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TEORÍA
-2 PREGUNTAS, a elegir entre las cuatro que vienen a continuación:
1. Características generales del arte barroco2. Características de la arquitectura barroca3. Características generales de la escultura barroca4. Características generales de la pintura española durante el Barroco
IMÁGENES -10, en total- Para su estudio, podéis utilizar los apuntes que se os han entregado en los últimos días a ordenador.
1. Una de arquitectura; a elegir entre: el Baldaquino o la Columnata de San Pedro 1
2. El Éxtasis de Santa Teresa 2
3. Otra de escultura ; a elegir entre : la de David o la de Apolo y Dafne 3
4. Otra de la etapa sevillana, siempre añadiendo los datos biográficos que vienen en apuntes; a elegir entre: El aguador o La vieja friendo huevos. 4
5. Otra de la primera etapa de corte: Felipe IV, joven o los Borrachos añadiendo las características de ese momento, tal como viene en los apuntes- 5
6. Otra de su primer viaje a Italia: La fragua de Vulcano- 6
7. Otras dos de su segunda etapa de Corte; a elegir entre Baltasar Carlos, el Conde Duque y Las Lanzas . No olvidéis, al decir en qué momento pintó esas obras, las tres características fundamentales del período- 7 y 8
8. Otra de su segundo viaje a Italia; a elegir entre Venus del espejo, Inocencio X 9
9. Otra de su última etapa; a elegir entre “Las hilanderas” Y “Las Meninas” - 10
A. ES UN ARTE DIRIGIDO POR EL
PODER COMO INSTRUMENTO DE
PROPAGANDA DE SUS VALORES
IDEOLÓGICOS. Se trataba de:
1. exaltar los DOGMAS Y LA
AUTORIDAD DE LA IGLESIA.
2. exaltar de la grandeza de los
monarcas)Palacio de Versalles
B. Es un arte destinado a las masas con el fin de captarlas:
Es un arte RETÓRICO EN LAS FORMAS Y SENCILLO EN EL MENSAJE, a base de:
mensaje sencillo para facilitar su
comprensión popular
formas aparatosas para
atraer la atención y
sensibilizar
+
¿CUÁLES SON LAS CARACTERÍSTICAS GENERALES DEL ARTE BARROCO?
Gregorio Fernández. Cristo Yacente
EL ESCULTOR MÁS SIGNIFICATIVO ES BERNINI
¿Cuáles son sus obras más emblemáticas?
CARACTERISTICAS GENERALES DE LA ESCULTURA
1. Se concibe en
función del marco
arquitectónico o
urbano al que va
destinada
2. plasma escenas en movimiento detenidas en el momento de máxima acción
Los gestos y actitudes son teatrales y de gran expresividad
4. se tratan las superficies con acusados entrantes y
salientes que producen fuertes contrastes de luces y
sombras, con lo que se acentúa el efecto teatral
su objetivo es
conmover
emocionalmente al
espectador con el fin
de captarle
ideológicamente.
LA PINTURA ESPAÑOLA
El siglo XVII es
considerado el Siglo
de Oro de la pintura
española y en ella,
es la CORRIENTE
“NATURALISTA”
de la pintura barroca
la que predomina de
forma casi absoluta.
La temática es casi
EXCLUSIVAMENTE
RELIGIOSA, ya que los
principales clientes del
arte español son
ECLESIÁSTICOS, al igual
que ocurría con la
escultura.
Los temas mitológicos
o históricos son muy
escasos.
Y de los demás géneros sólo
tienen importancia
EL BODEGÓN, con una tipología
específicamente española,
y EL RETRATO.
Estilo ARTÍSTICO, capaz de reproducir la realidad con una objetividad perfecta y documental en todos sus aspectos, tanto en los más sublimes como los más vulgares
¿CUÁLES SON LAS CATRACTERÍSTICAS GENERALES?
-FUE LEVANTADO SOBRE LA TUMBA DE S. PEDRO Y BAJO LA CÚPULA DE
LA BASÍLICA
-Es una gran construcción a base de columnas salomónicas en bronce
dorado (bronce procedente del PANTEÓN) que en lo sucesivo serán muy
utilizadas en el Barroco por su carácter dinámico. Se realizó por encargo de
URBANO VIII, verdadero mecenas de Bernini
Se trata de una auténtica “escultura arquitectónica”, cuya transparencia no
rompe la perspectiva de la iglesia y cuya grandiosidad refuerza el valor
simbólico del crucero y la cúpula, creando una escenografía
típicamente barroca.
2.1 BALDAQUINO DE SAN PEDRO (1623) BERNINI
LA OBRA DE BERNINI: A. ARQUITECTURA
Se trata de un gran palio (de 29 m. de alto) permanente, sustentado por cuatro columnas salomónicas (en bronce
dorado), que en lo sucesivo serán muy utilizadas en el Barroco por su carácter dinámico.
El dinamismo de los fustes se ve potenciado por entablamentos clásicos fragmentados que, en número de cuatro, se
asientan como tacos sobre los capiteles y se unen por lambrequines que recuerdan las arquitecturas provisionales
construidas para determinados acontecimientos. Grandes tallos de volutas rematan la construcción, proporcionándole
una ascendente forma apuntada.
Sus columnas poseen fustes con decoración vegetal y capiteles corintios, apeadas sobre cuatro podios.
ENTABLAMENTOS CLÁSICOS FRAGMENTADOS
capiteleslambrequines
tallos de volutas
Fustes apeadas sobre cuatro podios.
-Está compuesta de cuatro filas de columnas monumentales que definen una plaza elíptica de eje transversal. Están rematadas en una balaustrada sobre la que se asientan las figuras de ciento cuarenta santos de diversas épocas y lugares.
