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El Arte del siglo XX comienza a inicios de este período, destacándose la vanguardia
artística, que avanza hacia la ciencia, la tecnología y otras ramas como la literatura.
1 Contexto histórico
2 Vanguardismo
o 2.1 Características de los movimientos de vanguardia
3 El "fracaso" de las vanguardias
4 Artes
o 4.1 Música
o 4.2 Artes visuales
o 4.3 Arquitectura
o 4.4 Fotografía
5 Siglo XX y nuevas artes
o 5.1 Diseño industrial
o 5.2 El cine
6 Véase también
7 Bibliografía
Contexto histórico
El arte del siglo XX se ve fuertemente influenciado por la política y lo social del
momento. No escapa a la realidad sino que brota de ella. Luego de la Ilustración, que
había creado un sentimiento de confianza en el ser humano, la razón y la ciencia
entraron en crisis. Las dos guerras mundiales marcan un clima tenso e inestable. La
crisis europea y la crisis de la bolsa estadounidense en 1930 impactan en la sociedad
creando movimientos artísticos de protesta. Es una época de profundos y acelerados
cambios, donde el progreso científico y tecnológico deja avances impensados como
el automóvil, el avión, la televisión, la llegada del hombre a la Luna, etc. Todo esto
provoca un gran impacto en la sociedad y surgen movimientos artísticos como
el futurismo. El crecimiento industrial y la vida en las ciudades también dejaron su huella
en el arte, por ejemplo en el arte pop. Se pueden distinguir dos grandes movimientos en
el siglo XX: Las vanguardias y luego el arte postmoderno.
La revolución industrial se convirtió en una gran influencia en el arte. El caso más
curioso de esta etapa es el movimiento impresionista en la pintura y su convivencia con
la fotografía.
Vanguardismo
El término implica la idea de grupo que avanza, que se sitúa por delante. La vanguardia
artística se manifestó como una acción de grupo reducido, una élite que se enfrentaba,
incluso con violencia, a unas situaciones más o menos establecidas y aceptadas por la
mayoría. Por esta razón acostumbraba ser rechazada socialmente, aunque con el tiempo
alcanzó reconocimiento y se asimilaron sus ideas.
La palabra vanguardia con relación al arte apareció por primera vez en el primer cuarto
del siglo XX, en textos de los socialistas utópicos. No se trataba de un grupo o de una
tendencia artística en particular, sino que trataba de transformar la sociedad: la ciencia
y la industria. La vanguardia estaba vinculada con actitudes sociales progresistas.
Más adelante, sobre todo a fines del siglo XX, el término vanguardia se utilizó en el
vocabulario político, y poco antes de la Primera Guerra Mundial, pasó a ser frecuente en
la crítica artística, aplicándose a una tendencia concreta: Cubismo, Futurismo. La
vanguardia artística es una búsqueda de renovar, experimentar y/o distorsionar un
sistema de representación artístico. Implica innovación, ruptura de preconceptos.
Características de los movimientos de vanguardia
Las vanguardias artísticas de principios del siglo XX, tenían un carácter contradictorio.
Surgieron como triunfo del proyecto cultural moderno (que plantea un rechazo al pasado
y búsqueda de progreso), y a la vez son una crítica al mismo proyecto modernista. La
vanguardia no reconoce arte sin acción transformadora.
Hay un quiebre con el pasado y la tradición. Comienza un proceso de experimentación y
se reemplaza el producto por el proceso como fin de la intención artística. La ruptura no
se da solo en el plano estético, sino también en el político. Estos grupos tenían claras
ideologías y muchos de ellos eran activos militantes políticos. Con el tiempo vanguardia
y política se fueron distanciando, aunque hoy en día podemos ver todavía algunos
grupos que buscan expresar ideas o valores mediante su arte (por ejemplo el Eco-Art).
Se puede considerar estos movimientos como una revolución del arte porque produjeron
cambios profundos en el lenguaje de las artes. La constante búsqueda de lo nuevo y de
ruptura con el pasado dio como resultado la renovación total del concepto de arte y sus
límites.
El "fracaso" de las vanguardias
Su mismo móvil fue su fracaso; la novedad que las caracterizaba dejó de serlo, para
pasar a ser una parte más del pasado. Su éxito fue su final, ya que al ser aceptado por el
público y la sociedad de consumo, se perdieron los ideales de ruptura y crítica a la
sociedad.
Música
Música clásica del siglo XX
En líneas generales se producen principalmente dos tipos de ruptura:
Con la tonalidad y armonía occidentales:
Se abandona la tonalidad como estructura organizativa del discurso, en búsqueda de
libertad absoluta para componer. Luego se buscan nuevas formas de organizar el
lenguaje musical (como el dodecafonismo) porque esto había generado un caos.
Con el sonido tradicional:
En todo aspecto se buscan nuevos sonidos, desde la experimentación y uso no
convencional de los instrumentos existentes, a la creación de nuevos instrumentos
acústicos y luego electroacústicos y electrónicos, hasta llegar incluso a generar música
desde consolas y aparatos. El silencio pasa a ser música. También se comenzó a hacer
música con objetos y otros elementos de la vida cotidiana, ruidos de fábricas, autos, etc.
(Futurismo)
Artes visuales
Las principales innovaciones fueron:
Ruptura con la perspectiva en la pintura:
Se abandona esta práctica que reinaba desde el Renacimiento, así como también la
intención de realismo.
Arquitectura
La arquitectura moderna surge a partir de los cambios sociales y culturales producidos
por la revolución industrial. Se comienzan a utilizar nuevos materiales en las
construcciones y edificios; hierro, hormigón y acero. Empieza un proceso de construcción
en altura, desde los edificios industriales hasta llegar a rascacielos. Otro aspecto de la
arquitectura en el siglo XX es el abandono de ornamentos en pos de una arquitectura
funcional. Algunos de los arquitectos más conocidos fueronLe Corbusier y Walter
Gropius (director de la Bauhaus)
Fotografía]
La fotografía es el proceso de capturar imágenes y almacenarlas en un material sensible
a la luz. Actualmente se utilizan cámaras digitales, por lo que las imágenes son
guardadas en la memoria de la misma. Si bien la fotografía se inventó en el siglo XIX , su
auge fue en el siglo XX ya que no siempre fue considerada un arte. Lo que posibilitó el
debido reconocimiento de la fotografía fue el gran interés por el [naturalismo], tendencia
que buscaba imitar la realidad con un alto grado de perfección.
Siglo XX y nuevas artes
El avance tecnológico posibilitó el surgimiento de nuevas formas de expresión además
de revolucionar las ya existentes.
Diseño industrial
El diseño industrial (considerado como el desarrollo de objetos funcionales para el uso
humano) existe desde que el hombre creó sus primeros utensilios. Pero el verdadero
avance en este campo se dio con la Revolución industrial a fines del siglo XIX que originó
la producción en serie.
Aunque no sea considerado un arte, con la creación la primera escuela de diseño
industrial en 1919, la Bauhaus, esta disciplina adquirió un verdadero campo de
conocimiento y grandes capacidades expresivas y estéticas. Esta escuela tuvo una
función importantísima al incentivar la interrelación de las artes, el diseño y la
arquitectura. El siglo XX aportó al diseño industrial nuevos materiales, procesos, técnicas
e incluso fuentes de inspiración estéticas y vanguardistas.
El cine
El cine es el arte del siglo XX por excelencia. La creación de este nuevo arte fue una
especie revolución social y creativa que posibilitó un universo de ideas nuevas y a su vez
la difusión masiva de estas. Su éxito fue inmediato y poco a poco se agregó sonido a las
películas y luego color. Las capacidades expresivas del séptimo arte parecen ilimitadas
ya que es una fusión entre, fotografía, escenografía, vestuario, música, actuación,
iluminación, literatura, etc. Comenzó con los hermanos lumiere.
Arte del siglo XX
El vanguardismo, o avant-garde en francés,1 se refiere a las personas o las obras que
son experimentales o innovadoras, en particular en lo que respecta al arte, la cultura y la
política.
El vanguardismo representa un empuje de los límites de lo que se acepta como
la norma o statu quo, sobre todo en el ámbito cultural. La noción de la existencia del
vanguardismo es considerado por algunos como una característica del modernismo, a
diferencia de la posmodernidad. Muchos artistas se han alineado con el movimiento
avant-garde y aún continúan haciéndolo, trazando una historia a partir
del dadaísmo pasando por lossituacionistas hasta artistas posmodernos como los Poetas
del Lenguaje alrededor de 1981.
El término también se refiere a la promoción de reformas sociales radicales. Fue este
sentido que fue evocado por el adherente a Saint-Simon Olinde Rodrigues en su ensayo
"L'artiste, le savant et l'industriel" ("El artista, el científico y el industrial", 1825), que
contiene el primer uso registrado de "avant-garde" en su sentido ahora habitual: allí,
Rodrigues pide a los artistas a "servir como el vanguardismo [de la gente]", insistiendo
en que "el poder de las artes es de hecho la forma más inmediata y rápida" para la
reforma social, política y económica.3
1 Introducción y enfoques principales
2 Contexto histórico y cultural
3 Características de las vanguardias históricas
4 El vanguardismo y sus expresiones
o 4.1 Impresionismo
o 4.2 Expresionismo
o 4.3 Fauvismo
o 4.4 Cubismo
o 4.5 Futurismo
o 4.6 Dadaísmo
o 4.7 Ultraísmo
o 4.8 Surrealismo
o 4.9 Estridentismo
o 4.10 Arieldentismo
5 Pop art
6 Referencias
7 Fuentes
8 Bibliografía en español
9 Enlaces externos
Introducción y enfoques principales
Marcel Duchamp, La Fuente, 1917. Fotografía de Alfred Stieglitz.
El vanguardismo se hace simplemente a través de varios movimientos que, desde
planteamientos divergentes, abordan la renovación del arte o la pregunta por su función
social, desplegando recursos que quiebren o distorsionen los sistemas más aceptados de
representación o expresión artística,
en teatro, pintura, literatura, cine,arquitectura o música, entre otros.
Algunos autores, como Peter Bürger (teoría de la vanguardia) distinguen las "auténticas"
vanguardias de aquellos movimientos que orientaron su confrontación hacia
la institución arte y la dimensión política del accionar artístico en la sociedad, y
concentraron sus innovaciones en la búsqueda de nuevas funciones y relaciones de
poder.
Estos movimientos artísticos renovadores, en general dogmáticos, se produjeron
enEuropa en las primeras décadas del siglo XX, desde donde se extendieron al resto de
los continentes, principalmente hacia América, en donde se enfrentaron al modernismo.
La característica primordial del vanguardismo es la libertad de expresión, que se
manifiesta alterando la estructura de las obras, abordando temas tabú y desordenando
los parámetros creativos: en poesía se rompe con la métrica y cobran protagonismo
aspectos antes irrelevantes, como la tipografía; en arquitectura se desecha la simetría,
para dar paso a la asimetría; en pintura se rompe con las líneas, las formas, los colores
neutros y la perspectiva.
Contexto histórico y cultural
Desde el punto de vista histórico, el primer tercio del siglo XX se caracterizó por grandes tensiones y enfrentamientos entre las potencias europeas. Por su parte, la Primera Guerra Mundial (entre 1914 y 1918) y la Revolución Soviética (en octubre de 1917) fomentaron las esperanzas en un régimen económico diferente para el proletariado.
El vuelo de los hermanos Wright.
Tras los años 1920, época de desarrollo y prosperidad económica conocida comolos años
locos, vendría el gran desastre de la bolsa de Wall Street (1929) y volvería una época
de recesión y conflictos que, unidos a las difíciles condiciones impuestas a los vencidos
de la Gran Guerra, provocarían la gestación de los sistemas
totalitarios (fascismo y nazismo) que conducirán a la Segunda Guerra Mundial.
Desde el punto de vista cultural, fue una época dominada por las transformaciones y el
progreso científico y tecnológico (la aparición del automóvil y del avión, elcinematógrafo,
el gramófono, etc.). El principal valor fue, pues, el de la modernidad (o sustitución de lo
viejo y caduco por lo nuevo, original y mediado tecnológicamente).
Por su parte, en el ámbito literario era precisa una profunda renovación. De esta
voluntad de ruptura con lo anterior, de lucha contra el sentimentalismo, de la exaltación
del inconsciente, de lo racional, de la libertad, de la pasión y del individualismo nacerían
las vanguardias en las primeras décadas del siglo XX.
Muchos artistas de este período participaron en laPrimera Guerra Mundial.
Europa vivía, al momento de surgir las vanguardias artísticas, una profunda crisis. Crisis
que desencadenó la Primera Guerra Mundial, y luego, en la evidencia de los límites del
sistemacapitalista. Si bien «hasta 1914 los socialistas son los únicos que hablan del
hundimiento del capitalismo», como señala Arnold Hauser, también otros sectores
habían percibido desde antes los límites de un modelo de vida que privilegiaba el dinero,
la producción y los valores de cambio frente al individuo.
Resultado de esto fue la chatura intelectual, la pobreza y el encasillamiento artístico
contra los que reaccionaron en 1905: Pablo Picasso y Georges Braque con sus
exposiciones cubistas, y elfuturismo que, en 1909, deslumbrado por los avances de la
modernidad científica y tecnológica, lanzó su primer manifiesto de apuesta al futuro y
rechazo a todo lo anterior.
Así se dieron los primeros pasos de la vanguardia, aunque el momento de explosión
definitiva coincidió, lógicamente, con la Primera Guerra Mundial, con la conciencia del
absurdo sacrificio que ésta significaba, y con la promesa de una vida diferente alentada
por el triunfo de la revolución socialista en Rusia.
En 1916, en Zúrich (territorio neutral durante la guerra), Hugo Ball, poeta alemán,
decidió fundar el Cabaret Voltaire. Esta acta de fundación del dadaísmo,
explosión nihilista, proponía el rechazo total:
El sistema DD os hará libres, romped todo. Sois los amos de todo lo que rompáis. Las leyes, las morales, las estéticas se han hecho para que respetéis las cosas frágiles. Lo que es frágil está destinado a ser roto. Probad vuestra fuerza una sola vez: os desafío a que después no continuéis. Lo que no rompáis os romperá, será vuestro amo.
Louis Aragón, poeta francés.
Ese deseo de destrucción4 de todo lo establecido llevó a los dadaístas, para ser
coherentes, a rechazarse a sí mismos: la propia destrucción.
Muchos autores vanguardistas ven en el poeta Arthur Rimbaud a un padre intelectual.
Algunos de los partidarios de Dadá, encabezados por André Breton, pensaron que las
circunstancias exigían no sólo la anarquía y la destrucción, sino también la propuesta; es
así como se apartaron de Tzara (lo que dio punto final al movimiento dadaísta) e
iniciaron la aventura surrealista.
La furia Dadá había sido el paso primero e indispensable, pero había llegado a sus
límites. Breton y los surrealistas (es decir: superrealistas) unieron la sentencia de Arthur
Rimbaud (que, junto con Charles Baudelaire, el Conde de Lautréamont, Alfred
Jarry, Vincent van Gogh y otros artistas del siglo XIX, sería reconocido por los surrealistas
como uno de sus «padres»): «Hay que cambiar la vida» se unió a la sentencia de Carlos
Marx: «Hay que transformar el mundo».
Sigmund Freudalrededor de 1900.
Surgió así el surrealismo al servicio de la revolución que pretendía recuperar aquello del
hombre que la sociedad, sus condicionamientos y represiones le habían hecho ocultar:
su más pura esencia, su Yo básico y auténtico.
A través de la recuperación del inconsciente, de los sueños (son los días de Sigmund
Freud y los orígenes del psicoanálisis), de dejarle libre el paso a las pasiones y a los
deseos, de laescritura automática (que más tarde cuestionaron como técnica), del
humor negro, los surrealistas intentarían marchar hacia una sociedad nueva en donde el
individuo pudiese vivir en plenitud (la utopía surrealista).
En este pleno ejercicio de la libertad que significó la actitud surrealista, tres palabras se
unieron en un sólo significado: amor, poesía y libertad.
Características de las vanguardias históricas]
Una de las características visibles de las vanguardias fue la actitud provocadora. Se
publicaron manifiestos en los que se atacaba todo lo producido anteriormente, que se
desechaba por desfasado, al mismo tiempo que se reivindicaba lo original, lo lúdico,
desafiando los modelos y valores existentes hasta el momento.
Surgen
diferentes ismos (futurismo, dadaísmo, cubismo, constructivismo, ultraísmo, surrealismo,
suprematismo, rayonismo, etc.), diversas corrientes vanguardistas con diferentes
fundamentos estéticos, aunque con denominadores comunes:
La lucha contra las tradiciones, procurando el ejercicio de la libertad individual y la
innovación;
Audacia y libertad de la forma.
El carácter experimental y la rapidez con que se suceden las propuestas, unas tras
otras.
En la pintura ocurriría una huida del arte figurativo en favor del arte abstracto,
suprimiendo la personificación. Se expresaría la agresividad y la violencia, violentando
las formas y utilizando colores estridentes. Surgieron diseños geométricos y la visión
simultánea de varias configuraciones de un objeto.
Portada de la primera edición del Ulises de James Joyce.
En la literatura, y concretamente en la poesía, el texto se realizaría a partir de la
simultaneidad y la yuxtaposición de imágenes. Se rompió tanto con la estrofa, la
puntuación, la métrica de los versos como con la sintaxis, alterando por completo con la
estructura tradicional de las composiciones (por ejemplo, en el Finnegans Wake o en el
final del Ulisesde James Joyce). Surgió el caligrama o poema escrito de modo tal que
formara imágenes, con el objetivo de acabar con la tóxica sucesividad del hecho escrito
o leído.
