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NUEVO EQUIPO Avance programa MACBA 2016-2017

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Índice

Equipo

Comité Asesor

Dirección académica - Programa Estudios Independientes

Exposiciones

Publicaciones

Información general

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NUEVO EQUIPO

CONSERVADORA JEFE

TANYA BARSON (1972) se incorporó a la Tate en 1997. Desde 2007, ha

sido conservadora de Arte Internacional de la Tate Modern.

Previamente fue conservadora de Exposiciones y Colección en la Tate

Liverpool (2004-2007).

Ha comisariado exposiciones individuales dedicadas a Mira Schendel (2013), Ellen Gallagher

(2007), Helio Oiticica (2007), Jake and Dinos Chapman (2006), Frida Kahlo (2005) y Assume

Vivid Astro Focus (2005). Igualmente, ha sido comisaria de exposiciones colectivas como

Afro Modern: Journeys through the Black Atlantic (2010), Inverting the Map: Latin American

Art from the Tate Collection (2006) y el Turner Prize (2001). Ha formado parte del equipo

que organizó Adventures of the Black Square: Abstract Art and Society 1915-2015 en la

Whitechapel Art Gallery (2015).

Ha trabajado en nuevos formatos de colaboración entre la Tate y organizaciones

latinoamericanas, proyectos con la Sala Siqueiros en Ciudad de México, el MALI en Lima y

TEOR/éTica en San José de Costa Rica. Actualmente se puede visitar una de las exposiciones

que ha comisariado y con la que se han inaugurado los nuevos espacios de la Tate dedicada

a Georgia O’Keeffe.

JEFE DE PROGRAMAS

PABLO MARTÍNEZ (1979) es educador e investigador. Desde

2009 ha sido responsable de Educación y Actividades Públicas

del CA2M, donde cabe destacar la innovación en programas

como las PicNic Sessions, la Universidad Popular y el grupo de

investigación en prácticas educativas críticas Las Lindes.

Anteriormente fue coordinador de programas educativos del

Museo Reina Sofía (2004-2008) y educador del Museo Patio Herreriano. También ha sido

profesor asociado de Arte Contemporáneo de la facultad de Bellas Artes de la Universidad

Complutense de Madrid (2011-2015).

Escribe en art-agenda y es secretario de redacción de la revista de investigación sobre arte

y cultura visual Re-visiones. Entre sus ámbitos de investigación actuales destaca el funeral

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de Buenaventura Durruti, como forma de investigar el potencial de las imágenes en la

construcción de la subjetividad política. Ha disfrutado de estancias de investigación en la

Vrije University de Ámsterdam (2014), en la Tate Britain (2008) y el Bronx Museum of the

Arts (2007). Junto con Vincent Meessen, dirigió las XIX y XX Jornadas de Estudio de la

Imagen de la Comunidad de Madrid. Es editor, con Yayo Aznar, de Arte actual. Lecturas

para un espectador inquieto y editor de No sabíamos lo que hacíamos. Lecturas sobre

educación, de próxima aparición.

GERENTE

JOSEP M. CARRETÉ (1963) ha sido desde 2012 subdirector gerente del Museu

Nacional d’Art de Catalunya. Con anterioridad a este cargo, el nuevo gerente

del MACBA fue director general de la Fundació Pau Casals y director general de

Patrimonio Cultural del Departamento de Cultura y Medios de Comunicación

de la Generalitat de Catalunya. También ha sido director del Museu

d’Arqueologia de Catalunya (MAC), director del Museu Nacional Arqueològic de

Tarragona (MNAT), director del Área de Servicios Personales del Ayuntamiento de Gavà, director

gerente del Instituto Municipal de Gestión del Patrimonio Cultural y Natural de Gavà, entre otros

cargos. Además de ejercer esporádicamente la docencia en másteres y postgrados de varias

universidades, ha participado en numerosos congresos y ha sido asesor en varias instituciones

públicas y privadas vinculadas al patrimonio y los museos. Es autor y coautor de siete libros y de

más de 25 artículos relacionados con la gestión patrimonial y museística.

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NUEVO COMITÉ ASESOR

Cuauhtémoc Medina

(Ciudad de México, 5 de diciembre de 1965.)

Doctor en Historia y Teoría de Arte (PhD) por la Universidad

de Essex, Gran Bretaña, y licenciado en Historia por la Universidad Autónoma de México. Es

investigador del Instituto de Investigaciones Estéticas de la Universidad Nacional Autónoma de

México. Desde 2013 es Curador Jefe del Museo Universitario de Arte Contemporáneo, MUAC.

De 2002 a 2008 fue el primer Curador Asociado para las colecciones de Arte Latinoamericano de

la Tate Modern de Londres. Entre los proyectos que ha organizado destacan Cuando la fe mueve

montañas (Lima, Perú, 2001), de Francis Alys, y 20 Million Mexicans Can’t Be Wrong (South

London Gallery, 2002). También fue uno de los cuatro curadores-investigadores que

seleccionaron la muestra International de la Bienal de Liverpool de 2004.

Entre sus publicaciones destacan «Gerzso y el Gótico Indoamericano: Del Surrealismo Excéntrico

al Modernismo Paralelo», en Diana C. Dupont, El Riesgo de lo Abstracto: El modernismo

mexicano y el arte de Gunther Gerzso (Santa Barbara, CA: Santa Barbara Museum of Art, 2003);

«Sobre el abrumador deseo de poner orden/The Overwhelming Desire for Order», en Jeffery J.

Pavelka Peet (ed), Iñigo Manglano (México-Monterrey: Museo Tamayo-Museo de Arte

Contemporáneo de Monterrey, MARCO, 2004); y «Architecture and Efficiency. George Maciunas

and the Economy of Art», en Res. Anthropology and Aesthetics. Vol. 45, verano 2004.

