas obras que realizo porque su prioridad era el pintar y expresarse

muralmente, fueron :

La casa O’Gorman, muy criticada en la época los materiales que utilizo, y

actualmente criticada por la falta de materiales y calidad de ellos.

Casa-Estudio Diego Rivera y Frida Kahlo que es como una fábrica con iluminación

propio, realmente la construcción identificaba a los pintores, cada una adecuada

para las necesidades pictóricas que requerían

JUAN O´GORMAN

Procedente de dos culturas, del frio y estricto de su padre, británico y de la

apasionada sangre mexicana de parte de su madre. Desde pequeño mostro

aptitudes excelentes para el dibujo y la pintura.

Su padre Cecil Crawford O´Gorman, se sentía orgulloso de su hijo, que le

sucediera en sus actividades como arquitecto, poniéndolo en contacto con los

creadores plásticos que formaban parte de sus amistades, pero esto no tuvo

mucha influencia en los pasos de Juan O´Gorman en el mundo artístico.

Se inscribió a la Facultad de Arquitectura de la Universidad Nacional Autónoma de

México sin repetir ningún periodo, al graduarse sintió que necesitaba más por

saber y se metió a la carrera de

ingenierías como complemento, a pesar

de esto él no dejaba la pintura, pero

ahora la utilizaba para des estresarse y

relajarse, poco a poco la arquitectura

fue metiéndose más a su cuerpo hasta

convertirse en lo único que le llenaba,

pero realizo pocas obras y muchas

pinturas.

Es necesaria la trayectoria profesional, la importante contribución de la

arquitectura mexicana contemporánea, desempeño un papel pionero1, muy

influido por las teorías del funcionalismo2 y de la arquitectura orgánica3, construyo

escuelas y casa-habitación, como la del muralista Diego Rivera.

1 (WordReference.com, 2014) Persona que da los primeros pasos en alguna actividad humana

2 (WordPress, 2008-2014): ciencias y ramas del arte para nombrar a la corriente que anuncia la

preponderancia de los componentes formales y utilitarios. 3 (altonivel.com): busca crear construcciones que no invadan la naturaleza, sino que sean una proyección de

ésta

Casa estudio Diego Rivera, 1931 San ÁngeL, Ciudad de mexico.

Represento el

desarrollo

histórico de la

cultura nacional

al diseñas los

muros exteriores,

de multicolores

piedras en la

Biblioteca Central

de la Ciudad

Universitaria.

Gran

administrador de los arquitectos funcionalistas europeos especialmente de Walter

Gropius, porta estandarte de la célebre Bauhaus de Le Corbusier, concibió la

arquitectura y el urbanismo como una adaptación a las exigencias sociales,

económicas y técnicas del siglo XX.

Empleo elementos como el cemento armado, los exteriores asimétricos y una

constante búsqueda de aire y luz.

Entre sus pocas y criticadas obras están, estas dos que son muy buenas para

comentar, empezamos con:

Casa Cecil O’ Gorman en San Ángel (transformada)

fue la primer casa

funcional en mexico

(1929) y en america

latina. A los 24 años

de edad de o´gorman

realizo este proyecto,

todavia sin titulo de arquitecto, un estilo “cuyo principio es lograr el maximo de

eficiencia con el minimo de recursos y esfuerzo”4, se dice que en este proceso

aplico mas ingenieria que arquitectura .

La casa fue planeada con tres recámaras, dos baños, estancia, cocina, cuarto de

servicio con baño, garaje y terraza cubierta en la planta baja. “En el diseño original

había una escalera volada que daba acceso a un estudio en la planta alta, pero

fue destruida antes de los años 60”5,y remodelada por el arquitecto Victor

Jimenez, que le hizo: la recimentación con acero y concreto, la sustitución de 4

muros de tabique por muros de concreto y acero, 11 castillos y 3 pilares.

Para una buena ventilación y un clima templado, O'Gorman decidió que las

ventanas se orientaran al sur y al este.

Las instalaciones, tanto la eléctrica como la sanitaria, estaban aparentes. Las

losas de concreto, sin enyesado. Solamente los muros de barro, block y de

tabique estaban aplanados. Los tinacos eran visibles sobre la azotea. No había

pretiles en la azotea y toda la construcción se hizo con el mínimo posible de

trabajo y gastos de dinero.

4 (obrasweb, 2013)

5 (obrasweb, 2013)

CASA CECIL O´GORMAN

CASA ESTIDIO DE DIEGO RIVERA Y FRIDA KAHLO

Causo una gran

polémica en la

década de los 30, al

combinar la

arquitectura orgánica

y el muralismo

arquitectónico con el

funcionalismo, al ser

Juan O ‘Gorman uno

de los mejores amigos de diego rivera le vendió una de las parcelas que el

consiguió, con la condición de que él fue el diseñador de su casa especialmente

para él y su esposa.

“Tomando las ideas fundamentales de Le Corbusier sobre la máquina de vivir y

sus 5 puntos propuestos, y recapacitando sobre las condiciones vividas en

México, resolvió los problemas de vivienda con el mínimo coste.

Creó así una casa conformada por dos bloques de concreto liso, independientes

uno del otro y comunicados por un puente angosto que une las azoteas. Un

bloque es rojo y representa a Diego. El otro es azul, representando a Frida. El

puente que los une es el lazo de pasión entre ellos. También cumple con los 5

puntos de Le Corbusier antes mencionados, con la casa sobre pilotes, plantas

libres, fachadas libres, terraza jardín y ventanas alargadas. La obra muestra su

esqueleto de acero, tuberías, escaleras y sus materiales económicos. A su vez, es

una casa mexicana con sus colores fuertes, texturas de pisos y su cerco de

cactus.

PLANO CASA ESTUDIO DIEGO RIVERA Y FRIDA KAHLO

Es una fábrica, una

máquina de vivir, la

máquina de arte donde

Frida y Diego producían

un mundo estético nutrido

de México, su historia, su

gente, sus problemas y

sus sueños.”6 La obra está

concebida como una

fábrica de luz. Las

aberturas ubicadas hacia

el norte captan la luz

difusa que permite una

iluminación uniforme y no

altera los colores sobre la pintura. Un muro de cactus rodea la construcción y la

relaciona con el entorno.

CONCLUSIÓN

O´Gorman gran arquitecto que innovo completamente a México con el estilo que

fue metiendo al entorno, criticado sí, pero creando una gran polémica de

aceptación de las nuevas formas, técnicas y sobre todo materiales que se

empezaban a implementar, creo que su desempeño como pintor tuvo que ver

demasiado en la forma de proyectar como arquitecto, ya que la forma de no

detenerse a expresar lo que sentía era lo mejor que me gusta de ´Gorman, no le

importaba si la gente lo juzgaba por hacer esto, o lo otro simplemente lo hacía y

sorprendía, como era que orientaba para la iluminación de las construcciones y la

apariencia que manifestaba que completamente distinta a lo que era realmente era

funcional sin necesidad de ocultar las instalaciones o los metodoss.

6 (wikiarquitectura, 2013)

Casa estudio Diego Rivera, 1931

BIBLIOGRAFA:

http://www.biografiasyvidas.com/biografia/o/o_gorman.htm

http://www.arquitectronica.com.mx/arquitectos-reconocidos/juan-ogorman-inicio-del-

funcionalismo-mexicano.html

http://es.wikipedia.org/wiki/Museo_Casa_Estudio_Diego_Rivera_y_Frida_Kahlo

JØRN UTZON

Alumna: Martínez Balderas Karen Amayraní.

Profesor: Arq. Octavio Hernández Díaz.

Teoría de la Arquitectura.

A 19 de Septiembre del 2014

pág. 1

1

Introducción.

Jørn Utzon ha sido reconocido mundialmente por ser el creador del proyecto The

Sidney Opera House ubicado en la ciudad de Sídney, estado de Nueva Gales del

Sur, Australia, es uno de los edificios más famosos y distintivos del siglo XX.

En el año 1992 recibió el Premio de la Fundación Wolf de las Artes. En marzo

de 2003 Utzon fue investido doctor honoris causa por la Universidad de Sídney en

reconocimiento por su proyecto del edificio de la ópera. Utzon se encontraba

enfermo y no pudo viajar a Australia con tal motivo, de manera que lo representó su

hijo en el acto de investidura. No podrá estar presente en las celebraciones del 30

aniversario del edificio, para el cual Utzon estuvo rediseñando algunos espacios,

como el vestíbulo principal. En 2003 también le fue entregado el prestigioso premio

Pritzker de arquitectura.

pág. 2

2

Jørn Utzon arquitecto danés, nacido el 9 de Abril

de 1918, falleció el 29 de Abril del 2008, conocido

principalmente por haber realizado el proyecto de

la Ópera de Sídney, y por ser el ganador del Premio

Pritzker en el año 2003.

Nació en Copenhague como hijo de un ingeniero

naval. Realizó sus estudios en la Academia Real de

Bellas Artes de Dinamarca. Pasó los años de la Segunda

Guerra Mundial estudiando con Erik Gunnar Asplund,

arquitecto sueco, famoso por representar la arquitectura

neoclásica sueca. Después realizó viajes extensos por Europa, los Estados

Unidos y México. A su regreso se estableció como arquitecto en Copenhague.

Utzon ha creado un estilo de edificios públicos con rasgos monumentales y

edificios de vivienda adaptados al entorno. Ha integrado en sus proyectos la

disciplina equilibrada propia de Erik Gunnar Asplund, la calidad de formas de Alvar

Aalto y las estructuras naturales de Frank Lloyd Wright. Utzon siempre tiene en

cuenta las características del lugar en que se construirá el edificio antes de

comenzar su diseño. En sus proyectos fue más allá de la arquitectura, desarrollando

formas que son consecuencia de un proceso de inspiración espiritual.

Su obra maestra.

Utzon era prácticamente un novato

cuando ganó, en 1956, el concurso para

construir la Ópera de Sydney. Hasta entonces,

sólo había edificado un par de casas,

incluyendo la suya en Hellebaek, y la torre de un

tanque de agua. Más sorprendente es el hecho

de que conquistó al jurado con un solo dibujo,

pues no postuló un plan arquitectónico, ni

mucho menos un proyecto ejecutivo.

Jorn Utzon

Boceto The Sidney Opera House

pág. 3

3

Esa circunstancia hizo que el edificio, que debía ser de construcción

inmediata, demorara tres años en colocar su primera piedra, en lo que la ingeniería

se daba de topes para materializar y mantener alzadas esas impresionantes

conchas de concreto que le dan vista.

Utzon abandonó la obra en 1966, tras no poderse equilibrar la fidelidad al

proyecto que defendía el arquitecto; con los topes presupuestales y cambios de

materiales sugeridos por el Gobierno.

Inaugurada en 1973, la forma de la Ópera de Sydney ha sido descrita como un

grupo de velas de barco, una naranja desgajada o incluso un cangrejo, pero en una

entrevista, previo a recoger el Pritzker, Utzon aclaro: “Es una esfera a trozos. Sólo en

una esfera es posible construir así desde una geometría muy simple. Es un edificio

simbólico, con funciones”.

El enorme complejo se ubica sobre una plataforma para la que Utzon se inspiró

en las que vio en edificios mayas en México. Una serie de conchas prefabricadas

basadas en una misma semiesfera, que se desenvuelve en un juego de escalas y a la

vez aligera la distribución de pesos de la estructura.

Vista de conchas tomadas de la semiesfera.

pág. 4

4

La Casa de la Ópera de Sídney es una construcción expresionista con un

diseño innovador, conformado por una serie de grandes conchas prefabricadas,

cada una tomada de la misma semiesfera, que forman los tejados de la estructura.

El Teatro de la Ópera cubre 1,8 hectáreas. Tiene 183 metros de largo y alrededor

de 120 metros de anchura máxima. Se apoya en 580 pilares hundidos hasta una

profundidad de 25 metros bajo el nivel del mar.

Aunque a las estructuras de los tejados de la Casa de Ópera de Sídney se

las llama comúnmente cáscaras, éstas de hecho no lo son en el sentido

arquitectónico de la palabra, ya que están formadas por paneles prefabricados de

hormigón que se apoyan en costillas prefabricadas del mismo material.

Las cáscaras están recubiertas con

1.056.006 azulejos de colores blanco brillante

y crema mate, formando un tenue patrón en

"V" invertida; aunque vistas desde la distancia

parecen de color blanco uniforme. Los

azulejos fueron fabricados por la empresa

sueca Höganäs AB y aunque están diseñados

para que se limpien solos, se realiza un

mantenimiento periódico de limpieza y

reemplazo.

Los dos grupos mayores de bóvedas que conforman el techo del teatro

pertenecen cada uno al Salón de Conciertos (Concert Hall) y al del Teatro de la

Ópera (Opera Theater). Los otros salones tienen como techo las agrupaciones más

pequeñas de bóvedas.

Un grupo mucho más pequeño del sistema de cáscaras se encuentra a un

lado de las entradas y de la escalinata monumental y del restaurante de Bennelong.

“Uno de los edificios más famosos de todos los tiempos. Durante el proceso de selección de los sitios Patrimonio Mundial de la UNESCO en 2007, se describió a este edificio como una obra maestra de la creatividad humana, no solo del siglo XX, sino de la historia de la humanidad.”

Azulejos de las bóvedas.

pág. 5

5

Conclusión.

Además de la Ópera de Sydney, en el currículo del arquitecto danés se

incluyen los conjuntos habitacionales en Fredensborg [1959-62] y Elsinore [1956-

58]; así como la iglesia de Bagsvaerd, en Copenhague [1973-76]; el Estadio de Yeddah, en Arabia Saudita [1967] y el edificio de la Asamblea Nacional de Kuwait [1972], destruido durante la invasión de Saddam Hussein y luego restaurado con

modificaciones.

Maravilloso arquitecto que desafortunadamente nos regaló pocas obras para

disfrutar de su ingenio. Su estilo tan disciplinado y limpio que va de la mano con el

entorno es de admirarse.

La Ópera de Sydney es un claro ejemplo de ingenio, la estructura y el espacio fueron

muy bien pensados tanto como la ornamentación, simple pero atractiva a la vista.

Como la mayoría de sus obras, esta, mantiene su estilo y toque personal, un trabajo

firme y limpio.

“Jorn Utzon fue uno de los arquitectos contemporáneos más reconocidos. Su obra más emblemática, la Ópera de Sydney, en Australia, es hoy Patrimonio de la Humanidad. Para este danés, la Arquitectura era un arte que no sólo satisface nuestras necesidades de hábitat, sino que forma parte de nuestro paisaje estético más cotidiano, capaz de sorprendernos y emocionarnos”.

