Movimientos artísticos s xix y xx — Document Transcript

1. Técnicas Gráfico-Plásticas. Tutorial 26. Movimientos artísticos, siglos XIX y XX. MOVIMIENTOS ARTÍSTICOS, SIGLOS XIX Y XX.

GRISALLA DEFINICIÓN. Técnica pictórica basada en una pintura monocroma que produce la sensación de ser un relieve escultórico.

La impresión de relieve se consigue mediante un claroscuro muy matizado, haciendo diversas gradaciones de un solo color,

generalmente gris o amarillo oscuro, el más cercano posible al color de la piedra. Se utilizó a partir del siglo XIV en bocetos y dibujos

preparatorios. En tiempos de Bruegel y El Bosco se convirtió en un procedimiento pictórico. Su uso se generaliza en Francia en

manuscritos. Se usa en marcos como sustitución de formas en relieve. Auge de la técnica durante el reinado de Carlos V, en

miniatura, vidriera y pintura. En la pintura nórdica se utiliza en el dorso de los retablos. A mediados del siglo XVI, la grisalla tuvo gran

éxito en el esmalte, con Pierre Reymond y los hermanos Pénicaud. En el XVIII, constituyó una de las variedades de boceto rococó

con pintores como Boucher o Pittoni. MATERIALES. Se realiza con diversas técnicas pictóricas, (fresco, temple, óleo…) ARTISTAS

REPRESENTATIVOS. Andrea del Sarto, Correggio, Beccafumi, Rubens, Van Dyck… Andrea del Sarto El Bautismo de Cristo, 1511-

26. Fresco en grisalla, en el Chiostro dello Scalzo, Florencia. MOVIMIENTOS ARTÍSTICOS DEL SIGLO XIX ROMANTICISMO

DEFINICIÓN, CARACTERÍSTICAS. Movimiento artístico que surge a partir de la segunda mitad del siglo XVIII hasta la segunda mitad

del siglo XIX y que se manifiesta especialmente en Alemania (Sturm und Drang), 1I.E.S. ITACA (Alcorcón) Inés Martín Masa, 2011

2. Técnicas Gráfico-Plásticas. Tutorial 26. Movimientos artísticos, siglos XIX y XX. Inglaterra y Francia. Reivincica el individualismo,

los sentimientos subjetivos y la imaginación. Se desarrolla y convive en conexión con el Clasicismo. CARACTERÍSTICAS. Ruptura

con la tradición clasicista basada en un conjunto de reglas estereotipadas. La búsqueda de la libertad auténtica es una constante, por

ello su rasgo revolucionario es incuestionable. Se presenta de manera distinta y particular en cada país donde se desarrolla; incluso

dentro de una misma nación se manifiestan distintas tendencias. Frente al lenguaje universal propio del clasicismo, inspirado en el

arte de la Antigüedad grecorromana, el romanticismo carece de uno específico. No existe un estilo romántico, sino una mentalidad

romántica, con multiplicidad de posibilidades artísticas y sin el afán universalista del clasicismo. Subjetivismo e individualismo, ya sea

a nivel puramente personal (exaltación de la sensibilidad frente a la razón) o de grupo específico, lo que se traduce en el

nacionalismo. Ansias de libertad, espíritu de rebeldía. Se busca en la Edad Media tanto la nostalgia del pasado como los orígenes de

las nacionalidades. Huida de lo real hacia lo imaginativo, en varias vertientes: evasión en el tiempo, deseo de retorno espiritual al

pasado, junto con un despertar del sentimiento religioso; evasión en el espacio, búsqueda de mundos incontaminados, lejanos y

exóticos, representada en el “orientalismo”. Frente al clasicismo, de carácter antropocéntrico, los románticos reivindican el sentimiento

de emoción ante la naturaleza, vista no como un orden racionalmente comprensible, sino como un caos que puede sentirse pero no

comprenderse. En Francia, por tradición, domina la componente clásica; no obstante, más soterradas, las manifestaciones románticas

aparecen también con insistencia. El Romanticismo eclosiona en Francia en fechas más avanzadas, con tal intensidad y personalidad

tan acusada que se convirtió en el paradigma del movimiento. LOS NAZARENOS. También llamados puristas. Grupo de pintores que

capitaneó en Roma el alemán Johann Friedrich Overbeck (1789-1869), natural de Lübeck. Se proponían resucitar la pureza del estilo

del Perugino, por huir del convencionalismo neoclásico. Del grupo -que se formó en 1810 y se había establecido en el antiguo

convento de San Isidoro- formaron parte P. Pforr, de Francfort, L. Vogel, de Zurich; el sajón J. Schnorr von Carolsfeld, y Cornelias,

con algunos pintores italianos. TEMAS. Temas orientales (Delacroix). Paisaje (naturaleza espiritualizada de Gaspar David Friedrich),

costumbrismo (Carl Spitzweg), retrato (Philipp Otto Runge). Temas místicos (William Blake). MATERIALES, TÉCNICAS. Pintura al

óleo, encáustica (Delacroix). Grabado (William Blake). ARTISTAS REPRESENTATIVOS. Théodore Géricault, Delacroix, Théodore

Chassériau. En Inglaterra, Heinrich Füssli o Fuseli y William Blake. En Alemania, Gaspar David Friedrich, y Philipp Otto Runge. Moritz

von Schwind VVAA.- Historia del Arte. Ed. Espasa. Madrid 2002; Págs. 1042-1043 IMPRESIONISMO DEFINICIÓN,

CARACTERÍSTICAS. Movimiento artístico surgido en la segunda mitad del siglo XIX en Francia. Tiene como objetivo plasmar la luz

(la "impresión" visual) y el instante. El nombre proviene de un cuadro de Monet, Impresión: sol naciente, que sirvió para calificar

peyorativamente como impresionistas al grupo de pintores. Surge del rechazo del realismo, sin embargo, es una revolución más

formal que conceptual: sigue siendo un realismo. 2I.E.S. ITACA (Alcorcón) Inés Martín Masa, 2011

3. Técnicas Gráfico-Plásticas. Tutorial 26. Movimientos artísticos, siglos XIX y XX. CARACTERÍSTICAS. Rechazo del realismo

academicista: la línea, el volumen y el claroscuro no tienen ninguna importancia. Figuración con eliminación del detalle y de todo

carácter descriptivo. La luz, la sensación visual. Representación plástica de la vibración óptica de la luz. Indiferencia por el tema, la

única preocupación es la luz y el color fugaces. Preocupación por fijar las impresiones momentáneas de la naturaleza: el pintor sale al

campo con su caballete en busca de la luz fugaz y el rápido cambio de los colores. Buscan la impresión luminosa y transparente de la

atmósfera (aire) y las aguas: lo importante es la plasmación de la luz, los objetos sólo se ven en la medida en que la luz incide sobre

ellos. Se ocupan sólo de la sensación visual y evitan la poetización y emoción del motivo. Conciben el arte como proceso de

investigación, de búsqueda. Pasión por pintar al aire libre. El cuadro deja de ser “ventana abierta al muro”, comienza a ser realidad en

sí mismo porque está compuesto de una materia propia: la pasta. El cuadro es algo incompleto, inacabado y el espectador debe

colaborar reconstruyéndolo mentalmente. Los impresionistas muestran su percepción del mundo natural sin comunicar ningún

mensaje social ni moral. Buscan interpretar, no representar. Es diametralmente opuesto a la pintura metafísica. TEMAS.

Enriquecimiento de la pintura con nuevos temas: bulevares, calles trepidantes, jardines, carreras de caballos... En realidad, la luz es

el verdadero tema: repiten temas con distinta iluminación. Paisajes, marinas, vistas fluviales y urbanas, nocturnos, interiores con luz

artificial, fiestas,... No interesa el tema sino la forma de tratarlo técnicamente. Se basan en: La fotografía: en la iluminación y los

encuadres. Los estudios de óptica: estudio de la luz y su relación con el color. Carteles japoneses: colores claros y manchas

uniformes de color. INFLUENCIAS Su técnica de pinceladas sueltas, el abocetamiento y la concepción del arte como búsqueda es

clave en el desarrollo del arte posterior, influye en el postimpresionismo, en casi todas las corrientes realistas posteriores y en las

primeras vanguardias del S. XX. MATERIALES, TÉCNICAS. Pintura directa o “alla prima”, al aire libre. Técnica rápida y sin retoques.

Sensación de abocetamiento. Pinceladas cortas, sueltas, ligeras o vigorosas. Las formas se plasman de modo no acabado, impreciso

y vaporoso, llegando incluso a desmaterializarse. Búsqueda de la claridad y la luminosidad, utilizan una gama luminosa. Aplicación

directa de los colores puros en la tela, sin mezclarlos previamente en la paleta, con la finalidad de obtener coloraciones luminosas,

"limpias" y transparentes. Reducida gama de colores, uso de los colores puros del prisma yuxtapuestos. Evitan la gradación y el

claroscuro convencional: en las sombras dan tonos fríos pero brillantes y toques de colores complementarios. Creación de efectos

cromáticos mediante la utilización de colores complementarios y colores modulados en cálidos y frIos del mismo valor. Rechazo de

los colores oscuros, el negro queda proscrito. Espacio: Tiene un encuadre parecido al de la fotografía: las figuras no son el centro,

están recortadas por el marco. Encuadres atrevidos, angulaciones y vistas muy altas. ARTISTAS REPRESENTATIVOS. Manet,

Monet, Pisarro. Sisley, Degas, Renoir, Cézanne, Berthe Morisot, Sorolla. http://tomshistoria.blogspot.com/ Eduardo Sánchez, I.E.S.

María Zambrano, Leganés (Madrid) 3I.E.S. ITACA (Alcorcón) Inés Martín Masa, 2011

4. Técnicas Gráfico-Plásticas. Tutorial 26. Movimientos artísticos, siglos XIX y XX. PUNTILLISMO, DIVISIONISMO,

NEOIMPRESIONISMO O IMPRESIONISMO CIENTÍFICO DEFINICIÓN, CARACTERÍSTICAS. Estilo pictórico que aparece por

primera vez en 1884 que yuxtapone puntos de colores puros, los cuales se mezclan ópticamente, en la retina, al alejarnos de la obra.

Estilo de predominio francés (sobre todo, París). Influye mucho en Bélgica. CARACTERÍSTICAS. Usan la paleta clara de los

impresionistas. Al sistematizar el impresionismo, lo niega. La pincelada es muy corta (puntos). Obsesión por lograr armonía

cromática, lineal y compositiva. Parten de imágenes de la naturaleza, el mismo motivo que los impresionistas. Acentúan de forma

rígida los principios ópticos: se dividen los tonos en sus componentes. “división del tono”: se distinguen y separan los elementos que

componen el color de la superficie: 1. Color local: el color que tomaría la superficie a la luz blanca o vista de muy cerca. 2. Color tonal:

Variaciones que sufre un color propio o local por efecto de la mayor o menor cantidad de luz que recibe. 3. Pequeña cantidad de luz

coloreada que es parcialmente absorbida por la superficie y se refleja modificada. 4. Color reflejado: reflejos proyectados por los

cuerpos contiguos. Se basan en: El estudio científico de la relación de la luz y el color. Los escritos de Charles Blanc y en los tratados

científicos de Chevreul, Sutter, Rood y otros. INFLUENCIAS. Influye en los Fauves, en el cubismo, y en el arte abstracto geométrico

del S.XX. El Divisionismo italiano influye en el Futurismo. MATERIALES, TÉCNICA. La técnica es muy metódica y científica: es un

trabajo calculado y no intuitivo como el impresionista. Su procedimiento consiste en poner puntos o pinceladas cortas de colores

puros. Esta técnica es el resultado de los estudios cromáticos llevados a cabo por Georges Seurat. ARTISTAS REPRESENTATIVOS.

G. Seurat, Tarde de domingo en la Grand Jatte (84-86), P. Signac. Darío de Regollos. Henri-Edmond Cross y Vlaho Bukovac

http://sulypuntillismo.wordpress.com/ POSTIMPRESIONISMO DEFINICIÓN, CARACTERÍSTICAS. Término que se aplica a los estilos

pictóricos de finales del siglo XIX y principios del siglo XX posteriores al impresionismo. Fue acuñado en 1910 por el crítico ingles R.

Fry. Es un movimiento que nace de la disgregación del grupo de impresionistas, como evolución y como ruptura.

CARACTERÍSTICAS. Uso expresivo del color, de la estructura y de las líneas. El color se hace representativo y subjetivo, no objetivo.

