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La revista del Jazz y el Blues

Aliquis 8, 2008

EscuderosLos escuderosla revista del jazz y el blues

Adios a Dave BrubeckLa leyenda del jazz muere a los 91 años“No puedo entender ruso, pero puedo entender el lenguaje corporal”

IndiceEDITORIALEl jazz es una de las manifestaciones artís-ticas más importantes de los últimos dos siglos.

En ella interactura tanto la vivencia de los propios músicos como desarrollo de una nueva forma de tocar la música de una manera libre pero estandarizada, donde el músico se enfrenta a su más salvaje patron interpretativo pero de refinamiento y disciplina que solo los máster del jazz pueden interpretar. Aqui les dejamos este catalogo de musicos y su vida y por que no el celebrar los 91 años de Dave Brubeck ícono de esta manifestación, take five!

1. ADIOS A DAVE BRUBECK2. JHON COLTRANE “HISTORIA DE UN SO-NIDO”3. LA TROMPETA ALUCINANTE DE LOUIS AMSTRONG4. BUDDY RICH “SIMPATÍA Y TALENTO DE LLENO” 5. DIZZY GILLESPIE “INSPIRACIÓN ÚNICA”6. CHICK COREA “PINTANDO MENTREAUX”7. DAVE WECKL: INSPIRACIÓN RÍTMICA8. ELVIN JHONES: ARENA PURA9. EL JAZZ ES COSA DE MUJERES10. TOCANDO CON MELISSA ALDANA11. IMÁGENES DEL FESTIVAL DE JAZZ INTER-NACIONAL COLIMA 2012

Adios a Dave BrubeckLa leyenda del jazz muere a los 91 años“No puedo entender ruso, pero puedo entender el lenguaje corporal”

Dave Brubeck tenía 91 años cuando murió de insuficiencia cardiaca la mañana del miércoles, pero para muchos amigos y colegas, que fue una sorpresa - después de todo, nunca el hombre jazz legendario y residente desde hace mucho tiempo dejó de tocar Wilton.

Dedicación Brubeck fue en la exhibición notable en 2010 después de someterse a una cirugía de marcapasos en el Hospital de Bridgeport . Los médicos recordó que en medio de su recuperación, Brubeck pidió que un teclado se llevó a su habitación del hospital.

"Él dijo, 'tengo que seguir practicando. Tengo conciertos que hacer'", David Antignani , asistente administrativo y médico jefe de alto nivel en cirugía cardiaca en el Hospital Bridgeport recordó

Después de ser dado de alta, fue en su salida cuando vio un pi-ano en el vestíbulo del hospital. Eufórico a la vista, Brubeck dio un concierto improvisado, la realización de “Thank You”, una de sus originales, y “Hogar, dulce hogar”, ya que los empleados cantaba.

“Yo pensaba que era un hombre muy humilde - muy a la tierra”, dijo Antignani. “Se podría decir que estaba dedicada a su arte y su música.”

A raíz de la muerte de Brubeck justo un día antes de su 92 cumpleaños, amigos y compañeros de trabajo recordó el jazz titán por su calidez y energía sin límites, un hombre tan dedicado a su oficio como estaba a su familia, amigos y la comunidad.

Gerente de Brubeck, Russell Gloyd , anunciada el miércoles por la mañana el pianista había muerto en el camino a una cita de cardi-ología con su hijo, Darío.

En una carrera que se extendió por casi todo de jazz estadou-nidense desde la Segunda Guerra Mundial, Brubeck logrado el éxito comercial con sus exóticos, clásicos inspirados en ritmos que rompieron los límites del jazz.

En 1954, se convirtió en el primer músico de jazz contemporáneo en aparecer en la portada de la revista Time . Cinco años más tarde, su grupo, el Dave Brubeck Quartet , obtuvo un gran éxito con "Time Out". El álbum, que contó con la reconocible al instante, "Take Five", fue el primer disco de platino disco de jazz.

Brubeck estuvo a la vanguardia de la integración, formando una de las primeras bandas militares de EE.UU. racialmente mixtas. Sus giras lo han llevado por todo el planeta, desde las universidades a la URSS

Brubeck continuó actuando y componer en sus 80 años, diciendo que en el 2010 su agenda estaba tan lleno que a menudo escribía música en la cinta.