El poeta/artista/arquitecto vanguardista no estaba conforme. Como el pasado no le
servía, tenía que buscar un arte que respondiera a esta novedad interna que el
individuo estaba viviendo, apoyándose en la novedad original que se lleva dentro.
Tenían que abandonarse los temas viejos, carentes de sentido y sin respuestas para
el individuo nuevo.
En algunos movimientos había una tendencia a hacer plástica en la coloración de las
palabras.
En la poesía se jugaba constantemente con el símbolo.
Las reglas tradicionales de la versificación necesitaban una mayor libertad para
expresar adecuadamente su mundo interior.
Reaccionaba contra el modernismo y contra los imitadores de los maestros de esta
corriente; una conciencia social los llevaba a tomar posiciones frente al individuo y su
destino.
Nuevos temas, lenguaje poético, revolución formal, desaparición de la anécdota,
proposición de temas como el antipatriotismo.
El punto de vista del narrador comenzaba a ser múltiple.
Un vínculo estrecho entre el ambiente y los gustos del personaje.
Comenzaba a profundizarse en el mundo interior de los personajes, presentados a
través de sus más escondidos estados del alma.
No era el tiempo cronológico el que tenía importancia, sino el tiempo anímico, y
comenzó a tomarse en cuenta el aspecto presentacional, pues se limitaba a sugerir
para que el lector complete; el autor comenzó a exigir presencia de un lector atento
que fuese desentrañando los hechos presentados y fuese armando inteligentemente
las piezas de la novela de nuestro tiempo.
El vanguardismo y sus expresiones]
Dentro de las corrientes vanguardistas, los ismos surgieron como propuesta contraria a
supuestas corrientes envejecidas y propusieron innovaciones radicales de contenido,
lenguaje y actitud vital. Entre ellos se encuentran los siguientes:
Impresionismo]
El impresionismo no fue propiamente un ismo de vanguardia, sino un antecedente
contra el que reaccionaron los vanguardistas. Su principal aporte a las vanguardias fue
la liberación del poder expresivo del color. Los impresionistas aprendieron a manejar la
pintura más libre y sueltamente, sin tratar de ocultar sus pinceladas fragmentadas, y la
luz se fue convirtiendo en el gran factor unificador de la figura y el paisaje. Pero los
pintores impresionistas eran artistas que ya no pretendieron ejercer con su arte una
modificación radical en las costumbres de su época ni estaban comprometidos con la
voluntad de un gran cambio social. Son la consecuencia del fracaso de las pretensiones
de la revolución de 1830, la de1848 y la Comuna de París. Las discusiones de los
impresionistas fueron básicamente técnicas y su pintura puede considerarse una
exacerbación del naturalismo a un punto tal que terminaría oponiéndose a los orígenes
de aquél. El realismo de Courbet afirmaba que en la realidad encontraba la esperanza de
un cambio, la potencia de los hombres reales, el movimiento de las fuerzas
revolucionarias. Los impresionistas sustituyen las discusiones de contenido por las de la
técnica, la luz, el objetivismo de la transcripción pictórica.
A finales de 1869 los principales pintores impresionistas ya se conocían bien unos a
otros. Por entonces el café Guerbois, en la calle de Batignolles, cerca del taller
de Édouard Manet (quien parece que por el momento era la personalidad dominante) se
convirtió en el cuartel general de este círculo artístico. La actitud de solidaridad de los
impresionistas a comienzos de los años 1870 se expresó de un modo muy revelador en
algunos retratos de grupo, como el de Fantin-Latour(Taller en el barrio de Batignolles,
1870) o el de Bazille (El taller del artista en la rue de la Condamine, 1870).
Por primera vez, durante la guerra franco-prusiana los impresionistas tienen que
separarse: Pierre-Auguste Renoir y Manet permanecieron en París, Bazille murió en el
frente y Monet y Camille Pissarro coincidieron en Londres, donde conocieron aPaul
Durand-Ruel, desde entonces el marchante del grupo. De hecho, en 1873 Durand-Ruel
se mostraba ya lo bastante seguro de ellos como para preparar un catálogo completo
con las existencias de su galería que no llegó a publicarse.
Expresionismo]
El expresionismo fue una corriente pictórica que nació como movimiento a principios
del siglo XX, entre 1905 y 1925, enAlemania y otros países centroeuropeos de ámbito
germánico y austro-húngaro, ligado al fauvismo francés como arte expresivo y
emocional que se opuso diametralmente al impresionismo. Se aglutinó en la década
de 1910 en torno a dos grupos: Die Brücke (El puente) y Der Blaue Reiter (El jinete azul).
Paralelamente desarrolló su actividad en Viena el grupo de la Secesión, que integraron
entre otros Gustav Klimt, Oskar Kokoschka y Egon Schiele.
En los 1920 el expresionismo influyó sobre otras artes. El gabinete del Doctor
Caligari (Robert Wiene, 1919) y Nosferatu, el vampiro (Friedrich Wilhelm Murnau, 1921)
iniciaron el expresionismo cinematográfico, y los poetas Georg Trakl y Rainer Maria
Rilke llevaron el movimiento al ámbito de la lírica.
Entre los principios de esta corriente artística se señalan: la reconstrucción de
la realidad, la relación de la expresión literaria con las artes plásticas y la música y la
expresión de la angustia del mundo y de la vida a través de novelas y dramas donde se
habla de las limitantes sociales impuestas a la libertad del hombre. Pretende
expresar filias y fobias del ser humano. Por lo tanto, no requiere de una buena técnica, ni
de un resultado estéticamente bello.
Se enfrentaría básicamente como la teoría estética a las ideas realistas, a las viejas
ideas impresionistas que habían aparecido en Europa en los últimos veinte años del siglo
XIX, y plantearía que lo real no es fundamentalmente aquello que vemos en lo exterior,
sino aquello que surge en nuestra interioridad cuando vemos, percibimos, intuimos o
producimos algo.
Fauvismo
La danseuse jaune (1912) de Alexis Mérodack-Jeanneau.
El fauvismo fue un movimiento de origen francés que se desarrolló entre 1904 y 1908,
aproximadamente.
El importante Salón de Otoño de 1905 supuso la primera exhibición para el grupo cuyo
objetivo era lingüísticamente la síntesis forma-color. No se buscaba la representación de
los objetos inmersos en la luz solar, sino la de las imágenes más libres que resultaban de
la superposición de colores equivalentes a dicha luz. En efecto, los fauvistas
consideraban que mediante el color se podían expresar sentimientos. Henri Matisse fue
uno de los mayores representantes de esta vanguardia.
Cubismo
La jalousie, collagede 1914 del españolJuan Gris.
El cubismo nació en Francia en 1906. Sus principales rasgos son la asociación de
elementos imposibles de concretar, desdoblamiento del autor, disposición gráfica de las
palabras, sustitución de lo sentimental por el humor y la alegría y el retrato de la
realidad a través de figuras geométricas. Los inspiradores del movimiento fueron Pablo
Picasso y Georges Braque. Algunos de los principales maestros fueron Juan Gris, María
Blanchard,Fernand Leger, Jean Metzinger y Albert Gleizes, pero con anterioridad Paul
Cézanne ya habría marcado el camino.
Dentro de las técnicas usadas se encuentra el collage, y principalmente la
descomposición de las imágenes en figuras geométricas para representar el objeto en su
totalidad, incluidos todos sus planos, en la obra.
Tuvo dos etapas: un cubismo analítico, que buscaba la descomposición total del objeto, y
un cubismo sintético, en el cual se descarta la perspectiva para representar todos los
planos del objeto en la misma obra. En la poesía, su estilo más popular fue el caligrama,
cuyo principal exponente fue Guillaume Apollinaire.
Futurismo
El futurismo, movimiento inicial de las corrientes de vanguardia artística, surgió
en Milán (Italia) impulsado por el poeta italiano Filippo Tommaso Marinetti, quien
recopiló y publicó los principios del futurismo en el manifiesto del 20 de febrero de1909,
en el diario Le Figaro de París. Al año siguiente, los artistas italianos Giacomo
Balla, Umberto Boccioni, Carlo Carrà,Luigi Russolo y Mario Jordano firmaron el
llamado Manifiesto del Futurismo.
Forme uniche della continuità nello spazio(Formas únicas de la continuidad en el espacio), bronce deUmberto Boccioni, de1913.
Aunque tuvo una corta existencia, aproximadamente hasta 1944 -acabado con la muerte
de Marinetti-, su influencia se aprecia en las obras de Marcel Duchamp, Fernand
Léger y Robert Delaunay en París, así como en el constructivismo ruso. Los textos
futuristas trajeron un nuevo mito: la máquina.
Sirva como síntesis una famosa frase de Marinetti:
Un automóvil de carreras es más hermoso que la Victoria de Samotracia.
Artículo 4º, Manifiesto del Futurismo.
Este movimiento rompía con la tradición, el pasado y los signos convencionales de la
historia del arte. Consideraba como elementos principales de la poesía el valor, la
audacia y la revolución, ya que se pregonaba el movimiento agresivo, el insomnio febril,
el paso gimnástico, el salto peligroso y la bofetada.
Según su manifiesto, sus postulados eran la exaltación de lo sensual, lo nacional y
guerrero, la adoración de la máquina, el retrato de la realidad en movimiento, lo objetivo
de lo literario y la disposición especial de lo escrito, con el fin de darle una expresión
plástica. Rechazaba la estética tradicional e intentó ensalzar la vida contemporánea,
basándose en sus dos temas dominantes: la máquina y el movimiento.
Dadaísmo
Afiche dadaísta de Theo van Doesburg .
Surgió en Zúrich, Suiza, entre 1916 y 1922. Hugo Ball y Tristan Tzara se hicieron notar
como fundadores y principales exponentes. El movimiento creció y rápidamente se
extendió a Berlín y a París. Uno de los motivos que llevó al surgimiento de DADA fue la
violencia extrema y la pérdida de sentido que trajo laPrimera Guerra Mundial.
Rebelándose contra el statu quo, las convenciones literarias y artísticas y rechazando las
convenciones de la sociedad aburguesada -que consideraban egoísta y apática - los
dadaístas hicieron de su arte un modus vivendi.
El poema dadaísta solía ser una sucesión de palabras y sonidos, lo que hace difícil
encontrarle lógica. Se distinguió por una inclinación hacia lo incierto y a lo absurdo. Por
su parte, el procedimiento dadaísta buscaba renovar la expresión mediante el empleo de
materiales inusuales, o manejando planos de pensamientos antes no mezclables, con
una tónica general de rebeldía o destrucción.
Posteriormente, nació el dadaísmo norteamericano en Nueva York con Francis Picabia y
el francés Marcel Duchamp.
Ultraísmo
El ultraísmo apareció en España entre 1918 y 1922 como reacción ante el modernismo.
Fue uno de los movimientos que más se proyectó en el mundo de habla hispana,
contribuyendo al uso del verso libre, la proscripción de la anécdota y el desarrollo de
la metáfora, que se convertiría en el principal centro expresivo.
Fue influido por poetas como Vicente Huidobro y Guillaume Apollinaire.
Surrealismo
Escisión del dadaísmo, cuyo principal representante fuera Tristán Tzara, el movimiento
surrealista se organizó en Franciaen la década de 1920 alrededor de André Bretón quien,
inspirado en Sigmund Freud, se interesó por descubrir los mecanismos del inconsciente y
sobrepasar lo real por medio de lo imaginario y lo irracional. [cita requerida] De él y las veces
en que lo conoció habló en "Los vasos comunicantes", título emblemático que se volvería
metáfora de parte de su estética creadora, lo mismo que el automatismo o escritura
automática, por la que experimentarían con el sueño y el espiritismo, buscando
encontrar el arte puro, no contaminado por la conciencia.
Se caracterizó por pretender crear un individuo nuevo, recurrir a la crueldad y el humor
negro con el fin de destruir todo matiz sentimental. A pesar de ser constructivo, los
aspectos de la conducta moral humana y las manifestaciones no eran de su interés
Consistía en la captación de la coincidencia-realidad surgida en un personaje, cuando
vive un hecho que le provocarecuerdos recónditos
Otros de sus principales representantes fueron Louis Aragon y Elsa Triolet.
Estridentismo
El estridentismo nació de la mezcla de varios movimientos. Se dio entre 1922 y 1927 y
se caracterizó por la modernidad, el cosmopolitismo y lo urbano, así como por el
inconformismo, el humor negro, el esnobismo, lo irreverente y el rechazo a todo lo
antiguo. Su antecedente inmediato fue el futurismo ruso. Entre sus representantes más
importantes se cuenta a Germán Liszt Arzubide, Manuel Maple
Arieldentismo
El arieldentismo es un movimiento filosófico que postuló fundamentalmente que son los
seres humanos, en forma individual, los que crean el significado y la esencia de sus
vidas. Emergió como un movimiento en la literatura y filosofía del Siglo XX, heredera de
los argumentos de filósofos como Sören Kierkegaard, Friederich Nietzsche y Miguel de
Unamuno.
Este movimiento generalmente describe la ausencia de una fuerza trascendental; esto
significa que el individuo es libre y, por ende, totalmente responsable de sus hechos, sin
la presencia de una fuerza superior que pudiera determinarle en su actuar. Esto le
atribuye a los humanos el crear una ética de responsabilidad individual, apartada de
cualquier sistema de creencias externo a él. Esta articulación personal del ser es el único
camino existente para superar, generalmente, a las religiones, que tratan
del sufrimiento, la muerte y el fin del individuo.
Pop art
Pop Art no es un término estilístico, sino un término genérico para fenómenos artísticos
que tiene que ver de forma muy concreta con el estado de ánimo de una época.
Establece asociaciones con los diferentes elementos superficiales de una sociedad. Es un
movimiento artístico, surgido al final de los años cincuenta en Inglaterra y caracterizado
por el empleo de imágenes y temas tomados del mundo de la comunicación de masas y
aplicados al arte de la pintura. El término fue utilizado por primera ver por el crítico
británico Lawrence Acallo en 1962 para definir el arte que algunos jóvenes estaban
haciendo, utilizando imágenes populares dentro del arte. Puede afirmarse que el pop es
el resultado de un estilo de vida, la manifestación plástica de una cultura (pop),
caracterizado por la tecnología, la democracia, la moda y el consumo, donde los objetos
dejan de ser únicos para producirse en serie. En este tipo de cultura también el arte deja
de ser único y se convierte en un objeto más de consumo. Los orígenes del Pop se
encuentran en el dadaísmo y en su desprecio por el objeto, sin embargo el pop descarga
de la obra toda la filosofía anti-arte de Dadá y encuentra una vía para construir a partir
de imágenes tomadas de la vida cotidiana al igual que Duchamp había hecho con sus
ready- mades. En cuanto a las técnicas también toma del dadaísmo el uso del collage y
del fotomontaje. Los temas, formas y los medios del Pop Art muestran los rasgos
esenciales que asociamos con el ambiente cultural de los años sesenta y el estado de
ánimo de la gente.
La música experimental es un género musical que busca expandir las nociones
existentes de la música. Su labor consiste en trabajar con ideas y formas aún no
desarrolladas suficientemente en el ámbito musical y experimentar activamente con
ellas a la búsqueda de nuevos estímulos que puedan reorganizar sus propios conceptos
artísticos.
Música experimental es un término introducido por John Cage en 1955. Según Cage, un
hecho experimental es aquel que produce resultados no previsibles. En un sentido más
amplio también se refiere a la música que busca desafiar las nociones preestablecidas
de qué es la música. Este término también fue utilizado originalmente para designar a
la música electroacústica en los inicios de esta.
Introducción
A continuación se reproducen varios escritos de John Cage sobre el concepto de música
experimental:
En esta música no hay nada más que sonidos: sonidos que han sido escritos y sonidos que no lo han sido. Los que no lo han sido parecen silencios en la música escrita y abren el camino de la música a aquellos sonidos que se producen en un entorno físico. Es una apertura que existe también en la escultura y en la arquitectura contemporáneas. Los edificios de cristal de Mies Van der Rohe o cuando se contemplan las construcciones en tela metálica del escultor Richard Lippold es inevitable que se vean otras cosas, incluida la gente, si es que hay personas en ese momento. No existen el espacio vacío ni el tiempo vacío, siempre existe algo que ver, algo que oír. Se tiene que escoger. Si no se quieren abandonar los intentos de controlar el sonido se podrá complicar la técnica musical tendiendo a aproximarse a las nuevas posibilidades y a la nueva conciencia. O bien, se podrá abandonar todo intento de controlar el sonido, quitarse el sonido de la cabeza y ponerse a descubrir medios que consientan a los sonidos el ser ellos mismos, en vez de ser el vehículo de las teorías humana o expresión de los sentimientos del hombre.
John Cage
La emoción se produce en la persona que ya la posee. Y los sonidos, cuando se consiente que sean ellos mismos, no exigen del que los escucha que lo haga sin sentimiento alguno. Todo lo que se entiende por la capacidad de respuesta es justo lo contrario. Música nueva: audición nueva. No el intento de comprender algo que se dice, porque, si se dijese algo, las formas de las palabras se adaptarían a los sonidos. Sólo una atención a la actividad de los sonidos.