Se representa el color con que se ve el alma de las cosas. La realidad se interpreta según la visión personal del genio creador. Los

pintores huyen de París buscando el primitivismo del arte. Mayor libertad formal (formas más exageradas). Basaron su obra en el uso

del color experimentado por los impresionistas, sin embargo reaccionaron contra el deseo de reflejar fielmente la naturaleza y

presentaron una visión más subjetiva del mundo, intentando llevar más emoción y expresión a su pintura. No es un movimiento

cohesionado, ya los pintores trabajan en áreas geográficas distantes entre sí. Se crea un nuevo tipo de artista, el genio individual que

vive de su arte, la personalidad creadora que plasma su psicología en el cuadro. 4I.E.S. ITACA (Alcorcón) Inés Martín Masa, 2011

5. Técnicas Gráfico-Plásticas. Tutorial 26. Movimientos artísticos, siglos XIX y XX. Al naturalismo impresionista vinculado a la

apariencia de las cosas se oponían la sencilla solidez arquitectónica Cezanne, la pintura visionaria de V. van Gogh, sensible a los

significados emocionales que se ocultan en las cosas. Gauguin redescubre la geometría en sus obras a base de superficies planas y

decorativas. TEMAS. Tratan temas de la vida real, igual que los impresionistas. MATERIALES, TÉCNICAS. Utilizan colores vivos, una

aplicación compacta de la pintura y pinceladas distinguibles. ARTISTAS REPRESENTATIVOS. P. Cezanne, V. van Gogh, P.

Gauguin, Henri de Toulouse-Lautrec. VV.AA. Enciclopedia de arte. Garzanti-Ediciones B. Barcelona, 1991. Pág. 774

http://es.wikipedia.org/wiki/Posimpresionismo ARTS & CRAFTS (ARTES Y OFICIOS) DEFINICIÓN. Movimiento estético reformista de

la segunda mitad del siglo XIX que luchó por revitalizar la artesanía y las artes aplicadas durante una época de creciente producción

en serie. Surge en 1881 en Inglaterra por el diseñador William Morris. Ataca la fealdad de los productos hechos a máquina. Es un

movimiento precursor del estilo Art Nouveau. Pretende democratizar la belleza o socializar el arte, en el sentido de que hasta los

objetos más cotidianos tuvieran valor estético y fueran accesibles a toda la población. Revaloriza los oficios medievales, reivindica la

primacía del ser humano sobre la máquina. Pretende potenciar la creatividad y el arte frente a la producción en serie. MATERIALES,

TÉCNICAS. Uso de líneas serpenteadas y asimétricas. Producción de tejidos, libros, papel pintado y mobiliario hecho a mano.

ARTISTAS REPRESENTATIVOS. William Morris, artesano, impresor, diseñador, escritor, poeta, activista político, Philip Webb,

arquitecto, C.F.A. Voysey, Emest Gimson, ebanista, William De Morgan, ceramista, Walter Crane y C. R. Ashbee, diseñadores.

MODERNISMO O “ART NOUVEAU” MODERNISMO O “ART NOUVEAU”. DEFINICIÓN, CARACTERÍSTICAS. Estilo artístico y,

especialmente, decorativo surgido a finales del siglo XIX como reacción contra la industria. Utiliza formas orgánicas que aplica a la

decoración, a la cerámica, vidrio, textiles, ilustración de libros, la pintura, la escultura y la arquitectura. CARACTERÍSTICAS. Su sello

es la línea sinuosa. Utiliza líneas curvas y ondulantes, muy largas, basadas en formas naturalistas vegetales y con frecuentes

elementos fantásticos. Uso de la asimetría. Tendencia a la estilización de los motivos, con frecuente abandono de su representación

realista. Uso de imágenes femeninas en actitudes delicadas y gráciles, con un aprovechamiento generoso de las ondas en los

cabellos y los pliegues de las vestimentas (drapeado). Actitud tendente a la sensualidad y a la complacencia de los sentidos. Libre

uso de motivos de tipo exótico, inspirado en otras culturas. 5I.E.S. ITACA (Alcorcón) Inés Martín Masa, 2011

6. Técnicas Gráfico-Plásticas. Tutorial 26. Movimientos artísticos, siglos XIX y XX. Pretende recuperar los diseños y la elaboración de

buena calidad, basándose en los postulados del Arts & Crafts. En Francia se llamaba tanto “Modern Style” -el nombre inglés para

reconocer sus orígenes ingleses- como “Art Nouveau”. En Alemania se llamaba “Jugenstil” por su publicación Jugend; en Italia, “Stile

Floreale” o “Stile Liberty”, en Austria Sezession y en Catalunya, “Modernisme”. INFLUENCIAS Y PRECURSORES. Los principales

progenitores del Art Nouveau fueron el Movimiento de “Arts and Crafts” y el diseño industrial. Mackmurdo, combinando los principios

de Jones con la asimetría y las curvas alargadas en forma de zarcillos, introdujo un motivo que se convirtió en el sello del Art

Nouveau. Además, la influencia de “Arts and Crafts” y el diseño industrial se combinó con las formas pictóricas procedentes de

fuentes tan diversas como William Blake, los prerrafaelitas, el arte oriental (grabados japoneses), el arte celta, las artes decorativas y

la iluminación de libros. En la década de 1920 dio origen al denominado Art decó, con el que a veces se identifica, aunque tiene

características marcadamente diferentes. TEMAS. Se abandonan los temas cotidianos por los contenidos simbólicos y conceptuales.

Destaca la mujer, con un tratamiento erótico que llega hasta la perversión. MATERIALES, TÉCNICAS. Técnicamente se insiste en la

pureza de la línea (lo que le da un carácter bidimensional) y la expresividad del dibujo (se ha considerado precedente del

expresionismo posterior. Las formas orgánicas, especialmente vegetales curvilíneos y espirales (flores, hojas, tallos retorcidos)

rellenan todo el espacio (horror vacui, a veces llegando a la teselación) se convierten en un leit motiv. Los formatos preferidos son los

alargados y apaisados. ARTISTAS REPRESENTATIVOS. Alfons Mucha, Aubrey Beardslev, Gustav Klimt, Egon Schiele, Hernri van

de Velde, Charles Rennie Mackintosh. Aubrey Beardslev, Con él el Art Nouveau alcanza su cima más alta de sofisticación

cosmopolita. Atraído por el erotismo, el misterio y el mundo del inconsciente, su obra fue tachada por algunas personas de

decadente. Pero su genio en la interpretación y enriquecimiento de un texto mediante una línea limpia, nerviosa y bien perfilada llevó

la ilustración y el dibujo a nuevas cimas de expresión y refinamiento. El interés de Beardsley por el inconsciente fue otro aspecto del

Art Nouveau que cobró relieve a finales del siglo. Donald Martin Reynolds.- El S. XX; introd.. a la Hª del Arte. Ed. Gustavo Gili.

Barcelona,1985 Págs. 113- 117 http://es.wikipedia.org/wiki/Modernismo_(arte) SIMBOLISMO, los nabies, escuela de Pont-Aven.

DEFINICIÓN, CARACTERÍSTICAS, PRECURSORES. Corriente artística en literatura y artes plásticas que se origina en Francia y en

Bélgica a partir de 1885 aproximadamente, como respuesta al Naturalismo y al Impresionismo. El arte se concebía como expresión

concreta y analógica de la Idea, momento de encuentro y de fusión de elementos de la percepción sensorial y elementos espirituales.

No se desarrolla como un estilo unitario. CARACTERÍSTICAS. Pintura de la memoria, contra la pintura en plain air. La fantasía, la

intimidad, la subjetividad exaltada sustituyen la pretenciosa objetividad de impresionistas y neo-impresionistas. Continúan con la

intención romántica de expresar a través del color, y no quedarse solamente en la interpretación. Evasión excéntrica y esteticista. Se

exalta la espiritualidad, la imaginación y los sueños. 6I.E.S. ITACA (Alcorcón) Inés Martín Masa, 2011

7. Técnicas Gráfico-Plásticas. Tutorial 26. Movimientos artísticos, siglos XIX y XX. Reacción contra el materialismo y pragmatismo de

la sociedad industrial. Reivindica la búsqueda interior y la verdad universal, con ayuda de los sueños. El escritor G. Moréas publicó en

1886 un primer manifiesto del simbolismo. Define el simbolismo como síntesis del espíritu y de los sentidos, en oposición al análisis

que había imperado hasta entonces. El crítico A. Aurier expuso la doctrina de la nueva pintura simbolista: una obra debía ser ante

todo “ideísta”, luego simbolista, sintetista, decorativa. Gauguin intervino en el ámbito del movimiento y demostró el nivel artístico que

podía alcanzar la búsqueda simbolista: fundió, las tendencias todavía no definidas en una nueva síntesis expresiva de la Escuela de

Pont-Aven (pequeña localidad de la Bretaña francesa a donde se dirige un grupo de neo-impresionistas). Son una síntesis entre el

estilo impresionista y el simbolista por lo que pueden ser considerados simbolistas, por su espíritu. No crean escuela. Los Nabis.

Segunda generación simbolista. Intentaron que el Impresionismo se acercase al Simbolismo, por lo que se les puede considerar

simbolistas. Su concepción estética es fundamentalmente decorativa, por lo que lo que se plasma en el cuadro es un juego de

sensaciones, más que una construcción intelectual. PRECURSORES. William Blake, los nazarenos y los prerrafaelitas. G. Moreau,

Puvis de Chavannes y R. Bresdin, arnold Böcklin, Edward Burne-Jones. INFLUENCIAS. Arte primitivo y las estampas japonesas. El

Simbolismo influye en el Art nouveau y en el Surrealismo. MATERIALES, TÉCNICAS. Composición de cuadro antinaturalista.

Linealidad. Colores puros à plat y del cloisonnisme (pintura con zonas circunscritas) de Gaugain. Pintura altamente decorativa. Pont-

Aven. Uso libre del color que se aplica en grandes manchas y con tintas planas. Existe una voluntad de sintetizar las formas. Los

nabis. Utilizan colores planos, con un gran sentido estético. Tienen una libertad absoluta a la hora de utilizar el color y las

composiciones. Usaron todo tipo de materiales en sus cuadros, pintura, cola, cartón, etc., para diferenciar texturas, pero sin llegar al

collage. Proyectaron vidrieras y usaron litografías y grabados para expresarse. ARTISTAS REPRESENTATIVOS. Gustav Klimt. Los

nabis: Gustave Moreau, O. Redon, Puvis de Chavannes, Pierre Bonnard, Edouard Vuillard, Féliz Vllotton, M. Dénis y P. Sérusier.

Pont-Aven: Émile Bernard. VVAA.- Enciclopedia del Arte. Garzanti Editores; Barcelona. 1991. Págs. 894

http://es.wikipedia.org/wiki/Simbolismo NAÏF DEFINICIÓN, CARACTERÍSTICAS. Tendencia artística que surge en Francia a fines del

siglo XIX y que se caracteriza por la utilización de formas simplificadas e imágenes ingenuas. CARACTERÍSTICAS. Ingenuidad y

espontaneidad. Autodidactismo de los artistas, que no tienen formación académica. Búsqueda de la simplicidad. En muchos

aspectos, recuerda (o se inspira) en el arte infantil. Representaciones realizadas siempre con gran imaginación y vivacidad. TEMAS.

Relacionados con la vida campesina, la vida familiar, las costumbres, las tradiciones y la religión. MATERIALES, TÉCNICAS. Colores

brillantes y contrastados. Falta de perspectiva o perspectiva acientífica, captada por intuición. Contornos definidos con mucha

precisión. Sensación volumétrica conseguida por 7I.E.S. ITACA (Alcorcón) Inés Martín Masa, 2011

8. Técnicas Gráfico-Plásticas. Tutorial 26. Movimientos artísticos, siglos XIX y XX. medio de un extraordinario colorido. Pintura

detallista y minuciosa, con gran potencia expresiva, aunque el dibujo puede ser incorrecto. ARTISTAS REPRESENTATIVOS.

También llamados primitivos: Henri Rousseau, Louis Vivin, Camille Bombois. MOVIMIENTOS ARTÍSTICOS DEL SIGLO XX

FAUVISMO DEFINICIÓN, CARACTERÍSTICAS. Movimiento de síntesis, con elementos pertenecientes a movimientos del siglo

pasado como el Impresionismo, el Postimpresionismo y el Simbolismo. El concepto fauvismo lo acuñó el crítico Louis Vauxcelles. El

color exaltado es el auténtico protagonista de las obras. CARACTERÍSTICAS. De la oposición de Moreau (maestro de Matisse) a la

copia surge uno de los conceptos principales que aporto el Fauvismo: la no imitación. En ese sentido el movimiento fauve se opone al

Impresionismo y al Postimpresionismo, pero, en cambio, desde un punto de vista técnico existe una filiación evidente con respecto a

las obras efectuadas en el seno de esas corrientes decimonónicas. Matisse realiza composiciones casi bárbaras, caracterizadas por

una armonía de líneas y un ritmo abstractamente antinaturalista. Nueva concepción del color. El logro más importante que aportaron

los artistas de esa tendencia fue la autonomía del color con respecto a la forma. El color no está supeditado a lo que la pintura

representa. Las temáticas más tratadas fueron los paisajes rurales y algunas vistas de ciudades, los retratos y los interiores con

naturalezas muertas. Interés por la luz, característica muy conectada con las nuevas soluciones cromáticas que implicaban una

preferencia por el uso de colores primarios y complementarios. Matisse y Derain experimentaron conjuntamente, los cambios

cromáticos que se producían debido a la fuerte luz del sol. Las propias zonas de sombra daban lugar a los más atractivos contrastes

de color, sin llegar a percibirse jamás manchas oscuras o negras, cargadas de tristeza. Sentido vitalista y dinámico concedido al color.

