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3ARTE MODERNO & CONTEMPORÁNEO | CASTELLS 2 CASTELLS | ARTE MODERNO & CONTEMPORÁNEO

ARTE MODERNO & CONTEMPORÁNEOPunta del Este, 9 de enero de 2020

© 2020 CASTELLS EDICIONES

Pinacoteca

Juan Castells Pérez

Francisco Gallinal Ugarte

María Castells Pereyra

Federico Pereyra Morgan

Fotografía

C. Angenscheidt Lorente

Diseño Editorial

Camila García Alvez y Natalia Vilanova

Impresión

Empresa Gráfica Mosca. D. L.: 345.332

ARTE MODERNO & CONTEMPORÁNEOPunta del Este, 9 de enero de 2020

SUBASTA Enjoy Punta del EsteSalón Río de Janeiro B y C

Avenida Biarritz y Artigas, Parada 4Punta del Este, Uruguay Jueves 9 de enero, 2020 - 22 h

VENTA

PDE 420

CONTACTO

[email protected]

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Tel.: +598 2900 7300Fax: +598 2900 5430

Galicia 1069CP 11100Montevideo, Uruguay

EXHIBICIÓN

A partir del lunes 6 de enero de 11 a 14 h y de 18 a 24 h

REMATADORES Jaime Castells Carafí (1876-1970)Horacio Castells Eastman (1918-2010)Horacio Castells Montes (1943-2014)

Juan Castells Pé[email protected]+598 99 406 933

Andrés Castells [email protected]+598 99 666 839

María Castells [email protected]+598 99 784 344

Santiago Castells Á[email protected]+598 99 747 796

Francisco Gallinal [email protected]+598 99 767 101

Ramón Zugarramurdi SannerMartín Serorena RodríguezGermán Álvarez Gamba

76 CASTELLS | ARTE MODERNO & CONTEMPORÁNEO ARTE MODERNO & CONTEMPORÁNEO | CASTELLS

1

WASHINGTON BARCALA 1920-1993

Abstracto

Óleo y pastel sobre papel 23 x 32 cm9 x 12,5 inFirmado arriba derecha

ProcedenciaColección particular

Estimativo: USD 1.000-2.000

Nace en Montevideo, en el año 1920. Durante los años 1934 y 1941 estudia en el Círculo de

Bellas Artes, bajo la dirección de Guillermo Laborde y en 1942 conoce al Maestro Joaquín Torres-García. Durante los años 40 intensifica su labor artística y en 1949 funda el grupo “Carlos Federico Sáez”.

En 1950 realiza su primer viaje a Europa y reside durante un año en Madrid donde asiste a clases en la Academia de San Fernando. En 1975 se instala definitivamente en Madrid y su obra empieza a adquirir proyección internacional.

Su obra ha sido calificada de “constructivismo orgánico”. Entre lo más característico de su producción están sus series collages realizados a base de materiales frágiles y humildes como el hilo, el cartón, la tela o la madera y en los que hace gala de un sutilísimo equilibrio constructivo. Obtiene la nacionalidad española meses antes de su muerte en 1993.

Sus obras se exponen en el Museum of Modern Art of America de Washington, Museo Español de Arte Contemporáneo, Círculo de Bellas Artes, colección Juana Mordó de Madrid, Museo Nacional de Artes Visuales, Museo de San José, Museo de Minas, Museo Juan Manuel Blanes, Museo de Arte Americano, Palacio Legislativo, Museo Pedagógico, Museo Departamental de Tacuarembó, Banco de la República Oriental del Uruguay, Casa Carrau, Palacio Libertad.

Fallece el 8 de diciembre de 1993, en Montevideo.


2

JOSÉ LUIS INVERNIZZI 1919-2001

El teatro

Óleo y collage sobre papel 100 x 70 cm39,4 x 27,5 inFirmado abajo derecha



Hijo de padre uruguayo y madre italiana, nació el 21 de setiembre de 1918.Comenzó a dibujar por su cuenta, luego tomó clases en un taller y después

trabajó sin tener en cuenta disciplinas ni maestros. Se formó como autodidacta gracias a una profunda capacidad de escuchar, mirar y admirar a los demás.

Durante su vida, pintó, grabó y dibujó de forma muy expresiva y con mucha imaginación. Expuso pocas veces en galerías, por lo general lo hacía en cafés o en la calle. Entre sus muestras se destacan las de la Sala Cinemateca entre los años 1983 y 1985; la retrospectiva en el Centro de exposiciones del Municipio de Montevideo en 1987 y la más reciente en el Museo Blanes.

En su pintura se encuentran elementos expresionistas, al igual que en su actitud de rebeldía frente a la escolástica. Sus primeros trabajos dejaban ver una notable influencia de Torres García, luego de Paul Klee y también de Picasso. Asimila todas esas influencias y elabora su estilo personal. Hizo uso del graffiti urbano y del humor del comic. Emplea en sus pinturas una iconografía a través de la cual elabora sus mensajes.

Llamado cariñosamente “Tola”, regalaba sus cuadros a sus amigos y familiares. Nunca vendió un cuadro en toda su vida hasta cinco meses antes de morir. Fue maestro en la escuela de Bellas Artes y se convirtió en una de las personas más queridas de la Institución.

Falleció el 16 de marzo de 2001.


Pintor nacido en el departamento de Salto, el 4 de junio de 1934. Estudió dibujo y pintura en el Círculo de Bellas Artes con el Profesor Jorge

Damiani en 1966. Realizó exposiciones individuales en la Asociación Cristiana de Jóvenes en 1967, Hotel Casino San Rafael de Punta del Este en 1968 y 1969, Teatro Larrañaga de Salto en 1969, Galería Gugelmeier en 1970, y colectivas en salones nacionales, municipales, Círculo de Bellas Artes en 1966, Asociación Cristiana de Jóvenes, Galería U en 1967, Feria de Artes Visuales, Centro de Artes y Letras de Punta del Este, Concurso de Becas anuales para artistas jóvenes, I y II instancia: Reencuentro con Goes, Amigos del Arte en 1968, Hotel Casino San Rafael de Punta del Este, Departamento Cultural del Centro de Ex alumnos del Colegio de la Inmaculada Concepción (Vascos), Teatro Larrañaga de Salto, Beca anual para artistas jóvenes, Concurso Almanaque FUNSA en 1969, Exposición de Posters en Punta del Este en 1970.

Algunas de sus obras son propiedad de colecciones particulares en el exterior. Fallece en 1990.

3

HUGO LONGA 1934-1990

Molde para gran dama

Collage y acrílico sobre tela94 x 66 cm37 x 26 inFirmado abajo derecha y fechado 73




4


La indiferencia del señor Polillol

Acrílico y collage sobre tela74 x 55 cm29 x 21,7 inFirmado abajo derecha y fechado 73




5


El fantasma

Acrílico sobre tela pegado en fibra60 x 50 cm23,6 x 19,8 inFirmado abajo derecha y fechado 78



6


Comunicación mental

Serie Ágatas Acrílico sobre tela60 x 50 cm23,6 x 19,8 inFirmado abajo derecha y fechado 77




7

HEBER ROLANDI 1936

La serie negra

Óleo sobre tela105 x 140 cm41,3 x 55 inFirmado abajo derecha y fechado 1963



Nace en Montevideo el 28 de febrero de 1936. Estudia en la Escuela Nacional de Bellas Artes. Desde

1951 trabaja en las técnicas de Pintura y Serigrafía y se dedica al grabado desde 1968.

Fue seleccionado en Bienales americanas y europeas para importantes museos y colecciones. Participa de la I a la IV Bienal del Grabado Latinoamericano en San Juan de Puerto Rico, V Bienal de Jóvenes Artistas, Museo de Arte Moderno de París, I y II Trienal de Grabado en Castello del Pío, Carpi, en Italia, III y IV Bienal del Grabado en Chile, IV Bienal Morgans Saint en Milán, I Bienal Latinoamericana del Grabado de Mendoza en Argentina. Paralelamente a esta actividad, retorna a la pintura desde 1978, siendo considerado por la crítica especializada como “uno de nuestros grandes coloristas”.

Realizó exposiciones nacionales e internacionales. Expuso en diversos museos de varias parte del mundo: Museo de Arte Contemporáneo de Bogotá, Museo de Arte Moderno de México, Museo de Arte Contemporáneo de Valparaíso, Museo de la Xilografía de Capri, Museo del Grabado Latinoamericano, San Juan de Puerto Rico, Museo Provincial de Lugo, Museo Nacional de Artes Plásticas y Museo Juan Manuel Blanes de Montevideo, Museo de Artes Plásticas de Salto, Museo de Arte Moderno de Maldonado, Museo de la Gravura de Rio Grande do Sul, Museo del Grabado de Buenos Aires.


8

HEBER ROLANDI1936

América

Óleo y técnica mixta sobre tela80 x 110 cm31,5 x 43,3 inFirmado abajo derecha y fechado al dorso 1963

ProcedenciaFamilia del artista


9

HEBER ROLANDI 1936

Rhapsody in blue

Óleo sobre tela70 x 96 cm27,5 x 37,9 inFirmado abajo derecha




Nace en Montevideo, el 27 de septiembre de 1922. Estudia pintura desde 1941, habiendo sido discípula de Manuel Rosé,

Vicente Martín y Lino Dinetto. Practica el modelo vivo al carbón y el dibujo a lápiz, accede a la pintura al final del aprendizaje.

Desde 1952 hasta 1954 asiste al taller de Vicente Martín, donde profundiza los temas del color y la construcción en la pintura. En 1958 comienza a trabajar con el pintor Lino Dinetto. Participa en la muestra “Pintores y escultores Nacionales” con quien inicia sus actividades la Galería Zaffaroni. Concurre a la Bienal de San Pablo y recibe un premio adquisición en el XII Salón Municipal. En 1962, participa en la exposición “Algunos pintores Abstractos Uruguayos”.

Viaja a diversos departamentos para así registrar los trabajos y la palabra de la gente de campo. En el año 1984 integra el grupo de figuras de la plástica que convoca con la Comisión de Cultura EEBBU a la “Muestra por las Libertades”.

10

HILDA LÓPEZ 1922-1996

Calle número 10

Óleo sobre tela117 x 80 cm46 x 31,5 inFirmado al dorso y fechado 1960



En 1987 inicia su trabajo de asesoramiento a Galería Cinemateca donde intervino en la renovación del espacio y el diseño del la iluminación, y el programa de exposiciones. Participó de diversas exposiciones colectivas en Montevideo, Punta del Este, Artigas, Estados Unidos, Ecuador. Realizó exposiciones individuales en la Galería Zaffaroni, Pan American de Estados Unidos, Amigos del Arte en Montevideo, Banco la Caja Obrera, Alianza Francesa, Galería Latina, Molino de Pérez, entre otras.

Fallece en el año 1996.

