que es el sonido
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1.- Que Es El Sonido?El sonido es un fenómeno físico que estimula el sentido del oído. Está formado por ondas
que se propagan a través de un medio, que puede ser sólido, líquido o gaseoso. Un sonido
se produce por todo aquello que sea capaz de producir ondas que estimulen al oído. Por
ejemplo, al pegar un golpe en una mesa, las cuerdas vocales, el roce entre dos materiales
o cualquier efecto que produzca vibraciones audibles bastan para producir un sonido.
Las ondas a las que llamamos sonoras son las que pueden estimular al oído y al cerebro
humano. Estas ondas se miden en Hercios (Hz), una unidad de frecuencia que
corresponde al número de ondas que caben en un tiempo determinado (un segundo
normalmente). La onda se propaga gracias a la compresión y a la expansión del medio por
el que se propaga. Estas variaciones de presión son las que alcanzan el oído humano y
provocan en el tímpano vibraciones de idéntica frecuencia, originando, a través del
cerebro, una sensación sonora. Pero no todas las ondas pueden ser recogidas por el oído
humano, tan sólo las que se encuentran aproximadamente entre 20 Hz y cerca de 20.000
Hz. Las ondas de sonido inferiores al límite audible se llaman infra sónicas y las superiores
ultrasónicas.
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2. Definición De Pentagrama?
El idioma de la música. - Del mismo modo que existe
un lenguaje escrito que nos permite comunicar ideas en
forma de palabras, la música también tiene un lenguaje
escrito que nos permite entender cómo suena una
pieza sólo al leerla en una hoja. Esta maravillosa
capacidad de encontrar música o melodía en un texto
escrito requiere poder entender ese idioma que aparece con símbolos y signos particulares
y para eso es importante saber comprender cada uno de los elementos que lo conforman.
Entre ellos encontramos al pentagrama.
Cuál es la función del pentagrama
Desde que el ser humano ha comenzado a cantar y a componer música, siempre resultó
muy difícil representar esa maravillosa creación en un texto escrito. Por otro lado, uno
podía aprender a cantar o a tocar una canción sólo por memoria y por repetición o
imitación de quien la tocara, pero no podía hacerlo si no la conocía y nadie lo enseñaba.
La escritura musical nos permite saber cómo tocar una canción incluso siendo esta muy
antigua porque el lenguaje musical es universal. A lo largo de los siglos la estructura de
este tipo de escritura varió y es recién en el siglo XV cuando se consolida el pentagrama
con cinco líneas, existiendo antes escrituras de hasta cuatro líneas. Con esta sucesión de
cinco líneas, los autores y músicos pudieron representar con mayor exactitud todas las
variaciones, tonalidades y alturas de las diferentes notas que componen el famoso do, re,
mi, fa, sol, la, si.
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Elementos que componen el pentagrama
Además de las cinco líneas que le dan su nombre, el
pentagrama cuenta con otros elementos que se suman a él para
que una pieza musical quede completa al ser escrita. Así,
debemos mencionar en primer lugar a las notas, aquellas que se
representan con círculos y líneas y se ubican en el pentagrama
de acuerdo a su sonido.
Los pentagramas además siempre deben contar con la clave musical al principio de la obra
que indica cómo y en qué tonalidad deberá ser tocada. También es importante señalar que
todo en el pentagrama vale, desde las líneas hasta los espacios en blanco que quedan
entre ellas, espacios en los cuales puede aparecer la nota o parte de ella indicando así
información valiosa para quien toca o crea la música.
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3.- Que es La polifonía
La polifonía (del griego πολις [polis] = "muchas" y φονος
[phonos] = "sonidos, melodías") en música es un tipo de
textura musical en la que suenan simultáneamente múltiples
voces melódicas que son en gran medida independientes o
imitativas entre sí, de importancia
similar y ritmos diversos. Por lo tanto, se diferencia de la música a una sola voz
(monofonía) así como de la música con una voz dominante melódica acompañada por
acordes (homofonía, melodía acompañada).
Las texturas polifónicas pueden contener varias melodías primarias o básicas. Si las voces
se imitan unas a otras (esto es, cantan o tocan melodías similares pero con cierto retraso
unas respecto de otras) se trata de polifonía imitativa. Un caso estricto de polifonía
imitativa es el canon.
