LaVAC PRESENTA: ABIERTO VALENCIA 2016

30 de septiembre - 1 de octubre

EXPOSICIONES DE LAS GALERÍAS

LUIS ADELANTADO “Cartografía del olvido”Oscar Carrasco“Rosetta”Alberto Feijóo

BENLLIURE “23 Muestra Benlliure”

ALBA CABRERA “Naturaleza extrema”Calo Carratalá & Helen Jones

ESPAIVISOR“A chupar del bote, fotografías 1974-1976”Ximo Berenguer

MISTERPINK “Desaparición” Vicente Talens

GALERÍA DEL PALAU

PAZ Y COMEDIAS “Geometría de un hueco”María García Ibánez

PEPITA LUMIER“APUNTES. Bocetos de una peli de Garriris”Javier Mariscal

PLASTIC MURS“Accipite et manducate ex hoc omnes...”Crajes

PUNTO / AREA 72“Interrelaciones”José Antonio Orts“Bubble World”Victoría Iranzo

ROSA SANTOS“Blanco Nocturno“Chema López

SET ESPAI D’ART “Destellos”Juan Olivares

GALERÍA SHIRAS “La misma savia, Versos, oleos y acuarelas“Jose Saborit“Poesia de lo cotidiano”Irma Ortega

ESPAI TACTEL “La Dernière Lueur”Antonio Fernández Alvira

GALERÍA THEMA “Sehnsucht”Rebeca Plana

GALERÍA9“Houtspell”Jonay C. van der Linden

ÍNDICE:

LUIS ADELANTADO

“Cartografía del olvido”Oscar Carrasco

“Rosetta” Alberto Feijóo

Oscar Carrasco

Alberto Feijóo

Óscar CarrascoBarcelona, España 1976

Se expondrán una serie de fotografías de Ós-car Carrasco mostrándonos un territorio pa-ralelo, una topografía formada por diferentes tipologías arquitectónicas.

Inmuebles desconocidos, rincones inexplo-rados o paisajes periféricos, que crean un particular catálogo que puede leerse como una única ruina contemporánea, un espejis-mo temporal de ese otro Madrid.

El fotógrafo capta la luz y la atmósfera, po-tenciando los detalles para crear con sus imágenes nuevas interpretaciones de los es-pacios reflejados.

Alberto FeijooAlicante, 1985

Rosetta es una investigación experimental que toma como punto de partida y referen-cia a la célebre estela egipcia expuesta en el British Museum de Londres.

Este trabajo de Alberto Feijoo, gira en torno a la experiencia de la temporalidad, sobre el pasado, el presente, la memoria y la per-sistencia de la identidad personal a través de los años, trazando líneas entre Historia e historias individuales (vivencias) utilizando el lenguaje visual como narrativa.

Tomando como premisa el lenguaje visual se generan “formas de contar”, investigando la capacidad de la imagen como narradora de historias.

Aquí se pretende explorar la frontera entre lo fotográfico y lo objetual, lo físico y el signo, el continente y el contenido.

De esta manera, la piedra Rosetta aparece ante nosotros como símbolo cargado de sig-nificados y también como un objeto que cat-aliza relaciones de todo tipo, tanto Históricas como autobiográficas.

BENLLIURE

“23 Muestra Benlliure”

Francisco Bores, Carmen Calvo, Rafael Canogar, Equipo Realidad, Luis Feito, Juan Genovés, Manuel Hernández Mompó, Miquel Navarro, Albert Rafols Casamada, Antonio Saura, Juan Uslé, Manolo Valdés, Esteban Vicente, Fernando Zóbel,

Rafael Canogar

ALBA CABRERA

“Naturaleza extrema”

Calo Carratalá & Helen Jones

Calo Carratalá

Helen Jones

Naturaleza extrema , Calo Carratalá & Helen Jones es el título de la exposición que pre-senta la galería Alba Cabreara en este Abi-erto Valencia 2016 .