“Estoy muy ocupado, sólo estoy tratando de mantenerse al día con el correo”, bromeó. “La única manera que tiene el tiempo para la práctica y el ejercicio es tener un piano eléctrico a nivel del hom-bro. Si no, no tendría nada de ejercicio.”

“Era dinámico y compasivo, él se preocupaba mucho”, dijo Elissa Getto , quien se hizo amigo de Brubeck durante su tiempo ense-ñando a los cantantes de la Escuela Secundaria de Wilton Madrigal , quien dirigió a finales de 1970 y 1980. “Es una gran pérdida”.

JhonColtraneHistoria de unsonido

John Coltrane, era uno de esos pocos hombres, en arte o en otras cosas, que son capaces de hacer la revolución. Con su saxo se convirtió en uno de los creadores mas importantes de toda la historia del jazz.

Coltrane, había comenzado a tocar el saxo siendo aun adolescente y en 1943, su familia se trasladó a Philadelphia donde obtuvo una beca para estudiar música. A su regreso del servicio militar en Hawai, -donde formó parte de una banda de música- Coltrane descubre el bebop y en 1947 formará parte de la orquesta de Ed-die “Cleanhead” Vinson, donde descubre las posibilidades del saxo tenor. En 1949 se incorpora como saxo alto a la gran orquesta de Dizzy Gillespie, allí permanece incluso cuando la banda se disuelve al año siguiente ya con el saxo tenor en sus labios. Entre 1952 y 1954 trabaja con varios músicos de sideman y no es hasta septiembre de 1955 cuando el saxofoni-sta contacta con Miles Davis para formar parte de su quinteto junto al pianista, Red Garland, el contrabajista, Paul Chambers y el batería Philly Joe Jones.

Ese mismo año se casa con su primera esposa, Juanita Grubss (de nombre musulmán, Naima). Sus progresos se evidencian en el disco "Round Midnight" de septiembre de 1956 para Columbia en el quinteto de Miles. Su afición a las drogas se agudiza y Miles le despide de su grupo y el saxofonista aprovecha para trasladarse a Philadelphia con la intención de desintoxicarse de la heroína y el alcohol. En la primavera de aquel año, se incorpora al cuarteto de Thelonius Monk, que actuaba en el club Five Spot de New York. Vuelve con Miles Davis en 1958 y al año siguiente graban el inmortal álbum: "Kind of Blue".

A partir de ahí, su carrera es meteórica y firma un contrato con el sello, Atlantic y deja dos discos inconmensurables: “Gi-ant Steps” y “Coltrane Jazz”. El primero se convierte por derecho propio en uno de los disco cumbres del Hardbop. Viaja por primera vez a Europa en 1960 donde es recibido multitudinariamente.

A partir de ahí, su carrera es me-teórica y firma un contrato con el sello, Atlantic y deja dos discos inconmensurables: "Giant Steps" y "Coltrane Jazz". El primero se con-vierte por derecho propio en uno de los disco cumbres del Hardbop. Viaja por primera vez a Europa en 1960 donde es recibido multitudi-nariamente. A su regreso decide formar su propio grupo. Es en 1960 y lo forman el pianista, McCoy Tyner, el contrabajista, Steve Davis, sustituido luego por el definitivo, Jimmy Garrison, y el batería, Elvin Jones. El cambio a la música modal se inicia en octubre de 1960 cuando graba el tema: "My Favorite Things" y incorpora a su repertorio el saxo soprano, un instrumento que desde los tiempos de Sidney Bechet y con la excepción de Steve Lacy, nadie lo había incorporado al jazz moderno.

Deja la banda de Fletcher, y entre 1925 y 1928, inicia uno de los capítulos mas trascendentales de la historia del jazz. Forma sus dos propios grupos, primero los "Hot Five" y luego los "Hot Seven" y las grabaciones de aquellos años constituyen la semilla germinal de todo el jazz que hoy conocemos. Son diecisiete años al frente de grandes formaciones. Viaja a Europa por primera vez en 1932, vuelve en 1934 consiguiendo un espectacular éxito en Paris. Hollywood lo reclama y aparece en numerosas películas de desigual calidad. A mediados de los años cuarenta, forma su cele-bérrimo grupo: "All Stars" con el trombonista, Jack Teagarden, el clarinetista, Barney Bigard, el pianista, Earl Hines, el baterista, "Big Sid" Catlett, y el contrabajista, Arvell Shaw. Con ellos, Louis Armstrong se presenta el 13 de agosto de 1947 en el club: "Billy Berg's" de Los Ángeles y esa nueva etapa, se prolongaría hasta el final de su vida. Grabó innumerables discos, ofreció magníficos conciertos, sus músicos se renovaban sin que la calidad del grupo se resquebrajara, y el mundo entero escuchó a Louis Armstrong llevar su sempiterna sonrisa por los cinco continentes hasta que dos días después de celebrar su 71 cumpleaños, el corazón le dejó de funcionar. Falleció en su casa de Corona (New York) el 6 de julio de 1971.

