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Universidad Estatal de Bolívar FACULTAD DE CIENCIAS DE LA EDUCACIÓN, SOCIALES, FOL OSÓFICAS

Y HUMANÍSTICAS

Carrera Carrera Carrera Carrera de de de de Bellas ArtesBellas ArtesBellas ArtesBellas Artes

Centro Académico Riobamba Tercer Ciclo

Módulo de Pintura a la Acuarela

El Retrato y el desnudo

M.sc. Víctor Aranda Núñez

2010.2011

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1. PRESENTACIÓN

Esta presentación, como es habitual, está dedicada a los estudiantes, a las personas que aman la pintura y desean conocerla mejor, y principalmente a las que aprenden a practicarla. Pero, además, esta presentación es especial porque está estructurada con los contenidos más sobresalientes e ilustrado de manera práctica.

Para tener una idea general sobre su importancia y aplicación cabe hacer un recorrido sucinto sobre su trayectoria. La Acuarela es una de las técnicas más antiguas de la pintura de origen egipcio aparece en las ilustraciones de papiros y que en el siglo XVI fue reintroducida en Occidente principalmente por el gran Albrecht Durer.

Su desarrollo posterior viene dado por dos factores básicos: por una parte, la relación directa entre dibujos de libros de viajes, láminas de vistas y su «iluminación», es decir, el coloreado de imágenes, que se hacía a la acuarela. Por otra parte, esta especie de «moda», muy justificada en tanto que aún no existía la fotografía, llevó a la acuarela a situarse, artísticamente hablando, en un punto álgido, puesto que recibió el aplauso de los ambientes artísticos al caer en las hábiles manos de Turner, el inglés viajero y romántico, fantástico colorista y considerado por los propios impresionistas como su precursor, o en las no menos hábiles del francés Delacroix, que realizó con esta técnica un diario de apuntes sobre temas marroquíes (apuntes que luego utilizó en sus apasionados, románticos e impresionantes cuadros de temas bíblicos o históricos).

Por ello, empezó a introducirse en las escuelas de arte y los museos de todos los países occidentales. Es, por tanto, la combinación entre la «utilidad» de la acuarela, para las editoriales y el mercado de ilustraciones del XIX, y el prestigio artístico conseguido por los grandes pintores la que revaloriza la técnica y la hace llegar, con el mismo carácter artístico, hasta nuestros días. Posteriormente, con el Impresionismo, nos llegó la influencia oriental: los dibujos a tinta y las aguadas japonesas acabaron de afianzar el valor artístico de esta técnica.

Dada las cualidades artísticas y estéticas su estudio es fundamental en toda Escuela de Arte, porque su aplicación amplía el ámbito artístico en el que puede desempeñarse el futuro profesional.

2. OBJETIVO GENERAL DEL MÓDULO

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� Dotar al estudiante de un documento con elementos teóricos, conceptuales y procedimientos metodológicos que le permitan alcanzar el dominio de las diferentes técnicas de la acuarela.

� Aplicar los diferentes recursos técnicos para la consecución de obras artísticas con sentido crítico y estético.

� Valorar las cualidades artísticas que la acuarela tiene en el ámbito artístico.

3. ORIENTACIONES PARA EL USO DEL MÓDULO

El trabajo académico del curso se ha organizado de tal forma que el contenido científico teórico sea el soporte para la ejecución de los trabajos artísticos a realizarse en el aula y extraclase.

En el módulo contempla aspectos fundamentales sobre la metodología básica para el desarrollo creativo de los trabajos prácticos, pero ello no implica que el educando pueda acudir a otras fuentes bibliográficas para consultar y despejar dudas.

Durante las jornadas de trabajo presencial se dará orientaciones sobre los aspectos más sobresalientes del proceso creativo práctico en cada uno de los géneros de la pintura a la acuarela en base a la técnica de la demostración.

Los ejercicios de auto evaluación deberán ser presentados de encuentro a encuentro, con la finalidad de no dejar acumular los trabajos para el final del parcial.

El proceso académico será evaluado sistemáticamente a través de trabajos prácticos realizados en el aula, trabajos de investigación y trabajos extraclase.

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PRIMERA UNIDAD

TÍTULO: RETRATO

PRIMER ENCUENTRO

OBJETIVOS ESPECÍFICOS

� Realizar un estudio teórico sobre los aspectos más relevantes de la técnica la acuarela.

� Aplicar con destreza los principios del canon de belleza � Aplicar los principios compositivos del retrato � Utilizar apropiadamente las mezclas de color � Valorar críticamente las obras realizadas.

CANON

El canon a igual que de la figura humana se será de gran utilidad, puesto que le permite la ubicación correcta de cada una de sus partes. No olvide que un buen dibujo una buena pintura.

Como hemos podido ver, para dibujar la figura humana, desde la antigüedad clásica los artistas han calculado y: establecido unas medidas estandarizadas que denominamos canon.