11

HILDA LOPEZ 1922-1996

Calles y puerto

Óleo sobre tela83 x 104 cm32,8 x 41 inFirmado abajo izquierda y fechado 1959




12

LEOPOLDO NOVOA 1919-2012

Playa de Rio

Óleo sobre cartón 38 x 51 cm15 x 20 inFirmado abajo izquierda y fechado 56



Nace en Salcedo, Pontevedra, España, en el año 1919. A los siete años viaja a América, donde se establece con sus padres en

Argentina. y tres años más tarde regresa a su país natal. El estallido de la guerra civil española le sorprende al ingreso en la Facultad de Derecho y en 1938, Franco expulsa a su padre y regresan a Uruguay.

En 1942 funda la revista Apex, en la que colaboraron Joaquín Torres-García, Juana de Ibarbourou y Juan C. Onetti, ésta tuvo un papel muy importante en su formación intelectual. Novoa comienza a pintar en Buenos Aires en 1950 y tres años más tarde realiza su primera exposición individual en la Galería Velázquez. Colabora en la revista Galicia Emigrante hasta que, en 1957, regresa a Montevideo, donde trabaja en diversas actividades relacionadas al periodismo.

En 1960, conoce a Jorge Oteiza, con quien entabla una amistad que fue decisiva en la evolución de su carrera artística, y al año siguiente viaja a París, donde se establece finalmente en 1965. A partir de ahí empieza a exponer en diferentes ciudades de toda Europa.

Expuso en forma individual desde 1953 en Galería Velásquez de Buenos Aires, Galería Viau, Galería Criad, Galería Van Riel, Galería Antífona de Buenos Aires, Galería Panamericana en Washington, Galería Sudamericana en Nueva York, Galería Moretti, Galería Amigos del Arte, Centro de Artes y Letras, Galería Horacio Quiroga, Galería Comisión Fomento de Punta del Este, David Hendricks Gallery en Dublín, Galería Skira, Galería Aele, Galería Juana Mordó ARCO’88, Galería Pilar Parra en Madrid, Galerie Ostermalm en Estocolmo, Gallería Michelucci en Florencia, Galerie Charlian en París, Galerie Horizon en Marsella, entre otras. También participó de varias exposiciones colectivas tales como Museo de Arte Moderno, Galería Cortina, Grand Palais en París, Feria del Arte Contemporáneo también en París, Museo Nacional de Residencia Salvador Allende, en Puerto Rico, Georgia, Madrid, París, Dublín, California, La Habana, Parque Olímpico de Seúl, Santiago de Compostela.

En 1979 un incendio destruye el taller donde trabajaba en París, y pierde gran parte de su trabajo así como una importante colección personal de obras de otros artistas. En 1983 construye su casa-taller en Armenteira, Pontevedra, donde pasa largas temporadas.

Fallece en París, el 23 de febrero de 2012.


13

JORGE DAMIANI 1931-2017

B-6

Óleo y material diverso sobre tela 87 x 61 cm34,2 x 24 inFirmado abajo derecha y fechado New York 61



Nace en Nervi, Italia, el 6 de noviembre de 1931. Hijo del barítono uruguayo Víctor Damiani, quien se radica en Montevideo

con él, poco después de su nacimiento. Estudia en la Academia Brera de Milán, con Pompeo Borra y con Enzo

Morelli durante 1951 y 1953. Recibe la beca Guggenheim por dos períodos y The New School for Social Research, Estados Unidos en 1959 y 1961. Participó de diversas exposiciones entre las que se destacan: las IV, VII y XX Bienal de San Pablo, II Bienal de París en 1963, XXXII Bienal de Venecia en 1964, II Bienal Americana de Arte de Córdoba (Argentina) en 1964; exposición “Arte Latinoamericano 1931-1966”, Museo de Arte Moderno de Nueva York y, “100 años de pintura uruguaya” en el Museo Corcoran de Washington en 1967.

En 1982 integra el envío “Arte Contemporáneo en el Uruguay”, en gira por ciudades de Alemania, y en 1988 “Arte Uruguayo Contemporáneo”, que se expuso en la Galería Tretiakov de Moscú y que luego se vería en el Instituto Italo-Americano de Roma. Participa en otras exposiciones colectivas en distintos países, como fue la Primera Exposición Internacional de Dibujo en Rijeka, Yugoslavia en 1968. Obtuvo varios premios y menciones de los cuales distinguimos: una Mención en la Exposición Internacional en la II Bienal de París en 1963, Primera Mención en la Primera Bienal de Arte Joven de Bogotá en 1970, Primer Premio de Pintura en el Salón de Bellas Artes de Montevideo en 1965, Gran Premio de Pintura en el Salón de Bellas Artes del año siguiente, Premio Figari en 1995. Realiza una retrospectiva de su obra en el Salón Municipal de Exposiciones de Montevideo, en 1991.

Damiani instala sus formas en un espacio en que se entrecruzan el entorno americano con los límites del clasicismo anticlásico de la pintura metafísica italiana. Hace habitar la tierra por debajo de la tierra dentro de cubículos. Este habitar la tierra por debajo de ella remite al cristianismo primitivo y también a la búsqueda de un sentido cósmico.

Sus obras se encuentran en museos y colecciones privadas de Montevideo, Buenos Aires, Caracas, San Pablo, Río de Janeiro, Santiago de Chile, Washington, Nueva York, entre otros.

Fallece el 17 de julio de 2017.


14

JORGE DAMIANI 1931-2017

Pintura número 8

Serie Arcano Acrílico sobre tela100 x 120 cm39,3 x 47,2 inFirmado abajo derecha y fechado 01




15

JOSÉ CUNEO PERINETTI 1887-1977

Abstracción

Serie Transición Óleo y material diverso sobre tela117 x 89 cm46 x 35 inFirmado abajo izquierda y fechado 1959-60



Nace en Montevideo, el 11 de septiembre de 1887. Cursa sus primeros estudios de pintura en el Círculo de Bellas Artes, con

Carlos María Herrera y toma clases de escultura con Felipe Minini. Viaja por primera vez a Europa en 1907, ingresando al taller del escultor Leonardo Bistolfi y del pintor Antón Mucchi, en Turín. Comienza a pintar paisajes de Italia, con los que lleva a cabo su primera exposición montevideana al regreso del viaje, en 1910 en la Galería Moretti. Durante ese itinerario europeo hace una breve escalada en París, donde toma contacto con Rodin. Volverá a Italia en 1911, se encontrará allí con Arzadun, hará cursos en la Academia Vitti con Anglada Camarasa y Van Dongen.

Hacia 1914, se enfrenta por primera vez al paisaje uruguayo pintando en el Departamento de Treinta y Tres. En 1917, estudia en la Grande Chaumiere de París, se interesa por Cézanne y Gauguin. Regresa al año siguiente en que se abre su etapa de pintura planista dedicada mayormente a los retratos. Vuelve a viajar en 1925, permanece en Europa ocho meses y lo hace nuevamente en 1927 en uso de una beca de estudios que le permite permanecer allí hasta 1930. Toma contacto con la obra de Soutine, lo atraen las deformaciones expresionistas, abandona paulatinamente la vertical y la horizontal por el uso de las diagonales.

A partir de 1930, pasa largas temporadas en el interior uruguayo, mayormente en Florida, iniciando las series de ranchos y lunas que instalan un sello definitivamente americano a su labor. En 1933, va a Cerro Largo, donde comienza su producción de acuarelas sobre el campo uruguayo, mientras expone reiteradamente en Montevideo y obtiene premios.

Vuelve a Europa en 1938 donde pinta acuarelas de los canales venecianos. Expone en París y Milán. Mientras la Segunda Guerra Mundial lo retiene en Montevideo, se incorpora como profesor al Círculo de Bellas Artes, donde sucede a Guillermo Laborde. Dicta asimismo, clases en la Escuela Nacional de Bellas Artes. Vuelve en 1944 al interior, trabaja en Cerro Largo y Salto, donde realiza una muestra de singular éxito. Su estadía posterior en Punta del Este, hasta 1948, abre una serie de paisajes con la silueta protagónica de los pinos.

Obtiene en 1953 una beca como premio del Primer Salón Bienal de Artes Plásticas y viaja nuevamente a Europa. Vive en Amsterdam, participa al año siguiente de la Bienal de Venecia y dos años después en la Bienal Iberoamericana de Barcelona. Es en medio de ese viaje que llega a ver la obra Guernica de Picasso, acompañado de cientos de bosquejos que lo impresiona profundamente. En 1957, de regreso en Montevideo, bifurca su tarea creadora abriendo una serie de trabajos abstractos que firma Perinetti, su apellido materno, investigando las posibilidades expresivas en ese nuevo campo, sin abandonar la otra vertiente de su obra.

Expone por primera vez como Perinetti en 1958, pero dos años más tarde concurre a la Bienal de Venecia con la serie de los Ranchos y en 1962 viaja a Europa exponiendo su pintura abstracta en Yugoslavia, en las ciudades de Belgrado y Dubrovnik. Hacia 1965, y con la firma Cuneo Perinetti abandona la figuración y propone un tratamiento de materia provista de gran retrospectiva organizada por el Consejo Departamental. Gana en 1969 el Gran Premio Latinoamericano de la Bienal de San Pablo y en 1974 obtiene el Premio Nacional en el Festival de Pintura de Cagnes-sur-Mer, culminando así una larga cadena de distinciones que se había iniciado en 1942 con el Gran Premio del Salón Nacional de Bellas Artes en Montevideo. Realiza nuevas exposiciones en 1975 y 1976, año en que parte nuevamente hacia Europa.

Muere en Bonn, Alemania Federal, el 19 de julio de 1977.


16

JOSÉ CUNEO PERINETTI 1887-1977

Abstracción en negro

Técnica mixta sobre fibra60 x 40 cm23,6 x 15,8 inFirmado al dorso




17

CARLOS PÁEZ VILARÓ1923-2014

El gato

Acrílico sobre tela130 x 100 cm51,2 x 39,4 inFirmado abajo derecha y fechado 88



Nació el 1 de noviembre de 1923 en Montevideo. Marcado por una fuerte vocación artística partió en su juventud a Buenos

Aires, donde se vinculó al medio de las artes gráficas como aprendiz de cajista de imprenta en Barracas y Avellaneda. A su regreso al Uruguay, en la década del 40, motivado por el candombe y la comparsa afrouruguaya y vinculándose estrechamente a la vida del conventillo “Mediomundo”, entra de lleno a manifestarse en el campo del arte. Con pasión desenfrenada, Páez Vilaró se entregó totalmente al tema, pintando decenas de cartones, componiendo candombes para las comparsas lubolas, dirigiendo sus coros, decorando sus tambores o actuando como incentivador de un folklore que en ese momento luchaba por imponerse contra la incomprensión.

Lavanderas, velorios, navidades, mercados, bailongos a la luz de la luna, poblaron los cartones y lienzos de Páez. Agotado el tema, fue inevitable su partida hacia Brasil, donde iniciaría un largo viaje a través de todos aquellos países donde la negritud tenía fuerte presencia: Senegal, Liberia, Congo, República Dominicana, Haití, Camerún, Nigeria. En ese periplo pintó centenares de obras, realizó múltiples exposiciones y dejó su sello en monumentales murales. Se ha volcado a la pintura, escultura, cerámica, cine y literatura de tal manera y con tanta pasión que dejó en cada arte huellas imborrables.

