II. MARCO TEÓRICO

ORIGEN DE LA PINTURA

Hablar de los orígenes de la pintura supone hablar del porqué del arte, de cómo se origina. Parece ser, pues, que ha de buscarse en el momento en que nuestros antepasados empezaron a concebir sus objetos o su vida con una intención más allá de la funcionalidad. Desde el descubrirruento de las primeras muestras de este arte en Altamira hasta la actualidad, se han realizado numerosos descubrimientos que han ayudado a con6gurar un cierto esquema histórico y artístico para el estudio de esta pintura, cierto, pero también para enfatizar su relatividad.

Fundamentalmente, en el momento de estudiar este tema, se suele reducir al ámbito europeo (prácticamente, todo el continente) y mediterráneo, a pesar de existir otras zonas tan interesantes, como el caso de las pinturas halladas en Argelia, en Tassilin-Azyer. No obstante, suele ser el arte reunido en la zona de la cuenca cantábrica y del sur de Francia la que más ha atraído la atención de arqueólogos e historiadores.Es difícil establecer una cronología para un abanico temporal tan amplio.

Más que los habituales Paleolítico, Mesolítico y Neolítico, en el campo de la Historia -o “Prehistoria” – del Arte se suele hablar de términos como auriñaciense y magdalaniense, fijados por el abate fancés H. Breuil. Con ellos se refería a dos de las grandes zonas y épocas del período paleolítico (a lo que habría que añadir el término de arte esquemático levantino, ya en época neolítica, como se puede ver en la Cueva de la Cocina, en Valencia).

Así pues, las primeras pinturas aparecen en el Paleolítico superior tardío, hace unos 25.000 años, sobre todo en Francia, en España y en los Urales.Para establecer estas dataciones, se han usado diferentes medios, como la estratigraficación. Pero como la gran parte de las muestras pictóricas prehistóricas es de tipo parietal, se han de señalar otros medios más efectivos como el estudio de las superposiciones – de unos dibujos sobre otros-; por la comparación entre las diversas manifestaciones pictóricas de la época en los más variados soportes; así como a la comparación de los animales representados; o el análisis de los restos orgánicos – que puedan estar presentes en las superficies pintadas o en los pigmentos usados para su realización –.

De todas maneras, el método que revolucionó todos los anteriores y que permitió una gran exactitud para lograr fechar las piezas fue el carbono 14, que apareció en la década de 1950.

PREHISTORIA

El arte prehistórico es el desarrollado por el ser humano desde la Edad de Piedra (paleolítico, 25.000-8.000 a.C.; mesolítico, 8.000-6.000 a.C.; y neolítico, 6.000-3.000 a.C.) hasta la Edad de los Metales (3.000-1.000 a.C.), periodos donde surgieron

las primeras manifestaciones que se pueden considerar como artísticas por parte del ser humano.1

Fig.N° 1: Pintura rupestre de la Roca de los Moros, en El Cogul.

ARTE ANTIGUO 

EGIPTOLa pintura egipcia se caracteriza principalmente por presentar figuras yuxtapuestas en planos superpuestos. Las imágenes se representaban con criterio jerárquico.

GRECIALa pintura griega se desarrolló sobre todo en la cerámica, en escenas cotidianas o de temática histórica o mitológica. Se suele establecer dos épocas, en función de la técnica utilizada en la confección de cerámica pintada.

ROMA La pintura romana es conocida sobre todo por los restos hallados en Pompeya, donde se perciben cuatro estilos: el deincrustación, que imita el revestimiento en mármol; el arquitectónico, llamado así por simular arquitecturas.

Fig.N° 2: Pintura mural de la cámara funeraria de Amenemhet,Imperio Nuevo, dinastía XVIII (s. XV a. C.).

ARTE MEDIEVAL 

1 http://es.wikipedia.org/wiki/Historia_de_la_pintura Anónimo 2 de junio de 2012

La caída del Imperio Romano de Occidente marcó el inicio en Europa de la Edad Media, etapa de cierta decadencia política y social, pues la fragmentación del imperio en pequeños estados y la dominación social de la nueva aristocracia militar supuso la feudalización de todos los territorios anteriormente administrados por la burocracia imperial. El arte clásico será reinterpretado por las nuevas culturas dominantes, de origen germánico, mientras que la nueva religión, el cristianismo, impregnará la mayor parte de la producción artística medieval.

Fig.N° 3: Pantocrátor del ábside de Sant Climent deTaüll, MNAC.