Lo mismo sucede si deseamos dibujar o pintar rostros bien proporcionadas.

El canon de la cabeza se basa en unas medidas módulos que, a su vez determinan el lugar de nacimiento del cabello, la ubicación de las cejas, los ojos, la nariz, los labios y el perfil de la barbilla. En las páginas que siguen usted comprobará las «afortunadas coincidencias» que le ofrece el canon de la cabeza representando la estructura general del retratado con naturalidad.

NORMAS

El retrato y el análisis de la personaliconstante estudio por parte de los pintores. El retrato en acuarela permite tanto una interpretación cuidadosa y realista como una expresionista y enérgica.

Un buen retrato debe ofrecer un pareviene determinada por la construcción matemática de la cabeza, la exageración de los rasgos que más caracterizan la fisonomía del retratado, la «pose» o actitud del modelo y los rasgos psicológicos que transmite el per

Sólo se puede ser un buen artista si se penetra en el espíritu del modelo.

Captar el carácter individual de

Observe la «pose» de la cabeza y del cuerpo; del modelo a pintar.

El cuerpo no debe seguir el movimiento de la cabeza. Antes de empezar, estudiafisonomía del modelo dándole la expresión conveniente.

CROQUIS

El croquis es el arte de en breves trazos capturarcaracterísticos, del rostro y

Es necesario estudiar y observar las «poses» habituales en cada edad.

En la estructura del rostro hayimportantes que van a caracterizar al retratado

Un dibujante debe tener los ojos en todo, colocarlo todo en lugar hasta el último detalle capaz de lograr una armonización general.

Recuerde que se pinta como se dibuja.

Conforme va progresando en el proceso de la pintura vayaaplicando medias tintas y luego las

Observe bien los límites de las sombras, de la media tinta y de los claros.

Evite el exceso de reflejos que podrían romper la masa.

Los retratos de mujer han de ser poco oscuros, lo más claros posibles.

El retrato y el análisis de la personalidad de los sujetos retratados ha sido un tema de constante estudio por parte de los pintores. El retrato en acuarela permite tanto una

dosa y realista como una expresionista y enérgica.

Un buen retrato debe ofrecer un parecido aproximado con el modelo, y dicha semblanza viene determinada por la construcción matemática de la cabeza, la exageración de los rasgos que más caracterizan la fisonomía del retratado, la «pose» o actitud del modelo y los rasgos psicológicos que transmite el personaje.

Sólo se puede ser un buen artista si se penetra en el espíritu del modelo.

el carácter individual del modelo es la base fundamental.

de la cabeza y del cuerpo; dibuje las características fundamentales

El cuerpo no debe seguir el movimiento de la cabeza. Antes de empezar, estudiadándole la expresión conveniente.

en breves trazos capturar los rasgos su espíritu.

s necesario estudiar y observar las «poses» habituales en

la estructura del rostro hay movimientos y rasgos importantes que van a caracterizar al retratado.

Un dibujante debe tener los ojos en todo, colocarlo todo en su detalle capaz de lograr una armonización

pinta como se dibuja.

Conforme va progresando en el proceso de la pintura vaya luego las fuertes sombras.

bien los límites de las sombras, de la media tinta y

el exceso de reflejos que podrían romper la masa.

Los retratos de mujer han de ser poco oscuros, lo más claros

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dad de los sujetos retratados ha sido un tema de constante estudio por parte de los pintores. El retrato en acuarela permite tanto una

mado con el modelo, y dicha semblanza viene determinada por la construcción matemática de la cabeza, la exageración de los rasgos que más caracterizan la fisonomía del retratado, la «pose» o actitud del modelo y

dibuje las características fundamentales

El cuerpo no debe seguir el movimiento de la cabeza. Antes de empezar, estudiar la

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Perfeccionar desde un principio, construir, buscar, juntar por las líneas, comparar las grandes distancias, los grandes trazos y armonizar.

De todos modos, para obtener buenos resultados en el arte del retrato es imprescindible haber mantenido una práctica continuada en él.

Esto requiere horas y horas de estudio y experimentación. Ponga en práctica los con-sejos aquí descritos. Aunque en un principio sus resultados no sean satisfactorios, al poco tiempo comprobará que sus dibujos van mejorando progresivamente hasta reflejar con mayor acierto los rasgos característicos del personaje que retrata.

COMPOSICIÓN

Nos encontramos ya sentados a la distancia correcta frente al modelo. Vamos a afrontar el problema de la composición, es decir, la forma que ofrece el conjunto en base al cálculo de proporciones con respecto al espacio que le circunda y al lugar que éste debe ocupar en el plano del cuadro.

Empezaremos decidiendo la posición de la cabeza, es decir, si queremos dibujar el modelo mirando de frente, de tres cuartos o de perfil , aunque esta última postura no se utilice muy a menudo. Cuando pinte el modelo frontalmente, la cabeza debería situarse en el centro visual del cuadro.