Conoció a Picasso, Dalí, De Chirico y Calder en sus talleres y vivió con el Dr. Albert Schweitzer en el leprosario de Lambarené. Páez Vilaró, integrando la Expedición Francesa “Dahlia”, logró realizar en África el film “Batouk”, distinguido para clausurar el Festival de Cannes.

En toda su vasta trayectoria de realizaciones y a pesar de los viajes y los cambios experimentados en su pintura durante el medio siglo de acción, el artista mantuvo con firmeza su lealtad al tema afrouruguayo, al que le siguió dedicando las mejores horas o acompañándolo a tambor batiente cuando cada año se celebraba la ceremonia de “Las Llamadas”. El conventillo “Mediomundo”, punto de arranque de su obra, fue demolido y con él, su riquísimo historial.

Páez Vilaró, radicado finalmente en Punta Ballena, trabajó hasta sus últimos días en su taller en la cúpula mayor de Casapueblo, su “escultura habitable”, modelada con sus propias manos.

Falleció el 24 de febrero de 2014.


18

CARLOS PÁEZ VILARÓ 1923-2014

Grafismo informalista en negro

Óleo y técnica mixta sobre tela140 x 100 cm55 x 39,4 inFirmado arriba izquierda y fechado Punta Ballena 63

19

CARLOS PÁEZ VILARÓ1923-2014

El bailongo

Pastel sobre cartulina 53 x 41 cm20,9 x 16,1 inFirmado abajo derecha Al dorso posee certificado de Casa Pueblo



ProcedenciaColección particular, San Pablo, Brasil



20

ADOLFO NIGRO 1942-2018

La tierra y el viento

Homenaje a Brueghel Óleo sobre tela100 x 120 cm39,4 x 47,2 inFirmado abajo derecha y fechado 1987


BibliografíaReproducido en la p. 113 del libro realizado al artista, por Nelly Perazzo, editado por Fundación Gordon.


Nacido en la ciudad argentina de Rosario en 1942 e integrante, desde la década del 60, del taller de Joaquín Torres García en Montevideo, Nigro fue reconocido tanto por su talento artístico como por su compromiso humano y su solidaridad.

Nigro llegó a Buenos Aires con su familia a comienzos de la década del 50. En 1960 egresó de la Escuela Nacional de Bellas Artes Manuel Belgrano y en 1962 estudió en la Escuela Superior de Bellas Artes Prilidiano Pueyrredón, pero su formación se completó con la participación en talleres como el de Víctor Magariños y, sobre todo, con la experiencia de José Gurvich, quien comandaba en la década del 60 el taller de Torres-García en el Cerro de Montevideo. De ese taller recibió la impronta humanista y se formó en el “universalismo constructivo” que caracterizaría a su obra.

Su primera exposición individual fue en Montevideo, en 1966. Tiempo después expondría en Buenos Aires, Santiago de Chile, La Plata, Rosario, Madrid, La Habana, México, Nueva York y Miami.

En 1988 obtuvo el Premio XXIV Salón Nacional de Grabado y Dibujo; al año siguiente, el Gran Premio de Honor LXXVIII Salón Nacional de Artes Plásticas y en 1994, el Premio Trabucco Adquisición, otorgado por la Academia Nacional de Bellas Artes de Argentina.

Su obra es rica en peces y ríos, en figuras que se combinan al modo de collages o tapices, en colores contrastantes y plenos obtenidos a partir de diversos materiales, en formas inspiradas tanto en la naturaleza como en la actividad humana.

Falleció en 2018 en Buenos Aires, a los 75 años .


21


Formas de la costa

Óleo sobre tela100 x 100 cm39,4 x 39,4 inFirmado abajo izquierda y fechado 1991




22


Ritmos de Enero

Óleo sobre tela80 x 100 cm31,5 x 39,4 inFirmado abajo derecha y fechado 87




23


Gallo y peces

Técnica mixta en caja 45,5 x 35 cm17,9 x 13,8 inFirmado abajo derecha y fechado 91



24


El pez amarillo

Técnica mixta en caja45,5 x 35 cm17,9 x 13,8 inFirmado abajo derecha y fechado 93




25

JOSÉ PEDRO COSTIGLIOLO 1902-1985

Rectángulos CLXIII




Nace en Montevideo, el 6 de noviembre de 1902. Desde 1921 hasta 1925 estudia en el Círculo de Bellas Artes, contando

entre sus docentes a Vicente Puig y Guillermo Laborde. Participa en la fundación del Grupo de Arte No Figurativo en el año 1952. Entre los años 1957 y 1959, en usufructo de una beca obtenida en el III Salón Bienal de Artes Plásticas, realiza su primer viaje a Europa, donde se especializa en la técnica del vitral.

Costigliolo integra la tarea pictórica con el diseño y las artes gráficas especialmente en la ejecución de afiches. Realiza numerosas exposiciones individuales en el medio nacional y en el exterior destacándose, entre otras, Museo de Arte Moderno de San Pablo en 1956, Museo de Arte Moderno de Río de Janeiro en 1957, Ateneo Barcelonés de Barcelona en 1958, Unión Panamericana de Washington en 1966. En Montevideo realiza una muestra retrospectiva organizada por la Intendencia Municipal en el año 1983 y otra muestra individual en la Sala de la Alianza Francesa. Intervino en múltiples exposiciones colectivas en el país y en el exterior, entre ellas, “Pintores Sudamericanos” en la Galería Sudamericana de Nueva York en 1961, las Bienales de San Pablo de 1951, 1953, 1955, 1957 y 1961, XXXIII Bienal de Venecia de 1966. Intervino también en salones nacionales y municipales de Uruguay.

Obtuvo numerosos premios: Primer Premio en el concurso de Afiches Palacio de la Música en 1929, Primer Premio de Acuarela y la Beca de Pintura en el III Salón Bienal Nacional en 1957, Primer Premio y Medalla de Oro en el Salón Nacional en 1966, entre otras distinciones.

Se transformó en el precursor de la estética no figurativa en el medio uruguayo. De sus primeras producciones quedan pocos ejemplos que muestran a un artista interesado en organizar la composición a través de una creciente simplificación. Su formación personal atiende con entusiasmo las teorías de los constructivistas rusos y neoplasticistas holandeses y, madura una creciente obra geométrica que lo distingue hasta sus últimas creaciones.

Está representado en el Museo Municipal Juan Manuel Blanes, Museo de Arte Moderno de San Pablo, Museo de Arte Moderno de Río de Janeiro, y Museo de Arte Contemporáneo de Madrid, y también en colecciones privadas de Uruguay y el exterior.

Falleció el 3 de junio de 1985, en Montevideo.


26


Cuadrados y rectángulos CCXXV

Acrílico sobre tela 100 x 100 cm39,4 x 39,4 inFirmado abajo izquierda y fechado 75




27


Rectángulos y cuadrados CCXVII

Acrílico sobre tela 100 x 100 cm39,4 x 39,4 inFirmado abajo izquierda y fechado 75




28


Composición

Óleo sobre tela80 x 96 cm31,5 x 37,8 inFirmado al dorso y fechado 1952




29


Abstracción

Acuarela sobre papel108 x 70 cm42,5 x 27,5 inFirmado arriba izquierda y fechado 49


Exposiciónes-Retrospectiva al artista, Comisión Nacional Nacional de Bellas Artes, Montevideo, año 1957.-Palacio Municipal, Centro de Exposiciones, Montevideo, año 1983.-Museo Nacional de Artes Visuales, Subte Municipal, noviembre de 1988.



30

JOSÉ PEDRO COSTIGLIOLO1902-1985

Cuadrados XXXII





31


Cuadrados y rectángulos





32


Triángulos

Acrílico sobre tela70 x 70 cm27,5 x 27,5 inFirmado abajo izquierda y fechado 80




33

MARÍA FREIRE 1917-2015

Córdoba 287



Nace en Montevideo, el 7 de noviembre de 1917. Estudia escultura y pintura en el Círculo de Bellas Artes con José Cuneo

y Severino Pose y, en la Universidad del Trabajo con Antonio Pose, durante los años 1938 y 1943. Recibe la beca Gallinal y viaja a estudiar a Europa en Amsterdam y París, entre 1957 y 1960. En el año 1966 hace un segundo viaje de estudios, en misión oficial.

Por concurso de oposición fue profesora de Dibujo en Enseñanza Secundaria y de Historia y Cultura Artística en Preparatorios de Arquitectura. Entre los años 1962 y 1973 ejerce la crítica de arte en el diario “Acción”. En 1952 es cofundadora del Grupo de Arte No Figurativo.

Entre 1954 y 1992 participa en 17 exposiciones individuales en Montevideo, San Pablo, Río de Janeiro, Buenos Aires, Barcelona, Bruselas y Washington. Formó parte de numerosas exposiciones colectivas: entre 1953 y 1972 en Salones Nacionales y Municipales de Artes Plásticas; entre 1953 y 1957 Bienal de San Pablo; “Pintores Sudamericanos” en Nueva York en 1961; en 1966 XXXIII Bienal de Venecia; “Cuatro Pintores Latinoamericanos” en San Pablo en 1980; “From Torres García to Soto” en Washington en 1992; “Arte Latinoamericano” en Londres en 1996, entre otras.

Obtuvo varios premios y distinciones entre los cuales se destacan: en 1957 Premio de Honor en la Bienal de San Pablo; en 1961 Primer Premio en Acuarela, en el Salón Nacional; en 1964 Premio al Tema Libre en Dibujo, en el Salón Nacional; en 1968 Gran Premio de Pintura en el Salón Nacional; en 1978 Gran Premio de Pintura en el VII Salón de Primavera de Salto. En 1996 le es concedido el Premio Figari.

La obra de Freire pasó por una etapa de exploración escultórica indeterminada entre lo espacial y lo tridimensional, y luego consumó una ortodoxia pictórica abstracta que la convirtió en la protagonista de la abstracción dura en el Uruguay. Obras suyas se encuentran en museos de Uruguay, Brasil y España, y también en colecciones privadas uruguayas y extranjeras.

Falleció el 19 de junio de 2015, en Montevideo.

BibliografíaReproducido en el libro realizado al artista por Gabriel Perez-Barreiro, editado por Cosac y Naify, San Pablo, en el año 2001.