Referencias.

http://es.wikipedia.org/wiki/J%C3%B8rn_Utzon

http://www.canlis.dk/es/jorn-utzon/principales-obras

http://noticias.arq.com.mx/Detalles/10165.html#.VBdplvl5Ozs

¨ ¨MENOS ES MÁS¨

2014

UNIVERSIDAD DE GUANAJUATO

MARTINEZ ROJAS MANUEL DE JESUS

Mies van der rohe Página 1

INTRODUCCION:

Este trabajo habla de cómo el Arquitecto y diseñador alemán Ludwig Mies van der

Roe, se caracteriza como uno de los maestros más importantes de la arquitectura

moderna y con toda probabilidad de ser el mayor exponente del siglo XX en la

construcción de acero y vidrio. van Der Roe adquirió gran conocimiento y dominio

en el trabajo de la piedra.

Para mí la arquitectura de Ludwig Mies Van Der Roe se ha caracterizado por una

sencillez esencialista y por la sinceridad expresiva de sus elementos estructurales.

Aunque no fue el único que intervino en estos movimientos, su racionalismo y su

funcionalismo se han convertido en modelos para el resto de los profesionales del

siglo. Como diseñador, creó la muy famosa línea de muebles Barcelona, que son

considerados hechos más importantes del diseño. Fue Director de la Escuela de

Arte Bauhaus y siempre mantuvo su reputación como arquitecto vanguardista,

cambió radicalmente la escuela Convirtiéndola En una Escuela de Arquitectura, y

utiliza materiales de gran calidad y su filosofía se resume en su Lema: Menos es Más.

Por eso es que decidí investigar sobre una de sus más grandes obras como lo es

el pabellón de Barcelona que enseguida lo veremos

Ludwig Mies van der Roe

Mies van der rohe Página 2

Nació el 27 de marzo de 1886 en la ciudad de Aquisgrán (Alemania) uno de los

maestros más importantes de la arquitectura Moderna, y con toda probabilidad el

mayor exponente del siglo XX en la construcción de acero y vidrio.

La arquitectura de Ludwig Mies Van Der Roe se caracteriza por una sencillez

esencialista y por la sinceridad expresiva de sus elementos estructurales. La

composición geométrica y por la ausencia total de elementos ornamentales. Se

basa en las proporciones.

El interés por los materiales como elemento expresivo define su obra. Emplea la

piedra, el mármol, el acero, el vidrio en su más absoluta pureza y trabaja con el

hormigón en todas sus posibilidades, como elemento estructural y como material

de acabado exterior.

http://www.biografiasyvidas.com/biografia/m/mies.htm

Mies van der rohe Página 3

En 1929 Mies van der rohe recibe el encargo de proyectar el Pabellón nacional de

Alemania para la Exposición Internacional de Barcelona, para el que diseñó

también la famosa silla Barcelona, de acero cromado y cuero.

El título a uno de la más grandes fue cuando Mies van der Rohe produjo, el pabellón de Alemania considerado por muchos su obra maestra y una de las obras arquitectónicas más influyentes del siglo XX. Su enorme simplicidad y la continuidad de los espacios, que parecen no tener principio ni fin, son sus cualidades más admiradas.

Pabellón de Alemania para la exposición Internacional de Barcelona (1929)

http://www.biografiasyvidas.com/biografia/m/mies.htm

Mies van der rohe Página 4

Pabellón de Barcelona

El edificio refleja la filosofía la simplicidad estructural, en la creación de espacios

interiores libres y en la utilización de materiales básicos y elegantes y lujosos,

como mármol, vidrio y acero.

http://es.wikipedia.org/wiki/Pabell%C3%B3n_alem%C3%A1n_(Barcelona)

Mies van der rohe Página 5

Los materiales que utilizo en la construcción del Pabellón fueron: cemento armado

vidrio, acero y cuatro tipos distintos de mármol travertino romano, mármol verde de

los Alpes, mármol verde antiguo de Grecia y ónice del Atlas.

El También diseñó el mobiliario del pabellón. La pieza más representativa,

convertida luego en icono del diseño, a base de piel y estructura metálica es la

llamada : SILLA BARCELONA.

http://es.wikipedia.org/wiki/Silla_Barcelona

Mies van der rohe Página 6

La Escultura de Georg Kolbe

Es una reproducción en bronce de la que con el título de Amanecer realizó Georg

Kolbe, artista contemporáneo a Mies van der Rohe. Está magistralmente situada

en un extremo del estanque pequeño, en un punto donde no solamente se refleja

en el agua sino también en el mármol y en los cristales, dando la sensación de

que se multiplica en el espacio y contrastando sus líneas curvas con la pureza

geométrica del pabellón.

http://www.citytoursbarcelona.com/castellano/el-pabellon-mies-van-der-rohe

Mies van der rohe Página 7

Conclusiones

Me gustó mucho hacer este trabajo sobre Mies Van Der

Rohe y descubrir que fue él el que comienza a utilizar el acero y

vidrio en los edificios que diseñaba, ya que estos materiales le

dan una textura y belleza a cualquier edificación y mas que para esa época no era

conocida.

Lo más admirable es que estas obras son muy modernas y no

parecen ser de tantos años atrás.

Fuentes de información

http://www.citytoursbarcelona.com/castellano/el-pabellon-mies-van-der rohe

http://es.wikipedia.org/wiki/Ludwig_Mies_van_der_Rohe

http://www.miesbcn.com/es/fundacion.html

http://es.wikipedia.org/wiki/Pabell%C3%B3n_alem%C3%A1n_(Barcelona)

http://es.wikipedia.org/wiki/Silla_Barcelona

http://www.biografiasyvidas.com/biografia/m/mies.htm

Federico Ernesto Mariscal Piña. Palacio de Bellas artes y su importante influencia en la enseñanza de la arquitectura en México.

Teoría de la Arquitectura

Prof. Octavio Hernández Díaz

Miguel Esaú Gómez López

Federico E. Mariscal Piña

Fue uno de los arquitectos mexicanos más importantes

de su época. Nació el 7 de Noviembre de 1881 en la

ciudad de Querétaro, fue el más pequeño del

matrimonio Mariscal piña, hermano del también

reconocido arquitecto Nicola Mariscal Piña.

En 1902 ganó el primer lugar de un concurso de

arquitectura por su proyecto Sanatorio Tuberculosos.

Obtuvo el título de Arquitecto el 24 de diciembre de

1903, Fue discípulo del importante arquitecto italiano

Adamo Boari.

Murió a los 90 años de edad en su casa en la ciudad de

México en el año de 1971

Palacio de Bellas Artes

El Palacio de Bellas Artes comenzó a construirse

el 2 de agosto de 1904 para reemplazar al

demolido Teatro Nacional de México. El proyecto

estuvo a cargo del arquitecto italiano y Maestro

de Federico Mariscal, Adamo Boari, quien

diseñó un edificio ecléctico mezclando los

estilos Art nouveau y Art decó, en su

construcción se emplearon mármol blanco de

Carrara en la fachada y mármoles de diversos tonos en el interior. Además posee

obras de muralistas mexicanos como David Alfaro Siqueiros, Diego Rivera, José

Clemente Orozco.

Fotografía: Boletín No. 1 Sociedad de Arquitectos Mexicanos, Colegio Nacional de Arquitectos de México, 1957. Cortesía de Alain Prieto.

Palacio de bellas artes fotografía aérea.

La altura del edificio es de 52 metros hasta el

espiral y 42,5 m hasta el techo. Cuenta con 4

pisos y un estacionamiento subterráneo.

Además de la sala principal, hay otros espacios,

como la Sala Manuel M. Ponce, la Sala Adamo

Boari, una cafetería, una librería y salas de

exposiciones tanto temporales como

permanentes. Los trabajos iniciaron en 1904

con el objetivo de terminarlo en cuatro años; sin

embargo, problemas presupuestales y técnicos fueron demorando el proyecto.

Despues de que estallara la Revolución en 1910 y la grave situación económica en

el país, Adamo Boari regresa a Europa en 1916.

Se había concluido, hasta esa fecha, casi todo el

exterior, excepto el recubrimiento de la cúpula. Estuvo

en completo abandono en el periodo que va de 1917 a

1929,

En 1930 el proyecto fue encargado a Federico E.

Mariscal, pero no se inicio la construccion hasta 1932.

En esta etapa se terminaron las obras exteriores, los

interiores como el vestíbulo, el hall, la sala de

espectáculos, las salas del Museo de Artes Plásticas, los talleres (restauración,

fotografía, vaciado y encuadernación), Museo del libro y biblioteca, Museo de Artes

Populares, Restaurante y los murales del tercer piso.

Se sustituyeron algunas esculturas y medallones

propuestos por Boari para incluir obras de los

grandes muralistas mexicanos: Orozco, Siqueiros,

Rivera, Gonzales Camarena y Tamayo.

Ilustración del palacio de bellas artes, corte longitudinal.

Interior de la cámara principal del palacio de bellas artes, vitral de la copula.

Katharsis, José Clemente Orozco, Mural en uno de los interiores del Palacio de Bellas Artes.

Federico E. Mariscal Piña Como catedrático de la UNAM

En la Universidad Nacional Autónoma

de México, una de las actividades que

realizó, fue impartir su cátedra en la

Facultad de Arquitectura (Universidad

Nacional Autónoma de México),

donde fue profesor de 1909 a 1969,

años que inculco a la profesión del

Arquitecto mexicano el gusto e interés por el acervo cultural del país amor y respeto

por el pasado.

En sus más de 60 años de continua docencia

fue maestro de la mayoría de los arquitectos

egresados de la UNAM, muchos de los más

destacados del país, es por eso que le

decían "Arquitecto de arquitectos".

En 1928 escribió un novedoso libro sobre

la arquitectura prehispánica, después de

un viaje que hizo en 1926 a la zona Maya,

con el objeto de levantar planos de los

distintos centros ceremoniales.

De 1932 a 1934, planea la ampliación,

restauración y conservación del edificio

funcionalista en la esquina de Guatemala

y Argentina (donde años después, se

excavó el sitio arqueológico del Templo

Mayor), lamentablemente desaparecido.

En 1933 recibe el doctorado en Bellas Artes de la Universidad Nacional Autónoma

de México, siendo el primero en obtener ese título.

Facultad de arquitectura UNAM

Palacio Nacional. El claustro mayor con el monumento a los Héroes de la Independencia.

En dos ocasiones, fue director de la escuela nacional, ahora Facultad de

Arquitectura, así como presidente de la junta de gobierno de la UNAM.

En 1935, en colaboración con el arquitecto Fernando Beltrán y Puga, realiza el

edificio para el Palacio de Gobierno del Distrito Federal como complemento al del

palacio de ayuntamiento.

En 1950 recibe otro doctorado el Honoris causa de la Universidad de La

Habana, Cuba

En más de 53 años Estableció una importante trayectoria docente como jefe, guía

y coordinador de grupos de maestros de las enseñanzas de dibujo y oficios en la

Escuela Nacional Preparatoria y en la Escuela Nacional de Bellas Artes,

posteriormente Escuela Nacional de Artes Plásticas, como profesor de Teoría de la

Arquitectura, Presupuestos y avalúos, Composición de elementos de los edificios y

también como creador de la Cátedra de Historia del Arte en México en la entonces

Escuela Nacional de Arquitectura. Fue Designado Profesor Emérito de la Facultad

de Arquitectura, el 17 de diciembre de 1959.

En 1984, la División de Estudios de Posgrado de la

Facultad de Arquitectura de la UNAM, estableció

la Cátedra Extraordinaria Federico E. Mariscal.

Esta se otorga a profesionales de la Arquitectura en

México, en reconocimiento a su destacado y alto

nivel de desempeño en el área, no siendo necesario

que sea docente activo de la Universidad Nacional

Autónoma de México. Este reconocimiento es

acordado por el H. Consejo Técnico de la Facultad

de Arquitectura.

La Cátedra ha sido impartida por arquitectos de la talla de Pedro Ramírez

Vázquez, Agustín Hernández, Teodoro González de León, Ricardo Legorreta,

Vladimir Kaspé, Abraham Zabludovsky, Bernardo Gómez Pimienta e Isaac Broid,

entre otros.

Logotipo del taller “Federico Mariscal Piña”

Conclución

Federico Ernesto Mariscal uno de los mas importantes arquitectos en la historia de

México sin duda un arquitecto que espera ser estudiado y valorado, alumno

destacado del ya famoso en México arquitecto Adamo Boari se caracteriza por sus

diseños sumamente eclécticos, en conjunto, en su obra se puede apreciar como

cada edificio tiene un estilo decorativo diferente, siempre imaginativo y con suma

tendencia hacia lo antiguo, ya que cabe destacar que dentro de sus trabajos

teoricos, Marical realizo el primer estudio arquitectonico de las ruinas mayas en

Yucatan y Campeche. De Mariscal no podemos hablar de copias ni de adulaciones

a estilos de otros continentes, mas bien a las buenas enzeñanzas y las costumbres

de la epoca, podemos decir entonces que la arquitectura de Mariscal retrataba a la

sociedad mexicana de ese entonces por lo tanto estaba en la busqueda incansable

de una arquitectura realmente mexicana, que no cayera en un sistema europeo ni

en un falso modernismo.

Bibliografía:

http://www.quepintura.com/murales-del-palacio-de-bellas-artes-en-

mexico-df/

http://www.ecured.cu/index.php/Federico_Mariscal

http://www.danielschavelzon.com.ar/?p=1900

http://es.wikipedia.org/wiki/Federico_Ernesto_Mariscal_Pi%C3%B1a

www.arqtextenorio.com/wp-content/.../Los-arquitectos-Mariscal.doc

c

Luis Gerardo Morales Hernández

Teoría de la Arquitectura

Septiembre 2014. Guanajuato, Guanajuato

“México a la vanguardia”.

Introducción

Michel Rojkind es un arquitecto mexicano nacido en Naucalpan, Estado de México

en 1969, estudió en la Universidad Iberoamericana de la cual se graduó en 1994,

y sin duda una gran promesa para la arquitectura mexicana de vanguardia, en el

2002 formo su despacho; Rojkind Arquitectos el concepto de este despacho era la

evolución, la innovación, y generar estrategias para un máximo beneficio todo esto

a través de diseño , lo que causo tal impacto que en el 2005 fue reconocido por

Arquitectural Record como uno de los diez despachos destacados de vanguardia a

nivel internacional y la revista The Architectural League New York lo nombro como

una de sus Emerging Voices, es por eso que se presentaran y se realizara un

liguero análisis de algunas obras de dicho arquitecto y también trataremos de

comprender su punto de vista, y su filosofía acerca de sus obras.

Michel y su perspectiva.