-su carácter abierto invita al ingreso a la plaza desde cualquier punto -la plaza elíptica junto con el trapezoide, que une aquélla con la fachada de la Basílica, configuran uno de los mejores ejemplos de urbanismo barroco:
. el visitante accede a la plaza elíptica a través de cualquier punto de la columnata;
. una vez dentro, se dirige su atención hacia el obelisco central, que le sitúa frente a la fachada de la Basílica.
obelisco
1. ¿CÓMO ES?
BERNINI
2. ¿QUÉ SIMBOLIZA?
trapezoide
3 LA COLUMNATA DE SAN PEDRO (1657-67)
FACHADA. MADERNO
BERNINI XVII
MIGUEL ÁNGEL
XVI
XVII
Mide 25 metros de alto y 327
toneladas), un bloque pétreo
sin inscripciones traído
desde Egipto que estaba en
el centro de un circo romano
COLUMNATA DE SAN PEDRO (1657-67)
obelisco
1. ¿CÓMO ES?
BERNINI
-La forma de la columnata simboliza, según el
propio Bernini, los brazos abiertos de la Iglesia para
acoger a toda la humanidad, actuando como
prolongación urbana de la Basílica, cuya cúpula
simbolizaría la cabeza
-Así, la basílica, que fue concebida como
monumento independiente por los arquitectos
renacentistas, acaba convertida en edificio barroco
integrado en un amplio escenario urbano.
2. ¿QUÉ SIMBOLIZA?
trapezoide
LA ARQUITECTURA ROMANA
FACHADA. MADERNO
BERNINI XVII
MIGUEL ÁNGEL
XVI
XVII
Extasis de Santa Teresa (Capilla Cornaro, Sta. María de la Victoria, Roma, h. 1650)
Quizás sea ésta la obra más representativa y emblemática de Bernini y es posible que la razón esté en que la
hizo para mostrar que, sin lugar a ninguna duda, él era el mejor. Tras el ascenso al papado de Inocencio X
había sido relegado y tenía que dejar constancia de que aquello era una injusticia.
La ocasión se le presentó cuando el cardenal Cornaro, veneciano establecido en Roma, le encargó remodelar
el brazo izquierdo del crucero de la iglesia carmelita de Santa María della Vittoria a fin de convertirlo en su
capilla funeraria. AQUÍ PREPARÓ UN AUTÉNTICO TEATRO PARA ENSEÑAR AL MUNDO LA IRREFUTABLE
MUESTRA DE LA SANTIDAD DE TERESA (CANONIZADA EN EL AÑO 1622) Y AL TIEMPO PARA LUCIMIENTO
DE SU ARTE, QUE HABÍA SIDO TAN INJUSTAMENTE TRATADO.
Por ello preparó los palcos en los que, en relieve, colocó a los miembros de la familia Cornaro (ya muertos y
aún vivos) que asisten al milagro (¿artístico?) y lo comentan admirados, propiciando la misma reacción en los
fieles y contempladores futuros que acuden al lugar.
Al frente, en camerín abierto de dramática iluminación cenital que se materializa en rayos de bronce dorado, la
santa está viviendo las más opuestas sensaciones de placer y dolor que se reflejan en su rostro y en las
tortuosas líneas de plegados abstractos en que se revuelve su hábito; por el contrario, el ángel define
claramente una sonrisa de triunfo mientras cubre el pecho del que acaba de extraer el dardo.
Asistimos a un verdadero milagro: la realidad material que busca la santa con su frágil y simbólico pie
desnudo para apoyarse en ella, se ha esfumado, sustituida por la vaporosidad de la nube en que ambos flotan.
EXTASIS DE SANTA TERESA (CAPILLA
CORNARO, STA. MARÍA DE LA VICTORIA,
ROMA, H. 1650)
El conjunto representa el más claro ejemplo
DE FUSIÓN DE ESCULTURA Y
ARQUITECTURA, característica de la obra
de BERNINI:
La capilla se convierte en un escenario
teatral que enmarca la representación
dramática del grupo escultórico, iluminado
de forma efectista por una luz que penetra
por la vidriera amarilla oculta tras el frontón
Destacan la EXPRESIÓN DE LA SANTA y
la sensación de ingravidez de su cuerpo,
que contrasta con la expresión sonriente
y complacida del ángel. El tratamiento de
las superficies, con profundos entrantes y
salientes, acentúa el dramatismo por los
contrastes lumínicos que provoca
ES SU OBRA MAESTRA
La escena sigue al pie de la
letra la descripción de la propia
santa: “Se sentía desfallecer en
arrebato místico por el dardo
ardiente que el ángel clavaba
en su corazón”
¿CUÁLES SON LAS
PRINCIPALES OBRAS
DE BERNINI COMO
ESCULTOR?
APOLO Y DAFNE (Galería Borghese, Roma,
1621)
- Capta el momento en que Apolo, en plena
carrera, alcanza a la ninfa -espíritu
femenino de la naturaleza- Dafne, que huye
porque no quiere ser seducida por el dios,
y a su contacto es transformada en laurel
por su padre el rey Peneo
- Se caracteriza por LOS GESTOS Y
ACTITUDES TEATRALES: PRIMA LA
INSTANTANEIDAD
- Fjaos cómo los brazos se curvan, los
cabellos ondean al aire, los escasos
ropajes se pliegan y se agitan al compás
del cuerpo, en el que se obsevan:
1. DIVERSIDAD DE PUNTOS DE VISTA
2. ACENTUADOS EFECTOS
LUMÍNICOS
Apolo y Dafne, encargada por el cardenal romano Scipione Borghese para los jardines de su villa, es una
obra de juventud. Sin embargo, en ella aparecen definidos los rasgos principales de su personalidad
artística.
El grupo, esculpido en mármol, está realizado con gran virtuosismo. De la superficie pulimentada de las
figuras emana una sutil sensualidad. La suave textura del cuerpo de Dafne contrasta con la aspereza del
árbol en que está transformando.