34


Capricornio 20



ExposicionesBienal Internacional de arte, Venecia XXXIII, año 1966



35


Variante





36


Abstracto

Acuarela y témpera sobre cartulina 103 x 69 cm40,5 x 27,1 inFirmado abajo derecha




37


Llave

Bronce sobre soporte de madera 107 x 15 cm42,1 x 6 inFirmado en el soporte abajo izquierda, Paris 1954




38

RAÚL PAVLOTZKY 1918-1998

Kevutzah

Óleo y material diverso sobre fibra100 x 150 cm39,4 x 59 inFirmado arriba izquierda y fechado 1962



Pintor nacido en Israel, el 1 de enero de 1918. Emigra al Uruguay en 1930 y obtiene más tarde la

ciudadanía legal uruguaya. Realiza estudios de pintura en el Círculo de Bellas Artes con los profesores Guillermo Laborde y José Cuneo. En 1942 obtiene en el Salón Nacional de Bellas Artes el premio artista extranjero con diploma y medalla de plata. Es distinguido en el Salón Municipal de Artes Plásticas y sus obras son adquiridas con destino al Museo Municipal Juan Manuel Blanes, en los años 1943, 1956, 1957, 1958, 1959, 1960 y 1961.

Interviene en distintas exposiciones colectivas, entre ellas en 1955 en el Subte Municipal “19 artistas de hoy”, en 1956 “6 pintores modernos”, realizada en la Facultad de Humanidades, donde fueron adquiridas sus obras. En 1957 integra la exposición “15 pintores abstractos”. En 1958 integra el envío Uruguayo a la Bienal de San Pablo. En 1959 obtiene en el Salón Nacional de Bellas Artes el Primer Premio y Medalla de Oro, con una serigrafía en la sección Dibujo y Grabado. En el mismo salón obtiene el Premio Ilustración con una carpeta de reproducciones.

Es miembro fundador del “Grupo 8” y con éste expone en Punta del Este, Buenos Aires y Chile. En 1959 es seleccionado por el Sr. Gómez Sucre para la muestra Panamericana de Dallas. Realiza exposiciones individuales en Montevideo y Buenos Aires.

En 1962 es seleccionado para el envío uruguayo a la I Bienal Americana de Arte. Interviene en la exposición “Algunos pintores abstractos uruguayos” en el Centro de Artes y Letras de Montevideo.

Fallece en el año 1997.


39

RAÚL PAVLOTZKY 1918-1998

Zait

Óleo y material diverso sobre fibra 60 x 92 cm27,7 x 37,2 inFirmado arriba izquierda y fechado 59




40

JORGE PÁEZ VILARÓ 1923-2014

Gaucho a caballo

Óleo sobre tela120 x 150 cm47,2 x 59,0 inFirmado abajo izquierda



Nace el 19 de mayo de 1922 en Montevideo. Su firme vocación artística despierta muy temprano concurriendo a los

talleres de varios maestros del arte nacional en los que afirmó sus condiciones para las artes plásticas. Desde 1948, apenas terminada la Segunda Guerra, se instala en Inglaterra vinculándose a las más destacadas figuras de las artes locales. A partir de esa instancia realiza múltiples viajes por Europa, donde estudia y se contacta con grandes maestros con los que vive importantes experiencias.

Es fundador y dirige el Museo de Arte Americano de Maldonado. Es presidente de la Comisión Organizadora del Museo de Arte Moderno y de la Comisión de Artes Visuales. Integra la Comisión Nacional de Restauración de la Histórica Colonia del Sacramento y es el organizador del Museo del Azulejo de esta misma ciudad. Es miembro de la Comisión Nacional del Monumento a Bolívar. Funda el Grupo Internacional “Societé Imaginaire”.

Su primera exposición la realiza en Buenos Aires, en la Galería Pizarro, dando lugar a elogios, comentarios y entusiasmo de los más jóvenes. En el año 1957 realiza una importante muestra de arte uruguayo, incluyendo a Torres-García, en el Museo de Arte Municipal de Ámsterdam. Colabora en la primera campaña de concertación en pro del Museo de Arte Moderno de Rio de Janeiro. Por sus valores es designado, varias veces, miembro de la Comisión Nacional de Artes Plásticas que maneja la política de las Bellas Artes en el Uruguay.

Obtiene varios premios y distinciones entre los cuales se destacan: Premio Brindes Pombo en la Bienal de San Pablo, Premio Caio Alcántara Machado por sus pinturas informales, Premio al mejor dibujante Latinoamericano por sus “Dibujazos”, Candidato al Premio Gabriela Mistral de Artes Plásticas y Visuales.

Sus obras figuran en los museos de Arte Moderno de San Pablo, Rio de Janeiro, Caracas, Buenos Aires, Bahía, Santiago de Chile, Museo Nacional de Bellas Artes de Montevideo, entre otros. Está representado en colecciones privadas de Uruguay, Argentina, Brasil, Estados Unidos, Holanda, Alemania, Colombia, Chile.

Fallece el 26 de noviembre de 1994, en Montevideo.

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JORGE PÁEZ VILARÓ 1923-2014

Miguel Gonzalez Bocaye





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AMÉRICO SPÓSITO 1924-2005

Forma en fondo naranja

Óleo sobre fibra35 x 40 cm13,8 x 15,8 inFirmado al dorso y fechado 90



Nace en Montevideo, el 29 de marzo de 1924. Obtiene una beca en el año 1934 para estudiar dibujo

y pintura en la Escuela Italiana, con el profesor Enzo Kabregu. En 1936 ingresa al Círculo de Bellas Artes donde estudia con varios maestros y más tarde se incorpora al taller de Joaquín Torres-García en el año 1941.

Le fue otorgada una beca del gobierno francés y fue invitado por el Consejo Británico para visitar museos en Londres. Realizó exposiciones individuales en varios departamentos del interior y en la Casa de la Cultura de Montevideo. Concurrió a exposiciones colectivas con el “Grupo 8” del que fue miembro fundador.

Sus obras se encuentran en los museos Nacionales y Municipales de Bellas Artes, en los museos de Arte Moderno de Buenos Aires y de San Pablo.

Fue premiado en reiteradas oportunidades: Premio Arno en la III Bienal de San Pablo en 1955, Primer Premio Salón Sureña en 1956, Premio Blanes de pintura en 1961, Premio General Electric en 1963. También fue distinguido en salones nacionales: Premio Campomar y Soulas en 1942, Mención Medalla de Bronce en 1943; y en salones municipales obtiene el premio Adquisición de los años 1957, 1958, 1959, 1960 y 1961.

Fallece en el año 2005, en Montevideo.


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Rectángulos CCXXXII





44


Rectángulos XXC

Acrílico sobre fibra49 x 49 cm19,3 x 19,3 inFirmado abajo izquierda y fechado 67




45


Cuadrados y rectángulos

Témpera sobre papel 45 x 45 cm17,8 x 17,8 inFirmado abajo derecha y fechado 65




46


Rectángulos en rojo y azul

Témpera sobre papel 45 x 45 cm17,8 x 17,8 inFirmado abajo derecha y fechado 65




47


Matices azules

Témpera sobre papel 45 x 45 cm17,8 x 17,8 inSin firma. C. 1965




48


Triángulos y círculo

Témpera sobre papel 24 x 20 cm9,5 x 8 inSin firma y fechado abajo derecha 55




49


Forma verde

Témpera sobre papel 16 x 23 cm6,3 x 9 inSin firma. C. 1953



50


Tres formas

Témpera sobre papel12 x 24 cm4,9 x 9,5 inSin firma. C. 1955




51


Variante 60-77

Acrílico sobre tela24 x 33 cm9,5 x 13 inFirmado abajo izquierda y fechado 77




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Forma negra

Drypen sobre cartulina 50 x 70 cm19,8 x 27,5Firmado abajo izquierda y fechado 59



53


Llave

Drypen sobre cartulina64 x 25 cm25,2 x 9,9 inSin firma




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Forma negra y roja

Drypen sobre cartulina50 x 70 cm19,6 x 27,6 inFirmado abajo derecha y fechado 98



55


Forma negra y roja

Drypen sobre cartulina50 x 70 cm19,6 x 27,6 inSin firma




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IGNACIO ITURRIA 1949

Sin título

Óleo sobre tela92 x 70 cm36,2 x 27,5 inFirmado abajo derecha

Nace en Montevideo, en el año 1949. Crece en la capital uruguaya y estudia Bellas Artes en distintos talleres

y dibujo publicitario en UTU. Durante la década de los 80 él y su familia viven cerca de 10 años en Cadaqués, un pueblo sobre la costa mediterránea cercano a Barcelona, pero inevitablemente regresa a su tierra.

Desde 1975 que realiza su primera exposición en Montevideo, participa de diversas exposiciones tanto individuales como colectivas además de innumerables Bienales a lo largo y ancho de todo el mundo. Ha expuesto en ciudades tales como Cadaqués, Madrid, Barcelona, Valencia, Granada, Punta del Este, Montevideo, Buenos Aires, Mar del Plata, Montreal, Toronto, Osaka, Fort Lauderdarle, New York, Los Angeles, Washington, Miami, North Dakota, Monterrey, México, La Habana, Caracas, Bogotá, Lima, Arequipa, Cuenca, Quito, San Juan de Puerto Rico, Santo Domingo, Venecia, Frankfurt, París, Milán, Beijin, Shanghai, Seul.

Participa regularmente en las siguientes ferias: ARCO Madrid, Art Chicago, Art Miami, Bassel Miami, FIAC Paris, FIA Caracas, PARC Perú, Pinta Londres, ArteBA Buenos Aires, Shanghai Art Fair, SPArte, San Pablo, ArtRío, Río de Janeiro. Fue múltiplemente premiado: en 1989, por la Fund for Artists Colonies en Nueva York y por la Asociación de Críticos de Arte del Uruguay; en 1990, el Museo José Luis Cuevas de México incorpora una obra para su colección; en 1991, el Museo de Bellas Artes de Caracas, Venezuela, también incorpora una obra para su colección; en 1992, el Museo de Arte Contemporáneo Sofía Imber de Caracas incorpora una obra para su colección; en 1993, recibe el Premio al Artista Extranjero del LXXXII Salón Nacional de Artes Plásticas de Argentina; en 1994, ganador del Gran Premio de la Bienal de Cuenca, Ecuador; en 1995, fue el único representante del Uruguay en la XLVI Bienal de Venecia, donde obtuvo el Premio “Casa di Risparmio”; en 1997, Gran Premio de la XII Bienal de San Juan del Grabado Latinoamericano y del Caribe en Puerto Rico, el Museo de Arte Contemporáneo de Montevideo incorpora una obra a su colección.

En el año 2000 es Invitado Especial de la IX Feria Iberoamericana de Arte de Caracas, Venezuela y, en 2001 “Homenaje a Ignacio Iturria” en el Museo de San Juan de Puerto Rico. Fue también Invitado Especial a la Bienal Internacional del Grabado Latinoamericano y del Caribe en San Juan de Puerto Rico. En 2001 recibe el Premio Figari en Montevideo. En el año 2012 se constituye la Fundación Ignacio Iturria, cuya misión es promover el desarrollo vocacional de los artistas y la creación de una Colonia de Artistas que tiene su sede en Rosario Colonia, pero que viene desarrollándose en distintos países donde Iturria reside por temporadas: Cadaqués, España, San Salvador,El Salvador, Chaclacayo , Perú, Miami, Portillo, Rep. Dominicana.