La trompeta alucinante deLouis Amstrong

Louis Armstrong, nació el 4 de julio de 1900 en New Orleáns (Louisiana) en el seno de una familia muy pobre y en uno de los barrios marginales de aquélla ciudad. Sin antecedentes musicales en su familia, su interés por este arte se germina oyendo tocar en su ciudad natal las célebres bandas ne-orleanesas que desfilan habitualmente por las avenidas de la ciudad. Su primer contacto con la música tuvo lugar en un re-formatorio para niños abandonados cuando es admitido por buena conducta en la banda del reformatorio. Allí aconsejado por el director musical de la misma, Peter Davis, opta por la trompeta entre otros otros instrumentos.

Cuando en 1914 sale del reformatorio, empieza a trabajar en los cabarets de Storyville, donde estaban concentrados todos los locales nocturnos de la ciudad, y allí conoce al cor-netista, King Oliver. En 1918, con una bien ganada reputación como cornetista, es contratado por el director de orquesta, Kid Ory. Poco tiempo después, es Fate Marable, quien se fija en él para que se incorpore a su prestigiosa banda que actúa diariamente en los barcos de vapor que navegan por el Missis-sippi. En 1922, llega su gran oportunidad: King Oliver lo llama para que se incorpore a su “Creole Jazz Band” en Chicago. Allí comienza su apoteósica carrera. Graba sus primeros discos y su fama llega a oídos del mismísimo, Fletcher Henderson, el mejor director de orquesta negro del momento, quien le of-rece un contrato para que se una a su banda. En sólo un año, revoluciona el estilo y la forma de tocar de sus compañeros y

BUDDY RICH“SIMPATÍA YTALENTO DE LLENO”

Hijo de una pareja famosa del vaudeville americano, el baterista, Buddy Rich (1917-1987), a los cuatro años ya participaba en una comedia musical de Broadway. En 1928 dirigió su primera orquesta y diez años mas tarde debutó como baterista en el grupo del saxofonista y clarinetista, Joe Marsala. Ese mismo año fue contratado por Bunny Berigan y en 1939 después de una breve colaboración con Artie Shaw, ingresó en la orquesta de Tommy Dorsey, en la que permaneció hasta 1942 cuando se cambio a la de Benny Carter.

En 1944, una vez licenciado del Servicio Militar, Buddy Rich, se reincorporó a la orquesta de Tommy Dorsey, hasta que en 1946 formó su propia orquesta. En 1953, una vez que disolvió su grupo, fue contrat-ado por la banda de Harry James.

Al unísono, el productor Norman Granz, lo llamaba de vez en cuando para participar en su formación itinerante los Jazz at the Philharmonic. En el seno del JATP, tuvo ocasión de tocar al lado de casi todos los grandes del jazz en distintos y variados formatos. Acompañó a la batería a Louis Armstrong, Dizzy Gillespie, Art Tatum - con quien grabó un extraordinario disco a trío en su excepcional serie denominada "Art Tatum Group Masterpieces"- Roy Eldridge, y Ella Fitzgerald, entre otros grandes artistas.

