renacimiento
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REPUBLICA BOLIVARIANA DE VENEZUELAMINISTERIO DEL PODER POPULAR PARA LA EDUCACION UNIVERSITARIA
INSTITUTO UNIVERSITARIO POLITECNICO “SANTIAGO MARIÑO’’FACULTAD DE ARQUITECTURA
SAIA-BARINAS
Asignatura: Historia de la Arquitectura II
Prof. :Arq. Estela Aguilar
Alumna: Milagro Atacho R.
C.I. 7.400.347
Mayo / 2014
elementos clásicos característicos en el estilo Renacentista
Renacimiento ItalianoArquitectura
Es de un templo con planta de cruz latina de tres naves, es decir que la nave central más alta y ancha. Dicho templo
esta inspirado en las basílicas paleocristianas.
En el interior, la nave central tiene el techado plano casetonado y las naves laterales se cubren con concatenación de
bóvedas vaídas. La separación de las naves se establece mediante columnas de orden compuesto y sobre ellas un
entablamento completo en el que descarga cada arco de medio punto, logrando mayor altura en forma armónica.
Dispuso de una cúpula como cerramiento en el crucero.
En esta iglesia fundamentalmente se pueden apreciar dos aspectos:
Horizontalidad: se emplearon elementos arquitectónicos que refuerzan la sensación de horizontalidad, como los
entablamentos, la cubierta plana de la nave central.
Armonía: se buscó la armonía utilizando criterios geométricos. Es decir, establece formas cúbicas ya que la altura
de las columnas es idéntica a la distancia entre columnas contiguas y entre éstas y los muros de las naves laterales.
El interés de la obra reside en la racionalidad del alzado y el espacio interior modulado por el cuadrado, en los
elementos constructivos plenamente clásicos (columnas y capiteles corintios romanos, entablamentos y pilastras
adosados). Lo más original es la interposición de un fragmento de entablamento entre los capiteles de la columnata y
el arranque de los arcos, un motivo destinado a gozar de gran éxito posterior.
TÍTULO: Iglesia de San Lorenzo
AUTOR: Filippo Brunelleschi
CRONOLOGÍA: 1421-1470
LOCALIZACIÓN: Florencia (Italia)
ESTILO: Renacimiento “Quatrocento”
MATERIAL: Ladillo, piedra, mármol.
Renacimiento Italiano Pintura
TÍTULO: El nacimiento de Venus
AUTOR: Sandro Botticelli.
CRONOLOGÍA: 1484
LOCALIZACIÓN: Galería Uffizi- Florencia (Italia)
ESTILO: Renacimiento .
MATERIAL: Temple sobre lienzo .
Medidas: 278.5 x 172.5 cms.
Esta obra fue la primera pintura hecha en gran escala en el tiempo del renacimiento con un motivo exclusivamente
secular y mitológico. Esta es considerada una de las pinturas mas famosas en la historia del arte. Fue pintado entre
1482 y 1484.Según cuenta la leyenda Venus, diosa del amor, nació de los genitales del dios Urano, cortados por su
hijo Crono y luego arrojados al mar.
En cuanto a la técnica utilizada en este magnífico cuadro es el temple sobre el lienzo. Este cuadro posee una
estructura piramidal, y el personaje central es el que capta toda la atención y hacia él convergen el resto de figuras.
Los personajes son ligeros ,esbeltos ,sinuosos y sensuales y nos da una sensación de ingravidez. Posee una gran
amalgama de colores claros que va desde el rojo a tonos azules , marrones claros.
Su posición de equilibrio es el contraposto . Todo la escena se ve enmarcada sobre un paisaje de naturaleza solitaria,
acorde con la belleza de la diosa. El dibujo lineal de los contornos, tanto en la figura como en el paisaje nos ayuda a
distinguir con nitidez la figura del fondo y a la vez la estiliza y suaviza.
La luz del cuadro es uniforme en casi toda su superficie sin claroscuros.