Si pinta la cabeza en tres cuartos desplácela ligeramente hacia uno de los lados de modo que quede más espacio frente a la cara del modelo que detrás.

Finalmente, si dibuja una cabeza de perfil, la cabeza aparecerá más descentrada que la anterior, dejando mucho más espacio delante que detrás.

Una vez valoradas las consideraciones generales aquí explicadas, tome un pequeño bloc de apuntes de tamaño reducido con el fin de mejorar, si cabe, ese estudio inicial. Saque entre cinco y seis apuntes con la preocupación de encajar, proporcionar y tratar de comprender la actitud del modelo.

PROCESO PICTÓRICO POR ETAPAS

Proceso pictórico de la acuarela, el módulo acoge algunos principios muy importantes para aprender a pintar a la acuarela, de varios autores, en una compilación que de seguro contribuirá en el proceso de su formación artística; aunque en realidad no hay formula alguna en el mundo que haga de un ente un artista.

Ser artista implica mucho más que el mero dominio de una técnica, pero de todas maneras en este módulo se va a tratar de proporcionar algunos consejos técnicos en dos de los géneros de la pintura “El bodegón y el paisaje”.

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EL RETRATO DE PERFIL

Proporciones

Para el dibujo del rostro femenino, las proporciones y divisiones a utilizar son iguales a las del rostro masculino, con algunas pequeñas variantes a tener en cuenta dentro del dibujo del rostro femenino; como son la quijada más angosta, el trazado o dibujo de las cejas y el delineado de sus ojos y boca. Algo que ayuda a enfatizar el rostro femenino, es la forma de su cabello, detalle importante para tener en cuenta en el momento de empezar el dibujo.

Este ejercicio nos permitirá explicar algunos aspectos importantes que solo se consigue con la constante práctica, estos aspectos son: las proporciones, el claroscuro y el estado psicológico.

El modelo propuesto es una niña que mira a través de los cristales de una ventana. La cabeza, muy estática, aparece iluminada por la luz natural que procede del exterior. Una vez que haya usted tomado la pauta guía, con el esbozo de la niña, ya podemos empezar.

Se comienza el bosquejo de la cabeza con un lápiz 2B. El método de entornar los ojos puede serle también de gran utilidad, pues permite sintetizar las formas y acusar contrastes en el modelo. Antes de proceder a extender el color sobre el rostro, verifique que su dibujo está conforme con el modelo real.

Coja un pincel redondo del número 8 y empiece a pintar el color carne de la cara y de la mano con una mezcla de Siena natural y ocre (con abundante agua). Son los colores más claros correspondientes a la parte iluminada.

Con esta aguada todavía húmeda, superponga una mezcla de azul de manganeso y tierra sombra tostada para pintar un primer sombreado Resuelva usted del mismo modo el cabello con una primera capa, mezcla de gris de Payne y tierra sombra tostada, y los labios con un leve color rosado. Espere a que seque esta primera aguada para pintar las manchas intensas que describen la dirección del pelo y el volumen de la trenza.

Finalice esta fase definiendo de manera sintética la sombra de una mano que sólo aparece de forma imprecisa.

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Fíjese que tanto en el rostro como en el pelo ya pueden verse los tanteos iniciales de luces y sombras.

Con un poco de bermellón pinta el borde del cuello de la camisa. La artista pinta ahora el cristal de la ventana con una aguada de colores claros. Para ello basta con mezclar el gris de Payne con lo que ha sobrado de la aguada anteriormente usada para resolver las carnaciones. Haga usted lo mismo en su acuarela. Vea cómo dicha aguada simula el reflejo del rostro de la niña sobre la superficie lisa del cristal

Repasa con cera blanca las pequeñas líneas paralelas del marco de la ventana, de modo que crea unas reservas. Al hacerlo, usted comprobará que la pintura no tiñe el papel, ya que la cera no es compatible con la aguada de la acuarela

A continuación, con un pincel ancho empiece a cubrir el resto del fondo con una aguada de un gris violeta (azul cobalto, rojo carmín y una pizca de gris de Payne).

La artista retoma el mismo pincel redondo utilizado anteriormente y prosigue pintando la ropa con una aguada compuesta de azul ultramar y una pizca de tierra sombra tostada.

Vuelve ahora a la zona del pelo, detallando y contrastando las zonas más oscuras. Para realzar la luz que incide en el rostro de la niña, subraye los tonos del cuello, la nuca, las mejillas, las orejas y los ojos con un velado algo más intenso (tierra sombra tostada y un poco de azul de Prusia). Luego enfatice la boca, intensificando el color de los labios.