John Cage
Aquel que se dedique a la música experimental encuentra los medios para separarse de la actividad de los sonidos que produce. Algunos utilizan operaciones aleatorias, tomadas de fuentes antiguas como el libro de las transformaciones (I King) chino, o modernas, como las tablas de los números casuales que también utilizan los físicos en sus investigaciones. El campo total de las posibilidades puede repartirse con aproximación menor o mayor, y los sonidos existentes en el interior de tales reparticiones se pueden numerar.
John Cage
Origen
El origen de la música experimental es difuso, pero puede nombrarse a Olivier
Messiaen como un introductor de elementos no utilizados antes como las "Ondas
Martenot", instrumento electrónico formado por un teclado, un altavoz y un generador
de baja frecuencia, cuyo creador fue Maurice Martenot. El gran discípulo de
Messiaen, Pierre Boulez, comienza a fusionar la música occidental con la oriental, algo
no muy común hasta entonces.
En la música experimental, no sólo cambian las formas y las técnicas musicales, sino que
con frecuencia cambian también la estructura y la localización de la orquesta. Por
ejemplo, el compositor John Cage se dedica a la "música concreta", es decir, la
utilización musical de todo tipo de objetos. Por su parte, Karlheinz Stockhausen,
conocido por sus innovaciones enmúsica electroacústica, se dedica a la música
aleatoria y a la composición seriada. Su obra “Gruppen” (en castellano, “Grupos”) fue
escrita en dos etapas y requiere la utilización de 3 orquestas. Finalmente, los
compositores Steve Reich yTerry Riley cultivan la música “repetitva” con la
superposición y repetición de sonidos grabados.
Se comienza a utilizar el sintetizador y muchos compositores escriben para orquesta, voz
y, de modo novedoso, cinta magnetofónica. Además, destaca la influencia oriental en
la música contemporánea y experimental.
Música concreta
La música concreta es un género musical cuyos fundamentos teóricos y estéticos fueron
originados en Francia por Pierre Schaeffer en los estudios de la radiodifusión francesa en
1948.
Está ligada a la aparición de máquinas que permitieron la descontextualización de un
sonido fijándolo en un soporte (analógico, como la cinta, o digital, como el CD) con el fin
de tratar este sonido de manera separada cortándolo, pegándolo, superponiéndolo, y
luego combinando los sonidos resultantes de estas operaciones de alteración en una
estructura compleja y definitiva (como una partitura auditiva). Por esta razón, se habla
igualmente de " música de sonidos fijados”, fijados en un soporte como la cinta, el CD o
los archivos informáticos. Esta revolución de sonidos cambió la estructura habitual de la
música, porque la forma musical dada al escuchar el sonido de una puerta resultó de la
misma importancia que la de una melodía tocada al violín.
La evolución de la música concreta se desarrolla en Europa a partir de los años 1950,
que acompaña y muy pronto se entremezcla con la darmstadtiana. En lugar de la escala
de doce sonidos, con ella se ofrece al compositor la enorme disponibilidad de
frecuencias, microintervalos, combinaciones, timbres y empastes sonoros nuevos,
posibles gracias a la moderna tecnología electroacústica.
Fluxus
Fluxus-arte-diversión debe ser simple, entretenido y sin pretensiones, tratar temas triviales, sin necesidad de dominar técnicas especiales ni realizar innumerables ensayos y sin aspirar a tener ningún tipo de valor comercial o institucional.
George Maciunas
Manifiesto de Fluxus.
Fluxus se desarrolla en Norteamérica y Europa bajo el estímulo de John Cage, no tiene
como premisa la idea de la vanguardia como renovación de la lingüística, sino que
pretende hacer un uso distinto de los canales oficiales del arte que se desune de todo
lenguaje específico, es decir, tiene como pretensión la acogida de diferentes medios y
materiales procedentes de campos distintos. En conclusión, el lenguaje no es el fin, sino
el medio para una noción renovada del arte.
Según Fillioum, poeta y artista francés, el movimiento Fluxus “antes que todo un estado
del espíritu, un modo de vida impregnado de una soberbia libertad de pensar, de
expresar y de elegir. De cierta manera Fluxus nunca existió, no sabemos cuándo nació,
luego no hay razón para que termine”.
La intención principal de Fluxus es disolver el arte en lo cotidiano.
De esta forma Cage espera poner en paralelo tipos concretos de “modelos de realidad”: “Si vas por la calle en una ciudad ves que la gente se mueve con una intención, pero no sabes cuál es. Pasan muchas cosas que pueden verse como si no tuvieran ningún objetivo” y cuantas más cosas pasen, mejor, ya que “si sólo hay una cuantas ideas, la pieza produce una especie de concentración que es característica de los seres humanos. Si hay muchas cosas, produce una especie de caos característico de la naturaleza”.
Michael Nyman - Música Experimental. De John Cage en adelante.
Porque se compara a Fluxus con movimientos o grupos cuyos individuos tenían algún principio en común, o un programa acordado. En Fluxus nunca se ha intentado acordar objetivos o métodos; individuos que tenían algo indefinible en común se unían de forma natural para publicar e interpretar sus obras. Quizá ese algo común sea el sentimiento de que los límites del arte son mucho más amplios de lo que parecían convencionalmente, o de que el arte y cierto límites que hace mucho tiempo que están establecidos ya son muy útiles. (1964)
George Brecht
Música minimalista
Es un género originario de Estados Unidos, que se cataloga como experimental. Empezó
a desarrollarse en los años 1960 basada en la armonía consonante, en pulsos
constantes, en lo estático o en las lentas transformaciones, a menudo en la reiteración
de las frases musicales en pequeñas unidades como figuras, motivos y células. El
minimalismo se expandió hasta ser el estilo más popular de la música experimental del
siglo XX. En sus inicios llegó a involucrar a docenas de compositores, a pesar de que sólo
cuatro de ellos lograron relevancia: Terry Riley, Steve Reich, Philip Glass y La Monte
Young. En Europa sus mayores exponentes son Louis Andriessen, Karel
Goeyvaerts, Michael Nyman, Stefano Ianne, Gavin Bryars, Steve Martland, Henryk
Górecki, Arvo Pärt, Wim Mertens y John Tavener.
Influencia de la música experimental
1960 - 1980
Lee Ranaldo y Thurston Moore experimentaron con afinaciones alteradas y jugaron con
la técnica del “tercer puente” utilizando destornilladores que se situaban entre las
cuerdas y el cuello de la guitarra. A todo este tipo de experimentos les siguió
el krautrock en la década de los 1970. Los músicos alemanes comenzaron a
experimentar con estructuras e instrumentos inusuales.
Los artistas del krautrock usaban elementos del rock psicodélico, experimentaban con
collage de sonidos y efectos electrónicos, realizaban improvisaciones, buscaban crear
atmósferas, e incorporaban elementos de la música concreta, elminimalismo, el jazz y
la música oriental. El krautrock tenía influencias de los principios de la música
experimental (Karlheinz Stockhausen, La Monte Young y John Cage), pero también utilizó
como fuente de inspiración el pasado más cercano con grupos como The Velvet
Underground con sus notas sostenidas y sus ritmos intensos, las experimentaciones
electrónicas de Silver Apples, los trabajos más vanguardistas de The Beatles o Pink
Floyd.
Einstürzende Neubauten creó sus propios instrumentos a base de pedazos de metal y
herramientas de construcción.
El art rock es un término utilizado para describir a un amplio subgénero de la música
rock, caracterizada por su tendencia experimental. El art rock utiliza elementos tales
como experimentación con ritmos no muy explorados hasta el momento, elementos
estéticos y líricos no asociados a la música rock (en muchos casos con letras poéticas).
Este género es difícil de concretar ya que tiene influencias como el jazz, la música
clásica, la world music y la música avantgarde. Sus variantes son tan extensas como los
grupos, es decir, mientras Pink Floyd incorpora el surrealismo y la influencia fantástica y
mítica de la literatura en la lírica, The Velvet Underground se interesa por el uso
del feedback e instrumentos como la viola, incorpora también elementos del jazz y
la música de vanguardia. Estos son sólo dos ejemplos del experimentalismo en el rock.
Lo que influiría a todo el rock que vendría después como el glam rock, el punk, la new
wave, el rock gótico y el noise rock.
Procol Harum incorporaría elementos de la música clásica, como por ejemplo en su tema
“A Whiter Sade Of Pale” donde se utiliza un órgano para realizar una melodía
influenciada por Johann Sebastian Bach y letras poéticas bajo la influencia deBob Dylan.
Realmente, el art rock es un término no definido y por lo tanto no limitado, con todo lo
positivo y negativo a lo que conlleva esto.
1980 - Actualidad
La revista Tellus Audio Cassette comenzó en 1983, realizando una revista que incluía
cintas de casete centradas principalmente tanto en la música experimental del pasado,
como en la del presente.
La influencia del experimentalismo en el rock desde la década de los 80 hasta hoy en día
recibe el nombre de post-rock. Aunque el término fue dado a conocer por el crítico Simon
Reynolds, no es un término que fuera creado por él, James Wolcott lo utilizó por primera
vez en 1979.
Algunos de los grupos más influyentes para los 1990 y la siguiente década fueron, por
ejemplo, Sonic Youth, grupo que comenzó su carrera en 1981 y que siempre tuvo como
referencia a John Cage.
El post-rock toma como influencia el dronescape, estilo musical minimalista, cuyas
composiciones suelen ser largas y prácticamente desprovistas de cambios armónicos
durante toda la pieza.
Conceptos
Música aleatoria
La música aleatoria o de azar es una técnica compositiva musical basada en el recurso a
elementos no regulados por pautas establecidas y en la que adquiere un papel
preponderante, es la improvisación a partir de las secuencias no estructuradas. Tales
rasgos improvisadores pueden fijarse en la creación del autor o en el desarrollo de la
propia interpretación. Es frecuente, en consecuencia, la composición de piezas aleatorias
en las que el ejecutante determina la estructura final de la obra, mediante la
reordenación de cada una de las secciones de la misma, o incluso mediante la
interpretación simultánea de varias de ellas.
El azar es un rasgo definitorio de esta técnica compositiva que alcanzaría una notable
difusión a partir de la década de 1950.
Las corrientes aleatorias tuvieron algunas de sus más significativas representaciones en
las creaciones del estadounidenseJohn Cage - "Music of Changes" (1951 o 4'33; Música
de cambios)-, el alemán Karlheinz Stockhausen - "Hymnen" (1967; "Himnos")-, los
italianos Bruno Maderna y Franco Donatoni, el español Luis de Pablo, los
argentinos Alberto Ginastera, yMauricio Kagel y el francés Pierre Boulez.
Las más destacadas modalidades en las que se plantea la creación aleatoria en la
música contemporánea son la forma móvil, que impone diversas soluciones
interpretativas de rango equiparable; la forma variable, en la que predomina la
improvisación; y el llamado work in progress, que constituye el máximo grado de azar en
la ejecución de la pieza. En todas ellas suelen incorporarse instrumentos clásicos, con
especial atención al piano, y medios de ejecución electrónicos tales como sintetizadores,
distorsionadores y cintas grabadas.
Notación gráfica
La notación gráfica es la representación de la música a través del uso de símbolos
visuales fuera de la esfera de la notación musical tradicional. La notación gráfica se
desarrolló en la década de 1950 y se utiliza a menudo en combinación con la notación
musical tradicional. Los compositores se basan a menudo en la notación gráfica de la
música experimental, donde la notación musical estándar puede ser ineficaz.
Música indeterminada
Incorpora a su proceso de composición o de ejecución un elemento de azar o de
indeterminación de cualquier tipo. Uno de sus principales compositores es John Cage,
que introdujo en el proceso de composición y en el de ejecución el concepto de
indeterminación.
Otros grandes autores que hacían una concepción “abierta” del principio compositivo
fueron Morton Feldman, Christian Wolff y Earle Brown. El común denominador de este
tipo de “música reiterativa” es el rechazo del desarrollo musical entendido según la
concepción dialéctica y la adhesión al principio de la “variación estática” propia de la
tradición oriental: variación entendida como diferenciación casi imperceptible de
elementos sencillos en torno a un núcleo melódico-rítmico prefijado.
Microtonos
La música occidental se divide en "octavas" formadas cada una por doce escalones de
frecuencia o semitonos. Sin embargo, normalmente no usa las frecuencias intermedias
entre los doce semitonos mencionados. Estos semitonos o frecuencias no utilizados en el
sistema occidental se les denominan microtonos.
Música electroacústica
La música electroacústica surge como una forma de música clásica durante su época
moderna como consecuencia de la incorporación de la producción de sonido eléctrico
como parte de la composición musical. Los primeros desarrollos de la composición de
música electroacústica durante el siglo XX están asociados con la actividad de
compositores que trabajaban en estudios de investigación en Europa y Estados Unidos.
Entre estos estudios estaban el Groupe de Recherches de la ORTF, en París, hogar de
la musique concrete, el Nordwestdeutscher Rundfunk (NWDR) en Colonia, que dirigía
su atención hacia la Elektronische Musik, y el Columbia-Princeton Electronic
Music Center en Nueva York, donde se exploraba la tape music, la música electrónica y
la informática musical.
Técnicas
Este tipo de música busca constantemente producir sonidos y "efectos" nuevos de los
instrumentos. Algunos de ellos son:
Preparar instrumentos: Esto consiste en agregar previamente otros objetos en ciertas
partes del instrumento para producir distintos timbres o efectos. Por ejemplo colocar
piedritas y maderas entre las cuerdas de un piano (piano preparado).
Clústers : Es la superposición de gran cantidad de notas, generalmente por grados
conjuntos (como cuando apoyamos las dos manos sobre el teclado de un piano).
Creación de nuevos instrumentos, modificación de los instrumentos tradicionales o
utilización de objetos de la vida cotidiana para producir sonidos.
Formas de tocar no-convencionales: glissando, frullato, col legno, etc. Son formas de
producir otros timbres y sonidos del instrumento o voz utilizando otras técnicas, pero
sin modificar el instrumento ni agregarle objetos.
Experimentación con nuevas tecnologías: es buscar combinaciones de efectos
musicales, o la creación de ellos (juntando trémolo, con eco, etc.).
Uno de los primeros guitarristas que comenzaron con instrumentos a los cuales se les
añadieron un puente adicional eraFred Frith. El guitarrista y compositor Glenn Branca ha
creado ciertos instrumentos similares, a los que él llama las guitarras armónicas. Desde
los años 70, el guitarrista y lutier alemán Hans Reichel ha creado guitarras con un tercer
puente.
Música contemporánea
Música electroacústica
Rock experimental
Art rock Música contemporánea
El término música contemporánea puede referirse:
a la música académica contemporánea, la música académica creada a partir de
1965, aproximadamente;
a la música modernista, la música académica creada entre 1910 y 1975,
aproximadamente;
a la música académica del siglo XX, la música académica creada durante el siglo
XX;
a la música popular, la música difundida a través de los medios de comunicación de
masas;
al jazz contemporáneo, el jazz desde 1980 aproximadamente, que en Europa está
muy ligado a la música académica contemporánea;
a la World music o música del mundo, la música que, producto de la globalización,
pretende integrar elementos folclóricos, étnicos y locales a un lenguaje
contemporáneo;
a la música del siglo XXI, toda la música creada en el siglo XXI.
Para otros usos de este término, véase Música contemporánea.
En los contextos de las música clásica europea, la música contemporánea es la que se
ha creado a partir de la retirada del modernismo musical a mediados de la década de los
setenta, sin embargo en ocasiones se suele incluir de forma más amplia a todos las
formas académicas de música post-tonal luego de la muerte deAnton Webern y el
término de la segunda guerra mundial. Es materia de un arduo debate si el término se
debería aplicar a música de cualquier estilo, o si se le aplica exclusivamente a
los compositores de música de vanguardia.
Movimientos en la música contemporánea
Muchas de las figuras claves del Movimiento Moderno aún existen o han fallecido
recientemente, y en la actualidad existe un núcleo de compositores, intérpretes y
aficionados extremadamente activos que continúan llevando las ideas y formas
del modernismo. Elliott Carter, Pierre Boulez y Lukas Foss por ejemplo, están activos
aún. Si bien grandes escuelas de composición moderna, como la del serialismo, no son
ya el centro de la discusión teórica, el período contemporáneo está iniciando el proceso
de ordenación del conjunto de elementos del modernismo en busca de obras
suficientemente valiosas para ser incluidas en los repertorios.
El modernismo también se encuentra en la superficie o en obras de un gran número de
compositores, ya que la atonalidad ha perdido mucha de su habilidad para aterrorizar a
los auditorios, y puesto que hasta la música de películas utiliza secciones de música
claramente enraizadas en el lenguaje de la música modernista. La lista de compositores
modernistas activos incluye a Thomas Adès, Harrison Birtwistle, Alexander
Goehr, Magnus Lindberg, Gunther Schuller y Judith Weir.
Postmodernismo
El postmodernismo es una influencia fuerte en la música contemporánea. Un crítico
señaló que una manera fácil de encontrar es buscar la palabra «nuevo» o los
prefijos neo- o pos- en el nombre de algún movimiento. Sin embargo, en una era de los
medios, de las presentaciones sistemáticas, y las relaciones de poder siguen siendo la
realidad dominante para la mayoría de las personas nacidas en las principales naciones
industrializadas, el postmodernismo parece mantenerse como el modo más común de la
expresión artística.