El carácter polifónico de una obra tendrá como pilar no solamente la parte compositiva, es
decir, la idea de independencia melódica que el compositor haya ideado, sino también la
posibilidad de discriminación auditiva por parte del oyente. Distintas personas podrán
escuchar con mayor o menor claridad las melodías independientes dentro de una obra
polifónica.
Desde la perspectiva de la Etnomusicología, la polifonía tradicional (no académica) tiene
una amplia, aunque desigual distribución entre los pueblos del mundo. Las regiones con
alta presencia polifónica del mundo son el África subsahariana, Europa y Oceanía. Se cree
que los orígenes de la polifonía en la música tradicional son muy anteriores a la aparición
de la polifonía en la música académica en Europa. En la actualidad hay dos enfoques
contradictorios al problema de los orígenes de la polifonía vocal: el modelo cultural y
modelo evolutivo.
• Conforme al modelo cultural, los orígenes de la polifonía están conectados con el
desarrollo de la cultura musical humana. La polifonía surgió igual que el desarrollo natural
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del canto primordial monofónico. Por lo tanto, las tradiciones polifónicas están obligadas a
sustituir poco a poco las tradiciones monofónicas.
• De acuerdo al modelo evolutivo, el origen de los cantos polifónicos es mucho más
profundo y está conectado con las primeras etapas de la evolución humana, la polifonía
era una parte importante de un sistema de defensa de los homínidos; y las tradiciones de
polifonía están desapareciendo progresivamente en todo el mundo.
La polifonía es una textura característica de la música de finales de la Edad Media y del
Renacimiento. Las innovaciones musicales que trajo la polifonía aparecieron en un
contexto más amplio de cambio social. Tras el primer milenio, los monjes europeos
decidieron comenzar a traducir las obras de los filósofos griegos a la lengua vernácula. Los
europeos occidentales durante la Edad Media conocían a Platón, Sócrates y Hipócrates.
No obstante, durante mucho tiempo se había perdido el contacto con el contenido de las
obras conservadas de estos pensadores debido a que el uso del griego como lengua viva
se limitaba a las tierras del Imperio Romano de Oriente o Imperio Bizantino. Las obras
antiguas comenzaron a traducirse entonces. Una vez que estuvieron disponibles, la
filosofía tuvo un gran impacto en la mente europea occidental. Esta circunstancia provocó
una serie de innovaciones en diversos campos como la medicina, la ciencia, el arte y la
música.
Polifonía renacentista
La Polifonía (muchos sonidos) se denomina así por ser una composición para varias voces
superpuestas e independientes en ritmo y melodía, según las leyes del contrapunto.
Caracteriza la tendencia predominante en el Renacimiento, en obras corales tanto
religiosas como profanas. Su origen está en los países flamencos, aunque se difunde
exitosamente en Alemania y Francia.
En esta época comienza el Concertó Grosso y progresa la Teoría musical con Victoria, a la
cual Lassus aporta dos mil composiciones. Palestrina introduce la Polifonía en Italia con
sus Madrigales. Su obra es equiparada con el Canto Gregoriano en las ceremonias de la
Iglesia romana.
La Gran Polifonía
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El papa Julio II incorpora a Palestrina a la Capilla Pontificia. Conoce el éxito en su tiempo
pero sufre el olvido por siglos. A fines del siglo XIX, en el tercer centenario de su muerte,
con la edición completa de sus obras se revela su talento. Compuso unas cien Misas. De
ellas, la del Papa Marcelo se considera la más perfecta en su género. Por otra parte, su
Improperia se conserva como música de ejecución obligada en la celebración de la
Semana Santa en el Vaticano.
Finalmente, hacia el siglo XVI se abandona la Polifonía por la Monodia (canto a una sola
voz) religiosa o profana y la invención del Recitado.
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4.- Definición De Música Profana?
La ‘música profana’ es uno de los géneros más relevantes de la
Edad Media o el tiempo Medieval. Durante estos años, la música
era propia de la religión y se utilizaban para celebrar cultos. Este
tipo de música fue uno de los más importantes de la época. Pero
luego se originó otro género y se trata de la música profana. Este
estilo no tiene ningún lazo con la música religiosa, no se utiliza
para cultos, ni habla de deidades o fe. Todo lo contrario.
Características de la música profana
El propósito de este género musical es brindar entretenimiento y diversión a los
pobladores.
Estas canciones relatan historias conmovedoras sobre el amor, los desamores y
otros temas de la vida diaria.
Su música mantiene un ritmo unísono y polifónico.