Estrella de Diego

(Madrid, 1958)

Catedrática en Arte Contemporáneo en la Universidad Complutense de Madrid y ensayista. Ha

ocupado la cátedra King Juan Carlos I of Spain of Spanish Culture and Civilization en la New York

University (1998-1999). Su investigación se centra en la teoría del género, los estudios

poscoloniales y los orígenes de la modernidad. Es autora, entre otras, de las siguientes obras: La

mujer y la pintura en la España del siglo XIX; El andrógino sexuado. Eternos ideales, nuevas

estrategias de género; Tristísimo Warhol; y del libro de ficción El filósofo y otros relatos sin

personajes.

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Ha comisariado numerosas exposiciones, como Simbolismo ruso (Fundación “la Caixa”, Madrid,

Barcelona y Burdeos, 1999-2000) y la representación española de la 49ª Bienal de Venecia

(2001). Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes (2010).

Catherine David

(París, 1954)

Historiadora del arte, curadora y directora de museo. Estudió literatura y lingüística española y

portuguesa. Curadora del Musée national d’art moderne, Centre Georges Pompidou, desde

1981 hasta 1990. Posteriormente dirigió el Jeu de Paume (1990-1994). Fue la primera mujer y la

primera persona no alemana en dirigir la Documenta de Kassel en 1997 (Documenta X). Desde

2002 hasta 2004, dirigió el Witte de With de Róterdam. También fue curadora jefa de Musées

de France y directora artística de la Bienal de Lyon en 2009. Actualmente es subdirectora del

Musée national d’art moderne de París.

Muy interesada en el arte de Oriente Medio, fue directora del proyecto Contemporary Arab

Representations en 1998, que se mostró por primera vez en la Fundació Antoni Tàpies. En 2006

presentó la exposición The Iraqi Equation en Barcelona y en Berlín. En 2007 comisarió DI/

VISIONS. Culture and Politics in the Middle East en la Haus der Kulturen der Welt de Berlín, con

el propósito de romper el estereotipo occidental de la cultura árabe.

Chris Dercon

(Lier, Bélgica, 1958)

Historiador del arte, curador y productor cultural. A finales de los años ochenta fue director de

programación del MoMA P.S.1 Contemporary Art Center, de Nueva York, donde mostró el

trabajo de Helio Oiticica y de otros artistas pioneros como André Cadere, Franz West y David

Medalla. En 1990 fue nombrado director del Witte de With de Róterdam, donde organizó

exposiciones sobre Allan Sekula, Paul Thek o Eugenio Dittbon, entre otros. En 1996 dejó el cargo

para asumir la dirección del Museum Boijmans Van Beuningen de Róterdam hasta 2003, cuando

pasó a dirigir la Haus der Kunst de Múnich, un museo muy conocido por sus exposiciones

fotográficas de Robert Adams, Lee Friedlender y William Eggleston, entre otros. En 2005 produjo

con Anish Kapoor Svayambh y publicó el ensayo My Body is Your Body para el Deutsche

Guggenheim. En 2011 fue nombrado director de la Tate Modern de Londres, hasta principios de

2016, cuando asume la dirección del teatro experimental de Berlín Volksbühne. Es miembro de

la comisión asesora de compras del MACBA desde 1999.

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NUEVA DIRECCIÓN ACADÉMICA

PROGRAMA DE ESTUDIOS INDEPENDIENTES En 2017 se iniciará un nuevo ciclo del PEI, que en esta sexta edición contará con un nuevo

claustro colegiado formado por Lucía Egaña, Marcelo Expósito, Marina Garcés, Dora García,

Pablo Martínez, Emilio Santiago Muíño y Jaime Vindel.

El PEI Programa de Estudios Independientes es un laboratorio de aprendizaje que sucede en el

dentro-fuera de la institución museo y que tiene como objetivo fundamental el desarrollo de

pensamiento crítico desde la intersección entre prácticas artísticas, ciencias sociales e

intervenciones político-institucionales. El PEI pone en cuestión la división tradicional de saberes

y las lógicas establecidas de la mercadotecnia cultural. Desde sus inicios en 2006, se ha

consolidado como un programa de experimentación sobre las nuevas formas de producción de

conocimiento y sobre cómo configurar espacios en los que el pensamiento resista la incesante

espectacularización de la cultura en el contexto del turismo global y el capitalismo cognitivo.

Los contenidos del programa se articulan en torno a grandes áreas transversales que abordan la

crítica del discurso, los estudios feministas, la teoría queer y la crítica decolonial. En la presente

edición, se incorpora a estos contenidos un área de trabajo nueva en la que se aborda de manera

directa la crisis energética derivada del agotamiento de las energías fósiles y la consecuente

crisis civilizatoria vinculada también al colapso ecológico. Con ello, el PEI pretende reflexionar

sobre los límites del crecimiento, el activismo climático y la posibilidad de producir imaginarios

de nuevas formas de vida poscapitalistas en un mundo sin energías fósiles.

Estos contenidos se vinculan a la tradición de la pedagogía radical, feminista y experimental, no

solo como materias de estudio, sino como prácticas vivas capaces de configurar nuevos espacios

para el conocimiento. La actualización del PEI rompe con cualquier idea preconcebida de lo que

es un espacio de «alta formación» e intenta escapar de cualquier atisbo de programa de

adquisición de competencias.

El PEI tiene lugar en el CEDOC, un espacio que en 2017 cumple diez años y que quiere reactivarse

como espacio específico para la investigación. El cambio en la estructura organizativa del MACBA

permite pensar en una mayor transversalidad de los programas públicos y el archivo y la

biblioteca del museo, potenciando el trabajo actual de conservación y adquisición de fondos con

una mayor visibilidad de los mismos y su activación mediante distintas formas de investigación,

desde la académica hasta la artística y experimental.

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Información práctica

Del 27 de marzo de 2017 al 30 de junio de 2018

Duración: 15 meses

Horario lectivo (datos orientativos): El curso consta de cuatro trimestres, durante los que se

ofrecen aproximadamente 450 horas lectivas. Clases de lunes a viernes, de 16 a 20 h.

Precio de la matrícula: 3.000 euros. Existe la posibilidad de realizar el pago en dos plazos.

Periodo de preinscripción: Del 10 de octubre al 25 de noviembre de 2016.

