PINTORES SOBRESALIENTES EN SU ÉPOCA

FRANCISCO DE GOYA Y LUCIENTES:

Nació el 30 de marzo de 1746 en Fuendetodos, un pueblecito de la provincia

de Zaragoza. Se formó en el taller de José Luzán y posteriormente viajó a

Roma, donde estudió el barroco italiano.

Al contraer matrimonio con Josefa Bayeu en 1773, hermana de los pintores

Francisco y Ramón Bayeu, Goya se vio influenciado por ellos artísticamente, y

comenzó a pintar cartones para la Real Fábrica de Tapíces estando al mando

de Mengs. Los primeros cartones para tapiz revelan la influencia de Francisco

Bayeu, Tiépolo, Mengs y Velázquez. Representa temas populares,

costumbristas, mostrando una visión fresca y amable de la vida del Madrid de

aquella época, como lo fueron las ferias, fiestas, romerías, verbenas y juegos

como La pradera de San Isidro o La gallina ciega.

En su forma de pintar se puede recordar a Anton Van Dyck, dada la delicadeza

y sutileza con la que evoca el brillo de la seda y el oro, al igual que Ticiano y

Velázquez. A su vez Goya representaba a sus modelos como lo que eran, con

sus atributos e imperfecciones, vanidades, codicias y vacuidades, no capta

simplemente los rasgos físicos, sino que traspasa la apariencia para indagar en

los rasgos anímicos y mostrar su antipatía o simpatía por el personaje. A parte

de los retratos, Goya al igual que Rembrandt produjo una gran cantidad de

aguafuertes1, muchos de ellos realizados con una nueva técnica denominada

aguatinta, la cual permite no sólo grabar las líneas sino también modificar las

manchas. Lo que más sorprende de este artista, es que los temas de sus obras

no son como los de costumbre, ósea bíblicos, históricos o de género; sino que

son visiones fantásticas de brujas y apariciones espantosas. Algunas de estas

obras eran consideradas una crítica a la opresión huma que Goya observó en

1 técnica de grabado en metal, normalmente sobre cobre, que se obtiene tratando las partes de la plancha no protegidas por un barniz previo con una solución de ácido de nítrico en agua.

España y otras parecen acabar de dar forma a las pesadillas del artista. A partir

de Goya los artistas se sintieron en la libertad de crear y plasmar sus propias

visiones y críticas de su mundo, como sólo los poetas lo habían logrado hasta

ese momento.

Una de sus obras fue majas en un balcón:

THÉODORE GÉRICAULT:

Théodore Géricault nace en 1791 en un pequeño pueblo francés de Rouen en

el seno de una familia acomodada. Representa más que ningún otro en Francia

el Romanticismo, corriente pictórica caracterizada por el dominio de los

sentimientos ante la razón dejando atrás lo clásico e imponiendo la libertad

como la mejor técnica para imprimir colores y formas en los lienzos. A su vez la

pintura posee más saturación de color, y sus temáticas hacen referencia a

tiempos pasados especialmente el estilo gótico, leyendas, y momentos

históricos; el paisaje también juega un papel fundamental puesto que ayuda a

la dinámica de los cuadros, dándole mayor atractivo.

Desde los 17 años comenzó su carrera artística, en un principio influenciado

por Vernet y Guérin, y más tarde en 1816, al igual que muchos pintores, viajó a

Italia y observó las obras de Miguel Ángel, del cual se influenció para la

realización de los rostros, principalmente en la gestualidad y fuerza de estos, y

su vez esta influencia se notaría en la representación de los animales. De la

misma manera muestra un gran dinamismo en los cuerpos a tal punto de crear

la ilusión de que los caballos se fueran a salir de los cuadros.

En 1822 Géricault recibió un encargo de 10 cuadros sobre dementes, para lo

cual utilizó como modelos sacados realmente de manicomios; este hecho

impactó tanto a los críticos de arte del momento, como a la sociedad en

general, puesto que los dementes eran vistos como personas no humanas. De

esta serie de pinturas podemos destacar obras como El cleptómano o las dos

representaciones con el título Retrato de mujer loca. Con estos retratos

Géricault quería dar a entender que la pintura debería reflejar la realidad, y

desde sus pinceladas fuertes mostraba también su crítica hacia la sociedad de

su época.