Para Rojkind la arquitectura debe de estar evolucionando, pero siempre darle

beneficio a los espacios y tener en cuenta las necesidades de la sociedad,

innovando el diseño y apreciando las oportunidades para poder resolver con

soluciones reales en base a su sustento. Él además se encuentra en otra firma,

una firma de diseño industrial es por eso que la revista Wallpaper reconoce su

aportación internacional y lo ha nombrado como uno de los 150 creativos más

influyentes en los últimos 15 años.“Michel Rojkind habla del significado que tiene

su arquitectura y de una doctrina de vida que rompe esquemas para construir un

mundo diferente. De su arquitectura se ha dicho que es un torrente que refresca

todo a su paso, una fuente de bienestar que alcanza nuevos horizontes” -Revista

ForbesLife

Museo del Chocolate y Laboratorio

Nestlé

Este museo se encuentra ubicado

en la ciudad de Toluca, fue

elaborado para la empresa Nestlé

Museo del Chocolate

Laboratorio Nestlé Querétaro

marca originaria de Suiza, quien organizo un concurso y quedaron fascinados con

la obra de Rojkind, se tuvo que edificar en un lapso no mayor de tres meses lo que

represento un gran reto para todos los involucrados en la obra. “En un país donde

todo funciona no hay campo de acción, porque cuando el sistema es perfecto

tienes que esperar que el Gobierno resuelva todo. En cambio en México hemos

sido programados como seres humanos reactivos de alguna forma… o proactivos,

si lo quieres ver así. Lo rico de México es que lo informal rebasa lo formal,

tenemos todo, hay centros comerciales, pero los mercados también son una

delicia. Por eso a los extranjeros les fascina nuestro país, porque hay vitalidad y

nada es predecible”- Michel Rojkind

Ente museo representa figuras en diferentes planos, es un túnel formado por

“origami rojo”, el cual muestra al estilo Tim Burton la manera de fabricación de

chocolate de varias épocas.

Ya bien por servidos los ejecutivos de la misma

empresa encargan un nuevo proyecto a Rojkind;

el Laboratorio de desarrollo de nuevos productos,

Centro de competencia de Embalaje, el cual esta

ubicado en la zona industrial de la ciudad de

Querétaro, el cual trajo un nuevo reto, pues por

declaración del centro histórico de la ciudad como

patrimonio cultural de la humanidad por la

UNESCO tuvo efectos improvistos en la periferia

industrial pues debía respetarse lo establecido, así

que la edificación debería tener un pórtico con

arcos, Rojkind reinterpreta la normativa la

fachada de su edificio, formando tres

volúmenes, con unos arcos muy

especiales, esferas seccionadas,

obteniendo como resultado cajas opacas

impenetrables, los interiores pintados en

Laboratorio Nestlé

distintos colores. Obteniendo una serie de contrastes. Pero aun con la

reinterpretación del pórtico con arcos, fuera de eso es un edificio pobre en diseño

y estilo pues después de las esferas seccionadas no hay más para remarcar de

esta obra.

Torre Reforma 432

Esta obra se encuentra en

construcción ubicada en

Paseo de la Reforma frente a

la Diana Cazadora, esta

avenida ha propiciado las

mejores condiciones para un

rascacielos como este, pues

promete ser el rascacielos más

lujoso de México, Su predio va

desde Paseo de la Reforma

hasta la calle Tokio, abriendo la posibilidad de una calle peatonal que da calidad

urbana para las personas. Este edificio constara de 52 niveles de los cuales los

primeros estarán destinados a comercios de lujo, después cinco niveles ocupados

por estacionamiento y treinta y cinco destinados para vivienda y los niveles

superiores para un hotel. “La torre se divide en bloques o zonas, que se identifican

por un tema o, más bien, por un

ambiente -imágenes de la materia-,

como quería Gaston Bachelard. Cada

uno implica colores, texturas, olores y

sonidos. Desde el suelo, de tierra y roca,

hasta el fuego aéreo en la cima, pasando

por metal, cristal, agua, semillas y

plantas”. Sin duda este es un proyecto

muy ambicioso que cambiara la vista en

Torre Reforma 432

Paso de las calles

la Ciudad de México, pues tiene una corriente muy vanguardista desde su interior

hasta su exterior, la fachada exterior busca potencializar todas las vistas que se

pueden observar, cada habitación tendrá vistas hacia diferentes direcciones, de

ahí el diseño implementado.

Remodelación Cineteca Nacional

En esta remodelación Michel

Rojkind busca implementar nuevos

espacios, pues el estacionamiento

ocupaba el 40% del predio, así que

se proyectó un edificación de cinco

niveles para cajones de

estacionamiento, y ocupo el

espacio para parques de

recreación y salas al aire libre, el

diseño de lo implementado viene muy implementado con la corriente vanguardista

que hemos estado hablando sin duda es una de las obras más polémicas del

despacho de arquitectos pues elevo bastante la cantidad de costo de lo previsto,

además el proceso tuvo varios retos, pues las autoridades exigían que la obra se

realzara en el menor tiempo posible, es por eso que se notó la falta para el

cubrimiento de detalles lo que llevo a la inundación de dicho recinto en abril

pasado, pues con las fuertes lluvias, y las hojas de los arboles bloquearon los

ductos del desagüe lo que provocó que el agua se filtrara por los conductos de

aire acondicionado. Después de esto todos llegan a la conclusión que fue culpa de

las autoridades pues la mala organización del tiempo en lo político llevo a que no

se llevara ben el proceso de construcción faltando observar los detalles.

Cineteca Nacional

Conclusión

Michel Rojkind es uno de los más grandes exponentes de la arquitectura de

vanguardia de nuestro país, pues sus obras reflejan vitalidad, frescura y

modernidad, nos trae una arquitectura envuelta con el diseño industrial lo cual nos

lleva en ocasiones a ver las cosas fácil de digerir, pero esto en ciertas situaciones

puede llegar a un cierta simplicidad de sus proyectos, aunque cabe destacar que

Rojkind es un arquitecto que se enfoca mucho en la necesidad de la sociedad y la

constante evolución de la arquitectura, él se considera un arquitecto mexicano que

no por que ha participado en varios proyectos internacionales en algunos regiones

extranjeras como Dubái, Arabia Saudita, Beijing y Guiyang, se considera un

arquitecto internacional si no solo un arquitecto creativo e innovador, con arraigo

muy mexicano pues aprecia bastante lo que se realza en México, pues lo ve como

único ya que el ingenio de los mexicanos es algo para apreciar, en muchas de sus

obras ese ingenio ha hecho posible la conclusión de sus proyectos ya en obra. Es

sin duda un arquitecto con gran autenticidad de sus obras lo que lo postula no solo

como arquitecto si no como un artista muy influyente en la realización de varios

proyectos no solo en la arquitectura si no en otros muchos aspectos relacionados

con el diseño.

Fuentes de información.

Revista ForbesLife.

http://www.eluniversaledomex.mx/naucalpan/nota25839.html

http://www.forbes.com.mx/sites/michel-rojkind-de-la-bateria-a-la-

arquitectura/

http://www.archdaily.mx/mx/nAExOw6MGa/nestle-queretaro-rojkind-

arquitectos

http://www.arquitour.com/torre-r432-rojkind-arquitectos/2010/07/

REM KOOLHAAS

T e o r í a d e l a

A r q u i t e c t u r a

A r q . O c t a v i o D í a z

Edgar Mauricio Muñoz Rojas

Un breve resumen de la vida, obra, e ideología de un

Arquitecto de hoy en día que ha sido reconocido

mundialmente por sus múltiples aportaciones a la

arquitectura.

Rem Koolhaas: Remmet Lucas Koolhaas Nació el 17 de noviembre de 1944, en

la ciudad de Róterdam, Holanda reconocido Arquitecto hijo de un escritor del cual

al parecer heredo varios de esos dotes ya que se vio reflejado en el libro que

publico junto con Bruce Mau de nombre S, M, L, XL, además siendo nieto de un

Arquitecto evidentemente le aprendió de su trabajo que después desarrollaría a lo

largo de su vida.

Él se dedicó inicialmente al periodismo para así después convertirse en Arquitecto

en la Arquitectural Association en la ciudad de Londres.

Una vez concluidos sus estudios regresó a Holanda para formar su propio

despacho en 1975 junto con 3 socios, entre ellos su esposa el cual llevaba por

nombre Office for Metropolitan Architecture (OMA).

En 2000 Koolhaas recibió el premio Pritzker, que es el premio más importante

dentro de la Arquitectura ya que más

que ser un premio de carácter

internacional en mi opinión es un

galardón que te da un prestigio como

arquitecto de ser no solo el mejor

durante ese año sino ser el Arquitecto

que deja una pauta de lo que durante

ese año y lo que se viene después del

mismo existirá en la Arquitectura, es

decir; Rem Koolhaas no solo gana

este premio en el 2000 si no que nos

deja esa guía o ese camino sobre la

tendencia de la arquitectura de dicho

año.

Rem Koolhaas, Arquitecto.

En cuanto a su obra podemos resaltar sus libros entre los que están:

Delirio de Nueva York, publicado en 1978, es un libro en el que Rem Koolhaas

hace un análisis de la ciudad de Nueva

York y su constante crecimiento

urbanístico perdiendo así la identidad de

lo natural, es decir el crecimiento

acelerado de los edificios que cambiaron

su estilo y esencia constructiva a nuevos

tipos de fachadas que al parecer son

parte de su funcionalismo como edificios

pero que dejan de lado la Arquitectura

natural, la forma constructiva y lo

ornamental, además de hacer un énfasis

en la arquitectura producida por este

universo metropolitano mutante y la

cultura que se genera a través de la

misma.

Portada del libro Delirio de Nueva York 1978

En este libro, se habla también de que la ciudad de Nueva York se ha convertido

en el experimento de las nuevas tecnologías haciendo de esta ciudad una

referencia de lo que es una Metrópoli o ciudad de primer mundo y la búsqueda de

la innovación y la cultura de la misma, haciendo de todo este conjunto una

tendencia a seguir por las ciudades a través del tiempo.

La ciudad Genérica, este libro que parece ser

una continuación del pasado libro que habla

sobre la teoría de la ciudad de Nueva York y

su constante crecimiento en el que hacía

alusión a esta misma como un modelo de

ciudad metrópoli al que aspiran las ciudades

contemporáneas perdiendo así la identidad de

las mismas tanto como el carácter de cada

una.

Portada: La Ciudad Genérica También habla de las características de la

búsqueda de la ciudad como un género a partir de las características

arquitectónicas y urbanísticas, y los pros y los contras de dicho cambio intencional

que causa la pérdida accidental del carácter de las ciudades y su correspondencia

con su entorno haciendo de estas mismas una identidad similar a la del modelo,

también preguntándonos si quizás estamos siendo testigos de que más que una

pérdida de la singularidad de las ciudades en realidad es una liberación global de

lo cotidiano y lo que predominaba en cada lugar debido a sus facultades y

características de la región entre otras cosas haciendo alusión a que hoy no hay

barreras ni fronteras para conformar una ciudad de primer mundo exaltando las

libertad de aplicar la Arquitectura de hoy en día en lugares indistintos.

Posteriormente se publica Grandeza o el problema de la Talla, en el que el

Arquitecto continua con estas mismas teorías sobre las ciudades y la Talla de las

mismas haciendo referencia nuevamente a las ciudades como Nueva York y su

ideología como modelo de ciudad de grande, exaltada y monumental.

Todo esto provocado por los proyectos que en aquel entonces se generaban en

OMA, la terminal marítima de Zeebrugge, la Biblioteca de Francia y el centro ZKM

de Karlsruhe, en el que era bastante obvio que dichos proyectos llevaban ya

implícitos la monumentalidad y la grandeza para formar ese carácter del edificio

que formara una identidad o buscara recuperar la misma en la ciudad la cual ya

había sido perdida, además de los problemas

que conlleva el diseñar dichos edificios que

se confrontan con las problemáticas de

contemporaneidad, la aceptación por la

cultura contemporánea y la interpretación

urbanística.

Por ultimo plantea la teoría de la grandeza

como una autonomía del edificio y sus partes

como el interior y el exterior, es decir estas

nuevas corrientes de cascarones en los que

el interior del edificio ya no está ligado al

exterior de forma obligatoria.

Portada: Grandeza o el problema de la Talla

Posteriormente publica otros libros como: Sendas oníricas de Singapur, Lo

ordinario y espacio basura, en los cuales habla del modelo de vivienda y la

adaptación de una ciudad al mismo y como ha influido en su contexto y su cultura,

lo ordinario de la arquitectura, lo popular y lo cotidiano y la adaptación del

arquitecto como instrumento, la aceptación y la utilización de los medios donde se

provoca incluso una teoría basada en el aprender del paisaje existente, y el

espacio basura en el que habla sobre el espacio que queda después de la

modernización y la innovación en lo urbanístico, es decir después del crecimiento

y los nuevos edificios quedan los que en su momento fueron la modernidad y el

futuro que conforme el avanzar del tiempo van siendo modelos viejos que se

conforman como espacio basura, los residuos del crecimiento acelerado.

Portadas: Sendas oníricas de Singapur, Lo ordinario, Espacio Basura, escritos por Rem

Koolhaas.

Conclusión:

Rem Koolhaas es un arquitecto que al formarse a edad mediana hace de él un

crítico y teórico de la Arquitectura contemporánea, que tiene otra retrospectiva en

comparación a la mayor parte de los arquitectos de hoy en día ya que el abandona

el movimiento prescriptivo del movimiento moderno aportando mediante sus

facultades como escritor una expresión de sus ideas y opiniones o teorías desde

una manera en la que nos hace reflexionar sobre la Arquitectura y su corriente

actual o el movimiento causado por la búsqueda del crecimiento y la innovación

perdiendo así nuestra esencia como ciudad o creando una nueva tendencia

carente de distinción de los demás, es decir estamos creando Arquitectura nueva

que lleva como corriente una homogenización con las ciudades del mundo y los

modelos a seguir.

RICHARD MEIER “EL ARQUITECTO DE BLANCO” Juan Pablo

Medina Octavio Hernández Díaz 15/09/2014

Arq. Octavio Hernández Díaz.

Universidad e Guanajuato.

Introducción.

Me parece muy bien Richard Meier un buen arquitecto para estudiarlo ya que él es un gran arquitecto que respeta los lineamientos que debe de tener un gran arquitecto que son la estética, la durabilidad y la utilidad. También aparte de cumplir con esos tres requisitos él representa sus obras de color blanco ya que él considera que ese color se puede ver la naturaleza de los demás color así también los colores que conforman la naturaleza y como van cambiando en las estaciones del año. También el tuvo una gran influencia por el arquitecto le Corbusier entre otros que fueron muy importantes en su vida para llegar a donde se encuentra en este momento. También es considerado un arquitecto que se mantiene firme con sus ideales ya que el siempre sea a caracterizado por tener la misma armonía, líneas y siempre deja a un lado las modas. También hay que recalcar que hay obras muy importantes que hizo el cómo: el museo de arte contemporáneo que se encuentra en Barcelona o el museo de etnología que se encuentra en Fráncfort. También tuvo reconocimientos a nivel mundial como el premio pritzker. De esto y de muchas otras cosas se tratara el ensayo que se encuentra en las próximas hojas aunque ya un poco más detallado como para quien fueron la mayoría de sus obras, para que fueron hechas y su funcionalidad.