Cuando la pintura del cabello haya secado completamente y con la punta de una cuchilla, abra blancos raspando con cierta energía la superficie del papel señalando la dirección del pelo

Compare este resultado final con el ejercicio que usted ha hecho. Es posible que la resolución del pelo le haya supuesto alguna dificultad. Si no ha sido capaz de resolverlo sobre húmedo, no se apure. Deje secar la aguada; una vez seca, superponga otra con un color más intenso, siempre de menos a más, primero aplicando la acuarela en forma gradual valorando intensidades con nuevos trazos. Pero controle la dirección del trazo en el cabello siguiendo la dirección del peinado. Antes de finalizar, le diré que, si tiene la oportunidad, haga como la artista y pinte variaciones sobre el mismo tema.

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SEGUNDO ENCUENTRO

EL RETRATO DE TRES CUARTOS

Para pintar el retrato de tres cuartos hay que considerar los espacios circundantes, o sea la atmósfera que envuelve al retratado, esto se consigue desplazando ligeramente hacia uno de los lados del formato, de tal modo que quede más espacio frente a la cara del modelo que detrás, con la finalidad de buscar una mejor armonía en la composición.

Recuerde que de una buena composición depende una buena pintura. Sin olvidarse que la acuarela es ante todo una técnica compleja que hay que cultivarlo insistentemente para llegar a su dominio.

TERCER ENCUENTRO

EL RETRATO DE FRENTE

El retrato es uno de los géneros más complejos por que a más de haber logrado una buena composición y quizá un parecido, es necesario capturar el estado psicológico del retratado.

Este estado psicológico puede ser un simple gesto, una mueca, un estado de ánimo, una actitud que el modelo manifieste en forma constante.

Y por último de la calidad de la mancha va a depender la calidad estética de la obra pictórica.

CUARTO ENCUENTRO

ESTUDIO DEL AUTORRETRATO

Le invito ahora a que siga la experiencia práctica de pintar un autorretrato.

La gran ventaja del autorretrato es que el artista es su propio modelo, un modelo siempre paciente y disponible.

Para el efecto debe colocar al frente un espejo a un metro o metro y medio de distancia, de manera que pueda ver reflejado su rostro ante sí.

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Vea en la figura cómo se ha colocado la artista de manera que tiene los materiales a su alcance en una pequeña mesilla situada a su derecha (la caja-paleta, el frasco con agua, los pinceles...). Escoge una postura cómoda frente al espejo para que al mismo tiempo pueda verse cómodamente y pintar.

El artista se sienta frente al espejo, a un metro o metro y medio de distancia, y estudia durante un largo período de tiempo sus rasgos característicos.

Empieza a realizar la cara, dibujando primero la forma de la cabeza mediante unos breves trazos esquemáticos. Poco a poco va situando los rasgos que determinan el parecido, y se detiene en representar con precisión cada uno de los elementos faciales (fig. 47, pág. anterior).

Pinta aplicando el método directo: una primera valoración para los tonos de la piel con ocre, rojo bermellón y tierra sombra tostada. Hay que proceder con cierta rapidez: moja previamente el papel y se limita a señalar los tonos iniciales, es decir, la zona iluminada y la que queda en sombra

La pintura va evolucionando, tras una primera valoración, la artista continúa añadiendo matices, aunque sigue tratando las zonas tonales de manera muy esquemática, sin precisar demasiado.

Tras unos primeros tanteos en un papel aparte, realiza un dibujo medianamente detallado prestando mucha atención en lograr el parecido deseado.

Con un pincel del numen 12 resuelve una primera valoración en la cara con el fin de distinguir las zonas iluminadas y las sombreadas.

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Debe tener en cuenta que el color de la piel no es rosado, como suele creerse.

Los tonos de la piel pueden mostrar una amplia paleta cromática, aunque, para empezar y no complicar demasiado el asunto, bastará con introducir colores fríos en las partes oscuras y cálidos en las zonas más iluminadas.

Una vez que ya ha logrado una representación fresca y viva de la piel del rostro, pasa a ocuparse de los ojos y los labios, aunque sin resolverlos completamente. Les aplica una tenue aguada que irá reforzando a medida que la pintura avance.

Intensifica las sombras de la figura para destacar el volumen de la cara.

Resalta las sombras que rodean los párpados, la nariz y la boca y señala la situación de las cejas.

Vea cómo cada sombra tiene su propio color; así, la sombra de la nariz tiene un tono violá-ceo, mientras que las mejillas presentan una tendencia rosada.

Observe las transparencias y la gama de tonos que la artista ha utilizado en la piel y trate de comprender cómo obtuvo dichos efectos.

Sigue pintando el pelo con un violeta bastante diluido que dejará secar para proceder a reelaborarlo en una etapa posterior.

Con el mismo pincel del número 12, continúa aplicando nuevos matices y valores en la cara. Son colores de tendencia más ocre en las zonas iluminadas y más violáceas en las zonas sombreadas. Con un pincel delgado del número 8, empieza a colorear los ojos y los labios. Comienza aplicando suaves colores que ya procurará intensificar a medida que evolucione el dibujo.