Esta muestra es el perfecto maridaje de dos artistas pertenecientes a la última gen-eración de pintores figurativos vinculados al paisaje . Unos paisajes silenciosos , apasiona-dos y majestuosos como lo son las selvas amazónicos del valenciano Calo Carratalá y los celajes, mares y costas del atlántico de la británica Helen Jones .

En la obra de estos dos artistas se aprecia una clara intención neo romántica sustenta-do con una depurada técnica, tan pictórica , y aparentemente sencilla como es la del carboncillo y lápiz graso sobre distintos so-portes : papel ,tabla o tela.

ESPAIVISOR

“A chupar del bote, fotografías 1974-1976”

Ximo Berenguer

Ximo Berenguer (1946–1978)Serie El Molino 1#, 1974-197623,77 x 17,88 cm sin enmarcar

Ximo Berenguer (1946–1978)Serie El Molino 6#, 1974-197623,77 x 17,88 cm sin enmarcar

Ximo BerenguerValencia, 1946

Abrimos la temporada mostrando parte del legado fotográfico de Ximo Berenguer (1946–1978), figura prácticamente olvi-dada desde su temprana desaparición y solo recuperada recientemente merced a azarosas circunstancias.

Joven fotógrafo valenciano, empezó a despuntar al instalarse en Barcelona en 1966, a fin de iniciar sus estudios de foto-grafía en la Escuela Industrial. Abandonó entonces la estética del salonismo para adoptar un reportaje directo y descarnado. Admirador tanto de Cartier-Bresson y Bras-saï, como de Miserachs, Maspons o Colom; Berenguer se propuso erigirse en testigo gráfico de la conflictiva efervescencia social que agitaba el país.

Espaivisor presenta una selección del tra-bajo realizado en el famoso music hall “El Molino” a mitad de los 70’s. En 1975 Beren-guer pudo realizar una inmersión fotográfica en el universo particular de ese teatro de variedades, gozando de total acceso al lo-cal y de la intimidad con sus protagonistas. Las fotografías fueron realizadas mientras la compañía representaba la obra “A chupar del bote” y efectuaba los ensayos del que sería el siguiente espectáculo, “Taxi al Molino”.

Muchas representaciones satirizaban sit-uaciones de la actualidad y el espectáculo terminaba con el apoteosisde toda la com-pañía cantando: “A chupar del bote / hasta que se agote / a chupar del bote / es lo me-jor…” Una alusión a la corrupción que sigue bien vigente hoy en la letra de esa canción. De hecho, lo que interesaba a Berenguer era que El Molino debía verse, por un lado, como un espejo de la transición política: en los palcos departían empresarios e in-telectuales, hombres del régimen y líderes obreros, agentes de paisano y universitarios y todos ellos se burlaban juntos de esto y de lo otro, como de los males de la burocracia o de la incompetencia de la Administración. Por otro lado, El Molino constituía un refu-gio de seguridad en el que la vida exterior se concedía una tregua: a menudo mientras la platea estallaba en risas resonaban, no muy lejos, las consignas coreadas por los manifestantes, o las sirenas de los furgones policiales que evidenciaban el cambio que se estaba precipitando.

Se podría hablar de las composiciones y del tratamiento de la luz, del sentido de la oportunidad, de lacapacidad para describir una atmósfera o captar un clímax… pero por encima de todo la obra de Ximo Berenguer nos remite a la lucidez de Alfred Stieglitz cuando tuvo que explicar lo obvio y consignar que por encima de todo “cuando hago una fotografía, es como si hiciera el amor”.

Rafa Levenfeld

MISTERPINK

“Desaparición”

Vicente Talens

Vicente TalensValencia, 1962

¿Cuáles son los márgenes reales entre que una cosa exista y que desaparezca? ¿Y entre lo que ha sido y lo que ya no es? ¿Pueden tocarse, palparse, sentirse, fotografiarse, in-cluso difuminarse? ¿Pueden estos mismos márgenes desaparecer?