La técnica de manchas y pinceladas sueltas se supedita a la exaltación del color. MATERIALES, TÉCNICAS. Divisionismo, uso de

gruesos empastes, empleo de las pinceladas y manchas sueltas y vigorosas. ARTISTAS REPRESENTATIVOS. Henri Matisse, André

Derain, Maurice Vlaminck, Raoul Dufy, Kees Van Dongen. Lourdes Cirlot.- Las claves de las vanguardias artísticas en el S. XX. Ed.

Arín. Barcelona. 1988. págs. 15-19 8I.E.S. ITACA (Alcorcón) Inés Martín Masa, 2011

9. Técnicas Gráfico-Plásticas. Tutorial 26. Movimientos artísticos, siglos XIX y XX. EXPRESIONISMO Y ESCUELA DE PARÍS

DEFINICIÓN, CARACTERÍSTICAS, HISTORIA. Movimiento cultural nacido a principios del siglo XX, en los ámbitos de la literatura,

pintura, la escultura, la música, el teatro y el cine, artes figurativas y escenografía. Trata de representar los sentimientos y vivencias

interiores del artista. El historiador del arte W. Worringer emplea el término por primera vez. CARACTERÍSTICAS. Surge de la

experiencia emocional y espiritual de la realidad por medio de una fuerte acentuación cromática y del rasgo incisivo. No representa la

realidad objetiva. La tragedia interior, la angustia existencial es el principal motor de su estética. Revela el lado pesimista de la vida, la

cara oculta de la modernización, la alineación, el aislamiento y la masificación. El fin es potenciar el impacto emocional del espectador

distorsionando y exagerando los temas. Utiliza colores fuertes y puros, las formas retorcidas y la composición agresiva. No importa ni

la luz ni la perspectiva, que se altera intencionadamente. HISTORIA. Surge como respuesta al deterioro de los ideales humanistas y

al consiguiente resurgir de un sentimiento de «malestar de la cultura». El movimiento expresionista se desarrolló principalmente en

Alemania. En 1905 se constituye en Dresde el grupo Die Brücke (El Puente), coetáneo al movimiento fauvista francés. Constituye la

plena realización formal expresionista. Movidos por un intento de recuperar una simplicidad primitiva, encontraron sus primeros temas

en una especie de condición «natural» del hombre, para después afrontar contenidos ligados a la realidad urbana y política. En 1911,

Die Brücke se traslada a Berlín donde dos años más tarde se disuelve. El grupo Der Blaue Reiter (El Jinete Azul) se formó en Munich

en 1911. El arte del Jinete azul es más exquisito, subjetivo y espiritual que el de Die Brücke. Les importa más el cómo de la

representación que el qué. Los artistas creían que el significado y el sentido de cada cuadro están en manos del propio espectador. El

artista da forma a la emotividad en su obra y a su vez el cuadro causa en quien lo observa determinados sentimientos. Abstracción

lírica y expresiva. G. Grosz, 0. Dix y M. Beckmann, exasperaron el realismo dramático en los años que precedieron a la llegada del

nazismo, con obras satíricas y de denuncia. PRECEDENTES. Pinturas negras de Goya, Van Gogh, Gaugain y los simbolistas.

MATERIALES, TÉCNICAS. La xilografía es uno de los medios preferidos del grupo Die Brücke. ARTISTAS REPRESENTATIVOS.

Edward Munch (El grito) y James Ensor. Holanda y Bélgica: C. Permeke, G. De Smet, J. Toorop, H. Werkmann. Francia: H. Matisse,

R. Delaunay, A. Derain, de R. Dufy, P. Picasso y G. Rouault. C. Soutine, J. Pascin, F. Kupka. Los grupos Die Brucke (El Puente,

Nolde, Kirchner) y Der Blaue Reiter (El Jinete Azul, Franz Marc, Kandinsky, Klee), O. Kokoschka, E. Schiele. En España José

Gutiérrez Solana e Isidro Nonell. Chagall y Modigliani formaron parte del grupo expresionista de la llamada Escuela de París. VV.AA.-

Enciclopedia del Arte. Ed. Garzanti. B. Barcelona 1992. Págs. 325-327 http://com/expresionismo.htmwww.arteespana CUBISMO

DEFINICIÓN, CARACTERÍSTICAS, ETAPAS. Movimiento artístico originado y desarrollado entre 1907 y 1914 en Francia por Picasso

y Braque. Se caracteriza por representar varios aspectos de un objeto simultáneamente utilizando formas casi geométricas

(perspectiva múltiple). El término cubismo fue acuñado por el crítico francés Louis Vauxcelles. 9I.E.S. ITACA (Alcorcón) Inés Martín

Masa, 2011

10. Técnicas Gráfico-Plásticas. Tutorial 26. Movimientos artísticos, siglos XIX y XX. CARACTERÍSTICAS. Surge de la influencia de

las esculturas africanas, poesía de Apollinaire y Max Jacob y las exposiciones retrospectivas de Georges Seurat (1905) y de Paul

Cézanne (1907). Lo que Picasso y Braque tomaron de Cézanne fue la técnica para resolver el problema de lograr una nueva

figuración de las cosas, dando a los objetos solidez y densidad. Es una tendencia esencial, es la primera vanguardia y da pie al resto

de las vanguardias europeas. No se trata de un ismo más, sino de la ruptura definitiva con la pintura tradicional, que rompe con el

último estatuto renacentista vigente a principios del siglo XX, la perspectiva. Se geometrizan las formas (por ello el nombre de

cubismo). Luz y sombra no reflejan ninguna iluminación con una fuente de luz única, sino que influyen en la unión fluida de forma y

espacio. Los objetos no están situados en un lugar fijo que se deja determinar con mediciones en la superficie del cuadro; se mezclan

con el espacio. La obra resultante es de difícil comprensión al no tener un referente naturalista inmediato. Se fragmentan las líneas y

las superficies. Se adopta así la llamada «perspectiva múltiple»: se representan todas las partes de un objeto en un mismo plano. La

representación del mundo pasaba a no tener ningún compromiso con la apariencia de las cosas desde un punto de vista determinado,

sino con lo que se sabe de ellas. Por eso aparecían al mismo tiempo y en el mismo plano vistas diversas del objeto. Ya no existe un

punto de vista único. No hay sensación de profundidad. Los detalles se suprimen, y a veces se acaba representando el objeto por un

solo aspecto. Ciertos fragmentos característicos son suficientes para indicar la presencia de un objeto en el espacio pictóricoSe

fragmenta un tema y se ordena en una composición. Utiliza tonos pictóricos apagados, los grises, verdes y marrones, en la primera

etapa. ETAPAS: Cubismo analítico, hasta 1911 y cubismo sintético. En el primero existe una descomposición de la realidad en un

proceso mental para reflejarla, mediante la geometrización de las formas. El monocromatismo predominó en la primera época del

cubismo, posteriormente se abrió más la paleta. En el cubismo sintético hay inclusión de elementos reales, adheridos por pegado a la

superficie de los soportes; se advierte una tendencia a otorgar más importancia al objeto y a plasmarlo con una cierta fidelidad. El

collage fue, sin lugar a dudas, la mayor aportación que hizo el Cubismo. MATERIALES, TÉCNICAS. A partir de 1912 se introduce el

procedimiento de incrustar en el lienzo trozos de papel y se pega o clava a la tela todo tipo de objetos hasta formar collages, recurso

muy utilizado posteriormente por los dadaístas y surrealistas. TEMAS: Bodegones, paisajes, retratos. ARTISTAS

REPRESENTATIVOS. Pablo Picasso "Las Señoritas de Avignon" (Demoiselles DAvignon), Juan Gris y los franceses Georges Braque

y Fernand Léger. Cor Blok.- Hª del arte abstracto. Cátedra. Madrid- 1987. Págs. 219-239 Lourdes Cirlot.- Las claves de las

vanguardias artísticas del S. XX.- Ed. Arín. Barcelona. 1988. págs. 31-37 http://www.profesorenlinea.cl/artes/cubismo.htm ORFISMO

O CUBISMO ÓRFICO DEFINICIÓN, CARACTERÍSTICAS. Tendencia colorista y abstracta del cubismo parisino que exalta el color y

la luz. Síntesis del cubismo y el fauvismo. Es un movimiento precursor de la abstracción geométrica. El nombre fue acuñado por el

poeta Guillaume Apollinaire en 1913. CARACTERÍSTICAS. Alejamiento de los principales preceptos del cubismo Exaltación del color

puro que es "forma y tema". Prescinde de la identificación del espacio pictórico. Sustituye gradualmente las imágenes de la naturaleza

por formas lumínicas de color. 10I.E.S. ITACA (Alcorcón) Inés Martín Masa, 2011

11. Técnicas Gráfico-Plásticas. Tutorial 26. Movimientos artísticos, siglos XIX y XX. MATERIALES, TÉCNICAS. Los colores neutros

son sustituídos por una serie de colores brillantes, se abandona la figuración y predominan las formas geométricas (círculos y

semicírculos) estructuradas rítmicamente en composiciones de gran fantasía. ARTISTAS REPRESENTATIVOS. Robert Delaunay,

Sonia Delaunay, cuyo “arte puro” se aproxima ya a la abstracción total. FUTURISMO, VORTICISMO DEFINICIÓN,

CARACTERÍSTICAS. Movimiento artístico nacido y desarrollado en Italia a principios del siglo XX. Intenta representar el dinamismo

de la vida moderna industrializada, exalta la ciencia y la máquina como el objeto más bello. Su fundador fue Filippo Tommaso

Marinetti, quien publica el primer Manifiesto del Futurismo. El futurismo ejerce cierta influencia en Rusia. CARACTERÍSTICAS. Está

basado en la propaganda y en la publicidad bien organizada. Exalta la velocidad, el movimiento, la acción, la violencia, la fuerza, la

agresión, el dinamismo, la perenne transformación, la voluntad de poder, la rebelión, el progreso. Pretenden trasladar estos valores a

la vida misma, no solo a la obra plástica. La cinematografía y las técnicas de tratamiento de la imagen anularon todas sus intenciones

reivindicativas. Negación total y absoluta de los valores del pasado, con objeto de reivindicar exclusivamente el futuro. TEMAS.

Aquellas en las que aparecen elementos propios del mundo moderno. La ciudad (casas en proceso de construcción, gentes que van y

vienen por las bulliciosas calles, farolas de luz eléctrica, locales como restaurantes y bares, así como coches y bicicletas). La figura

humana (Boccioni). INFLUENCIAS. Es el germen para otras corrientes posteriores, como el Dadaísmo o incluso el Surrealismo.

VORTICISMO. Versión inglesa del futurismo, de 1913 a 1915. Se caracteriza por la rigidez angular y el juego de formas geométricas,

intentando conseguir dinamismo en la obra. Un representante de este movimiento es Percy Wyndham Lewis. MATERIALES,

TÉCNICAS. Utilizan la técnica divisionista, con objeto de lograr una sensación que persiguen casi obsesivamente, la del dinamismo.

Simultaneísmo, sistema formal inventado por los futuristas para producir sensación de movimiento. Este se basa en repetir las

imágenes, de manera superpuesta, constituyendo algo similar a una secuencia fílmica. Los colores empleados en la pintura futurista

son muy variados, vivos y contrastados, lo que contribuye a aumentar esa sensación dinámica presente en todas las composiciones.

ARTISTAS REPRESENTATIVOS. Gino Severini “Expansión esférica de la luz”, Umberto Boccioni, Carlo Carra, Giacomo Baila.