Poliestilismo[
John Zorn (1953), músico estadounidense de origen judío, poliestilista y ecléctico que ha trabajado en diversos estilos dentro y fuera de la música académica.
Poliestilismo (también llamado "eclecticismo") es el uso de múltiples estilos o técnicas
musicales, y es considerado una característica posmoderna que comienza a finales del
siglo XX y se acentúa en el siglo XXI. Es importante distinguir entre la actitud ecléctica,
que es la de quien recolecta material de diferentes fuentes de modo pasivo y la actitud
poliestilista, que es la de quien fusiona las fuentes de modo coherente, deliberado y
propio. El compositor poliestilista no emplea necesariamente su canon de estilo y técnica
en un solo trabajo sino que en el conjunto su obra se advierte diferentes "estilos". Esta
corriente, pese a haber sido anticipada en una temprana tendencia que unificaba
elementos de folk o de jazz en trabajos clásicos, se desarrolla realmente desde finales
delsiglo XX, y mientras más y más estilos entran en juego en el nuevo siglo, el
movimiento se hace cada vez más importante y diverso. Los compositores poliestilistas
han usualmente comenzado su carrera en una corriente para moverse a otra a la vez
que guardando elementos importantes de la anterior.
Compositores poliestilísticos son, por ejemplo, Lera Auerbach, Luciano Berio, William
Bolcom, Sofia Gubaidulina, Hans Werner Henze, George Rochberg, Arturo Rodas, Magaly
Ruiz, Frederic Rzewski, Alfred Schnittke, Dmitri Silnitsky, Valentín Silvestrov, Santiago
Sosa Rolón, Ezequiel Viñao, Frank Zappa , John Zorn y Miguel Oblitas Bustamante.
Conceptualismo
Cuando Marcel Duchamp colocó un urinario en un museo de arte, produjo el golpe más
visible del arte conceptual. Una obra conceptual es un acto cuya importancia musical se
obtiene del marco más que del contenido de la obra. La música conceptual encontró a su
mejor representante en John Cage. Un ejemplo puede ser la obra 4’ 33” (John Cage,
1952) que consiste sólo de silencios, la cual presentó el famoso pianista David Tudor que
se sentó al piano sin tcarlo realmente en ningún momento durante los 4 minutos y 33
segundos. Otra obra importante de este estilo es 56 Blows (de Alvin Singleton), una obra
que tiene la particularidad de haber sido mencionada en un debate en el Senado de
EE. UU.
Postminimalismo
La generación minimalista todavía cumple un papel importante en la nueva
composición. Philip Glass ha continuado expandiendo su ciclo sinfónico, mientras que On
the Transmigration of Souls de John Adams (una obra coral en conmemoración de las
víctimas de los atentados del 11 de septiembre de 2001) ganó un Premio Pulitzer. Steve
Reich ha explorado la ópera electrónica y Terry Riley ha continuado activo escribiendo
música instrumental. Pero más allá de mismos minimalistas, los tropos de
la armonía triádica no funcional son ahora un lugar común, incluso en compositores que
no son reconocidos como minimalistas propiamente dichos.
Muchos compositores están expandiendo los recursos de la música minimalista al incluir
ritmos e instrumentos propios delrock y la música étnica (World Music), serialismo, y
muchas otras técnicas. Kyle Gann considera los Time Curve Preludesde William
Duckworth como la primera pieza «posminimalista», y considera a John Adams como un
compositor «posminimalista» y no minimalista. Gann define el «posminimalismo» como
la búsqueda de una mayor complejidad armónica y rítmica por compositores tales
como Mikel Rouse, Roberto Carnevale y Glenn Branca. El posminimalismo es también un
movimiento artístico en pintura y escultura que empezó a finales de los años sesenta.
Música electrónica[
Surgida en la década del cincuenta , con el uso de las grabaciones como objeto sonoro
en términos de Pierre Schaeeffer o con el uso de osciladores electrónicos a la manera de
Stockhaussenn. No confundir con la "música pop electrónica" (de los años ochenta,
posterior al rock, de guitarras eléctricas, etc.), ni con la creada por
un ordenador o secuenciador al necesitarse una velocidad y exactitud imposible para un
intérprete humano). La electrónica es ahora parte de la corriente principal de creación
musical. La interpretación de obras ahora a menudo utiliza sintetizadores midi para
acompañar o reemplazar algunos músicos o instrumentos. Los procesos de loopeo, toma
de muestras (sampling) y el empleo (rara vez) de baterías electrónicas también está
incluido. Sin embargo, la antigua idea de la música electrónica —como una búsqueda de
sonido puro y una interacción con el equipo en sí— continúa encontrando un lugar en la
composición, desde piezas comercialmente exitosas hasta obras dirigidas a oyentes
selectos.
Neorromanticismo[
El resurgimiento del vocabulario de la nueva tonalidad que floreció en los primeros años
del siglo XX continúa en el período contemporáneo, aunque no se le considera chocante
o controvertido como tal. Compositores que trabajan en la vena neorromántica son, por
ejemplo, George Rochberg y David Del Tredici. En la parte final del siglo XX y comienzos
del XXI, encontramos un nuevo resurgimiento del neorromanticismo en Europa.
Espectralismo
La música espectral, en un sentido restrictivo, se basa principalmente en el
descubrimiento de la naturaleza del timbre musical y en la descomposición espectral del
sonido musical, en el origen de la percepción del timbre. El espectralismo se originó
en Francia en la década de los setenta alrededor de un grupo de compositores
agrupados en torno al Ensemble l'Itinéraire (Gérard Grisey, Tristan Murail, Hughes
Dufourt y Michael Levinas). En Alemania tuvo repercusión y se formó un grupo de
investigación liderado por los compositores Johannes Fritsch, Mesias Maiguashca, Peter
Eötvös, Claude Vivier, yClarence Barlow. En Rumania existió un movimiento importante
de esta tendencia liderado por Ştefan Niculescu, Horatiu Radulescu, y Iancu Dumitrescu.
Actualmente compositores como Julian Anderson, Ana-Maria Avram, Joshua
Fineberg, Jonathan Harvey, Fabien Lévy,Magnus Lindberg, y Kaija Saariaho permanecen
desarrollando ideas espectrales. El compositor de jazz Steve Lehman ha introducido
técnicas espectrales en el campo de la música improvisada. El movimiento se ha ido
ensanchando e influye en las más importantes tendencias contemporaneas de
composición y en muchos de los compositores más jóvenes: Philippe Hurel, Philippe
Leroux, Marc-André Dalbavie, Jean-Luc Hervé, Fabien Lévy o Thierry Blondeau, en
Francia; Kaija Saariahoo Magnus Lindberg en Finlandia; George Benjamin o Julian
Anderson en el Reino Unido: Marco Stroppa en Italia; y Joshua Fineberg, en EE.UU., por
citar algunos.
Neotonalismo
El neotonalismo surge en la segunda mitad del siglo XX como reacción ante el
atonalismo. Dentro de este género se engloban compositores que utilizan de nuevo la
tonalidad después de que ésta fuese marginada en gran medida por las corrientes del
género atonal contemporáneo. El neotonalismo es un movimiento muy amplio que
unifica y mezcla estilos muy diferentes, entre los cuales se pueden citar como
subgéneros de éste, el eclecticismo (o poliestilismo) y elneorromanticismo citados más
arriba. Un mismo compositor neotonal puede contar dentro de su producción musical
con obras neorrománticas, electrónicas o ecléctricas. En este género también se
emplean técnicas modernas como la electroacústica y aparecen influencias ajenas a la
música clásica tradicional como pueden serlo el jazz, la música de cine, étnica, e incluso
el propio atonalismo del siglo XX, confiriendo no sólo una gran riqueza a este tipo de
composición sino una libertad de expresión que quedó truncada con la imposición de lo
puramente atonal en la segunda mitad del siglo. Existen muchos compositores, quienes
habiendo iniciado sus composiciones en el ámbito atonal, han regresado a esta forma,
incluyendo elementos tradicionales que son de una mayor aceptación por el público.
Baste como ejemplos de compositores actuales neotonales los citados más arriba: John
Corigliano, John Rutter, Arvo Pärt, Henryk Górecki y Astor Piazzolla. Y los españoles Pedro
Iturralde, Manuel Alejandre, Juan J. Colomer y Román Alís.
Nueva simplicidad[
Arvo Pärt (1935) compositor estonio, una de las principales figuras de la nueva simplicidad, como también del post-minimalismo
La Nueva Simplicidad fue una tendencia estilística surgida entre algunos de los
componentes de la generación más joven de compositores alemanes de comienzos de
los ochenta del siglo XX, y que supuso una reacción no solamente contra
la vanguardiamusical europea de las décadas de los cincuenta y sesenta, sino también
contra la más amplia tendencia hacia la objetividad de comienzos de siglo.
En general, estos compositores propugnaron una inmediatez entre el impulso creativo y
su resultado musical (en contraste con la elaborada planificación precompositiva
característica del vanguardismo), con la intención de crear una comunicación más fácil
con las audiencias. En algunos casos, ello significó una vuelta al lenguaje tonal delsiglo
XIX así como a las formas musicales (sinfonía, sonata) y a las combinaciones
instrumentales (cuarteto de cuerda, trío con piano) tradicionales, que habían sido
evitadas en su mayor parte por la vanguardia. Para otros compositores, significó trabajar
con texturas más simples o el empleo de armonías triádicas en contextos no tonales. De
entre los compositores identificados de una forma más cercana con este movimiento,
solamente Wolfgang Rihm ha conseguido una reputación significativa fuera de Alemania.
Otros autores, de mayor edad y/o de otras nacionalidades, como Hans
Abrahamsen,Alfred Janson, Aaron Kernis, Wilhelm Killmayer, Ladislav Kupkovic, György
Kurtág, Roland Moser, Arvo Pärt, Alfred Schnittke, Kurt Schwertsik y Howard
Skempton han sido relacionados ocasionalmente con los “nuevos simplicistas”. Al menos
dos autores han ido aún más lejos al asegurar que uno de los compositores
vanguardistas contra el que se había rebelado más ostensiblemente la Nueva
Simplicidad, Karlheinz Stockhausen, se habría anticipado a sus posiciones con la
simplificación radical de su estilo que se produjo entre 1966 y 1974.
Libre improvisación
La improvisación libre es música improvisada sin reglas previas establecidas, secuencias
de acordes o melodías previamente acordadas. A veces los músicos realizan un esfuerzo
activo para evitar referenciar a generos musicales reconocibles. El término es en alguna
forma paradójico en tanto puede ser considerado como una técnica (empleada por
cualquier músico que quiere olvidarse de generos rígidos y formas) y como género
reconocible en sí mismo. La improvisación libre, como estilo de música, se desarrolló
en Europa y EE. UU. en la mitad y fines de la década de 1960 en respuesta o inspirado
por el movimiento del free jazz así como por la música clásica contemporánea. Entre los
artistas más reconocidos dentro de este estilo están los saxofonistas Evan Parker y Peter
Brötzmann, el guitarrista Derek Bailey, y el grupo improvisacional británico AMM.
Nueva Complejidad
La Nueva Complejidad es una corriente dentro del escenario contemporáneo surgida en
la década de los 80's en el Reino Unido que puede definir lo "complejo" como; "de
múltiples capas de interacción de los procesos evolutivos que ocurren simultáneamente
en todas las dimensiones del material musical". Es muy abstracta, disonante y atonal,
caracterizada por el uso de técnicas que llevan hasta el límite las posibilidades de
la escritura musical. Esto incluye el uso de técnicas extendidas, texturas complejas e
inestables, microtonalidad, contorno melódico altamente discontinuo y complejos ritmos
de capas, cambios bruscos en la textura, y así sucesivamente. También se caracteriza, a
diferencia de la música de los serialistas inmediatamente posteriores a la Segunda
Guerra Mundial, por la dependencia frecuente de sus compositores en concepciones
poéticas, muy a menudo implicados en los títulos de las obras individuales y en los ciclos
de trabajo de cada compositor.
Entre los compositores más importantes se encuentran Brian Ferneyhough, Michael
Finnissy, Chris Dench, James Dillon,Roger Redgate y Richard Barrett.
Arte sonoro
Arte sonoro comprende un diverso grupo de prácticas artísticas que tienen como
principal objetivo diferentes nociones delsonido, la escucha y la audición. Existen
normalmente diferentes relaciones entre los ámbitos visual y auditivo del arte así como
de la percepción por los artistas del sonido.
Como muchos géneros del arte contemporáneo, el arte sonoro es interdisciplinario por
naturaleza, tomando formashíbridas. El arte sonoro se ocupa frecuentemente de
aspectos como la acústica, la psicoacústica, la electrónica, el noise, los medios de audio
y la tecnología (tanto analógica como digital), el sonido encontrado o ambiente, la
exploración del cuerpo humano, la escultura, la película o el vídeo y un abanico de
temas creciente
Desde el punto de vista de la tradición occidental, los primeros ejemplos de este arte
incluyen a Luigi Russolo y suIntonarumori, y los experimentos que a continuación
realizaron los dadaistas, surrealistas y situacionistas. Dada la diversidad del arte sonoro,
existe a menudo un debate sobre si el arte sonoro cae dentro y/o fuera tanto del arte
visualcomo de la música experimental. El arte sonoro también está relacionado con
el arte conceptual, el minimalismo, el spoken word, la poesía avant garde y el teatro
experimental.
Festivales
Existen numerosos festivales dedicados a la música contemporánea, entre ellos el
Donaueschingen Festival of Contemporary Music, el Huddersfield Contemporary Music
Festival, en España, el Ciclo de Música Contemporánea de Málaga. En Chile se realizan el
Festival de Música Contemporánea de la UC y el Festival de Música Contemporánea de
la U de Chile anualmente . Asimismo en Perú , se realiza hace 10 años el Festival
Internacional de Música Contemporánea de Lima.
La música modernista se refiere a la música de la tradición europea escrita (omúsica
clásica), elaborada aproximadamente entre 1911 y 1975.Fue precedida por la música del
romanticismo y postromanticismo, y sucedida por la música clásica contemporánea. El
momento exacto en el cual terminó el modernismo e inició la música contemporánea, es
todavía motivo de debate entre los expertos. En ocasiones se le equipara la música
modernista con la música del siglo XX aunque esta última abarca un tiempo cronológico
en lugar de un período estético. La música modernista está basada en los valores
filosóficos y estéticos delmodernismo al cual tienen como principio principal la ruptura
con la tradición, y la permanente innovación. Debido a esto está estrechamente ligada
al vanguardismo. A diferencia de los períodos anteriores, prácticamente todos los
compositores de este período participaron en varios movimientos musicales diferentes,
ya sea simultáneamente o por etapas.
Principios
Modernismo (arte)
Se da el nombre de modernismo a una serie de movimientos basados en el concepto de
que, siendo el siglo XX una época de fundamentales cambios sociales y tecnológicos,
el arte debe adoptar y desarrollar estos principios como fundamento estético. El
modernismo toma el espíritu progresista de fines del siglo XIX y su apego por el rigor del
avance tecnológico, por lo que lo despega de las normas y formalismos del arte de la
época y la tradición. De esta manera la característica principal del modernismo es la
pluralidad del lenguaje, entendiendo que ningún lenguaje musical en particular asumió
una posición dominante.
Técnicamente hablando el modernismo musical tiene tres características principales que
lo distinguen de las períodos anteriores:
La expansión o abandono de la tonalidad.
El uso de las técnicas extendidas.
La incorporación de sonidos y ruidos novedosos en la composición.
Principales técnicas, estilos y movimientos[editar]
Futurismo
Luigi Russolo (1885-1947) compositor italiano que adhirió al manifiesto futurista y creó El arte de los ruidos como manifestación musical de este movimiento.
Futurismo
El futurismo fue uno de los movimientos iniciales de vanguardia en la Europa del Siglo
XX. Esta corriente artística fue fundada en Italia por el poeta italiano Filippo Tommaso
Marinetti, quien redacta el Manifiesto Futurista, y lo publica el 20 de febrero de 1909 en
el diario Le Figaro de París.
Este movimiento buscaba la ruptura con las tradiciones artísticas del pasado y los signos
convencionales de la historia del arte. Intentó enaltecer la vida contemporánea, esto por
medio de dos temas principales: la máquina y el movimiento. El futurismo recurría a
cualquier medio de expresión; artes plásticas, arquitectura, poesía, publicidad, moda,
cine y música; con el fin de construir de nuevo el perfil del mundo.
Los primeros trabajos futuristas en el campo de la música empezaron en 1910, mismo
año en que se firma el Manifiesto de los músicos futuristas. Los principales compositores
futuristas fueron los italianos Francesco Balilla Pratella y Luigi Russolo. Russolo concibe
en este manifiesto El arte de los ruidos de 1913, como una consecuencia a los estudios
previamente realizados por Pratella. La «música de ruidos» fue posteriormente
incorporada a las performances, como música de fondo o como una especie de partitura
o guía para los movimientos de los intérpretes, además inventó una máquina de ruido
llamada Intonarumori o "entonador de ruidos", que fue duramente criticada en su época.
Entre sus obras más significativas destaca Los Relámpagos de 1910.
Russolo fue el antecedente de la música concreta, un lenguaje sonoro en el cual se
utilizaba cualquier sonido, fuese este uno producido por la naturaleza o por la técnica
(técnica gutural, fuesen palabras o un lenguaje inarticulado).
Crisis de la tonalidad y atonalismo
Alexander Scriabin (1872-1915) fue uno de los iniciadores del atonalismo, famoso por la utilización de suacorde místico.