Bernini capta el momento inicial de la metamorfosis. Dafne huye del acoso del apasionado Apolo y es
convertida en laurel por su padre, el rey Peneo. En el instante en que Apolo roza el deseado cuerpo de la
ninfa, ésta se transforma en tronco de árbol. Es la acción en potencia, momento culminante donde se
concentra la emoción dramática del mito, la tensión. La escultura se expande en tres dimensiones del
espacio con tal libertad que puede contemplarse desde diversos puntos de vista.
LÍNEAS CURVAS DESCRITAS POR LOS CUERPOS Y RITMOS DIAGONALES DOTAN A LA OBRA DE
DINAMISMO, de ímpetu, de movimiento ascendente que se proyecta hacia un espacio ilimitado. Los brazos
se extienden, los cabellos ondean al aire, los escasos ropajes se pliegan y se agitan al compás del cuerpo,
en una composición abierta. Ritmo y tensión permiten a Bernini escapar del estatismo de la materia y crear
de manera ilusoria el movimiento real.
Se caracteriza por:
• El agitado MOVIMIENTO, detenido en el momento de lanzar
la honda
• gran EXPRESIVIDAD:
• GESTO ENÉRGICO Y VIRIL
• VIOLENTA CONTORSIÓN DEL CUERPO que ofrece
diversos puntos de vista
FRENTE AL JOVEN HÉROE MÍTICO, LAUREADO, VENCEDOR SIN
ESFUERZO DE GOLIAT, DE DONATELLO;
FRENTE AL GIGANTE BÍBLICO DE BUONARROTI, TENSO POR LA
MISIÓN QUE LE HA SIDO ORDENADA POR DIOS Y QUE, AÚN
CON TEMOR, VA A EJECUTAR,
Bernini eligirá a un hombre adulto y vulgar, a un pastor que, en un
instante, arrebatado por la ira, esgrime la honda contra su
enemigo. En ninguna otra obra se acercó tanto Bernini, por su
instantaneidad natural a Caravaggio.
DAVID (GALERÍA BORGHESE, ROMA, 1619)
Lo más valioso del cuadro ES EL ROSTRO
QUE SE ADIVINA EN LAS TINIEBLAS DEL
SEGUNDO PLANO
1. ¿participa en la escena?
2. ¿es un retrato?.
ES, DESDE EL PUNTO DE VISTA ESTÉTICO ES
UNO DE LOS HALLAZGOS MÁS
INQUIETANTES DEL CUADRO.
La obra podría simbolizar :
1. LAS TRES EDADES DEL HOMBRE
2. Y LA TRANSMISIÓN DEL
CONOCIMIENTO, SIMBOLIZADO POR EL
AGUA
Posiblemente sea la obra maestra de
la ETAPA SEVILLANA. Aparecen dos figuras
en primer plano, un aguador y un niño, y al
fondo un hombre bebiendo en un jarro, por lo
que se ha sugerido que podría representar las
tres edades del hombre
1. RELATO ICONOGRÁFICO
2. SIGNIFICADO DE LA OBRA O ANALISIS ICONOLÓGICO
EL AGUADOR (Museo Wellington, Londres, ant. 1623)
1. Presenta las mismas características
técnicas y formales que la obra
anterior.
LA VIEJA FRIENDO HUEVOS
(National Gallery, Edimburgo-Escocia-, 1618)
1. RELATO ICONOGRÁFICO
ES UNA ESCENA DE GÉNERO
-tipo de obra ARTÍSTICA, principalmente PICTÓRICA, en la
que se representa a personas normales en escenas
cotidianas, de la calle o de la vida privada, contemporáneas
al autor- los mercados, interiores, fiestas, tabernas y calles.-
Velázquez le dedicó a ella gran parte de su obra juvenil
, El asunto tratado supone una absoluta novedad, ya que
hasta ahora nadie se había atrevido a representar en la
pintura española escenas tan aparentemente triviales como
ésta.:
EN PRIMER PLANO vemos a una anciana cocinando unos
huevos en un hornillo de barro cocido, junto a un muchacho
que porta un melón de invierno y una frasca de vino.
La aspereza del barro y el brillo de la clara de huevos
El relumbrar y estallido metálico Del cobre
La dulce texturade la cerámicavidriada
La nerviosa sombra del cuchlillo
Podemos observar cómo V. ha reunido gran
cantidad de objetos en torno a los dos
personajes y ha resuelto la distribución de
cada uno de forma hábil, aunque todavía está
muy lejos de sus magistrales composiciones
de madurez.
Igual que en la obra anterior, ha conseguido
casi a la perfección captar SU CALIDAD
MATERIAL
Por último, podemos señalar la sabia
disposición de las figuras humanas
colocadas a ambos lados de una diagonal
casi perfecta, extremadamente calculada,
compuesta de arriba abajo por la cabeza del
muchacho, su mano, los dos brazos de la
vieja y el almirez.
ESTA CUIDADOSA COMPOSICIÓN
GEOMÉTRICA ES MUY CARACTERÍSTICA
DEL SEVILLANO.