El derby de Epsom

HERMANDAD PRERAFAELITA:

Asociación de pintores, poetas y críticos ingleses, fundada en 1848 en Londres

por John Everett Millais, Dante Gabriel Rossetti y William Holman Hunt, estos

rechazaban el arte académico predominante en la Inglaterra del siglo XIX, y

pensaban que el arte había tomado un giro erróneo después de Rafael, por lo

que decidieron retroceder en la historia hacia los pintores que lo antecedieron,

los cuales eran fieles a un Dios, se preocupaban por copiar cuanto podían de la

naturaleza, no pensando en la fama terrenal sino en la gloria de un Dios. Se

dedicaban a realizar pinturas simbolistas y moralizantes, las cuales son

sacadas de leyendas germánicas y anglosajonas, pasajes bíblicos y obras

literarias de Dante o Shakespeare.

Por su lado Rossetti tenía un propósito, volver al espíritu medieval, no en el

sentido de imitar los cuadros de ese entonces, sino que quería revivir era la

actitud de esa época; eso se puede ver en su obra Ecce Ancilla Domini, en

donde se representa le escena bíblica en la que el Arcángel San Gabriel se le

presenta a la Virgen María, en esta obra Rossetti se esforzó por ser lo más

sencillo y sincero posible en su nueva concepción, pues la Virgen posee un

aspecto lánguido, muy diferente a como anteriormente se le pintaba, lo mismo

pasa con el ángel, pues es pintado como una persona terrenal, con unos

cuantos efectos de celestialidad y sin sus respectivas alas.

En cuanto a su técnica, los prerrafaelitas utilizaban colores brillantes, propios

de las vidrieras góticas, también daban mucha importancia a la línea y al

detalle, acercándose al realismo fotográfico.

Posteriormente, la acogida reservada a los prerrafaelitas es hostil. Son el

objeto de virulentos ataques, con motivo de las exposiciones de 1850 y de

1851: se les reprocha su tratamiento trivial de los temas sacros (en particular El

Cristo en casa de sus padres de Millais) y al final, no se les perdona su

rechazo de la idealización. Sin embargo, algunas simpatías se manifiestan.

EDWARD COLEY BURNE – JONES

Sir Edward Coley Burne-Jones (Birmingham, 28 de agosto de 1833 – Londres,

17 de junio de 1898). Pintor, ilustrador y diseñador inglés. A los pocos días de

haber nacido, muere su madre, quedando el pequeño al cuidado de su padre,

quien se ganaba la vida en condición humilde haciendo marcos para cuadros

que luego esmaltaba con una fina capa de oro.

A los pocos días de haber nacido, muere su madre, quedando el pequeño al

cuidado de su padre, quien se ganaba la vida en condición humilde haciendo

marcos para cuadros que luego esmaltaba con una fina capa de oro.

A los 11 años ingresa a la Escuela del Rey Edward VI, en Birmingham. El niño

se caracterizaba por ser sobresaliente en matemáticas, y precoz dibujante.

En 1853 lo aceptan para continuar sus estudios de teología en el Exeter

College de la Universidad de Oxford. Abocado inicialmente al sacerdocio, pasó

a interesarse por el arte gracias a su amigo y compañero de estudios

teológicos, el poeta William Morris. En un rapto espiritual, ambos deciden

integrarse a la Iglesia, pero el plan no se materializa, como tampoco concluyen

diplomándose en Oxford. Viajan a Francia en 1855, donde William Morris se

inclina por la arquitectura y Burne-Jones por la pintura; aunque reconoce con

pesar que carece de formación pictórica, por ende, se dedica a estudiar con

harta dedicación y entusiasmo; logrando su objetivo. Con el tiempo le

presentan al ilustre pintor, traductor y poeta inglés Dante Gabriel Rossetti, de

quien Burne-Jones fue discípulo, y el cual, siguió ejerciendo una influencia

decisiva sobre él

Las pinturas de Burne-Jones, inspiradas en temas medievales, clásicos y

bíblicos (que acusan la influencia de Botticelli), destacan por su

sentimentalismo y por el estilo de ensoñación romántica y están consideradas

como las mejores obras de la escuela prerrafaelista. Entre ellas destaca El rey

Cophetua y La mendiga (1884, Tate Gallery, Londres). Igual que Rossetti,

Burne-Jones desarrolló un estilo esteticista, de pretendida belleza, pero su

inclinación era más clásica y sus formas alargadas deben mucho al ejemplo de

Sandro Botticelli. Cultivó los asuntos medievales y míticos, y aborrecía de

planteamientos modernos tales como los de los impresionistas, cuyos temas

describía como "paisajes y putas". La Hermandad permaneció como grupo

constituido apenas un lustro, pero su influencia se dejó sentir en la pintura

inglesa hasta entrado el siglo XX.