Sandro Botticelli fue el principal pintor italiano en
Florencia en la segunda mitad del siglo 15. Su estilo
era muy refinado y femenino. Sus principales patrones
fueron la dinastía Medici, para quien este artista
realizó muchas obras como retablos, porta retratos,
alegorías y banderas
Renacimiento Italiano Escultura
TÍTULO: La Piedad
AUTOR: Miguel Ángel Buonarroti
CRONOLOGÍA: 1498-1499
LOCALIZACIÓN: Basílica de San Pedro del Vaticano
ESTILO: Renacimiento .
MATERIAL: Mármol.
Dimensiones: 174 x 195 cms.
Miguel Ángel Buonarroti ( 1475- 1564). Admirado como
el escultor mas importante del siglo XVI, también se
distinguió como pintor y arquitecto.
Esta obra es de bulto redondo, lo que significa que se puede ver en todos los ángulos, pero el punto de vista
preferente es el frontal. Es un conjunto escultórico de composición triangular, donde se revela el magistral dominio
que alcanzó Miguel Ángel en las técnicas del esculpido en mármol.
La expresión del sentimiento de dolor que revela la Virgen María resalta junto al cuerpo inerte de Cristo.
La vida y la muerte logran una sublime comunicación en esta escultura emblemática del arte universal.
El modelado del material difiere según sus zonas, dando un mayor volumen a los paños bajos (para dar así una
mayor estabilidad visual) y siendo mucho más suave en los cuerpos y paños superiores, que han sido muy pulidos
para hacer resbalar la luz por la superficie y suavizar las formas.
Las figuras responden a un canon clásico, de posiciones estáticas y muy controlada expresividad. Destaca
especialmente dos rasgos. Por una parte el perfecto conocimiento de la anatomía. Por otro lado, la figura de la Virgen
(si la pusiéramos en pie) resultaría de un tamaño enorme. La razón de esto no es otra cosa que una pura corrección
óptica que le permite al escultor dar un mayor apoyo al Cristo (y así estabilidad y armonía) del que siempre se había
carecido en el gótico.
Representa, como mencionamos anteriormente, el ideal de belleza del renacimiento..
Renacimiento EspañolArquitectura
TÍTULO: El Palacio de Carlos V
AUTOR: Pedro Machuca
CRONOLOGÍA: 1527
LOCALIZACIÓN: Colina de la Alhambra.
Granada – España.
ESTILO: Plateresco .
Estéticamente Manierismo.
Pedro Machuca (Toledo 1490- Granada 1550) fue un
hidalgo toledano, pintor y arquitecto manierista español.
Sus primeros estudios fueron en Italia junto, posiblemente,
al gran maestro Miguel Ángel. Otras fuentes aseguran que
también tuvo contacto con Rafael. El arquitecto
encargado de la obra. Un enamorado del renacimiento de
acreditada experiencia.
La planta del palacio la conforma un cuadrado de 63 metros de lado con un patio circular inscrito en su interior. Esta
disposición, principal rasgo manierista del palacio, no tiene precedentes en la arquitectura del Renacimiento, y sitúa la
construcción en lo que se considera la vanguardia artística del momento.
El edificio consta de dos niveles: el bajo es de orden toscano completamente almohadillado, en cuyas pilastras se
insertan grandes anillas de bronce decoradas. El piso superior es de orden jónico y sus pilastras alternadas con vanos
adintelados provistos de frontón.
Las dos fachadas principales ostentan sendas portadas de piedra de Sierra Elvira. El patio circular también muestra dos
pisos. El inferior está presidido por una columnata dórica de piedra pudinga con un entablamento muy ortodoxo,
formado por triglifos y metopas con motivos de guirnaldas y bucráneos. El piso superior lo forma una columnata jónica,
más ligera, con entablamento liso. Esta estructura general del patio muestra un claro conocimiento de la arquitectura
imperial romana, y se encuadraría en el más puro Renacimiento de no ser por su disposición curva, que provoca en el
espectador desconcierto cuando se penetra por sus fachadas principales, y supedita los espacios interiores y escaleras
a la idea generatriz.
Renacimiento EspañolPintura
TÍTULO: La Sagrada Familia.
AUTOR: El Greco.