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Una vez resueltos los tonos básicos de la piel, toma un pincel ancho y comienza a pintar el fondo a base de aplicar pintura violácea muy diluida. Con sumo cuidado perfila la silueta de la figura sin invadir su perímetro interior.

Cuando el papel haya absorbido parte de la humedad del color de fondo, será el momento de pintar el pelo con una aguada que resulta de mezclar tierra sombra tostada y lo que sobró de pintar el fondo.

Rápida y decididamente, se resuelve la mancha oscura del cabello, de modo que los trazos siguen la dirección natural de éste.

Ahora es el momento de comprobar que hayan quedado resueltos los detalles del rostro antes de empezar a pintar el color de la camisa. Verifica que los ojos tienen la intensidad y el color ideal y que la boca queda representada por dos planos fundamentales, el labio superior algo más oscuro que el labio inferior.

Pero vayamos ya a pintar la ropa, también sobre húmedo, resuelto alia prima y siempre empezando con pintura diluida que iremos intensificando a medida que resolvamos los efectos de luz y sombra. Y he aquí la obra final: un retrato de la propia artista tratado con precisión y entusiasmo.

La última sesión de pintura se ha dedicado a revisar el ajuste general de la forma, el color y el acabado definitivo.

Ahora ya puede usted tratar de pintar un autorretrato, siguiendo el método descrito a breves rasgos

Algunos consejos que le pueden ser útiles:

Mezcle bien los colores en la paleta.

No trate de mezclar los colores sobre la cartulina.

Utilice dos recipientes para el agua.

Para cada cambio de color lave los pinceles.

No martirice los colores.

A continuación algunos ejemplos de retratos a la acuarela.

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Como puede observar cada artista tiene su propio método y plasma los retratos de acuerdo a su personal forma de percibir en cuanto a estructura y cromática.

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SEGUNDA UNIDAD

QUINTO ENCUENTRO

EL DESNUDO

PROPORCIONES

No podemos descuidar e insistir que para lograr un buen desnudo a la acuarela es necesario partir de las proporciones.

ESTUDIO DEL DESNUDO A LA ACURELA

Las proporciones de la Figura Femenina, desde el punto de vista académico, el canon normal a utilizar es de 8 cabezas, lo que permitirá conseguir una figura.

Practique dibujando estas proporciones al momento de hacer el dibujo y tome en cuenta las siguientes sugerencias: en el femenino cuello delgado, hombros estrechos, cadera ancha, piernas redondeadas, contornos suaves y brazos delgados. En el masculino cuello grueso, hombros anchos, cuerpo musculoso, cadera angosta, contornos fuertes.

A partir del Renacimiento y hasta nuestros días, prevalece casi exclusivamente el canon de 8 cabezas, que de manera idealizada, determinaban un tipo de Figura .Esbelta y casi perfecta. Pero el estudio de hoy, permite entender que no necesariamente la figura humana debe estar comprendida dentro del canon de 8 cabezas. Entendiendo que hay seres humanos de tallas pequeñas y también más

robustos, que pueden estar comprendidos entre 7 y menos cabezas.

Se va a pintar una figura desnuda iluminada con luz cenital. Recordemos que la luz cenital es aquella que procede de un punto de luz elevado, que se sitúa por encima del modelo, generalmente desde una obertura o ventana algo elevada. Proporciona la calidad ideal para dibujar o pintar, aunque la presencia de las sombras no se haga tan evidente, se crean sombras muy cortas, que casi desaparecen cuando la fuente de luz se halla perpendicular al modelo en cuestión.

En este caso la modelo se nos presenta desnuda en una pose de perfil. Lleva un turbante blanco en la cabeza y sujeta una manzana roja que contrasta sobre el fondo azulado.

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Pero empecemos. Dibuje al diseño de la modelo desde un principio mediante sucesivas

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aguadas, distinga las zonas iluminadas de las sombreadas en la figura. Para esta primera aguada usted puede utilizar una mezcla de sombra natural con una pizca de azul manganeso para los tonos oscuros de la piel.Pinte con una aguada azul ultramar los

Este es el dibujo al que se lo ha resuelto mediante el añadido de sucesivas aguadas de color hasta lograr los efectos deseados.

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pliegues del turbante y refuerce los tonos anteriores añadiendo colores más intensos mientras la pintura aún está húmeda.

Utilice tres o cuatro tonos de piel: algunos de ellos con una tendencia azulada, con lo que conseguirá variaciones cálidas y frías en el color de la piel. Trabaje con sumo cuidado las zonas más delicadas de la cara (los labios, los ojos, las sombras de la cara, las mejillas), aunque sin dejarlas excesivamente resueltas para no desentonar con el resto del conjunto. Intensifique las sombras de la figura para resaltar el volumen.

El cuadro ya está a punto de terminarse. Sólo queda resolver el fondo y la tarima cubierta con una tela blanca. Así pues, cubra el fondo con una aguada azul ultramar (para esta operación puede utilizar un pincel plano ancho). Y por último realice algunos retoques y reajustes de color para dar por terminada la sesión de trabajo.