Getty Center en Los Ángeles, 1997.

Richard Meier. “El Arquitecto de Blanco”.

Es un arquitecto estadounidense, nació en

Newark en el estado de Nueva Jersey, el 12

de octubre de 1934. Estudio arquitectura en

la Universidad de Cornell. Sus obras se

caracterizan por aprovechar la luz de la

naturaleza y por la creación de los

espacios. En el año de 1984 recibió el premio Pritzker de la arquitectura y en 1992

la medalla de Oro del Instituto Real de Arquitectos Británicos, en 1992 fue

nombrado comedor de las Artes y las Letras por el gobierno francés y en 1997

recibió la Medalla de Oro de la Asociación Internacional de Arquitectos (AIA).

Recientemente ha proyectado el edificio federal Phoenix y la iglesia en el año

2000 en roma.

Meier ha sido fiel desde un principio a sus ideales. Siempre ha seguido una línea

determinada e incambiable en sus proyectos. Deja siempre a un lado las modas

pasajeras en sus obras. Aunque en

sus últimos edificios ha cambiado un poco sus obras, pero siguen siendo

inconfundibles en su estilo, donde siempre tiene la misma importancia en las

líneas, a la armonía, a los espacios y a la

luz. La mayoría de sus obras se basan en

figuras geométricas que favorecen a su

entorno ya se exterior así como interior.

Meier ha tenido una gran influencia por

muchos arquitectos pero unos de los que

más ha tenido son: le Corbusier y Frank

Lloyd Wright. Meier considera que la

arquitectura es una disciplina que se

richard meier

High Museum of Art en

Atlanta, 1983.

mantiene en continuo flujo y por eso muchos arquitectos que cambian su forma de

construir y sus ideales ya sea conforme a los espacios o la época en los que se

encuentran las obras.

Uno de los aspectos más importantes en su

arquitectura es su énfasis en dos temas

concurrentes e indiscutibles que son: el color

blanco como una textura única y la

abstracción como lenguaje. Esto se

evidencia ya en su madurez, elegancia,

equilibrio y pureza como resultado de la

abstracción, en la experiencia y en la

búsqueda de la belleza.

Sus obras más características y reconocidas son:

1961-62 Lambert House, Fire Island, Nueva York (realizado).

1961-65 Studio Meier en la calle 53, Nueva York (realizado).

1965-67 Smith House, Darien, Connecticut (realizado).

1967-70 Westbeth Artists'' Housing, Nueva York (realizado).

1967-70 Saltzman House, East Hampton, Nueva York (realizado).

1969-72 Twin Parks Northeast Housing, Bronx, Nueva York (realizado).

1970-77 Bronx Developmental Center, Bronx, Nueva

York (realizado).

1974 Residencia de estudiantes en la Cornell

University, Ithaca, Nueva York (realizado).

1979-85 Museo de artes decorativas, Francfurt

(realizado).

Nuevo ayuntamiento (stadhuis) de La Haya, 1995.

On Prospect Park en Nueva York, 2009.

1980-83 The High Museum of Art, Atlanta, Georgia (realizado).

1984-97 - Getty Center, Los Angeles, California (realizado).

1986-94 Municipio e biblioteca, l''Aia, Olanda (realizado).

1987-93 Museo de arte contemporáneo, Barcelona (realizado)

1989-94 Museo de etnología, Francfurt (realizado).

1996 Iglesia para el Jubileo 2000 , Tor Tre Teste, Roma (proyecto).

El blanco.

Su color favorito ha sido el blanco y lo demostró con la frase que dijo afirmo al

ganar el premio Pritzker con la frase

siguiente: Para mí el blanco es el color

más maravilloso, porque refleja todos

los colores que nos rodean. Para mí,

de hecho, es el color que, con la luz

natural, refleja e intensifica todas las

tonalidades del arcoíris, que cambian

constantemente. Porque la blancura

del blanco nunca es sólo blanca: casi

siempre se transforma con la luz y el ambiente; con el cielo, las nubes, el sol y la

luna”. Esto quiere decir que el color blanco demuestra los colores de la naturaleza

al cambiar las estaciones del año, ya que has diferentes colores conforme cambia

el día y noche, nublado o soleado, entre muchos ejemplos.

La luz

En la mayoría de sus obras se caracteriza mas la luz natural que la artificial ya que

el utiliza el cristal para darle iluminación a la mayoría de los espacios y

combinándolo con el blanco se pueden ver los colores que tiene el día y el mismo

lo explica con sus palabras: “Es contra una superficie blanca donde mejor se

valora el juego de luz y sombra, los llenos y los vacíos.”

Seminario Hartford, Hartford, Connecticut, 1981.

El espacio.

Meier considera que el espacio en muy importante para cualquier arquitecto ya

que es el donde personas habitaran allí y tiene que ser confortable y adecuado a

sus necesidades como por ejemplo un museo debe de ser amplio para que los

espectadores se sientan cómodos y no asfixiados por espacio pequeños y el lo

dijo con estas palabras: “Mi preocupación tiene que ver con las luces y los

espacios, los elementos y volúmenes, cómo se articulan e interaccionan entre sí.

También cómo se vinculan con la escala humana y con la cultura arquitectónica,

que define cómo se describe el espacio, cómo nos contiene, cómo lo utilizamos.”

La iglesia del jubileo. (Roma, Italia. 1998-2003)

La iglesia católica le encargo a Meier la iglesia del jubileo como partes del programa 50 iglesias para Romo 200. Richard ganó un concurso que convocaron para construir la iglesia y algunos concursantes fueron: Tadao Ando, Frank Gehry, Peter Eisenmann, Santiago Calatrava y Gunter Behnisch.

La iglesia se sitúa en un terreno plano triangular en tor tre teste aproximadamente a seis millas del este del centro de Roma.

Se caracteriza por la geometría, la claridad de espacios en el manejo de luz y por supuesto el uso del color blanco. Se caracterizo esta obra por ser distintiva, elegante a la vez y se compone de la iglesia y el centro parroquial.

En el interior es igual de asombroso como en el exterior, la luz alumbra todo ya que pasa por sus paredes curvas. Y todo está muy bien organizado para la función que tiene como el órgano que se encuentra en el extremo opuesto de la entrada donde está arriba de otro prima tranparente y descompuesto sus arista, pareciera como si estuviera flotando.

Primero querían hacer esta estructura de acero pero vieron que no les iba a durar a máximo de 50 años así que lo que hicieron fue cambiar el materia y llegaron a la conclusión de que se hiciera de bloques de concreto de doble curvatura, ensamblados y unidos mediante técnicas de por tensado.

La iglesia del jubileo.

Se creó un nuevo cemento conteniendo dióxido de titanio llamado TX Millenium, que garantiza la blancura de la estructura a todos lo expuesto a al clima. En el exterior se utilizo hormigón y vidrio, y en el interior madera y mármol travertino.

Vista exterior del museo, “High Museum of Art”

Conclusión.

al principio que estudie este arquitecto pensé que me serbia mucho para aprender más sobres esta profesión que es muy bonita ya que combina el arte de dibujar y diseñas a la vez, como ayudar a la gente conforme sean sus necesidades.

Lo que aprendí de este arquitecto es que para esta profesión, uno de los aspectos más importante que debe de tener un arquitecto es la necesidad de las personas y así transformar un espacio que las pueda satisfacer de forma positiva, sin dejar a un lado la estética y la firmeza de cierto trabajo. También aprendí que cada arquitecto tiene su propio estilo como el de Meier que su característica principal en sus obras era que utilizaba mucho el color blanco, ya que él lo considera un color que es muy expresivo y se puede valorar los colores naturales que se presenten cada hora, día, estación del año y condición del clima.

Lo que más me intereso de Meier fue que el no dejaba pasar por nada en alto como el ejemplo de la iglesia del jubileo que lo tiene prácticamente todo la luz, su estilo del color blanco, la funcionalidad, pensó también el cuanto iba a durar y propuso nuevas formas de construcción, la formalidad que debe tener una iglesia, que se diferencia a otras y que se viera como lo que es una iglesia.

Referencias.

http://www.fvsa.com/novedades/Meier.php?cod_cat=61&CODS=70

http://es.wikipedia.org/wiki/Richard_Meier

http://www.biografiasyvidas.com/biografia/m/meier.htm

http://www.floornature.es/arquitectos/biografia/richard-meier-3/

http://es.wikiarquitectura.com/index.php/Iglesia_del_Jubileo

http://www.youtube.com/watch?v=vmsIZeTQIZY

Pedro Ramírez Vázquez

Oswaldo Palomares Longoria

Universidad de Guanajuato

1° C

18/09/2014

INTRODUCCIÓN

Pedro Ramírez Vázquez fue un arquitecto muy representativo durante su época,

estudio en la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM) donde al concluir sus

estudios diseño un modelo de escuelas rurales que fue utilizado en la mayor parte de

la república mexicana, posiblemente hay una en cada parte de México. Fue un

arquitecto que inspirado en conceptos de Grecia diseñaba sus obras además que eran

diseños que la sociedad utilizaría.

Pedro Ramírez Vázquez Nació el 16 de abril de 1919 en México D.F. y murió

curiosamente el 16 de abril del 2013 en México D.F. misma fecha en la que cumplió 94

años, cada que sea recordado su nacimiento será también recordada su muerte; fue

autor de considerables iconos de México.

Concluyo sus estudios como arquitecto en

la Universidad Nacional Autónoma de México,

hay con grandes maestros de la arquitectura

comenzó a conformar su visión de la

arquitectura, donde aprendió a verla como una

disciplina, aprendió que debe de servirle al

usuario, que así el cliente pueda disfrutar de ella

y la pueda utilizar para que puedan

desarrollarse, como lo son espacios de

educación, de salud, de comercio y espacios de

convivencia o de recreación.

“Del pasado siempre nos nutrimos”,1 Decía Pedro Ramírez Vázquez cuando

estudiaba en la UNAM en los años 30.

Pedro Ramírez se Graduó en la UNAM en 1943, y en 1944 trabajo como

dibujante en la Secretaria de Educación Pública (SEP), Cuando en aquel entonces el

presidente Manuel Ávila Camacho designo al poeta Jaime torres Bodet titular de la

instalación. Pero al primer reto que se le presento profesional fue la construcción de

escuelas rurales aisladas y en condiciones ambientales difíciles teniendo que dar

soluciones adecuadas al ambiente en tabasco. Después de lo realizado en tabasco

puso atención a las necesidades educativas así comenzó a construir las casas para los

maestros en lugares apartados utilizando solamente varas y lodo.

1 Frase de Pedro cuando estudiaba en la UNAM

Pedro Ramírez Vázquez (1919-2013)

D.F. México

Durante la segunda titularidad de la SEP de Jaime torres Bodet en la presidencia

de Adolfo López Mateos (1958-1964), llevaron a cabo el Plan de Once Años que

constituía la construcción masiva de escuelas, entonces Pedro ideo un diseño modular

de aulas escolares con elementos prefabricados para zonas rurales, donde con ayuda

de las comunidades permitió la edificación de 30,000 escuelas en 6 años, en muchas

partes la trasportación era muy difícil, por el problema donde estas se encontraban,

entonces los materiales eran trasportados a lomo de burro o en caballo, tenía que

cumplir la empresa de Bodet con la contrición de escuelas en todo México.

“No hay población en la República Mexicana donde no exista por lo menos una

escuela con ese sistema”, “La escuela rural es una obra de la que me enorgullezco”.2

Dos de sus obras emblemáticas que mantuvo un impulso modernizador que

disparo a México a la vanguardia cultural a mediados del siglo XX, son la Galería de

Historia y el Museo Nacional de Antropología, hito3 de los museos de los años 60. Es

en los 60 años cuando se perfila el México moderno, y él tuvo la oportunidad de vivir y

participar en los grandes procesos de cambio que modificaron la vida de los

mexicanos.

2 Frases de una entrevista publicadas en el libro Pedro Ramírez Vázquez: imagen y obra escondida (UNAM) 3 Suceso o acontecimiento que sirve de punto de referencia.

Escuela Rural – Diseño de Pedro Ramírez Vázquez

OBRAS MÁS EMBLEMÁTICAS

Nueva Basílica de Guadalupe4

La basílica de santa maría de

Guadalupe, es un santuario de la iglesia

católica, dedicada a la virgen maría, tiene

un estilo barroco plateresco, sobre el

altar un baldaquino eléctrico; ubicada al

pie del cerro del Tepeyac fue creada por

la degradación de la antigua basílica,

anualmente recibe veinte millones de

peregrinos y nueve millones lo hacen en

los días cercanos al 12 de diciembre.

Estadio Azteca5

El estadio azteca es un

estadio de futbol ubicado en la

ciudad de México con capacidad

para 105 064 espectadores siendo

así el tercer estadio de futbol más

grande del mundo.

Para la creación de este inmueble

se creó un concurso para ver que diseño era el más conveniente, Pedro Ramírez

concurso si bien no tenía una buena vista, si era el que tenía mayor capacidad y

además en un futuro se podía colocar el techo, es por eso que su diseño fue el que

4 http://basilica.mxv.mx/web1/-home/index.html 5 Obra muy representativa para los mexicanos.

Nueva basílica de Santa María de

Guadalupe.

Estadio Azteca – Primera Etapa

predomino sobre los demás. Inicio la construcción el 1962 como parte de los planes

para albergar la copa del mundo de futbol 1970.

Es el único escenario que ha albergado dos finales de copa del mundo es un estadio

que tiene bastante peso, es un estadio donde actualmente juega el equipo de futbol del

américa y la selección de futbol Mexicana hablando de futbol Pedro Ramírez creo el

estadio más maravilloso del mundo y con mucha historia.

Museo Nacional de Antropología

El museo Nacional de

Antropología es uno de los recintos

museográficos más importantes de

México y de américa latina. Está

concebido para albergar y exhibir el

legado arqueológico de los pueblos de

Mesoamérica, fue la obra de más

importancia que se le dio ya que tenía

que representar a México.

Cabe mencionar que actuó en la organización de los juego

olímpicos de 1986 donde diseño el logo y tuvo mucha importancia

en el comité organizativo.

Ciento que fue un arquitecto que se basó mucho en lo que la sociedad

necesitaba además de que sus obras son muy repetitivas en México y varias de sus

aportaciones tienen que ver con el deporte, dio catedra en la UNAM lugar donde

estudio arquitectura.

Museo Nacional de Antropología

CONCLUSIÓN

Pedro Ramírez Vázquez cubría las necesidades de las personas siendo uno de

los arquitectos más representativos de México en su época, considero que la

arquitectura aparte de ser bella debe de cubrir las necesidades de las personas ya que

bajo esta circunstancia podemos diseñar y cada vez ser mejores.