Una grave crisis cardiaca le obligó a estar retirado de la música durante aun amplio periodo de tiempo, aunque el gusanillo de los palillos, hizo que desobedeciendo los consejos de los médicos, volviera a la activi-dad formando, primero un pequeño combo y poco después un “All Stars” en una gira de conciertos por Extremo Oriente

En 1961, volvió a la orquesta de Harry James, con la que estuvo hasta 1966 cuando decidió reactivar su propia bigband. A pesar de que el rock y el pop dominaban la escena musical en el mundo, el no se amilanó y utilizó una formula ya empleada por Woody Herman, de crear una banda formada por músicos recién salidos del conservatorio para hacer él de alma mater de la misma, aportando su experiencia, su solidez y su creatividad en la batería. En sus filas se formaron músicos como Art Pepper, Steve Marcus, Mike Manieri, Danny Hayes y Pat La Barbera, entre otros.Buddy Rich, poseía una técnica perfecta, una inventiva inagotable y estaba dotado de recursos físicos que hacía extremadamente difícil superarle en la batería, a pesar de que se enfrentó musical-mente a baterías de la talla de Elvin Jones, Art Blakey, Gene Krupa o Max Roach. Buddy Rich, fue sin duda uno de los escasos bat-erías blancos de jazz, que tenían la virtud de poseer el "sonido y el toque negro"

DIZZY GILLESPIE “INSPIRACIÓN ÚNICA”

John Birks Gillespie, fue el menor de los nueve hijos de una familia donde su padre, albañil de profesión, tocaba el piano en una orquesta de aficionados. Su primer instrumento fue el trombón pero desistió pronto dada la corta longitud de sus brazos, lo que le impedía alcanzar todas la notas. A los catorce años empezó a practicar con una trompeta de un vecino y su afición por el que sería el instrumento donde paso a la gran historia del jazz comenzó en serio hasta conseguir una beca para estudiar armonía y teoría musical en el Laurinburg Institute de Carolina del Norte. Tras instalarse su familia en Filadelfia en 1935, obtuvo un puesto en la orquesta de Frank Fairfax, donde por aquel tiempo tocaba el dotado trompetista, Charlie Shavers, quien compartía trío además con un ídolo del propio Gillespie: Roy Eldridge.

Como tantos otros jóvenes, Gillespie se fue a New York y allí conectó con la orquesta de Teddy Hill, y en una sesión de pruebas de la orquesta, y dado su carácter alocado, Hill le puso el sobrenombre que ya nunca le abandonaría de por vida y por el que sería conocido en la historia del jazz “Dizzy” que quería decir “alocado”·

Su estreno con la orquesta de Teddy Hill, consistió en una gira europea en 1937 y allí ejecutó su primer solo en el tema “King Porter Stomp” dando pruebas en aquel entonces, de una gran inmadurez musical. A su regreso a New York, la ban-da firmo un contrato en la famosa sala “Savoy Ballrom” y las cosas comenzaron a ir mejor, sobre todo con la inclusión en la banda del batería, Kenny Clarke.

Es en 1939, cuando Dizzy tiene su primer encuentro jazzistico con auténticos pesos pesados del jazz, como el vibrafonista, Lionel Hamptom, el saxo alto, Benny Carter, y tres formidables saxos tenores: Coleman Hawkins, Ben Webster y Chu Berry. El resultado fue que su estilo llamó la tensión de aquellos músicos que le pronosticaron un futuro prometedor. Al tiempo, su jefe, fue nombrado manager del celebre club “Myntons Playhouse”, localizado en los bajos del Hotel Cecil en la calle 118 Oeste de Harlem. cobraría un enorme significado, en la historia de Dizzy y en la del jazz.

Recomendado por el trompetista cubano, Mario Bauzá, Gillespie entró a formar parte de la orquesta de Cab Calloway donde nunca se encontró a gusto dado el estilo de música que hacia el excéntrico showman. Pero el hecho que le cambió la vida y la música a Gillespie, fue el primer encuentro con el saxo alto, Charlie Parker, su autentico "alter ego". Tuvo lugar en Kansas City, cuando ambos pasaron a formar parte de la banda de Earl Hines, a principios de 1943. Allí empezaron a elaborar música de gran calidad y con una estética muy próxima a lo que muy pronto se llamaría bebop. En 1944, la Calle 52 de New York, se había conver-tido en la Meca del jazz, y en menos de dos manzanas, había nueve club que ofrecían música de alto nivel y además el Minton's, seguía en pleno auge, celebrando históricas jam session, animadas por el grupo del batería, Kenny Clarke, el saxofonista, Don Byas, el pianista, Thelonius Monk y como no, Dizzy Gillespie y Charlie Parker, que venían desarrollando el nuevo idioma musical.