Comunicación de aceptados: 5 de diciembre (plazos ampliables hasta cubrir plazas)

Ver requisitos de inscripción e información detallada en www.macba.cat.

CLAUSTRO PROFESORADO Lucía Egaña

Formada en artes, estética y documental, es doctora en Comunicación Audiovisual por la

Universitat Autònoma de Barcelona. Escribe e investiga sobre temas relacionados con los

feminismos y el transfeminismo, la representación, la pospornografía, la tecnología, el software

libre y el error. Desarrolla procesos pedagógicos en ámbitos institucionales e informales y su

trabajo artístico se ha presentado en México, Uruguay, Chile, Alemania, España, Francia,

Noruega, Ecuador, Colombia, entre otros. Es organizadora del festival nómade Muestra

Marrana, ha publicado el libro Enciclopedia del amor en los tiempos del porno (Cuarto propio,

2014) y colabora con diversos colectivos y artistas principalmente del ámbito de la performance.

Participa en el grupo de investigación FIC (Fractalidades en Investigación Crítica, UAB) y ha

realizado, junto a Miriam Solá, el proyecto de investigación «Máquinas de Guerra, políticas

transfeministas de la representación» (2014-2015).

Marcelo Expósito

Su trabajo como artista se expande habitualmente hacia los territorios de la teoría crítica, el

trabajo editorial, la curaduría, la docencia y la traducción. Ha formado parte del claustro del PEI

desde su fundación en 2006, siendo codirector académico de su cuarta edición (2012-2013). Ha

impartido docencia en instituciones como la Universitat Pompeu Fabra (Barcelona), la Escola

Elisava (Barcelona), la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Castilla-La Mancha (Cuenca),

el Museo Universitario de Arte Contemporáneo de la UNAM (MUAC), el Centro de

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Investigaciones Artísticas (Buenos Aires) o las universidades de Buenos Aires (UBA) y La Plata

(Argentina).

Cofundador y editor de la revista Brumaria entre 2002-2006, desde 2006 forma parte del

colectivo editorial del webzine multilingüe transversal, editado por el eipcp (European Institute

for Progressive Cultural Policies). Ha escrito o editado, solo o en colaboración, libros sobre teoría

crítica, activismo cultural e historia de las vanguardias artísticas como Plusvalías de la imagen.

Anotaciones (locales) para una crítica de los usos (y abusos) de la imagen (1993), Chris Marker.

Retorno a la inmemoria del cineasta (2000), Modos de hacer. Arte crítico, esfera pública y acción

directa (2001), Historias sin argumento. El cine de Pere Portabella (2001), Producción cultural y

prácticas instituyentes. Líneas de ruptura en la crítica institucional (2008), Los nuevos

productivismos (2010), Walter Benjamin, productivista (2013), Desinventario. Esquirlas de

Tucumán Arde en el archivo de Graciela Carnevale (2015), Conversación con Manuel Borja-Villel

(2015).

Implicado como activista en movimientos de desobediencia civil, contra el neoliberalismo y por

los derechos sociales y la democracia desde los años noventa, actualmente es miembro de la

Dirección Ejecutiva de Barcelona En Comú, así como diputado por Barcelona de En Comú Podem

y Secretario Tercero del Congreso.

Marina Garcés

Es filósofa y profesora en la Universidad de Zaragoza. Su trabajo se centra en el ámbito de la

política y el pensamiento crítico, y en la necesidad de articular una voz filosófica capaz de

interpelar y comprometer. Para ello desarrolla su filosofía como una amplia experimentación

con las ideas, el aprendizaje y las formas de intervención en el mundo actual. Es autora de los

libros En las prisiones de lo posible (2002), Un mundo común (2013) El compromiso /

Commitment (Colección Breus, CCCB, 2013), Filosofía inacabada (2015) y Fuera de clase. Textos

de filosofía de guerrilla (2016). Desde 2002 impulsa y coordina el proyecto «Espai en Blanc», una

apuesta colectiva por una relación comprometida, práctica y experimental con el pensamiento

filosófico.

Dora García

Es artista e investiga los parámetros y convenciones de la presentación del arte, la cuestión del

tiempo –real y ficticio– y los límites entre representación y realidad. Se apoya en diversos

soportes para generar contextos en los que el esquema tradicional de comunicación –emisor-

mensaje-receptor– queda alterado, lo que modifica la relación tradicional entre el artista, la obra

y su audiencia.

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En 2011 fue representante de España en la Bienal de Venecia con el proyecto Lo inadecuado y

en la 56 edición de 2015 ha presentado el proyecto de performance e instalación The Sinthome

Score, basado en la transcripción del seminario XXIII de Jacques Lacan Le Sinthome. Jacques

Lacan es una de las referencias de sus recientes trabajos. Llegó a él gracias al escritor James

Joyce, sobre el que ha reflexionado profundamente en trabajos como su película The Joycean

Society. Actualmente está trabajando sobre Óscar Masotta y la noción de repetición y tiene en

marcha el proyecto El café de las voces, que desde su inicio en Hamburgo en 2014 va sucediendo

en diferentes ciudades.

Dora García ha expuesto de manera individual en el CGAC (Santiago de Compostela, 2009), Index

Stockholm (2009), Kunsthalle Bern, Suiza (2010), Kunsthaus Bregenz (2013), la Universidad

Torcuato di Tella (Buenos Aires, 2014) y Toronto Power Plant (Toronto, 2015). Su obra está

representada por ProjecteSD (Barcelona), Galería Juana de Aizpuru (Madrid), Ellen de Bruijne

Projects (Ámsterdam) y Galerie Michel Rein (París y Bruselas).