SEXTO ENCUENTRO

ESTUDIO DE LA FIGURA DE ESPALDAS

Previo a un estudio minucioso del dibujo es necesario realizar una secuencia de ensayos de la figura humana en varias posiciones para poder llegar a un dominio de la técnica, pero más que el dominio del dibujo es necesario ser muy cuidadoso al momento de trabajar con el color, puesto que de la transparencia y delicadeza en el tratamiento de la cromática va a depender el nivel de éxito del estudio de la técnica.

Fíjese en los ejemplos la calidad de mancha, la cromática y la expresividad en el manejo de las diferentes zonas matizadas, en él un caso, utilizando una paleta más completa y en el otro una paleta restringida.

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SÉPTIMO ENCUENTRO

ESTUDIO DE LA FIGURA SENTADA

En el siguiente ejercicio, deberá usted hacer lo mismo que en el ejercicio anterior: empezar dibujando la estructura general del dibujo.

Desde el inicio, dibuje la figura de un modo bastante minucioso, con el objeto de estudiar con precisión todas las proporciones.

Al hacerlo, al igual que en el paso a paso anterior, estudiaremos las coincidencias que le han de servir de referente.

Con tonos delicados empiece a manchar genéricamente tratando de dar forma a la figura sin entrar mucho en detalles.

Con el esbozo a lápiz resuelto, nos adentramos en la fase esencialmente pictórica.

Como siempre, la artista empieza atacando el blanco del papel con una primera valoración, con una aguada transparente.

Sin dejar secar la veladura anterior, con una segunda señala desde un buen principio aquellas zonas que van a permanecer iluminadas y aquellas que quedarán en sombra.

Ahora es el momento de que usted introduzca los matices, de modo que, donde hay sombra, el color de la piel se hace más oscuro y, donde hay luz, más claro, es decir, trate de explicar básicamente la forma, la valoración y el contraste mediante sucesivas aguadas.

Recuerde que debe ir siempre de menos a más.

A partir de ahí, en la última fase, se valorarán tonalidades y se acabarán de modelar los volúmenes.

En la última figura puede usted ver el resultado del proceso de trabajo en el que el color de las carnaciones se ha enriquecido ofreciendo un aspecto menos estructural y más pictórico. Le

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ruego que repita usted el ejercicio aquí descrito, pues la mejor manera de comprender la morfología humana es a través de la práctica.

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OCTAVO ENCUENTRO ESTUDIO DE LA FIGURA ACOSTADA. Siguiendo los pasos establecidos con anterioridad en los ejercicios planteados en el desnudo sentado y de pie, ahora ejecute algunos ejercicios con la figura acostada sin complicarse con demasiadas formas ni elementos, ya habrá tiempo para que realice ejercicios más complejos.

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NOVENO ENCUENTRO

ESTUDIO DE LA FIGURA EN ESCORZO

La figura en escorzo en cierto modo es más difícil que los ejercicios anteriores, pero no obstante el artista debe buscar a superar todas las limitaciones.

Pero como lograrlo, con la constancia y un trabajo concienzudo en el que se plantee sus propios retos, ya que no hay método ni técnica que sin esfuerzo pueda resolver sus limitaciones.

Recuerde que el mejor método es usted mismo, todo depende del arduo trabajo que usted despliegue para vencer todas las limitaciones y obstáculos.

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DÉCIMO ENCUENTRO

EL DESNUDO EXPRESIONISTA

Por último le invito a incursionar en la pintura expresionista, en la que se requiere de audacia, espontaneidad y manejo cromático sumamente suelto y expresivo, sin llegar a modelar los contornos.

Tu puedes el reto es tuyo

GLOSARIO

Papel absorbente

Tipo de papel que se caracteriza por su elevado grado de absorción. Muy utilizado en la pintura de acuarela para absorber el color y crear blancos. Puede ser servilletas, papel higiénico, pañuelos o papel-toalla.

Aglutinante

Sustancia que se mezcla con el pigmento en polvo para formar un medio pictórico.

Aguada

Estilo de dibujo-pintura practicado por la mayoría de artistas del Renacimiento y del Barroco. Consiste en un dibujo lineal, sin sombras, pintado después con agua y un solo color, generalmente sepia, trabajando con la técnica de la acuarela.

Alla prima

Técnica de pintura directa que puede resumirse en pintar en una sola sesión, en pintar rápido y en no volver atrás sobre lo pintado.

Anatomía

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Totalidad de músculos, huesos y articulaciones que configuran el cuerpo de cualquier animal.

Armonización cromática

Se trata del vínculo relacional que se establece entre los distintos colores dentro de una misma obra.

Articulaciones

Uniones de los diferentes segmentos óseos del esqueleto.

