revista signo

JUAN MANUEL SUAREZFACUNDO YANNIBELLI

REDACTOR:GIULIANA BATTEGAZZORE

MATHIAS ASCHERIFOTOGRAFÍA:

RODRIGO FLORESJUAN MANUEL SUAREZ

MAQUETADOR:RODRIGO FLORES

Sr lector/a: En esta numero nos enfocamos netamente en la cultura actual, ese fue nuestro horizonte temá-tico. Entiendo por cultura: "todo complejo que incluye el conocimiento, las creencias, el arte, la moral, el derecho, las costumbres y cualesquiera otros hábitos y capacidades adquiridos por el hombre en cuanto miembro de una sociedad" (Tylor). El interés personal llevo a reducir nuestro campo de estudio, el foco estuvo puesto en diferen-tes expresiones artísticas. El arte como parte necesaria y fundamental de la cultura. No solo el arte más formal y ortodoxo, sino que también el arte urbano. "¿Pero consideras arte a el arte urbano, a los grafitis, a los tags o son solo vándalos ?" Esa una de las preguntas más comunes entre los miembros más cerrados de la sociedad. Personalmente considero el arte urbano como una expresión artística, y no solo eso sino que es una costumbre adquirida por la sociedad que perímete identificarnos y permite expresarse libremente, permite exponerlo, entre otras cosas. Es hasta incluso más de lo que sostiene Tylor. El arte también se respira en museos. Es un trabajo muy importante mantener esas obras que residen ahí. Obras que a veces quedan guardadas, archivadas, con polvo, y hasta a veces rotas. No siempre tenemos la noción de lo importante que es mantener en buen estado todas las obras artísticas. Son testimonio de una época. Así como guardamos libros o objetos para recordar un momento específico, también guardamos pinturas. Esas imágenes expresan momentos si-tuaciones, experiencias y hasta sentimientos. Ojala los museos tomen conciencia de que hay que invertir, más allá de si da o no ganancias. Ellos van a transmitir cultura, aprendizajes, de generación en generación. Los niños deben de aprender arte desde chicos. Es sorprendente que todavía no se les enseñe a los niños, desde chicos, la importancia que tiene el arte en la cultura y en una sociedad. Hoy en día son pocos los centros donde los niños conviven y se familiarizan con el arte. Mi especial reconocimiento al Centro Cultural España que le preocupa la relación entre los niños y el arte y trabaja en ella. Espero que dentro de pocos años pueda estar felicitando a un numero inter-minable de centros, escuelas, clubes y al Estado por dejarles conocer el arte a los niños. El teatro. Una de las expresiones artísticas más mutantes. ¿Todo tipo de teatro es arte? En lo personal creo que sí. Hasta la obra más "boba" y más pobre, en cuanto a la trama, es arte. El teatro es una de las expresiones artísticas más masivas. Anteriormente el teatro era para pocos, por los costos, hoy en día se ha democratizado más. Cada día hay mejor personal teatral más preparado. Teatro hay para todos los gustos y colores. Stand up, humor, drama, comedia, entre otros. En fin, el arte es parte de la cultura, nos identifica, nos educa, nos integra, nos hace reflexionar. En este país hace falta tomar más conciencia de lo que es el arte, para que no se extinga. Es una tarea difícil, pero no imposible. Facundo Yannibelli HackembruchEditor responsable

EDITORIAL

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DIBUJO DIGITALEl arte con vectores.