ARTE PRERROMÁNICO Se denomina así a los múltiples estilos desarrollados en Europa desde la coronación de Carlomagno (año 800) hasta alrededor del año 1000, donde la aparición del románico supondrá la divulgación de un mismo estilo unitario a lo largo de todo el continente europeo.

Fig.N° 4: Ilustración del Beato de San Millán,Monasteriode San Millán.

ARTE BIZANTINO La pintura bizantina tuvo en época de Justiniano influencia paleocristiana, a la vez que recogió diversas tradiciones anteriores, especialmente la helenística y la siria neoática, destacando los conjuntos musivarios de San Demetrio de Salónica y San Vital de Rávena. En la segunda edad dorada se establecieron la estética y la iconografía bizantinas, sobre todo en torno a los iconos, con una fuerte carga simbólica de las imágenes.

Fig.N° 5: Pintura bizantina sobre pergamino siglo X

ARTE ROMÁNICO 

El arte románico representa el primer estilo de carácter internacional de la cultura europea

occidental, con una identidad plenamente consolidada tras el paso del latín a las lenguas vernáculas. La pintura románica era preferentemente mural, de signo religioso y figuras esquemáticas al igual que la escultura. Tuvo una fuerte influencia bizantina, difundida sobre todo por la orden benedictina.

Fig.N° 6: Códice de Santa Hildegarda (1165), Abadíade Santa Hildegarda, Eibingen (Alemania).

ARTE GÓTICO 

El arte gótico se desarrolló entre los siglos XII y XVI, época de gran desarrollo económico y cultural. El fin de la época feudal supuso el afianzamiento de los estados centralizados, con mayor predominio de las ciudades sobre el campo, al tiempo que un sector cada vez mayor de la sociedad tenía acceso a la cultura, que dejó de ser patrimonio exclusivo de la Iglesia.

Fig.N° 7: El matrimonio Arnolfini (1434), de Jan van Eyck,National Gallery de Londres.

ARTE DE LA EDAD MODERNA 

El arte de la Edad Moderna no confundir con arte moderno, que se suele emplear como sinónimo de arte contemporáneo se desarrolló entre los siglos XV y XVIII. 

Fig.N° 8: El nacimiento de Venus (1485), deSandro Botticelli,Uffizi (Florencia).

RENACIMIENTO 

Surgido en Italia en el siglo XV (Quattrocento), se expandió por el resto deEuropa desde finales de ese siglo e inicios del XVI. Los artistas se inspiraron en el arte clásico grecorromano, por lo que se habló de «renacimiento» artístico tras el oscurantismo medieval.

Fig.N° 9: La Gioconda (1503-1506), deLeonardo da Vinci, Museo del Louvre.

MANIERISMO 

La pintura manierista tuvo un sello más caprichoso, extravagante, con gusto por la forma sinuosa y estilizada, deformando la realidad, con perspectivas distorsionadas y atmósferas efectistas. 

Fig.N° 10: Venus de Urbino (1538), deTiziano, Galería Uffizi(Florencia).

BARROCO 

La pintura barroca se desarrolló en dos tendencias contrapuestas: el naturalismo, basado en la estricta realidad natural, con gusto por el claroscuro el llamado tenebrismo, donde cabe citar a Caravaggio, Orazio y Artemisia Gentileschi, Pieter van Laer, Adam Elsheimer, Georges de La Tour y los hermanos Le Nain

Fig.N° 11: Las Meninas (1656), de Diego Velázquez(Museo del Prado).

NEOCLASICISMO 

La pintura neoclásica mantuvo un sello austero y equilibrado, influido por la escultura grecorromana o figuras comoRafael y Poussin.

Fig.N° 12: Juramento de los Horacios (1784), de Jacques-Louis David, Museo del Louvre.

ARTE CONTEMPORÁNEO 

Siglo XIX 

Entre finales del siglo XVIII y principios del XIX se sentaron las bases de la sociedad contemporánea, marcada en el terreno político por el fin del absolutismo y la instauración de gobiernos democráticos

Fig.N° 13: Viajero frente al mar de niebla(1818),de Caspar David Friedrich,Kunsthalle de Hamburgo.

CONCEPTO

La pintura es el arte de la representación gráfica utilizando pigmentos mezclados con otras sustancias aglutinantes orgánicas o sintéticas. En este arte se emplean técnicas de pintura, conocimientos de teoría del color y de composición pictórica, y el dibujo. La práctica del arte de pintar, consiste en aplicar, en una superficie determinada —una hoja de papel, un lienzo, un muro, una madera, un recorte de tejido, etc.— una técnica determinada, para obtener una composición de formas, colores, texturas, dibujo, etc. dando lugar a una obra de arte según algunos principios estéticos.2

Representación sobre un plano (dos dimensiones), a diferencia de las otras artes plásticas.