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IGNACIO ITURRIA 1949

A la mesa

Óleo sobre tela40 x 61 cm15,8 x 24 inFirmado abajo derecha




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BRUNO WIDMANN 1930-2017

Sin título

Acrílico y collage sobre tela80 x 80 cm31,5 x 31,5 inFirmado abajo derecha

Nace en Montevideo, en mayo del año 1930. En 1952 deja la Facultad de Medicina para comenzar posteriormente

estudios de pintura con Sergio Curto, que continuará luego en la Academia de Arte del Maestro Scroppo de Turín. En 1973 comienza a consolidarse su actividad artística. Es invitado por el gobierno de Francia, donde inicia contactos con la plástica de ese país, siendo seleccionado, tres años después, para integrar la Muestra Internacional de Grupo “Divergencias 9” conformada con artistas de Gran Bretaña, Japón y Francia, en la Galería Anaud de París. La crítica especializada de “France Soir”, Jacqueline Dittiere lo distingue solicitándole una muestra personal de mayor envergadura.

En 1976 se radica en Buenos Aires. Durante 15 años vive y trabaja en la capital Argentina, retornando al Uruguay en 1991. Recibió, entre otros, un Primer Premio y Medalla de Oro en el XXX Salón Nacional de Artes Plásticas de Montevideo, dos Gran Premio en Salones de Salto, y Premio Internacional de Pintura en la VI Bienal del Deporte en las Bellas Artes en el Palacio Velázquez de Madrid. Realizó diversas exposiciones individuales de las cuales pueden citarse: Galería Moretti de Montevideo, Galerías Witcomb, Rubbers, Bonino y Praxis de Buenos Aires, Maison de L’Amerique Latine de Paris, Galería Serra de Caracas, Galería Documental de San Pablo, Fundación Corp Group de Caracas, Galería Praxis de México, Municipalidad de Miraflores de Lima, Museo de Arte Moderno de Buenos Aires, Galería Durban Segnini de Miami, Galeria 1, 2, 3 de San Salvador, Galería Sepia de Asunción del Paraguay, Museo Latinoamericano de Arte de Long Beach en California, Galería La Medusa de Bogotá, Galería Da Praca de Rio de Janeiro, Museo Nacional de Bellas Artes de Santiago de Chile, Museo de Arte Moderno de México. Participó en más de cincuenta muestras colectivas entre bienales, instituciones culturales, fundaciones y ferias internacionales de América y Europa.

Integra el acervo de dieciocho museos. Entre algunas personalidades del Arte que se han ocupado de su propuesta plástica cabe citar a Rafael Squirru del diario “La Nación” de Buenos Aires, Dina López Coelho del Museo de Arte Moderno de San Pablo, Philippe Greffet de París, Carlos Areán del Museo Español de Arte Contemporáneo de Madrid, Teresa del Conde del Museo de Arte Moderno de México, Francisco Gil Tovar de la Universidad Javeriana de Bogotá, David Pagel de “Los Angeles Times” de Estados Unidos, Manuel Espínola Gómez de Uruguay, José Luis Cuevas de México, entre otros. Obras de su autoría han sido subastadas en Christie’s de New York y Sotheby’s de New York.

Fallece sorpresivamente a los 89 años en Montevideo.




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CARMELO ARDEN QUIN1913-2010

Composicion Geometrique

Técnica mixta sobre papel 44 x 36 cm17,3 x 14,1 inFirmado abajo derecha y fechado 1976


ExposicionesCentro Culturale Sincron, Brescia, Italia.


Nace el 16 de marzo de 1913 en Rivera, Uruguay, con el nombre de Carmelo Heriberto Alves.

Su primer incursión en el mundo de las artes plásticas es a través del catalán Emilio Sans, amigo de sus padres. Se traslada a Montevideo en donde en 1935 conoce a Joaquín Torres García, quien lo conecta con las vanguardias europeas. En 1936 expone sus primeras pinturas no ortogonales.

A finales de 1937 se instala en Buenos Aires donde frecuenta a los artistas de vanguardia y estudia filosofía y literatura en la Universidad. Por ese entonces su círculo de amistades estaba integrado exclusivamente por poetas, excepto Rothfuss, estudiante del Círculo de Bellas Artes de Montevideo. En 1943, junto con la participación de Kosice, Rothfuss, Edgard Bayley, Tomás Maldonado, Lydi Prado, Enio Iommi, entre otros y la colaboración de Joaquín Torres García, surge el grupo editor de la revista Arturo. Su único número aparece en 1944. En 1946, divergencias estéticas provocan una escisión y se forman la Asociación Arte Concreto-Invención y el Grupo Madí. Integrando este último, participa en las cuatro exposiciones que se presentan durante la segunda mitad de ese año en la Galería Van Riel y en la Escuela Libre de Artes Plásticas Altamira. También integra la Primera Exposición Madista Internacional, organizada en el Ateneo de Montevideo.

En 1948 viaja a París, donde participa en el Salon des Realités Nouvelles desde 1949 hasta 1956 junto a varios artistas de vanguardia. En 1951 funda el Grupo Madí Internacional con más de 60 artistas de más de 10 países del mundo. En 1953 expone en la galería Denise René junto a Herbin, Le Corbusier, Sonia y Robert Delaunay, Arp, Vasarely y otros. En 1954 regresa brevemente a Argentina y junto a Aldo Pellegrini funda la Asociación Arte Nuevo.

Entre las últimas exposiciones individuales merecen citarse las realizadas en la Galerie Charley Chevalier, París (1973); Galerie Quincampoix, París (1977); Exposición Homenaje a sus sesenta años, Espace Latino-Americain, París (1983);retrospectiva en el espacio Latinoamericano de Roma (1985); Galeria Niza, Brescia (1986); Galerie Down Town, París (1987); Galería el Patio Bremen, Alemania (1988) ; retrospectiva en Escuela de Bellas Artes de Metz,(1994); Fundación Arte y Tecnología, Madrid (1997). En 1998 la galería Ruth Benzacar de Buenos Aires; retrospectiva Galería Drouart, Paris (2007) y Centro Cultural España, Montevideo (2010),entre otras. Asimismo participa en importantes exposiciones colectivas, tales como: Art in Latin America, The Modern Era (1820-1990);19 Bienal de San Pablo (1987); Hayward Gallery de Londres (1989); Argentina, Arte Concreto Invención 1945 Grupo Madí 1946; MOMA y Rachel Adler Gallery de Nueva York (1990); Fundación Torres García (junto con Bolívar y Roitman en 1995); Arte Madí, en el Centro de Arte Reina Sofía de Madrid (1997) ;Madi Internacional, MALCLA , La Plata, Argentina (2000, 2002 y 2008); Abstract art from Río de la Plata, Buenos Aires and Montevideo 1933/53 en The Americas Society de Nueva York (2001); Museo y galeria Madí ,Dallas, Texas, Estados Unidos (2003); Museo Madí Sobral, Brasil (2005); Maison de L Amérique Latine, París (2008 y 2010) .

Existen múltiples libros y catálogos acerca de la obra de Carmelo Arden Quin en una amplia variedad de museos y colecciones privadas: MALBA, MACLA, MAM, Museo Sivori, Caraffa, Castagnino, Museo Nacional de Bellas Artes, en Argentina; Museo Madi, Dallas; Museo Madi Sobral Brasil; Museo Saint-Êtienne, Museo de Grenoble, Centro Pompidou, en Francia; Museo Movil Madi (Hungría); colección Phelps de Cisneros (Miami); colección von Bartha (Suiza) y otros. Es nombrado Ciudadano Ilustre de Montevideo en junio 2009 y Embajador Cultural de la ciudad de Buenos Aires en marzo del 2010.

Fallece en París el 27 de setiembre de 2010.


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CARMELO ARDEN QUIN 1913-2010

Composicion Geometrique

Tinta color y collage sobre papel50 x 40 cm19,8 x 15,8 inFirmado abajo derecha y fechado 1986

Procedencia-Galeria Niza, Brescia Italia.-Colección particular



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GREGORIO VARDANEGA 1923-2007

Colores en difusión B

Instalación lumínica y elementos diversos34 x 33 x 13 cm13,4 x 13 x 5,1 inSin firma. C. 1969

Nace el 21 de marzo de 1923 en Passagno, Treviso (Italia). Siendo muy pequeño su familia se radica en Argentina. En 1939 comienza

su formación artística en la Academia Nacional de Bellas Artes graduándose en 1946 como profesor de dibujo.

En 1946 integra la Asociación Arte Concreto-Invención, participando en varias de sus exposiciones.

Dos años más tarde viaja a Europa en compañía de Carmelo Arden Quin y, en 1949, expone en el Salon de Amérique Latine, de París, ciudad en la que tomó contacto con Michel Seuphor, Georges Vantongerloo, Antoine Pevsner, Sonia Delaunay, Max Bill y otros importantes artistas abstractos.

En 1950 regresa a la Argentina y presenta sus obras en la exposición Joven pintura, organizada por la Galería Peuser.

En sus primeras obras utiliza vidrio y plexiglás, y de las formas geométricas planas deriva a las investigaciones sobre la semiesfera. Más tarde, su interés por las búsquedas cinéticas lo llevan a idear mecanismos móviles y, hacia los años ’60, las esferas de plexiglás presentan la particularidad de contener otras esferas más pequeñas o de recibir proyecciones de luces coloreadas. A partir de pocos y sencillos elementos, Vardánega logra crear múltiples variaciones con juegos de luces y movimiento.

Fue miembro fundador de la Asociación Arte Nuevo y del grupo Artistas no Figurativos Argentinos (ANFA). En 1957 integra el envío presentado en la IV Bienal Internacional de Sao Pablo y, al año siguiente, participa en la Exposición Internacional de Bruselas, donde obtiene Medalla de Oro.

En 1959 decide establecerse en París, ciudad en la que exhibe sus obras con regularidad: en el Salón de France-Amérique (1959); en Realités Nouvelles (1961); en Structures, Galerie Denise René (1961); en Trente Argentins de la Nouvelle Génération, Galerie Creuze (1962); en Art d’Amérique Latine, Musée d’Art Moderne (1962); en Esquisse d’un Salon, Galerie Denise René (1963); en Art Argentin Actuel, Musée d’Art Moderne de la Ville de París (1964); en Structure et mouvement, Galerie Denise René (1966) y en la Biennale de Paris (1967), presentada en el Musée d’Art Moderne, entre otras importantes muestras.

Entre las exposiciones más recientes integra Grands et jeunes d’aujourd’hui, Grand Palais, París (1978-82); Argentina. Arte Concreto Invención 1945. Grupo Madí 1946, Rachel Adler Gallery, Nueva York, 1990; Latin American Artists of the Twentieth Century, Museum of Modern Art, Nueva York (1993) y Abstract art from Río de la Plata. Buenos Aires and Montevideo 1933/53, Nueva York, The Americas Society (2001).

Fallece en Paris, en 2007.