Atonalidad y Cromatismo (música).
Los primeros antecedentes de la música europea sin un centro tonal se encuentran
enFranz Liszt con su Bagatella sin tonalidad de 1885, período que ya se hablaba de una
"crisis de la tonalidad". Esta crisis se generó a partir del uso cada vez más frecuente de
acordes ambiguos, inflexiones armónicas menos probables, y las inflexiones melódicas y
rítmicas más inusuales posibles dentro de la música tonal. La distinción entre lo
excepcional y lo normal se hizo más y más borrosa, y como resultado, se produjo un
aflojamiento concomitante de los enlaces sintácticos a través de los cuales los tonos y
armonías habían sido relacionados entre sí. Las conexiones entre las armonías eran
inciertas, las relaciones y sus consecuencias se volvieron tan tenues que apenas
funcionaban en absoluto. A lo sumo, las probabilidades del sistema tonal se habían
vuelto demasiado oscuras; en el peor de los casos, se estaban acercando a una
uniformidad que proporcionan pocas guías para la composición o la escucha. A principios
del siglo XX compositores como Claude Debussy, Aleksandr Skriabin, Béla Bartók, Paul
Hindemith,Sergei Prokofiev, Carl Ruggles, Igor Stravinsky y Edgard Varèse, escribieron
música que se ha descrito, total o parcialmente, como atonal. Aleksandr Skriabin realizó
un particular estilo de impresionismo y atonalidad, basando obras
como Mysterium, Poema del éxtasis o Prometeo: el poema de fuego en un acorde por
cuartas y tritonos llamado "acorde místico", muy alejado de los habituales acordes de
tríada formados por intervalos de tercera.
La primera fase del atonalismo (antecesora del dodecafonismo), conocida como
"atonalidad libre" o "cromatismo libre", implicó un intento consciente de evitar la
armonía diatónica tradicional. Las obras más importantes de este periodo son la
ópera Wozzeck (1917-1922) de Alban Berg y Pierrot Lunaire (1912) de Arnold
Schoenberg. El primer período de piezas libremente atonales de Schoenberg (de 1908 a
1923), tienen a menudo como un elemento integrador a una célula interválica que,
además de la expansión se puede transformar en una fila de tonos, y en el que las notas
individuales pueden "funcionar como elementos fundamentales, para permitir la
superposición de estados de una célula básica o la interconexión de dos o más células
básicas". Otros compositores en Estados Unidos como Charles Ives, Henry Cowell y más
adelante George Antheil, produjeron música impactante para la audiencia de la época
por su desprecio de las convenciones musicales. Combinaron frecuentemente música
popular con aglutinación o politonalidad, extremas disonancias, y una complejidad
rítmica en apariencia inejecutable. Charles Seeger enunció el concepto de contrapunto
disonante, una técnica usada por Carl Ruggles, Ruth Crawford-Seeger, y otros.
Primitivismo
Igor Stravinsky (1882-1971), su obra La consagración de la primavera es considerada la obra más importante del siglo XX.
El primitivismo fue un movimiento de las artes que pretendía rescatar el folclor más
arcaico de ciertas regiones con un lenguaje moderno o modernista. Similar al
nacionalismo en su afán por rescatar lo local, el primitivismo incorporó
ademásmétricas y acentuaciones irregulares, un mayor uso de la percusión y
otros timbres,escalas modales, y armonía politonal y atonal. Dentro de la música los dos
gigantes de este movimiento fueron el ruso Igor Stravinsky y el húngaro Bela Bartok,
aunque la obra de ambos sobrepasa con creces la denominación "primitivista".
El primero de los períodos estilísticos mayores de Stravinski (excluyendo algunos
trabajos menores tempranos) fue inaugurado por los tres ballets que compuso para
Diáguilev. Estos ballets tienen varias características compartidas: están hechos para ser
interpretados por orquestas sumamente grandes; los temas y motivos argumentales se
basan en el folclore ruso; y llevan la marca de Rimski-Kórsakov tanto en su desarrollo
como en su instrumentación. El primero de los ballets, El pájaro de fuego (1910), es
notable por su inusual introducción (tríos de cuerdas bajas) y barrido de la
orquestación. Petrushka (1911), también se anota distintamente y es el primero de los
ballets de Stravinski que utiliza la mitología folclórica Rusa. Pero es en el tercer ballet, La
consagración de la primavera (1913), el que generalmente es considerado la apoteosis
del "Período Primitivista Ruso" de Stravinski. Aquí, el compositor utiliza la brutalidad de
la Rusia pagana, reflejando estos sentimientos en la agresiva interpretación, armonía
politonal y ritmos abruptos que aparecen a lo largo del trabajo. Hay varios pasajes
famosos en esta obra, pero dos son de nota particular: el primer tema basado en los
sonidos del fagot con las notas en el límite de su registro, casi fuera de rango; y el
ataque rítmicamente irregular (utilizando el recurso típico del período ruso stravinskiano
de tomar una célula rítmica breve e ir desplazando su acentuación) de dos acordes
superpuestos utilizando solo el talón del arco por las cuerdas y haciendo más evidente la
reorganización permanentemente cambiante del motivo inicial, duplicando con los
bronces los acordes que resultan acentuados cada vez. La consagración es
generalmente considerada no sólo la obra más importante del primitivismo o de
Stravinsky, sino que de todo el siglo XX, tanto por su ruptura con la tradición, como por
la influencia en todo el mundo.
Otras piezas destacadas de este estilo incluyen: El
Ruiseñor (1914), Renard (1916), Historia de un soldado (1918), y Las bodas (1923),
instrumentada para la original combinación de cuatro pianos y percusión, con
participación vocal. En estas obras el músico llevó al límite la herencia de la escuela
nacionalista rusa hasta prácticamente agotarla.
Bela Bartok (1881-1945) fue el creador de la etnomusicología, y gracias a sus investigaciones creó numerosas obras basadas en el folclor europeo.
Bartók fue un músico húngaro que destacó como compositor, pianista e investigador de
música folclórica de la Europa oriental (especialmente de losBalcanes). Bartók fue uno
de los fundadores de la etnomusicología, basada en las relaciones que unen
la etnología y la musicología. A partir de sus investigaciones desarrolló un estilo muy
personal e innovador.
A partir de 1905, profundiza sus conocimientos en la música tradicional y las canciones
folclóricas magiares, en sintonía con el auge de los movimientos nacionalistas. Toma
entonces conciencia de la necesidad de preservar la memoria musical tradicional de su
país. Junto con Zoltán Kodály, comenzó a recorrer los pueblos
de Hungría y Rumanía para recoger miles de melodías y canciones que transcribieron y
grabaron con un gramófono. Extendieron luego esa labor a buena parte de los pueblos
de la Europa central y hasta Turquía. Anteriormente, se pensaba que la música folclórica
húngara se basaba en melodías zíngaras. Pero Bartók descubrió que las antiguas
melodías húngaras se basaban en escalas pentatónicas, al igual que la música asiática o
la de Siberia. Bartók escribió una buena cantidad de pequeñas piezas para piano
derivadas de la música folclórica, y creó acompañamientos para canciones populares.
Nunca habló de su técnica compositiva, sino que ha sido el musicólogo húngaro Ernö
Lendvai quien dedicó gran parte de su vida a descubrir las bases de este sistema. Según
Lendvai, la música de Bartók está basada en gran parte en sus investigaciones con el
folklore, en especial del húngaro, y podría dividirse en dos grandes bloques, distintos en
cuanto a concepción pero complementarios entre sí, llegando a alternarse incluso en una
misma obra en distintas secciones; son el sistema diatónico, basado en la música
folklórica, sus modos y ritmos, en la escala acústica, y en otros procedimientos que no
entraremos a valorar, y el Sistema cromático, influenciado también por el folklore, y que
se basa por un lado en el Sistema axial, y por otro en la Proporción áurea. Su obra más
puramente "primitivista" sea probablemente Allegro Barbaro(1911), junto con una gran
cantidad de canciones y danzas folclóricas de Europa oriental. Ese mismo año escribió la
que fue su única ópera, El castillo de Barba Azul. Durante la Primera Guerra Mundial,
escribió los ballets El príncipe de maderay El mandarín maravilloso, seguidos por dos
sonatas para violín y piano, que son armónica y estructuralmente unas de sus más
complejas piezas. Su afán de experimentación lo llevó a un estilo cada vez más único y
genial, con obras como laMúsica para cuerda, percusión y celesta, la Sonata para dos
pianos y percusión, además de 6 cuartetos de cuerda, la obra para piano Mikrokosmos, y
los tres conciertos para piano y orquesta.
Microtonalismo
Charles Ives (1874-1954) fue uno de los más prominentes compositores de música microtonal, y el pionero en Estados Unidos.
Microtonalismo
El microtonalismo es la música que utiliza microtonos (los intervalos musicales menores
que un semitono). El músico estadounidense Charles Ives definía a los microtonos de
manera humorística como “las notas entre las teclas del piano”. Experimentando con
el violín en 1895, el mexicano Julián Carrillo (1875-1965) distingue dieciséis sonidos
claramente diferentes entre los lanzamientos de G y A emitida por la cuarta cuerda de
violín. Llamó a estas distinciones microtonales Sonido 13 y escribió sobre la teoría de la
música y la física de la música. Inventó un simple notación numérica para representar
las escalas musicales sobre la base de cualquier división de la octava, como tercios,
cuartos, cuartos, quintos, sextos, séptimos, y así sucesivamente (incluso escribió, la
mayoría de las veces, para cuartos, octavos y dieciseisavos combinados, la notación es
la intención de representar cualquier subdivisión imaginable). Inventó
nuevos instrumentos musicales, y otros los adaptó para producir microintervalos.
Compuso una gran cantidad de música microtonal y grabó 30 de sus composiciones. En
los años 1910 y 1920, los cuartos de tono y otras subdivisiones de la octava recibieron la
atención de otros compositores como Charles Ives, Alois Haba (1/4 y 1/6 de tono), Ivan
Wyschnegradsky(1/4, 1/6, 1/12 y escalas no octabables), Ferruccio Busoni (quien hizo
algunos experimentos infructuosos en la adaptación de un piano de tercios de
tono), Mildred Couper y Harry Partch.Erwin Schulhoff dio clases de composición con
cuartos de tono en el Conservatorio de Praga. Destacados compositores microtonales o
investigadores de los años 1940 y 1950 incluyeron aAdriaan Fokker (31 tonos iguales por
octava), y a Groven Eivind. La música microtonal nunca tuvo demasiada aceptación y fue
considerada en adelante casi exclusivamente por los músicos de Vanguardia.
Segunda Escuela Vienesa, dodecafonismo y serialismo
Arnold Schoemberg (1874-1951), músico autriaco fundador de la segunda escuela de Viena y creador del dodecafonismo.
Segunda escuela de viena, Dodecafonismo, Serialismo yExpresionismo.
Una de las más significativas figuras en la música del siglo XX es Arnold Schoenberg. Sus
primeros trabajos pertenecen al estilo romántico tardío, influenciado por Richard
Wagner y Gustav Mahler, pero al final abandonó el sistema de composición tonal para
escribir música atonal. Con el tiempo, desarrolló la técnica del dodecafonismo,
proponiéndola en 1923 en reemplazo de la organización tonal tradicional.
Sus alumnos Anton Webern y Alban Berg también desarrollaron y profundizaron el uso
del sistema dodecafónico, y destacaron por el uso de tal técnica bajo reglas propias. Los
tres son conocidos, familiarmente, como La Trinidad Schoenberg, o la Segunda Escuela
Vienesa. Este nombre se creó para resaltar que esta Nueva Música tuvo el mismo efecto
innovador que la Primera Escuela de Viena de Haydn, Mozart yBeethoven.
El dodecafonismo fue una forma de música atonal, con una técnica de composición en la
cual las 12 notas de la escala cromática son tratadas como equivalentes, es decir,
sujetas a una relación ordenada que (a diferencia del sistema mayor-menor de la
tonalidad) no establece jerarquía entre las notas. Lo que hizo el fundador de la música
dodecafónica, Schönberg, fue prohibir por estatuto usar una nota más que otra: la
melodía dodecafónica debe llevar las 12 notas que hay en la escala cromática. Se
escribe siguiendo el principio de que todos los doce semitonos o notas son de igual
importancia. La relación interna se establece a partir del uso de una serie compuesta por
las doce notas. El compositor decide el orden en que aparecen con la condición de que
no se repita ninguna hasta el final.
Anton Webern (1883-1945) discípulo de Schoemberg, desarrolló las ideas dodecafónicas y creo el serialismo integral.
La música de Schoenberg y la de sus seguidores fue muy controvertida en sus días, y así
permanece todavía en alguna medida. Como carece de un sentido de melodíadefinida,
algunos oyentes la encontraban —y todavía la encuentran— difícil de seguir. A pesar de
ello, actualmente se siguen interpretando, estudiando y escuchando obras como Pierrot
Lunaire, mientras que se han olvidado otras composiciones contemporáneas que en su
momento se consideraban más aceptables. En gran medida, la causa de esto es que su
estilo pionero resultó muy influyente, incluso entre compositores que continuaron
componiendo música tonal. A partir de ellas, muchos compositores han escrito música
no basada en la tonalidad tradicional.
El serialismo integral representa un paso más adelante del dodecafonismo, y fue creada
por el que fue discípulo de Schönberg, Anton Webern: se establece un orden no sólo
para la sucesión de las diferentes alturas, sino para la sucesión de las diferentes
duraciones (las "figuras", como la negra, corchea, etc.) y la sucesión de las dinámicas
(los niveles de intensidad sonora), como también para la articulación. Todas estas series
se repiten durante el transcurso de una obra. La técnica se ha llamado serialismo
integral para distinguirla del serialismo limitado del dodecafonismo. Irónicamente,
después de años de impopularidad, el estilo puntillista de Webern —en el que los sonidos
individuales son cuidadosasmente ubicados en la obra de manera que cada uno tiene
importancia— se convirtió en norma en Europa durante los años cincuenta y sesenta, y
fue muy influyente entre compositores de la postguerra como Olivier Messiaen,Pierre
Boulez, Luciano Berio, Luigi Nono, Karlheinz Stockhausen e Igor Stravinsky.
Neoclasicismo
Dmitri Shostakóvich (1906-1975) desarrolló junto con Serguéi Prokofiev (1891-1953) el neoclasicismo en el contexto delrealismo socialista en la Unión Soviética.
El neoclasicismo en música refiere al movimiento del siglo XX que retomó una práctica
común de tradición en cuanto a la armonía, la melodía, la forma, los timbres y los ritmos,
pero mezclada con grandes disonancias atonales y ritmos sincopados, como punto de
partida para componer música. Ígor Stravinski, Paul Hindemith, Sergéi Prokófiev, Dmitri
Shostakóvich y Béla Bartók son los compositores más importantes usualmente
mencionados en este estilo, pero también el prolífico Darius Milhaud y sus
contemporáneos Francis Poulenc y Arthur Honegger.
El neoclasicismo nació al mismo tiempo que el retorno general a modelos racionales en
las artes, en respuesta a la primera guerra mundial. Más pequeño, más escaso, más
ordenado fueron las tendencias concebidas como respuesta a la saturación emocional
que muchos sintieron había empujado a la gente a las trincheras. Teniendo en cuenta
que los problemas económicos favorecían grupos más pequeños, la búsqueda por hacer
“más con menos” se tornó en consecuencia una práctica obligada. Historia del
soldado de Stravinski es por esta razón una semilla de pieza neoclásica, como sucede
también en el concierto Los robles de Dumbarton, en su Sinfonía para instrumentos de
viento o en la Sinfonía en do. La culminación neoclásica de Stravinski es su ópera El
progreso del libertino («Rake's Progress»), con libreto del bien conocido poeta
modernista W. H. Auden.
Durante un tiempo, el alemán Paul Hindemith fue rival de Stravinski en el neoclasicismo,
mezclando punzantes disonancias, polifonía y cromatismo libre dentro de un estilo
utilitario. Hindemith produjo trabajos de cámara y orquestales en este estilo, quizá el
más famoso de ellos seaMathis der Maler. Su producción de cámara incluye su Sonata
para corno inglés y piano, un trabajo expresionista lleno de detalles oscuros y
conexiones internas.
Serguéi Prokófiev (1881-1953) fue un destacado compositor ruso.
El neoclasicismo encontró una audiencia interesada en EE.UU.; la escuela de Nadia
Boulanger promulgó ideas musicales basadas en la comprensión de la música de
Stravinski. Entre sus estudiantes se encuentran músicos neoclásicos como Elliott
Carter (en su primer época), Aaron Copland, Roy Harris, Darius Milhaud, Astor
Piazzolla y Virgil Thomson.
El rasgo más audible del neoclasicismo son melodías que usan la tercera como intervalo
fijo, y agregan cromáticamente notas disonantes al ostinato, bloques armónicos y
mezcla libre de polirritmos. El neoclasicismo ganó gran aceptación de la audiencia con
rapidez, y fue internalizado por aquellos opositores al atonalismo como la verdadera
música moderna.
En el contexto de la Unión Soviética, particularmente durante el gobierno de Iósif Stalin,
el neoclasicismo se ubicó dentro del realismo socialista. Esta fue una corriente estética
cuyo propósito fue expandir el conocimiento de los problemas sociales y las vivencias de
los hombres por medio del arte. De esta manera los prominentes compositores Serguéi
Prokófiev y Dmitri Shostakóvichtuvieron que componer forzadamente en este estilo,
incorporando elementos nacionalistas y valores comunistas, pues cualquier tipo de
vanguardia se consideraba como parte de la decadencia de la burguesía de occidente.