2 https://es.wikipedia.org/wiki/Pintura Anonimo 2 de junio de 2012

Fig.N° 14: La creación de Adán, por Miguel Ángel. Detalle de uno de losfrescos de la Capilla Sixtina en el Vaticano.

Pintura es el arte que enseña a representar en una superficie plana cualquier objeto visible o imaginario, o a sugerirlo, por medio de la línea y del color.

Elementos básicos de la pintura académica son el dibujo, el modelado y el colorido.

Tradicionalmente, se distinguen la pintura histórica, la religiosa, la de batallas, el retrato, la de paisajes, la de marinas, la de animales y flores y la de naturaleza muerta.

La pintura responde a un impulso que se revela innato tanto en ciertos salvajes, esos del paleolítico, en sus pinturas rupestres de intención mágico-religiosa, como en el hombre antiguo y en el moderno.3

UTILIDAD:

No sólo decorativa. Función mágica, mensaje religioso, social, testimonial, etc.

- Variantes dentro de lo que entendemos por «pintura» en sentido estricto: Tejido, vidriera, cerámica, mosaico.

- Respecto a las otras artes plásticas tiene sus ventajas: facilidad de realización, materiales ligeros, económicos cualquiera, en un momento puede ser pintor.4

IMPORTANCIA

La pintura en el arte ha sido el modo de representación más firme y más usada en la historia de la existencia del hombre. Es por ello que, hoy en día, es el lenguaje visual utilizando universalmente para la expresión de sentimientos e ideas. 

Para comprender tal importancia, podríamos observar sus comienzos, cuando el hombre prehistórico sintió la necesidad de plasmar sus ideas, pintando garabatos en superficies de su alcance. La influencia que tiene este impulso humano, en relación con las creencias, fue de gran importancia para la evolución del hombre.La pintura fue totalmente determinante para la evolución del arte, como también de las sociedades en los aspectos económicos, culturales y religiosos.

3 http://www.profesorenlinea.cl/artes/pinturadefinicion.htm Anónimo 2 de junio del 2012 Enciclopedia Encarta.4 http://www.bricomanualidades.net/index.php/caracteristicas-de-los-materiales-empleados-clasificacion-propiedades-utilidad/58-pintura Anónimo 2 de junio de 2012 Enciclopedia Encarta.

A lo largo del tiempo, la aparición de grandes artistas, maestros de la pintura, han marcado fines y comienzos de etapas artísticas o movimientos. Por ejemplo, cuando miramos la obra ``La Guernica´´ de Pablo Picasso, observaríamos el espejo del mundo moderno y de la situación inestable que vivía España a causa de la guerra civil. En la actualidad esta obra es utilizada como símbolo de protesta. 

La evolución del hombre ha llevado de la mano a la pintura.

DONDE SE APLICA LA PINTURA

- Muro.- De caballete (tabla o lienzo).- Miniatura: Pergamino, vitela, laminado de marfil, laminado de metal.- Papel o cartón.- Tela.

Preparación del soporte:- Se le llama "imprimación" (es la primera capa sobre la cual se aplican las

demás, incluyendo el fondo). La imprimación puede ser blanca (usada por los impresionistas) o de un tono oscuro (usada por Rembrandt).

- Muro: Preparación del fresco. - Tabla: Capa de albayalde o de estuco. - Lienzo: Capa de albayalde o teñido ligero.

- Papel: Se le humedece previamente.5

Reparación del soporte: - Tabla: «Engatillado» (enrejado de madera en la parte posterior). - Lienzo: «forrado» (colocación de otro lienzo pegado detrás).

TÉCNICA:

El color se forma de: Pigmento (polvo) y un aglutinante.

Las técnicas de trabajo son:

- Fresco: Sin aglutinante: se aplica al muro o al techo. Se prepara una capa de cal y arena o estuco, y sobre ella húmeda se pinta. No admite correcciones y permite poca gama de color (Miguel Ángel).

- Temple: Sobre el muro, tabla, lienzo. Emplea como aglutinante el huevo o la cola. Se utilizan pinceles pequeños, pinceladas ligeras. No es fluido y es difícil de modificar. Se prepara la base con yeso (Fray Angélico).