Al tiempo que el bebop germinaba en los sótanos de Harlem, el que fuera vocalista en la orquesta de Earl Hines, Billy Eckstines, se lanza a la aventura de lanzar su propia orquesta y la convierte en la primera bigband del bebop. Dizzy fue su director musical y en ella se encontraban algunos de los jóvenes valores del momento: Charlie Parker al saxo alto, la cantante Sarah Vaughan, el saxo tenor, Gene Ammons, el batería, Art Blakey, etc. La orquesta de Eckstine era el laboratorio ideal para los boppers en busca de trabajo pero pronto Dizzy la abandonó en busca de aventuras musicales mas reducidas. Así forma un cuarteto con el contrabajista, Oscar Petifford, para cumplir un contrato en el club "Onyx" y en aquélla época, justo en 1945, Gillespie estaba consolidándose como la estrella del nuevo movimiento musical. Dizzy era de ideas fijas y siempre tuvo entre cejas la idea de formar su propia orquesta que formó en 1946 con la ayuda de varios músicos que creían en su proyecto. En 1947, la revista "Metronome" le nombró mejor trompetista del año, por delante de su ídolo, Eldridge y la RCA le ofreció un sustancioso contrato. Por aquélla época y dada la afición de Dizzy por los ritmos caribeños, llevó a su banda por aquellos derroteros grabando entre otros grandes éxitos, el celebér-rimo "Manteca".

Se va a Europa de gira en 1948 y a la vuelta es asesinado en Harlem su percusionista, Chano Pozo. Disolvió la banda en 1950 y sus pasos se dirigen hacía las grabaciones en estudio con Charlie Parker, Bud Powell, Monk y otros músicos afines grabando una serie de discos magníficos. En 1953 participa en Toronto en el conocido concierto del siglo en el Massey Hall junto a las grandes estrel-las del bebop, Charlie Mingus incluido, que grabaría aquélla histórica sesión para su recién inaugurado sello “Debut”. Actúa en el primer festival de Newport, imparte enseñanzas en la “Lenox Shool of Music”.

Las giras con la JATP de Norman Granz, se suceden y en 1956, el Departamento de Estado, le confía la labor de actuar como emba-jador musical de los EE.UU. por Oriente Medio, Grecia, Yugoslavia y finalmente Sudamérica en una banda formada expresamente para la ocasión y en que Quincy Jones y Norman Granz, le ayudan a organizarla hasta el punto de que alguna vez declaró que aquélla banda fue la mejor que tuvo.

Los sesenta y la bossa nova también llamó la atención de Dizzy que incluiría algún tema en su repertorio. En los setenta forma parte de los “Giants of Jazz” formación estelar reunida por el productor, George Wein, para una serie de giras. Su actividad fue decayendo con los años pero todavía tuvo tiempo de grabar en 1989 un interesante disco a dúo con el batería, Max Roach, en un concierto en Paris. Dizzy Gillespie, murió en 1993 y con su muerte se perdió a un inigualable instrumentista que con una destreza superlativa, consiguió personalizar un fraseo cargado de arabescos y apoyado en la que fue una nueva forma de enfocar la ar-monía. De su pluma han salido temas tan famosos como “Salt Peanuts”; “Groovin’ High”; “Be-Bop”; “A Night in Tunisia” y muchísi-mas otras extraordinarias composiciones que han dado larga gloria al jazz. Dizzy Gillespie hizo y hace feliz a mucha gente con su música.

CHICK COREA “PINTANDO MONTREAUX”

Chick Corea, es un pianista singular dada su formación musical simultanea entre el jazz y la música clásica. Se introdujo en los ambientes profesionales a mediados de los años sesenta de la mano de los percusionistas, Mongo Santamaría o Willie Bobo y guiado por su pasión por la música latina, acompañó a numerosas figuras del momento como Cal Tjader, Stan Getz o Woody Show.

Su participación en el disco conceptual del "jazz rock" de Miles Davis: "Bitches Brew" le reportó enormes ben-eficios en el aspecto musical y de popularidad y ello le animó a emprender una carrera en solitario que le lle-varía a terrenos musicalmente insospechados. Su primera grabación "Piano Improvisación" para el sello ECM ya dejó mostradas sus cartas y su capacidad para tocar jazz moderno. Formo el grupo "Return to Forever" con el que se situó en la estela de la fusión del jazz con la bossa nova ya explorada con éxito por el saxofonista Stan Getz.