Asimetría

Cuando en un dibujo vemos una composición cuya estructura y distribución es intuitiva, sin responder a normas o reglas, pero manteniendo el equilibrio de unas masas respecto a otras, nos hallamos ante un ejemplo de asimetría.

Atmósfera

Es visible en paisajes y marinas, particularmente cuando la iluminación es a contraluz. Se caracteriza por el aire entre los primeros y los últimos términos, transformándose en sucesivas capas de neblina y, como consecuencia, por el mayor contraste de los primeros términos y la decoloración y menor definición de los términos más alejados.

Autorretrato

Modalidad de retrato que el artista hace de sí mismo, habitualmente frente a un espejo.

Azul cián

Es uno de los colores primarios pigmento del espectro. Es un azul neutro, equivalente al azul de Prusia (rebajado con blanco, cuando se pinta al óleo). Un color, con el nombre de azul cián, figura actualmente en las cartas de colores, tanto de pintura al óleo como de pintura a la acuarela.

Base

Superficie preparada sobre la cual se pinta.

Boceto

Se llama así a la fase previa de ejecución o ensayo de un dibujo o pintura de la que puede derivar una obra posterior definitiva. El boceto permite hacer muchos estudios previos hasta que el artista consigue desarrollar la idea que persigue.

Caja-paleta

Estuche metálico que sirve para guardar y mezclar los colores. Al abrir la caja las cavidades de la tapa, a modo de paleta, posibilitan la mezcla y combinación de los colores. Antiguamente las paletas estaban elaboradas de conchas de mar o marfil.

Canon

Regla que determina las proporciones ideales en la representación de la figura humana.

Claroscuro

Rembrandt es el gran maestro del claroscuro. En sus obras son evidentes las zonas cuyas formas y colores son visibles a pesar de estar envueltas en las más intensas som-bras. En sus libros de enseñanza del dibujo y pintura,

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Color local

El color propio de cada cuerpo, cuando éste no está alterado por sombras o reflejos.

Color reflejado

Color que existe en todos los cuerpos como reflejo directo o indirecto de la luz y el color de otros cuerpos

Color tonal

Color ofrecido por la sombra q-r proyectan los cuerpos.

Colores complementarios

Cuando usted mezcla dos colono primarios-pigmento (por ejemplo el amarillo y el azul cian). Obtiene un color secundado pigmento te verde). Éste, el verde, es el complementario del primario, pigmento que no ha intervenido en la mezcla anterior, es decir, el púrpura (o magenta). Si usted pinta una franja con el color verde y yuxtapone encima, o debajo, una franja de color púrpura, obtendrá el mayor contraste posible de colores. Y si mezcla dos complementarios en proporciones desiguales (y blanco, pintando al óleo), logrará un color sucio, grisáceo, dentro de la gama de colores quebrados.

Coloristas

Van Gogh, Matisse y los fauvistas iniciaron la fórmula de pintar como coloristas, dando más importancia al color que al volumen promovido por las sombras, teniendo en cuenta que pintando sólo con colores, sin sombras, puede explicarse la forma de los cuerpos. El colorismo forma parte de las tendencias de la pintura contemporánea.

Componer, composición

Se llama así a la disposición de los diversos elementos que intervienen en una obra de la manera más equilibrada y armónica posible. En definitiva, componer es seleccionar las mejores condiciones de armonía y equilibrio necesarios para el dibujo o pintura.

Contraluz

Contraste que se produce cuando la luz llega al modelo por detrás y, por lo tanto, crea una sombra intensa sobre un fondo luminoso.

Contraste

Oposición entre dos sensaciones cromáticas distintas.

Degradado

Disminución de la valoración de un tono, pasando gradualmente de un 'tono intenso a uno suave, de modo que no se produzca una transición brusca entre ambos.

Desnudo

Género artístico que, como su nombre indica, se caracteriza por la representación de la figura desnuda.

Difuminado

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Técnica que consiste en esparcir o reducir una o más capas de color sobre una capa de fondo, de manera que ésta queda parcialmente visible a través de los colores super-puestos.

Húmedo, pintar sobre

Técnica que consiste en pintar sobre una zona o capa humedecida con agua o recién pintada y todavía húmeda, controlando el grado de humedad, según la forma y el efecto que el artista desea conseguir.

Intensidad

Sinónimo de saturación: se refiere la pureza del tono que puede reflt jar una superficie de determinada color.

Ley de frontalidad

Cuando la línea recta vertical que pasa entre los ojos, la nariz y el ombligo divide la figura en dos partes equilibradas, transmitiendo cierta sensación hierática y estática. Es propia del arte griego y egipcio.

Lineal, dibujo

Representación gráfica mediante líneas sin ninguna valoración tonal. Resulta indicado para realizar el dibujo previo de una pintura a la acuarela, ya que, si le dibujáramos las sombras, los colores de la acuarela podrían ensuciarse al mezclar con el lápiz plomo.