- Óleo: Sobre tabla, lienzo o cartón. Emplea como aglutinante el aceite de linaza. Se utiliza sobre todo aplicado al lienzo, por ser el más ligero y adecuado. Admite modificaciones. Se cubre con barniz (Rubens).

- Encausto: sobre tabla o muro. Es una mezcla de pigmentos, resina y cera como aglutinante. Se ha de aplicar con paleta y pinceles calientes.

5 Anónimo. "HISTORIA DE LA PINTURA. "Profesor el Linea. . Enciclopedia Encarta. 2 de junio de 2013 http://www.profesorenlinea.cl/artes/pinturahistoria.htm.

- Acuarela: Sobre papel. Mezcla de pigmento, goma y agua. Carece de color blanco, pues al ser colores transparentes se usa el fondo del papel. Es difícil, pues no admite correcciones. El papel se ha de humedecer previamente para evitar el que se deforme, una vez seco y aplicado a una tabla ya está preparado para pintar. Una variación es el LAVADO, cuando se usa una sola tinta (Durero).

- Pastel: Sobre papel o varios. Pigmento y goma. Difícil fijación, y pinturas quebradizas (es como la acuarela pero sin el agua para disolverla). Debe dársele una capa posterior de un protector para fijar los colores y que dure más. Buenos colores (Paul Klee).

- Aguada: Sobre papel o varios. No es transparente y es más fácil su uso que el de la acuarela. Es el «gouache» (Picasso).6

PROCESO.

- Para pintar (por lo menos, desde un punto de vista tradicional), es necesario un proceso preparatorio del tema, colores... Para ello hay muchos métodos (a veces, según cada pintor).

- Cuadriculado de la base y dibujo posterior. - Boceto general (bosquejo coloreado para ver la impresión de conjunto). - Estudios parciales: dibujos en detalle, bocetos de varios colores.

- También se puede prescindir de todo lo anterior. Hay quien crea directamente.

El arte ha estado tan sometido a la sociedad de cada momento, que incluso en el tema de los asuntos a tratar, ha dependido de la situación histórica: La Sociología del Arte y la Historia Social del arte estudian este desarrollo.

Primordialmente, los temas más repetidos han sido los religiosos y los temas en función de exaltación de un tipo de poder. La censura ha privado, por ejemplo, de la representación del desnudo en determinadas épocas y países.

Los temas más corrientes son: Religiosos, paisaje, marina, bodegón, retrato, desnudo, histórico, costumbrista, panorámica, etc.

Globalmente, pueden hacerse dos grandes clasificaciones: Representación figurativa y representación abstracta aunque ésta rehuye incluso del término representación.

Inmerso el mundo del arte en el de la cultura de cada época, hay temas que aparecen si-multáneamente en la pintura y en la literatura.

COMPOSICIÓN.

SIMBOLISMO DE LAS FORMAS.

Todo cuadro contiene fundamentalmente una estructura de líneas y masas; aunque ésta no aparezca bien definida, será fácil encontrarla como esquema básico de toda

6 Anónimo. "La Pintura. "wikipedia. 2007. wikipedia. 2 de junio de 2013 https://es.wikipedia.org/wiki/Pintura.

composición; la fuerza emotiva de ésta se deberá, en gran parte, a la significación rítmica de su estructura. Por la disposición de las líneas se determina el carácter general de la composición. Las líneas forman el esqueleto del que depende toda la anatomía del cuadro y son las que nos hacen reaccionar, inconscientemente, ante su potente influencia; cada línea es una especie de gesto permanente, que induce, despierta y sugiere sensaciones.Cada línea tiene un gran poder de expresión por sí misma. Por ella es posible llevar la vista a un determinado lugar del cuadro, controlando el sentido direccional de la composición. Puede hacernos dirigir la vista al punto de mayor interés en el cuadro.

EMOTIVIDAD DE LAS LÍNEAS:

- Horizontal: Expresa descanso y paz.- Vertical: Seguridad y fuerza. Su efecto es de ascensión sublimidad,

permanencia, estabilidad, dignidad y fuerza. Está asociada con nuestra percepción instintiva de gravedad y equilibrio y es la que se considera como más importante en los conjuntos pictóricos; puede estar sola y no precisa soporte alguno.

- Curva: Es gracia y movimiento. Se le suelen oponer las rectas, para compensar su sensación activa. Las curvas excesivas dan un efecto muy turgente y poco grato.