Sus dúos con los pianistas, Herbie Hancock, Keith Jarrett o Friedrick Gulda; sus incursiones esporádicas en la música europea de la mano de Roy Haynes, Gary Peacock o Michael Brecker, hasta llegar a las actuales experiencias eléctricas con su "Electrick Band" o la más actual "Akoustic Band" son muestras del camino recorrido por este extraordinario pianista, referencia indiscuti-ble del jazz moderno y con una capacidad indiscutible para atraerse a un publico heterogéneo mas allá de las fronteras del jazz.

En 1968, grabó para Blue Note su trabajo mas logrado en las orillas del jazz con su álbum: "Now He Sings, Now He Sobs" y en el se resume la carrera de este gran pianista. Un disco y una carrera caleidoscópica

DAVE WECKL: INSPIRACIÓN RÍTMICAPor más de 25 años, Dave Weckl ha desarrollado y mantenido una buena reputación entre los aficionados, compañeros y la comunidad inter-nacional de la música como uno de los bateristas gran vida. Para ello, ha recibido numerosos premios y honores, Modern Drummer instalado de Dave en su Salón de la Fama y lo llamó "uno de los 25 mejores bateristas de todos los tiempos". Pero estos honores, además de muchos más que otorga la comunidad musical, son el producto del compromiso inquebrantable de Dave a hacer grandes composiciones. Dave increíblemente dinámico y diverso de tambores, que ha inspirado a músicos de todo el mundo, está construido sobre una base sólida de conocimiento y respeto por la música. Nacido en St. Louis Missouri, 8 de enero de 1960, de una madre que amaba la música y un padre que jugó el piano como un hobby, Dave empezó a tocar la batería alrededor de los 8 años. Durante sus años de escuela secundaria, Dave recibido numerosos premios de la NAJE (Asociación Nacional de Educadores de Jazz) para actuaciones destacadas en la banda de su escuela secundaria de jazz ganador del concurso. Estuvo involucrado en numerosos grupos locales desde una edad muy joven, mientras estudiaba con St. Louis-área Matheny profesores Bob y Joe Buerger. A los 16 años, Dave comenzó a trabajar profesionalmente con el pop local y los grupos de jazz. En 1979, se trasladó a la costa este para estudiar música en la Universidad de Bridgeport en Connecticut. Con tan sólo 19 años de edad, Dave estaba siendo reconocido. En 1985, Michael Brecker sugirió a Chick Corea que mirar en los servicios de Dave por su Elektric Band de nuevo. Ese fue el comienzo de una relación de siete años con dos de las bandas Elektric y Akoustic, donde nueve grabaciones y tres vídeos fueron producidos, incluyendo un Grammy por la liberación Band Akoustic primero. El Elektric Band mostró Dave vanguardia tambores y el uso innovador de electrónica y baterías acústicas, con lo que le reconocimiento mundial. Aunque la Elektric Band fue en un hiato de 10 años en los años 90, la banda está de gira una vez más de vez en cuando. También lanzó un álbum conceptual 17-parte titulada "To The Stars" a mediados de 2004. Como solista, Dave ha grabado y producido nueve grabaciones hasta la fecha, incluyendo GRP / MCA solo versiones Masterplan , Heads Up , y Cableado . En 1998, Dave se dio cuenta de su viejo objetivo de formar un mundo-touring banda. La banda de Dave Weckl publicado cinco discos de estudio, incluyendo: Rhythm Of The Soul , Synergy , Transición , Movimiento perpetuo , y multiplicidad . La banda también lanzó un álbum en vivo caliente, VIVO (y muy enchufado) y una recopilación de videos instructivos y DWB titulado The Zone . También es profesor en la reunión anual Campamento Drum Fantasy . Además, Dave tiene muchos de instrucción de vídeo / DVD y reproducción a lo largo de paquetes en el mercado. Un estudiante constante de la técnica de la percusión y la música, Dave devuelve cada vez que puede a través de clínicas y clases de todo el mundo. De la enseñanza, Dave dice: . "Es mi meta es inspirar a muchos jóvenes (y no tan jóvenes) como sea posible a querer escuchar música, ya sea en tambores o instrumentos de otro con todos los aspectos negativos del mundo actual , siento que esta es mi manera de contribuir a la acción positiva hacia la felicidad espiritual que la música puede ser una gran parte de, si se lo permites. Así que los padres, si su hijo tiene un talento para la música, por favor darles la oportunidad de desarrollar esa talento! " Por supuesto, un hombre tan ocupado hace que moverse por la ciudad de manera eficiente. Un aficionado de los automóviles, Dave se queda en la fecha prevista por la conducción de un 505 caballos de fuerza Corvette Z06! Pero más allá de toda la grabación, producción, viajando, enseñando, trabajando con compañías que respalda a crear mejores productos, y rompiendo la carretera de vez en cuando, Dave pasión es pasar tiempo de calidad con su hija, Claire, Sofía (su perro perdiguero de oro), y los amigos. Esto es lo que todo el trabajo duro es para - la inspiración para seguir haciéndolo - y este punto de vista es probablemente el mayor activo de Dave.