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GERMAINE DERBECQ 1899-1973

Geométrico

Óleo sobre tela40 x 40 cm15,9 x 15,9 inSin firma



Nació en París, donde estudió con los artistas Maurice Denis, Paul Sérusier, André Lhote y Juan Gris y siguió cursos en la Académie Julian (1917), la Académie Ranson (1918) y la Académie Lhote (1920). Es más conocida por su trabajo como curadora y crítica de arte, una disciplina que estudió con el autor francés Maurice Reynal.

En 1951 se traslada a Buenos Aires, ciudad en la que organizó numerosas muestras. Entre 1960 y 1963 fue la primera directora de la galería Lirolay en Buenos Aires, una galería perteneciente al matrimonio francés Mario y Paulette Fano. Impulsó las tendencias artísticas que surgieron en las décadas de 1950 y 1960, y en 1961 albergó la histórica exposición Arte destructivo, la primera presentación de los artistas informalistas en Buenos Aires. Derbecq fue crítica de arte del diario Le Quotidien y cofundadora de la revista Artinf, junto con Silvia de Ambrosini, Odile Baron Supervielle y Lidy Prati, en 1970. Tras su muerte, la revista dejó de aparecer, pero luego su publicación se reanudó hasta fines de los años 90.

Las pinturas de Derbecq pertenecen al movimiento constructivista y no figurativo liderado por Victor Vasarely. En París exhibió su obra en el Salon des Indépendants (1922-1930) y el Salon des Surindépendants (1930-1937, 1946-1948). Presentó varias exhibiciones individuales en Buenos Aires en las galerías Krayd (1953), Guernica (1963 y 1967), Van Riel (1968), Scheinsohn (1969 y Arte Nuevo (1970). Participó en la the Bienal de San Pablo en 1954, y en la Exposición de arte no figurativo auspiciada por el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires en el taller de Raúl Lozza en 1959, con diversas variantes de arte abstracto, incluyendo geometría e informalismo. También intervino en las muestras colectivas de Estudio H (1963), el Premio Braque (1965, 1967, 1968), el Salón de Mar del Plata (1967), Más allá de la geometría, en el Instituto Di Tella (1967), y Materiales, nuevas técnicas, nuevas expresiones, en el Museo Nacional de Bellas Artes de Buenos Aires (1968).

Falleció en Buenos Aires en 1973.

“Los cuadros de Germaine Derbecq son explosivos, de resplandor geométrica, de color intenso y de una inspiración llena de sensibilidad, si bien ella está sacrificada a la investigación del momento, es decir el abstracto.

En realidad Germaine Derbecq no sacrifica nada al abstracto, lo realiza con un talento magnífico y una sensibilidad que es la única posibilidad del abstracto en cuanto fenómeno pictórico.”

Le Corbusier


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RUBÉN LOCASO 1934-2001

Testigo

Bronce 46 x 45 x 42 cm18,1 x 17,7 x 16,5 inSin firma

Rubén Locaso nació en Italia, en 1934.Egresó de la Escuela Nacional de Bellas Artes con el título de Profesor de

Dibujo y Escultura. Se desempeñó como docente en la cátedra de Escultura de la Escuela Nacional de Bellas Artes Prilidiano Pueyrredón. Recibió los máximos galardones en el ámbito de la plástica nacional. Realizó numerosas exposiciones individuales y colectivas en el país y en el extranjero.

Falleció en Buenos Aires en 2001.



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Sin título

Bronce 56 x 25 x 28 cm22 x 9,9 x 10 inSin firma




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Astronauta

Bronce 43 x 30 x 34 cm17 x 11,9 x 13,5 inFirmado en la base



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Mujer con brazos entrecruzados

Bronce 26 x 33 x 34 cm11 x 13 x 13,5 inFirmado en la base




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LÍBERO BADII 1916-2001

Brazos al cielo

Bronce patina oscura 48 x 26 x 18 cm18,9 x 10,2 x 7 inFirmado en la base y fechado 1953



Escultor, pintor, dibujante y grabador ítalo-argentino, nacido el 2 de febrero de 1916 en Arezzo (Italia). A los once años se trasladó a la Argentina con su familia, donde adquirió la nacionalidad en 1947.

Estudió en la Academia Nacional de Bellas Artes, donde más tarde fue profesor de dibujo y escultura. Hacia 1979 abandonó la escultura para dedicarse a la pintura. Realizó más de treinta y tres exposiciones individuales en el país y en el exterior entre 1950 y 1985.

La riqueza expresiva es la característica común en toda su trayectoria, dominada por la experimentación con diversos materiales, como piedra, yeso, madera y bronce, combinados de todas las formas imaginables en cada etapa de su obra. Su obra ha merecido numerosos galardones, entre los que se encuentran el Primer Premio de dibujo en el Salón de Acuarelistas y Grabadores (1949), el Primer Premio de escultura en el XI Salón de Buenos Aires y el Gran Premio de Honor Presidente de la Nación Argentina en el XII Salón de Arte de Mar del Plata (1950).

En 1971 fue nombrado Caballero de la Orden de las Artes y las Letras francesas, y en 1971 recibió el Premio Internacional de la Bienal de San Pablo.

Falleció en Buenos Aires, Argentina, el 11 de febrero del 2001.


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MARTÍN BLASZKO 1920-2011

Sin título

Óleo y collage sobre fibra34 x 49 cm13,3 x 19,1 inFirmado abajo derechaPosee certificado de Susana Blaszkowski



Nace el 12 de diciembre de 1920 en Berlín (Alemania). En 1933 se instala en Polonia, donde estudia dibujo con Henryk Barczynsky

y con Jankel Adler. En 1938 visita París y se vincula a Marc Chagall. Al año siguiente se establece en la Argentina. Hacia 1945 conoce a Carmelo Arden Quin, con quien participa en el Grupo Madí desde 1946.

En 1952 realiza un proyecto para el Monumento al Prisionero Político Desconocido, expuesto en la Tate Gallery de Londres y es premiado por el Institute of Contemporary Art, de esa ciudad. Integra la representación argentina en la II Bienal Internacional de San Pablo y en 1960 es incluido en el envío argentino realizado a la Bienal de Venecia. En 1958 es seleccionado para participar en la Exposición Universal de Bruselas, en la que obtiene la Medalla de Bronce. En 1961 la Galería Lirolay le organiza la exposición Quince años de escultura, con selección y prólogo de Germaine Derbecq.

Entre sus escritos cabe mencionar “La escultura y el principio de la bipolaridad”, revista Leonardo, Oxford (1968); “Nace una escultura”, revista Sculpture International, Oxford (1970) y “La realización de una escultura”, revista Leonardo, Oxford (1971). En la Novena Conferencia Internacional de Escultura, realizada en 1976 en Nueva Orleans, plantea su posición en la disertación Monumental Sculpture and Society.

Obtiene importantes reconocimientos, entre ellos, el Premio Adquisición en el Salón de Mar del Plata, 1959; el Gran Premio de Honor en el Salón Manuel Belgrano, 1960; el Primer Premio en el Salón de Córdoba, 1960; y el Premio Open-Air Museum, Hakone, Japón, 1991.

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MARTÍN BLASZKO 1920-2011

Sin título

Óleo y collage sobre fibra34 x 49 cm13,3 x 19,1 inFirmado abajo derechaPosee certificado de Susana Blaszkowski

Su obra Júbilo (1986) realizada en aluminio pintado se encuentra en el Parque Centenario de la ciudad de Buenos Aires y El canto del pájaro que vuela está emplazada en Utsugushi-Ga-Hara, Japón.

Entre las exposiciones recientes merecen destacarse la realizada en el Bank of Interamerican Development (BID) en Washington (1984) y su participación en Latin American Artist of the XX Century, Museum of Modern Art, Nueva York, 1990; en Argentina. Arte Concreto Invención 1945. Grupo Madí 1946 en la Rachel Adler Gallery, Nueva York, 1990; en Exposición de Arte Madí, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid, 1997 y en Abstract art from Río de la Plata. Buenos Aires and Montevideo 1933/53, The Americas Society, Nueva York, 2001.

Fallece en Buenos Aires el 9 de agosto de 2011.




70

JOSÉ GAMARRA 1934

Pintura

Óleo sobre tela80 x 106 cm31,5 x 41,8 inFirmado abajo derecha y fechado 63



Nacido en Tacuarembó, Uruguay en 1934. Cursa la Escuela Nacional de Bellas Artes de Montevideo, al tiempo

que comienza una serie de largos viajes por la cuenca amazónica. Es becado al Museo de Arte Moderno de Río de Janeiro y posteriormente en la década del 60 se instala en San Pablo donde es profesor de pintura y fresco en la Fundación Penteado, al tiempo que mantiene una fructífera actividad creativa tanto en Uruguay como en Brasil, Argentina, Chile, etc.

Una trayectoria exitosa lo lleva a exponer en las principales ciudades de América Latina, Europa y Estados Unidos, y a recibir gratificantes críticas y comentarios. Laureado de las Bienales de Jóvenes de Montevideo y de París, desde 1963 vive y trabaja en la capital francesa. Ha representado a Uruguay en la Bienal de Venecia, y su obra forma parte de las recientes visiones del Arte Latinoamericano en Estados Unidos, Inglaterra, España, Francia, etc. Desde 1959 ha realizado cerca de 50 muestras individuales y participado en múltiples exposiciones y bienales. Su obra ha recibido importantes premios y está representada en numerosos museos internacionales y colecciones públicas y privadas.

Las composiciones figurativas actuales de Gamarra son reminiscentes del período informalista con el cual inició su carrera, primeras obras donde el rigor compositivo acogía un mundo de signos y caligrafías, de texturas y colores sombríos, de enorme sugestión visual. En los óleos de gran formato comenzados en Paris, la selva, una selva edénica, representa la magnificación de un espacio mítico que sirve de escenografía para todas las historias. La obra de Gamarra, acorde a la noción de “Lo real maravilloso”, parte del supuesto de confrontación de tiempos y espacios sobre un paisaje suntuoso, narrado a la manera de los grandes pintores viajeros, pero totalmente volcado a la función poética, denunciadora, sarcástica.


71

GERARDO KATZ 1964

El ojo

Técnica mixta sobre fibra 90 x 130 cm35,4 x 51,1 inFirmado al dorso


Pintor nacido en Montevideo, el 5 de junio de 1964. Estudió en la Facultad de Odontología donde obtiene su título universitario,

el 29 de diciembre de 1986. Hasta la fecha, continúa ejerciendo su profesión esporádicamente.

En el año 1988, ingresa a la Escuela de Bellas Artes de la Universidad de Jerusalem (Betzalel), donde hizo sus primeras armas en teoría, historia del arte, dibujo, pintura y escultura. Uno de los tantos disertantes era Yaacov Agam un “explorador nato, un vanguardista”, a través de él conoce en Paris en el año 1988, y allí se encuentra con quien luego sería su maestro y guía, Jesús Rafael Soto.