LA VIEJA FRIENDO HUEVOS
(National Gallery, Edimburgo-Escocia-, 1618)
1. -PERSONAJES VULGARES Y COTIDIANOS
2. CAPTACIÓN DE LAS CALIDADES DE LOS OBJETOS Y
DE LA POBREZA DE LOS PAÑOS
3. -Dibujo detallado
4. -Tenebrismo que nos permite distinguir varios planos de
profundidad
5. -Colores oscuros y terrosos
6. INMOVILIDAD en la escena con FIGURAS EN ACTITUDES
FORZADAS Y POCO RELACIONADAS ENTRE SÍ
7. SABIA DISPOSICIÓN DE LAS FIGURAS HUMANAS
colocadas a ambos lados de una diagonal casi perfecta,
y extremadamente calculada
2. CARACTERÍSTICAS
LA ESCENA DE GÉNERO es un tipo de obra ARTÍSTICA,
principalmente PICTÓRICA, en la que se representa a personas
normales en escenas cotidianas, de la calle o de la vida privada,
contemporáneas al autor- LOS MERCADOS, INTERIORES, FIESTAS,
TABERNAS Y CALLES.-
FELIPE IV (PRADO, ENTRE 1623-1628) 1ª ETAPA DE CORTE (1623-29)
Como pintor de Corte, EL RETRATO SERÁ UNO DE LOS GÉNEROS MÁS
FRECUENTES DE SU OBRA, y en él sigue el ESTILO SEVERO de la
escuela de la Corte española, que se caracteriza por EL
DISTANCIAMIENTO Y LA RIGIDEZ, propios del severo ceremonial de la
monarquía española
-Desde su elaboración, Velázquez, con 24 años, se convierte en:
1. PINTOR de un único cliente, su rey,
2. FUNCIONARIO responsable DE LA IMAGEN DEL SOBERANO Y DE SU
FAMILIA,
3. Y ENCARGADO, además, DE LA CONSERVACIÓN Y VALORIZACIÓN DE LOS
BIENES ARTÍSTICOS Y ARQUITECTÓNICOS DE LA CORONA.
INTRODUCCIÓN
Felipe IV (Prado, entre 1623-1628) 1ª ETAPA DE
CORTE (1623-29)
RELATO ICONOGRÁFICOEl monarca con sus pies en compás (en
ángulo), aparece vestido con golilla y capa
corta, como dando ejemplo de lo que dispuso
en la pragmática contra el lujo.
CARACTERÍSTICASEs un típico RETRATO DE APARATO en el
que cada elemento tiene una función
simbólica:
1. EL PAPEL DOBLADO O MEMORIAL EN SU
MANO DERECHA, ALUDE A SUS
OBLIGACIONES BUROCRÁTICAS, A LA VEZ
QUE SIMBOLIZA SU CAPACIDAD
LEGISLATIVA MIENTRAS QUE LA IZQUIERDA
SE APOYA EN
2. LA ESPADA TIENE QUE VER CON SU
PAPEL DE DEFENSOR DEL PAÍS.
3. LA SILLA O LA MESA SIGNIFICARÍAN EL
IMPERIO EN EL QUE SE SUSTENTA LA
MONARQUÍA.
Además, observad cómo sugiere el espacio, a
través de medio mínimos, como la silla o la
sombra de los pies; es decir, la ausencia de
fondo es suplida por el juego de sombras
Felipe IV (Prado, entre 1623-1628)
Es curiosa la revelación que ha supuesto
la radiografía de este lienzo: V. pintó una
primera figura con postura algo diferente
y otros vestidos igualmente distintos.
Más tarde repintó todo el cuadro y le dio
la apariencia actual (V. tenía la manía de
rehacer sus obras hasta que lograba sus
propósitos o se cansaba sencillamente
del trabajo).
En muchas obras, una breve operación de
rayos X revela las manipulaciones del
pintor sobre el trabajo original. Ello nos
da idea del temperamento paciente y
laborioso, a la par de incansable
calculador
INTRODUCCIÓN
Es el primer cuadro de tema mitológico que conocemos de Velázquez.
Fue, sin duda, su privilegiada posición en la Corte la que le permitió
cultivarlo ya que EL TEMA MITOLÓGICO O PROFANO era poco frecuente
en la pintura barroca española -
LOS BORRACHOS O EL TRIUNFO DE BACO
RELATO ICONOGRÁFICOLa escena recoge el momento en que Baco, el Dionisios griego, dios del vino, de la vid y de todos los excesos que
estos favorecen, corona a un soldado.
1. EL DIOS aparece semidesnudo , acompañado por un grupo de 8 personajes vestidos a la moda del XVII, que
observan y beben. Su piel es blanca y suave, casi nacarada, como corresponde a alguien que no trabaja ni necesita
exponerse a las inclemencias del tiempo.
2. Sin embargo, LOS CAMPESINOS, vestidos rústicamente, tienen el rostro curtido por el sol, el viento y la vida al aire
libre, además de arrugado por el paso de los años. Sus sonrisas y el brillo de la nariz enrojecida hablan del estado
de euforia en que les ha puesto el vino. El de la capa, mayor y quizá no tan pobre, mantiene una actitud más seria,
mientras contempla la coronación.
RELATO ICONOLÓGICO ¿QUÉ SIGNIFICADO SE LE DA A LA OBRA?
• Baco aparece como el dios que ragala el vino a los hombres para que
olviden por un tiempo sus dificultades. La obra se pinta en 1628 o 1629,
coincidiendo, o poco después, de la estancia de Rubens en la corte de
Madrid.
Los dos recipientes de barro y cristal que aparecen en el suelo en primer
plano conservan todavía la maestría que Velázquez adquirió en Sevilla
,
A PARTIR DE SU LLEGADA A LA CORTE EN SU OBRA SE APRECIA UNA EVOLUCIÓN CLARA:
1. EN LA COMPOSICIÓN :
-de las actitudes forzadas y la yuxtaposición de figuras de su etapa sevillana, HACIA ACTITUDES RELAJADAS Y UNA
AGRUPACIÓN MÁS NATURAL Y SUELTA DE SUS FIGURAS
2. EN EL DIBUJO Y EN EL COLOR : RECUERDA TODAVÍA SU ETAPA SEVILLANA, sin embargo:
- Evoluciona de un dibujo detallado, con colores terrosos y oscuros, de factura lisa, propios de aquella etapa, HACIA
OTRO DIBUJO CON ESCASOS ELEMENTOS LINEALES Y COLORES FRÍOS; con pincelada suelta e inconexa vista
desde cerca (técnica impresionista).