El menor de los hermanos, Jones, Elvin Ray Jones (Pontiac, 1927) comenzó su carrera junto a sus hermanos, el magnifico trompetista, Thad Jones y el extraordinario pianista, Hank Jones, antes de iniciar su carrera en solitario en los años cincuenta de la mano de los músicos provenientes del bebop, como Charles Mingus o Bud Powell.

Rápidamente su destreza en la batería empezó a llamar la atención de los mejores músicos de la época y de esa forma trabajó practicamente con todos los grandes del jazz entre los años cuarenta y cincuenta: Sonny Rollins y Miles Davis en las sesiones del Village Vanguard de 1955; con el grupo del extraordinario trombonista, Jay Jay Johnson entre 1956 y 1957; con el extraordinario trompetista, Donald Byrd en 1958; y el salto definitivo en su carrera y por la que pasará a la historia del jazz, sus trabajos extraordinarios con el saxofonista, John Coltrane en sus diferentes grupos entre 1960 y 1965.

Con Coltrane, Elvin Jones grabaría varias obras maestras discográficas y a su muerte, Elvin, formaría sus propios grupos durante la década de los setenta. A principios de los ochenta creó la "Elvin Jones Jazz Machine" junto al saxofoni-sta Sonny Fortune y a imagen y semejanza de Art Blakey, impulsó desde ese grupo la formación musical de jóvenes con talento. De su escuela salió el talentoso saxofonista, Joshua Redman. Elvin Jones, es uno de los grandes bateristas dela historia del jazz; su estilo, inconfundible a la primera audición de sus platillos, ha dejado huella en numerosos músicos y todavía hoy permanece en activo grabando para varios sellos discográficos.

En la actualidad, -noviembre de 2003- este prodigioso baterista sigue en activo. A sus 76 años, y con las facultades físi-cas lógicamente mermadas, Elvin Jones, sigue en la carretera con su grupo, la "Elvin Jones Jazz Machine" una formación en la que impulsa con incendiarias intervenciones a sus jóvenes músicos acompañantes. "Apoloybaco" tuvo el privilegio de asistir el 12 de noviembre de 2003, a una de sus actuaciones en directo en el Teatro Central de Sevilla. Fue una noche mágica, espectacular y apoteósica. Elvin y sus músicos -extraordinario el saxofonista tenor, Mark Shim y el pianista, Car-los Mckinney- ofrecieron un extraordinario concierto que levantaron de las butacas varias veces al abarrotado auditorio.

Elvin Jones, demostró esa noche en Sevilla que a pesar de su deterioro físico, su capacidad creativa, su tempestuoso toque y su fuerza instrumental permanecen todavía intactas.

ELVIN JHONES “ARENA PURA”

BATERÍAS PREDILECTAS: SONOR, YAMAHA Y PEARL

EL JAZZ ES COSA DE MUJERESPor algún motivo sin aclarar hasta la fecha, el jazz ha restringido la participación femenina al papel -por otra parte, muy destacado- de vocalista. No se recuerdan grandes intérpretes femeninas de trompeta, saxo o contrabajo; alguna pianista sí, pero solían ser cantantes también. Las mujeres han prestado al jazz una voz más sensual y dúctil que la que se podía escuchar de los varones, un punto de turbación y sentimiento que acerca la sofisticación jazzística a su raíz bluesera. Acaba de publicarse un disco recopilatorio bajo el título Grandes Damas del Jazz (Verve/Polygram) que ofrece una pan-orámica bastante cumplida de las mejores artistas del género.