Vicente Talens, como un ilusionista fenom-enólogo contemporáneo nos lleva al terreno de lo borrado. Lo eliminado, lo extinguido. Un camino oculto, una puerta cerrada, algo que ya no será. Entrelazando ficción y realidad, pone en cuestión los límites de la realidad más literal.

Talens, artista multidisciplinar conocido por su particular iconografía y su amplio imagi-nario pictórico que desarrolla en medios grá-ficos y escultóricos, nos propone esta vez un proceso de ultradepuración, un planteami-ento conceptual eminentemente reflexivo donde los márgenes quedan difusos y donde cualquier pregunta en torno a la huella, al vacío, a la desaparición, al rastro, al cuestion-amiento de los límites, puede ser planteada. Nada y todo es lo que parece.

Vicente Talens nos lleva a cuestionarnos nuevos márgenes entre concepto, obra, pro-ceso artístico y el lugar mismo que la figura del espacio, en este caso la galería, repre-senta en estos procesos.

Desaparecer a través de lo matérico. Una desmaterialización a través del uso de la propia materia. Borrar el rastro a través de lo construido, eliminar la huella. Hacer desa-parecer como si lo borrado nunca hubiera ex-istido. Esconder, ocultar, fugarse, extinguirse, borrarse, hacerse ausencia, desaparecer. Pero esto no es más que el preámbulo de algo más grande. Esta vez mr. pink será sujeto activo de la pieza, una intervención en la que los márgenes de la ficción y la realidad quedarán descubiertos una vez concluya la intervención.

Desaparición. Pieza n.01 es el principio y el fin del primer acto.

* Desaparición. Pieza n.01 es la primera parte de la exposición homónima de Vicente Talens que abrirá la próxima temporada de la galería mr.pink en el mes de septiembre.

PAZ Y COMEDIAS

“Geometría de un hueco”

María García Ibánez

Panal ( detalle). 2016Acuarela y gouache

120x80cm

Maqueta (detalle). 2016.Papel recortado a laser.

Medidad variables. 250 x150 cm aprox.

María García IbánezMadrid 1978Vive y trabaja entre México y Madrid

La nueva muestra que María García Ibáñez presenta en Galería pazYcomedias continúa en su línea de trabajo en torno al territorio, el origen y la pertenencia.

En esta ocasión reúne una serie de piezas que reflexionan sobre la gráfica del hueco, de la estructura de las colmenas y su relación con el paisaje; formas o cobijos reversibles que son a veces vacío y otras relleno. Se sirve de la línea, la silueta y la geometría como her-ramientas elementales que, a través de dis-tintos procesos y materiales como el tejido en telar, el papel recortado o la acuarela, nos remiten a la esencia común que existe entre ellas: el dibujo.

PEPITA LUMIER

“APUNTES. Bocetos de una peli de Garriris”

Javier Mariscal

CASA DE DUSTINImpresión sobre metacrilato126 x59,4 cm

FESTIVAL DE LA LUNA LLENAImpresión sobre metacrilato126 x 59,4 cm

Javier Mariscal Valencia, 1950

APUNTES. Bocetos de una peli de Garriris. Mariscal 2016Los garriris la peli se trata de un proyecto muy personal e íntimo de Javier Mariscal. Un proyecto en el que lleva tiempo trabajando y que espera materializar en una película de animación y un cómic.

En la Galeria Pepita Lumier, se mostrará un material inédito de bocetos, trabajo gráfico de creación de personajes y desarrollo grá-fico del guión de la película. Se expondrán prints sobre papel arte y firmados por el au-tor, impresiones sobre materiales especiales como metacrilato y prints en blanco y negro intervenidos individualmente por el artista.Se trata de un camino novedoso de arte digi-tal para acercar la obra de Mariscal a todo tipo de público. Los prints se realizan sobre un papel de algodón de alta calidad que jun-tamente con las tintas pigmentadas le dan a la impresión un acabado perfecto y con una calidad cromática extraordinaria.

