Departamento de Arte, Diseño y Arquitectura

Diseño y Comunicación

“Principales síntomas y causas de disfunción del diseño

gráfico como técnica de comunicación”.

María Artasánchez

Lizbeth Rodríguez

Profesora: Ivette Rivera

Principales síntomas y causas de disfunción del diseño gráfico como técnica de comunicación.

Los síntomas de una disfunciónSe estudian las seis situaciones principales para saber que hay una disfunción

en cuanto al diseño gráfico (tanto en la enseñanza como en la practica):

El incorrecto punto de vista del diseñador gráfico.

Desigualdad en los servicios de diseño gráfico.

No seguir el proceso formal del diseño.

La validez que se le da a lo aprendido en la práctica del diseño, no mediada

por un proceso teórico.

No estar informado de teoría para aplicarse en el desarrollo del diseño.

Mala enseñanza en la profesión.

El incorrecto punto de vista del diseñador gráfico.La comunicación social de las últimas décadas ha impulsado la demanda de la

profesión y actualmente las organizaciones que desempeñan cierta actividad

necesitan departamentos internos de diseño gráfico, aunque la mayoría de los

usuarios reales no comprende claramente lo que abarca el diseño, haciendo que

no se denomine correctamente la profesión. Ejemplos de esto son concursos de

servicios de diseño gráfico en los que participan personas ajenas al diseño.

Desigualdad en los servicios de diseño gráfico.Por lo general, las aptitudes adquiridas en el transcurso de la carrera, son

mayormente cualidades propias que aprendidas en la misma.

La diferente formación de los profesionales ayuda a generar una oferta

diversa en calidad y modalidad. El hecho de que la carrera no esté regida por

niveles y especialidades comunes, permite que los diseñadores con preparación

de distinto nivel, sean vistos iguales como profesionales.

Al tener un título en cierta especialización, los profesionales se sienten

limitados a trabajar con distintos tipos de demanda. Los errores en la

convocatoria se repiten en la asistencia, evidenciando los conflictos de identidad

de la disciplina.

La diferencia en las fases de oferta y demanda de servicios de diseño.La calidad de un servicio en diseño gráfico se mide en base a que cumpla sus

funciones especificadas.

Sabiendo eso, se afirma que la práctica profesional del diseño gráfico se exige el

aumento de los niveles laborales en los que se encuentre el profesional.

En los sectores punteros de la demanda de servicios, que están en

desarrollo, las necesidades superan las capacidades del ámbito profesional.

Este desfase es debido al incremento del nivel de presentación, exigido

por las condiciones del tema: por el aumento y la saturación de la comunicación.

Los profesionales tienen que enfrentarse a un crecimiento de la materia y a una

demanda cada vez mas lenta, que requiere mas recursos y dominación de los

matices.

No seguir el proceso formal del diseño.En cada caso es diferente el peso del hecho comunicacional, su importancia no

se basa en el diseño, sino en el diagnóstico y programa.

En momentos para resolver algún problema, se utilizan los conocimientos

empíricos, obtenidos antes de cursar la carrera, predominando en estos

conocimientos la tendencia a priorizar los componentes formales de la obra o

cualidades artísticas. Este hecho de darle prioridad a sus componentes

formales, sigue existiendo aun después de haber sido históricamente criticado.

La validez que se le dan a lo aprendido en la práctica del diseño, no mediada por un proceso teórico.Basado en la falta de creatividad, conocida como insight, y de resolver los

problemas con la primer opción de la mente o capacidad de intuición,

desechando el uso de los conocimientos teóricos de la materia. Esto hace que la

creatividad, realice respuestas únicamente en específico para el problema que

se trató y que no sea una solución general que pueda aplicarse a otros casos.

No estar informado de teoría para aplicarse en el desarrollo del diseño.Una tendencia que se da de manera espontánea, sin caprichos, y estructural,

postergando indefinidamente desarrollar el conocimiento de la teoría y su

aumento de conocimiento. En pocas palabras el diseñador realiza la práctica sin

aplicar la teoría, haciendo que no desarrolle su conocimiento teórico.

Esto se demuestra antes en lo académico que en la propia práctica

profesional. Los productos bajo esta tendencia se expresan con gran libertad del

diseñador, sin argumentos racionales.

Mala enseñanza de la profesión.El hecho de que los estudios estén en una reformulación permanente , sin un

avance real en la materia. Una manera para reconocer esta, es el enfoque

parcial o explicación sin profundidad de quien imparte la clase. Esto hace que el

enfoque que se tome de la materia no sea gracias a la especialización o

alternativas culturales, sino de el material o conocimiento que dio el docente.