Entre las 13 damas que pueden escucharse en este disco destacan los nombres de las diosas indiscutibles del jazz. Ahí está el quejido amargo de Billie Holiday doliéndose por sus muchas heridas sentimentales en My man o Stormy Weather; es la voz más emocionante del jazz, que nació y murió en la marginación segregacionista, aquella Lady Day criada en un prostíbulo y detenida por la inquisición anti-droga en su mismo lecho de muerte.

También encontramos a la gran señora del jazz, a esa Ella Fitzgerald cuya monumental obra acoge todo el cancionero norteamericano clásico, con los mejores repertorios, los más granados acompañantes y una voz capaz de afrontar cualquier empresa, desde el Night and Day de Porter al Someone to watch over me de Gershwin. Tampoco es ajena a esta cita la fuerte personalidad de Dinah Washington, con aquella manera de decir, con esas palabras sardónicas que salían de su boca como directos al mentón de la audiencia, con esa estampa que reflejaba bien claro quién era: una hija del profundo sur que regentaba locales en Harlem mientras despachaba tragos largos y matrimonios cortos. Sus rotundas interpretaciones de Smoke gets in your eyes y What a difference a day makes dejan claro de qué material estaba hecha.

No podía faltar en esta selección Sarah Vaughan, aclamada como la más completa cantante del jazz, poseedora de la más depurada técnica, del más amplio registro; una voz forjada en los coros de la iglesia y bendecida en el templo laico del Apollo neoyorquino, donde la propia Ella le dio consejo y tarjeta de presentación para que se codeara con los Gillespie, Parker, Gordon, Blakey y toda aquella panda del bebop, del que llegó a ser dueña y señora. La afrancesada Nina Simone luce sus dos palmitos: esa voz de contralto con un pie en la carnalidad terrestre y otro en la espiritualidad celestial, y el virtuosismo de su piano -de niña ya daba conciertos de piano clásico, lo que no es extraño viniendo de una familia de músicos-. Love me or live me y el famoso My baby just cares for me dan fe de ello.

Menos conocidas por el gran público, pero igualmente sublimes, pueden apreciarse voces como la de Anita O'Day, con su swing irónico en My hearts belongs to daddy. La interpretación a tumba abierta de Love for sale a cargo de Shirley Horn da idea de por qué era la cantante favorita de Tete Montoliu, así como Helen Merrill lo fue de Gil Evans con temas como I'm a fool to want you. También podemos buscar otros derroteros en la voz, profundamente sensual de puro monótona, de Astrud Gilberto, la gran estrella de la bossa y la samba-jazz, quien acercara a la lengua del imperio a La Chica de Ipanema. Blossom Dearie pone sus aires de Lolita inocentemente malvada en Doo-Doo-De-Doop, Laura Fygi se recrea plácidamente en una sencilla tonada, Dream a little dream, y Ernestine Anderson luce poderío de swing en Running Wild. Hasta aquí el pasado; el presente lo sirve la garganta todoterreno de Dee Dee Bridgewater, cualificadísima cantante llamada a recoger el testigo de tanto monstruo de otras épocas.

Ricardo Aguilera

Sarah Vaughan

Ella Fitzgerald

Tocando junto a Melissa AldanaPor: Pedro Palacios Gómez

Dentro del marco del Festival de Jazz Colima 2012, Melissa Aldana fue una de las máximas figuras a tocar su particular estilo de interpretar el saxofón. Su sonido melancolico nos recuerda un poco a Jhon Coltrane.

En aquél momento yo tocaba la bateria con la banda de jazz y rock Afetr Eight, y en esa ocasión nos llamaron dos días antes para ver si era posible en la mañana acompañar a Melissa unos “standares” en un concurrido restaurante de la ciudad de Colima, nosotros dijimos si encantados, no es comun tener este tipo de personalidades en nuestro estado y es un buen moe-mento para compartir una experiencia tan maravillosa como esta.

Aunque solo fue un desayuno y lo dgo literalmente, temprano, freco, y ligero tuvimos la oportunidad de vivir tan agrada-ble experiencia. En la noche se llevo a cabo el concierto con el bajista Agustin Bernal y el baterista Gabriel Fuentes

Imágenes del Festival Colima de Jazz

ROLANDO LUNA TRIO

MELISSA ALDANA TRIO

AGUSTIN BERNALTRIO

PEDRO PALACIOS GÓMEZ