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Artista: Nicolas Di Trapani

Nicolas Di Trapani es un artista uruguayo , que se dedica principalmente a la foto-grafía , la edición y al dibujo vectorial. El arte digital y especialmente el dibujo vectorial son técnicas sumamente y com-plejas de llevar a cabo, sin duda que hace falta un gran talento y mucha pacien-cia. El artista Di Trapani dijo lo siguiente a la revista Signo:Una foto o imagen digital común está formada por pixeles, que son peque-ños cuadrados de colores que forman gradientes resultando en la imagen final, estas imágenes digitales tienen un tamaño y calidad determinado, por eso al agrandarlos pierden calidad y se "pixelan". la diferencia con las IMAGENES VECTORIALES es que son objetos geométricos independientes, son un algoritmo re calculable, que logra adap-tarse al tamaño y calidad que fuera necesario, aunque termina siendo traducido a una imagen digital pixelar para hacer más fácil su visualización, la imagen vectorial en si, es recalcula-ble a cualquier tamaño y calidad que se desee.en mi caso, uso adobe illustrator, que crea los objetos geométricos a partir de la manipulación de curvas de Bézier, estas son líneas que se crean a partir de no-dos y vectores que definen la curva que la línea dibuja. Son una especie de puntos que dictan por donde va la línea y que trayecto hace. Cada objeto geométrico puede ser alterado en sus atributos (color, transparencia, tex-tura, tamaño, etc)El aspecto creativo viene por el lado meramente estético, sin tema aparen-te (si centrado en personas) son en su mayoría fotos que por alguna razón me llamaron la atención, ejemplos son julianne moo-re (la mina violeta) y bill nighy (el todo rayado de lentes), es un hibrido entre una buen retra-to y un personaje que me atrae lo que me lleva a dibujarlos.

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Artista: Nicolas Di Trapani

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Artista: Nicolas Di Trapani Artista: Nicolas Di Trapani

Con el pasar del tiempo todos noso-

tros podemos observar como el arte va perdiendo te-

rreno poco a poco, en lo que refiere a las nuevas generaciones. Es realmen-

te impactante notar la gran diferencia entre su conocimiento tecnológico y su conocimiento artístico. Pues bien, no todo está perdido para los amantes del arte y todas sus manifestaciones.Aún, por suerte, podemos descubrir lugares que enseñan y ponen en práctica el arte. En esta opor-tunidad el Centro Cultural de España, popularmen-te conocido como CCE, va a ser nuestro punto de enfoque, para confirmar que gracias a la pedagogía el arte puede tener los herederos que se merece.En el centro cultural podemos encontrar una gran variedad de actividades relacionadas con el arte, ya sea a nivel musical, audiovisual, ilustrativo, literario o bien escénico. Activida-des que se dirigen al público que va desde 0 a 100 años, pudiendo aceptar excepciones. En dichas actividades los niños, adolescentes, y por qué no adultos, pueden no solo disfrutar sino que también aprender acerca del arte. Poner en prác-tica su creatividad y mezclarla, con sentimientos, crayones y papel. El producto de esto es más que satisfactorio, no solo para los padres que logran “sacar a sus hijos de la computadora, el PlaySta-

tion”, también para los niños los cuales contentos , se retiran del lugar con dibujo en mano, firmado y con una sonrisa de oreja a oreja, producto de lo contentos que se sienten con su obra de arte.El lugar físico se encuentra en la Ciudad Vieja y se separa en salas, especializadas para cada acti-vidad, para poder lograr que en cada ámbito las personas que concurren, puedan sin ninguna difi-cultad explotar al máximo sus capacidades crea-tivas. Las salas destinadas a los niños y el arte, por ejemplo, están totalmente ambientada con diseños llamativos y alegres que transforman en un lugar propicio para que los niños apren-dan arte de una forma divertida y dinámica.Es interesante y motivador, observar con ojos propios que aún existe una pequeña fuga de es-peranza, que se puede convertir en una gotera, o por qué no en un rio de creatividad que des-pierta en cada niño cuando vuelven a sus casas. Gracias, simplemente gracias, a todas aquellas per-sonas e instituciones que tanto como el CCE, consi-deran y realmente creen en la importancia del arte. Gracias a los niños, que día a día concurren a éstas instituciones brindando su granito de arena y que consciente o inconscientemente conocen la trascen-dencia de sus actos. En fin, gracias a todos los que se suben al carro y tiran para adelante. Gracias al arte.

El futuro del arte

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Fotografía: Rodrigo Flores


Treinta y Tres Orientales es el nombre con el que se conoce a los hombres que, liderados por Ma-nuel Oribe y Juan Antonio Lavalleja, desembarca-ron en costas uruguayas en 1825 habiendo partido de la actual República Argentina con el fin de re-cuperar el control sobre la Provincia Oriental do-minada en ese entonces por el estado brasileño.En la actualidad todo uruguayo debe conocer la afamada pintura de J.M. Blanes titulada “El jura-mento de los Treinta y Tres” ya que la misma ofi-cia de referencia visual cuando en la enseñanza primaria explican el suceso o bien, por alguna ra-zón u otra, es aquella imagen evocada cada 19 de Abril cuando se conmemora el hecho histórico. Lo que debe quedar claro es el carácter ilustrativo de la misma, ya que ésta no fue pintada hasta trans-