Fuentes de Información:

http://www.inah.gob.mx/reportajes/6575-pedro-ramirez-el-arquitecto-que-construyo-

para-la-gente

http://www.youtube.com/watch?v=8mCLwJSdxPc

http://es.wikipedia.org/wiki/Pedro_Ramírez_Vázquez

Arquitectos Víctor Horta y

Abraham Zabludovsky

Teoría de la Arquitectura

Alumna: Pérez Medina Karla Mariela

Fecha: -09-2014

Introducción

En los próximos párrafos hablare un poco acerca de dos grandes figuras de la

Arquitectura y representantes de dos estilos diferentes comparando algunas de sus

técnicas, así mismo hago referencias a los datos más relevantes de su vida, de igual

manera.

Víctor Horta (Gante, Bélgica, 1861-Bruselas 1947)

arquitecto Belga, hijo de un zapatero pertenecía a la clase

media, a los 15 años fue enviado a la Academia de Bellas

Artes (Francia) para estudiar arquitectura; inscribiéndose

a la especialidad de Dibujo Arquitectónico.

En 1884 trabajo como dibujante para Alphonse Balat,

personaje destacado de esa época, de él aprendió los

principios del neoclasicismo los cuales se destacan en

sus primeros proyectos; para después centrarce en la

búsqueda de un nuevo estilo o expresión arquitectónica que sería el modernismo

también llamado Art-Nouveau.

Abraham Zabludovsky Arquitecto y Pintor (Bialistok, Polonia 1924-México 2003) a

los tres años se traslada a México con su familia, obteniendo

la Nacionalización Mexicana en 1941, Zabludovsky estudio

Arquitectura en la Universidad Autónoma de México (UNAM)

se recibió con Mención Honorifica, trabajo en el taller de Mario

Pani Darqui. Es uno de los ´pilares más sólidos de la arquitectura contemporánea.

La buena arquitectura, más allá del hecho constructivo, revela los valores más significativos de

una cultura1 premisa que aplico en cada una de sus obras.

1 Archivo histórico: Abraham Zabludovsky (1924-2003)

El estilo que adoptaron cada uno de ellos en comparación es muy diferente e importante

tomando en cuenta la época en la que se desenvolvían cada uno de ellos, asi mismo la

diferencia en proyectos de diseño y arquitectónicos pero también encontrando cierta similitud

sin dejar de lado el estilo propio de ellos.

El estilo del Arquitecto Víctor Horta seria el impulsor del Art Neveau movimiento tanto

artístico como arquitectónico que ascendió al clasicismo. El Art Neveau destaca por

sus líneas asimétricas motivos naturales, tratando de integrar la arquitectura y la

decoración interior convirtiendo así la vivienda en una obra de arte.2 Este movimiento

surgió en Europa entre 1890 y 1910 y el objetivo de su

surgimiento fue romper la imitación de los estilos

pasados especialmente las tendencias históricas. El

movimiento Art Neveou asumió e innovo con las

ventajas de la arquitectura de acero destacando así una

mejor más bella forma de decoración. El máximo

exponente del Art Nouveau en Bélgica fue Víctor Horta,

quien desarrolló la primera vivienda unifamiliar de este

estil; La Casa Estudio que fue construida entre los años

1898 y 1901.

El estilo que adopto el Arquitecto Abraham Zabludovsky fue el modernismo el cual es un

estilo más estético, busca unas formas más refinadas compaginando con funcionalidad y

belleza. Es una manifestación burguesa con un fuerte componente ornamental inspirado

en la naturaleza, la flora y la fauna.3

2 Art Neveou-Casa Estudio Víctor Horta

3 Arquitectura Modernista; Introducción a la Arquitectura Modernista

Fachada Casa Estudio, Victor Horta

Su estilo fue funcionalista y geométrico también reveló

un lenguaje universal, adecuado a su tiempo y que

siempre estuvo al tanto de las técnicas con el paso del

tiempo le permitió conformar un lenguaje sobrio,

elegante y contundente, característico de prácticamente

toda su producción posterior.

Obras más representativas de Víctor Horta

Mansión Tassel:(1892-1893): Ubicada en Bruselas,

(Bélgica), esta obra es en la que principalmente se

aprecia el nuevo movimiento conocido como el Art

Nouveau ya que se utiliza en su totalidad elementos

naturales, líneas curvas y asimétrico

Casa Solvay (1895-1900): Obra ubicada en Bruselas. En ella se

utilizan los mismos parámetros que en sus primeras

construcciones, caracterizado por una original decoración

diseñada por él mismo e inspirada en motivos vegetales. Entre

sus características principales destaca su fachada simétrica

hasta el nivel situado en torno a la puerta-ventana de la planta

principal. Los materiales utilizados se repiten dentro de las obras

de Víctor Horta, tales como vidrio y hierro

• Casa Horta (1898-1902): Su propia casa, la cual

sigue los parámetros que ya utilizaba como estilo de

construcción, ubicada en las afueras de Bruselas,

obedece a la expansión urbana que experimentaba

Bélgica a fines del siglo XIX. Destaca la manera en que se utilizan los distintos materiales

dentro de la obra, ya que se expresa claramente su estructura de acero, vanos acristalados

enmarcados por delgadas columnas metálicas de color ocre, balcones hechos en metal,

además de estar recubierta en piedra.

Obras más destacadas de Abraham Zabludovsky

Casa Sacal, Ciudad de México (1968).

Museo Tamayo Arte Contemporáneo, Ciudad

de México (1981), en colaboración con el arquitecto Teodoro González de León

CONCLUSIÓN

En conclusión puedo decir que el haber realizado mi investigación de estos dos arquitectos me

llevo a relacionar diferentes estilos pero de igual manera puedo decir que tienen ciertos puntos

en común, aunque ambos arquitectos te llevan a una conclusión o al menos te hacen

relacionarlos entre el estilo que manejan sea similar y no por el diseño y menos por la época en

la cual fueron desarrollados ya que hay un gran lapso de diferencia, la similitud en mi caso es

desarrollada en la interacción de la naturaleza con el diseño que podrían tener ambos y de

cierta forma se podría relacionar, ya ambos toman en cuenta la naturaleza uno para el diseño

de ornamentos y algunas otros y otro por el contacto y la interacción entra el diseño o proyecto

con la naturaleza. Para mí fue retroalimentador hablar y conocer más de estos arquitectos que

son claros ejemplos de apreciable arquitectura.

BIBLIOGRAFIA

http://noticias.arq.com.mx/Detalles/14932.html

http://www.arq.com.mx/tag/Abraham+Zabludovsky

http://es.wikipedia.org/wiki/Abraham_Zabludovsky

http://www.arteespana.com/arquitecturamodernista.htm

Luis Ramiro Barragán Morfín. Miguel Prieto Rodríguez.

En este ensayo expreso las emociones y sentimientos que tuve al conocer el trabajo de este gran

arquitecto mexicano y al mismo tiempo trate de conocer a fondo sus ideas y propósitos.

Introducción

Al inicio del ciclo escolar hablamos de Luis Barragán, arquitecto mexicano del cual

no tenía conocimiento y el cual abrió en mí un sentimiento de duda e interrogante.

Esta semana he leído tratando de entender sus proyectos, obras y trabajos que

marcaron el camino y futuro de la arquitectura porque creo firmemente que

debemos rescatar primero los estilos de nuestro entorno y empezar a entender la

forma de pensar y sobresalir de nuestros arquitectos mexicanos.

Empezare esta redacción hablando un poco de su vida. Luis Barragán nació en

Guadalajara en el año de 1902, se graduó como ingeniero civil por lo que contaba

con gran conocimiento sobre desarrollo y construcción. Fue el primer mexicano

que gano el premio Pritzker en 1980. Luis Barragán es uno de los arquitectos más

influyentes de la modernidad mexicana, su obra es notoria en arquitectos actuales

no solo en aspectos visuales sino conceptuales. Sus edificaciones son

frecuentemente visitadas por estudiantes y catedráticos de arquitectura de

prácticamente todo el mundo.

Luis Barragán único arquitecto mexicano en ganar un premio Pritzker.

Impresionado en especial por París y el sur de España, contrajo una especial

predilección por los patios, las escaleras, los jardines, el color y los espacios

breves, pero luminosos.

A estos elementos se sumaría el agua en fuentes, piscinas o espejos (rasgos

moriscos). Su fortuito encuentro con el paisajista, escritor e ilustrador francés

Ferdinand Bac, dejó ver al mexicano el valor del diseño del paisaje.

Obras Arquitectónicas famosas.

Una de sus obras más importantes es su Casa Estudio, construida en 1948, se

reconoció patrimonio mundial en el 2004 por la UNESCO, que según esta es una

obra maestra del movimiento moderno, por la integración que se da con elementos

tradicionales y vernáculos.

A partir de 1947, con su casa en Tacubaya, declarada Patrimonio Nacional de México en 1988 y Patrimonio Universal de la UNESCO en 2004, se fue forjando un estilo arquitectónico propio, al cual llamó: emocional.

La fuente de los amantes

Con colores vivos y saturados, en el año de 1964 es creada una de las obras más

representativas del arquitecto jalisciense, Luis Barragán Morfin, la cual fue

nombrada como la Fuente de los Amantes, y está ubicada en

el Fraccionamiento Los Clubes en el municipio de Atizapán de Zaragoza en

el estado de México.

A una distancia de aproximadamente 80 metros de la fuente se halla la Cuadra San Cristóbal, donde se encuentran las

caballerizas; lo más destacado es el uso de tonos rosados que destacan la geometría de los muros y la presencia del agua.

Las torres de Satélite, Ciudad de México.

Originalmente diseñadas como una gran fuente dispuesta en la entrada de la

naciente ciudad, las torres se han convertido en un símbolo distintivo de la zona

conocida como Satélite, localizada en el municipio de Naucalpan de Juárez, en

el Estado de México.

Conjunto escultórico de cinco prismas triangulares de distintos colores y tamaños.

Casa Gilardi, Ciudad de México.

Su característica principal radica no solo en su arquitectura sino en los colores, las texturas, las secuencias y disposiciones

de espacios, la forma de introducir la luz en las diferentes estancias de la casa, de tamizarla, siempre generando

sensaciones y eso unido a determinados colores compositivamente colocados para dar espacios brillantes.

Obra predilecta

A mi parecer el trabajo de Luis Barragán tiene una gran trascendencia en la

arquitectura moderna y prueba de ello es su misma casa situada en Tacubaya. A

mí siempre me ha gustado la luz natural y es lo que hace este arquitecto con esta

obra arquitectónica, cada rincón de la casa tiene una iluminación que al final hace

pensar que cada detalle de la misma fue minuciosamente pensado. También su

fachada de concreto tiene un gran tamaño. Viendo la casa me gustaría pensar que

Luis Barragán tenía un cierto embelese por fusionar conceptos modernos con

conceptos tradicionales, ya que como leí la zona donde se encuentra está rodeada

de talleres artesanales y viviendas humildes y tradicionales.

Me gusta mucho esta obra porque yo pienso que para transformar la arquitectura

debemos tomar un poco de cada estilo no solo nacional sino internacional y es lo

que el arquitecto Luis barragán hizo y trajo consigo desde su viaje a Europa.

Además en los planos se ve la perfecta distribución que tiene cada espacio de la

casa y ese es un punto muy importante en esta ciencia.

Se destacan la piedra, la madera y los muros encalados.

CONCLUSION

Luis barragán para mi tiene un gran concepto de arquitectura, ya que fusiona

aspectos de la naturaleza con aspectos comunes y el resultado de eso fueron

obras realmente bellas que se ganaron el respeto y asombro no solo de

arquitectos nacionales sino internacionales y sirven como ejemplo de

perseverancia y creatividad para cualquier tipo de persona.

Desde el principio de clase quise empezar a leer sobre él, primero que nada

porque desconocía completamente de su persona y trabajo, y a estas alturas de la

situación puedo decir plenamente que quedo muy satisfecho por el conocimiento

que adquirí ya que para hacer y crear no debemos apegarnos a lo habitual sino

arriesgarse y seguir preparándose.

Fuentes

http://www.casaluisbarragan.org/

http://www.archdaily.mx/mx/02-101641/clasicos-de-arquitectura-casa-estudio-luis-barragan-luis-barragan

http://www.arquitectronica.com.mx/arquitectos-reconocidos/luis-barragan-morfin.html

Universidad de Guanajuato. Licenciatura en Arquitectura.

Félix Candela Teoría de la Arquitectura.

Fátima Guadalupe Ramírez Villegas.

100-C

“La forma no puede ser arbitraria, sino que ha de satisfacer una serie innumerable de requisitos… De entre todos estos… quiero destacar los dos que considero más importantes en la elaboración de la forma arquitectónica: el factor estético y el factor estructural.”1

Introducción. El destacado trabajo de Félix Candela, del siglo pasado desarrollado en el país

se convirtió en una revolucionara manera de utilizar un material apenas introducido unos 200

años antes: el concreto armado.

Rodeado de críticas y con falta de aceptación entre arquitectos e ingenieros, Candela concretó

y planteó una manera muy diferente de construir. Las ventajas y desventajas de sus obras

mantienen un equilibrio entre ellas, generando un amplio análisis de sus características.

Exiliado de España por el estallido de la guerra civil, llega a México en 1939 Félix Candela,

lugar donde será su época de éxito en la escena arquitectónica. Antes de dejar su país.

Candela concluyó sus estudios en la Escuela de Arquitectura de Madrid

en 1935.

Ya estando adaptado al país donde se refugió, Candela organizó un

despacho junto a sus hermanos. Su interés en las estructuras laminares

retorno provocando un estudio en ellas; interés que había permanecido

desde su tiempo de estudiante.

Tras el éxito de su primer proyecto bajo un diseño de una bóveda

catenaria2, funda en liga con sus hermanos “Cubiertas Ala”, empresa

con la que sus reconocidas estructuras se realizarían. Los proyectos

construidos de ésta rebasan los ochocientos, donde Candela serviría

también de guía para algunos colegas dando soluciones a las

estructuras.

Las obras de Candela resaltan por las técnicas en ingeniería, por este motivo se generó una

controversia porque no concluyó sus obras dejándolas sin ventanas o puertas, él sólo se

encargaba de las estructuras. Además que los métodos utilizados eran muy empíricos.3

Al terminar su época de esplendor en el país, Candela se dedicó a enseñar cátedra en

universidades de Estados Unidos, España y México.

Podemos citar varias de sus obras más representativas y conocidas del autor, con esto

proporcionar un contexto y referencias de la forma de trabajo que tenía.

1 http://w3.mecanica.upm.es/~pantolin/files/candelaGoicolea2009.pdf El formalismo de Candela.