Una conjeturaEstas características muestran una disfunción en la formación porque limitan la

eficacia en la práctica de la profesión.

Se consideran estructurales porque se presentan universalmente en la profesión

y aun existen, a pesar de la argumentación racional y son consideradas como

posiciones ideológicas alternativas conocidas como “Corrientes internas del

Diseño”. Estos síntomas son de origen social y no académico, gracias a esto se

ahonda un poco mas en las características de esa formación cultural y las

causas de su fuerza sobre el diseño.

II. La composición por distintos aspectos de los modelos de la producción gráfica.Gracias a la comunicación visual, se ha ampliado las manifestaciones de la

comunicación gráfica. Como en otras materias en cuanto a lo cultural, en la

evolución de la gráfica no predominan los procesos de sustitución sino los de

acumulación.

Si se hablara de un catálogo de las manifestaciones de la comunicación

gráfica contemporánea se exhibiría un universo muy complejo y diverso, como

para dar un criterio clasificatorio, ya que en la búsqueda de este criterio se vería

que esta variedad en el campo se observa en múltiples planos de análisis del

hecho gráfico y en varias formas de combinación. Los campos citados son: el

temático, el metodológico y el cultural.

La homogeneidad (diversidad) temática (los puntos o temas que se tratan para llevar a cabo el diseño).El universo gráfico puede ser desde manuscrito hasta computacional, sin

cambiar de nombre, pues son piezas gráficas.

Ese universo disminuye un poco si se habla de procesos previos de diseño en

sentido amplio, e incluye piezas de muy distinta naturaleza y función

(heterogeneidad). Según como se utilice el universo de lo gráfico, se varía el

grado de prioridad de todos los elementos que intervienen en este, esto es

válido para todos los campos de diseño, por ejemplo: no es lo mismo diseñar

una boutique que un aeropuerto.

Estas diferencias no son por qué tan importante o grande sea el tema,

sino por el grado de cuanto detalle de diseño necesita y de la prioridad de lo que

necesita en cada caso.

En cuanto al Diseño Gráfico se habla de una heterogeneidad (variedad)

en los modos de significación y comunicación de los distintos hechos gráficos,

con la respectiva variedad de funciones y prioridades.

La homogeneidad metodológica (de los métodos de publicidad que van cambiando hasta llegar a ser hechos por el diseño gráfico).A pesar de la expansión de la industrialización de los procesos de producción y

consumo de los mensajes gráficos, el Diseño Gráfico sigue siendo un ámbito

parcial de la producción gráfica.

El diseño como definición de las características de una producción

industrial, va desde una artesanía industrial, hasta formas de planificación muy

sofisticada. Los campos de esas modalidades del Diseño son muy extensos y

variados; estas extensiones van variando en el tiempo, pues se muestras

avances entre ellos: un programa que antes era tomado como profesional, ahora

se cambia por uno mas especializado, como el caso de los programas de

identidad corporativa que antes eran encargados a agencias de publicidad, y

actualmente se concentran en el diseño gráfico.

La heterogeneidad cultural (variaciones en los diseñadores).Lo que pasa con el objeto ( el tema o temática), y el método, también pasa con

el diseño. Por ejemplo, no es lo mismo un perfil de estilista o decorador, que el

perfil de un diseñador de carácter estrictamente restringido o limitado a su

trabajo.

Se diferencia cada perfil del otro, en cuanto a determinado tipo de inscripción

cultural, en el que cada individuo se identifica con otro grupo específico de

individuos inconcientemente. La raíz cultural sobre las que se basan los

comportamientos de los diferentes tipos de diseñadores, son mas rígidas que las

ideologías y las metodologías del diseño. Varían muy poco en el tiempo, y

condicionan mucho la práctica, pues depende totalmente del sujeto. Debido a

que es inconsciente, sólo crisis importantes en la profesión y el individuo,

pueden crear condiciones para el cambio cultural de este.

A la natural variedad cultural de los diseñadores, se suma su variada

proveniencia vocacional y motivacional. Esta heterogeneidad en el ámbito

profesional, va de la mano con la diversidad de lo sociocultural de sus productos

y la variación en los modos de consumo. El espacio gráfico trae entonces, una

variedad de sociedades culturales desarrolladas (melting pot), en donde tardan

en unirse todas sus partes, dicha tardanza proveniente de la debilidad

disciplinaria.