- Las líneas de una composición pueden ser clasificadas en 3 divisiones principales:

- La primera, que es la de las líneas que se siguen o tienen repetición, se considera como la armonía más simple.

- La segunda, es la de las líneas en oposición, como la diagonal sobre un rectángulo. Esta línea refuerza, estructura y es la que contradice o se cruza con una línea de las principales de la composición.

- La tercera, es la de líneas de transición: Una línea curva que armoniza a las opuestas.

DESCRIPCIÓN DE LOS TIPOS BÁSICOS DE COMPOSICIÓN.

Las formas fundamentales de la construcción se establecen por letras, símbolos o por lí-neas combinadas que generan, a su vez, estructuras geométricas. Entre éstas el tipo más sencillo es el angular, que está basado en la diagonal: una línea oblicua divide el espacio en dos áreas triangulares, generalmente una de luz y otra de sombra.

En la piramidal o triangular, muy usada por su estabilidad, monumentalidad y equilibrio, todo el peso gravita sobre la base de la composición y así se asegura el conjunto. En la de balanza los pesos son iguales y simétricos y de igual atracción a un lado y a otro del centro. En la de romana o fulcro, una masa grande se equilibra con otra más pequeña a diferentes distancias del centro. Los círculos u óvalos concéntricos fueron tipos de composición muy empleados por Turner; por éstos se concentra y fija el punto de interés. Entre otros tipos, el radial, en el que el punto más importante, situado en el centro de la irradiación, es el que requiere el interés; en ese, muy empleado en el paisaje y composiciones de movimiento porque sugiere gracia y distancia; usado

verticalmente tiene una gran cualidad de acción y vida. En ele o jota sirve para encerrar atractivamente el área de un cuadro; es un tipo de arreglo muy popular y se emplea en asuntos comunes para contrarrestar así su vulgaridad. En ángulo agudo expresa una cualidad direccional y dinámica, éste tipo es muy adecuado para paisajes con mucho ca-rácter y una gran definición del punto principal. También se emplean, como formas tipo, las letras F, G y Z, los numerales 2, 6, 7 y 9 y el signo de interrogación.

EL COLOR.

CONCEPTO: «El color está en nosotros», decía Newton. Es una sensación, no existe en la materia. Es una sensación provocada por los objetos en combinación con las funciones del ojo. Las modernas teorías del color-luz, dividen el espectro en siete, ocho o más colores. La luz al desarrollarse, en ondas de diversas longitudes y a diferentes velocidades, produce la sensación que denominamos color. Esta sensación se determina por la cualidad que tienen los objetos de reflejar unas ondas y absorber otras: una guinda es roja porque absorbe los rayos azules y amarillos y refleja los rojos. Una superficie que rechace todos los colores, será blanca. Si, en cambio, la superficie los absorbe todos, será negra. El negro es la ausencia de luz.7

Fig.N° 15: Ciclo cromático primarios y secundario

CLASIFICACIÓN: Los pigmentos son los colores en polvo o materias colorantes de las substancias. El gris es un producto neutro de la mezcla pigmentaria. Los pigmentos absorben el blanco, y al ser mezclados dan como resultado el negro y el gris, y no el blanco que produce la mezcla o suma de los rayos-luz. Si se interpone un prisma de cristal a un rayo de sol, y se proyecta éste sobre una superficie blanca, se verá cómo la luz del cristal se divide en los colores del iris o espectrales de que aquélla está compuesta: rojo, violeta, azul, verde, amarillo y naranja.8

7 arqhys. "Que es el color. "arqhys. 2007. arqhys. 2 de junio de 2013 http://www.arqhys.com/color.html.8 Luis Rosa Garcia. "CLASIFICACION DEL COLOR. "SLIDESHARE. 2007. shideshare. 2 de junio de 2013 http://www.slideshare.net/luisrosasg/clasificacion-del-color.

Fig.N° 16: Proceso de formación de una imagen en color sobrepapel blanco en el Modelo de color CMYK

Los seis colores principales se dividen en:- Primarios: Rojo, azul y amarillo, que no pueden ser obtenidos por la mezcla de otros.- Binarios o Secundarios: Violeta, verde, y naranja, que se producen por la mezcla de primarios. Estos colores principales se disponen y ordenan en un círculo.

Fig.N° 17: Ejemplo con focos luminosos de mezcla aditiva de colores primarios.

Cuando se mezcla un primario con un binario vecino en el círculo, resulta un intermedio. Los colores intermedios son seis: amarillo-verde, azul-verde, azul-violeta, violeta-rojo, rojo-naranja y amarillo-naranja. Aún existen otras divisiones de terciarios y cuaternarios.