Su ritmo musical consta de 3 unidades y es muy marcado.
Las voces de las canciones profanas están acompañadas con la música de
instrumentos.
Los instrumentos utilizados en este tipo de música son: instrumentos de cuerda,
flautas y panderetas. También se utilizaba la gaita, aunque en menor medida.
Tipos de música profanas.
La ‘música profana’ que, como ya vimos, es la forma en la que se denomina a todas las
piezas musicales que no tienen relación con la religión, se dividen en dos clases:
Trovadores: Esta era creada por músicos cultos y poetas. Para estas canciones
se utilizaban la lengua latina. Estas obras relataban historias de amor y vivencias
de personajes que eran consideradas héroes.
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Juglares: Este tipo de música profana era creada por músicos de la calle. En la
vía pública se podían encontrar muchos de estos artistas ambulantes que
tocaban este tipo de canciones para divertir a los habitantes del pueblo
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5.- Definición De Renacimiento Musical? El término Renacimiento no es aplicable a la música como a otras artes, ya que la música de los siglos XV y XVI ni supuso una ruptura con la tradición musical anterior, ni significó un intento de hacer renacer formas procedentes de la antigüedad clásica. En ese tiempo se produjeron novedades importantes y el espíritu culto, e interesado por las artes, del Humanismo fomentó el desarrollo de la música, pero no puede hablarse de un Renacimiento musical propiamente dicho.
En términos generales puede decirse que los siglos XV y XVI supusieron el triunfo definitivo de la polifonía frente a la música monódica de la época medieval. En esta época desaparecieron algunos de los instrumentos del periodo gótico y pervivieron, sobre todo, aquellos que mejor se adaptaban a la polifonía. Predominaron los instrumentos de teclado y de cuerda, como el órgano, el clavecín, el laúd y la vihuela (de origen español) lo que facilitó la consagración de la música como acompañamiento de sus composiciones (los trovadores se acompañaban de instrumentos de cuerda).
Durante estos dos siglos, el auge alcanzado por la música profana fue otra de las innovaciones de la época. La música pasó a ser un arte no sólo cultivado por clérigos, como en la Edad Media, y las canciones de corte popular y sobre todo el madrigal (poema cantado de tema lírico-galante) fueron piezas por las que se sintieron atraídos casi todos los compositores.
Durante el siglo XV se impuso la polifonía a la flamenca, que logró una perfecta adecuación entre texto y música. Los maestros flamencos viajaron por toda Europa, llegando a imponerse en la propia Italia, a pesar de su fuerte tradición musical.
En esta época las formas musicales más difundidas fueron el motete, la misa, la canción polifónica y el villancico (como aportación española). Entre los compositores, la figura más destacada fue Joaquín des Pres (1440-1521), que cultivó tanto la música religiosa como la profana.
En el siglo XVI Italia recuperó la primacía musical, imponiendo composiciones como el madrigal de corte italiano y, sobre todo, gracias a un buen número de músicos de gran talla.
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No obstante, la división religiosa que el cisma protestante había marcado, dejó también su huella en la música. Entre los reformadores alemanes y centroeuropeos se entendió que la música tenía una gran importancia para los actos religiosos de la nueva Iglesia; así y con la intención de crear un sentimiento comunitario entre los fieles, los protestantes tendieron hacia una música coral, no polifónica y de texto en lengua vulgar que podía ser cantada por el pueblo.
Tendieron, como puede verse, hacia formas dominadas por la sencillez, en las que lo importante es el texto y la falta de dificultades para que pueda ser asequible a las masas.
La respuesta católica a estos planteamientos musicales, se dio en el Concilio de Trento, que pretendió regular la música religiosa de los católicos con formas en las que predominaban la austeridad y la gravedad, renunciando, al menos en principio, a la polifonía. La música polifónica no pudo ser finalmente rechazada y las decisiones trentinas no fueron seguidas al pie de la letra. No obstante, algunas de las recomendaciones de los obispos católicos sí dejaron su huella en la música religiosa como, por ejemplo, las que insistían en la necesidad de que los textos cantados debían resultar reconocibles para los fieles.
El siglo XVI fue, por otro lado, el momento en el que la música instrumental despertó un verdadero interés entre los compositores. La música de instrumentos sin acompañamiento de voz se empleó, de manera especial, para el baile y su aparición estuvo muy unida al interés por la música de las refinadas y cultas minorías de las cortes y de las familias más ricas de Europa.