Conclusiones.En base a las condiciones anteriores, un posible catálogo general de las formas

de producción gráfica permitiría prever una notable cercanía de estos aspectos

de la producción gráfica, con los síntomas de disfunción del diseño mencionados

antes.

El propio Diseño constituye una práctica heterogénea y profesión diversa

en la que intervienen las variantes técnicas, metodológicas, culturales y

estilísticas.

Las imprecisiones que traen estos aspectos, no son nada mas problema

teórico, sino principalmente un obstáculo para la práctica técnica concreta. De

ahí el uso del término diseño, sin diferenciar del diseño gráfico, a pesar de que

este lleva casi un siglo vigente.

En los efectos del trabajo, se reconocen dos usos de la locución (lo que

significa diseño gráfico como una sola palabra y no lo que significa uniendo el

significado de sus dos palabras) “diseño gráfico”: uno laxo (poco estricto),

coloquial, y otro estricto, teórico. El coloquial, incorpora una frase previa a la

producción material de la pieza. El estricto, es la práctica en la que el coloquial

responde a un modelo de planificación global (que aplique a otros casos),

gráfico.

III. Artes Aplicadas y Diseño: dos modelosLa práctica contemporánea del Diseño Gráfico en sentido libre, junta la totalidad

de modos de producción gráfica desarrollados a lo largo de la historia.

Gracias a esto, se ve al Diseño Gráfico como una práctica en que se mezclan

formas de producción heterogéneas (diversas) y que la combinación de éstas

formas, varia en cada caso en base a las características de los programas y sus

agentes.

En estos “modos de producción gráfica”, se ha de distinguir su dimensión

material, es decir como se va a construir la producción, de su dimensión

conceptual que es la forma en que se va a lograr que lo construido tenga un

significado (su explicación), es la que interesa para llevar a cabo un trabajo en

Diseño, pensado para señalar la presencia de diversas culturas en la práctica

del diseño gráfico.

Se pueden generar productos radicalmente heterogéneos debido al

enfoque con que se hicieron, aplicando las técnicas productivas en una u otra

modalidad cultural.

Las formas de producción gráfica, se inscriben en las culturas de las Artes

Aplicadas y el Diseño en sentido estricto (sin que cambie su modalidad).

Las Artes Aplicadas.El siglo XIX culturalizó la producción industrial mediante el método de la

“aplicación del arte” al producto. Esta aplicación era tipo incrustación,

decoración, modelación, entonces no era necesaria para realizar el trabajo. Las

Artes Aplicadas son un mecanismo de adjetivación del útil, es decir le dan unas

características extras específicas al producto que las distinga o diferencie.

La artesanía pura se limita a la repetición del modelo sin que se le

agregue alguna variación (los objetos utilitarios de uso masivo) o con pequeñas

variaciones decorativas (más frecuentes en los objetos de cierta carga

emblemática).

Las características esenciales de la pieza le son dadas o bien por la

costumbre (objetos denominados por el uso) o por la innovación tecnológica

(nuevos objetos creados por la técnica), y las Artes Aplicadas incorporan sobre

esa base sus aportaciones decorativas o estilísticas.

El modelo operativo de las Artes Aplicadas no interviene sobre el tipo

funcional ni tecnológico sino, exclusivamente, sobre las capas simbólica y

estética, con alteraciones metafóricas, arreglos o variaciones sobre un tema

dado. Por eso su denominación “Artes Decorativas”, generalmente más referida

a los productos. Sólo en ciertos casos (algunos del modernismo) las Artes

Aplicadas comienzan a mezclarse (“mixtas”) en el plano simbólico-estético y el

plano tecnológico-funcional, alterándolos en unanimidad. Es raro que las

historias del diseño comiencen con un capitulo dedicado a esa verdadera mezcla

cultural representada por las corrientes vanguardistas del modernismo.

La cultura de las Artes Aplicadas se extiende históricamente más allá de

las condiciones técnico-culturales que les dieron origen, migra del sector social y

se arraiga con gran fuerza y representatividad en áreas importantes de la

producción contemporánea. Dicha cultura es social, no técnica, se fija y tecnifíca

en los correspondientes mecanismos de capacitación: las escuelas.

El DiseñoEl Diseño aparece históricamente como la segunda síntesis entre industria y

cultura, entre el universo productivo y el simbólico. El Diseño se levanta contra el

modo previo de articulación entre instrumentos y símbolo y propone una nueva

síntesis donde la aplicación de la teoría y métodos del diseño optimizan el

rendimiento global del sistema, para que adopten ellos mismos (instrumentos y

símbolo) una función simbólica estética. Es decir, que el proceso por sí solo

(diseño), dé una idea y su estética vaya en base a esa idea.