Última revisión: 14 de septiembre del 2014, 18:32 hrs. 2 Catenaria. Geom. Curva que forma una cuerda colgada de dos puntos fijos.

3 Arquitecto o ingeniero. Tonda Juan Antonio, “Félix Candela”. Pág 7.

“Paraguas”, en el dibujo se

observa que sólo se

necesita una columna.

Como el Pabellón de Rayos Cósmicos del año 1951, en

Ciudad Universitaria, esta construcción fue un encargo para

un laboratorio donde se estudiaría neutrones, por esto el

techo debió de ser los suficientemente delgado para dejar

pasar los rayos de luz, así la estrategia usada por Candela

cumplió con los requisitos. El grosor de la bóveda se

resolvió con el uso de dobles paraboloides.

Otra obra distintiva de Candela es el Restaurante Los

Manantiales, ubicado en Xochimilco de 1958. En esta

ocasión colaboró con Fernando y Joaquín Álvarez Ordóñez.

La forma de los paraboloides hiperbólicas, situados en una

planta circular, lo que brinda un aspecto de pertenencia porque

la figura da idea de una flor. Esta obra sirvió de referencia para

lo que sería su último proyecto antes de morir, que no llegó a

completa, llamado El Oceanográfico ubicado en Valencia

España, dentro de la Ciudad de las Artes4.

Es más que obvia la presencia de la Geometría en las

construcciones. Los

diseños tuvieron

inspiraciones de obras

arquitectónicas europeas, generaron un rumbo de

técnicas en la construcción. Las condiciones fueron

las favorables para que existiera una demanda de

este estilo, como una obra de mano barata que se

disponía en el país.

Las técnicas de construcción usadas por Candela en

sus edificios

fueron

aprendidas por

los albañiles,

carpinteros, pero cuando este estilo ya no era lo más

viables, las enseñanzas se perdieron al dejar de

practicarlas. Esto ocurrió cuando a la mano de obra se le

implemento un salario mínimo, repercutiendo en lo

económico que eran las obras.

Enumerar las ventajas del uso de las construcciones nos

ayuda a visualizar el impacto que tuvo en su época: se

colocaban en grandes extensiones de terreno, como

gasolineras; también la forma de paraboloide hiperbólico

4http://es.wikipedia.org/wiki/L%27Oceanogr%C3%A0fic El Oceanográfico. Última revisión:14 de

septiembre de 2014, 10:16 hrs.

Antiguo Pabellón de Rayos Cómicos de la

UNAM.

Restaurante Los Manantiales.

El diseño de Candela abarca grandes

extensiones de terreno sin la necesidad de

utilizar mucho material.

El parecido con la primera obra es muy

marcado; el edificio se pudo completar años

después por los colaboradores.

funcionó correctamente en el desagüe de aguas pluviales ya que posee sólo una columna

central.

Sin embargo no se puede utilizar este tipo de construcciones en edificios de varios pisos,

además de la necesidad de un lugar con superficie

horizontal.

Candela no proyectó este tipo de edificios en una casa

habitacional por que se especificó en tipo industrial,

aunque dejó una estrategia para la terraza, con un

“paraguas” el curso de las aguas de lluvia de resuelve de

forma económica.

Palacio de los Deportes de 1966. Este es el último

proyecto que Candela realizó en México tras más de 25

años de estancia trabajando. En colaboración con Antonio

Peyri Maciá y Enrique Castañeda Tamborell por petición del

gobierno ya que en dos años se realizarían los juegos olímpicos en el país.

Ubicado en la Ciudad de México, basado en sus anteriores proyectos se cubrían grandes

extensiones de terreno sin utilizar columnas.

Sustituyó el concreto por el acero, que es una parte distintiva de las obras de Félix Candela:

busca la manera de economizar.

“La planta del edificio es circular, con una cúpula geodésica5 compuesta por cuadros que abarcan un claro máximo de 160m, cubriendo un área aproximada de 27171 m2. La cúpula se compone de paraboloides hiperbólicos de aluminio tubular cubiertos por una subestructura de láminas de madera forradas de cobre resistente al agua, sustentadas en grandes arcos de acero”.6

Félix Candela realizó aportaciones a dos disciplinas que se encuentran en constante dualidad,

la Arquitectura y la Ingeniería, por este motivo la clasificación de su trabajo crea controversia.

Candela escribió un libro dedicado a la mecánica estructural y es aquí donde me doy cuenta

5 Geodésica. adj. Relativo o perteneciente a la geodesia.

6 http://www.archdaily.mx/mx/02-331368/clasicos-de-arquitectura-palacio-de-los-deportes-felix-

candela Clásicos de Arquitectura: El Palacio de los Deportes// Félix Candela. Última revisión 14 de septiembre del 2014, 18:27 hrs.

Palacio de los Deportes, Cuidad de

México.

Estructura del Palacio de los Deportes. Esta obra resume

el trabajo de Candela, teniendo características de toda su

trayectoria como las formas y las especificaciones del

lugar pero cambiando de material.

que él cruzó los límites de lo que estudió, gracias a su dedicación e interés en otras disciplinas

integró los conocimientos para llegar a proyectar y que se desarrollarán los objetos que se

buscaban. Candela concreto soluciones, este es el principal motivo por lo que tiene mi

admiración.

La seguridad de economía que generaban sus obras caracterizaron sus trabajo, porque

resultaban estéticamente adecuadas por lo tanto eran un recurso al que la gente recurría. Cabe

mencionar que las obras de Candela dan a conocer la estrecha relación de la Geometría y la

Arquitectura, relación que mantiene a ésta última. Sus obras impresionan a primera vista; la

manera de como las construían es muy artesanal. Creo que este arquitecto aprendió a utilizar

las formas geométricas y aprovechar lo que brindaban, manejando un estilo de construcción

que beneficia a muchos aspectos.

Conclusión.

La experiencia de conocer y analizar el trabajo de este arquitecto me dejó muchas reflexiones,

ya que se dedicó a la parte de las estructuras, una parte poco convencional para los

Arquitectos, por ser un rubro de los Ingenieros. Por esto sé que existen demasiadas variables

de funciones en la Arquitectura, como restauraciones, y esta información me ayuda a

seleccionar en cual podré estar según mis habilidades, y eso es lo que son las especificaciones

de la profesión: las habilidades en las que te desempeñas y te gustan.

También revisar el material proporcionado por los compañeros, dando a conocer Arquitectos de

diferentes épocas me creó un punto de vista diferente al que yo estudié, porque revisando la

información supe lo que buscaban los diferentes autores de las obras, lo que me ayuda a

conocer el contexto del tiempo en el que se desarrollaron.

Aunque las horas en clase no se completaron, me gusto la forma de trabajar mediante la

plataforma virtual porque el material se compartió de manera arbitraria y cada alumno expuso,

situación que a veces no se cumple por la falta de tiempo en el salón de clases.

Considero que el estudio de obras y biografías crea sentido de pertenencia a la licenciatura que

estudiamos, ubicándonos al objetivo de proyectar.

Bibliografía:

Tonda Juan Antonio, “Félix Candela”. Primera edición en círculos de Arte: año200,

CONSEJO NACIONAL PARA LA CULTURA Y LAS ARTES, Dirección General de

Publicaciones.

http://w3.mecanica.upm.es/~pantolin/files/candelaGoicolea2009.pdf El formalismo de Candela. Última revisión: 14 de septiembre del 2014, 18:32 hrs.

http://es.wikipedia.org/wiki/L%27Oceanogr%C3%A0fic El Oceanográfico. Última revisión:14 de septiembre de 2014, 10:16 hrs.

http://www.archdaily.mx/mx/02-331368/clasicos-de-arquitectura-palacio-de-los-deportes-felix-candela Clásicos de Arquitectura: El Palacio de los Deportes// Félix Candela. Última revisión 14 de septiembre del 2014, 18:27 hrs.

2014

UNIVERSIDAD DE GUANAJUATO Facultad de Arquitectura

DIEGO MARIO IVAN REYNOSO MARTINEZ

[Jacques Herzog] Estadio Nacional de Pekín

INTRODUCCIÓN

La arquitectura para mi punto de vista, es algo muy sorprendente y podemos conocer

muchas obras de arquitectos famosos, así como el saber de obras que hicieron que

ganaran el Premio Pritzker, por el buen trabajo que realizo el arquitecto.

El estudiar arquitectura, me hace pensar en muchas cosas, en todo lo que es capaz

de realizar el hombre por medio de su imaginación e inteligencia, y el saber la

responsabilidad que conlleva esto, y por eso para este ensayo voy a tratar un tema en

específico que me agrada mucho la atención el saber cómo crear un diseño por medio

de una idea y estas ideas salgan de conceptos que tenemos en la vida cotidiana.

Existen muchos edificios con formas de figuras ya existentes, como con formas de

esferas, pirámides, neuronas etc. pero del tema que voy a tratar es el estadio de Pekín

de Jacques Herzog, el cual es llamado NIDO DEL PAJARO.

Creo que es importante saber el cómo surgió esa idea de porque construirlo de esa

manera y que materiales le pusieron para que diera la impresión de un NIDO.

Nido Natural de un pájaro. Diseño de estadio.

BIOGRAFIA

Jacques Herzog (19 de abril de 1950) es un

arquitecto suizo nacido en Basilea. Trabaja

conjuntamente con Pierre de Meuron.

A los veinte años de edad empezó la carrera de

arquitectura en el Politécnico de Zurich,

Se caracterizan por el uso de soluciones

imaginativas ante los problemas arquitectónicos.

Destaca también en todos sus edificios un gran

aprovechamiento de la luz natural. Jacques Herzog y Pierre de Meuron.

Obras representativas:

Edificio Fórum (Barcelona)

Tate Modern (Londres)

Kuppersmuhle Museum (Duisburgo, Alemania)

Library Eberswalde Technical (Eberswalde, Alemania)

Almacenes Ricola (Laufen, Suiza)

Rudin House (Leymen, Francia) Edificio Fórum

Railway Engine Depot (Basilea)

Goetz Collection (Múnich)

Schwitter Apartment Ofice (Basilea)

Plywood House (Bottmingen, Suiza)

Tenerife Espacio de las Artes(Santa Cruz de Tenerife, España)

Plaza de España (Santa Cruz de Tenerife)

NIDO DEL PAJARO

El estadio Olímpico de Pequín tiene 330 metros de largo,

220 m de ancho y 69 m de altura.

Todo partió de una necesitad de un nuevo estadio para

los juegos olímpicos, y se dieron a la necesidad de buscar

un excelente diseño que fuera con el contexto natural,

Estructura de acero

En Pekín en los terrenos donde se pretendía construir el estadio, abundaban

muchos nidos de aves en los árboles, entonces se procedió a realizar un diseño con el

concepto de un nido, por lo cual se llegó a el NIDO DE PÁJARO.

Está construcción está equipado con un

sistema de energía solar y de recogida

de agua de lluvia para su riego de áreas

verdes y limpieza.

El diseño se basaba en representar

cada palito de madera que formaban los

nidos, entonces se realizó una red de

acero para el exterior del nido, y para lo

interior se cubrió con una membrana

trasparente.

Estadio Olímpico de Pekín

Hay que añadir que para dar un mejor diseño, se le aplico un juego de luces

amarillas y cafés para representar el color del nido, en particular creo que esta

aplicación de juego de luces, hace ver más representativo y más atractivo visual al

estadio.

CONCLUSIONES

El realizar este trabajo me di cuenta que uno puede ir más allá de lo que sabe por

medio de la investigación, profundizar en un tema que te gusta hace que este trabajo

sea más práctico y se vuelva interesante.

Me gustó mucho hablar de una arquitecto en específico, así como de sus obras y ahí

me di cuenta de las grandes obras que puede hacer el hombre, como lo es el NIDO

DEL AVE, que básicamente fue diseñado por los tantos nidos que abundan en esa

zona, esto me pareció increíble.

Conforme al trabajo realizado me siento satisfecho de lo que hice, aprendí cosas

interesantes que no sabía de las maneras de trabajar del arquitecto que escogí, así

como tener un mejor concepto de lo que es el diseño en la arquitectura.

BIOGRAFIAS:

http://www.biografiasyvidas.com/

http://es.wikipedia.org/

http://www.arquitexs.com

Toyo  Ito   1    

R o s a M a r í a R o m e r o P a r r a T e o r í a d e l a A r q u i t e c t u r a A r q . O c t a v i o H e r n á n d e z

           Toyo Ito

  2  

Introducción Nació el 1 de Julio de 1941 en Seúl, es un arquitecto

japonés. Es considerado uno de los arquitectos más

innovadores e influyentes del mundo. Fue galardonado

el 17 de marzo del 2013 con el premio Pritzker.

« La arquitectura no es más que un árbol, debe crecer en concordancia con su

entorno. »

Su arquitectura proyecta un aire de optimismo, ligereza y alegría, y está

impregnada de un sentido de unicidad y universalidad.

Por su síntesis de la

estructura, espacio y

forma es que crea

lugares acogedores,

por su sensibilidad al

paisaje, por infundir

sus diseños con una

dimensión espiritual y

por la poética que

trasciende todas sus

obras.

Toyo Ito recibiendo el premio Pritzker

a manos de Thomas Pritzker

Suites avenue localizado en el Paseo de Gracia

Una fachada gaudiniana ante La Pedrera

  3  

Arquitectura conceptual.

Define la Arquitectura como “ropa” para la población urbana, equilibrio entre la

vida privada y el área metropolitana.

Se interesa por las relaciones entre habitaciones, exterior e interior, y los edificios

y sus alrededores. Su trabajo se inspira en los principios de la naturaleza, como lo

demuestra la unidad conseguida entre estructuras orgánicas, superficies y

revestimientos.

Arquitectura de expresión orgánica, con estética, va en contra de la arquitectura

moderna.

Da importancia a aspectos climatológicos, el viento siempre esta presente en sus

obras.

Su arquitectura depende mucho del acero, aluminio, cristal y es una auténtica

respuesta al paisaje que rodea cada proyecto.

Unos de sus primero trabajos fueron Silver Hut y el mobiliario de La Chica

Nómada de Tokio, en la cual colaboró con Kazuyo Sejima.

Pretende crear un nuevo prototipo de habitar en la gran ciudad de Tokio. “vestirse, comer, meditar”  

Un espacio replicado que reproduce un

trabajo de 1984 concretamente el de la

casa que Toyo Ito habita en Tokio.  

  4  

Algunas de sus obras Mediateca en Sendai:

Aquí se pude observar lo antes

mencionado el uso del cristal para que

pueda entrar luz natural, también lo hizo

con la intención de que desde la

mediateca pudieras estar en contacto

con el ambiente ya que frente a ella hay

una importante zona arbolada.

Los materiales son el acero y el vidrio

son los predominantes. De acero son

los forjados y los tubos, mientras que la

piel, tanto exterior como la que recubre

los pilares-patio, es de cristal.