Lourdes Cirlot.- Las claves de las vanguardias artísticas en el S. XX. Ed. Arín. Barcelona. 1988. págs. 37-40 11I.E.S. ITACA

(Alcorcón) Inés Martín Masa, 2011

12. Técnicas Gráfico-Plásticas. Tutorial 26. Movimientos artísticos, siglos XIX y XX. DADAÍSMO DEFINICIÓN, CARACTERÍSTICAS,

PRECURSOR. Movimiento artístico nacido en 1916, durante la I guerra Mundial, en Zurich (Suiza), como protesta contra el orden

establecido y sujeto a normas. El nombre dada fue encontrado al azar ojeando el diccionario y significa el primer sonido emitido por

un niño. CARACTERÍSTICAS. El artista Dadá, en su lucha contra todo lo previamente establecido, propugna un cambio profundo, no

sólo en la apariencia del objeto artístico en sí, sino en la concepción del mismo. Los Dadaístas denominaron a sus realizaciones

«antiartísticas», pues, en el sentido tradicional, ninguna de esas obras podría considerarse como artística. En toda actividad Dadaísta

debe verse un acto de provocación que, aunque en un momento dado pueda parecer carente de finalidad, tiene como meta conseguir

una concienciación por parte de los espectadores. HISTORIA. Su nacimiento se halla ligado a la apertura del célebre cabaret Voltaire,

local de entretenimiento de carácter cultural (lecturas de poemas, acompañadas al piano, canciones y actuaciones). Muy pronto se

unió el poeta rumano Tristán Tzara, quien con su enorme capacidad inventiva pronto consiguió crear unos espectáculos sin igual, y

los hermanos Janco, procedentes de Rumanía, colaboraron en estas actividades desde muy temprano. Los espectáculos del cabaret

se distinguieron, ante todo, por su agresividad y audacia. Se efectuaron lecturas de poemas, a la par que se realizaban ruidos

diversos; muchas veces los artistas, disfrazados, arremetían contra el público reunido en la sala, hasta que la gente se rebelaba y se

producían las algarabías más impensables. La rápida difusión del Dadaísmo se debió a la publicación de diversas revistas (Dadá, Die

Schammade o Camera Work). PRECURSOR. Marcel Duchamp. Sus ready mades u objetos ya fabricados comenzaron a revolucionar

el mundo artístico en 1913, fecha en que el artista francés realizara su famosa Rueda de bicicleta. Consistía ésta en una rueda

extraída de su contexto, la bicicleta, y colocada, en posición invertida sobre un taburete blanco. La descontextualización de un objeto

implica la revisión del mismo, tanto a nivel formal como conceptual. Surge la posibilidad de dotarlo de nuevos y múltiples significados,

por lo que el ready made supuso una verdadera revolución en el terreno artístico. MATERIALES, TÉCNICAS. Collage, collage con

materiales de deshecho. Fotomontaje, recurso artístico y forma de expresión fotográfica basada en el collage. Consiste en crear una

composición con recortes de varias fotografías o con otro tipo de elementos. ARTISTAS REPRESENTATIVOS. Marcel Duchamp,

Max Ernst, Tristán Tzara, Hugo Ball, Picabia, Man Ray, Hans Harp, Raoul Hausmann y su compañera Hanllah Hoch, Kurt Schwitters

(Merzbilder) Lourdes Cirlot.- Las claves de las vanguardias artísticas en el S. XX. Ed Arín. Barcelona 1988. Págs. 48-53 PINTURA

METAFÍSICA EN ITALIA DEFINICIÓN, CARACTERÍSTICAS, TEMAS. Movimiento artístico italiano de los años 1918 al 1922. Es una

vuelta al orden, a la tradición y a la recuperación del objeto, al clasicismo, basado en los pintores del Renacimiento. La pintura se

vuelve literaria y busca sus modelos en la antigüedad clásica, sin olvidar el progreso y las relaciones con la filosofía y el hombre. La

elección del término “metafísica” la reivindican Carrá y De Chirico. CARACTERÍSTICAS. Surgió del deseo de explorar la vida interior

imaginada de objetos cotidianos cuando se los representa fuera de los contextos habituales. Idea del individualismo absoluto.

Recuperación del objeto y de la realidad, hecho generalizado en la Europa de la posguerra. Recuperación de la perspectiva, atacada

12I.E.S. ITACA (Alcorcón) Inés Martín Masa, 2011

13. Técnicas Gráfico-Plásticas. Tutorial 26. Movimientos artísticos, siglos XIX y XX. desde el cubismo. En consonancia con las teorías

de Freud y otros hay un intento de plasmación del silencio y la soledad, creando un clima inquietante, especialmente en las obras de

De Chirico. De Chirico defiende la tesis de que el arte es una actividad metafísica del hombre, justificando su existencia como un

fenómeno estético. Sus obras tienen una cuidada composición y están cargadas de misterio. Temas filosóficos que aparecen en sus

cuadros hacen referencia a los problemas del misterio, de la identidad y de la existencia del hombre. Su producción metafísica está

presidida por los problemas del espacio y del tiempo, que resuelve de modo distinto al cubista. Estos cuadros representan escenas

sin movimiento, silenciosas, en las que el tiempo está parado, en donde se reúnen el pasado (pórticos, torres, estatuas) y el presente

(trenes, chimeneas industriales, cañones). INFLUYE en el Surrealismo. TEMAS. La espera, la soledad y la melancolía. Paisajes

urbanos (plazas desiertas, estaciones, torres, estatuas), arquitecturas. Un motivo que se repite es el del maniquí, personaje

inquietante y deshumanizado. Autorretratos. Morandi pinta botellas, vasos, etc., con una técnica y composición basadas en la

tradición clásica. MATERIALES, TÉCNICAS. Técnicamente se vuelve a imponer el oficio, como una reivindicación de las maneras

clásicas. Obra bien hecha, e incluso utilización de técnicas de la Antigüedad, como el fresco, el arte del vidrio y el mosaico. Pinta con

una gama cromática oscura, juego de espacios (De Chirico). ARTISTAS REPRESENTATIVOS. Giorgio de Chirico, Carlo Carrá,

Giorgio Morandi. VVAA.- Historia del Arte. Ed. Espasa. Madrid, 2002. Págs. 1190-1192 NUEVA OBJETIVIDAD DEFINICIÓN,

CARACTERÍSTICAS. Entre 1920 y 1934 se desarrolla en Alemania una corriente emparentada con el expresionismo, al que rechaza,

denominada Nueva Objetividad –Neue Sachlistein-. El término se aplica a obras de arte pictórico, literatura, música, arquitectura,

fotografía o cine. Término acuñado por Gustav Friedrich Hartlaub en 1923. CARACTERÍSTICAS. Vuelta a la figuración. Intensa carga

satírica. Pretenden superar las mezquindades de la forma a través de una nueva objetividad nacida del disgusto hacia la sociedad

burguesa de la explotación. Se plantean hacer arte político y denuncia social. Dos grupos: Veristas: forma vehemente de realismo que

distorsiona las apariencias para enfatizar lo feo. Arte crudo, provocativo y ásperamente satírico. Realistas mágicos: regreso al orden,

que encuentra su expresión en el neoclasicismo. Del realismo casi fotográfico al neoprimitivismo. TEMAS. La prostitución, la guerra,

la deshumanización de las costumbres. Retrato y autorretrato, con fisionomías simples o tendiendo a la caricatura. MATERIALES,

TÉCNICAS. Dibujo casi caricaturesco y de una gran libertad expresiva. Las composiciones se articulan con rigidez sobre un dibujo

muy ágil y de contornos acentuados para elevar la fealdad a la categoría de lo sublime. ARTISTAS REPRESENTATIVOS. Oskar

Kokoschka Veristas (Otto Dix, George Grosz, Max Beckmann); realistas mágicos (Anton Räderscheidt, Christian Schad, Georg

Schrimpf). Fotografía: Albert Renger Patzsch, Karl Blossfeldt. 13I.E.S. ITACA (Alcorcón) Inés Martín Masa, 2011

14. Técnicas Gráfico-Plásticas. Tutorial 26. Movimientos artísticos, siglos XIX y XX. http://es.wikipedia.org/wiki/Nueva_objetividad

http://www.artehistoria.jcyl.es/arte/contextos/5410.htm http://www.arteseleccion.com/movimientos-es/nueva-objetividad-182

SURREALISMO DEFINICIÓN, CARACTERÍSTICAS, TENDENCIAS. Movimiento literario y, posteriormente, artístico que nace en

París, en el año 1924, en que André Breton publicó el primer Manifiesto Surrealista. El concepto fundamental es el de automatismo,

que se basaba en una especie de dictado mágico, proveniente del inconsciente. CARACTERÍSTICAS. Está basado en la expresión

de pensamientos y sentimientos puros de procedencia onírica y subjetiva. La rebelión del surrealismo contra la tradición cultural

burguesa y el orden moral establecido tuvo su cariz político. Los surrealistas emigrados a EE.UU. influyeron en el arte

estadounidense, en particular en el desarrollo del expresionismo abstracto en los años 1940. Expansión del surrealismo por todo el

mundo. El espíritu revolucionario del dada, está presente en el Surrealismo TENDENCIAS. Los surrealistas figurativos (onirismo), que

se sirven de un realismo minucioso y de medios técnicos tradicionales, pero que se apartan de la pintura tradicional por la inusitada

asociación de objetos y las monstruosas deformaciones, así como por la atmósfera onírica y delirante que se desprende de sus

obras. Siguen las normas tradicionales de representación perspectiva, con objeto de lograr imágenes sumamente impactantes. Max

Ernst es uno de los pocos surrealistas que se mueve entre las dos vías. Surrealistas abstractos. Inventan universos figurativos

propios. Aplicación del automatismo puro. Las obras son, en muchos casos, resultado del azar. André Masson efectuaba dibujos de

carácter automático a pluma sobre papel. Por lo general, se trataba de composiciones abstractas, dotadas de gran agilidad y

dinamismo que expresaban un estado anímico de gran euforia. Pero la aportación más interesante de Masson la constituyen las

llamadas pinturas de arena, precedentes de ciertas realizaciones informalistas posteriores. Surgían como resultado del azar actuando

directamente en el proceso creativo. Joan Miró adoptó tan sólo ciertos conceptos del Surrealismo. En los objetos de funcionamiento

simbólico y en las piezas tridimensionales de los años treinta es donde mejor se percibe lo surreal de Miró. INFLUENCIAS. Influye en

el informalismo europeo o en el expresionismo abstracto norteamericano. MATERIALES, TÉCNICAS. El surrealismo tomó del

dadaísmo algunas técnicas de fotografía y cinematografía así como la fabricación de objetos. Extendieron el principio del collage (el

"objeto encontrado") al ensamblaje de objetos incongruentes, como en los poemas visibles de Max Ernst, el cual aplica el collage de

un modo completamente distinto a como lo hicieran los cubistas: integra de tal manera los papeles que resultaba imposible

distinguirlos del contexto pintado en que los ha situado. Max Ernst inventó el procedimiento técnico del frottage, consistente en

colocar bajo el soporte sobre el que había de pintar elementos de texturas gruesas diferentes, con la finalidad de que al frotar sobre

ellos quedase su trama visible en el soporte. Masson colocaba el soporte de tela sobre el suelo y dejaba caer sobre el mismo cola,

para, más tarde, espolvorear la superficie con arena. En los lugares donde había cola, la arena quedaba pegada y formaba una capa

de un cierto grosor que contrastaba con las zonas pintadas posteriormente por el artista. Salvador Dalí. Inventa el método paranoico-

crítico, consistente en asociar imágenes de lo más arbitrario con otras que surgen obsesivamente a lo largo de toda su trayectoria.

14I.E.S. ITACA (Alcorcón) Inés Martín Masa, 2011

15. Técnicas Gráfico-Plásticas. Tutorial 26. Movimientos artísticos, siglos XIX y XX. Otra de las nuevas actividades creadas por el

surrealismo fue la llamada cadáver exquisito, en la cual varios artistas dibujaban las distintas partes de una figura o de un texto sin ver

lo que el anterior había hecho pasándose el papel doblado. Las criaturas resultantes pudieron servir de inspiración a Miró. ARTISTAS

REPRESENTATIVOS. Surrealistas abstractos: André Masson, Joan Miró, Onirismo (surrealistas figurativos): René Magritte, Paul

Delvaux y Salvador Dalí. Max Ernst, Hans Arp Marcel Duchamp, Man Ray, Óscar Domínguez, Meret Oppenheim. Lourdes Cirlot.- Las

claves de las vanguardias artísticas en el S. XX. Ed. Arín. Barcelona 1988. Págs. 54-61 ABSTRACCIÓN DEFINICIÓN,

CARACTERÍSTICAS, TENDENCIAS. Movimiento artístico de principios del siglo XX nacido como reacción a la pintura realista de la

época. Prescinde de toda figuración, propone una nueva realidad distinta a la natural. Las imágenes abstractas no reproducen formas

llamadas objetivas o reales. Con los elementos plásticos, líneas, planos o volúmenes, se crea un mundo de imágenes nuevo,

relacionado con los valores emocionales. CARACTERISTICAS. Surgen, ligadas al factor racional, gran cantidad de obras de claro

rigor geométrico. En ellas se conjugan equilibradamente puntos de configuraciones, tamaños y colores diversos con elementos

lineales de diferentes características. Rechaza cualquier forma de copia de cualquier modelo exterior a la conciencia del artista.

TENDENCIAS. Suprematismo, rayonismo y neoplasticismo. Rayonismo. Mihail Larionov y Natalia Gontcharova en 1909 publicaron el

Manifiesto Rayonista. Conjunción entre Cubismo, Futurismo y Orfismo (modalidad cubista) y no aportaba demasiadas innovaciones.

INFLUENCIAS. El Romanticismo, el impresionismo, el postimpresionismo, el expresionismo y el cubismo contribuyeron al desarrollo

del arte abstracto. MATERIALES, TÉCNICAS. Usa un lenguaje visual de forma, color y línea para crear una composición que puede

existir con independencia de referencias visuales del mundo real. ARTISTAS REPRESENTATIVOS. Wassili Kandinsky, Mondrian. El

arte abstracto nace en el año 1910 cuando Wassili Kandinsky (artista ruso, afincado en Alemania) realiza su primera acuarela

abstracta. En sus primeras obras: Gran sentido de libertad, así como por su enorme dinamismo y vitalidad. El elemento cromático

desempeña un papel fundamental. Malevich, • Lourdes Cirlot.- Las claves de las vanguardias artísticas del S. XX. Arín. Barcelona.