curridos cincuenta y dos años del hecho (1877). A pesar de ello, el autor se trasladó a la Playa de la Agraciada en la fecha del acontecimiento para in-tentar registrar la escena con mayor verosimilitud.Una pieza de arte con tanta carga histórica no puede ser tomada a la ligera y cuando presen-ta sectores en los cuales la pintura comien-za a desprenderse es hora de una restauración.El trabajo fue encomendado por la Intendencia Mu-nicipal de Montevideo a las restauradoras Claudia Barra y Matilde Endhardt representando una inver-sión de US$ 60.000. Cabe destacar que las involucra-das fueron responsables, según el diario El País, de “restauraciones como el plafón del teatro Solís, tra-bajos en los museos Gurvich, Torres García y de Artes Visuales, además de tareas en colecciones privadas”.

Pintura al quirófano

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Según Matilde Endhardt la obra presentó varios retos importantes, algunos provenientes de sus anteriores restauraciones y otros propios de la pie-za, la autora destaca las incógnitas surgidas al en-contrar materiales de trabajos anteriores sobre la pintura más al indagar sobre la cuestión se descu-bren otros tantos inconvenientes. Al consultar la postal conmemorativa indica dificultades como: “Craquelado en la superficie […] zonas con faltan-tes en la capa pictórica, zonas con peligro de des-prendimiento […] El barniz que protege la obra esta levemente oxidado, y la saturación de los co-lores es deficiente. Se observan retoques en toda la superficie de la obra, siendo más evidentes en el sector del cielo […] Además, la incidencia de la luz y el oxígeno sobre la superficie de la pintura acele-ran las transformaciones de la pintura y del barniz.”Para la restauración en sí, proceso que tomó seis meses en completarse, se realizó una serie de pa-sos que bien describe la postal “Limpieza por la parte posterior del cuadro, luego se fijarán aquellas partes de la pintura que están con peligro de des-prendimiento para luego limpiar toda la superficie y eliminar el barniz. Se realizará una evaluación so-

bre los repintes anteriores para ver si se mantienen o se retiran. Algunos que se observen muy eviden-tes se van a retirar. Luego se reintegran los faltan-tes con color. Finalmente se vuelve a aplicar barniz.”

Seis meses de arduo trabajo hasta que la obra estu-viera finalmente restaurada, glamour, jolgorio y pre-sencias importantes acompañaron la presentación de la obra. Nuevamente referimos a Endhardt para preguntar si dejaron alguna especie de indicio o mo-dificación a modo de firma personal a lo que ésta in-mediatamente respondió “No, el trabajo del restau-rador es conservar y no agregar. Toda intervención tiene que ser reversible.” Y así fue, ya que al observar el trabajo final no es visible intervención alguna.De esa forma, la obra restaurada de J.M. Blanes yace en el museo que ostenta su nombre y no se espera intervenir sobre la misma durante un tiem-po. Para el que quiera presenciar la pieza y recorrer el museo en persona, encontrará tanto el mismo como un Jardín Japonés en Millán 4015. “El Bla-nes” abre sus puertas de martes a viernes de 11:30 a 18:45 hs. Mientras que los fines de semana se encontrará abierto al público de 12:15 a 17:45 hs.


Ya es un clásico de la oferta teatral montevideana. Hace muchos años que se mantiene en car-tel. Es inevitable no haber ido a verla o simplemente haber escuchado algún comentario. La crítica de la obra es buena. Es una obra que refleja una problemática social, más allá de que no

deja de ser entretenida.

¿A qué obra nos referimos ?