CRONOLOGÍA: 1595-1596
LOCALIZACIÓN: Hospital Tavera-Toledo-España.
ESTILO: Renacimiento –Manierismo.
MATERIAL: Oleo sobre lienzo .
Dimensiones: 127 x 106 cms.
Greco ( 1541-1614) Nació en la Isla de Creta.
Creo un arte de fría sobriedad, caracterizado por el
aspecto macilento y gris de sus figuras. Fue un pintor
del final del Renacimiento que desarrolló un estilo muy
personal en sus obras de madurez.
El tema de la Sagrada Familia fue empleado varias veces en la obra de El Greco. Aquí brinda una reinterpretación
bastante parecida a la obra que realizó para el Hospital de Santa Cruz. La principales variaciones son la introducción
del tema de la Virgen de la Leche y la ausencia del San Juan niño (personaje que sí aparece en la otra); mientras que
varía muy poco la actitud de san José y la postura de santa Ana.
Es una escena muy similar a aquellas producidas por El Greco durante su estancia en Roma, lo que produce que este
cuadro tenga una gran vividez y sea muy próximo al espectador.
Destacan los rasgos lumínicos de la obra, así como las figuras ampliadas y estilizadas. Sin embargo, los pesados
ropajes no permiten contemplar la anatomía de las figuras, con excepción de la Virgen María y el Niño Jesús.
La participación del santo en la escena resulta toda una novedad. Los vivos colores empleados - carmines, azules,
naranjas y amarillos - dan una increíble luminosidad y alegría a la composición. Las influencias de su estancia italiana
no se han olvidado tan fácilmente, resultando ese cromatismo de la mezcla de la Escuela veneciana y
del Manierismo romano. Las figuras son amplias y estilizadas, especialmente la de María. Los pesados ropajes impiden
apreciar la anatomía, a excepción del pecho de la Virgen y del desnudo del Niño.
Renacimiento Español Escultura
TÍTULO: Retablo de San Benito el Real
(Valladolid).
AUTOR: Alonso Berruguete.
CRONOLOGÍA: 1527-1532
LOCALIZACIÓN: Museo Nacional Escultura
MATERIAL: Retablo – Madera.
Alonso González Berruguete (1490-1561),
Escultor castellano, hijo del pintor Pedro Berruguete,
es uno de los referentes fundamentales de
la imaginería española del Renacimiento. También
realizó obras pictóricas.
El retablo mayor de San Benito el Real es la expresión de una decisión arriesgada en favor de soluciones que
rompían con la tradición, con unas novedades transmutadas de los centros europeos de vanguardia.
Alonso Berruguete, pone en evidencia el interés de la comunidad benedictina de Valladolid por ubicarse en los
patrones renacentistas italianos , con el dramatismo miguelangelesco: cabezas berruguerescas (en las cuales se
puede apreciar la influencia de Donatello) en un ejercicio de manifestación del dolor, indumentarias manipuladas
con paños que parecen flotar, cuerpos dónde se realiza un auténtico estudio de la anatomía masculina, líneas
retorcidas sobre su propio eje en una espiral ascendente que estiliza las figuras, imperfecciones en la ejecución de
la talla.
Todo ello al servicio de un resultado en el que la gracia y el temor se mezclan a partes iguales.
Las peculiaridades formales y estilísticas de Berruguete le confieren un carácter de especial expresión personal en
la disciplina escultórica y pictórica según se puede contemplar en este mismo retablo, heredera del dramatismo
medieval pero sumando las pautas estéticas del mundo clásico.
El retablo de San Benito, en Valladolid, constaba de banco, dos cuerpos
separadas por entablamento y once calles, divididas por columnas
abalaustradas, con hornacinas para pinturas, relieves y esculturas de bulto
redondo, de mayor tamaño las de la calle central, que se cubría con veneras,
en tanto frontones triangulares cerraban las laterales
Renacimiento FrancésArquitectura
TÍTULO: El Palacio de Fontainebleau
AUTOR:
CRONOLOGÍA: 1528-1540
LOCALIZACIÓN: Ciudad de Fontainebleau,
departamento de Sena y Marne, en el norte de Francia.