1988. págs. 42-48 CONSTRUCTIVISMO DEFINICIÓN, CARACTERÍSTICAS. Movimiento artístico y arquitectónico nacido hacia 1917

en Rusia. Pretende cambiar el arte y crear una nueva concepción de vida. Se fundamenta en el arte abstracto y utiliza 15I.E.S. ITACA

(Alcorcón) Inés Martín Masa, 2011

16. Técnicas Gráfico-Plásticas. Tutorial 26. Movimientos artísticos, siglos XIX y XX. la forma geométrica como principal rasgo estético.

El término fue utilizado por primera vez por Malevich en 1917. CARACTERÍSTICAS. Defiende los ideales del utilitarismo (arte fácil de

comprender y con utilidad social), el funcionalismo y la abstracción. Rechaza al artista artesano y potencia la figura del artista

industrial consagrado al servicio de un arte para las masas. Los constructivistas trabajaron en festivales públicos y diseños de carteles

callejeros para el gobierno de la revolución bolchevique post-Octubre. El constructivismo ruso soviético adquiere mayor presencia

después de la Revolución de Octubre. Está vinculado al suprematismo y al rayonismo o cubismo abstracto. En Holanda se denomina

constructivismo holandés al neoplasticismo de Mondrian y del grupo De Stijl. • MATERIALES. Defensa de los materiales modernos.

Líneas puras. • ARTISTAS REPRESENTATIVOS. Tatlin, Malevitch, Lissitzky, Naum Gabo y Mondrian. Malevich. Conjuga figuras

geométricas de diferentes tonos cromáticos. Reduce las formas a cuadrados de colores, negro, rojo o blanco. En otras ocasiones

utiliza una mayor complejidad cromática y formal. Desembocará en el suprematismo. El Lissitzky. Abstracción de base geométrica. Se

propone la transformación del espacio vital mediante obras denominadas “proum” (para una sola visión), que considera escalones

hacia el camino de perfección. EUGENIO BARGUEÑO, Dibujo Artístico. 1º de Bachillerato. Editorial McGrawHill, Madrid, 1998.

http://es.wikipedia.org/wiki/Constructivismo_(arte) NEOPLASTICISMO O CONSTRUCTIVISMO HOLANDÉS. DE STIJL DEFINICIÓN,

CARACTERÍSTICAS. Corriente artística promulgada por Piet Mondrian en 1917 que proponía un orden claro y geométrico,

despojando al arte de todo elemento accesorio. CARACTERÍSTICAS. Similar en su concepción y planteamientos al Suprematismo.

La intención del neoplasticismo es representar la totalidad de lo real, expresar la unidad de la naturaleza. Es un intento de llegar a la

esencia a través de un lenguaje plástico objetivo y, como consecuencia, universal. Búsqueda de la renovación estética. Lenguaje

plástico objetivo y como consecuencia, universal. Exclusión de lo individual y del objeto (limitado temporal y localmente). Se elimina

todo lo superfluo hasta que prevalece sólo lo elemental, en un intento de llegar a la esencia. Depuración de las formas hasta llegar a

sus componentes fundamentales: líneas, planos y cubos. Planteamiento totalmente racionalista. Estructuración a base de una

armonía de líneas y masas coloreadas rectangulares de diversa proporción, siempre verticales, horizontales o formando ángulos

rectos. Nunca se recurre a la simetría, aunque hay un marcado sentido del equilibrio logrado por la compensación de las formas y los

colores. Es una orientación artística antitrágica: arte no como expresión purgativa de sentimientos trágicos interiores del artista, sino

como metáfora visual de armonía espiritual. La evolución de los neoplasticistas está marcada por la presencia de una primera etapa

en la que se aproximan a la realidad con objeto de estudiarla y depurarla para llegar progresivamente a la abstracción. En esta

corriente los artistas eliminan todo aquello que pueda considerarse superfluo, de modo que prevalezca sólo lo elemental. Proceso de

abstracción progresiva, en virtud del cual las formas se irían reduciendo a líneas rectas horizontales y verticales, y los colores al

negro, el blanco, el gris y los tres primarios. 16I.E.S. ITACA (Alcorcón) Inés Martín Masa, 2011

17. Técnicas Gráfico-Plásticas. Tutorial 26. Movimientos artísticos, siglos XIX y XX. Está vinculado al nacimiento del arte abstracto.

Se considera al neoplasticismo origen de la abstracción geométrica. Sus teorías tienen su origen en las obras cubistas de Georges

Braque y Picasso y en la teosofía. MATERIALES, TÉCNICAS. Uso de pocos colores. Colores planos, de carácter saturado o puros

(primarios: amarillo, azul, rojo) y neutros (blanco, negro y grises). Empleo de fondos claros. Pinturas: equilibradas, ordenadas,

optimistas, alegres. Formas geométricas regulares y de ángulos rectos. En sus composiciones jamás se recurre a la simetría y, sin

embargo, existe un marcado sentido del equilibrio logrado por compensación de formas y colores. ARTISTAS REPRESENTATIVOS.

Piet Mondrian, Theo van Doesburg, fundadores de la revista De Stijl en 1917. Wilmos Huszár, Georges Vantonterloo, Jacobus

Johannes, Pieter Oud. • http://es.wikipedia.org/wiki/Neoplasticismo SUPREMATISMO DEFINICIÓN, CARACTERÍSTICAS. Tendencia

artística rusa, a partir de 1915, forjada por Kasimir Malevich (Manifiesto del Suprematismo). Suponía una renovación plástica total.

Esta tendencia se caracteriza por la supremacía absoluta de la sensibilidad plástica pura en las artes figurativas.

CARACTERÍSTICAS. Su pintura, como la de sus seguidores principales, posee dos características esenciales: simplicidad de formas

y uso restringido del color. Muchas de las obras del propio Kasimir Malevich llevaron a sus últimas consecuencias la simplicidad

formal adoptando el cuadro como único elemento geométrico, eliminaron asimismo los colores para refugiarse en el empleo exclusivo

del negro o del blanco. Fondos neutros (principalmente blancos), figuras geométricas (triangulo, cuadrado, círculo, etc.). Supremacía

de la sensibilidad plástica pura por encima de todo fin materialista, práctico, social, descriptivo o ilusionístico. Abstracción de las

formas (todo se reduce a triángulos, cuadrados, la cruz y el círculo). Formas puras y absolutas en la plasmación de armonías

sencillas. El punto de fuga no se ubica sobre el horizonte, sino sobre el infinito. Sensaciones de movimiento y velocidad. Algunas

estructuraciones complejas asimétricas, de líneas y formas trapezoidales en variación constante (distintos tamaños y colores),

generalmente ordenadas en relación con diagonales, de sensación dinámica (esta estructuración es característica del período 1914 y

1917). Otras estructuraciones sencillas a base de formas geométricas puras y absolutas (círculo, cuadrado, rectángulo, triángulo y

cruz) de manera independiente o conjugadas y ocupando gran parte de la superficie del cuadro. MATERIALES, TÉCNICAS. Empleo

de colores planos contrastantes (en general primarios y también gamas intermedias, blanco y el negro). Gama de colores reducida

(rojo, negro, azul, blanco y verde) o a veces carente de color. Predominio de fondos neutros, generalmente el blanco. ARTISTAS

REPRESENTATIVOS. Kasimir Malevich • http://historialdedisenio.wordpress.com/2008/07/25/caracteristicas-del-suprematismo/

17I.E.S. ITACA (Alcorcón) Inés Martín Masa, 2011

18. Técnicas Gráfico-Plásticas. Tutorial 26. Movimientos artísticos, siglos XIX y XX. RACIONALISMO, BAUHAUS DEFINICIÓN,

CARACTERÍSTICAS. Escuela de diseño creada en 1919 por el arquitecto Walter Gropius en Weimar, Alemania. La Bauhaus tenía

como principios la funcionalidad en el diseño, la economía en la producción de objetos y el dominio de la ciencia y la técnica para

fabricar los objetos que se diseñaban. CARACTERÍSTICAS. Sus objetivos eran integrar todos los géneros artísticos bajo la

arquitectura y orientar la producción estética hacia las necesidades sociales de un amplio espectro de clases sociales. Deseo de un

máximo de claridad formal que defendía la eliminación de todo adorno y el uso de elementos geométricos como fuente de sus

diseños. Importancia de los procesos industriales y la necesidad de diseñar en función de los medios. La Bauhaus sentó las bases

normativas y patrones de lo que hoy conocemos como diseño industrial y gráfico. En 1928 es trasladada a Dessau y, finalmente, a

Berlín. Se clausura en 1933. Su influencia estética continúa vigente en la actualidad. MATERIALES, TÉCNICAS. Sus creaciones son

primordialmente arquitectónicas. ARTISTAS REPRESENTATIVOS. Lionel Feininger, Paul Klee, Kandinsky, Albers, Moholy-Nagy. •

http://www.artediez.es/auladiez/bauhaus/bauhaus1.htm EXPRESIONISMO ABSTRACTO, ESCUELA DE NUEVA YORK

DEFINICIÓN, TENDENCIAS, CARACTERÍSTICAS. Movimiento aparecido en los años cuarenta en Nueva York pero que no tuvo su

verdadero despegue hasta principios de los cincuenta, tras el desplazamiento de la capitalidad artística de París a Nueva York a

causa del conflicto que asolaba Europa. El espacio pictórico se trata con frontalidad y no hay jerarquía entre las distintas partes de la

tela. Obras de aspecto geométrico y de grandes dimensiones, que expresan angustia y conflicto. Se conoce como “Escuela de Nueva

York”. El crítico Robert Coates acuña el término. TENDENCIAS. Action painting y color field painting. Action painting. Potencia del

gesto o del color (pintura gestual). Se subraya la importancia del acto físico de pintar. Pretende transmitir el aspecto espontáneo de la

acción de pintar aplicando los elementos automáticamente, sin un orden objetivo. El proceso es lo importante. Tiene sus orígenes en

las creaciones automáticas de los surrealistas, por ejemplo, los dibujos y pinturas de arena de André Masson. Harold Rosemberg

propone la expresión Action Painting en 1952. Los informalistas le dieron el nombre de Tachisme, del francés, tache (mancha). Desde

el punto de vista existencial de Rosemberg (la pintura debe ser la búsqueda del auténtico yo), los Action Painters, se liberan de los

valores políticos, estéticos y morales, sustituyéndolos por el valor más fluido de lo nuevo y logran, de este modo y por primera vez en

la historia del arte, suprimir la distinción entre arte y vida. Pollock realizó a partir de 1946 sus primeros dripings o derrames, que

configuran evanescentes laberintos psicológicos. Willem de Kooning, Philip Guston, Robert Motherwell y Adolf Gottlieb son pintores

gestuales, incluso a veces violentos, que utilizan en algunos casos la técnica del all-over. En este primer grupo, Willem 18I.E.S.

ITACA (Alcorcón) Inés Martín Masa, 2011

19. Técnicas Gráfico-Plásticas. Tutorial 26. Movimientos artísticos, siglos XIX y XX. de Kooning ocupa un lugar aparte, puesto que

nunca deja de practicar una pintura figurativa que, no obstante, coincide con la de los otros miembros en su estilo violento y en la

agresividad de su acometida al lienzo. Color field painting. Pintura del campo coloreado. Pintura de inspiración más lírica y meditativa

y en la cual el color está cargado de emoción. Utilización del color puro de una manera muy innovadora. Esta potencia del color, unida

a la violencia del signo, confiere a muchos de los representantes de esta tendencia una fuerza suficiente para superar las más

poderosas experiencias europeas. El campo coloreado, incluso saturado de color, se convierte en la expresión silenciosa pero intensa

de su sentido del mundo. Los cuadros son de un rigor y una simplicidad extrema. Pretenden ser menos la expresión de un

subconsciente personal o colectivo que la de las verdades metafísicas eternas, de las cuales constituyen su entrada perceptiva, al

igual que otras formas de meditación. Los Color Field Painters hablan del Ser, turbado y desquiciado en nuestro mundo. Cuadros de

gran formato. MATERIALES, TÉCNICAS. Driping, En esta técnica, el principal elemento es la acción o movimiento por parte del pintor

con relación al aspecto físico de la pintura, en conjunto con la superficie donde trabaja, por esta razón la principal pintura a utilizar en

esta técnica es la pintura acrílica. La pintura es derramada de forma sistemática, ingenua o espontánea por parte del artista, cuando

va creando su obra y de esta forma plasma sus ideas y conceptos abstractos en gran parte, debido al resultado en consecuencia de

la técnica. Con la pintura acrílica es muy práctica la forma de acción, dejando caer o gotear el líquido de cada color sobre la

superficie. El salpicado con pintura se realiza de manera espontánea y enérgica, es decir, sin un esquema prefijado, de forma que

éste se convierta en un «espacio de acción» y no en la mera reproducción de la realidad. All-over, que consiste en cubrir todo el

lienzo de manera uniforme. El cromatismo suele ser muy limitado: blanco y negro, así como los colores primarios. ARTISTAS

REPRESENTATIVOS. Action Painting. Pollock, De Kooning, Kline, Philip Guston, Robert Motherwell y Adolf Gottlieb. Color Field

Painting. Marck Rothko, Barnett Newman, Clifford Still y Ad Reinhardt. • El arte del S. XX. Salvat. 1990. 2º tomo págs. 62-63. • E.G.L.

