República Bolivariana de VenezuelaMinisterio del Poder Popular para la Educación

Universidad Bicentenaria de AraguaSan Cristóbal – Estado Táchira

  

   

Tendencias del arte contemporáneo del siglo XX

Profesor: Quintero Alix.Catedra: Arte contemporáneo.

Integrante:Delgado Aligerw

San Cristóbal, noviembre 2016.

Fovismo(1905-1910)

El fovismo fue un estilo alegre de pintura que deleitó con su uso exagerado de colores llamativos. Fue desarrollado en Francia a comienzos del siglo XX por Henri Matisse y André Derain. Los artistas que pintaban con este estilo eran conocidos como ‘Les Fauves’ (las bestias salvajes), un título que fue usado debido a una reseña sarcástica que había realizado el crítico de arte Louis Vauxcelles.

'Les Fauves' creían que el color debía ser usado en su máxima expresión para expresar los sentimientos del artista sobre un tema en especifico, en vez de simplemente describir como se veía. Las pinturas fovistas presentan dos características principales: dibujos extremadamente simplificados, y un color intensamente exagerado.

Henri Matisse “Ventana abierta, Collioure” (1905)

Expresionismo alemán(1905-1925)

El expresionismo alemán es un estilo de arte que es caracterizada por una visión emocional y espiritual del mundo. Las pinturas expresivas de Vincent van Gogh y Edvard Munch influenciaron los expresionistas alemanes; también se inspiraron con la gótica alemana y el arte primitivo. Los expresionistas se dividieron en dos facciones:

• Die brücke (el puente) fueron una comunidad artística de jóvenes artistas en Dresden, quienes querían derrocar las tradiciones conservativas del arte alemán. Ernst Ludwig Kirchner y Karl Schmidt-Rottluff fueron sus miembros fundadores.

• Der blaue reiter (el jinete azul) fueron un grupo de artistas que con sus publicaciones y exhibiciones buscaron encontrar un interés mutuo entre varias formas de arte expresionista. Kandinsky, Marc y Macke fueron sus miembros fundadores.

Ernst Ludwig Kirchner “La torre roja en Halle” (1915)

Arte abstracto(1907- actualidad)

El arte abstracto es un término genérico que describe dos diferentes métodos de abstracción: ‘semi-abstracción’ y ‘pura abstracción’. La palabra ‘abstracto’ significa remover una parte de algo para considerarla por su cuenta. En el arte abstracto ese ‘algo’ es uno o más de los elementos visuales de un tema: su línea, forma, tono, textura, forma, o patrón.

• Semi-abstracción es cuando la imagen aún tiene un pie en el arte representacional. • Pura abstracción es cuando el artista utiliza elementos visuales independientemente como el tema

de la obra.

Georges Braque “Violín y jarra” (1910)

Cubismo(1907-1915)

El cubismo fue inventado alrededor de 1907 en París por Pablo Picasso y Georges Braque. Las pinturas cubistas ignoran las tradiciones de los dibujos con perspectiva, y te demuestran distintos puntos de vista sobre un tema al mismo tiempo. Los cubistas creían que las tradiciones del arte occidental se habían acabado, y para revitalizar su trabajo empezaron a dibujar con energía expresiva de otras culturas, particularmente del arte africano. Hay dos distintas fases del estilo cubista: cubismo analítico (pre-1912) y cubismo sintético (post-1912).

El cubismo influenció otros estilo del arte moderno, incluyendo el expresionismo, futurismo, y orfismo.

Pablo Picasso “Ambroise Vollard” (1915)

Futurismo(1909-1914)

El futurismo fue un movimiento revolucionario italiano que celebró la modernidad; fue fundado por el poeta Filippo Tommas Marinetti. La visión futurista fue perfilada en una serie de manifiestos que atacaron el arte tradicional italiano a favor de una nueva vanguardia. Glorificaron la industrialización, tecnología, y el transporte en conjunto con la velocidad, el ruido, y la energía de la vida urbana. Los futuristas adoptaron un vocabulario visual del cubismo para expresar sus ideas, modificándolo un poco para darle un poco de dinamismo a sus pinturas en comparación con el cubismo.

Giacomo Balla “La mano del violinista” (1912)

Suprematismo(1915-1925)

El suprematismo fue desarrollado en 1915 por el artista ruso Kazimir Malevich. Era un estilo geométrico de pintura abstracta derivada de elementos del cubismo y futurismo. Malevich rechazó cualquier uso de imágenes representacionales, creyendo que las formas no representativas de pura abstracción tenían un mayor poder espiritual y una habilidad de abrir la mente a la supremacía del sentir.

El suprematismo era un estilo de pura abstracción que defendía un acercamiento místico al arte, en contraste con el constructivismo, que fue el mayor movimiento ruso de arte en el siglo XX.

Kazimir Malevich “Suprematismo” (1915)

Constructivismo(1915-1930)

El constructivismo usó el mismo lenguaje geométrico del suprematismo, pero abandonó su visión mística en favor de la visión del socialismo, un utópico vislumbre de la modernidad mecanizada de acuerdo a los ideales de la Revolución de Octubre. Sin embargo, esto no fue un tipo de arte que fuese entendido apropiadamente, por lo que fue reprimido y luego reemplazado por el realismo socialista.