3. EN EL TRATAMIENTO DE LA LUZ :
-Del tenebrismo inicial más violento, progresa HACIA UNA LUZ MÁS MATIZADA Y HACIA EL DOMINIO DE LA
“PERSPECTIVA AÉREA” (plasmación de las capas de aire interpuestas entre los objetos). sin duda como
consecuencia de su estudio de los pintores venecianos de las Colecciones Reales y del contacto con Rubens (51
años, y él, 29).
CARACTERÍSTICAS
LA FRAGUA DE VULCANO (PRADO, 1630)
El cuadro describe el momento en que APOLO dios
de la belleza masculina y de la música, informa a
VULCANO, dios herrero y aquejado de cojera, de los
amores adúlteros de su esposa, VENUS, con el dios
de la guerra, MARTE. Todo ello, ante la sorprendida
cuando no, divertida mirada de los operarios( los
cíclope
RELATO ICONOGRÁFICO
CARACTERÍSTICAS
El tema sirve de pretexto para plasmar una ESCENA COTIDIANA, ya que lo que aparece en el cuadro es una fragua de la época en la que los cíclopes míticos son vulgares herreros; incluso la armadura es característica del momento, etc.)”
A NIVEL PARTICULAR, VEMOS
1. A APOLO, casi adolescente, CUBIERTO POR UNA TÚNICA ANARANJADA que, en unión de LA AUREOLA DE RAYOS
SOLARES que rodean su cabeza, enmarcada por LA VENTANA, parece actuar de foco de luz en el taller
2. LA PRESENCIA DE TONALIDADES cálidas:
1. UN TROZO DE METAL ROJO que Vulcano sujeta sobre el yunque
2. y LA LLAMA DE LA CHIMENEA que recorta el cuerpo de los herreros que contemplan sorprendidos al
visitante, al igual que su patrón.
3. Y DE HASTA 4, en total PUNTOS DE LUZ-EN LA OBRA
-TÉCNICAMENTE, PRESENTA RASGOS DE SU ETAPA SEVILLANA, aunque empiezan a percibirse los cambios:
• colores terrosos,
• dibujo detallado,
• Interés por las calidades de los
objetos
• contraste de luces y sombras, aunque ya
abandona el tenebrismo inicial, -
RECORDEMOS QUE HAY 4 PUNTOS DE LUZ-
QUE ILUMINAN LA OBRA
• la composición es una elipse, e
incluso una pirámide, como veremos a
continuación:
CARACTERÍSTICAS
Observad el criterio compositivo (una elipse, e
incluso una pirámide. Para algunos estudiosos
parece obvio que el cuadro escondería alguna
intención alegórica, que bien podría ser la de
reflejar la superioridad del arte, encarnada en
Apolo, sobre la mera artesanía, esforzado
producto mecánico.
APOLO es el único que, JUNTO AL EL CÍCLOPE QUE ESTÁ DE ESPALDAS REFLEJAN LA INFLUENCIA DEL
CLASICISMO ITALIANO, ya que aparecen representados, en ambos casos, como dios y como héroe de la estatuaria
clásica CON SUS ACTITUDES ESTÁTICAS Y RELAJADAS frente a la vulgaridad de aspecto y actitudes de las otras
figuras, incluido el dios Vulcano.
Para pintar a estos últimos se debió de inspirar en en personajes populares
-técnicamente, presenta rasgos de su etapa sevillana, AUNQUE EMPIEZAN A PERCIBIRSE LOS CAMBIOS:
CARACTERÍSTICAS
CARACTERÍSTICAS
1. Como heredero de la Corona, aparece con
los atributos de General: bengala en la mano
derecha y banda carmesí cruzada;
2. Posición del caballo en corveta (patas
delanteras en alto) que simboliza el dominio
del caballo y la capacidad de mando de reyes
y herederos.
3. fondo serrano del Guadarrama,
compuesto por grises, azules y
verdes, es de una belleza
inolvidable. Quizá el más bello de
todos los fondos paisajísticos.
El Príncipe Baltasar
Carlos a caballo (Prado,
1635 ó 1636)
Se trata del hijo de Felipe IV, que
tendría unos 6 años y había nacido
durante la permanencia de V. en Italia.
Posteriormente será retratado dos
veces a tamaño natural, a pie y a
caballo. Y es que el retrato ecuestre es
una forma convencional de representar
al césar (desde Marco Aurelio y
pasando por el Renacimiento),
En este caso, retrata su rostro infantil
del que emana ya una secreta tristeza,
a sus seis años, reflejo de su frágil
salud y preludio de su próxima muerte.
Iba destinado al dintel de la puerta del
SALÓN DE REINOS, entre los
retratos también ecuestres de su padre
y su madre; su situación en una pared
elevada explica la perspectiva de abajo
hacia arriba
RELATO ICONOGRÁFICO
Técnicamente es un buen ejemplo de su
estilo maduro:
1. primacía de la mancha de color
(“desmaterialización de la pintura”),
2. gama de colores fríos,
3. gusto por el paisaje, etc.
CARACTERÍSTICAS
Se trata de un retrato ecuestre, encargado
por el Conde- Duque en 1634 y que tiene
todas las características del retrato
cortesano.
- El Conde Duque, protector y amigo de
Velázquez está pintado como un
caudillo en la batalla -aún humea en el
paisaje del fondo-, pues se quería
conmemorar su victoria sobre los
franceses en Fuenterrabía -Guipuzcoa -
1638-. El tono de adulación cortesana y
de convencional solemnidad que respira
el lienzo es ostensible.
EL CONDE-DUQUE DE OLIVARES A CABALLO
RELATO ICONOGRÁFICO
CARACTERÍSTICAS1. -ES UN RETRATO DE APARATO,
A través de él, El Conde Duque tiende a
glorificar el salón de su palacio,
plasmando su poder como todopoderoso
valido. Aparece con los mismos atributos
que los reales ecuestres y compite con
ellos, si no los supera en maestría.