Emilio Santiago Muíño

Doctor en Antropología Social con una tesis sobre la transición sistémica en Cuba tras la caída

de la URSS. Ha sido investigador doctoral y docente en el departamento de Antropología Social

y Pensamiento Filosófico Español de la Universidad Autónoma de Madrid. Miembro del Grupo

de Investigación Transdisciplinar sobre Transiciones Socioecológicas (formando parte del

proyecto HUAMECO: Humanidades ambientales. Estrategias para la empatía ecológica y la

transición hacia sociedades sostenibles) y del Consejo del Instituto Universitario DEMOS-PAZ

(Universidad Autónoma de Madrid). Partícipe en el grupo motor del manifiesto Última Llamada

(2013). A sus publicaciones científicas se suma el libro No es una estafa, es una crisis (de

civilización) (Enclave, 2015) y Rutas sin mapa (II Premio Catarata de Ensayo de 2015). Fundador

del proyecto de transformación social Rompe el Círculo (Móstoles) y activista del Instituto de

Transición Rompe el Círculo. Actualmente trabaja como Director de Medio Ambiente del

Ayuntamiento de Móstoles.

Jaime Vindel

Doctor europeo en Historia del Arte y Magíster en Filosofía y Ciencias Sociales, es crítico de arte,

autor de ensayos y publicaciones. Durante los últimos años ha desarrollado su trabajo en

universidades de Argentina, Chile y España, lo que le ha permitido investigar los cruces entre el

arte, el activismo y la política en esos contextos desde la década de los sesenta del pasado siglo

hasta la actualidad. Es miembro de la Red Conceptualismos del Sur y formó parte del equipo

curatorial de la exposición Perder la forma humana. Una imagen sísmica de los años ochenta en

América Latina (MNCARS, 2012).

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Su proyecto de investigación posdoctoral se centra en algunos episodios de las relaciones entre

la filosofía de la praxis, la estética materialista y la sociología histórica que acontecieron durante

el período de la Guerra Fría, como las irradiaciones en la crítica de arte del Estado español de las

ideas del filósofo hispanomexicano Adolfo Sánchez Vázquez o la actividad de la Unión Popular

de Artistas (UPA), uno de los hitos de la articulación entre política radical, activismo urbano y

vanguardia artística más desconocidos de la época tardofranquista.

Es autor de Transparente opacidad. Arte conceptual en los límites del lenguaje y la política

(Madrid, Brumaria, 2015), La vida por asalto: arte, política e historia en Argentina entre 1965 y

2001 (Madrid, Brumaria, 2014), «La imagen de las cosas: cuerpo y objeto ante la crisis de

consumo», en: A. Fernández Polanco (ed.), Pensar la imagen/pensar con las imágenes

(Salamanca, Delirio, 2014) y ha editado con J. Carrillo Desacuerdos. Crítica, 8 (Barcelona,

MACBA, 2014).

Pablo Martínez

Jefe de Programas, MACBA

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EXPOSICIONES

MIRALDA MADEINUSA

Rueda de prensa: 21 de octubre de 2016, 11.30 h

Inauguración: 21 de octubre de 2016, 19.30 h

Fechas: Del 22 de octubre de 2016 al 9 de abril de 2017

Comisario: Vicent Todolí

Miralda, Wheat & Steak – Parade, Kansas City, 1981 © Foto: D. White

Con cinco décadas de trayectoria artística, Antoni Miralda (Terrassa, España, 1942) ha

convertido un acto tan universal como el comer en un universo creativo. Instalado en París en

1962, fue un pionero en la realización de trabajos y rituales colectivos que celebraban el

ceremonial de la comida partiendo del color y su simbolismo. El crítico Pierre Restany valoró su

trabajo individual y las colaboraciones con otros artistas como Daniel Spoerri, Joan Rabascall,

Dorothée Selz y, de forma continuada, con Jaume Xifra. En 1972 se trasladó a Nueva York, donde

desplegó varios proyectos participativos centrados en la fusión de culturas y sus manifestaciones

populares. Como escribía Umberto Eco en 1985: «Miralda corre por todo el mundo para recrear

el viejo ritual de la celebración.»

Miralda ha desarrollado un método propio centrado en la participación, la idea de ritualidad o

ceremonia y la gastronomía. Con un lenguaje inconformista, barroco y lleno de humor, que

celebra los sentidos y acerca el arte y la vida, lleva a cabo una exploración etnológica sobre el

comportamiento humano.

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La exposición MIRALDA MADEINUSA recupera la totalidad de los proyectos del artista

relacionados con su estancia en Estados Unidos. Comisariada por Vicent Todolí y producida por

el MACBA, se presentará en Barcelona desde el 22 de octubre de 2016 hasta el 9 de abril de

2017. En estrecha colaboración con el artista y con su archivo, la exposición documentará por

primera vez y de forma exhaustiva los 15 proyectos realizados por Miralda en Estados Unidos,

desde mediados de los años setenta hasta finales de los noventa. Se reconstruirán las

instalaciones más significativas y se mostrarán esculturas, dibujos, fotografías, audiovisuales,

bocetos y otros materiales que permitirán hacerse una idea del alcance y la complejidad de los

proyectos y dimensionar la voluntad colectiva que caracteriza la metodología del artista.

Entre sus obras destacadas, se mostrará Breadline (1977), una monumental línea de panes

presentada en el Contemporary Arts Museum de Houston; Wheat & Steak (1981), un gran

desfile-performance por las calles de Kansas City, una exposición en el Nelson-Atkins Museum

of Art y una ceremonia participativa en la Bolsa de Cereales de esta ciudad; El Internacional

Tapas Bar & Restaurant (1984-1986), un experimento social y artístico abierto junto con la

restauradora Montse Guillén en el barrio de TriBeCa de Nueva York; y Honeymoon Project (1986-

1992), una boda simbólica entre la estatua de la Libertad de Nueva York y la estatua de Colón

de Barcelona realizada en varias localizaciones. La exposición presentará también la gran

instalación que forma parte de la Colección MACBA, Santa Comida (1984-1989), que recoge el

legado de la cultura afro-caribenya en la América actual.