La obra teatral Rescatate es un clásico del teatro in-dependiente en la ciudad de Montevideo. Es una de las obras más viejas en cartelera. Rescatate se estre-no en el año 2008 y hoy continúa siendo un éxito total. Con tan solo 70 minutos de duración bastan para hacer de ella un gran éxito. En cuanto al precio, no es una de las obras más baratas, pero no deja de ser accesible. Es una obra que está clasificada para mayores de doce años, pero un niño menor podría llegar a entenderla, más allá de que no sea el target de público que la obra apunta. Todos los viernes, sá-bados y domingos a la noche el teatro La Candela abre sus puertas para los aquellas personas que no fueron parte de el gran éxito aún. El teatro está ubi-cado en la en la entrada a Punta Carretas shopping, en Ellauri Y García Cortinas. Es una zona de muy fácil de llegar. ¡ No tenés escusa para no ser parte de este éxito total ! En cuanto al contenido, la obra trata de un robo a

un local de cobranzas ubicado en la zona de Malvín Norte. El robo estuvo a cargo de vecinos del barrio. El local no estaba vacío, sino que todo lo contrario, en momento estaba la hija del dueño y un policía que cumplía el servicio 222. Este hecho delictivo es transmitido por televisión por un periodista uru-guayo, dedicado a la crónica roja. Durante el trans-curso de los hechos, la mamá del delincuente da a conocer orígenes y costumbres de la familia. A me-dida que la obra avanza también van surgido otro tipo de problemas, también de índole social. Lo más relevante de esta Rescatate es la trama. No en una lectura superficial de la trama, sino que en una lectura entre líneas, lo que hay detrás de la trama. La intención de Gustavo Bouzas, autor de la obra, fue reflejar cierta problemática social en la obra. No lo hace e una forma sería, sino que lo hace a tra-vés de humor. Lo curioso es que esa problemática social de la que él hacía referencia en 2008, cuando la escribió, hoy en día se sigue manteniendo.

Rescatate

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- Gustavo, ¿Pansas que esa pro-blemática social que plantea la obra se sigue manteniendo hoy en día ? ¿No es una obra que haya quedado desactualizada? - No, para nada es una obra desac-tualizada. En aquel momento que yo escribí la obra, el robo a los Abi-tabs era muy común. Hoy esta si-tuación no se da tan regularmente y sistemáticamente como en esa épo-ca, pero sigue pasando. Si el público sigue apostando a la obra será por-que es un tema vigente el que trata.- ¿Hubo algún cambio desde que comenzó la obra hasta el momento ? - Si, el lenguaje que usan los de-lincuentes cambió, por tanto la obra lo tuvo que adoptar. El cam-bio no solo fue en el lenguaje sino que también hubo cambios en la obra. Cambios de libreto necesa-rios para que hoy no carezca de sentido ciertas partes de la obra. - El mensaje que intentas transmi-tir no siempre llega al espectador. No siempre el espectador capta la intensión y el sentido que vos le queras dar, ya que es una obra muy subjetiva ¿Cual es el mensaje que vos intentas dar a través de esta obra? ¿ Que intentas denunciar? -Estoy convencido de que los ro-bos se deben a una desigualdad social, a una inferioridad de clase, que hace que ellos no lleguen a te-ner todo lo que nosotros si tenes-mos. El robo es la única solución para llegar a ciertas cosas que de otra manera no llegarían, y así no ser el último en la sociedad. Lo hacen por necesidad de ser algo, alguien y con algo. Mi denuncia es que la desigualad no constru-ye nada, destruye todo y a todos. - En mi opinión, desde el lu-gar de espectador, me dio la sensación de que es una obra bastante prejuiciosa y que se basa en estereotipos, ¿Es así? -Sí, es así. Si uno no exagera cier-

tos rasgos de la personalidad de los personajes, se hace más difícil de comprender la trama. Es la única forma de que se entienda claramen-te a cada personaje, y al pensamien-to, costumbres, etc. de cada uno. En esta pieza teatral se pue-den observar raíces neobarro-cas e incluso las palabras de Bouzas ratifican esa influencia. Esta obra presenta varias formas de interpretación, cada espectador puede y debe de sacar su propia conclusión. En ningún momento el autor o el actor va guiando al espectador, no se dice cómo inter-pretar cada hecho, ni se sugiere, sino que cada uno interpreta. Aquí surge una pregunta ¿Que es lo que ralamente nos quiere decir el au-tor? Esta situación genera confu-siones, hace a la obra sumamente subjetiva. Técnicamente, se dice que genera se entropía. El mensa-je del autor no llega al espectador tal como él lo había pensado. ¿Por qué no llega? El mensaje es im-posible de que llegue del mismo modo, porque el autor lo había pensado con ciertos códigos él si tiene, pero el espectador no siem-pre tiene esos mismos código, por tanto cuando el espectador decodi-fique, mensaje va a ser otro. Bou-zas ratificaba esto, cuando hacía referencia a que intenta denunciar él, pero no sabe si el espectador compartirá su denuncia o lleva-ra por ahí el mensaje de la obra. Este problema es típico del neo-barroco. La pregunta es ¿se gene-ra entupía o se genera un nuevo mensaje ? Incluso, los estudiosos del neobarroco sostienen que la estero-tipización y la estandarización hace que se pierda el valor del mensaje. Otro aspecto neobarroco que se observa en Rescatate es el proble-ma del lenguaje. El lenguaje en la época neobarroca no siempre es un