Los colores complementarios forman el contraste máximo y son los opuestos en el círculo: el amarillo, del violeta; el amarillo-verde, del violeta-rojo, etc. Los análogos son los vecinos en el círculo: amarillo-naranja, amarillo, amarillo-verde. El contraste sucesivo en el color se basa en el hecho de que los nervios sensibles del ojo, cuando miran un color fijamente y por espacio de treinta o más segundos, se fatigan y los registran, progresivamente, con menor intensidad, quedando una impresión del complementario del color mirado. Si se mira fijamente un azul vivo durante medio minuto y luego se salta la vista a una superficie blanca, aparece en ésta una mancha amarillo-naranja de igual contorno que el color visto.

Cualquier color, al ser mezclado con su complementario, se transforma en pardo o gris.

Existe el color de transición, que sirve para atenuar el efecto de dos colores yuxtapuestos. Si en un esquema se tocan dos áreas, una de azul y otra de amarillo, será posible reducir la oposición entre ambas pintando el borde de contacto con un verde.

Cada color tiene una cualidad caliente-saliente o fría-entrante. Trazando una línea verti-cal sobre el círculo de los colores, tendremos, a la derecha, los colores fríos (gama azul) y a la izquierda, los cálidos (gama roja). El amarillo, que no participa del rojo ni del azul, se considera como un color neutral, aunque más próximo a la gama caliente. Los colores fríos son los colores de la distancia en la naturaleza y siempre sugieren alejamiento. Los colores cálidos, especialmente los más intensos, parecen adelantarse.

CUALIDADES DEL COLOR:

- Tono o matiz: Cualidad que distingue un color de otro: Un amarillo de un anaranjado, un verde de un azul.

- Valor: Cualidad que diferencia un color claro de un oscuro de igual tono. Es el potencial luminoso de cada color o matiz.

- Intensidad: Cualidad que fija la fuerza cromática del color.

Fig.N° 18: El color es un aspecto importante en la pintura.

Los colores, bajo la luz, se transforman. La luz cálida acentúa la intensidad del color cálido y debilita la del color frío. Los colores, en la sombra, cambian por efecto de otro color reflejado. La luz intensa eleva el valor del tono.

Los colores parecen más oscuros sobre blanco; más claros sobre negro, y sobre un gris de igual valor se funden con éste y tienen poco destaque. Los valores claros parecen aumentar el tamaño de los objetos; el negro y valores oscuros dan la impresión de que lo disminuyen. El blanco y valores claros reflejan el color y parece que intensifican el de los objetos que están sobre ellos; el negro y los valores oscuros absorben y reducen la potencia de los colores que les son superpuestos. El blanco y colores claros sugieren distancia; los más oscuros, acercamiento o primer término. El negro sirve para unificar y armonizar los colores más intensos.

SIMBOLOGÍA DEL COLOR

Los colores, como las líneas y los tonos, tienen una cualidad emotiva. Los cálidos son excitantes, activos y alegres, los fríos, deprimentes y quietos. El rojo y el naranja, son

movimiento, calor y pasión; esta sensación es más moderada en el segundo. El amarillo es la luz, el sol, la vida. El verde es vegetación, primavera y esperanza. El azul es frialdad, descanso y recogimiento. El violeta es tristeza, misterio y misticismo. El púrpura, dignidad y suntuosidad.

El color rojo define actividades de oposición violenta a regímenes conservadores y tradicionalistas. El negro y el violáceo van asociados a determinadas liturgias funerarias. El blanco alude a las virtudes y la pureza. Incluso el amarillo se asocia con el desprecio y la locura, y así vemos que hasta las religiones han hecho de los colores un elemento de no escasa significación en la liturgia. No faltó quién relacionó colores y notas musicales, y un poeta, Rimbaud, asignó un color a cada vocal. Vale la pena hacer referencia a esa cualidad psicológica de los colores. Los artistas del Renacimiento tenían especial preferencia por pintar a la Virgen vestida de azul celeste. A ningún pintor se le ocurrió nunca hacer una imagen de Lucifer vestido de azul.9

Concretando, tendríamos:- Azul: Función de pensar; lo bueno; descanso.- Negro: Tinieblas; depresión; muerte; lo malo.- Rojo: Pasión; ímpetu religioso.- Blanco: Pureza.- Amarillo: Envidia; locura.- Verde: Serenidad; esperanza.- Violeta: Misterio; tristeza...