MATERIAL:
Los palacios-castillo, “les châteaux”, constituyen las edificaciones más interesantes de la arquitectura del
Renacimiento en Francia por su peculiaridad. Se trata, pues, de un arte eminentemente civil y cortesano. Las obras
religiosas casi se redujeron en la práctica a una serie de intervenciones en templos ya existentes con el empleo de
un nuevo lenguaje en boga en los Estados italianos. Además, el mecenazgo artístico fue desempeñado por la
realeza o la aristocracia más culta. Los palacios renacentistas franceses muestran ya un claro sentido pictórico muy
manierista en el diseño de sus fachadas, donde se juega con el empleo de los órdenes arquitectónicos, a veces
superpuestos al modo romano, entre series de arcos redondeados, que suelen formar logias o galerías.
El aspecto más específico y diferenciador de estas obras suelen ser las elegantes chimeneas que rematan los
tejados a dos aguas y muy inclinados así como el empleo de buhardas.
La influencia italiana procedía del arte milanés y genovés y mostraba una gran libertad interpretativa y la
pervivencia de muchos elementos todavía góticos.
La historiografía del arte suele diferenciar varias etapas en el arte renacentista francés. La primera fase se
desarrolla entre 1494 y 1525 y es la época de la penetración de la influencia del renacimiento italiano en Francia,
cuando lo decorativo se superpone a estructuras todavía góticas. La segunda etapa, el “primer periodo clásico”,
tiene lugar entre 1525 y 1559, y en ella la arquitectura francesa va asumiendo poco a poco diversas influencias
teóricas de procedencia italiana. La última fase se desarrolla entre 1559 y 1589 y en ella destaca la actividad
teórica y práctica llevada a cabo.
Renacimiento Francés PinturaTÍTULO: Eva Prima Pandora
AUTOR: Jean Cousin el viejo.
CRONOLOGÍA: 1550
LOCALIZACIÓN: Museo del Louvre, París, Francia
Estilo: Renacimiento.
MATERIAL: Oleo sobre tabla.
DIMENCIÖN: 97 x 150 cms.
La obra ha sido considerada el primer gran desnudo pintado por un artista francés, que formó parte del nacimiento y
desarrollo del manierismo francés en la segunda mitad del siglo XVI en torno a la Escuela de Fontainebleau. Este
trabajo es la única obra de pintura inequívocamente atribuida al artista, a menudo confundido con su hijo y es uno de
los dos grandes pintores franceses del Renacimiento.
Representa a una mujer recostada en una cueva, posiblemente siguiendo el modelo de la Venus de Urbino,
de Tiziano, pintada poco más de una década antes. La obra está identificada por un cartel que relaciona al personaje
mitológico de Pandora, primera mujer y origen de los males del género humano según la mitología griega, con
la Eva bíblica, también partícipe de la caída del género humano en el pecado.
Al fondo, está representada una ciudad tras un lago con reminiscencias de la técnica del sfumato de Leonardo da
Vinci. La cueva recuerda a las reproducidas en la Virgen de las rocas del mismo Leonardo.
En el cuadro están los símbolos de la calavera, alusiva a la muerte relacionada con la protagonista,
la serpiente enredada en el brazo izquierdo, que recuerda el relato bíblico del engaño de la serpiente a Eva en
el Paraíso, la rama de manzano que recuerda al fruto prohibido y la jarra que señala a la caja de Pandora de la que
salieron los males de la humanidad.
Desde que se desarrolló el arte paleocristiano se relacionó el mito griego con el relato bíblico del Génesis por ser
ambas mujeres, Eva y Pandora, símbolo de la curiosidad y la responsabilidad en la caída del ser humano.
El autor realiza una curiosa simbiosis entre una pintura de temática mitológica y una de temática religiosa.
Jean Cousin, llamado el Padre o el Viejo (1490-h. 1560)
Tuvo unos comienzos modestos y sólo a partir
de 1530 trabajó como pintor. Para el año 1538 estaba en
París, formando parte del gremio de pintores.