Esta basada en la idea de un acuario,

entonces ésta tiene una forma de pecera.

Parque de la relajación. Torrevieja, Alicante

Arquitectura ligera como el

viento.

Se relaciona con el pasaje

que es una colina con una

ligera inclinación.

Ubicación: Sendai, Miyagi, Japón Diseñado en: 1995-1997 Construido en: 1998-2001

  5  

El propósito era crear un lugar

para el bienestar y salud tanto

corporalmente como

físicamente.

Esto se logra a partir de la

sintonía del espacio que

cuenta con una laguna y el

hecho de recrear la naturaleza

Torres Fira

A pesar de que los dos son

construcciones diferentes se puede

decir que se complementa ya que el

Hotel Porta Fira (rojo) se refleja en el

nucleo del Torre Realia BCN.

Su diseño está basado en las antiguas

torres venecianas que lo inspiraron para

dar entrada a las dos ciudades de

L’Hospitalet de Llobregat y Barcelona.

Su posición es a modo de puerta donde se encuentra el Centro de Congresos Fira

2.

Torrevieja, España 2002

  6  

Conclusión Al realizar este trabajo me di cuenta de que Toyo Ito se basa mucho en Gaudí y en

algunas obras trata de hacer lo que Gaudí hubiera hecho.

También algo muy importante es que trata de integrar sus obras a la naturaleza y

esto es por medio del cristal ya que este le brinda la opción de que el usuario este

relacionado con esta de una manera muy practica, el uso del cristal también le

brinda luz natural y es algo que el busca, sus obras tratan de relacionarse con su

contexto urbano.

Al tiempo de realizar un proyecto primero resuelve las necesidades ya resultas

pasa a utilizar la tecnología ya que es algo muy interesante de él, utiliza mucho los

juegos de luces para que sus proyectos no soló sean interesantes de día sino que

también en la noche

Bibliografía:

http://www.jmhdezhdez.com/2011/04/torres-porta-fira-towers-toyo-ito.html

http://www.elmundo.es/elmundo/2012/03/07/alicante/1331135925.html

http://blog.bellostes.com/?p=17692

http://www.jmhdezhdez.com/2011/04/suites-avenue-toyo-ito-fachada.html

http://www.obrasweb.mx/arquitectura/2013/03/18/toyo-ito-tres-decadas-de-dar-

libertad-a-la-arquitectura

http://famosos.arquitectos.com/toyo-ito-2/

http://es.wikipedia.org/wiki/Toyoo_Itō#Obra

http://es.slideshare.net/potatosss/toyo-ito-3933117

http://www.20minutos.es/noticia/1761693/0/arquitectura/premio-ritzker-2013/toyo-

ito/

http://noticias.arq.com.mx/Detalles/14156.html#.VBoibFbnlEQ

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Fos

ter

I1. Estilo High Tech. Es uno de los estilos reciente de la arquitectura, se originó en los años setenta y desde

entonces son muchas las edificaciones que se han erigido siguiendo este modelo, como es la más significativa y elemental obra conocida como el Centro Pompidou de Paris de Rogers y Pian, la cual ha marcado este estilo tan apreciado en la arquitectura de nuestros tiempos. xEl High Tech nace del formalismo geométrico, donde su fuente de inspiración es el diseño de Buckminster de Fuller. De este mismo modo se inspiró del movimiento de De Stijl donde sobresale como figura principal Rietveld. Las obras cardas con este estilo utiliza diferentes materiales y técnicas que juntos crean espacios muy prácticos y estilizados partiendo de su uso industrial. Utiliza la alta tecnología junto a algunos toques de modernidad que le ofrece cierto carácter a la obra. Sus creaciones son muy funcionales, ya que este estilo tiende a buscar el utilitarismo, oponiéndose fuertemente al estilo Pop

Nació el 1 de junio de 1935 en el seno de una familia trabajadora de Manchester.

Estudió arquitectura en la Universidad de Mánchester y obtuvo después una beca

para proseguir sus estudios en la Universidad de Yale. De regreso en Inglaterra,

Foster trabajó durante un tiempo con el arquitecto Richard Buckminster Fuller y

fundó en 1965 el estudio de arquitectos Team 4, junto con su primera esposa

Wendy, Richard Rogers y la esposa de éste, Sue. Dos años más tarde el nombre

del estudio fue cambiado y quedó en Foster and Partners.

Los proyectos iniciales de Foster se caracterizan por un estilo "High-tech1" muy

pronunciado. Más adelante las líneas de sus edificios se suavizan y desaparece

en buena parte ese carácter técnico llevado al extremo. En todo caso, los

proyectos de Foster y sus socios llevan un marcado sello industrial, en el sentido

de que emplean en los edificios elementos que se repiten multitud de veces, por lo

que son fabricados en lugares alejados de la obra.

La compañía Space

Arquitectura Mexicana será la

encargada del diseño interior

del nuevo aeropuerto

internacional de la Ciudad de

México, en la que se buscará

resaltar en cada aspecto la

cultura nacional.

II1. Estilo High Tech. Es uno de los estilos reciente de la arquitectura, se originó en los años setenta y desde

entonces son muchas las edificaciones que se han erigido siguiendo este modelo, como es la más significativa y elemental obra conocida como el Centro Pompidou de Paris de Rogers y Pian, la cual ha marcado este estilo tan apreciado en la arquitectura de nuestros tiempos. xEl High Tech nace del formalismo geométrico, donde su fuente de inspiración es el diseño de Buckminster de Fuller. De este mismo modo se inspiró del movimiento de De Stijl donde sobresale como figura principal Rietveld. Las obras cardas con este estilo utiliza diferentes materiales y técnicas que juntos crean espacios muy prácticos y estilizados partiendo de su uso industrial. Utiliza la alta tecnología junto a algunos toques de modernidad que le ofrece cierto carácter a la obra. Sus creaciones son muy funcionales, ya que este estilo tiende a buscar el utilitarismo, oponiéndose fuertemente al estilo Pop

“La idea es que sea un

aeropuerto sustentable y

que sea referente para los

demás

Para realizar su diseño, la

firma utilizará materiales

nacionales, libres de

partículas tóxicas, de fácil

reciclamiento, entre otros,

con el objetivo de lograr el

certificado Leed Platino, como el más sustentable del mundo.

“Es indispensable que los interiores vayan alineados con la arquitectura si no, no

hay forma de obtener la certificación de este tipo”,

De acuerdo con la obra arquitectónica del nuevo aeropuerto, en su primera fase se

tendrá un edificio terminal que logre eficiencia, comodidad a los pasajeros y la

reducción de costos; no tendrá trenes, minimizará los recorridos para los usuarios,

por mencionar algunas funcionalidades.

Por lo anterior, dijo, el diseño interior del nuevo aeropuerto es un trabajo lleno de

buenas expectativas, donde el respeto al medio ambiente y la funcionalidad para

el usuario serán factores primordiales.

III1. Estilo High Tech. Es uno de los estilos reciente de la arquitectura, se originó en los años setenta y desde

entonces son muchas las edificaciones que se han erigido siguiendo este modelo, como es la más significativa y elemental obra conocida como el Centro Pompidou de Paris de Rogers y Pian, la cual ha marcado este estilo tan apreciado en la arquitectura de nuestros tiempos. xEl High Tech nace del formalismo geométrico, donde su fuente de inspiración es el diseño de Buckminster de Fuller. De este mismo modo se inspiró del movimiento de De Stijl donde sobresale como figura principal Rietveld. Las obras cardas con este estilo utiliza diferentes materiales y técnicas que juntos crean espacios muy prácticos y estilizados partiendo de su uso industrial. Utiliza la alta tecnología junto a algunos toques de modernidad que le ofrece cierto carácter a la obra. Sus creaciones son muy funcionales, ya que este estilo tiende a buscar el utilitarismo, oponiéndose fuertemente al estilo Pop

Aeropuerto Ciudad de México.

Los diseños de Foster destacan por

aprovechar al máximo el uso de la

tecnología en busca de la mayor

eficiencia energética, la excelente

integración en el entorno, la creación

de un ambiente amable para el

usuario y la usabilidad de sus

instalaciones.

Conclusión.

Pero ¿Qué hay del espació que le rodea al edificio?

Para explicar esto lo are de la siguiente manera:

Imaginen a una persona en una ciudad, en un cuarto de hotel, sin ventanas,

dentro de la habitación está rodeado de muros llorones, abundante naturaleza y

música ambientalista. Esta de repente sale. ¿Qué pasara con la persona? ¿Cuál

será su impresión? ¿Si tomaran la decisión de estará dentó o fuera, cual

tomarían? ¿Porque no lo harían?

He ahí la importancia de integrar al medio con la arquitectura. Lamentablemente

algunos de los arquitectos que han destacado en este siglo son muy

Egocéntricos/caprichosos, inconscientes. Como quieran llamarles, sus obras se

sobresalen del contexto y esto no solo perjudica visualmente, culturalmente, sino

lo más importante anímicamente

IV1. Estilo High Tech. Es uno de los estilos reciente de la arquitectura, se originó en los años setenta y desde

entonces son muchas las edificaciones que se han erigido siguiendo este modelo, como es la más significativa y elemental obra conocida como el Centro Pompidou de Paris de Rogers y Pian, la cual ha marcado este estilo tan apreciado en la arquitectura de nuestros tiempos. xEl High Tech nace del formalismo geométrico, donde su fuente de inspiración es el diseño de Buckminster de Fuller. De este mismo modo se inspiró del movimiento de De Stijl donde sobresale como figura principal Rietveld. Las obras cardas con este estilo utiliza diferentes materiales y técnicas que juntos crean espacios muy prácticos y estilizados partiendo de su uso industrial. Utiliza la alta tecnología junto a algunos toques de modernidad que le ofrece cierto carácter a la obra. Sus creaciones son muy funcionales, ya que este estilo tiende a buscar el utilitarismo, oponiéndose fuertemente al estilo Pop

Bibliografía

http://www.arqhys.com/construccion/estilo-hightech.html

http://pulsoslp.com.mx/2014/09/14/space-arquitectura-mexicana-se-encargara-del-diseno-interior-del-nuevo-

aeropuerto/#sthash.WARGb2D5.dpuf

http://www.archdaily.mx/mx/tag/sir-norman-foster

http://www.archdaily.mx/mx/tag/norman-foster

http://www.sdpnoticias.com/estilo-de-vida/2014/09/03/norman-foster-sus-obras-arquitectonicas-mas-famosas

http://es.wikipedia.org/wiki/Norman_Foster

http://www.reto2030.eu/export/download/descargas_web_agenda_ciudadana/NORMAN_FOSTER_ES.pdf

http://pulsoslp.com.mx/2014/09/14/space-arquitectura-mexicana-se-encargara-del-diseno-interior-del-nuevo-aeropuerto/

Frank Owen Gehry Arquitecto

Alumno: Almaraz Mancera Tania

División de Arquitectura, Arte y Diseño

Universidad de Guanajuato

Septiembre 2014

2

INDICE

INTRODUCCIÓN ……………………………………………………………………...... 3

BIOGRAFÍA ……………………………………………………………………………… 4

OBRAS …………………………………………………………………………………… 4

ARQUITECTURA…………………………………………………….………………….. 5

CONCLUSIÓN …………………………………………………………...……………… 6

FUENTES DE INFORMACIÓN ………………………………………………………... 7

3

INTRODUCCIÓN

En este trabajo se habla del arquitecto canadiense Frank Owen Gehry, así como

de algunas de sus obras más representativas que ha realizado a lo largo de su

vida.

Decidí hacer el trabajo de este arquitecto porque él considera que la arquitectura

es un arte, idea con la que yo estoy totalmente de acuerdo. Me llama bastante la

atención las formas y figuras que utiliza en cada una de sus obras sin dejar de

lado la funcionalidad del mismo.

“Gehry es uno de los arquitectos contemporáneos que considera que la

arquitectura es un arte, en el sentido de que una vez terminado un edificio, éste

debe ser una obra de arte, como si fuese una escultura. Para acercarse cada vez

más a este ideal, Gehry ha ido trabajando en sus sucesivos proyectos en esta

dirección, sin abandonar otros aspectos primordiales de la arquitectura, como la

funcionalidad del edificio o la integración de éste en el entorno.”1

1 http://www.arquitexs.com/

4

Frank Owen Gehry

Casa Danzante, Praga

BIOGRAFÍA

Nacido en Toronto, Ontario, Canadá el 28

de febrero de 1929. De origen judío-polaco.

Originalmente tenía el nombre de Ephraim

Goldberg, más tarde adoptó la

nacionalidad norteamericana.

Se graduó en el año de 1954 de sus estudios de arquitectura. Fue a servicio militar

durante un año y a su regreso fue admitido en la Escuela de Diseño de la

Universidad de Harvard para estudiar urbanismo.

Estudió también en la universidad de Southern, antes de que estableciera su

primera firma, Frank O. Gehry y Asociados en 1963

La arquitectura de Gehry ha experimentado una evolución marcada desde sus

primeros trabajos en concreto retorcido hasta el chapeado y metal acanalado de

sus trabajos más recientes. Su estilo es impactante, realizado frecuentemente con

materiales inacabados.

Gehry ha ganado varios premios por su gran talento en la arquitectura, uno de

ellos ha sido el premio Pritzker en el año de

1989.

OBRAS

Algunas de sus obras más importantes son:

Casa Frank Gehry (California)

Museo Guggenheim de Bilbao,

Bilbao, España.

Hotel Marqués de Riscal, El ciego, España

Casa Danzante, Praga, República Checa.

5

Museo Guggenheim Bilbao, España

Hotel Marqués de Riscal, España Sala de conciertos Walt Disney, EE.UU

2 Geometría no euclídea: Cualquier sistema de geometría que no está basado en el postulado

paralelo de Euclídes, que dice que una línea y sólo una línea se puede trazar a través de un

punto fuera de una línea dada, paralela a esa línea.

Edificio del Banco DG, Berlín, Alemania.

Centro de Exposiciones, Columbia,

Maryland, EE.UU.

Centro Maggie’s Dundee, Dundee,

Escocia. ·

Torre Gehry, Hannover, Alemania.

Sala de Conciertos Walt Disney, Los

Ángeles, EE.UU.

ARQUITECTURA

La arquitectura de Gehry no pasa desapercibida; es retadora por su belleza.

Su estilo arquitectónico es considera deconstructivista. El deconstructivismo se

caracteriza por la fragmentación, el proceso de diseño no lineal, el interés por la

manipulación de las ideas de la superficie de las estructuras y, en apariencia, de

la geometría no euclídea2.

Si se busca un patrón en sus obras, podemos encontrar que incorpora varias

formas geométricas simples, que crean una corriente visual entre ellas. También la

gusta jugar con los volúmenes, por eso, para apreciar cada estructura, hay que

tener un ojo más experto.