Miralda, Honeymoon (Wedding Ceremony), Las Vegas, 1992

©Foto: J. Ollé

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GELATINA DURA

LOS 80, HISTORIAS ESCAMOTEADAS

Rueda de prensa: 2 de noviembre de 2016, 11.30 h

Inauguración: 3 de noviembre de 2016, 19.30 h

Fechas: Del 4 de noviembre de 2016 al 19 de marzo de 2017

Comisaria: Teresa Grandas

El 22 de agosto de 1979, el editorial del periódico El País titulado «La reforma, la ruptura y los

símbolos» reflexionaba sobre los primeros años tras el fin de la dictadura y el tránsito «pacífico

y gradual» hacia una monarquía parlamentaria, conducido por «políticos profesionales del

anterior sistema, que adquirieron sus destrezas y capacidades sirviendo pragmáticamente a un

poder que negaba, en la teoría y en la práctica, las libertades y derechos de nuestra actual

democracia constitucional». Sobre el precio «moral y pecuniario» que dicho proceso tuvo que

pagar, el armazón institucional sobre el que se sustentó todavía colea y aún hoy en día es difícil,

incluso molesto en algunos sectores, reivindicar el derecho a la restitución de la memoria

histórica e incluso hablar de los costes y problemas que planteó al país la transición, como

mínimo al mismo nivel que el que se ha dedicaco a sus innegables logros.

El relato oficial de los años ochenta abogó por una instauración de la democracia que priorizó la

necesidad a la razón, y que consolidaría una mirada que privilegió el futuro antes que el análisis

del pasado reciente. La construcción oficial del país obvió precisamente cualquier consideración

crítica sobre esa filiación con el poder franquista y se proyectó más en el olvido y la desmemoria.

Los partidos políticos utilizaron la cultura como una forma de mediación de gran potencial. La

cultura entendida como acto celebratorio, festivo, que tendría en la movida madrileña y la

movida gallega los mejores ejemplos, no dejó de ser una forma instrumentalizada que ofreció la

imagen de un país con una juventud activa, dinámica, a la moda; de un país que había superado

una etapa gris y que miraba al futuro con propuestas creativas, con una aparente energía

renovadora. Se estructuraría una narrativa oficial con visos de circo mediático. Si hasta el

momento el país se había caracterizado por la carestía de instituciones culturales que

promovieran el arte y la creación contemporánea, este vacío se intentó compensar a través de

becas para la creación, espacios para el arte joven, un equipamiento de gran envergadura como

el MNCARS, la creación de la feria de arte ARCO, festivales y todo tipo de acontecimientos. En

Barcelona, este momento prefiguró la transformación urbanística de la ciudad a partir de su

proclamación como sede de los Juegos Olímpicos de 1992, y se recuperó la idea de crear el

museo de arte contemporáneo con la creación del Consorcio formado por el Ayuntamiento, la

Generalitat y la Fundación MACBA.

Este proyecto se articula entre 1977 y 1992, y aborda una serie de acontecimientos históricos

de orden social y político, al tiempo que presenta el trabajo de algunos grupos, activistas

culturales y artistas que disienten de estas corrientes generalizadas y que entroncan con unas

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actitudes que, en la década anterior, habían constituido las líneas de refutación, ironía y

cuestionamiento político. Si en los setenta el underground se había movido en los márgenes de

la clandestinidad y la censura, ya en los ochenta la escena underground se mueve en la

reformulación crítica de las propias prácticas culturales. A través de publicaciones, revistas,

cómics, ejercicios antiartísticos, etc., ponen un acento ácido a la imagen de regeneración

democrática del país, cuestionan la voluntad de los partidos políticos de «pasar página» y olvidar

el periodo anterior a la dictadura, sin el necesario proceso de análisis de las responsabilidades

políticas y las consecuencias sociales.

El proyecto pretende recuperar la experiencia y la memoria de ese periodo, desde la perspectiva

del contexto actual, a partir de algunos de los relatos posibles: «La memoria olvidada», sobre la

antihistoria, la contrainformación y el olvido del pasado reciente; «Los ángulos ciegos», de los

grupos autónomos a la institucionalización democrática; «Del mono azul al cuello blanco», de la

desarticulación de los movimientos obreros a la reconversión industrial; «En el barrio de mis

sueños», del urbanismo feroz a los grandes acontecimientos celebratorios; «Los hermosos

vencidos» , sobre la droga como opción personal y las estrategias de desactivación por parte del

poder; «Las letras arrebatadas», la contracultura versus la institución arte; y «El estado

gaseoso», sobre el escapismo como arma, el mundo imaginado.

La exposición presenta films, documentales, programas de televisión, revistas de opinión,

cómics, fanzines y trabajos artísticos, entre otros, entrecruzando lo estético, lo social y lo

político, para tratar de aproximarse a algunos de los relatos de un momento fascinante de

nuestra historia reciente y nuestra propia actualidad. Se incluyen trabajos y materiales de Video-

Nou, Isidoro Valcárcel Medina, Pere Portabella, los hermanos Bartolomé, Tino Calabuig, Antón

Patiño, Joaquim Cerdà, Taller Llunàtic, Lluís Juncosa, Rogelio López Cuenca, Manolo Laguillo,

Preiswert, Agustín Parejo School, Miguel Benlloch, Zush y Vagina Dentata Organ/Jordi Valls,

entre otros.

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AKRAM ZAATARI

CONTRA LA FOTOGRAFÍA. HISTORIA ANOTADA DE LA ARAB IMAGE FOUNDATION

Rueda de prensa: 5 abril de 2017

Inauguración: 6 de abril de 2017, 19.30 h

Exposición organizada por el MACBA Museu d’Art Contemporani de Barcelona y coproducida

con el National Museum of Modern and Contemporary Art, Korea.

Fechas: Del 7 de abril al 24 de septiembre de 2017

Comisarios: Bartomeu Marí y Hiuwai Chu

Akram Zaatari, imagen de On People, Photography and Modern Times, 2010. Cortesía del artista y Thomas Dane

Gallery

Los archivos de la Arab Image Foundation (AIF) en Beirut, Líbano, contienen una plétora de

material fotográfico procedente de Oriente Medio, el norte de África y la diáspora árabe. Creada

y desarrollada por artistas preocupados por la preservación fotográfica, la AIF surgió como un

centro dedicado al estudio de la fotografía y las prácticas del coleccionismo, la preservación y la

divulgación de imágenes. La colección inicial de la AIF fue el resultado de la investigación

generada por proyectos artísticos, que desembocó en un nuevo tipo de institución y una

aproximación diferente al patrimonio fotográfico. Desde entonces el archivo ha ido aumentando

hasta incluir una gran diversidad de colecciones, que van desde instantáneas familiares hasta

composiciones de estudio de carácter formal.