El Lissitzky “Golpead a los blancos con la cuña roja” (1919)

Dada (1916-1922)

El dada o dadaísmo no fue un estilo de arte como el fovismo o el cubismo, fue una forma de anarquía artística nacida por el disgusto de lo social, político, y cultural en la época, que era lo responsable de la caída de Europa en la Guerra Mundial. El dadaísmo era una postura anti artística, debido a que era el intento de destruir los valores artísticos del pasado.

El movimiento empezó en Zúrich, y se expandió hasta Nueva York. Sus artistas más destacados fueron Max Ernst, Marcel Duchamp, Raoul Hausmann, Jean Arp, y Kurt Schwitters.

Raoul Hausmann “Tatlin en casa” (1920)

De Stijl(1917-1931)

De Stijl (el estilo) fue un estilo holandés de abstracción pura, desarrollada por Piet Mondrian, Theo van Doesburg, y Bart van der Leck.

Mondrian fue el artista destacado del grupo, era un hombre profundamente espiritual, que deseaba desarrollar un lenguaje visual universal que fuera libre de cualquier insinuación del nacionalismo que conllevó a la Gran Guerra.

Piet Mondrian “Composición con blanco y amarillo” (1942)

Surrealismo (1924-1939)

El surrealismo fue la respuesta positiva de la negatividad del dadaísmo, su objetivo era liberar la imaginación del artista tocando la mente inconsciente para descubrir una realidad superior, para alcanzar esto, los surrealistas dibujaban imágenes de sus sueños, los efectos de combinar imágenes disociadas, y la técnica del automatismo psíquico puro (una forma espontanea de dibujar sin el control de la mente consciente).

El arte surrealista fue inspirado por la yuxtaposición irracional de imágenes en los collages del dadaísmo, el arte metafísica de Girgio de Chirico, y el arte primitivo.

René Magritte “Tiempo traspasado” (1938)

Expresionismo abstracto(1946-1956)

El expresionismo abstracto fue el primer estilo de arte americano en ejercer una influencia a escala global, se inspiraba gracias a el acercamiento espiritual de Kandinsky, el automatismo de los surrealistas, y un rango de técnicas dramáticas de pintar.

El movimiento de expresionismo abstracto aprovechó las pinturas de una gran cantidad de artistas, quienes no poseían obras realmente abstractas o expresionistas. El estilo de “goteo en todos lados” de Jackson Pollock, que enredaba a el público con una madeja de luz, color, y textura, fueron el mayor reto de interpretación de un espacio pictórico desde el cubismo.

Jackson Pollock “Cinco brazas de profundidad” (1947)

Arte pop (1954-1970)

El arte pop fue un movimiento de arte caracterizado por un sentido de optimismo durante el estallido de los consumidores tras la guerra. Coincidió con la globalización de la música pop, y la cultura juvenil, personificada por Elvis Presley, y Los Beatles.

El arte pop era temerario, colorido, joven, divertido, y hostil; incluía estilos diferentes de pinturas y esculturas de diferentes países, pero todos tenían el interés común en la cultura popular. El rígido estilo del arte pop emergió de la fusión de los collages del dadaísmo, y las imágenes ya hechas de la cultura consumista. El arte pop fue visto como un antídoto para la introspección del expresionismo abstracto.

Andy Warhol “Latas de sopa Campbell” (1968)

Op-art(1964-1970)

Op art o arte óptico era un estilo abstracto que surgió en la década de los 60, basado en los efectos ilusionistas de líneas, formas, patrones, y colores.

Artistas del arte óptico como Victor Vasarely, y Bridget Riley juegan con la percepción del receptor, trastornando el plano de la pintura con formas ambiguas, tonos cambiantes, y colores dinámicos. Aunque estas imágenes son estáticas, pueden generar la ilusión de movimiento, estos efectos pueden ser tan fuertes que tendrías que dejar de mirar la imagen por miedo de perder el balance o herir tus ojos.

Victor Vasarely “Gestalt 4” (1970)

Minimalismo (1960-1975)

El minimalismo no era simplemente una reacción ante las técnicas emocionalmente cargadas del expresionismo abstracto, pero también un refinamiento de la abstracción pura. Fue un intento en descubrir la esencia del arte reduciendo los elementos de una obra hasta las consideraciones básicas de la forma, superficie, y materiales.

El arte minimalista usó formas puntiagudas, y estructuras geométricas. Los colores fueron usados para definir el espacio o la superficie.

Frank Stella “Jarmolince III” (1973)

Fotorrealismo(1968 - actualidad)

El fotorrealismo empezó en los Estados Unidos durante finales de la década de los 60, le pone énfasis a la colección de información visual exacta, inspirada por la fotografía en vez de los estilos tradicionales de la observación. Artistas como Richard Estes, Chuck Close, y Ralph Goings son acreditados como los fundadores del movimiento, puesto que fueron unos de los primeros en intentar la reproducción exacta de imágenes fotográficas en sus pinturas.

Los fotorrealistas en conjunto con los practicantes del arte pop, reintrodujeron la importancia del proceso y planeamiento deliberado, sobre la improvisación y el automatismo.

Ralph Goings “Ralph’s diner” (1982)