En: VV.AA.- Diccionario Akal de Arte del S. XX. Madrid, 1997. Págs. 6-7 • VVAA.. El arte del S. XX. Ed. Salvat. Madrid, 1990. 2º tomo.

págs. 136-7. • http://www.artehistoria.jcyl.es/genios/materiales/19.htm INFORMALISMO DEFINICIÓN, CARACTERÍSTICAS.

Tendencia artística que se inicia tras la Segunda guerra mundial, cuando el arte abstracto se hallaba en plena expansión, y que

excluye toda figuración. CARACTERÍSTICAS. “Informal” significa lo contrario a toda forma, opuesto a toda voluntad formativa,

rebeldía frente a toda estructuración preconcebida y racional. Abstracción amorfa y escasamente estructurada, a partir del uso de una

ejecución veloz con la cual se recrean elementos, signos desprovistos de aparente “significado” conceptual. Grafismo occidental, en

contacto con el zen, exploraciones sígnicas. Escrituras filiformes y conmocionadas tratadas como alfabeto asemántico (Michaux).

Mathieu es el primero que utiliza y considera el signo como elemento que anticipa el significado, en un planteamiento semántico

invertido en el que se halla un cierto parentesco con algunas técnicas automáticas del surrealismo. 19I.E.S. ITACA (Alcorcón) Inés

Martín Masa, 2011

20. Técnicas Gráfico-Plásticas. Tutorial 26. Movimientos artísticos, siglos XIX y XX. Por su expresión directa, guiada por un cierto

estado anímico, podemos relacionar al informalismo con el automatismo psíquico del surrealismo, mientras que, por su aspecto

corrosivo y nihilista, con el dadaísmo. El crítico Michel Tapié utiliza por primera vez el término informal. MATERIALES, TÉCNICAS.

Exploración de la materia, incorporando el valor de la textura, abordando tanto las posibilidades expresivas de los “graffiti” como el

“grattage” o la pintura de acción. Líneas de pintura salidas directamente del tubo, “pintura directa” y “mancha”. ARTISTAS

REPRESENTATIVOS. Mathieu Riopelle, Serpan, Michaux, Wols, Mark Tobey. • El arte del S. XX. Salvat. Madrid. 1990.- tomo 2º.

págs. 22-23. NUEVA FIGURACIÓN DEFINICIÓN, CARACTERÍSTICAS. La nueva figuración se sitúa entre el Informalismo y el

Expresionismo gestual y las corrientes figurativas posteriores (Pop, hiperrealismo, etc.). Actúa, además, de movimiento de transición

entre ambas. Se trata de una reacción emotiva ante los desastres provocados por la última contienda. El término agrupa artistas de

tendencias muy diversas que participan del subjetivismo y de cierto tratamiento informal, al tiempo que recurren a la representación

figurativa, en especial la figura humana. CARACTERÍSTICAS. Se desarrolla en los años en que se desarrolló el informalismo. Las

fuertes distorsiones de las figuras y la indeterminación del espacio conectaron estas nuevas preocupaciones figurativas con el

realismo descarnado del Expresionismo de la primera mitad del siglo. MATERIALES. En los años sesenta, los artistas no presentan

un estilo unificado, pero sí realizan producciones técnicas similares: utilizan encuadres cercanos a los del cine y el cómic, pintura al

acrílico en grandes superficies lisas, utilización de la fotografía y el episcopio. ARTISTAS REPRESENTATIVOS. Expresionismo

nórdico: K. Appel, A. Jorn, Corneille y P. Aleschinski. F. Bacon, Dubuffet, W. De Kooning, Grupo Cobra, B. Buffet, N. de Stael, H.

Antes, A. Saura F. Bacon, referencias al terror, la violencia, el aislamiento y la angustia; el Grupo Cobra, fuertemente influido por el

Expresionismo nórdico, con sus visiones dramáticas y grotescas, elementos figurativos y formas orgánicas (como ojos, fragmentados

corporales. esbozos de figuras); B. Buffet, cuyas figuras esquemáticas son la traducción literal de los sombríos aspectos del

existencialismo sartreano; N. de Stael , con sus figuras, paisajes y naturalezas muertas en donde lo figurativo se entremezcla con las

abstracciones más puras; H. Antes, cuyas figuras sin torso reflejan la influencia de Picasso, Léger, Beckmann, la escultura asiria y la

pintura etrusca; y, por último, el español A. Saura, con su característica figuración informal, muy cercana a la de De Kooning. •

http://www.masdearte.com POP ART DEFINICIÓN, CARACTERÍSTICAS. Movimiento artístico que surge a mediados de los años

1950 en Londres y que se caracteriza por el empleo de imágenes de la cultura popular tomadas de los medios de comunicación

20I.E.S. ITACA (Alcorcón) Inés Martín Masa, 2011

21. Técnicas Gráfico-Plásticas. Tutorial 26. Movimientos artísticos, siglos XIX y XX. (anuncios publicitarios, cómic, objetos culturales

«mundanos» y del mundo del cine). El término, abreviatura de Popular Art, se debió al crítico británico Lawrence Alloway, que lo

utilizó, en 1954. CARACTERÍSTICAS. En muchos aspectos, el fenómeno del Pop se pareció al del primer Dadá, sobre todo por el

hecho de que ambos movimientos se valieron de la recuperación de objetos triviales y aestéticos. Sin embargo, la diferencia entre

ambas manifestaciones estriba en que Dadá fue un movimiento anti-arte, mientras el Pop fue un intento de reivindicación artística de

algunos elementos formales de los medios de comunicación de masas. El Pop fue un medio para crear obras de arte casi totalmente

a partir de elementos preexistentes, donde la contribución del artista estaría más en el hecho de establecer conexiones entre objetos,

yuxtaponiéndolos, que en hacer objetos ab initio. TEMAS. El repertorio temático está extraído fundamentalmente del fenómeno de la

propaganda industrial, de la tecnología y de la ciencia ficción. Temas motivados por la vida cotidiana, que reflejan las realidades de

una época y refuerzan el cambio cultural. Se convierten en la iconografía del "Pop Art la Coca-Cola, los helados, el Seven-Up, la

Pepsi-Cola, la pasta de dientes, la sopa de conserva, los cigarrillos, los coches cromados, aviones, anuncios fluorescentes de

grandes comercios, tipografías chillonas, imágenes de bulevares, etc. Las grandes ciudades americanas, con su acumulación

abigarrada de objetos, arquitectónicos o publicitarios, construyó, de hecho, no sólo el telón de fondo natural de esta aparición

artística, sino además su más importante fuente de inspiración. MATERIALES, TÉCNICAS. Técnica del collage dadaísta. En manos

de los artistas pop se desarrolló como arte de “assemblage”. Utiliza la técnica de la yuxtaposición de diferentes elementos: cera, óleo,

pintura plástica.....con fotografías y materiales de desecho: trapos viejos...etc. Oldenburg explora el mundo de los objetos cotidianos

en un sentido plástico y monumental; objetos que oscilaban entre los dominios de la escultura y los de la pintura (hamburguesas

gigantes, salchichas, trozos de tarta, palanganas, batidoras y máquinas de escribir). En cambio, los otros estuvieron más ligados a la

superficie plana del lienzo y, en cierta medida, fueron más formalistas. Tanto Rauschenberg como Johns hicieron un uso extenso del

collage, insertado en una pintura de tipo expresionista abstracta. ARTISTAS REPRESENTATIVOS. Andy Warhol, Roy Lichtenstein,

Claes Oldenburg, James Rosenquist, Tom Wesselman, Robert Indiana, J. Johns y E. Kienholz. En la costa oeste norteamericana

destacan Billy Al Bengston, Ed. Ruscha, W. Thiebaud y El Ramos. • http://artpop.htmlplanet.com/popart.htm OP-ART, ARTE

CINÉTICO DEFINICIÓN, CARACTERÍSTICAS. Movimiento internacional que surge a finales de la década de 1950 en Estados

Unidos, para asentarse en los años sesenta. Se basa principalmente en la ilusión óptica (de vibración o movimiento) producida por

ciertos elementos visuales. Se diferencia del arte cinético por la total ausencia de movimiento real. La expresión "Op art" corresponde

a la abreviación de "optical art“. CARACTERÍSTICAS. Pretende producir efectos de relieve o profundidad o movimientos de formas

geométricas sin recurrir al relieve ni a la animación real de las superficies. Los artistas de esta tendencia centran su trabajo en el

estudio de las relaciones entre color y espacio con el fin de provocar vibraciones retinianas, para conseguir finalmente una

experiencia física en el espectador. La "pintura óptica" tuvo profundas raíces en la tradición del Bauhaus, y es la consecuencia del

tipo de experimentos que el Bauhaus alentaba en sus alumnos. Este movimiento fue rápidamente aceptado por el público por sus

estudiadas formas, que influyeron en otras áreas del arte como la publicidad, la gráfica y la moda (diseños cuadriculados y

tridimensionales, con gran presencia de contrastes blanco y negro). 21I.E.S. ITACA (Alcorcón) Inés Martín Masa, 2011

22. Técnicas Gráfico-Plásticas. Tutorial 26. Movimientos artísticos, siglos XIX y XX. MATERIALES, TÉCNICAS. Seriación, es decir en

la repetición ilimitada de un módulo formal. Efectos cromáticos y formales dinámicos. ARTISTAS REPRESENTATIVOS. Vasarely,

Rafael Soto. • .http://www.profesorenlinea.cl/artes/OpArt.htm • http://www.masdearte.com MINIMAL ART, ESTRUCTURAS

PRIMARIAS DEFINICIÓN, CARACTERÍSTICAS. Movimiento escultórico con predominio de las formas geométricas elementales.

Surge a principios de la década de 1960 en Estados Unidos como reacción al expresionismo abstracto. Se basa en la absoluta

objetividad y en la idea de repetición como expresión del concepto de infinito. La "Pintura minimalista" es la aplicación del

minimalismo al campo pictórico. Se trata de una pintura abstracta que se originó en los Estados Unidos, concretamente en Nueva

York, en la década de los años 1960, desarrollándose durante los años 1970. En 1980, se produjo una renovación de la pintura

minimalista con las tendencias "Neo-geo" y "Neo-minimal". El concepto Minimal Art fue acuñado por Richard Wollheim en 1965.

CARACTERÍSTICAS. En las obras minimal se insiste en la forma pura y poco expresiva, no hay gestualidad ni tema sino la búsqueda

de una factura impersonal. Formas rectangulares y cúbicas, igualdad de las partes del cuadro, repetición, superficies neutras,

materiales industriales. Todo ello lleva a un impacto visual inmediato. Suelen realizar telas de gran formato en los que predomina,

ante todo, el color. El objetivo de toda escultura minimalista es potenciar al pureza del lenguaje, con lo que aparece de ese modo la

necesidad de recurrir a lo que Morris llamaría gestalt fuerte o forma de carácter unitario que no puede descomponerse. Los

minimalistas se oponían a la escultura articulada y proponían, en cambio, las cualidades de unidad y de indivisibilidad, con lo que era

posible, por tanto, el resultado de objeto específico simple. Las obras Minimal personifican estados de máximo orden con los mínimos

medios o complejidad de elementos y está más interesado por la totalidad de la obra que por las relaciones entre las partes

singulares o por su ordenamiento composicional; por eso abunda la Gestalt simple: "el todo es más importante que las partes”. Los

minimalistas se interesaron por las líneas, los planos y los volúmenes desde el punto de vista de la percepción y se decantaron por un

lenguaje reduccionista. Se considera que es una reacción contra las formas pictóricas del expresionismo abstracto. MATERIALES,

TÉCNICAS. Tanto las propiedades del material, como las de la superficie y el color permanecen constantes con objeto de no desviar

la atención de la obra como un todo. Formas geométricas primarias, de productos en serie y materiales fabricados. Para conseguir la

reducción formal deseada el objeto minimal, de un estilo puritano y estricto, se despoja de todo adorno decorativo y se remite a las

relaciones del espacio circundante que se resaltan tanto por el efecto específico de la luz sobre el material, como por la expansión del

volumen. ARTISTAS REPRESENTATIVOS. Robert Mangold, Robert Rayman, Brice Marden. Escultores, que habían abandonado la

pintura: Carl Andre, Dan Flavin, Donald Judd, Robert Morris y Sol LeWitt. • http://historiadelarte4.blogspot.com/2007/07/minimal-

art.html • http://es.wikipedia.org/wiki/Pintura_minimalista • http://www.masdearte.com 22I.E.S. ITACA (Alcorcón) Inés Martín Masa,

2011

23. Técnicas Gráfico-Plásticas. Tutorial 26. Movimientos artísticos, siglos XIX y XX. ARTE CONCEPTUAL DEFINICIÓN,

CARACTERÍSTICAS, TENDENCIAS. Movimiento artístico creado a partir del año 1960. Está basada en el arte como idea y nació

como una respuesta crítica a la consideración del arte como objeto o valor de cambio. Presenta manifestaciones muy diversas y

fronteras poco definidas. La idea principal que subyace en todas ellas es que la verdadera obra de arte no es el objeto físico

producido por el artista sino que consiste en conceptos e ideas. CARACTERÍSTICAS. En el arte conceptual la idea o concepto prima

sobre la realización material de la obra (el objeto artístico) y el mismo proceso -notas, bocetos, maquetas, diálogos- al tener a menudo

más importancia que el objeto terminado puede ser expuesto para mostrar el origen y desarrollo de la idea inicial. Las obras requieren

una mayor implicación del espectador, no solo en la forma de percibirlas, sino con su acción y participación. En función de la

insistencia en el lenguaje, el comentario social o político, el cuerpo o la naturaleza dentro de este arte encontramos líneas de trabajo

muy diferentes: body art, land art, process art, performance art, arte povera... Con frecuencia el conceptualismo se ha presentado

como una alternativa al objeto artístico tradicional e incluso como su negación, reaccionando contra el objeto convertido en motivo de

especulación comercial. El arte conceptual es hostil al mundo artístico dominante de las galerías, de la especulación, y propone un

nuevo sentido a la obra artística, a la producción, el consumo y la función del arte en la sociedad contemporánea. TENDENCIAS. Arte

como idea. Se evita la emoción estética del espectador como un paso imprescindible para poder acceder a una nueva exploración de

la naturaleza del arte. Es un conceptualismo que se identifica exclusivamente con la idea. Josep Kosuth, expone un objeto tan banal

como una silla junto a la foto del mismo objeto y su definición de diccionario. Project art. Idea de proyecto o diseño preconcebido.