6

Gehry en un capítulo de “The Simpsons”

Los materiales que más usa en sus fachadas encontramos el metal, lo que refleja

la armonía y el diseño estructural que siempre busca.

CONCLUSIÓN

Al investigar sobre la obra y técnica de Gehry, pude darme cuenta que tus obras

como arquitecto, siempre serán criticadas pues hay muchos gustos y corrientes

muy diferentes pero siempre hay que respetar dos cosas fundamentales, que sea

funcional y que encaje en el entorno que se pondrá la obra. La forma y la función.

La arquitectura de Gehry no es perfecta, pues en sus obras se pueden ver muros

que sobresalen de la construcción, y otros que entran e infinidad de detalles más

que hacen que la arquitectura de Gehry sea tan particular y que llame tanto la

atención.

En mi opinión, hay obras de Gehry que no se me hacen tan atractivas o tan

sobresalientes de sus demás trabajos, así como su forma tan particular de

edificios no cumple tanto con la característica de que debe de encajar en el

entorno, pero aún así me agradan más sus obras que de algunos otros arquitectos

pues a mí me gusta todo lo que sea diferente y que llame la atención.

Con este trabajo conocí un poco más a detalle datos y características de la vida y

obra de Gehry que en realidad no conocía, me

agradó bastante enriquecer mi conocimiento

acerca de este gran arquitecto.

7

FUENTES DE INFORMACIÓN

http://www.arquitexs.com/

http://www.arqhys.com/articulos/frank-gehry.html

http://es.wikipedia.org/wiki/Frank_Gehry

http://www.altonivel.com.mx/frank-gehry,-juego-de-formas-y-fondo.html

http://es.slideshare.net/nievesiita/frank-gehry-sus-obras

Oscar Niemeyer Alfredo Vega Ruiz

Teoría de la Arquitectura

18/09/2014

Octavio Hernandez

Arquitecto Oscar Niemeyer

Su nombre completo es Oscar

Ribeiro de Almeida Niemeyer

Soares Filho nació en Río de

Janeiro el 15 de diciembre de

1907 fue un arquitecto

brasileño.

Fue un gran seguidor de las

ideas de Le Corbusier, es

considerado uno de los

personajes más influyentes de la arquitectura moderna internacional. Fue pionero

en la exploración de las posibilidades constructivas y plásticas del hormigón

armado.

“La capacidad artística del hormigón armado es tan fantástica… es el camino a

seguir”

Dentro de sus principales proyectos arquitectónicos destaca la construcción de

Brasilia como nueva capital de su país durante los años 1960. Niemeyer fue el

principal responsable de algunos icónicos edificios públicos de la ciudad, como el

Congreso Nacional de Brasil, la Catedral de Brasilia, el Palacio de Planalto y el

Palácio da Alvorada. Fue también uno de los principales responsables del equipo

que diseñó la Sede de la Organización de las Naciones Unidas en Nueva York.

“Esta es la arquitectura que hago, buscando nuevas formas, diferentes. La

sorpresa es clave en todo arte”

Niemeyer usaba mucho las curvas ya que son la esencia de Brasil y del universo.

Tenía una gran atracción hacia ellas ya que existían en cualquier parte y era de lo

que estaban compuestas sus preferencias.

“Las curvas son la esencia de mi trabajo, ya que son la esencia de Brasil, puro y

simple. Soy brasileño antes que arquitecto. No puedo separar ambos aspectos. No

es el ángulo recto lo que me atrae, ni la línea recta, dura, inflexible, creada por el

hombre. Lo que me atrae es la curva libre y sensual, la curva que encuentro en las

montañas de mi país, en el curso sinuoso de sus ríos, en las olas del mar, en el

cuerpo de la mujer preferida. De curvas se hizo todo el universo, el universo curvo

de Einstein”

Catedral Metropolitana de Nossa Senhora Aparecida

La Catedral Metropolitana Nossa Senhora Aparecida, también se conoce como la

Catedral de Brasilia, es la catedral metropolitana de la ciudad de Brasilia, la cual

es la capital de Brasil.

Su piedra fundacional fue emplazada el 12 de septiembre de 1958. Su estructura

finalizo el 31 de mayo de 1970 y sólo los 70 m de diámetro del área circular eran

visibles.

Esta estructura hiperboloide está construida de

hormigón, y algo que me llama mucho la

atención de esto y creo que es lo más llamativo

es el techo que abre hacia el cielo. El proyecto

de Niemeyer de la Catedral de Brasilia se basó

en los hiperboloides de revolución, en donde las

secciones son asimétricas. Esta estructura es el

resultado de dieciséis columnas de hormigón ensambladas idénticas. Cada

columna contiene una sección hiperbólica y pesa 90 toneladas, este conjunto

representa dos manos abiertas moviéndose hacia el cielo. La catedral posee

cuatro campanas donadas por españoles residentes en Brasilia en 1968.

Son características las esculturas de los

Evangelistas en el exterior y de los Ángeles en

el interior, las cuales fueron obras de Alfredo Ceschiatti.

Niemeyer buscó una forma compacta y limpia, un volumen capaz de surgir con la

misma pureza desde cualquier perspectiva y a la vez, expresando profundamente

la religión.

En el exterior la estructura aérea naciendo de la tierra, es un como un grito de fe y

de esperanza; después, la galería situada en dentro de la catedral para preparar a

las personas para el espectáculo religioso; en fin, los contrastes de luz y los

efectos exteriores, los fieles se alejan del mundo y se proyectan entre la catedral y

los espacios infinitos.

Museo de Arte Contemporáneo de Niterói

La realizo a los 100 años de edad, este es un museo se hizo en la ciudad de

Niterói y es una de sus señas de identidad. El edificio tenía 16 metros de alto y

una cúpula con un diámetro de 50 metros con tres pisos.

El proyecto del MAC-Niterói revela la osadía de un artista experimentado,

responsable de una producción que presenta una lectura bastante personal de los

preceptos de la arquitectura racionalista de matriz lecorbusiana.

Cuando el régimen democrático se recuperó en Brasil Niemeyer regreso. Encontró

un país diferente al que era cuando fue convocado para diseñar Brasilia, un país

cuya población se diseminaba en las periferias de las ciudades.

En las obras de esta época Niemeyer continúa trabajando con tipologías ya

exploradas, losas sinuosas, cúpulas, bóvedas y plataformas, en definitiva, el

vocabulario de su universo curvo como ya lo haba comentado.

Niemeyer resume su proyecto para el Museo de Arte Contemporáneo de Niteroi:

El terreno era estrecho, rodeado por el

mar y la solución ocurrió naturalmente,

teniendo como punto de partida el

inevitable apoyo central. De él, la

arquitectura ocurrió espontánea como

una flor. La vista hacia el mar era

bellísima y había que aprovecharla.

Suspendí el edificio y bajo él el

panorama se extendió todavía más rico. Definí entonces el perfil del museo. Una

línea que nace desde el suelo y sin interrupción crece y se despliega, sensual,

hasta la cobertura. La forma del edificio, que siempre imaginé circular, se fijó y en

su interior me detuve apasionado. Alrededor del museo creé una galería abierta

hacia el mar, repitiéndola en el segundo pavimento, como un entrepiso inclinado

sobre el gran salón de exposiciones.

También según palabras de su creador, el Museo surge como una flor en la roca

que los sostiene.

Conclusión

Es muy sorprendente la manera en la que usa las curvas, ya que a mi parecer las

curvas son más llamativas y como el ya comentaba todo en el universo está

conformado de curvas y en la que logra relacionar varios conceptos y llegar a un

diseño compacto y limpio.

No conocía sobre este arquitecto pero ya que empecé a indagar un poco más

tratando de encontrar un arquitecto que llamara mi atención logre encontrar obras

que realmente me impactaron.

Bibliografía

http://alt1040.com/2012/12/5-obras-oscar-niemeyer

http://es.wikipedia.org/wiki/Oscar_Niemeyer

http://es.wikiarquitectura.com/index.php/Museo_de_Arte_Contempor%C3%A1neo_de_Niteroi

http://es.wikiarquitectura.com/index.php/Catedral_de_Brasilia

Villanueva Ayala Juan Roberto

Teoría de la Arquitectura I

100 C

17 de Septiembre de 2014

Arq. Octavio Díaz Hernández

Alumno

Grupo

Materia

Profesor

Fecha de Entrega

Turning Torso Trabajo

Santiago Calatrava

Turning Torso (Torso en Giro)

Introducción a Calatrava

Santiago Calatrava Valls (Valencia,

España, 28 de julio de 1951) es un

arquitecto, ingeniero y escultor español.

Ha recibido un sin fin de premios y

reconocimientos entre los cuales

destaca el Premio Príncipe de Asturias

de las Artes de 1999 y el Premio

Nacional de Arquitectura de 2005.

Estudió desde los ocho años en la Escuela de Bellas Artes, fue enviado a Paris a los

trece años a través de un programa de intercambio estudiantil. A su regreso a Valencia

inició en 1969 la Licenciatura en Arquitectura en la Universidad Politécnica de Valencia,

donde más tarde realizaría un posgrado en urbanismo, siendo discípulo del arquitecto

Juan Carlos Jiménez.

Más tarde Calatrava se comenzó a interesar por las obras de maestros clásicos, lo cual

impulsó su deseo de seguir preparándose, por lo que se trasladó en 1975 a Zúrich,

donde estudió ingeniería Civil, acto seguido se graduó con un doctorado en Ciencias

Técnicas con una tesis acerca de la plegabilidad de las estructuras.

Estilo

Es considerado un arquitecto

especializado en grandes

estructuras. Calatrava ha recibido

numerosos premios y

reconocimientos por su trabajo.

Entre ellos destaca el Premio

Arq. Santiago Calatrava

Peace Bridge, Alberta, Canadá

Príncipe de Asturias de las Artes que recibió en

1999.

Posee influencias de Fernando Higueras, Jørn

Utzon, Antonio Gaudí, y las arquitecturas gótica y

romana.

Turning Torso Turning Torso (torso en giro) es un rascacielos

residencial de 190 metros de altura y 54 plantas

situado en la ciudad sueca de Malmo. Es el

edificio residencial más alto de Suecia y el

segundo de Europa (en la fecha de su

inauguración). Fue inaugurado el 27 de agosto de

2005, después de cuatro años de construcción. Ha recibido el premio MIPIM (Mercado

Internacional de los Profesionales en Inmuebles) en la feria de la construcción de

Cannes (Francia) de 2005 al mejor edificio residencial del mundo.

Inicio 14 de febrero de 2001

Término 27 de agosto de 2005

Características

Esta construcción está situada en el puerto

de Malmo, cerca del puente sobre el

estrecho de Oresund, que une Suecia con

Dinamarca. Esta torre, inspirada en una

escultura que representa un torso

Turning Torso (Torso en Giro)

Vista de planta

humano del propio Calatrava, se retuerce

sobre sí misma dando un giro de 90

grados desde la base hasta la planta más

alta.

El edificio, construido en acero, vidrio y

hormigón armado, se estructura en nueve

cubos rotatorios cuyo principal elemento

estructural es un núcleo de hormigón

armado (a modo de columna vertebral). Su

centro se corresponde exactamente con el

eje de rotación de las plantas.

El exterior del edificio está revestido por

paneles de cristal y aluminio. Cada uno de los cubos tiene seis plantas.

En el edificio coexisten viviendas de lujo y oficinas. Las oficinas se sitúan en los dos

primeros cubos de la construcción, con una superficie total de 4.000 metros cuadrados.

Los cubos tres a nueve albergan 147 viviendas cuya superficie varía entre los 45 y los

190 metros cuadrados. Las dos últimas plantas están dedicadas a reuniones de

negocios, encuentros políticos y visitas oficiales.

El edificio se encuentra en una

zona urbana degradada que está

siendo transformada, desde un

espacio industrial con

instalaciones obsoletas a una

zona residencial, de ocio y

negocios, junto al Mar Báltico.

Inspiración de la torre

Vista desde interior

Una de las razones para construir el Turning Torso

fue restablecer un panorama urbano característico de

Malmo, el cual había quedado sin uno desde la

desaparición de Kockumskranen (La Grúa Kockums)

en el 2002.

Los políticos locales consideraron que era importante para la ciudad tener un símbolo para Malmo (Kockumskranen, una enorme grúa utilizada

para la construcción de barcos, Simbolizaba, de

alguna forma las raíces de Malmö como ciudad

industrial, por lo cual el Turning Torso podría ser

considerado como un monumento de un Malmo más

nuevo e internacional).

Turning Torso es un ejemplo de la “arquitectura viva” de Calatrava, en la que la

anatomía y la naturaleza son las fuentes de inspiración del arquitecto, y en la que la

estructura humana se toma como apoyo y referencia.

Críticas

Las obras de Calatrava han sido muy

criticadas, principalmente por cuatro

razones.

1. Elevados presupuestos (que además

suelen incrementarse durante su

construcción.

2. Altos costes de mantenimiento.

3. El parecido entre las obras.

4. Las graves carencias estructurales y

funcionales.

Turning Toso, vista desde planta baja

Críticas a Santiago Calatrava

Contexto

Conclusión

Finalmente, podemos concluir que el Turning Torso de Santiago Calatrava es un claro

ejemplo de arquitectura del siglo XXI, donde la irregularidad y estética convergen en su

punto máximo.

Me parece interesante la forma del edificio, misma que fue inspirada en el torso humano,

que dota a la construcción de dinamismo y de cierta naturalidad.

Tanto los materiales como la correcta ubicación de los mismos nos provocan la

impresión de comodidad y de ser un espacio agradable, objetivo que es fundamental en

la arquitectura.

Así mismo considero que es interesante como una construcción puede dotar de

identidad a un determinado lugar, como fue el caso de la ciudad de Malmo, que a falta

de un símbolo, se dieron a la tarea de contar con un edificio tan representativo para

ellos, mismo objetivo que fue logrado y sin lugar a dudas sobrepasado las expectativas.

Me parece sumamente interesante el trabajo de Calatrava en este y en sus demás

diseños y construcciones que ha realizado, que aunque sabemos que últimamente ha

tenido ciertos problemas legales por problemas en sus composiciones, es de admirar la

osadía con la que este arquitecto diseña, proyecta y construye, donde el miedo a lo

complejo y temor a salir de la zona de confort son tan solo conceptos carentes de

importancia, por lo que creo firmemente que si en el mundo existieran personas,

arquitectos y profesionistas con la firme convicción de cambiar su entorno y

ATREVERSE a hacer las cosas diferentes, el mundo sería distinto a lo que conocemos.

Fuentes de Información http://www.calatrava.com

http://es.wikipedia.org/wiki/Santiago_Calatrava

http://www.arteespana.com/santiagocalatrava.htm

http://www.archdaily.mx/mx/tag/santiago-calatrava

http://www.turningtorso.se

http://es.wikipedia.org/wiki/Turning_Torso