Comparte cuatro años de su vida en el taller, hasta que en el año 2002, luego de formar una familia con 2 hijos, divide su vida entre Uruguay y Japón. En éste último, realiza la mayoría de sus obras que luego expone y vende.

72

HERMENEGILDO SÁBAT 1933-2018

La amiga de Borges

Óleo sobre tela60 x 50 cm23,6 x 19,8 inFirmado al dorso y fechado 2015



Nace en Montevideo, en el año 1933 y reside en Buenos Aires desde 1966.Publicó por más de 25 años comentarios periodísticos en forma de caricatura

en diario Clarín, convirtiéndose en una de las voces más prestigiosas del país. Artista plástico y docente, publicó una veintena de libros acerca de

sus pasiones: la pintura, la música, la literatura, la actualidad argentina e internacional. Su trayectoria ha sido distinguida con varios Premios, entre ellos Personalidad Emérita de la Cultura Argentina (1997), el María Moors Cabot Award (1988), el premio Nacional Pedro Figari de Pintura (1997).y el premio Homenaje de la Fundación Nuevo Periodismo Iberoamericano que dirigió Gabriel García Márquez (2005).

Realizó numerosas exposiciones de dibujo, pintura y fotografía en el país y en el exterior, siendo las más notables sus retrospectivas en el Museo Nacional de Bellas Artes (Buenos Aires 1997), el Museo Nacional de Artes Visuales (Montevideo 1998), el Museo de Arte de San Pablo (1984) y el Museo de Arte Moderno de Rio de Janeiro (1997). Sus trabajos han sido publicados en los principales medios periodísticos y gráficos del mundo: The New York Times, L Express, American Heritage, Punch, O Globo, etc.

Durante seis años publicó y editó la revista de Artes Visuales Sección Áurea, ganadora de varios premios de diseño, entre ellos el del Art Director´s Club de New York. En 1997 fue nombrado Ciudadano Ilustre de Buenos Aires y en 2003 Dr. Honoris Causa de la Universidad de Montevideo, Uruguay.

Falleció en Buenos Aires, el 2 de octubre de 2018.


73

LACY DUARTE 1937-2015

Los troperos

Óleo y técnica mixta sobre cartulina105 x 75 cm41,2 x 29,5 inFirmado abajo derecha y fechado 2011



74

JULIO TESTONI 1948

Réquiem for San Rafael

Fotografías, prueba del artista sobre papel Luster digital 75 x 107 cm29,5 x 42 inFirmadas 2019


Nace el 15 de setiembre de 1937 en Mataojo de Salto, al norte del Uruguay, en una zona de mestizaje cultural próxima a Brasil.

Estudió con José Cziffery en Salto. Comienza a trabajar en arte en 1956 participando en una muestra del Taller Pedro Figari en Salto. En 1959 ingresó a la docencia en ese mismo taller y en 1961 en Enseñanza Secundaria como profesora de dibujo, en aquella ciudad y luego en Aiguá. En 1967 se radicó en San Carlos hasta el 75. También vivió en Porto Alegre, Brasil. En 1981 se radicó definitivamente en Montevideo.

La obra artística de Lacy Duarte se relaciona con temas que van desde el mundo de su niñez rural, la pobreza de su hogar y el desamparo de la mujer en el campo, hasta cuestiones de carácter político, como el encierro, el encadenamiento y la memoria. Participó de innumerables exposiciones colectivas y realizó importantes muestras individuales en Uruguay y en el exterior. Fue seleccionada para ser enviada a importantes Bienales internacionales como la Bienal de La Habana en 1987 y la 51 Bienal de Venecia en 2005. En 2002 recibe el importante Premio Pedro Figari, otorgado por el Banco Central del Uruguay, por su destacada trayectoria.

Fallece en Montevideo, el 27 de diciembre de 2015.

Nace en Montevideo, Uruguay, en 1948. En 1960 comienza su actividad profesional como reportero gráfico de los

diarios “La Mañana” y “El Diario” de Montevideo. En 1964 estudió en Kodak Montevideo, curso Laboratorio Color. En 1970 fue becado por el gobierno de Italia y R.A.I., perfeccionamiento en Cinematografía.

En 1971 realiza en Kodak, Milán (Italia), curso Laboratorio Color y Estudio. Participó de exposiciones colectivas e individuales entre 1984 y 2000. Sus colecciones se encuentran en Museos; O.E.A., Washington, USA; Instituto Italo Latinoamericano, Roma, Italia; Museo Blanes, Montevideo, Uruguay; Museo Nacional de Artes Visuales, Montevideo, Uruguay. También en colecciones privadas de Montevideo, Uruguay; Buenos Aires, Argentina; New York, USA; Washington, USA; Roma, Italia; Tokyo, Japón; Asunción y Paraguay.


75

CARLOS MUSSO 1954

Ajedrez Medieval

16 piezas en cuero con damero



Nace en Montevideo el 7 de julio de 1954. Entre 1969 y 1972 estudió dibujo y pintura con Blanca Durant y desde 1977

con Miguel Ángel Pareja. Ingresó en la Escuela Nacional de Bellas Artes de la Universidad de la República. Desde 1986 es docente Universitario, y desde 1994 docente de Artes Plásticas del Ministerio de Educación y Cultura del Uruguay.

Realizó numerosas muestras individuales en Uruguay, Argentina y Paraguay, y exposiciones colectivas en Uruguay, Bélgica, Japón, Brasil, Francia, Colombia, Argentina, Estados Unidos e Inglaterra.

Obtuvo diversos premios y distinciones, tales como Primer Premio en la Galería Cinemateca, Segundo Premio Embajada de Francia, Primer Premio Instituto Cultural Uruguayo Brasilero, Primer Premio Salón Municipal, Segundo Premio NMB Bank, Primer Premio Pan Am, Primer Premio en la Feria Nacional de Artesanías, Segundo Premio Embajada de Francia, Primer Premio Manos del Uruguay. Su obra se exhibe en la colección Engelman Ost y en distintos museos y colecciones Nacionales y Extranjeras.

128 CASTELLS | ARTE MODERNO & CONTEMPORÁNEO

ÍNDICE DE ARTISTASPor lote

AArden Quin, Carmelo ................. 59, 60

BBadii, Libero .................................. 67 Barcala, Washington ................ 1laszko, Martín .............................. 68, 69

CCostigliolo, José Pedro ............. 25, 26, 27, 28, 29, 30, ............................................................ 31, 32, 43, 44, 45, 46, ............................................................ 47, 48, 49, 50Cuneo Perinetti, José ................ 15, 16

DDamiani, Jorge ............................. 13, 14Derbecq, Germaine .................... 62Duarte, Lacy ................................. 73

FFreire, María.................................. 3, 34, 35, 36, 37, 49, ............................................................ 50, 51, 52, 53, 54, 55

GGamarra, José .............................. 70

IInvernizzi, José Luis ................... 2Iturria, Ignacio .............................. 56, 57

KKatz, Gerardo ............................... 71

LLocaso, Rubén ............................. 63, 64, 65, 66Longa, Hugo .................................. 3, 4, 5, 6López, Hilda .................................. 10, 11

MMusso, Carlos ............................. 75

NNigro, Adolfo ................................. 20, 21, 22, 23, 24Novoa, Leopoldo ......................... 12

PPáez Vilaró, Carlos ..................... 17, 18, 19Páez Vilaró, Jorge ....................... 40, 41Pavlotzky, Raúl ............................ 38, 39

RRolandi, Heber ............................. 7, 8, 9

SSábat, Hermeregildo ................. 72Spósito, Américo ......................... 42

TTestoni, Julio ................................. 74

VVardanega, Gregorio ................. 61

WWidmann, Bruno ......................... 58

Museo abierto

CONDICIONES DEL REMATE

Las obras de arte y demás objetos que se rematan han sido exhibidos y anunciados con anticipación suficiente a fin de los interesados y compradores pudieran examinarlos y revisar su condición, habiendo podido, igualmente, estudiar sus antece-dentes, documentación, si la hubiera, averías u otros defectos.

El vendedor y la firma rematadora se eximen de toda responsa-bilidad sobre la autenticidad de las obras, firmas, escuelas, títu-los, fechas, etc. aunque fueran establecidas en el catálogo, en las propias obras, sean mencionadas en el momento del remate o en su publicidad previa o en los certificados técnicos que se hayan expedido, no aceptando reclamo alguno una vez bajado el martillo y adjudicado el lote al comprador.

Únicamente en caso de que, en forma expresa, en el momento del remate se advierta que el vendedor garantiza la autentici-dad u otra cualidad específica o la inexistencia de vicios ocultos, responderá el vendedor frente al comprador, de acuerdo con las reglas del derecho común.

No obstante, aunque el vendedor no haya garantizado expre-samente la autenticidad de la obra o la inexistencia de vicios ocultos, responderá frente al comprador si se comprobare que previamente al remate le constaban la falta de autenticidad o los vicios.

En ningún caso responderá la firma rematadora quien no de-berá pagar indemnización alguna ni devolver la comisión perci-bido, no siendo parte en el negocio celebrado con su interven-ción, obligándose exclusivamente a comunicar al comprador el nombre del vendedor si aquel lo exigiere judicialmente.

El remate se realiza al contado. Seña 30% en el acto. Comi-sión e impuestos 16,90%. Deberá pagarse en la moneda que se realizó el remate al contado o por orden bancaria de pago irrevocable a favor de Castells & Castells. Los compradores dis-pondrán de un plazo de tres días desde la fecha del remate para efectuar el pago, vencido el cual la compra generará un interés cuya taza se fijará el día del remate. Transcurrido ocho días a partir del día del remate, sin que el comprador haya pagado el precio, se considerará que desistió de la compra, perdiendo la cantidad depositada en concepto de seña o arras.

PARA GIRAR FONDOS DESDE EL EXTERIOR A NUESTRA CUENTA EN DÓLARES EN BANCO ITAÚ URUGUAY S.A.:

Banco intermediario: Bank of America, New York, Swift Code: BOFAUS3N, ABA: 026009593Banco beneficiario: Banco Itaú Uruguay S.A., Swift Code: ITAUUYMM, Account: 6550245101Cuenta beneficiada: 71.7883, a nombre de Castells & Castells.

COSTOS ADICIONALES, EN CASO DE TRANSFERENCIA:

Desde el exterior:Comisión bancaria por recepción de transferencia: 0,15% sobre el valor transferido, con un mínimo de USD 80.

Dentro del territorio nacional:Comisión bancaria por recepción de transferencia: costo fijo de USD 10.