El Diseño surge como un proceso de análisis de todos los codicionantes

de la forma, mediante el cual estos planos resultan, en el proceso final, difícil de

distinguir uno de otro. La caracterización es sutituida por la configuración de

unidades complejas en las que se entrelazan funciones iguales. Lo que significa

que algo característico de cierto objeto, deja de utilzarse y se substituye por la

unión de varios objetos con funciones iguales.

En su significado más fuerte, el Diseño consiste en no sólo ver todas las

definiciones del objeto, sino, especialmente, en el modo como trabajan estas

definiciones o características. En este sentido, el Diseño reinstaura en la era de

la producción industrial, el conjunto de lo que forma la artesania primitiva.

Tampoco es común, volver a mencionar la forma artesanal pura como modelo a

seguir, por parte de los pioneros del Diseño, en su combate contra las Artes

Aplicadas.

Para el Diseño, su método decisivo es la forma sincrética, o sea una

forma que resonde simultáneamente a varios códigos. La forma tecnológica

(construcción), la forma ergonómica (uso), la forma simbólica (identificación) y la

forma estética (sensación) coinciden. Es decir que ves un objeto y te imaginas

un significado en base a sus tres formas.

El Diseño nace como propuesta de liberación universal del mundo de los

objetos e implanta una nueva tabla de valores racionales, o sea que no sean

sólo objetos, sino que tengan funcionalidad, economía, sencillez productiva,

claridad, participación del usuario, flexibilidad, austeridad, etcétera. La evolución

histórica del Diseño coincide con su procesamiento socioeconómico: la sociedad

digiere y modifica la disciplina, en base a sus capacidades económicas.

El segundo gran ciclo industrial, el de mediados del siglo xx, ve al diseño

como un medio de producción indispensable para lograr el éxito de su proyecto:

“la producción del consumo”.

El Diseño se vuelve un ideal cultural en técnica de la producción industrial en el

mercado de la oferta. Se trata de un cambio del humanismo a el marketing.

Si un producto satisface las necesidades de un usuario, se evoluciona a una

oferta competitiva por mayor número de consumidores. Gracias a esto, el agente

del diseño deja de ser de un grupo minoritario en la sociedad cultural, y pasa a

ser de la empresa.

El Diseño es ahora un instrumento para el desarrollo de la competitividad

en el mercado, pues es una forma de compensar la desregularización en el

mercado (desaparición del monopolio, del mercado de demanda, del

proteccionismo) mediante formas legales, que regulan (liderazgo, imagen de

autoridad, etc.) Es decir que mientras mejor sea el diseño, tienes posibilidades

de tener mayor demanda en el mercado de forma legítima. Gracias a el cambio

de mentalidad social, se ha mejorado la diferenciación con el Arte y la Ideología.

Su influencia sobre la sociedad ha permitido quitar la idea de que eran

equivalentes un proceso productivo y una ideología social, demostrando que el

modelo capitalista no estaba necesariamente anclado en la cultura del

eclecticismo y el academicismo decimonónico. Y si tenía que ser el caso, era

una nueva burguesía la que se levantaba contra l’Ecole de Beaux Arts en

nombre de la abstracción industrial y su estética, demostraba que el modelo de

publicidad, no tenía que ser algo establecido por la sociedad, que el capital no

tenía que estar necesariamente ligado a una cultura, en donde se escogía algo

sin fundamentos, y se establecía como regla, y a las obras de arte que estaban

establecidas como bases, aún sin ser vigentes estas obras (academicismo

decimonónico), pero si habían de estar establecidas todas estas ideas por algún

poder, era por l’Ecole de Beaux Arts (escuelas de arte en Francia) lo que no

permitía una abstracción industrial, pero surgió una burguesía que iba en contra

de mantener estas ideas como reglas, de que nada más se tomara lo importante

o necesario del producto, y su estética.

Esto permitió romper el mito de la variedad estética del arte: el Diseño es

estética de la cultura industrial, desarrollada dentro de la producción económica.

En la práctica, el diseño ya no es más un representante del arte, que se mezcló

entre los ingenieros. Sino que se institucionaliza como disciplina autónoma, con

sus propios métodos y características, asociada a la producción que satisface

los requisitos o necesidades que se le fijan: técnicos, utilitarios, industriales,

comunicacionales, y promocionales. En este caso, que se vuelva a tomar la

modalidad de retorización (embelleciendo el arte), no es un retroceso, sino que

es propio de las corrientes posmodernas, pues se manifiesta con el estilo de los

años cincuenta. Este estilo (Styling) es que la metáfora se planea tan racional y

objetivamente como el detalle constructivo. Se planea que símbolo (idea) va a

llevar, y cómo la va a llevar.