lenguaje preciso, sino que a veces la palabra abarca un universo de sig-nificados y cada espectador tiene que discernir con que significado se corresponde. Esta situación se puede observar en Rescatate. El lenguaje que se utiliza no siempre es conocido para todo el público, por tanto deja a libre interpretación su significado. En el neobarroco se veía a esta situación como negativa. El problema radica en que el autor

intenta que el uso de ese lenguaje que utilizan los delincuentes sea na-tural para el espectador, o sea solo conciba al actor con ese lenguaje. Esa situación "natural" pasa a ser artificial, porque se ve que es una situación forzada, no es natural. Estos son algunos de los aspectos neobarrocos que se observan en la obra teatral, pero no son los únicos. En resumen, la obra Rescatate es una de las obras más antiguas del país y que aún se mantiene en carte-lera. Se mantiene porque la proble-mática social que plantea continua vigente. Es una obra que hace re-flexionar, más allá de que el humor siempre este presente. Si todavía no fuistes a vera no te quedes sin ir.

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Arte UrbanoDe la mano de JAEN CAPEL

El actualmente llamado “Arte Callejero”, es una expresión artística que recién hace aproximada-mente tres décadas se concibe como una expre-sión artística.


Es por la década de 1990 que grandes artistas comienzan a convertir las calles de las distintas ciudades en un gran museo, y transforman esta forma de expresión asociada a la ilegalidad en un arte y un estilo de vida.Jaén Capel tiene 31 años y se reconoce como un artista urbano, en la nota que man-tuvo con un periodista de la revista Signo dijo: “Yo hago arte para las masas”, “el arte debe ser para todos por igual, por eso la calle, porque mi habilidad me la regalo dios, yo le regalo el arte a la gente.”Hace 15 años que se dedica a esto pero lo hace más que nada como una pasión, ya que junto a su grupo de artistas no reciben dinero por sus obras. El artista nos contó como es el proceso para realizar una obra: “Por lo general recibimos encargos, es decir, el dueño de una propiedad nos contacta para que realicemos una obra en su propiedad. Y esto es bueno para ambos porque el decora su propiedad como le gusta y nosotros aprovechamos para mostrar a la gente lo que sabemos hacer.” Por otro lado añadió: “Cuando no recibimos ningún pedido, somos nosotros los que nos movemos por conseguir el permiso del dueño de la pro-piedad. Es muy importante para nosotros tener las habilitaciones del estado o del particular para realizar la obra por-que es la base fundamental para que la obra perdure y se man-tenga un periodo de tiempo.En el proceso creativo de las obras que realiza con su equipo, Jaen es el diseñador creativo y además de ser el principal artista, es el director de la obra. Conto a la revista que por lo general son un grupo de cuatro integrantes los que rea-lizan las obras, y esto se debe a dos factores prin-cipalmente: en primer lugar al tamaño de las obras, por lo general realizan grandes murales y por otro lado, ya que es un oficio por el cual no reciben dinero, los artistas por lo general se juntan entre ellos para pasar un buen mo-mento entre amigos, y disfrutar en conjunto de la pieza. Los murales del artista son por lo general bastantes abstractos y en su mayoría de expresión libre, lo que según él no quiere decir que sean improvisados. Por otro lado también realizan piezas con características sumamente mimé-ticas y no tan abstractas. “Al trabajar mucho por encargo el grupo está constan-temente implementando nuevas técnicas para no caer en lo repetitivo y aburrido, y así poder darle un toque especial a cada obra”

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Fotografía: Rodrigo Flores Fotografía: Rodrigo Flores

Jaen capel, Esteban Grossi, Julian Conde y Camilo Machado.Foto: Archivo

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