El jardín de Villa Excélsor

MICHELANGELO MERISI “CARAVAGGIO”:

Caravaggio es uno de los genios de la pintura de todos los tiempos. Desarrolló

su trayectoria artística a fines del siglo XVI y principios del XVII. Su orientación

artística fue muy polémica, dado que él quería representar la realidad tal como

él la veía, utilizando como referencia personas del común, como prostitutas,

personas de estratos bajos, etc., las cuales serían personajes principales en

sus obras. El no sentía ninguna preferencia por la belleza ideal ni tradicional,

que había sido la base de los artistas que precedieron a Caravaggio.

Fue uno de los primero artistas a los que se les dirigieron acusaciones

similares y el primero al cual se le acusó de naturalista. En el cuadro de la

incredulidad de Santo Tomás, se puede ver que este artista pintó a los tres

apóstoles que están observando a Cristo, como vulgares jornaleros, lo cual por

obvias razones molestó a la gente devota de aquella época, pues ellos estaban

acostumbrados a ver a los apóstoles como figuras respetables, vestidas con

lujosas prendas. A estas reacciones Caravaggio respondería diciendo que eran

simples jornaleros, pues como se dijo anteriormente, él quería representar

fielmente la naturaleza por hermosa o fea que pareciera.

Se esforzó para que los personajes de los texto pareciera lo más reales

posible, por lo que la luz y la sombra jugaban un papel fundamental en sus

creaciones; la luz no hace parecer más suaves y graciosos los cuerpos, sino

que es dura y casi cegadora en su contraste con las sombras profundas. Esta

era la principal característica de sus pinturas.

Algunas de las pinturas más destacadas de Caravaggio son:

La Muerte de la Virgen.

La luz incide en la Virgen y en algunos personajes (manos y rostro) para

resaltarlos. Estos contrastes de luz nos transmiten sensaciones dramáticas y

resaltan los valores escultóricos. Hay una gran expresividad con los gestos de

las manos y los rostros. Tiene gran importancia el color.

Lo que más llama la atención es la vulgaridad de los personajes, tanto la

Virgen, como el resto de los personajes (En el caso de la Virgen, Caravaggio

tomó como modelo a una mujer ahogada).

Cristo con los peregrinos de Emaús.

Es otra de las grandes obras del naturalismo y tenebrismo de Caravaggio. El

tenebrismo se consigue con un foco luminoso limitado a la izquierda de la parte

superior. El naturalismo y dinamismo se obtienen gracias a los movimientos de

la mano de Cristo y escorzo de las figuras de los peregrinos y la expresión de

sorpresa en el rostro de los peregrinos al conocer la identidad de Cristo.

DOMENIKOS THEOTOKOPOULOS “EL GRECO”:

El Greco nació en el año 1541 en Creta (que pertenecía a la república de

Venecia) y allí recibe su primera formación y la influencia del arte bizantino, en

especial el mosaico, de donde tomara su alto sentido de la religiosidad y la

simetría de sus composiciones, que durará toda su vida.

Llegó a Venecia procedente de un lejano lugar donde no se desarrolló ninguna

especie de arte durante el medioevo. Allí encuentra en su máximo esplendor la

Escuela de Venecia del cinquecento (Tiziano y Tintoretto). El Greco aprenderá

de ellos el uso de colores cálidos y la importancia de la luz.