Más allá de mostrar un amplio espectro de representaciones visuales del mundo árabe, los

artistas que constituyeron o recurrieron a la colección de la AIF plantearon cuestiones radicales

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referidas a los documentos fotográficos y su función en nuestro tiempo. Los proyectos

comportaban la escritura de historias sobre la práctica de la gente corriente, pequeños eventos

y acontecimientos sociales en general, y generaron nuevos discursos en relación con el medio.

Lejos de ofrecer un relato histórico de la AIF, esta exposición presenta la perspectiva de un

artista, que es fundamental para entender la práctica de la organización. A través de Akram

Zaatari, miembro fundador de la AIF que tuvo un papel clave en su desarrollo, la exposición

reflexiona sobre los veinte años de historia de la AIF y las múltiples condiciones de la fotografía,

como documento, objeto, valor material, estética y memoria. El expansivo trabajo de Zaatari

sobre fotografía y coleccionismo adopta una perspectiva arqueológica: excava en el pasado,

hace aflorar nuevas narrativas y las resitúa en la contemporaneidad.

La exposición analizará la AIF tomando en consideración su carácter dual: por un lado, como

archivo de prácticas fotográficas y de coleccionismo y, por el otro, como una iniciativa liderada

por artistas que dejó una huella visible en el paisaje artístico de la época. Señalará los momentos

significativos en su historia y los debates críticos generados a lo largo de su evolución, y se

presentarán antiguos proyectos y nuevas producciones vinculadas a su colección.

Con motivo de la muestra, se publicará un catálogo ilustrado con textos de Mark Westmoreland,

Kael Wilson-Goldie y Akram Zaatari.

Akram Zaatari, vista de la instalación On People, Photography and Modern Times, 2010. Foto: Thierry Bal. Cortesía del artista y Thomas Dane Gallery

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FORENSIC ARCHITECTURE

Rueda de prensa: 26 de abril de 2017, 11.30 h

Inauguración: 27 de abril de 2017, 19.30 h

Exposición organizada por el MACBA Museu d’Art Contemporani de Barcelona en el marco de

L’Internationale

Fechas: Del 28 de abril al 15 de octubre de 2015

Comisarios: Eyal Weizman, Anselm Franke y Rosario Güiraldes

IMAGEN: The Architectural­Image­Complex, Rafah: Viernes negro, Forensic Architecture, 2015.

La narración de lo sucedido en Rafah el 1 de agosto de 2014 surge de los centenares de imágenes

y vídeos filmados con teléfonos móviles en distintos lugares por activistas, de los recortes de

prensa y los posts en las redes sociales. Los modelos tridimensionales proporcionan un

mecanismo óptico y los medios necesarios para poner en relación múltiples imágenes y vídeos

en el espacio y en el tiempo. Esta conjunción de pruebas permitió reconstruir la narración de los

hechos. © Forensic Architecture, 2015.

Recientemente, un pequeño grupo de investigadores llamado Forensic Architecture empezó a

utilizar nuevos métodos en una serie de trabajos de investigación sobre las vulneraciones de los

derechos humanos. Además de aportar pruebas evidentes para los tribunales internacionales

colaborando con numerosos grupos activistas, oenegés, Amnistía Internacional y Naciones

Unidas, Forensic Architecture no solo ha llamado la atención con nuevos datos sobre las

violaciones de los derechos humanos y los crímenes de Estado en todo el planeta, sino que

también ha dado lugar a una nueva modalidad de práctica investigativa que lleva su nombre,

«arquitectura forense». El grupo utiliza la arquitectura como herramienta metodológica para

investigar conflictos armados y la destrucción medioambiental, y para complementar y cotejar

con otras múltiples fuentes probatorias como son los medios digitales y redes sociales, los

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sensores remotos, las investigaciones materiales y los testimonios presenciales. Esta exposición

presenta esta práctica, subrayando sus orígenes, su historia, sus logros, su potencial y sus

dificultades y limitaciones. Con estas investigaciones y los textos críticos que las acompañan,

Forensic Architecture examina cómo se produce –tecnológica, arquitectónica y estéticamente–

la verdad pública, cómo puede utilizarse para confrontar la propaganda y los secretos de Estado,

y cómo denunciar nuevas formas de violencia de Estado.

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IMAGEN: Miranshah, norte de Waziristán, Pakistán: 30 de marzo de 2012. En este caso se analizó

un testimonio videográfico del norte de Waziristán, en la frontera paquistaní con Afganistán,

con el fin de reconstruir y cuestionar los objetivos alcanzados en una operación secreta de la CIA

realizada con drones. El 30 de marzo de 2012, un dron bombardeó una zona de mercado en

Miranshah, Pakistán, y mató a cuatro personas. Un insólito vídeo de 43 segundos, que consiguió

burlar el área restringida, filmó el edificio en el que murieron las víctimas. Reconstruyendo la

habitación a una escala de 1:1, pudimos marcar todos los rastros que la deflagración dejó en las

paredes. De esa forma se pudo identificar la localidad de la explosión y los lugares en que

murieron las víctimas. La imagen muestra cómo intensificando las sombras que se perciben en

distintos días y a distintas horas, podemos comparar nuestro modelo con las sombras visibles

en las imágenes por satélite y las del vídeo, para corroborar su volumen y determinar la hora

aproximada –las tres de la tarde– en que se grabó el vídeo. © Forensic Architecture, 2013.