Considera el concepto como una preconcepción en la mente de una cosa a realizar. La intención de restar valor al objeto a favor de la

idea es un gesto común en el arte conceptual, pero el objeto ahora adopta valor de medio útil para diversas metodologías analíticas y

proposiciones interdisciplinarias. MATERIALES. Emplea todo tipo de materiales y técnicas. ARTISTAS REPRESENTATIVOS. Josep

Kosuth, Laurence Weiner, el grupo Art & Languaje… • Varios Autores.- "El arte del S. XX. 1950-90" . Salvat. Madrid 1990. pág. 356. •

http://www.masdearte.com HIPERREALISMO, FOTORREALISMO O SUPERREALISMO DEFINICIÓN, CARACTERÍSTICAS,

TENDENCIAS. Movimiento artístico surgido entre 1965 y 1970 en Estados Unidos, caracterizado por una reproducción casi literal de

la realidad, un realismo fotográfico. Nació como 23I.E.S. ITACA (Alcorcón) Inés Martín Masa, 2011

24. Técnicas Gráfico-Plásticas. Tutorial 26. Movimientos artísticos, siglos XIX y XX. una protesta contra el arte conceptual. En

Estados Unidos es denominado "photorrealism" o "superrealismo". Es acuñado por el crítico norteamericano Louis Meisel.

CARACTERÍSTICAS. Los artistas son llamados hiperrealistas, superrealistas, fotorrealistas o nuevo-realistas. Ponen el objeto de su

atención en la propia realidad. Extrema precisión en la representación. El artista actúa como un minucioso notario de la realidad, que

repara en los más ínfimos detalles, haciéndolos evidentes a los ojos del espectador. El resultado de la producción hiperrealista sería,

por lo tanto, una especie de fotografía pictórica de la realidad, captada en un lienzo. El Hiperrealismo aparece como sucesor del Pop,

y, en cierta forma, vinculado a él. De ahí su interés por los aspectos triviales de la sociedad de consumo y por las imágenes populares

de la cultura “underground”. Su exacerbado realismo debió de ser una reacción ante la ausencia de objeto promovida por el Arte

Conceptual de esos mismos años TENDENCIAS. Hay dos tendencias dentro del mismo, manteniendo, claro está, una cierta

flexibilidad: una más vinculada al realismo fotográfico de origen “pop” (H. Kanovitz, M. Morley, J. Raffael, R. Estes, Ch. Close...) y otra

más conectada con la tradición pictórica occidental, en la línea del academicismo burgués (retratos, interiores, desnudos clásicos,

paisajes, etc., inspirada en los grandes maestros (Ph. Pearslstein, J. Beal, A. Katz…) exactitud y sobriedad de la representación, su

carácter distanciado y frío, el recurso a procedimientos ilusionistas (trompe l´oeil. perspectivas euclidianas) y el uso de la cámara

fotográfica. MATERIALES, TÉCNICAS. Empleo de la cámara y la fotografía para obtener información, y de medios mecánicos o

semimecánicos para traspasar esa información al lienzo. La mayor parte de las veces proyectan diapositivas sobre la tela a pintar. En

general son pinturas completamente lisas, donde no se aprecia la huella manual del artista y parecen fotografías de gran tamaño.

Utilización de colores muy saturados y brillantes y superficies reflectantes. ARTISTAS REPRESENTATIVOS. Richard Estes (1932) y

Chuck Close (1940), fotorrealistas. C. Bravo y G. Richter. Antonio López (1939) (realismo mágico). • A.M. González.- Las claves del

arte. Las últimas tendencias. Ed. Arín. Madrid 1989. Págs. 17-30 y 39- 42 •

http://aprendersociales.blogspot.com/2010/10/hiperrealismo.html • http://www.masdearte.com ARTE PÓVERA DEFINICIÓN,

CARACTERÍSTICAS, PRECURSORES. Surge en Italia en 1967, cuando se efectuaron dos importantes exposiciones en Turín en las

que participaron diversos artistas representantes de esta modalidad. La denominación de Arte Povera se debe al crítico Germano

Celant, y sirve para aludir a toda una serie de manifestaciones que se caracterizan, principalmente, por el empleo de materiales

pobres. CARACTERÍSTICAS. Arte antimercantilista que basa su estética en las relaciones entre el objeto y su configuración,

valorando especialmente dos aspectos: por un lado, los procedimientos entendidos como proceso de fabricación y manipulación del

material, y por otro, los materiales. Estos dos elementos van estrechamente relacionados, de forma que hay obras que parten de

determinada acción sobre el material (como pueden ser apilar, desgarrar, torsionar). PRECURSORES. Los informalistas italianos

Alberto Burri y Lucio Fontana. El primero empleaba tela de arpillera que llegaba a parecer un material de desecho. Fontana, integraba

el orificio como elemento esencial de las composiciones. La austeridad de la obra de este artista es uno de los factores que permiten

considerada como precedente de la de ciertos artistas "pobres». 24I.E.S. ITACA (Alcorcón) Inés Martín Masa, 2011

25. Técnicas Gráfico-Plásticas. Tutorial 26. Movimientos artísticos, siglos XIX y XX. Piero Manzoni. Trabaja con materiales inusuales

en el ámbito de la pintura, como se advierte en sus Panecillos acromáticos, obra en la que utilizó una serie de panecillos. Es célebre

su Mierda de artista, constituida por latas en las que Manzoni había colocado su propia defecación. MATERIALES, TÉCNICAS. Este

arte que valora los materiales industriales en estado bruto y la materia natural. Utiliza materiales pobres y de deshecho, tales como

paja, arena, piedras, ramas, hojarascas, fragmentos u objetos de metal, piezas de loza o vidrio, etc. Surge en Europa como una

reacción en contra del predominio del acero inoxidable, el plexiglás y la estricta geometría del minimal art. ARTISTAS

REPRESENTATIVOS. Jannis Kounellis, Giovanni Anselmo, Gilberto Zorio, Michelangelo Pistoletto, Alighiero Boetti, Giuseppe

Penone, Luciano Fabro. • http://historiadelarte4.blogspot.com/2007/07/arte-povera.html • http://www.masdearte.com LAND ART

DEFINICIÓN, CARACTERÍSTICAS. Corriente artística de los sesenta que surge en Estados Unidos, a medio camino entre el arte

conceptual y el objetual. El artista modifica el espacio natural, o bien selecciona materiales y los reorganiza, con el fin de realizar una

intervención que propicie una nueva imagen diferente a la creada por el mismo medio natural, nunca agresiva con el orden ecológico.

CARACTERÍSTICAS. Se trata de integrarse con la naturaleza y descubrir que los fenómenos naturales pueden constituir

acontecimientos artísticos, de materializar un concepto abstracto propio, no de emular o superar la naturaleza. Es un arte de carácter

procesual en el que el espacio se transforma progresivamente y está condicionado por los mismos factores de cambio natural, como

son la erosión, la lluvia o las temperaturas, elementos que actúan junto al mismo proceso artístico. Supone una vuelta al orden natural

desde una alternativa conceptual. La condición efímera de las realizaciones las une estrechamente a las propuestas conceptuales.

Generalmente las piezas adquieren grandísimas dimensiones. Presentan la tierra en estado puro, en bruto, amontonada en cajas con

trozos de roca o, mejor aún, la utilizan in situ. En estos espacios abiertos tienen como campo de acción un entorno no organizado, no

determinado. En el seno de una sociedad de hiperconsumo, estos artistas se niegan a crear nuevos objetos que no harían sino

añadirse a otros objetos. Renuncian al estrecho marco de las galerías y se evaden de las condiciones mercantilistas del arte. Quieren

crear sin tener que fabricar, lo que también supondría ceñirse a técnicas industriales. Los artistas conservan testimonios fotográficos o

películas de sus trabajos y de su descomposición. Es este conjunto lo que constituye la obra total. Hay una preocupación por la

precariedad de las riquezas naturales e incluso de la fragilidad del continente americano. MATERIALES, TÉCNICAS. Nuevos

soportes artísticos en espacios naturales (desiertos, glaciares, ríos o campos). El Land Art utiliza los materiales pobres y a menudo

frágiles e inconsistentes de la naturaleza. Las técnicas que utiliza son manipulaciones y transformaciones sobre el paisaje. ARTISTAS

REPRESENTATIVOS. Corriente centrada en las grandes dimensiones: Michael Heizer, Dennis Oppenheim, Walter de María, Christo.

Corriente intimista: Richard Long, Hamish Fulton. • Varios autores: El arte del S. XX (1950-1990). Salvat. Barcelona, 1990. Tomo 2º.

págs. 246-247. • Varios autores: El arte del S. XX (1950-1990). Salvat. Barcelona, 1990. Tomo 2º. págs. 376-377. •

http://www.masdearte.com 25I.E.S. ITACA (Alcorcón) Inés Martín Masa, 2011

26. Técnicas Gráfico-Plásticas. Tutorial 26. Movimientos artísticos, siglos XIX y XX. INSTALACIÓN DEFINICIÓN,

CARACTERÍSTICAS. Género de arte contemporáneo que, en la década de 1960, incorpora cualquier medio para crear una

experiencia visceral o conceptual en un ambiente determinado. Los artistas de instalaciones por lo general utilizan directamente el

espacio de exposición. A menudo la obra es transitable por el espectador y este puede interaccionar con ella. Parece que fue el

artista Minimal Dan Flavin quien utilizó por primera vez el vocablo “instalación” para designar a partir de 1964 sus obras realizadas

con neones. Las videoinstalaciones son la manifestación del arte del vídeo que mayor reconocimiento y presencia ha tenido en las

instituciones artísticas. CARACTERÍSTICAS. Algunas instalaciones son sitios específicos de arte; ellas sólo pueden existir en el

espacio para el cual son creadas. Las instalaciones ocupan actualmente un espacio fronterizo entre el arte objetual y el conceptual,

entre la escultura y la Performance y - cuando incorporan imágenes en movimiento o el lenguaje de la palabra- entre la escenografía

y la narratividad. Las instalaciones dan prioridad a las relaciones con el espacio que ocupan, a las estructuras y organización de sus

materiales, a la percepción del espectador, más que a su carácter escultural. MATERIALES. Puede incluir cualquier medio, desde

materiales naturales hasta los más nuevos medios de comunicación, tales como video, sonido, computadoras e internet, o inclusive

energía pura como el plasma. ARTISTAS REPRESENTATIVOS. Marcel Duchamp y su uso de objetos cotidianos resignificados como

obra artística, origina el movimiento artístico. Antoni Muntadas. • José Ramón Pérez Ornia.- El arte del vídeo. RTVE- Serbal. Madrid

1991. Pág. 51 GRAFFITI DEFINICIÓN, CARACTERÍSTICAS. Movimiento artístico con su origen en el siglo XX. Fue iniciado en los

años 1960 en Nueva York, o, según aluden fuentes bibliográficas como getting from the underground, en Filadelfia. Los graffiti son

inscripciones anónimas que aparecen trazadas sobre los muros u otros lugares, preferentemente en los ambientes urbanos.