Armonía: Armonizar colores es una ciencia tanto como un don. El uso más o menos acertado de los colores en una composición pictórica equivale al dominio que un escritor tiene sobre la sintaxis.

Sobre la armonía de colores existen reglas que están al alcance de cualquiera:

- Según se le yuxtaponga un cálido o un frío, cualquier color parecerá más entrante o más saliente. Nunca se exaltará tanto un rojo como yuxtapuesto al verde o viceversa.

- Puesto que el ojo tiene la necesidad de armonizar los colores muy contrastados, una pintura con demasiados colores fuertes, creará dificultades al espectador, y lo «cansará)>. Esa es la maestría de los grandes artistas, evitar que en la obra se impongan unos colores sobre los demás y dificulten la serena observación. Si se usan colores fuertes, se neutralizan con negros o blancos, sabiamente dispuestos.

La Luz:Puede representar el ambiente y los cuerpos (su forma, modelados). En ocasiones, deter-mina la perspectiva.

La forma se define por la luz que la ilumina. Sin la luz, la forma no existe. Una pequeña cantidad de luz, sobre una gran área de oscuro y medias tintas, hará que la reducida masa de luz sea más brillante y que adquiera importancia. Igual sucede con una pequeña

9 Wikipedia http://es.wikipedia.org/wiki/Simbolismo_de_los_colores 2 de junio de 2013

área oscura sobre un fondo claro. Rembrandt fue el maestro del claroscuro y de estas combinaciones.10

Fig.N° 19: Rayo de luz solar dispersado por partículas de polvoen el cañón del Antílope, en Estados Unidos.

3.- LA PERSPECTIVA.

Significa «mirar a través», así es como Durero trató de circunscribir el concepto de perspectiva.Se ha de hablar de perspectiva no sólo cuando aparezcan objetos en «escorzo», sino cuando todo el cuadro se halle transformado, en cierto modo en una «ventana», a través de la cual nos parezca estar viendo el espacio.11

La construcción geométrica «correcta», fue descubierta en el Renacimiento y más tarde perfeccionada y simplificada técnicamente. Hay que tener en cuenta las llamadas "aberraciones marginales", producidas por el hecho de que los objetos en la realidad, no los vemos reproducidos sobre una superficie plana, sino cóncava, que es nuestro globo ocular. Esas aberraciones visuales aparecen de un modo más manifiesto cuanto mayor es el ángulo visual, o sea, cuanto menos es la distancia en relación a la dimensión de la imagen.

10 Anónimo http://es.wikipedia.org/wiki/Luz 2 de junio de 201311 Anónimo http://es.wikipedia.org/wiki/Perspectiva 2 de junio de 2013

Fig.N° 20: Perspectiva lineal renacentista enLa Trinidad de Masaccio(1425?-1428) de Santa María Novella (Florencia).

Nos preguntamos si la Antigüedad Clásica había elaborado y de qué modo, un procedi-miento geométrico perspectivo. Parece ser que realmente, la pintura antigua, al menos la helenística-romana, poseía un procedimiento.

La perspectiva ha sufrido una evolución histórica, hasta llegar al Renacimiento:

- En la Antigüedad, las prolongaciones de las líneas de profundidad no convergen rigurosamente en un punto, sólo débilmente de dos en dos, y sobre un eje, es la perspectiva en raspa de pez basada en el principio del eje de fuga. Eso conlleva una inestabilidad e incoherencia en la pintura. Por variadas que fuesen las teóricas antiguas para definir el espacio, ninguna lo definió como un sistema de meras relaciones entre la altura, la anchura y la profundidad.

Fig.N° 21: Perspectiva cónica.

- En la Edad Media se mantiene el sistema de superposición y contiguidad de figuras. Las formas se destacan sobre un fondo de oro o neutro y se

disponen una al lado de otra sin consideración alguna hacia la precedente lógica de la composición. Los motivos paisajísticos y arquitectónicos fueron utilizados sobre fondo neutro como meros elementos del antiguo espacio, que fueron transmitidos al Renacimiento.

Fig.N° 22: Perspectiva a mano alzada. Boceto de Leonardo da Vinci.