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IMAGEN: Kite photography 2015­2016 Public Lab/Zochrot/al­’Araqib Village. El pueblo beduino

de al­’Araqib, junto al antiguo cementerio al­Turi, en el límite septentrional del desierto de

Naqab/Néguev en Palestina/Israel, ha sido destruido 98 veces por el Estado con el objetivo de

expulsar a sus habitantes de sus tierras ancestrales. Las autoridades israelíes afirmaban que el

pueblo y el cementerio no existían con anterioridad a la fundación de Israel, y que sus habitantes

eran intrusos. Analizamos las fotos aéreas tomadas por la British Royal Air Force en 1945 (es

decir, más de tres años antes de la fundación de Israel) y las comparamos con fotografías

contemporáneas tomadas utilizando cometas. De ese modo puede confirmarse la continuidad

histórica de los habitantes de este paisaje. © Forensic Architecture, 2015­16.

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POESÍA BROSSA

Rueda de prensa: 19 septiembre de 2017, 11.30 h

Inauguración: 20 de septiembre de 2017, 19.30 h

Fechas: Del 21 de septiembre de 2017 a febrero de 2018

Comisarios: Pedro G. Romero y Teresa Grandas

El MACBA presenta Poesía Brossa, una revisión exhaustiva del trabajo de este artista desde sus

primeros libros hasta sus últimas investigaciones plásticas, atravesando el teatro, el cine, la

música, las artes de acción, los gestos de los que fue pionero.

Podría parecer una obviedad reconocer en Joan Brossa (Barcelona, 1919/98), sobre todo, a un

poeta, pero creemos que es necesario enfatizarlo en relación con su manera de hacer, su poiesis.

La exposición quiere poner en diálogo y confrontar su obra con la poesía de artistas como Marcel

Mariën, Nicanor Parra y Ian Hamilton-Finlay, y también con los poetas del letrismo, la poesía

visual, la poesía concreta, experimental, expandida o Fluxus. Brossa es poeta, pero sus trabajos

siempre se encuentran en el cruce de lenguajes. Colaborador frecuente de otros artistas, así

como de músicos, cineastas, bailarines, humoristas e incluso magos, su obra juega

constantemente a romper las convenciones y los límites entre disciplinas.

Joan Brossa desarrolla su práctica artística desde los años cuarenta, en un contexto sociopolítico

marcado por la dictadura franquista y en una situación cultural caracterizada por la ausencia de

propuestas vanguardistas e innovadoras. Desde sus inicios, Brossa lleva a cabo un trabajo de

renovación estética fundamentado en la investigación literaria y artística. Hasta el momento de

su muerte, su extensísima producción no deja de buscar nuevas formas de expresión y de

experimentar con los diferentes medios.

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En 2011 el Museu d’Art Contemporani de Barcelona recibió el depósito del Fondo de la Fundació

Joan Brossa, que reúne el legado de este artista. El Fondo consiste en obras manuscritas,

documentos, correspondencia y su biblioteca personal, entre otros materiales, y constituye una

herramienta inigualable para abordar el interesantísimo trabajo de este artista.

La exposición que el MACBA prepara para 2017 quiere aproximarse a la obra de Brossa haciendo

hincapié en la reconsideración de su influencia e interrelación con la práctica de otros artistas.

El proyecto pretende revisar las constelaciones de artistas en torno a Brossa, las interrelaciones

con trabajos que quizás desconociera, pero que permiten establecer numerosos paralelismos,

buscar diálogos y tensiones, y enfatizar los aspectos performativos de su práctica poética, su

poiesis. La exposición se acompañará de una publicación que abordará estos aspectos. En el

proyecto contamos con la colaboración de Roger Bernat, Isabel de Naverán y Maria Salgado.

Secularizar a este gran poeta no es tarea fácil, y este es el reto del proyecto, entre Marx y

Mallarmé: devolverle la voz sencilla, popular, tal como habla la gente con sombrero o sin él;

como hablan una bombilla, un billete de tren, la carta de una baraja, unas esposas, o el confeti.

La gente habla Brossa.

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EL MACBA EN EL MUNDO:

COPRODUCCIONES E ITINERANCIAS 2016-2017

Uno de los rasgos de identidad del MACBA es que produce la casi totalidad de sus exposiciones

y programas en colaboración con una amplia red de museos y centros de arte, universidades y

centros de investigación internacionales, fundamentalmente de Europa y de América del Norte

y del Sur.

Desde su apertura, las colaboraciones del MACBA con otros museos y centros de arte han ido

aumentando, y en la actualidad cuenta con más de 100 coproducciones e itinerancias, realizadas

con cerca de 80 instituciones de todo el mundo.

ITINERANCIAS

La pasión según Carol Rama

GAM, Galleria Civica d’Arte Moderna e Contemporanea di Torino

12 de octubre de 2016 – 5 de febrero de 2017

Andrea Fraser. L’1%, c’est moi

Museo Universitario Arte Contemporáneo (MUAC), México D.F.

15 de octubre de 2016 – marzo de 2017

PUNK. Sus rastros en el arte contemporáneo

Museo del Chopo, México D.F.

26 de octubre de 2016 – febrero de 2017

Akram Zaatari. Arab Image Foundation

Garage, Moscú

Mayo – septiembre de 2017

NMCA Museo Nacional de Arte de Contemporáneo de Seúl

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PUBLICACIONES

A final de año se publicará un nuevo volumen sobre la Colección MACBA con una selección de

aproximadamente 190 obras clave que conforman el discurso del museo. La publicación incluye

una cronología detallada e ilustrada de la evolución de la Colección y de las actividades

relacionadas desde sus inicios en 1985 hasta la actualidad; cuenta así mismo con textos de Chris

Dercon e Ivo Mesquita, entre otros.