Renacimiento AlemánArquitectura
El Ayuntamiento de Colonia es uno de los edificios más representativos hermosos y antiguos de Alemania, con una historia
alrededor de 900 años, es famoso por tener unas de las fachadas renacentistas más hermosas y representativas del
renacimiento alemán. En la parte exterior que se ve en la actualidad fue hecha en la segunda mitad del siglo XVI
especificadamente entre los años 1569 a 1573. Es tanta la importancia de la fachada del Ayuntamiento de Colonia, que es
considerado unos de los edificios más típicos de renacimiento en todo el mundo. Siendo esta a la vez una yuxtaposición de
diferentes edificaciones y estilos como por ejemplo la torre que es su parte más antigua, ya que fue construida entre los
años 1407 y 1414, tiene 5 niveles y una altura total de 60 metros con un estilo gótico tardío.
El ayuntamiento histórico actual es una mezcla de tres edificios de los siglos XIV al XVI. Alrededor del año 1330 los
ciudadanos de Colonia comenzaron a construir la “Sala Larga” que en el siglo XIX pasó a llamarse la “Sala Hanseática” ya
que en el 1367 se celebró en esa sala una reunión de las ciudades hanseáticas.
La torre del ayuntamiento fue construida en 7 años (1407-1414) y con sus 61 metros de altura se convirtió en el edificio
más alto de la ciudad ya que por aquel entonces la torre sur de la catedral todavía estaba inacabada y medía sólo 59
metros. En el siglo XVI, a partir del 1569, Wilhelm Vernukken construyó el pórtico renacentista y las partes del edificio que
se crearon en los siguientes siglos quedaron destruidas durante la Segunda Guerra Mundial.
En la parte oeste de la torre del ayuntamiento por el lado del Alter Markt se puede ver bajo el reloj una cabeza tallada
llamada “Platz-Jabeeck” de la que ya hay constancia desde el siglo XV. La escultura saca la lengua cada hora. De esta
forma el consejo mostraba así su seguridad en sí mismo respecto a otros.
TÍTULO: El Ayuntamiento de Colonia
AUTOR:
CRONOLOGÍA: XIV al XVI
LOCALIZACIÓN: Rathausplatz 1, 50667 Colônia,
Alemania
ESTILO: Renacimiento
Renacimiento Alemán PinturaTÍTULO: ''La fiesta del Rosario
(Rosenkranzaltar)''
AUTOR: Alberto Durero,
CRONOLOGÍA: 1506
LOCALIZACIÓN: Galería Nacional.
ESTILO: Renacimiento.
MATERIALES: Oleo.
DIMENSIONES: 162 cm × 194,5 cm
Es conocido este cuadro con el nombre de La Virgen de la fiesta del rosario.
Para este cuadro Durero hizo estudios sobre la anatomía, la geometría, y matemáticas, lo que es característico del
humanismo renacentista para mejorar el arte del matiz y el uso de la perspectiva matemática bajo la influencia de
Giovanni Bellini, dominando también todas las técnicas italianas sobre tabla.
Se observa una profundización en los detalles, que Durero cuidó de representar bien para lograr un mayor realismo.
La organización es también más pronunciada en torno a un rígido triángulo o pirámide central que engloba a los
personajes principales.
María es la cumbre mientras que la base está constituida por los personajes principales, el emperador Maximiliano y el
papa Julio II. El Niño Jesús queda ligeramente descentrado en relación con el eje del cuadro. Estos cuatro personajes
son representados a tamaño un poco mayor que el natural y están más detallados que los otros personajes para marcar
su importancia. Pero no es la estructura, sino el color, lo que da a la composición su orden supremo. La línea del
horizonte pasa por lo alto del busto de María y, en consecuencia, por el punto de fuga, que es la joya roja que lleva la
Virgen, lo que atrae la mirada sobre ella y en consecuencia sobre los tres personajes restantes. También puede
apreciarse un eje de simetría, que pasa por la corona y la joya de María.
Alberto Durero ( 21/5/1471-06/04/1528) Núremberg, Alemania.
Es el artista más famoso del Renacimiento alemán, conocido
en todo el mundo por sus pinturas, dibujos, grabados y escritos
teóricos sobre arte.