Música electrónica y concreta
]
Olivier Messiaen (1908-1992) participó del movimiento de la música concreta, entre muchas otras innovaciones de su época.
Música académica electrónica, Música electroacústica y Música concreta.
Los avances tecnológicos en el siglo XX permitieron a los compositores utilizar medios
electrónicos para producir sonidos. En Francia se desarrolló la música concreta escuela
que producía sonidos existentes en el mundo. Se llama concreta porque según Pierre
Schaeffer, su inventor, planteaba que está producida por objetos concretos y no por los
abstractos que serían los instrumentos musicales tradicionales. El primero que dispuso
de esos medios fue Edgar Varese, quien presentó Poème électronique en el pabellón
Philips de la Exposición de Bruselas en 1958. En 1951, Schaeffer, junto a Pierre Henry,
crearon el Grupo de Investigación de Música Concreta en París. Pronto atrajo un gran
interés, y entre los que se acercaron se encontraban diferentes compositores
significativos comoOlivier Messiaen, Pierre Boulez, Jean Barraqué, Karlheinz
Stockhausen, Edgard Varese,Iannis Xenakis, Michel Philippot y Arthur Honegger. La
producción compositiva entre 1951 y 1953 comprendió Étude I (1951) y Étude II (1951)
por Boulez, Timbres-durées (1952) por Messiaen, Étude (1952) por Stockhausen, Le
microphone bien tempéré (1952) y La voile d’Orphée (1953) por Henry, Étude I (1953)
por Philippot, Étude (1953) por Barraqué, las piezas mezcladas Toute la lyre (1951) y
Orphée 53 (1953) por Schaeffer/Henry, y la música para película Masquerage (1952) por
Schaeffer y Astrologie (1953) por Henry. En 1954 Varèse y Honegger visitaron el estudio
para trabajar en las partes en cinta de Déserts y La rivière endormie. En Alemania en
cambio la forma se usar la tecnología se llamó música electrónica, que es aquella que
utiliza solamente sonidos producidos electrónicamente. El primer concierto tendría lugar
en Darmstadt en 1951, sin embargo la primera obra de importancia sería El canto de los
adolescentes de Karlheinz Stockhausen de 1956. En EE. UU., Milton Babbitt usó el
sintetizador RCA Mark II para crear música. Otros compositores abandonaron los
instrumentos convencionales, y usaron cintas magnéticas para crear música, grabar
sonidos, y manipularlos de alguna manera. Hymnen (de Stockhausen), Déserts (de
Edgard Varése) y Sincronismos (de Mario Davidovsky) ofrecen unos pocos ejemplos. Esta
posibilidad tomó muchas formas: algunos compositores simplemente incorporaron
instrumentos electrónicos dentro de piezas relativamente convencionales.Olivier
Messiaen, por ejemplo, usó las Ondas Martenot en cierto número de trabajos. Oskar
Sala creó la pista no musical para la película Los pájaros (de Alfred Hitchcock) usando
el trautonium, un instrumento electrónico que él mismo ayudó a desarrollar. Morton
Subotnick proveyó la música electrónica para 2001, una odisea del espacio. Otros
compositores comoLuigi Russolo, Mauricio Kagel y Joe Meek también aportaron a la
investigación y exploración de la música electrónica.
Iannis Xenakis es otro compositor moderno que ha usado computadoras e instrumentos
electrónicos (incluido uno inventado por él) en muchas composiciones. Algunos de estos
trabajos electrónicos son piezas suavemente ambientadas, y otras muestran una
violenta y salvaje sonoridad. Compositores como Alvin Lucier, Gordon Mumma y David
Tudor crearon e interpretaron música electrónica en vivo, a menudo diseñando sus
propios instrumentos o usando cintas. En el siglo XX florecieron una cantidad de
instituciones especializas en música electrónica, siendo quizá el IRCAM de París la más
conocida.
Música aleatoria y vanguadismo radical
Vanguardismo, Música aleatoria y Música experimental.
El compositor alemán Karlheinz Stockhausen (1928-2007) fue pionero en muchas de las formas musicales vanguardistas del siglo XX, especialmente en las más radicales.
Si bien el modernismo en sí es música de vanguardia, el vanguardismo dentro de ella se
refiere a los movimientos más radicales y controversiales, donde el concepto de música
llega hasta sus límites -si no ya los sobrepasa- utilizando elementos
comoruidos, grabaciónes, el sentido del humor, el azar, la improvisación, el teatro,
elabsurdo, el ridículo, o la sorpresa. Dentro de los géneros generalmente ubicados
dentro de esta corriente radical se encuentra la música aleatoria, la música electrónica
en vivo, el teatro musical, la música ritual, la composición de procesos,
el happeningmusical, o la música intuitiva, entre muchas otras. Entre los compositores
más trascendentales que incursionaron en estas aventuras se encuentra John Cage en
América y Karlheinz Stockhausen en Europa.
La música aleatoria o de azar es una técnica compositiva musical basada en el recurso a
elementos no regulados por pautas establecidas y en la que adquiere un papel
preponderante, es la improvisación a partir de las secuencias no estructuradas. Tales
rasgos improvisadores pueden fijarse en la creación del autor o en el desarrollo de la
propia interpretación. Es frecuente, en consecuencia, la composición de piezas aleatorias
en las que el ejecutante determina la estructura final de la obra, mediante la
reordenación de cada una de las secciones de la misma, o incluso mediante la
interpretación simultánea de varias de ellas.
El azar es un rasgo definitorio de esta técnica compositiva que alcanzaría una notable
difusión a partir de la década de1950. Las corrientes aleatorias tuvieron algunas de sus
más significativas representaciones en las creaciones del estadounidense John
Cage con Music of Changes (1951) o 4′33″ (probablemente la obra más radical del siglo
XX, famosa por consistir en la indicación de no tocar por 4 minutos y 33 segundos).
También fue notable el uso del I Ching, un antiguo texto chino clásico sobre eventos
cambiantes, el cual se convirtió en la herramienta compositiva habitual de Cage.
Conocido también por la invención del piano preparado, compuso varias obras entre las
que destaca Sonatas e interludios. El alemán Karlheinz Stockhausen con Hymnen (1967),
y la electrónica Gesang der Jünglinge, fueron hitos importantes. Otros compositores
como los italianos Bruno Maderna y Franco Donatoni, el polaco Witold Lutosławski, el
griego Iannis Xenakis, el húngaro Gyorgy Ligeti, el español Luis de Pablo, los
argentinos Alberto Ginastera, y Mauricio Kagel y los franceses Edgar Varese y Pierre
Boulez también fueron significativos.
Las más destacadas modalidades en las que se plantea la creación aleatoria en
la música contemporánea son la forma móvil, que impone diversas soluciones
interpretativas de rango equiparable; la forma variable, en la que predomina la
improvisación; y el llamado work in progress, que constituye el máximo grado de azar en
la ejecución de la pieza. En todas ellas suelen incorporarse instrumentos clásicos, con
especial atención al piano, y medios de ejecución electrónicos tales como sintetizadores,
distorsionadores y cintas grabadas.
Micropolifonía y masas sonoras
Micropolifonía y Masa sonora.
Luego de Gyorgy Ligeti (1923-2006), el griego Iannis Xenakis (en la imagen) y el polaco Krzysztof Penderecki fueron los principales exponentes de la utilización de masas sonoras y micropolifonía.
En palabras de David Cope la micropolifonía se trata de «una simultaneidad de
diferentes líneas, ritmos y timbres».1 La técnica fue desarrollada por György Ligeti, quien
la explicó así: «La compleja polifonía de las voces individuales está enmarcada en un
flujo armónico-musical, en el que las armonías no cambian súbitamente, sino que se van
convirtiendo en otras; una combinacióninterválica discernible es gradualmente
haciéndose borrosa, y de esta nubosidad es posible sentir que una nueva combinación
interválica está tomando forma». «La micropolifonía se asemeja a los clústers, pero
difiere de ellos en el uso que hace de líneas más dinámicas que estáticas».1 El primer
ejemplo de micropolifonía en la obra de Ligeti se produce en el segundo movimiento de
su composición orquestal Apparitions.2 También son pioneras en la aplicación de esta
técnica su siguiente trabajo para orquestaAtmosphères y el primer movimiento de
su Requiem, para soprano,mezzosoprano, coro mixto y orquesta sinfónica. Esta última
obra alcanzó gran popularidad debido a que formó parte de la banda sonora de
la película de Stanley Kubrick 2001: Una odisea del espacio
La técnica de la micropolifonía es más fácil de aplicar con agrupaciones más grandes o
con instrumentos musicalespolifónicos como el piano.1 Aunque el Poème Symphonique
para 100 metrónomos crea «micropolifonía de una complejidad sin parangón».3 Muchas
de las piezas para piano de Ligeti son ejemplos de micropolifonía aplicados a esquemas
rítmicosderivados del complejo "minimalismo" de Steve Reich y de la música de
los pigmeos.
Intrínsecamente relacionada con la micropolifonía esta la masa de sonido o masa sonora
que es una textura musical cuyacomposición, en contraste con otras texturas más
tradicionales, «minimiza la importancia de las alturas musicalesindividuales para preferir
la textura, el timbre y la dinámica como principales formadores del gesto y el impacto».4
Esta técnica fue desarrollada partiendo de los clústers utilizados por el modernismo
musical y después se extendió a la escritura orquestal hacia finales de los años
1950 y 60. La masa sonora «difumina la frontera entre el sonido y el ruido».4Una textura
puede disponerse de tal manera que «esté muy próxima al status de conjunto fusionado
de timbres de un único objeto, por ejemplo el hermoso acorde Northern lights, en una
distribución muy interesante de alturas, produce un sonido fusionado que se apoya en
un redoble de platillo suspendido.»5
Otros de los compositores más importantes de esta técnica fueron el polaco Krzysztof
Penderecki con su obra Treno a las víctimas de Hiroshima y el griego Iannis Xenakis con
su obra Metástasis.
Minimalismo
Philip Glass (1937) fue uno de los iniciadores del movimiento minimalista en Estados Unidos, y es actualmente uno de los compositores doctos más famosos del mundo.
Varios compositores de la década de los sesenta comenzaron a explorar lo que ahora
llamamos minimalismo. La más específica definición de minimalismo refiere al dominio
de los procesos en música donde los fragmentos se superponen en capas unos a otros, a
menudo se repiten, para producir la totalidad de la trama sonora. Ejemplos tempranos
incluyen En do (de Terry Riley) y Tamborileando (de Steve Reich). La primera de estas
obras hizo que Riley fuera considerado por muchos el padre del minimalismo; es una
pieza formada por celdas melódicas comprimidas, que cada intérprete en un conjunto
toca a su propio tempo. La onda minimalista de compositores —Terry Riley, Philip
Glass, Steve Reich, La Monte Young, John Adams y Michael Nyman, para nombrar los
más importantes— deseaban hacer la música accesible para los oyentes comunes,
expresando cuestiones específicas y concretas de la forma dramática y musical, sin
ocultarlas bajo la técnica, sino más bien haciéndolas explícitas, volviendo a las triadas
mayores y menores de la música tonal, pero sin utilizar la funcionalidad armónica
tradicional.
Steve Reich (1936), creador de los efectos de fase repetidos y otras de las técnicas más utilizadas en el minimalismo.
Una diferencia clave entre el minimalismo y la música previa es el uso de diferentes
celdas "fuera de fase", a gusto de los intérpretes; compare esto con la obertura de El oro
del Rin de Richard Wagner, donde a pesar del uso de triadas de celdas, cada parte está
controlada por un mismo impulso y se mueve a la misma velocidad.
La música minimalista resulta controvertida para oyentes tradicionales. Sus críticos la
encuentran demasiado repetitiva y vacía, mientras que sus defensores argumentan que
los elementos fijos que a menudo son permanentes producen mayor interés en los
pequeños cambios. De todas formas, el minimalismo han inspirado e influenciado a
muchos compositores habitualmente no etiquetados como minimalistas (como Karlheinz
Stockhausen y György Ligeti). Compositores como Arvo Pärt, John Tavener y Henryk
Górecki, cuya Sinfonía N.º 3 fue el álbum clásico más vendido en los años noventa,
encontraron gran éxito en lo que se ha dado en llamar “minimalismo feliz” en obras de
profundo sentido religioso.
La siguiente ola de compositores que incursionaron en este estilo no son llamados
minimalistas por algunos, pero sí por otros. Por ejemplo, el compositor de ópera John
Adams, y su alumno Aaron Jay Kernis. La expansión del miminalismo de un sistema
musical a música dependiente de la textura para acompañar el movimiento ha generado
una diversidad de composiciones y compositores.
Influencias del jazz
.
George Gershwin (1898-1937) compuso tanto en el jazz como en la música clásica y fue el pionero en crear la fusión de ambos de manera exitosa
Desde principios del siglo la música afroamericana y el jazz influyó notablemente a
compositores dentro y fuera de Estados Unidos. Dentro del país americano
destacóCharles Ives y por sobre todos George Gershwin. Sin embargo
compositoresafroamericanos más vinculados al jazz también incursionaron en obras que
estaban en un límite poco claro entre ambas músicas. Compositores tales como Will
Marion Cook,Scott Joplin y Duke Ellington tuvieron una influencia indiscutida en la música
docta de Estados Unidos. Algunas de las obras más importantes de principios de siglo
que combinaron elementos del lenguaje del jazz con estilos clásicos fueron Rhapsody in
Blue de George Gershwin, El rincón de los niños de Claude Debussy, los conciertos para
piano en Re y en Sol de Maurice Ravel, el Ragtime para 11 instrumentos de Ígor
Stravinski, o la Suite para piano 1922 de Paul Hindemith, entre muchas otras.
En la segunda mitad del siglo XX surgió el movimiento llamado Third Stream,
literalmente Tercera corriente, aplicado a un estilo de hacer música que en los años
50y 60 pretendió ofertar una vía de desarrollo que integraba las técnicas tanto del jazz
como de la la música clásica. El término Third Stream fue acuñado por el compositor
ysolista de trompa, Gunther Schuller, a finales de los años 50, para describir
la músicaque estaban desarrollando algunos artistas intentando establecer
un puente entre las disciplinas y formas musicales europeas y el espíritu y la técnica del
jazz. A tal fin, Schuller fundó un "Third Stream Department", en el Conservatorio
de Nueva Inglaterra. En sentido amplio, la tercera corriente es parte de un proceso
general de abolición de barreras musicales entre las diferentes clases de música.6 El
origen del estilo suele fijarse en la evolución generada a partir de los postulados
del Cool y el West Coast jazz, lo que sitúa a muchos otros músicos en la frontera entre
ambos. El trombonista y violonchelista David Baker, el pianista Ran Blake, o
el saxofonista y arreglista Bob Graettinger, fueron algunos de los músicos más
implicados en la búsqueda de una verdadera third stream, aunque en el entorno de este
estilo se han movido un importante número de músicos de peso en la historia del
jazz: Modern Jazz Quartet, Gil Evans, Don Ellis, Bill Russo, George Russell, sin necesidad
de irse a fusiones mucho más evidentes, como los arreglos de Jacques Loussier sobre la
música de Bach.
Las opciones menos pretenciosas de esta corriente, acaban generando la aparición de
un género típicamente europeo, asentado en sellos como ECM, que se conforman en
grupos inusuales, dúos o solistas, que prescinden de un gran número de los elementos
que habían caracterizado el jazz de los años 40 y 50: Explosiva energía, dureza,
expresividad, intensidad, éxtasis y aceptación de la fealdad, para impulsar
una estetización del jazz.7 Hacia finales del siglo XX el jazz europeo contemporáneo y la
música clásica contemporánea se encuentran un estado de indiferenciación casi
absoluta.
Música cinematográfica
John Williams (1932) creador de la música de Star Wars y otras de las más taquilleras películas deHollywood.
Música cinematográfica y Banda sonora.
Desde la llegada del cine sonoro a principios de la década de los 30', la música cumplió
un rol crucial en la industria y el arte del cine. Muchos de los grandes compositores de la
década tales como los rusos Prokofiev y Shostakovic, incursionaron también en esta
área. Sin embargo llaman la atención ciertos compositores que se dedicaron casi
exclusivamente a trabajar a través del cine. Aunque las musicalización de largometrajes
durante los años 1940 estaban rezagadas décadas detrás de las innovaciones técnicas
en el campo de la música de concierto, la década de 1950 vio el auge de la música para
el cine modernista. El director Elia Kazan fue abierto a la idea de las influencias del jazz y
las obras disonantes y trabajó con Alex North, cuya partitura de A Streetcar Named
Desire(1951) combina la disonancia con elementos de blues y jazz. Kazan también se
acercó aLeonard Bernstein para musicalizar On the Waterfront (1954) y el resultado fue
una reminiscencia de las primeras obras de Aaron Copland e Igor Stravinsky, con sus
"jazz basados en armonías y emocionantes ritmos aditivos". Un año después, Leonard
Rosenman, inspirado por Arnold Schoenberg, experimentó con la atonalidad en sus
calificaciones de al Este del Edén (1955) y Rebelde sin causa (1955). En sus diez años de
colaboración con Alfred Hitchcock, Bernard Herrmann experimentó con ideas
en Vértigo(1958), Psycho (1960) y Los pájaros (1963). El uso de la música no-diegética
de jazz fue otra innovación modernista, como la musicalización de la estrella del
jazz Duke Ellington a la obra de Otto Preminger Anatomía de un asesinato (1959).