Esto dice en la historia, que el Diseño superó su etapa inicial, después su

expansión temática y estilística, su liberación del dogma de una determinada

estética, siendo interpretado erróneamente esta liberación, como el fracaso del

movimiento iniciador y la recuperación de los modelos previos asociados a la

decoración. Al contrario de esa creencia, tal expansión se debe entender como

la forma de que una práctica técnica se despoje de lo aleatorio (que no es

esencial en la materia) y se concentra y madura en lo esencial (su proceso

planificador).

El Diseño es en sentido estricto una rama de la planificación, por lo que no

permite espontaneidad e ingenuidad en la producción. Su modo de producción

simbólica (como se va a representar) es distinta a la del arte.

En el Diseño, el símbolo es muy fácil de identificar. Los productos del

diseño, poseen una capa de frialdad inextirpable, hasta lo diseñado de forma

mas expresionista o irracional, está marcado por la premeditación, esto no es lo

mismo en las Artes Aplicadas, que tienen la cultura de lo naïf, que es una

corriente artística caracterizada por candidez, ingenuidad, y espontaneidad. No

es lo mismo una cultura decorativista (adornar la idea) que una cultura técnica

dedicada a la elaboración detallada y organizada del objeto.

Es muy diferente la “artesanía industrializada” al “diseño” aunque los confundan.

El Diseño Gráfico como arte aplicada.En el punto de vista teórico, “Diseño Gráfico como arte aplicada”, está mal

empleado y lleva a una contradicción, pero se toma una acepción amplia del

diseño gráfico que incluye la supervivencia de modalidades previas a su propio

concepto. En el propio medio cutural y técnico del Diseño Gráfico se genera una

versión diferenciada, derivada de sus modos de manifestación o de un estadio

primario de su desarrollo.

Esta versión diferenciada menor, tiene los mismos rasgos siempre y se mantiene

actualmente.

Esta parte del Diseño Gráfico se apoya en una serie de hechos establecidos (a

priori) que no pueden ser explicados. Según esto, a través del diseño gráfico se

enriquece la idea principal mediante:

La modificación de los textos.

La incorporación de elementos decorativos (complementos gráficos

abstractos, etc).

La diagramación inusual de la pieza (explicar en distinto orden los textos).

Estos métodos tienen por objetivos:

Refuerzo de la idea principal complementándola, o cayendo en la

redundancia.

Se busca llamar la atención, mediante la violación de una regla.

Agregarle una parte estética a la pieza, mediante elementos agregados,

generalmente de las artes plásticas.

Estos recursos no son exclusivos de esta tendencia, pero su aplicación conjunta

si, como condición sin la cual no (sine qua non) se cumple el trabajo de diseño.

El programa no tiene mucho que aportar mas de los contenidos de la

interpretación básica, en esta forma de abordaje del diseño. No hay un diseño

porque no hay una solución que supere a la que ya se dio con el mensaje en

cada caso.

El diseño no exalta la potencialidad de comunicación del mensaje, sino que nada

mas le agrega valores externos a los ya contenidos. El diseñador realiza las

pruebas sobre un modelo dado. Lo importante del mensaje se desplaza de la

interpretación a estudiar y sistematizar las técnicas, o a la estética superpuesta.

La unión entre estas dos, es muy débil o nulo. El programa siempre es pobre,

puede comunicar la idea desde el diseño, no lo comunica gracias a su mensaje

o contexto. Esto es universal, no varía en el campo de aplicación.

Desde el punto de vista histórico, es la suerte de prolongación de un género

típico del siglo XIX junto al contexto de la revolución industrial, desde el punto de

vista sociocultural, es del tipo naïf (espontáneo). Se transmite a lo largo de los

años, a través de los cursos de Diseño de academias e institutos politécnicos

“De Artes Aplicadas y Oficios Artísticos”, impartidas estas enseñanzas por

pintores, dibujantes, ilustradores, grafistas publicitarios y oficios afines y

atendidas por estudiantes de un perfil predominantemente artesanal.

Ejemplo 1Esta publicidad es deficiente, no sirve como diseño gráfico, ya que no comunica

nada claro. Nos muestra la universidad Madero

Referencia:

CHAVES, Norberto; Diseño y Comunicación, en capítulo, "Arte aplicada o técnica de la comunicación...."  Paidos, México; 1997.

Pp: 95 a 136