TERMS OF SALE

All the items to be sold at auction have been displayed and listed in advance, so as to allow prospective buyers and other interested parties to view them, check their condition, study their history and any pertinent documentation, and examine them for damage or other defects. Neither the seller nor the auctioneers bear any responsibility for the authenticity of specific works, signatures, dates, titles, attribution to schools, etc. mentioned in advertising or during the auction, or appearing in the catalogue, on the works, or on previously issued certificates of authenticity. Once the auctioneer’s hammer has descended and a lot is assigned to the buyer, no claims will be possible. Only if it is explicitly stated at the time of the auction that the seller guarantees the authenticity or some other feature of a given item, or declares it free of hidden defects, will the seller be accountable to the buyer, as provided by law. However, even if the seller has not explicitly guaranteed the authenticity of a given item or its freedom from hidden defects, s/he will be liable should it be proven that s/he was aware of the lack of authenticity or defects in question prior to the auction. Under no circumstances can the auction house be held liable, or required to pay damages or forego its commissions, since it is not a direct party to the transactions but an intermediary, whose sole obligation will be to inform the buyer of the seller’s identity, should the buyer seek that information through the courts. Payment is due at the time of sale and in the currency in which the sale was made (U.S. dollars or Uruguayan pesos), in the form of cash or a check made payable to Castells & Castells. Commission and taxes: 16.90% (to be added to the purchase price). Deposit: 30%, due immediately after the auction. The buyer will then have three business days to complete payment, after which time interest will accrue at a rate set on the day of the auction. If the buyer has not paid in full by a week after the date of the auction, we will assume that s/he no longer plans to purchase the item in question and s/he will forfeit his/her deposit. THE FOLLOWING INFORMATION WILL BE REQUIRED WHEN WI-RING FUNDS FROM ABROAD, FOR DEPOSIT TO OUR DOLLAR ACCOUNT AT THE BANCO ITAÚ URUGUAY S.A.:

Intermediary Bank: Bank of America, New York, Swift Code: BOFAUS3N, ABA: 026009593Receiving Bank: Banco Itaú Uruguay S.A., Swift Code: ITAUUYMM, Account: 6550245101Beneficiary’s Account: No.: 71.7883, in the name of Castells & Castells.

IN CASE OF MONEY TRANSFER, THE ADDITIONAL COSTS:

From abroad:Bank´s commission for receving money transfer: 0,15% over the amount transferred, with a minimum charge of USD 80.

Inside national boundries:Bank´s commission for receving money transfer: USD 10.

MUSEO ABIERTO

El despertar de los híbridos

Sobre el arte contemporáneo en Uruguay

En una entrevista realizada en el año 1959 –pu-blicada en la revista Art Space– al famoso Marcel Duchamp, quien para muchos es el padre del arte contemporáneo, este expresaba que el mo-vimiento dadaísta constituía la culminación del espíritu no conformista que había existido en cada siglo y en cada movimiento artístico. En particular, al hablar de su trabajo en dicha época, expresaba que su búsqueda radicaba en expre-sarse sin ser un escritor, sin usar ninguna de las categorías preestablecidas, uniendo ideas y re-presentación visual. Según sus propias palabras, esa mezcla de sentidos, “esa forma híbrida expli-ca por qué nadie estaba de acuerdo conmigo”.

Estos conceptos, valorados sesenta años después de ser pronunciados por un precursor, siguen vi-gentes en la actualidad dado que promueven cosmovisiones radicales o innovadoras en las

prácticas artísticas. Las comunidades que llevan a cabo estos procesos pueden ser analizadas y comprendidas a la luz de sus estéticas y modelos de producción conceptual.

En este sentido uno de los conceptos en el arte actual es el de hibridación, que permite una am-pliación radical de la visión del campo artístico y rompe los límites de la praxis modelada por la modernidad y sus principios con respecto al individuo. La posmodernidad trajo consigo un proceso de quiebre de la búsqueda de los límites precisos, de cómo ver el arte y hacia dónde se marcan las tendencias de cómo producirlo.

Las acciones de los movimientos de principio del siglo XX en Uruguay –nos referimos a una estética concebida en la pintura y por la pintura– expusieron nuevas formas que atraviesan marcos y territorios, análisis de obras y pensamiento crítico. Al terminar la Segunda Guerra Mundial el campo del arte se vio conmocionado por flujos de nuevos modelos económicos, políticos y el desarrollo de mercados que rápidamente se globalizan.

Cine sin cámara, FAC.

La actualidad de los híbridos

Las nuevas tecnologías de control son dispositivos que usados por los artistas operan como prótesis de la información para denunciar la complejidad del derrotero de muchos pueblos. Uruguay no estuvo exento de estos cambios y tampoco lo estuvo en los albores de este siglo XXI y mucho menos en el trabajo de sus creadores.

La hibridación en este contexto ha tenido un plan-teo removedor, que pone en jaque a cualquier dogma que reaccione por imposición, porque justamente propone tomar a la modernidad –gran tesoro de la estructura social e intelectual de un país desafiado por su historia– para desplazar sus estructuras. Como proponía con respecto a la mo-dernidad en Europa el teórico del arte relacional Nicolas Bourriaud, se debía buscar una forma de subvertir el orden impuesto por aquella y entender el extremo de los conceptos de las obras de arte en el flujo del sistema de las relaciones sociales.

Puede pensarse que en el conjunto del canon institucional del arte, es decir en la compleja red de relaciones de producción en la que circulan

las obras, hay obras que marcan un tiempo en su estado de hibridación. En el caso del Uruguay un ejemplo lo constituyó Teresa Vila, como la madre del happening en nuestro país, o Amalia Nieto, quien reunió la visión exquisita de la abstracción en el plano y el volumen y la firmeza del concep-to y el color, María Freire y José Costigliolo con el espíritu de quienes a través de la síntesis de las formas y los actos en la pintura y la escultura ge-neraron híbridos geométricos que rompieron con el concepto de lo figurativo en la modernidad en nuestro país.

Exponentes como Nelbia Romero, que conjugó la performance, el grabado y la instalación sono-ra y que desde y hasta sus últimos días vivió en el compromiso de un cuerpo que señala aquello que lo hace resiliente y a su vez vulnerable, tal vez encarnado en el mismo cuerpo del arte. Rimer Cardillo, quien imprime con su ojo exacto la ges-tualidad de lo racional y la dinámica del territorio, del hábitat de la austeridad y la supervivencia en la naturaleza. Gran testimonio de esto es la mues-tra realizada por el artista en el Museo Nacional

de Artes Visuales. Siguiendo esta línea, la figura de Margaret White, cuyas obras son el ensambla-je de deshechos hallados para una nueva forma de existencia, produciendo en sus conglomera-dos textiles volúmenes que en esculturas blandas nos llevan a una estética cercana al registro de una arqueología pública, un registro de la vida contemporánea y sus intensidades.

En este recorrido sobre el proceso de hibri-dación en el arte contemporáneo, con figuras notables del arte en Uruguay, se enfrenta hoy la contingencia de mantener viva o de derrotar a la modernidad y allí, en esos intersticios, pare-ce estar el reservorio para pasar lentamente a un pensamiento contemporáneo.

Sin duda los espacios que crearon este pensa-miento posmoderno han sido varios y han nacido en los talleres de grandes artistas como Guillermo Fernández, Nelson Ramos, Hugo Longa, Clever Lara, Claudia Anselmi, Gustavo Alamón, Carlos Seveso, Carlos Musso, Fernando López Lage, Fernando Martínez, Gustavo Tabares, Martín Verges, entre otros.

AvispaRimer Cardillo67 x 98 cm1977-78

Composición María Freire50x80 cm1955

Proyecto de Vitral Nº 4 José Pedro Costigliolo67 x 98 cm1977-78

Taller, FAC.

Trans-estéticas

En los últimos veinte años el campo del arte uruguayo debió asimilar su propia contempo-raneidad y la velocidad de la información. La hibridación en el contexto de interrelación entre arte y ciencia afina su acción, no como reproduc-tor de artefactos, sino como campo de fuerzas que trasciende la naturaleza petrificada de la his-toria a la que aludía Walter Benjamin, en su visión dialéctica de la misma.

La hibridación llevó al fin del arte que afirma-ba Arthur Danto y conmocionó, como señalaba Jacques Derrida, los procesos de creación al operar en la deconstrucción de los lenguajes que promovían las estéticas de la modernidad. Así, quizás, nacieron posibles espacios de encuentro y diálogo, que modificaron la dinámica de la pro-ducción local.

Hubo un cambio en el gesto político del cuerpo social, en la re-contextualización de una multi-plicidad de sucesos que definen a la actividad artística, renovándola. La existencia de agentes híbridos, como catalizadores, permitió operar en un nuevo orden, en una mirada que está empa-pada de los flujos del pensamiento crítico y la función del arte, que aún impone a la moderni-dad como modelo recordado con nostalgia.

Estamos ante el desafío de detectar ese espacio de intersección que permita trazar la reedición

de un nuevo mapa, en donde las fronteras de lo tradicional y lo contemporáneo contacten y se produzca un encuentro.

Hoy Uruguay, desde el punto de vista institu-cional y académico, se acerca a comprender la importancia de las prácticas artísticas en el arte contemporáneo. Fue necesaria la remodelación de la ex-cárcel de Miguelete, hoy convertida en el Espacio de Arte Contemporáneo, uno de los futuros reservorios de las prácticas artísticas de nuestro tiempo.

En el pasado la Agencia Española en nuestro país fue precursora, incentivando una línea de acti-vidad cuya trayectoria se evidencia en el actual Centro Cultural de España. Sin duda la Colección Engelman-Ost es el espacio por excelencia que da cuenta en su extensa integración y selección de obra, de las claves de un cambio de paradigma en la cosmovisión del arte contemporáneo nacional.

Asimismo, otras instituciones como la Fundación de Arte Contemporáneo, que es uno de los es-pacios de formación que funciona a su vez como colectivo, marcan una clara tendencia en la edu-cación y producción de arte, desarrollando este proyecto desde mediados de los 90. Marte Up Market fue un espacio que renovó la forma de presentar el arte y la performance; Casa Mario es otro espacio que funciona como activo agente

de las prácticas artísticas; Kiosko fue una plata-forma colaborativa de participación que trabajó en la hibridación de las estéticas entre diseño, arquitectura y pintura, entre otras áreas. Dos es-pacios que revelan la innovación y el compromiso del hacer actual en la escena montevideana son Laboratorio de Cine FAC, centro de experimen-tación y pionero en cuanto a los archivos fílmicos y la enseñanza de cine independiente, y GEN, espacio de experimentación entre arte y ciencia.

Todos son claros ejemplos de los espacios que abren sentido al arte actual y que renuevan la tendencia con respecto del arte contemporáneo. Vivimos, como afirman Gilles Lipovetsky y Jean Serroy, en la era trans-estética: “El culto de los héroes ha sido reemplazado por la consagración del placer y las sensaciones excitantes”, goce y satisfacción inmediata parece ser la consigna. Los artistas contemporáneos evocan la capacidad de trascender las fronteras impuestas por el nuevo orden y analizan a la luz de ese goce las angustias de su tiempo, ponen de manifiesto la posibilidad de despertar y hacer visible una época en la que el arte se involucra cada vez más en infinidad de territorios del conocimiento.

Por Jacqueline Lacasa

Fotografía: Inventario del MNAV, Guillermo Zabaleta, Tali Kimelman

Espacio GEN.

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