En estrecha colaboración con el artista y su archivo, la publicación MIRALDA MADEINUSA

documenta por primera vez y de forma exhaustiva los proyectos realizados por Miralda en

Estados Unidos, desde mediados de los años setenta hasta finales de los noventa, incluyendo

proyectos no llevados a cabo. El libro cuenta con un ensayo del periodista catalán Josep M. Martí

Font y la reedición del texto «El Mahamastakabhisheka de Miralda» (1984) de Vicent Todolí,

comisario de la muestra. Incluye así mismo textos testimoniales encargados especialmente para

este volumen: Paul Schimmel, John Mason, James Wines, Muntadas, César Trasobares, Suzie

Aron y Néstor García Canclini participaron de una manera u otra junto a Miralda en los proyectos

de Estados Unidos y añaden una mirada personal a gran parte de los trabajos. José Luis Gallero

ha compuesto una detallada cronología del artista a través de un cosido de textos y citas de

diferentes autores y colaboradores.

Quadern portàtil 33 recupera dos textos de Pierre Restany,

inéditos en su versión original francesa, con motivo de la

exposición MIRALDA MADEINUSA: Miralda! « Une vie d’artiste

» y Dix ans sont passés. Pierre Restany (Amélie-les-Bains-

Palalda, 1930 - París, 2003) fue comisario y escritor. Su faceta

como crítico de arte se remonta a un encuentro con Yves Klein

en 1955, con quien acuñará más adelante el término de Nouveau

Réalisme para definir a los artistas que conforman la respuesta

europea al movimiento del arte pop norteamericano: Arman,

César, Christo, Yves Klein, Niki de Saint Phalle, Martial Raysse,

Mimmo Rotella y Jean Tinguely. En 1982 Restany

publica Miralda! « Une vie d’artiste » en una obra del mismo

nombre (Àmbit, Barcelona) y, diez años más tarde, escribe una segunda parte: Dix ans sont

passés, que se publicará en 2002 (Fundación ICO, Madrid). En ambos textos, traducidos al

castellano, Restany explica con su peculiar estilo humorístico la trayectoria de Antoni Miralda

desde los años sesenta hasta 1991. Relata las primeras obras antimilitaristas y se adentra luego

en la etapa de los banquetes y los llamados «ceremoniales» públicos, donde las comidas, la

participación colectiva, el color y el simbolismo adquieren un gran protagonismo.

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Gelatina dura pretende ser un relato gráfico, articulado entre 1977 y 1992, que aborda una serie

de acontecimientos históricos de orden social y político y presenta trabajos de grupos activistas

culturales y de artistas que disienten de las corrientes generalizadas, entroncando con unas

actitudes que, en la década anterior, habían constituido las líneas de refutación, ironía y

cuestionamiento político. Incluye un texto de Teresa Grandas, comisaria de la muestra, y otro

de Servando Rocha.

Contra la fotografía. Historia anotada de la Arab Image Foundation presentará el proyecto

artístico de Akram Zaatari sobre el concepto del archivo. Zaatari cuestiona temas como la

práctica del archivo y su función, la autoría de las imágenes, la preservación y los soportes, entre

otros. Incluye textos de Mark Westmoreland, Kaelen Wilson-Goldie y del propio Zaatari junto

con Chad Elias.

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INFORMACIÓN GENERAL

Horarios MUSEO — De lunes a viernes: 11 - 19.30 h Sábados: 10 - 21 h Domingos y festivos: 10 - 15 h Martes no festivos: cerrado Los visitantes pueden adquirir las entradas hasta 30 minutos antes del cierre del Museo

Entrada

Entrada general: 10 € La entrada tiene validez durante un mes. Permite acceder a todas las exposiciones en curso y a las actividades del programa MACBA es viu. Entrada reducida: Estudiantes, mayores de 65 años no residentes en Barcelona, periodistas, profesores (excepto los acreditados por la Generalitat que tienen entrada gratuita), Carnet Jove, Gestor Cultural APGCC, carnet de la Red de Bibliotecas Municipales, Club TR3SC, Bus Turístico, Barcelona City Tour y grupos superiores a 15 personas. También aquellos colectivos con los cuales se han establecido acuerdos de colaboración. (deberá acreditarse la condición aducida) Passi (pase): 15 € Entrada ilimitada al MACBA durante un año. Entrada gratuita: Amigos del MACBA, Passi (Pase), menores de 14 años, tarjeta rosa, mayores de 65 años residentes en Barcelona, parados, profesores con la acreditación de la Generalitat, periodistas*, socios de la AAVC, miembros del ICOM, del AICA y del ACCA, Amics dels Museus de Catalunya i guías turísticos oficiales. También tienen entrada gratuita los estudiantes de nacionalidad española de Geografía e Historia, Bellas Artes e Historia del Arte, así como los miembros de colectivos con los que se han establecido acuerdos de gratuidad. (deberá acreditarse la condición aducida)

MACBA Store Laie Situada en el edificio Meier, la librería y tienda especializada en arte contemporáneo del MACBA ofrece más de 4.000 títulos, entre libros, revistas y catálogos de arte. Son publicaciones en constante diálogo con las exposiciones, colecciones y actividades del Museo, que reflejan la diversidad y la complejidad de la cultura y el arte actuales. Destaca también la presencia de las publicaciones del MACBA que además de estar disponibles en la tienda, se pueden adquirir a través de la venta on-line, tanto desde la página de Laie como desde nuestra s secció de Publicaciones, en la ficha detallada de cada libro. La tienda ofrece también una cuidada selección de objetos de diseño inspirados en las obras y artistas de la Colección MACBA, así como objetos de regalo y piezas únicas creadas por diseñadores vinculados al barrio del Raval, que han sido seleccionadas según tres aspectos esenciales en el trabajo artístico: ética, diseño/artesanía y creatividad.

Transportes

L1, L2 (Universitat) i L3 (Catalunya o Liceu)

7, 9, 13, 14, 16, 17, 20, 24, 37, 41, 42, 50, 54, 55, 58, 59, 62, 63, 64, 66, 67, 68, 91, 120, 121, 141, H12, Aerobús

Estació 059, plaça dels Àngels

Totes les línies (Catalunya)

Plaça Catalunya (Renfe)

Aparcament de la plaça dels Àngels

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IMÁGENES

http://www.macba.cat/press/programa2017 http://www.macba.cat/press/fotosequip2016

Contacto prensa: press@macba.cat 93 481 33 56 93 481 47 17