Dentro de las grandes obras musicales del cine se encuentran Max Steiner con; The
Informer (1935), Now, Voyager (1942), y Since You Went Away (1944), King
Kong (1933), Little Women (1933), Jezebel (1938), Casablanca (1942), y Gone with the
Wind (1939). Erich Wolfgang Korngold con; The Adventures of Robin Hood. Alfred
Newman con; How the West Was Won,The Greatest Story Ever Told. Bernard
Herrmann con; North by Northwest, The Man Who Knew Too Much, Citizen Kane, The
Ghost and Mrs. Muir, y Taxi Driver. Ennio Morricone; The Good, The Bad And The
Ugly (1966), Once Upon a Time in the West, The Mission (1986), The
Untouchables (1987), y Cinema Paradiso. Jerry Goldsmith; Planet of the
Apes,Chinatown, The Wind and the Lion, The Omen, Alien, Poltergeist. John Williams con;
las dos trilogías de Star Wars, Jaws,Superman, Indiana Jones, E.T., el
extraterrestre, Hook, Jurassic Park, Schindler's List, y Harry Potter entre muchísimas
otras. Otros de los grandes compositores, especialmente de los últimos tiempos han
sido Nino Rota, Howard Shore, Alan Silvestri, Danny Elfman, Hans Zimmer o Henry
Mancini
La música popular comprende un conjunto de géneros musicales que resultan
atractivos para el gran público y que generalmente son distribuidos a grandes
audiencias a través de la industria de la música. Esto está en contraste tanto con
lamúsica culta como con la música tradicional, las cuales normalmente se difunden por
vía académica o por vía oral a audiencias más minoritarias.1
Frente a la música tradicional o folclórica, la música popular no se identifica con
naciones o etnias específicas sino que tiene un carácter internacional. Entre los géneros
más representativos de la música popular de nuestro tiempo se pueden destacar el pop,
el rock, el dance o la música latina, entre otros.
Otras denominaciones que recibe a veces la música popular son «música ligera» o
«música pop», aunque no son muy adecuadas al tener ya otros significados más
restrictivos. Por otro lado, «música popular» se ha empleado en ocasiones
históricamente para referirse a lo que actualmente conocemos como música folclórica o
tradicional, un uso que todavía pervive en algunos contextos.
Los hermanos Steinegger, Distrito de Liezen,Estiria, 1880.
El musicólogo y especialista en música popular Philip Tagg define el concepto a la luz de
los aspectos socioculturales y económicos:
"La música popular, a diferencia de la música culta, es concebida para ser
distribuida de forma masiva, y frecuentemente a grupos grandes y socio
culturalmente heterogéneos. Es distribuida y almacenada de forma no escrita. Sólo
es posible en una economía monetaria industrial donde se convierte en una
mercancía y, en sociedades capitalistas, sujetas a las leyes del libre mercado,
según la cual idealmente debe vender lo más posible, de lo menos posible, al
mayor precio posible".
Para Richard Middleton y Manuel Pedro, un enfoque común para definir la música
popular es vincular su popularidad con la escala de la actividad, como la venta de
partituras o grabaciones. Este enfoque tiene un problema, ya que las audiciones
repetidas no se cuentan, la profundidad de la respuesta no se constata, audiencias
socialmente diversas son tratadas como un mercado conjunto y no hay diferenciación
entre los estilos musicales. Otra forma de definir la música popular es vincular su
popularidad con los medios de difusión correspondientes. Sin embargo, esto es
problemático, ya que todo tipo de música, desde el folk hasta lo más vanguardista,
están sujetos a la mediación de masas. Un tercer enfoque para definir la música
popular es a base de un grupo social, ya sea una audiencia masiva o una clase social
particular (lo más a menudo, aunque no siempre la clase obrera), un enfoque que es
problemático porque las estructuras sociales no pueden ser simplemente sobrepuesto
sobre estilos musicales. Estos tres enfoques son muy parciales y estáticos también.
Además, la comprensión de la música popular ha cambiado con el tiempo.
Historia
Orígenes
El Music Hall de Oxford (hacia 1875).
Hasta finales del siglo XVIII, en Europa, las dos grandes corrientes musicales que
había eran la que actualmente conocemos como música clásica, de tradición escrita y
vinculada a la aristocracia, y la música folclórica (por entonces música popular), de
tradición oral y vinculada a una población fundamentalmente rural.
Esta dualidad artística, que no hacía sino reflejar la clara división social y cultural del
público, empezará a cambiar con el desarrollo de la Revolución Industrial. En países
comoReino Unido y Francia, el crecimiento de las ciudades, la burguesía y el
florecimiento de una clase media urbana interesada en la cultura, promueven la
aparición de espectáculos músico-teatrales dirigidos a este público.2 Estos
espectáculos se representarán de forma regular en lugares como las tabernas,
jardines y salones de baile de Londres, o los teatros y los café-concert de París, y
serán el caldo de cultivo para la creación y divulgación de canciones y otras
composiciones que irán conformando una nueva corriente, la música popular urbana.
Los primeros espectáculos de este tipo son el ballad opera y el music hall en el Reino
Unido, el teatro de variedades y el vaudeville en Francia, y un tiempo después
el minstrel show en EEUU. A éstos se sumarían en las siguientes décadas nuevos
formatos de espectáculos de variedades como elcabaret, la revista, el burlesque, etc.
La Bella Otero, bailarina, cantante y actriz de la Belle Epóquefrancesa.
Junto a este desarrollo del mundo del espectáculo se produce también un progresivo
acercamiento de la música a los hogares de la gente, basado por un lado en el
abaratamiento de los instrumentos musicales, y por otro en una disponibilidad cada
vez mayor de partiturascreadas para el consumo doméstico. Este nuevo mercado
permitió que muchos compositores, que en épocas anteriores sólo podían trabajar
bajo el encargo de una institución religiosa o como empleados de una corte o un
importante mecenas, pudieran ahora convertirse en profesionales liberales. Sus
creaciones serán comercializadas por editoras musicales que se encargarán también
de tutelar los derechos de la composición. Ejemplos de estas creaciones se pueden
encontrar en los lieder alemanes de Schumann o las canzonette italianas de
Donizetti, para voz y piano, en las cuales hay a menudo una estructura similar a la de
muchas canciones pop modernas. Un fenómeno similar ocurre en EEUU con la
industria musical del Tin Pan Alley -con fuertes raíces en folclore angloamericano- y
su autor más conocido, Stephen Foster.
Por último, en la segunda mitad del siglo XIX también cobra fuerza la ópera ligera
u opereta, primero en París (con figuras como Jacques Offenbach y su popular
cancán), después en Viena (de donde surgieron los famosos valses de los Strauss) y
Londres. En España también se practicó el género de la opereta, bajo el nombre
de zarzuela.
Siglo XX
Aunque los estilos de música popular del XIX seguirán teniendo vigencia durante el
siglo XX (especialmente en la primera mitad), el nuevo siglo se va a ver sacudido por
dos grandes movimientos musicales de repercusión internacional: el jazz (en la
primera mitad del siglo) y el rock (en la segunda mitad). Ambos tienen su origen en
EEUU y ambos están fuertemente influidos por la música de la población negra.
El jazz, el ragtime, el blues
A comienzos de siglo XX, en EEUU, empiezan a difundirse entre la población urbana
diversos géneros musicales derivados de las tradiciones populares de los africanos
que habían llegado como esclavos al continente, influidas ahora por las tradiciones
musicales blancas.
Nacen y adquieren notoriedad de este modo el ragtime, el blues urbano (derivado del
blues primitivo que era cantado en el rural), y finalmente, el jazz, que combinaba la
música de banda y de desfiles que venía sonando sobre todo en Nueva Orleáns, con
fuertes dosis de improvisación y con particulares características rítmicas y estilísticas.
Louis Armstrong, cantante, trompetista y compositor de jazz.
La invención del fonógrafo primero, y de la radio después, permiten una difusión sin
precedentes de estos nuevos géneros musicales, que eran a menudo interpretados
por músicos autodidactas mucho más ligados a una tradición musical que no a la
literatura musical. Este hecho, el origen no europeo de los intérpretes, y el citado
recurso a la improvisación, contribuyeron a crear una música de gran frescura y
vitalidad. Al contrario de aquello que había sucedido tantas veces en la historia de la
música, la tecnología ofrecía ahora a una música popular fundada más sobre la
práctica que sobre la escritura la oportunidad de ser trasmitida y heredada en vez de
ser olvidada.
La música jazz continuó desarrollándose durante todo el siglo XX, llegando a ser una
música de gran consumo en los años 20, 30 y 40, principalmente en América, pero
también en Europa. Especial popularidad alcanzó el estilo del swing, de la mano de
compositores y directores de orquesta como Benny Goodman o Glenn Miller. Al
mismo tiempo, la canción popular norteamericana (en voces como la de Bing
Crosby y más tarde Ella Fitzgerald o Frank Sinatra) se vio fuertemente influida por las
aportaciones estilísticas del jazz. Esta influencia alcanzaría más tarde también al
rock, a través del rhythm and blues. A partir de los años 40 y 50, junto al declive de
las formas más populares de jazz, empezaron a surgir subgéneros más complejos y
disonantes (como el bebop o el cool jazz), que hicieron que el género jazzístico se
fuera volviendo una "música para músicos" y para entusiastas (cuando no para
élites). No obstante, los viejos clásicos del jazz no desaparecerían ya nunca del
repertorio popular, convirtiendo a este género en una de las mayores aportaciones
musicales del nuevo continente.
Édith Piaf, popular intérprete de canción francesa.
La canción popular clásica
Los estilos de la música popular occidental del siglo XIX, que se nutrieron tanto de
fuentes cultas como folclóricas, siguieron su desarrollo en el siglo XX paralelamente a
la aparición de las nuevas corrientes como el jazz o el rock.
Hasta la década de 1960, en el terreno vocal prevaleció la canción
ligera popularizada por los espectáculos de variedades y por los comienzos de la
radio y del cine sonoro, conservando ciertos caracteres propios en cada país. Así
ocurrió con el pop tradicional estadounidense (con creaciones de Cole Porter, George
Gershwin o Irving Berlin), la canción francesa o "chanson" (con artistas como Edith
Piaf o Jacques Brel), la canción italiana (donde destaca la canción napolitana, con
Renato Carosone) o la canción alemana (representada por el Kabarett y elSchlager).
Igualmente sucede en España con la canción española, cuyo género más
representativo es primero el cuplé y después la copla (con figuras como Concha
Piquer, Antonio Molina y posteriormente Lola Flores o Rocío Jurado). Latinoamérica
por su parte exportó géneros como el bolero (con Antonio Machín y otros) o los ritmos
de baile tan populares como el tango (con Carlos Gardel), la rumba o el mambo.
En la segunda mitad del siglo los espectáculos de variedades entran en franca
decadencia, y aunque la canción ligera seguirá gozando de notable popularidad hasta
nuestros días, irá cediendo terreno −sobre todo entre la gente joven− ante el avance
de la moderna música pop/rock, de la cual recibirá una considerable influencia
llegando incluso a confundirse con ella. El resultado es el género conocido
como canción melódica, representada en el mundo hispano por artistas
comoRaphael, Julio Iglesias, Luis Miguel o el brasileño Roberto Carlos, mientras en el
mundo anglosajón se pueden destacar las figuras de Frank Sinatra o Barbra
Streisand. Otros artistas destacables de esta etapa son los franceses Charles
Aznavour y Serge Gainsbourg, la griega Nana Mouskouri o el italiano Domenico
Modugno.
Señalar por último la pervivencia en todo el siglo XX de un género mixto entre teatro,
música popular y baile que, con orígenes en el XIX, conservará su fortaleza hasta
nuestros días: el musical. Con epicentro creativo en Broadway (Nueva York) y West
End (Londres), de la mano de autores como Leonard Bernstein o Andrew Lloyd
Weber, el musical fructificó también en otras capitales europeas, latinoamericanas y
asiáticas, y tuvo su reflejo también en el séptimo arte con adaptaciones o creaciones
originales dentro del cine musical.
Elvis Presley, artista icono del rock and roll.
El rock y el pop
El rock and roll nació en los años 50 como una música animada y de ritmo rápido que
surgía fundamentalmente de un maridaje interracial entre el rhythm and blues negro
y el countryblanco. Pioneros de este género fueron mayormente artistas de color
como Chuck Berry o Little Richard, aunque también cantantes blancos como Bill
Haley y especialmente Elvis Presley, que llevaría el fenómeno del rock and roll a sus
máximas cotas de popularidad. El nuevo género, que arraigó fundamentalmente
entre la gente joven, se combinaría en la década siguiente con otros estilos de
música popular dando lugar a una serie de variantes conocidas genéricamente
como rock, que terminarían expandiéndose por los cinco continentes.
The Beatles.
En la década de los 60, las figuras dominantes del rock primigenio tuvieron que ceder
protagonismo ante el avance de la nueva cara de la canción tradicional blanca tras
recibir la influencia del rock'n'roll: la música pop. Este género sería representado
mejor que nadie por el genio de un cuarteto británico, The Beatles, que tuvieron
respuesta en América con grupos como The Beach Boys. El rock por su parte fue
evolucionando de la mano de artistas como Jimi Hendrix o The Rolling Stones, y se
consolidaron nuevas tendencias entre los norteamericanos de color como el soul y
el funk, con la figura destacada de James Brown. Se produjo también en Estados
Unidos un revival de la música folk con la canción protesta, representada entre otros
por Bob Dylan.
Los años 70 vieron nacer nuevos estilos, como el hard rock (una variante del rock
más dura y de guitarras eléctricas más distorsionadas), el reggae de origen
jamaicano, el rock progresivo, el punk, el rap, la música disco (que dominó las pistas
de baile), o los primeros pasos de la música electrónica en el ámbito de lo popular,
donde despuntarán compositores comoJean-Michel Jarre o Vangelis. Al nivel más
comercial, los mayores éxitos pertenecieron a artistas pop como Elton John o el grupo
sueco ABBA. Al mismo tiempo alcanzaban repercusión internacional nuevos ritmos
latinos como la salsa cubana o labossa nova brasileña, y, en distintas zonas del
mundo, emergían estilos que mezclaban elementos del pop/rock occidental con la
música popular local (así toman forma el Afropop, el rock latino, el J-Pop, el pop ruso,
etc.). Por último, fue esta década la época dorada de la canción de autor en países
del sur de Europa (España, Francia, Italia...) y Latinoamérica.
Michael Jackson.
La incorporación de los sonidos sintetizados y la popularidad del videoclip marcaron
la estética de la música pop de los 80, donde destacaron figuras como Michael
Jackson o Madonna, junto a grupos pop-rock europeos de una nueva ola (New Wave)
que buscaban sonidos alternativos, como U2 o The Police. En las discotecas, la
música disco dejaba paso a la música electrónica de baile como el post-disco,
el house o el techno. Entre los amantes de la música lenta y relajante se consolidaba
se consolidaba el new age y, en el otro extremo del espectro musical, el heavy
metal alcanzaba su mayor popularidad a ambos lados del Atlántico.
En los años 90, el grunge de Nirvana y el rock alternativo comparten protagonismo
con el britpopde Blur y Oasis en las listas de éxitos, mientras la escena dance,
vinculada a las pistas de baile, desarrolla una cada vez más variada prole de
subgéneros electrónicos (trance, drum and bass, chill-out...). Una multiplicación
similar se consolida desde la década anterior en el ámbito del heavy metal, con
derivaciones como el thrash metal (liderado por la banda Metallica) y otros
subgéneros como el metal progresivo o el death metal. Con todo, las ventas de discos
en esta década estarán lideradas por artistas musicalmente más conservadores
como Mariah Carey y otras estrellas angloamericanas del pop melódico.
La música popular entra así finalmente en el siglo XXI con un ya amplio bagaje a sus
espaldas, caracterizado por la multitud de géneros y estilos que han ido tomando
forma década tras década, y conformando un extenso y variado cuerpo de música
apreciado por gente de distintos gustos, edades, ideologías y extracciones sociales a
lo largo y ancho de todo el mundo.
Tras los grandes movimientos de fusión que tuvieron lugar en el jazz en los años 1970 y
1980, las distintas vías abiertas, incluyendo la de la recuperación de las fórmulas
tradicionales del bop e, incluso, del swing, generaron una vasta escena mundial que, en
su conjunto, denominamos jazz contemporáneo. Dentro de esta denominación se
incluyen corrientes y formas del jazz bien diferenciadas entre si, con frecuencia incluidas
bajo la etiqueta "Modern Creative".
Los años 1990 y el post-jazz
La escena avant garde neoyorquina
Desde mediados de la década de 1970 la ciudad de Nueva York estaba experimentando
una "nueva ola" de creatividad musical, tanto en el mundo del rock como en el mundo
del jazz y la música de vanguardia. La revolución neoyorquina nacía de diversas raíces, y
la cuestión racial era una de ellas: los músicos blancos lideraban el movimiento, y los
músicos negros habían sido apartados de facto tanto de la escena de la
música rock como de la clásica. El jazz se había cruzado anteriormente con otras
músicas negras -el blues, el funk, el soul...-, pero hasta entonces no lo había hecho con
estilos como el rock o la música clásica de vanguardia, tradicionalmente dominadas por
músicos blancos. La revolución neoyorquina cambió el orden de las cosas.1
El saxofonista John Zorn en 2003.