2. EL CABALLERO Y SU MONTURA ESTÁN
REPRESENTADOS EN DIAGONAL
y lo hace para simular profundidad –efecto
barroco-. Lleva coraza labrada en oro,
chambergo de grandes plumas y bastón de
mando. Nadie diría que tras ese aspecto
tan seguro se encuentra el ministro
cortesano en cuyos días murió el prestigio
de la infantería española.
3. ES UN ESPLÉNDIDO ESTUDIO DEL
CABALLO EN MOVIMIENTO (típica corveta
de la escuela española), POSIBLEMENTE,
LO MÁS INTERESANTE DE LA OBRA
4. ES MAGNÍFICO EL FONDO VERDOSO QUE
SE ADIVINA A LO LEJOS.
Destaca la armonía de colores que resulta
exquisita, y toda la composición responde
a un tipo de retrato que V. practicó mucho
entre la familia real.
EL CONDE-DUQUE DE OLIVARES A CABALLO
Describe un episodio victorioso, acaecido en 1625, para las tropas españolas, en la
ciudad holandesa de BREDA.
Hay que situarlo en el marco de las hostilidades de España contra Holanda,
independiente desde la época de Felipe II, pero sin que España lo reconociera.
Si bien al comienzo de la contienda, la balanza se inclinó del lado de Felipe IV que
obtuvo importantes victorias como ésta, no dejó de ser un hecho aislado, ya que los
holandeses contaron con importantes apoyos, como G: Bretaña y Francia, PAÍSES
QUE SE ENFRENTARON A LOS HABSBURGO DURANTE LA GUERRA DE LOS 30
AÑOS (1618-1648).
Finalmente, España tuvo que reconocer la independencia de Holanda tras LA PAZ DE
WESTFALIA (1648)
LAS LANZAS O LA RENDICIÓN DE BREDA -1635-
INTRODUCCIÓN HISTÓRICA
RELATO ICONOGRÁFICO
La pintura se refiere a la entrega de las llaves de la ciudad de Breda POR PARTE DEL GOBERNADOR HOLANDÉS
JUSTINO DE NASSAU AL GENERAL ESPAÑOL, DE ORIGEN GENOVÉS, AMBROSIO DE SPÍNOLA.
Junto a este último, Velázquez había navegado hacia Italia en 1629 –primer viaje-, oyendo por boca del genovés el relato
de los hechos; por tanto, esta obra fue pintada por “el sevillano” en 1635; es decir, diez años más tarde de la victoria de
los tercios españoles,, sin haber sido testigo de lo que allí acaeció.
Estaba destinado AL SALÓN DE REINOS DEL PALACIO DEL BUEN RETIRO (ACTUAL MUSEO DEL EJÉRCITO), que se
estaba construyendo en esa época por encargo de Olivares).
La decoración pictórica de este Salón se encargará a los mejores pintores españoles e italianos, ya que a través de
ellos, se conmemoraban las grandes victorias de la monarquía española
Destacan como rasgos fundamentales, 5:
1. EL TRATAMIENTO ELEGANTE Y
PONDERADO DEL TEMA ya que vencedor y
vencido adoptan una actitud caballeresca, sin
arrogancia ni humillación
2. LA COMPOSICIÓN ABIERTA, EN ASPA o
en paréntesis, con centro en la llave, que se
recorta sobre el muy luminoso segundo
plano
3. EL HECHO DE QUE LOS PERSONAJES
MIRAN AL ESPECTADOR, como en los
“Borrachos” o en “las Meninas” (puesta en
escena barroca)
4. LA HABILIDAD DE VELÁZQUEZ para
conjugar dramáticamente un abundante
número de figuras con actitudes y
expresiones muy singulares, a veces muy
concernidas en lo que ocurre; otras, más
ausentes, pero siempre y en todas las
ocasiones con total naturalidad.
CARACTERÍSTICAS
5. Y QUE, TÉCNICAMENTE, SU ESTILO HA
ALCANZADO YA LA PLENITUD y ha dejado
atrás los rasgos de su etapa sevillana:
-desaparición total del claroscuro tenebrista,
-DOMINIO DE LA PERSPECTIVA
AÉREA,
-PREDOMINIO DE LA MANCHA SOBRE EL
DIBUJO,
-NUEVA GAMA CROMÁTICA FRÍA (VERDES,
AZULADOS, GRISES),
-IMPORTANCIA DEL PAISAJE
PERSPECTIVA AÉREA.-
Es la que intenta representar LA ATMÓSFERA que envuelve a los
objetos, dibujando más desvaídamente a los del fondo, con objeto de
producir una impresión muy real de distancia
CARACTERÍSTICAS
Es la única obra conservada de Velázquez en la que
aparece una mujer desnuda, aunque sabemos que
pintó alguna más.
El tema de la Venus desnuda es insólito en la pintura
barroca española y, sin embargo, a través de él,
nuestro pintor rinde homenaje y se equipara a los
grandes maestros que admiraba: RUBENS, TIZIANO Y
GIORGIONE
Apareció en un inventario en 1651, como propiedad
del MARQUÉS DE ELICHE, gran amante de la pintura
de Velázquez y de las mujeres, por lo que se piensa
que puede representar a su esposa o a una de sus
amantes.
Y quizá para despistar, el pintor colocó el rostro del
espejo, difuminado, para así reflejar el cuerpo desnudo
de la dama que el marqués amaba.