- Con la aparición del Renacimiento surgen los que fundaron la concepción moderna del espacio perspectiva, sintetizando el arte gótico y el arte bizantino: Giotto y Duccio. En sus obras aparecen por primera vez interiores cerrados, como una «Caja espacial». Se fue per-feccionando el procedimiento de estos dos y se llegó los hermanos Lorenzetti, quienes dieron un paso importante: todas las ortogonales visibles del plano de base están por primera vez orientadas sin duda alguna hacia un punto. Esta conquista se realizó, siguiendo caminos diferentes, tanto en el Norte como en el Sur de Europa. El punto de fuga lo introdujo Francia antes que los demás países. En Alemania no hay un sólo cuadro construido correctamente hasta que aparece Durero. Será con Masaccio, en su fresco en la Trinidad, con quien aparezca una pintura construida exacta y unitariamente. El Renacimiento consiguió racionalizar totalmente en el plano matemático la imagen del espacio.

La Perspectiva es una ciencia compleja, pero podemos concretar sus elementos más simples reduciéndola a dos aspectos:

- Perspectiva geométrica: Eje de fuga, punto de fuga, (las líneas paralelas no convergen nunca, pero parecen hacerlo, y además todas las líneas paralelas que van en cualquier dirección convergen en un punto único en el horizonte). Se puede perfeccionar aún más el sistema empleando puntos de medida para obtener la representación exacta de los objetos a escala.

- Perspectiva aérea: Trata de los cambios de los valores del tono y del color que se observan en los objetos que se alejan del espectador. Debido a la densidad de la atmósfera, los contrastes de tono disminuyen y todos los colores tienden a volverse azules en proporción con la distancia a que se encuentran del observador.

ACONTECER ACTUAL

QUITO ENTREGA CONDECORACIÓN POST MORTEM A OSWALDO GUAYASAMÍN

La tarde de este jueves 29 de noviembre, el Concejo Metropolitano de Quito entregó la condecoración post mortem Gran Collar de San Francisco de Quito, al maestro Oswaldo Guayasamín, en el marco de la inauguración de la Casa Museo Guayasamín, espacio destinado a perennizar la vida y obra del artista.

Al entregar este magno reconocimiento, el alcalde de Quito (e) Jorge Albán, destacó la magnífica obra de Oswaldo Guayasamín. “Su obra habla más que cualquier palabra, su obra pictórica y escultórica es reconocida afortunadamente por todo el país; durante muchos años es un artista que fue, afortunadamente, reconocido en vida, admirado en vida, querido en vida, no solo por el país sino por América Latina y el mundo”, enfatizó.

Albán expresó además que este acto resulta muy importante pues se trata de la máxima condecoración que entrega el Municipio de Quito, que es el collar de San Francisco de Quito. “Es un acto especial y de honda significación para la ciudad y el Concejo Metropolitano”, concluyó el alcalde (e) Albán. 

El texto del acuerdo señala: 

El Concejo Metropolitano de Quito y Augusto Barrera Guarderas 

Considerando Que el gran maestro Oswaldo Guayasamín, extraordinario pintor y escultor, cuenta con una fructífera producción en pintura de caballete, murales, esculturas y monumentos habiendo realizado más de 48 exposiciones individuales en el Ecuador y varios países del mundo y contando con murales en Quito, entre otros, en los Palacios de Gobierno y Legislativo; en Madrid, en el aeropuerto de Barajas; en París, en la sede de la UNESCO; en Sao Paulo, en el Parlamento Latinoamericano; y, en Caracas, en el Centro Simón Bolívar. 

Que en 1976 creó la Fundación Guayasamín a la que le dona su obra, pues concibe al arte como un patrimonio de los pueblos y a partir de 1975 inicia en Quito su obra más importante la Capilla del Hombre, la cual este año cumple su decimo aniversario de apertura; 

Que a través de su obra es identificada a nivel mundial por abogar por la unidad latinoamericana la defensa de los derechos humanos y la reivindicación de las raíces indígenas en el continente; 

Que por su trayectoria artística y contenidos fue merecedor de reconocimientos nacionales e internacionales siendo el último la declaratoria de pintor de Iberoamérica reconocimiento otorgado en la Cumbre de Jefes de Estado y de Gobierno de Iberoamérica celebrada en 1999; 

Y que las autoridades del Municipio del Distrito Metropolitano de Quito desean dejar constancia a quien tanto hizo por el patrimonio cultural de Quito el Ecuador América Latina y el mundo; 

Resuelven Otorgar la condecoración Post Mortem Gran Collar San Francisco de Quito al Maestro Oswaldo Guayasamín poniendo de relieve su nombre como ejemplo ilustre de actuales y futuras generaciones. 

Dado en Quito a los 29 días del mes de noviembre del 2012.