En su país natal se acostumbró a ver las imágenes de los santos, solemnes y

en actitudes rígidas y sin ningún parecido a su apariencia natural, según la

manera bizantina. Al ser también un hombre fervoroso se vio atraído por las

pinturas sacras y sintió la necesidad de representarlas en sus pinturas, pero de

manera distinta y llenas de agitación. El Greco se estableció en Toledo,

España, donde no tuvo problema con los críticos que no le exigían un dibujo

exacto y perfecto, pues en España persistían en grado elevado las ideas

medievales acerca del arte. En su obra La apertura del quinto sello del

Apocalipsis, se puede notar que las figuras desnudas con sus agitadas

actitudes son los mártires que salen de sus tumbas y claman venganza al cielo

y adelantan sus manos para recibir de éste las blancas vestiduras.

El greco fue influenciado en gran parte por Tintoretto, aprendiendo el proceder

poco ortodoxo de desequilibrar la composición, a su vez adoptó el manierismo

de alargar las figuras como en la famosa pintura del Parmigianino La Virgen del

cuello largo.

EUGÉNE DELACROIX (1798-1863)

Nacido en Charenton-Saint Maurice es oficialmente hijo de un ex ministro del

Exterior del Directorio y luego prefecto del Imperio, y de la hija del ebanista de

Luis XVI de quien se dice, quedó embarazada del príncipe Talleyrand,

posiblemente verdadero padre de Eugène, a quien protegerá en los primeros

años de su carrera.

En 1806 muere su padre Charles y toda la familia debe trasladarse a París

donde son acogidos por una de las hermanas de Eugéne, Henriette. Ese

mismo año ingresa en el Liceo Imperial donde comienza sus estudios artísticos,

desarrollados durante años.

Delacroix fue un hombre de compleja personalidad tenia diversos objetos de

interés, y en su Diario da a entender que no le hubiera complacido ser

encasillado como un fanático rebelde. Y se le adjudicó este papel porque no

podía aceptar las normas de la academia. A su vez no soportó toda la

teatralería sobre los griegos y los romanos, y la insistencia en la corrección en

el dibujo y la constante imitación de las estatuas clásicas. Consideraba que en

pintura, el color era más importante que el mismo dibujo y la imaginación mejor

que la inteligencia. Estaba cansado de los temas cultos impuestos por la

Academia, por lo que en 1832 se fue al norte de África a estudiar el brillante

colorido y los románicos ornamentos del mundo árabe.

Será, sin lugar a dudas, el conocimiento de otras tierras y culturas, lo que

contribuya a la configuración definitiva del uso de la pincelada y el color del

pintor, teorías que verá reflejadas en los estudios que sobre el color haga John

Burnet, quien aseguraba que cuanto más construido esté un cuadro mediante

el color, más ligero aparece el efecto y más realista las figuras. Así el color será

el centro de toda la obra de Delacroix.

La Barca de Dante

La Barca de Dante, obra que suscitó comentarios de todo tipo pero que admiró

por el color y la realización, por la potencia del dibujo y la fuerza plástica de las

figuras.

Según se ha apuntado desde la Editorial Origen, la verdadera novedad del

cuadro fue el uso del color, especialmente en las gotas de agua sobre algunas

figuras en primer término. Gracias a estos pequeños detalles podemos concluir

que la atención a los fenómenos naturales será constante en el artista.

HIERONYMUS BOSCH “EL BOSCO” (1450 – 1516)

Nació en Holanda, pero realiza sus obras en Flandes. Fue el pintor preferido de

Felipe II. La compra de sus obras en España se inicia con los Reyes Católicos,

pero fue Felipe II quien reunió un mayor número de tablas. Su obra es un

intento de salvar la cultura clásica que se había difuminado en la Edad Media.

La inspiración fundamental de la obra de El Bosco son ideas extraídas de las

Sagradas Escrituras y otras obras de su época, pero muy tamizadas siempre

desde su óptica muy personal.

Las principales características de las obras de El Bosco son:

Perfección técnica y muy buena calidad en el dibujo.

Fantasía y originalidad. El Bosco incluye personajes fantásticos que, en

ocasiones, llega a recordar a los bestiarios románicos. Parecen temas

irreales, como si representaran sueños. Algunos estudiosos lo han

relacionado con el surrealismo. Con estas fantasías El Bosco pretende

criticar la mala vida y la corrupción de los grupos sociales intocables de

su época.

Utiliza la burla y la ironía.