Quienes apoyan la elaboración italiana de esta obra lo
hacen apoyándose en la prohibición existente en España
de representar desnudos femeninos, de cuyo
cumplimiento ya se ocupaba el Santo Oficio
INTRODUCCIÓN
En referencia a los pintores clásicos que
habían realizado trabajos sobre “Venus”,
cabe decir que:
1. TIZIANO la había representado
recostada, aunque de frente;
2. RUBENS la había pintado de espaldas y
con un espejo que reflejaba su rostro,
pero con el cuerpo erguido;
3. Y VELÁZQUEZ COMBINÓ LOS
DOS TRATAMIENTOS,
POSICIONÁNDOSE TAMBIÉN
EN LA PLASMACIÓN, DESDE
SU TIEMPO, Y COMO PINTOR
DE GENIO, DE LA BELLEZA
FEMENINA.
TIZIANO: V. URBINO
RUBENS
GLOBALMENTE, Velázquez representa a Venus
1. recostada sobre unas sábanas, de
espaldas al espectador, que era una
posición con connotaciones eróticas en la
Antigüedad,
2. Y como una mujer de belleza palpable, de
carne y hueso,
LA VENUS DEL ESPEJO
Actualmente se encuentra en la NATIONAL GALLERY DE LONDRES
RELATO ICONOGRÁFICO
3. Su rostro, sólo es posible verlo intencionadamente distorsionado en un ESPEJO en el que la diosa se mira, y
con el que se consigue dar al cuadro una gran profundidad. Aquél es:
1. Un elemento que simboliza, tradicionalmente, la vanidad y el deseo
2. Y que es sostenido por CUPIDO, representado por un niño alado desnudo que lleva las manos
atadas por una cinta rosa que no sirve para colgar el espejo, sino que constituye la ligadura que lo
une, de forma inexorable, a la belleza. Éste, con aire melancólico, desarmado, sin flechas ni carcaj,
parece condenado a la inactividad, a contemplar a la diosa.
PARTICULARMENTE
CARACTERÍSTICAS
1. POSEE grandes dosis de realismo
Para ello, resalta la CARNACIÓN DE SU CUERPO,
gracias al contraste con:
• la sábana azul, los pañuelos
VERDE Y BLANCO,
• y el cortinaje rojo con el que da,
además, una gran carga erótica al asunto.
POSIBLEMENTE ESTO PROVOCÓ QUE UNA
SUFRAGISTA INGLESA ACUCHILLARA EL
CUADRO EN 1914 CON SIETE PUÑALADAS QUE
APENAS SÍ SE NOTAN.
2. Una enorme originalidad en lo que a la
técnica y color se refiere.
LA VENUS DEL ESPEJO
Actualmente se encuentra en la NATIONAL GALLERY DE LONDRES
VAYAMOS AHORA CON LA TÉCNICA Y EL
COLOR:
TÉCNICA:
1. Utiliza una pincelada suelta, donde
los contornos quedan difuminados.
2. Además, usa una composición a
base de dos líneas
perpendiculares, la que forma
horizontalmente el cuerpo de
Venus y la vertical del cuerpo de
Cupido; y una tercea diagonal.
3. También hay una serie de líneas
curvas, como la que forma el
cortinaje o las sábanas, que dan
movimiento a la escena, que en
general se caracteriza por su
carácter calmado.
LA TÉCNICA Y EL COLOR
COLOR:
Sorprende la limitación cromática a un
rojo brillante, un suave azul, y un
cálido tono marrón que hace aparecer el
cuerpo de Venus - que como indica Lafuente
Ferrari, tiene forma de guitarra- como un
valor propio que, con su precioso
resplandor, domina todo lo demás.
Por otra parte, una mancha blanca
vertiginosamente pintada y un sutil velo
azul de seda separan la figura del espejo,
que se recorta, como en Inocencio X, ante la
cortina roja.
En Roma se le encargó pintar a Inocencio X. Para
ejercitarse, pintó uno de los retratos más importantes
del período: EL DEL SERVIDOR, JUAN PAREJA, QUE SE
CONSERVA EN EL METROPOLITAM MUSEUM DE N.
YORK.
Después retrató al Papa, pausadamente, sin prisas. Para
ello, tomó apuntes y realizó el boceto de la cabeza. De
igual forma que en el de Pareja, trasladó el personaje a
la izquierda del espectador, dejando una zona de
respeto, abstractamente manchada por un prodigioso
cortinaje rojo.
Del mismo tono, pero bordeado en oro, es el sillón
donde solemnemente se sienta el Papa, también de rojo.
En el solideo (gorro) y la muceta (capa), los tonos
carmesí son aclarados con blancos, formando aguas.
Las Meninas o La familia de Felipe IV (Prado, 1656)
VELÁZQUEZ
I. MARGARITA
FELIPE IV
MARIANADE AUSTRIA
JOSE NIETO
ISABELDEVELASCO
MARCELA DEULLOA
DIEGO RUIZDE AZCONA
MARI BÁRBOLA
NICOLASITOPERTUSATO
AGUSTINA SARMIENTO
-Retrato de grupo con la infanta Margarita como protagonista, rodeada de sus
“meninas” (lusitanismo para designar a las jóvenes doncellas de honor).
EN LA OBRA SE SIMULA EL ACTO DE RETRATAR A LOS REYES, QUE SE
ENCONTRARÍAN EN EL LUGAR DEL ESPECTADOR y que aparecen reflejados en el
espejo del fondo.
Sin embargo:
1. LOS RETRATADOS son de hecho los observadores de los reyes– Margarita y sus
meninas -,
2. MIENTRAS QUE, LOS REYES, en el cuadro de Velázquez, PASAN A CONVERTIRSE
EN ESPECTADORES.
-De esa manera, el mundo ficticio del cuadro y el mundo real del espectador quedan
así fundidos
-Es de destacar el diálogo directo de miradas que se establece entre los personajes
del cuadro y el espectador.
LAS MENINAS O LA FAMILIA DE FELIPE IV (PRADO, 1656)
¿QUÉ CONCLUSIÓN SACAMOS DE ESTO?