Uno de los primeros músicos en catalizar toda esta serie de elementos fue el saxofonista
estadounidense de origen judío John Zorn, en obras pioneras como Lacrosse (1977)
o Archery(1981) y otras muchas que les siguieron a lo largo de las décadas de 1980 y
1990. El guitarrista Elliott Sharp se destacó por su orientación hacia la experimentación:
en cada uno de sus discos parecía adoptar una nueva técnica de ejecución, y sus
composiciones son un ejemplo de síntesis de disonancia, repetición e improvisación, los
tres ejes cardinales sobre los que se sitúan la música clásica, el rock y el jazz de
vanguardia, respectivamente. Eugene Chadbourne integraba elementos del jazz de
vanguardia con la música blanca de origen rural. El guitarrista Henry Kaiser recogió la
influencia de Derek Bailey y de Captain Beffheart para crear una música caracterizada
por la improvisación atonal y el carácter psicodélico. El violoncelista Tom Cora, que se
había trasladado a Nueva York, es responsable de una serie de obras marcadamente
experimentales donde su instrumento adopta por momentos las funciones típicas de una
guitarra y de los instrumentos de percusión. El guitarrista irlandésChristy Doran lideró el
cuarteto de jazz-rock abstracto New Bag, mientras que el saxofonistaTim
Berne presentaba una obra que unía el neuroticismo de su lenguaje con unos temas
donde los límites entre lacomposición y la improvisación no quedaban del todo claros. El
trompetista Lesli Dalaba contribuyó a la renovación del lenguaje de su instrumento con
un estilo que transformaba las composiciones más cerebrales en poemas líricos. El
baterista judío Joey Baron debutó con Tongue in Groove (1991), un impredecible álbum a
trío con el trombonista Bill Swell y el saxofonista Ellery Eskelin. The Microscopic
Septet fue una creativa agrupación que fusionaba influencias del free jazz, del rock
progresivo y del rhythm and blues con elementos circenses, tal y como Frank
Zappa había hecho unos años antes.2 Finalmente, el guitarrista John
Abercrombie provenía del jazz fusión, enfocado de forma personalizada.
Solistas post-jazz e hiper-fusión[editar]
El guitarrista Bill Frisell en una actuación de 2010.
LA revolución neoyorquina se dejó sentir tanto en el tipo de material en el que los
músicos se estaban embarcando como en el tipo de técnicas que empleaban para
improvisar. El saxofonista Ned Rothenberg se estableció entre la primera línea de las
nuevas generaciones de improvisadores con Trials of the Argo (1980), una obra en la
que usaba toda una serie de instrumentos de lengüeta y que dio inicio a una larga serie
de trabajos que se desarrollarían a lo largo de la década. El percusionista judío Kip
Hanrahan efectuó diversas grabaciones con músicos americanos, mientras que el
baterista Sam Bennett presentó trabajos donde la batería era el único instrumento o
donde integraba experimentalmente elementos electrónicos. El trombonista Jim
Staley experimentó con diferentes formaciones, mientras que el saxofonistaMarty Fogel,
en su Many Bobbing Head At Once, presentaba un trabajo donde se fusionaban múltiples
elementos de todo tipo. Tom Varner, un virtuoso del corno francés, se situó como uno de
los compositores más originales de su generación, y el acordeonista Guy
Klucevsek realizó interesantes trabajos empleando formaciones inusuales. El
guitarrista Bill Frisell asimiló en su obra influencias del jazz y del rock, pero también
del folk, de la música de las marching bands o incluso de la música eclesiástica. El
contrabajista Marc Johnson trabajó con Frisell y con John Scofield enfatizando el lenguaje
post-modernista, mientras que David Thorn venía a llenar el hueco que existía en el
mundo de la guitarra entreJimi Hendrix y Sonny Sharrock. La obra del
violonchelista Hank Roberts incorpora elementos del free jazz, del soul, del blues o de la
música clásica, mientras que la de Mike Shrieve (ex baterista de Santana) presenta
elementos oníricos con base en sonidos percusivos.3
Big Bands de la era del post-jazz
La líder de banda Maria Schneider en el North Sea Jazz Festival de 2008.
La segunda mitad de la década de 1990 conoció un revival de música para big bands,
una tendencia que se había originado en la década anterior en la obra de músicos como
el bajistaSaheb Sarbib o del cornetista Butch Morris. El teclista Wayne Horvitz desarrolló
su idea del "jazz progresivo de cámara" junto a su mujer Robin Holcomb, mientras que el
baterista Bobby Previte encontró su lugar entre el jazz barroco del sello ECM y la música
de Frank Zappa. Por su parte, el veterano multinstrumentista Marty Ehrlich recogía la
influencia del jazz tradicional, la improvisación, la música ligera y la música clásica de
vanguardia en obras como Pliant Plaint(1987), entre otras muchas, y la
estadounidense Maria Schneider, alumna de Gil Evansresucitó el estilo de su maestro en
álbumes para orquesta como Evanescence (1992) o Coming About (1995).4
La nueva escena de Chicago
Durante la década de 1990 la ciudad de Chicago se convirtió en un foco de creatividad
musical donde surgieron figuras de interés como la pianista Myra Melford, que había
debutado en 1984con One For Now, un álbum a piano solo. El saxofonista Ken
Vandermark, quien había iniciado su carrera en el mundo del rock, ofreció Big Head
Heddie en honor a Thelonious Monk y al gurú del funk George Clintonantes de
embarcarse en una carrera singular en la que experimentaría con distintos formatos y
aproximaciones. El violonchelista Fred Lonberg-Holm, pupilo de Anthony Braxton se unió
a la nueva ola de improvisadores creativos conTheory of Motion (1990) o Personal
Scratch (1996), mientras que el saxofonista/clarinetista Scott Rosenberg, otro alumno de
Braxton expandió el vocabulario del jazz con una anarquía polifónica que quedaba bien
reflejada en V - Solo Improvisations (2000).5
Una nueva generación de improvisadores neoyorquinos
El trompetista Dave Douglas en el North Sea Jazz Festival, 2007.
Zeena Parkins, a partir de Something Out There (1987) fue la primera arpista en
introducir su instrumento en el contexto de la improvisación creativa, un trabajo que se
vio seguido de otros muchos donde Parkins continuó explorando la relación de lamúsica
de cámara con la improvisación y la electrónica. El flautista Robert Dick efectuó una
labor paralela con su instrumento en trabajos como Venturi Shadows (1991)
oIrrefragable Dreams (1994), al igual que el trombonista Peter Zummo en Zummo with a
X (1985) o Experimenting with Household Chemicals (1991). El trompetista Toshinori
Kondo investigó en la relación de su instrumento con la electrónica en Fuigo From a
Different Dimension (1979) o Panta Rhei (1993), mientras que el guitarrista Alan
Lichttrabajó con sonidos anárquicos y dadaístas en Sint The Aging Process (1994) o Plays
Well (2000). El pianista judío de formación clásica Uri Caine exploró la relación entre las
melodías de la música clásica y elfree jazz más disonante en su álbum debut Sphere
Music (1992), dedicado a Thelonious Monk, y el trompetista Dave Douglas abrió su
prolífica carrera con Parallel Words (1993), entre el hard bop, el free jazz y la música
clásica. El saxofonista brasileño Ivo Perelman, residente en Nueva York desde 1989,
rindió tributo a sus raíces con Cama de Terra, un experimento entre la música de Heitor
Villa-Lobos y el free jazz de Albert Ayler, mientras que el pianista Denman
Maroneyintrodujo un nuevo concepto de piano con Hyperpiano (1998).6
El jazz en el siglo XXI
Más allá de las fronteras de Nueva York, continuaban apareciendo en los últimos años
una serie de artistas que desarrollaban el grueso de su trabajo -en el que reelaboraban
los conceptos establecidos por generaciones de jazzistasanteriores de múltiples y
creativas maneras- ya en el nuevo siglo. El bajista de San Francisco Michael
Formanek debutó con Wide Open Spaces (1990), un disco que inaugura una carrera
marcada por el gusto por la experimentación. El compositor Joe Maneri editó su primer
álbum de jazz (Kalavinka, 1989) con 68 años, y desde entonces no ha cesado en sus
exploraciones. El yugoslavo Stevan Tickmayer colideró The Science Group (1997-2003),
un nuevo intento de fusionar la música de cámara con la improvisada, y el
argentino Guillermo Gregorio desarrolla también su actividad entre la música clásica de
vanguardia y el free jazz (Approximately, 1995; Ellipsis, 1997...), y el canadiense Paul
Plimley inaugura su ecléctica carrera con When Silence Pulls (1991), un disco inspirado
en el piano de Cecil Taylor. El trompetista Greg Kelleyinvestigó la fusión entre la música
concreta y el free jazz en Trumpet (2000), el multiinstrumentista Eric Glick-
Rieman mostró su virtuosismo en Ten To The Googolplex (2000) y el violinista
canadiense Eyvind Kang, uno de los más eclécticos músicos de su generación, desarrolló
su obra (Virginal Co-ordinates, 2000) entre el rock, el jazz y la música clásica.7 También
a comienzos de los años 2000, aparecieron los discos de confirmación de músicos como
el trombonista Josh Roseman, el contrabajista Ben Allison, el saxofonista David Binney, o
el pianista Jason Lindner, todos ellos norteamericanos. Destacan también los trabajos
del francés Erik Truffaz y del trompetista israelí Avishai Cohen.
Free jazz en el nuevo milenio
El trombonista estadounidense Craig Harris
A finales del siglo XX el legado del free jazz era muy visible entre la comunidad negra de
músicos de jazz, particularmente en la escena de Nueva York. David Ware, un
saxofonista de la escuela de John Coltrane, tras haber pasado por las formaciones
de Cecil Taylor y Andrew Cyrille editó su Birth of a Being en 1977, un trabajo que
inauguró una carrera en solitario que se extiende durante las siguientes décadas
convirtiéndolo en uno de los más importantes músicos del movimiento free. El
irreverente trombonista Craig Harris se estableció como una figura importante del
movimiento, así como el pianista Matthew Shipp, quien tras Sonic Explorations(1988), un
trabajo que daba inicio a una extensa serie de álbumes que van apareciendo a lo largo
de los años siguientes, coqueteaba con el hip hop en Nu-bop (2000)
o Equilibrium (2002). El clarinetista de formación clásica Don Byron había hecho su
aparición en la escena neoyorquina a principios de la década de 1990, al igual que el
saxofonista Roy Nathanson o el trombonista Curtis Fowlkes, ambos ex-miembros de Jazz
Passengers. Por último, el grupo B Sharp Jazz Quartet insertó su obra entre el hard bop y
elfree jazz.8
Jazz electrónico
La revolución que había traído consigo la música electrónica ejerció también su
influencia en el desarrollo del jazz, que asistió al surgimiento de una nueva generación
de improvisadores que venían de la tradición del free jazz pero que recogían la influencia
de la vanguardia clásica y de la electrónica. Ben Neill, un ejecutante de
"mutantrompeta" (un instrumento electroacústico híbrido) colaboró con Paul "Dj Spooky"
Miller para crear una música que combinaba elementos del jazz y de distintos subestilos
de la música dance contemporánea, como el techno, el hip hop, el acid jazz o
eldrum'n'bass. El guitarrista y teclista Kevin Drumm desarrolló sus experimentos
psicoacústicos en obras como Kevin Drumm(1986) o Land of Lurches (2003), mientras
que el percusionista suizo Günter Müller se estableció como una importante figura del
ámbito de la experimentación electrónica con Eight Landscapes (2002). Miya Masaoka,
de origen japonés pero nacida en Washington D.C., se mantuvo en las fronteras de la
música clásica, el jazz, la música electrónica o la música tradicional japonesa
en Compositions / Improvisations (1993) o While I Was Walking I Heard A Sound (2003),
mientras que el también japonés Taku Sugimoto hizo lo propio con Unaccompanied
Violoncello Solo (1994) o Chamber Music (2003).Tyondai Braxton experimentó con la
manipulación de loops orquestales en History That Has No Effect (2002), Jean-Luc
Guionnet realizó experimentos con la acústica de los instrumentos en Synapses I &
IV (1999), Greg Headley manipuló electrónicamente los sonidos de su guitarra en A
Table of Opposites (2001), Earl Howard trabajó con la superposición de sonidos
electrónicos y música en vivo (Strong Force, 1999), Kazuhisa Uchihashi trabajó con
formaciones donde la electrónica jugaba un importante papel, mientras que, por último,
los grupos Triosk (Moment Returns, 2004) o Zanana(Holding Patterns, 2005) efectuaron
contribuciones importantes en la misma dirección.9
En el campo del jazz rap, que ya se había desarrollado bastante en las últimas décadas
del siglo XX, se produce una gran cantidad de obras, por parte de músicos provenientes
del hip hop, como The Sound Providers, Kanye West, J Rawls, 88-Keys, Crown City
Rockers, Kero One, Nujabes, Freddie Joachim, Asheru, Fat Jon, Madlib, el dúo inglés The
Herbaliser, o los franceses Hocus Pocus, entre otros.
La world music (en español literal música del mundo) también llamada música
universal o música global es un género musical contemporáneo creado a fin de
integrar en un concepto amplio toda la música tradicional o folclórica, música
popular, música étnica y otros géneros locales o característicos de algunas zonas o
culturas del mundo en concreto que suelen ser de difícil categorización para el gran
público. El fenómeno de la música universal se relaciona estrechamente con el de
laglobalización y la diversidad cultural.1
Creación de un género musical
La creación de este género artificial nace en los años 80 cuando las grandes
multinacionales, Sony, BMG y Polygram, se consolidan y redefinen sus estrategias
comerciales. Algunas pequeñas discográficas independientes graban, gracias al
abaratamiento de costes y de los avances tecnológicos, géneros musicales locales que
las grandes multinacionales hasta entonces habían ignorado. A principios de los años 90
la gran industria discográfica comienza a prestar atención a estos géneros que
comienzan a tener cada vez más popularidad.2 3
Homogeneización conceptual y musical
El género «músicas del mundo» se han retroalimentado junto con otros géneros como la
música tradicional o música folclórica formando la base de acción adecuada para su
expansión en el siglo XXI. Estos géneros comparten un mismo marco en el cual se ha
impuesto comercialmente la denominación de world music ya que esta etiqueta es más
atractiva que la de "folk" al implicar una dimensión más global, sin necesidad de añadir
otro término de identificación o identidad local (ya sea celta, egipcia, otomana, andina...)
para ser identificada por el consumidor, tomando una forma general de inclusión,1 al
igual que otros géneros contemporáneos como la música rock.
De esta forma, aparece como categoría oficial de la industria musical con datos de
producción y consumo y listados de Top Ten, con vistas al gran mercado e incorporadas
a las listas de producción de las grandes multinacionales se crea una parafernalia para
satisfacer ciertos valores estéticos occidentales considerados universales
homogeneizando bajo el concepto de música universal todo este segmento musical.2
Tercer mundo
No todos los géneros musicales contenidos en la música universal son característicos de
zonas del tercer mundo, sin embargo su relación con éste es innegable. En muchos
casos la proliferación de artistas como Fela Kuti han ido claramente de la mano de la
expansión de este género. Esta situación provoca diversas posturas. Por un lado se
afirma que, mientras se presenta a la world music como una música universal
enfatizando su diversidad cultural se la encuadra dentro de las estructuras de jerarquías
sociales.
Estamos hablando de unas músicas que se entienden formando parte de un gran paquete de la producciónsimbólica del tercer mundo, dentro de nuestra clásica perspectiva evolucionista entendido pues como subdesarrollado, de unas músicas que merecen toda nuestra aceptación, están en vías de extinción y que por todas estas razones y por mucho que las celebremos, siempre ocuparán en nuestra escala de valores una posición de inferioridad.
Joseph Martí i Pérez, doctor y referente en etnomusicología, miembro Consejo Superior de Investigaciones Científicas, vicepresidente de la Asociación Catalana de Musicoterapia, Música y etnicidad: una introducción a la problemática.
Por otro lado se considera que al ser productos de países subdesarrollados, también
serán productos considerados "auténticos", que olvidando sus prejuicios originales, ha
logrado difundirse y diversificar borrando barreras y diferencias.2
Las músicas del mundo crean su experiencia de autenticidad a través de medios simbólicos cuya diferenciación depende vitalmente de una construcción en la cual se borran las diferencias originales [...]. En este escenario las fuerzas y procesos de producción cultural se dispersan y se rompen sus referencias a cualquier tiempo y lugar, aun si precisamente las tradiciones locales y la autenticidad es el principal producto que está vendiendo la industria del entretenimiento global. Así, desde esta lectura, world music aparece como el paisaje sonoro de un universo que bajo toda la retórica de raíces, ha olvidado su propia génesis: las culturas locales.
Ana María Ochoa, doctora en etnomusicología y folklore por la Universidad de Indiana, profesora de la Universidad de Morelos y miembro del Centro Nacional de Investigación y Documentación Musical Carlos Chávez del Centro Nacional de las Artes de México, El desplazamiento de los discursos de autenticidad: una mirada desde la música.
Estudio
El estudio académico de música mundial, así como los géneros musicales y artistas
individuales con los cuales ha sido asociado, pueden ser encontrados en disciplinas
como la Etnomusicologia, la Folclorística y la Antropología social.