El Bosco se hizo famoso por sus representaciones del infierno y sus

moradores, lo cual se refleja en una de sus obras llamada Paraíso e infierno,

en donde se puede observar a la izquierda, el mal invadiendo al mundo; tras la

creación de Eva, sigue la tentación de Adán y el momento en que ambos son

expulsados del Paraíso, mientras en lo alto del cielo se ve la caída de los

ángeles rebeldes que están siendo arrojados de la corte celestial. En el lado

derecho se muestra una visión del infierno, aquí se ve amontonarse horror

sobre horror, llamas y tormentos y toda suerte de demonios, medio almas,

medio hombres o medio máquinas, que castigan y atormentan las almas de los

pecadores por toda la eternidad.

REMBRANDT HARMENSZOON VAN RIJN

Nació en 1606, hijo de un acomodado molinero de la ciudad universitaria de

Leiden. Se matriculó en la universidad, pero pronto abandonó sus estudios

para hacerse pintor en el taller de un maestro local, Jacob van Swanenburc. En

1624 viajó a Ámsterdam para completar su formación junto a Pieter Lastman,

con quien permaneció seis meses. De regreso a Leiden abrió su propio taller y,

debido a su gran reconocimiento, pronto empezó a contar con sus primeros

discípulos.

Rembrandt llevó a cabo gran cantidad de obras, cultivó el retrato, tanto

colectivo como individual, la temática religiosa, el paisaje y también realizó

grabados y dibujos.

Entre sus características principales destaca el uso del claroscuro, empleando

en ocasiones fuertes contrastes, y el dramatismo de sus escenas,

adentrándose en la comprensión de la naturaleza humana.

El estilo de sus primeras pinturas refleja la influencia de su maestro, Pieter

Lastman. Elige temas de gran dramatismo y sus composiciones presentan

numerosos detalles y contrastes muy marcados de luces y sombras.

Se puede observar que Rembrandt fue un gran maestro en la evocación de los

efectos de esas resplandecientes calidades como Rubens o Velázquez,

aunque empleó colores menos brillantes que los usados por ellos. En algunos

cuadros de Rembrandt, la luz parece casi cegadora; pero él nunca empleó

esos mágicos efectos de luz y sombra por sí mismos, sino para aumentar la

intensidad de una escena.

La lección de anatomía del Dr. Nicolaes Tulp (1632)

Fue pintada en plena juventud, a los 26 años. Constituye su obra maestra, es el

primer retrato de grupo pintado por Rembrandt. Fue un encargo del gremio de

cirujanos, entre los que Tulp, un famoso médico de Ámsterdam, era un

destacado representante.

En esta pintura, Rembrandt se interesa por los contrastes lumínicos, con una

luz potente y clara, que ilumina unas zonas y deja otras en penumbra.

La ronda nocturna (1642)

Es una de sus obras más famosas. Representa la milicia del capitán Frans

Banning Cocq en el momento en el que éste da una orden a su alférez.

La escena se desarrolla al aire libre, pero no de noche como indica su título,

sino que la obra se ha oscurecido con el paso del tiempo. Prueba de ello es

que no se la conoció como La Ronda Nocturna hasta el siglo XIX. Antes era

denominada La Milicia del capitán Frans Cocq.

Está pintada con gran realismo, captando los rostros y las actitudes de todos

los personajes y transmitiendo sensación de movimiento. Los juegos de luz y

sombra recuerdan la influencia de Caravaggio.

PINTORES SOBRESALIENTES EN SU ÉPOCA

PRESENTADO A: BEATRIZ AMELIA MEJIA DE MILLAN

PRESENTADO POR: ANA MARÍA SALAZAR AGUIRRE

UNIVERSIDAD TECNOLÓGICA DE PEREIRA

FACULTAD DE BELLAS ARTES Y HUMANIDADES

LICENCIATURA EN ARTES VISUALES

TEORÍA DEL ARTE

SEPTIEMBRE DE 2014

Bibliografía

communication, M. d. (s.f.). Museé d`Orsay. Obtenido de http://www.musee-orsay.fr/

(2009). En G. E.H, La Historia del Arte. New York: Phaidon Press Limited.

Garma, A. d. (s.f.). Arte en España. Obtenido de http://www.arteespana.com/

Refinando Nuestros Sentidos. (s.f.). Obtenido de http://www.refinandonuestrossentidos.com/j/privacy