Líquida, colores a la acuarela

Son aquellos colores parecidos a las anilinas que proporcionan un color intenso, de gran transparencia y luminosidad. Suelen utilizarse para pintar fondos y amplios degradados. Se suministran en pequeños frascos de cristal.

Marta, pelo de

El mejor pincel para pintar a la acuarela, de pelo terso pero flexible, mantiene la carga de color y ofrece siempre una buena punta. Es caro pero de buena calidad y larga duración.

Medio

Líquido en el que quedan suspendidos los pigmentos; por ejemplo, el aceite de linaza para la pintura al óleo, o la resina acrílica para las pinturas acrílicas.

Perspectiva

Ciencia que estudia la representación del espacio en una superficie plana, de modo que se muestra la tercera dimensión o profundidad.

Pigmento

Materia que posee color propio. Puede ser de procedencia animal, vegetal, mineral o química. Al mezclar con los distintos aglutinantes (aceites, gomas, arcilla, látex...) de-termina el medio con el que vamos a pintar.

Pigmentos

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Agentes colorantes en polvo que se obtienen de fuentes naturales (aunque ahora también se fabrican sintéticamente) y que, al mezclarlos con aglutinante, dan lugar a la pintura.

Pincel seco

Técnica de pintar por la cual la pintura que se aplica sobre la superficie del soporte es espesa, de manera que se adhiere tanto al grano de los surcos del lienzo como a la tex-tura de la pintura de la superficie.

Proporción

Relación armónica de medidas que presentan entre sí las diferentes partes de un objeto o figura.

Punto de fuga

Punto situado en la línea del horizonte, que tiene la misión de reunir las líneas perpendiculares que derivan de las formas básicas de la perspectiva.

Quebrados, colores

Gama de colores compuestos por la mezcla de dos o más colores complementarios, en proporciones desiguales (y blanco, pintando al óleo).

Retrato

Plasmación en una obra de los rasgos faciales que caracterizan a una persona.

Reducción

Nombre que recibe el proceso de mezclar un color con blanco.

Sfumato (esfumado)

Técnica aplicada en los contornos del modelo, iniciada por Leonardo da Vinci.

Simetría

Composición del cuadro definida como la repetición de sus elementos a ambos lados de un punto o eje central.

Soporte

Superficie utilizada para pintar o dibujar, como un tablero de madera, un lienzo, una hoja de papel...

Técnicas mixtas

Designa el empleo de diferentes procedimientos pictóricos en una misma obra o una combinación de soportes para pintar.

Textura

Calidad táctil y visual que puede presentar la superficie de un dibujo o pintura. Puede ser lisa, graneada, rugosa, cuarterada, etc., y en cualquier caso es visible y táctil.

Tono

Terminología de procedencia musical que, aplicado al dibujo, se refiere al vigor y relieve de todas las partes de la obra con respecto al colorido y luminosidad.

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Torso

Representación del tronco del cuerpo humano.

Transparencia

Manera de aplicar la pintura de modo que permite que la luz o la capa de color anterior se filtren.

Valor

Grados de oscuridad o claridad que puede presentar un color.

Valoración

Tanto en dibujo como en pintura el volumen o modelado se obtiene por la valoración tonal del modelo, que a su vez se logra por la comparación y resolución tonal de los efectos de luz y sombra.

Veladuras

Capa de color transparente superpuesta a otro color al que intensifica o modifica.

Volumen

Efecto de tridimensional modelo en el espacio bidimensional.

BIBLIOGRAFÍA

José Parramón Curso Completo de Dibujo y Pintura Técnicas Húmedas, Parramón Ediciones, España 1994.

José Parramón, Pintando Bodegón a la Acuarela Paso a Paso, Parramón Ediciones, España 1990.

Henry Gasser, Aprende a Pintar Óleo, Acuarela Témpera, Ediciones DAIMON, Barcelona

Colin Hayes, Guía Completa de Pintura y Dibujo, Técnicas y Materiales, BLUME Ediciones,, España 1980.

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INDICE

Presentación 1 Objetivo general del módulo 2 Orientaciones para el uso del módulo 2

PRIMERA UNIDAD 3

Título: retrato 3 Primer encuentro

Canon 3 Normas 4 Croquis 4 Composición 5 Proceso pictórico por etapas 5 El retrato de perfil 6 Proporciones 6 Segundo encuentro El retrato de tres cuartos 8 Tercer encuentro El retrato de frente 8 Cuarto encuentro Estudio del autorretrato 8

SEGUNDA UNIDAD 14

Quinto encuentro El desnudo 14 Proporciones 14 El desnudo de pie de de perfil 14 Sexto en encuentro El desnudo de pie de de espaldas 16 Séptimo encuentro Estudio de la figura sentada 17 Octavo encuentro Estudio de la figura acostada 19 Noveno encuentro Estudio de la figura en escorzo 20 Décimo encuentro El desnudo expresionista 21

GLOSARIO 21

BIBLIOGRAFÍA 26