CARACTERÍSTICAS. El grafiti es uno de los cuatro elementos básicos de la cultura hip hop, donde se llama grafo o grafiti a un tipo

específico. No se trata de pinturas de cariz político, ni de los anuncios publicitarios de tipo casero, sino que se trata de escritos de

índole personal: emblemas, amenazas, etc. Por extensión se aplica a toda inscripción realizada con ánimo simplemente de testificar

la presencia de su autor en un lugar determinado. Son firmas que incluyen generalmente un pseudónimo y algunos símbolos

característicos. Manifiestan el impulso de la cultura popular literalmente espontánea y "underground", a menudo vinculada a la música

rap y al "Break Dance", que intenta imponerse ilegalmente en los muros de la ciudad. A finales de los setenta el territorio se abre a

artistas blancos (Haring) y los galerístas ven en esta manifestación un mercado potencial. Los que hacen grafittis, que se denominan

a sí mismos "writers", comienzan a exponer y, sus obras, adaptadas al formato del cuadro, pueden ya exportarse MATERIALES.

Realizados sobre muros o mobiliario urbano, generalmente en las ciudades. ARTISTAS REPRESENTATIVOS. Haring •

http://www.masdearte.com 26I.E.S. ITACA (Alcorcón) Inés Martín Masa, 2011

27. Técnicas Gráfico-Plásticas. Tutorial 26. Movimientos artísticos, siglos XIX y XX. HAPPENING DEFINICIÓN, CARACTERÍSTICAS.

(De la palabra inglesa que significa evento, ocurrencia, suceso). Manifestación artística, frecuentemente multidisciplinaria, surgida en

Estados Unidos en los años 1950 y caracterizada por la participación de los espectadores. Tuvo su apogeo durante los “alegres” 1960

con estéticas próximas al pop-art y a las del movimiento hippie, entre 1964 y 1960. Es un arte efímero y se suele producir en lugares

públicos. El término lo acuña Allan Kaprow en 1959 CARACTERÍSTICAS. El evento se desarrolla de acuerdo con una improvisación

que rompe los hábitos mentales del espectador. La acción tiene lugar en un espacio y un tiempo definidos, en los que el resultado

está constituido por la experiencia colectiva, y los signos que de ella quedan, las fotografias, son documentos de un tiempo vivido

realmente. La obra, pues, no se focaliza en objetos, sino en el evento a organizar, y en la participación de los "espectadores". El

tiempo, en tanto que duración real, entra en el arte. El happening es planteado en lugares en los que no está prevista la presencia de

la producción artística. En general la acción no tiene lugar en el espacio cerrado de una galería, sino frecuentemente en distintos

espacios de la ciudad. En América está vinculado al descubrimiento del cuerpo. Aunque es común confundir el happening con la

llamada performance el primero difiere de la segunda por la improvisación. Los happenings integran el conjunto del llamado

performance art y mantiene afinidades con el llamado teatro de participación. El happening recuerda ciertas manifestaciones del

futurismo y del dadaísmo, y seduce a muchos artistas pop, pero también a artistas conceptuales y partidarios del body art. Fuera de

América el happening fue utilizado por el grupo Gutai en Japón y por el grupo Fluxus en Wiesbaden. ARTISTAS

REPRESENTATIVOS. John Cage, Allan Kaprow, Rauschenberg, Lichtenstein, Robert Whitman, Spencer Tunik (masas de gente

desnuda). • Michael Kirby, Happening, 1968. Citado en G.C.Argán; El arte moderno. Ed. Akal. Madrid, 1992. Págs. 77-80. • En: Varios

autores.- El arte del S. XX.- Salvat. Barcelona. 1990. Tomo 2.- Págs. 203 • http://www.masdearte. IMAGEN DIGITAL DEFINICIÓN.

Disciplina de las artes plásticas que comprende obras en las que se usan elementos digitales, tanto en el proceso de producción

como en su exhibición. La revolución tecnológica del último siglo ha propiciado un arte digital hecho mediante la innovación de

programas informáticos, y también el surgimiento de un gran abanico de cámaras. La primera exposición de gráficos generados por

una máquina electrónica tuvo lugar en 1953 en el Sanford Museum de Cherokee, Iowa (EUA). MATERIALES, TÉCNICAS. El arte

digital es producto de la tecnología informática. Utiliza medios informáticos (ordenador, programas informáticos, escáner, cámaras

digitales…) y tecnologías digitales en el proceso de producción o en su exhibición. Las técnicas del arte digital aplicadas en la edición

electrónica han tenido un impacto enorme en el mundo editorial, a pesar de estar más relacionadas con el diseño gráfico. 27I.E.S.

ITACA (Alcorcón) Inés Martín Masa, 2011

28. Técnicas Gráfico-Plásticas. Tutorial 26. Movimientos artísticos, siglos XIX y XX. ARTISTAS REPRESENTATIVOS. Charles Csuri,

Robert Mallary. • http://www.artelista.com/arte-digital.html NUEVO REALISMO DEFINICIÓN. Movimiento artístico relacionado con el

Pop, fundado originariamente en 1960 por el crítico francés P. Restany y un pequeño grupo de artistas, entre los que se encontraban

Y. Klein, Arman, Cesar, Chisto, M. Pistoletto y D. Spoerri. Se trata de un nuevo enfoque de lo real. CARACTERÍSTICAS. Reacción

contra el expresionismo abstracto. Recurre a la apropiación de imágenes triviales realistas, representando objetos de deshecho de la

sociedad, así como imágenes obtenidas de los medios de comunicación, de la realidad urbana cotidiana, y de tecnología y la

industria. MATERIALES, TÉCNICAS. Sus obras se basan fundamentalmente en el montaje de objetos cotidianos destrozados que

son apilados o encajados en planchas de plástico transparente (Arman), de piezas o carrocerías de automóviles comprimidas (César),

de objetos existentes, edificios y elementos naturales envueltos en polietileno transparente (Christo), etc Técnicamente, gusta de los

assemblage y del azar, recordando en todo momento la importancia de lo real. ARTISTAS REPRESENTATIVOS. Arman, Daniel

Spoerri, Jean Tinguely, César, Christo. • http://www.masdearte.com BODY ART DEFINICIÓN, CARACTERÍSTICAS,

PRECURSORES. Estilo enmarcado en el arte conceptual, aparece en el último periodo de los años sesenta y a lo largo de los años

setenta, en Europa y, en especial, en Estados Unidos. Se trabaja con el cuerpo como soporte y como material plástico. Creador y

creación se convierten en una misma cosa. Suele realizarse a modo de acción o performance, con una documentación fotográfica o

videográfica posterior. El resultado es efímero y, por lo tanto, imposible de coleccionar. Fue Bruce Naumann, en el año 1965, el

primero que utilizó la expresión Body Art. CARACTERÍSTICAS. Representa una reacción contra la “frialdad” del Arte Conceptual.

Implica, en general, la presencia de un público con el que el artista intenta establecer comunicación inmediata sin recurrir al lenguaje

sino sólo a través de la sensibilidad o de una especie de simpatía física. De temática muy variada, las obras Body Art hablan de sexo,

poder y violencia. En Estado Unidos, con un tono analítico. En Europa, más dramático y a menudo escorado hacia el travestismo.

PRECURSORES. La tonsura de Marcel Duchamp en 1919, la Escultura viva de Manzoni (1961), o las Antropometrías con “pinceles

vivos” de Klein (1962). MATERIALES Y TÉCNICAS. Pintura sobre el cuerpo, el cual se pinta, se calca, se ensucia, se cubre, se

retuerce…. El cuerpo es utilizado como herramienta, o considerado en sí mismo, sin ser modificado, como, una obra en sí. Puede

estar transformado por un disfraz (Journiac, Lothi), ser utilizado como instrumento o unidad de medida (Rinke), agredido, puesto a

prueba hasta los límites del sufrimiento (Pane, Accionismo 28I.E.S. ITACA (Alcorcón) Inés Martín Masa, 2011

29. Técnicas Gráfico-Plásticas. Tutorial 26. Movimientos artísticos, siglos XIX y XX. vienés), exhibido en miniacciones teatrales (Joan

Jonas) o irónicas que lo deforman por medio de muecas, mordeduras e ínfimas agresiones (Naum, Samaras, Acconci). ARTISTAS

REPRESENTATIVOS. Yves Klein, Bruce Nauman, Vito Acconci, Vito Bongiorno y Youri Messen- Jaschin. Escuela de Viena: Rainer,

Brus, Nitsch, Rot, Schzarzkogler. • G.D. En: VV.AA.- Diccionario Akal de Arte del S. XX. Madrid 1997. Págs. 80-81 •

http://www.arteseleccion.com/movimientos-es/body-art-191 COPY ART DEFINICIÓN, CARACTERÍSTICAS. También llamado

electrografía, es una modalidad artística, dentro de la disciplina del grabado, que se inicia en los años 60 que consiste en la

producción de obra gráfica seriada o única a partir de la reproducción por fotocopia. Los primeros experimentos en xerografía fueron

obra de Chester Carlson en 1938. CARACTERÍSTICAS. Está íntimamente ligada a la aparición de una tecnología específica (como lo

es el videoarte, o el netart,…) y, como suele suceder en estos casos, los pioneros en estas disciplinas se iniciaron en la búsqueda de

los límites de la propia tecnología, experimentando con el lenguaje, contraviniendo sus propias "leyes", etc. Los artistas tenían una

actitud de una cierta rebeldía, algo retro, una apuesta más cercana la producción en precario, al "low-tech", a lo hecho a mano, el "do-

it-yourself“. MATERIALES. Tecnológicos: fotocopiadoras, plotters, impresión offset-digital, impresoras inkjet…. ARTISTAS

REPRESENTATIVOS. Chester Carlson. • http://www.saladestar.com/08/copyfans/esp_copyart.html ARTE EFÍMERO DEFINICIÓN.

Expresión artística concebida bajo un concepto de fugacidad en el tiempo, de no permanencia como objeto artístico material y

conservable. Es un arte pasajero. Por su carácter perecedero y transitorio, el arte efímero no deja una obra perdurable, o si la deja —

como sería el caso de la moda— ya no es representativa del momento en que fue creada. Dentro del concepto de arte efímero están

las diversas modalidades englobadas en el llamado arte de acción, como el happening, la performance, el environment y la

instalación, o bien del denominado arte conceptual, como el body-art y el land-art, así como el graffiti. •

http://es.wikipedia.org/wiki/Arte_ef%C3%ADmero 29I.E.S. ITACA (Alcorcón) Inés Martín Masa, 2011

30. Técnicas Gráfico-Plásticas. Tutorial 26. Movimientos artísticos, siglos XIX y XX. FLUXUS DEFINICIÓN, CARACTERÍSTICAS.

Movimiento que se desarrolla en Norteamérica y Europa bajo el estímulo de la obra de Cage. Los artistas tienen como objetivo de

recrear la experiencia artística de modo alternativo y liberatorio, ya no trabajan bajo el signo de una misma poética. Fue promovido en

1962 en Norteamérica por George Maciunas. CARACTERÍSTICAS. Opuesto a la tradición artística, este movimiento busca ante todo

la fusión y la mezcla de todas las prácticas artísticas: música, acción, artes plásticas. Lo que se consagra mediante las

manifestaciones de este movimiento es lo efímero. En Fluxus se mezcla la alta cultura con la popular, el arte, el juego, lo insignificante

y un inexistente valor mercantil del producto o acciones realizadas. La palabra «Fluxus» significa flujo, diarrea, movimiento imparable

hacia un empeño más ético que estético. Pretende hacer un uso distinto de los canales oficiales del arte separado de todo lenguaje

específico. Es decir, pretende la interdisciplinaridad y la adopción de medios y materiales procedentes de diferentes campos. El

lenguaje no es el fin, sino el medio para una noción renovada del arte, entendido como «arte total». La experiencia artística, obra o

evento, da ocasión para lograr una presencia y un signo de energía en el ámbito de la realidad. De este modo «Fluxus» actúa como

frente móvil de personas y no como grupo cualificado de especialistas, que más que la táctica de experimentación de nuevos

lenguajes persigue la estrategia del contagio social, la posibilidad de crear una serie de reacciones en cadena, ondas magnéticas por

debajo y por encima del arte. La música está en el centro de las preocupaciones de Fluxus. Esto significa que se acabó la producción

de cuadros y de objetos. En sus manifestaciones, los miembros de Fluxus, que se libran a la antimúsica, la antipoesía y el no-arte,

hacen participar al público, sobre todo en el teatro y en la música, pero sin que esta participación esté debidamente dirigida y

encauzada. La primera manifestación colectiva «Fluxus Internationale Festspiele» tuvo lugar en Wiesbaden, en septiembre de 1962.

MATERIALES, TÉCNICAS. Realizan conciertos por toda Europa. Esta efervescencia de Fluxus va acompañada de panfletos, sellos,

carteles, películas y cajas que se reeditan muchas veces. ARTISTAS REPRESENTATIVOS. Brecht, Dick Higgins, Al Hansen,

Kaprow, Nam June Paik, Vostell y La Monte Young. • Textos:Lamonte Young, Antology of. 1963 • Citado en G.C.Argán; El arte

moderno. Ed. Akal. Madrid, 1992. Págs. 77-80 • VVAA.- El arte del S. XX. Ed. Salvat. Madrid, 1990. Pág. 168 30I.E.S. ITACA

(Alcorcón) Inés Martín Masa, 2011