INTODUCCIÓN
-Pensamos que, a través de esta obra maestra universal, Velázquez rinde un
homenaje al acto creativo de la pintura, reivindicando SU NATURALEZA
INTELECTUAL por encima de la artesanal (fijémonos cómo se autorretrata en
actitud de observar y reflexionar, no de ejecutar).
-Como detalle anecdótico debe decirse que, la Cruz de Santiago que lleva en el
pecho, fue añadida después, cuando se admitió a nuestro pintor en dicha Orden,
para lo cual tuvo que conseguir el rey una bula del Papa, YA QUE LOS
CABALLEROS DE SANTIAGO SE OPONÍAN A SU INGRESO POR HABERSE
ENVILECIDO CON EL TRABAJO MANUAL AL HABER PINTADO OBRAS POR
ENCARGO A CAMBIO DE DINERO, lo que ilustra la consideración social del
artista en la España del siglo XVII.
• La acción se desarrolla del modo siguiente: LA INFANTA HA VENIDO A VER TRABAJAR AL ARTISTA y, en
algún momento, ha pedido agua que ahora le ofrece AGUSTINA SARMIENTO.
• En el momento en que ésta le acerca a la princesa una pequeña jarra, EL REY Y LA REINA ENTRAN EN LA
HABITACIÓN, reflejándose en el espejo de la pared del fondo. Una a una, aunque no simultáneamente, las
personas congregadas comienzan a reaccionar ante la presencia real.
1. ISABEL DE VELASCO, que ha sido la primera en verlos, comienza a hacer la reverencia.
2. VELÁZQUEZ ha notado también su aparición y detiene su trabajo con un gesto como si fuera a dejar la
paleta y el pincel.
3. MARI BÁRBOLA también acaba de percatarse de la presencia de los reyes pero todavía no ha tenido
tiempo de reaccionar.
4. MARGARITA que ha estado viendo cómo NICOLÁS PERTUSATO jugaba con el perro, mira de repente
hacia la izquierda, en dirección a sus padres, aunque su cabeza aún está vuelta en dirección al enano.
Esta es la razón del extraño efecto de dislocación entre la posición de la cabeza y la dirección de su
mirada.
5. Finalmente, AGUSTINA SARMIENTO, ocupada en servir agua a la princesa, no se ha dado cuenta de la
presencia de los monarcas.
6. Lo mismo le ocurre a la dama de honor, en conversación momentánea con el guardadamas, el cual, por
su parte, sí acaba de percatarse.
RELATO ICONOGRÁFICO
-Técnicamente, esta obra es la más extraordinaria muestra de
1. DOMINIO DE LA PERSPECTIVA AÉREA, EN LA QUE LA LUZ Y EL COLOR no sólo pueden crear formas,
2. y LA MÁS VEROSÍMIL SENSACIÓN DE PROFUNDIDAD ESPACIAL mediante la captación del “aire
ambiente”.
CARACTERÍSTICAS
-Después se descubriría que, como en “los Borrachos” o “La fragua de Vulcano”, Velázquez se sirve de un ambiente
realista y cotidiano para narrar un tema mitológico, LA FÁBULA DE ARACNE, recogida por Ovidio en sus
Metamorfosis:
• la joven ARACNE era famosa por su habilidad para tejer y un día cometió la imprudencia de desafiar a MINERVA (la
Atenea griega), diosa de la sabiduría y las artes que, transformada en anciana, trató inútilmente de disuadirla y de
infundirle modestia:
- Para ello, MINERVA hizo un tapiz que representaba los castigos que los dioses infligían a los mortales que los
desafiaban, a lo que ARACNE respondió realizando otro con LOS AMORES ESCANDALOSOS DE LOS DIOSES;
la diosa la castigó convirtiéndola en araña.
Es una de sus últimas obras.
Durante mucho tiempo se pensó que REPRESENTABA
SIMPLEMENTE EL TALLER DE HILANDERAS DE LA
REAL FÁBRICA DE TAPICES DE SANTA ISABEL DE
MADRID, por lo que se consideraba un cuadro de
género.
LAS HILANDERAS O LA FÁBULA DE ARACNE (Prado, h. 1657)
INTRODUCCIÓN
-EN PRIMER PLANO, más oscuro, aparecen cinco hilanderas; la central, con los rasgos de su rostro
desdibujados-recordemos que son normales en los lienzos de Velázquez los toques impregnados de
misterio.
-AL FONDO, sobreiluminado y de menor nitidez, MINERVA (guerrera) se dirige a ARACNE en presencia
de tres mujeres (una nos mira, como en tantos cuadros de Velázquez y del Barroco en general);
-AL FONDO DEL TODO, un tapiz representa uno de los amores adúlteros de Júpiter “el rapto de Europa”
que es una copia de Tiziano.
http://es.wikipedia.org/wiki/Europa_(mitolog%C3%ADa)
-La interpretación del cuadro, más allá de la mera lectura del mito, es muy controvertida.
RELATO ICONOGÁFICO
CARACTERÍSTICAS
- La interpretación del cuadro, más allá de la
mera lectura del mito, es muy controvertida.
- Los dos personajes del primer plano (figuras
de la anciana y la hilandera de espaldas) están
inspiradas en dos “ignudi” (desnudos) de la
Capilla Sixtina
-DESDE EL PUNTO DE VISTA TÉCNICO hay
que destacar:
1. LA PINCELADA SUELTA, LA PERSPECTIVA
AÉREA,
2. Y, UN GRAN INTERÉS POR PLAMAR EL
MOVIMIENTO, TAL COMO PUEDE VERSE EN
LA REPRESENTACIÓN DEL MOVIMIENTO DE
LA RUECA Y DE LAS MANOS DE LA
HILANDERA.
En ambos casos, se anticipa a los futuristas.