La peli se ambienta a principios de los años 70 y trata de dos jóvenes de 20 años que to-man el barco hacia Formentera para ser hip-pies, es un viaje hacia la libertad en busca de “sexo & droga & rock and roll”. Paisajes 100% mediterráneos, con preciosos juegos de luz, atardeceres amaneceres y una continua fies-ta donde el tiempo no existe y la naturaleza marca el ritmo de la vida.

Con esta exposición Javier Mariscal quiere dar un paso más en el camino que inició en Enero 2016 con el lanzamiento de Mariscal Portraits y que en unos meses se consoli-dará con el lanzamiento de su nueva tienda Mariscal Store, una web donde se venderá básicamente prints sobre papel, aluminio o metacrilato.

La exposición será inaugurada el próximo 16 de septiembre de 2016 y podrá visitarse hasta el 29 de octubre.

El día de la inauguración contaremos con la visita del artista.

PLASTIC MURS

“ACCIPITE ET MANDUCATE EX HOC OMNES:HOC EST ENIM CORPUS MEUM, QUOD PRO VOBIS TRADETUR.”

Crajes

Crajes Corpus Meum I

Mirada inocente, vulva sangrante, cadera andrógina, pecho incipiente; múltiples ex-presiones del cuerpo femenino deseante castigado una y otra vez por la doble moral opresora y violenta. Es lo que se palpa en el ambiente generado por Crajes, colectivo que aborda los conceptos de deseo, do-lor y placer contextualizados a partir de la iconografía concreta de las artistas que lo integran: Carla Rendón y Jessica Ruiz. Fanta-sía, imaginación y creatividad a raudales han hecho que sus obras, con distintas técnicas y formatos, predominando en esta ocasión el papel, aborden los principales tabúes de nuestra sociedad en torno al cuerpo. Encon-tramos en ellas imágenes recurrentes que remiten a la enfermedad, la herida, la sangre o el cuerpo corrupto pero siempre sensual a la par que mórbido, atravesando los límites de lo políticamente correcto para denunciar el cinismo y la hipocresía à la manière del Di-vino Marqués.

La ambigüedad y provocación al contemplar un rostro femenino lagrimoso esbozando una mueca que hace dudar de si goza o se re-vuelve para liberarse lleva a una reflexión so-bre el atractivo del cuerpo yacente, como el célebre minotauro de Picasso que aparente-mente fuerza a una joven cuyo cuerpo parece sin embargo estremecerse de placer. Se respira un ambiente de necrofilia en esas escenas cargadas de simbolismo y es que el cadáver que asoma en las obras de Crajes no está siendo ultrajado, mantiene una erec-ción que se confunde entre ciertas sombras y un errático barroquismo que acumula per-sonajes diminutos, huesos y objetos, super-puestos en el escenario pasional. Respecto a las mujeres, nínfulas rodeadas de insectos y masturbadas por gatitos, unas gozan de una especie de delirio sadomasoquista mientras que otras están siendo claramente abusadas, apuñaladas, atadas, vejadas, soportando un daño que tiñe sus pálidos torsos de sangre y sumerge sus almas en tinieblas.

Se trata de una toma de conciencia sobre las raíces de la doble moral con base educacion-al judeo-cristiana, motivo por el cual escogen un título en latín aludiendo a los orígenes de la Eucaristía: Tomad y comed, este es mi cuer-po, que será entregado por vosotros. En él se señala la traición inminente de Judas en con-traposición a las buenas intenciones del bíbli-co Jesús que entrega su carne y su sangre en un acto de fe. La reminiscencia religiosa de la

que nuestra sociedad actual no consigue desprenderse a menudo culpa a la víctima, en especial si es mujer, por haber mostrado su cuerpo tentador o bien anula su identidad si queda viuda, cubriéndola con el velo negro y esperando, en ambos casos, que jamás se recupere, que sienta el yugo del heteropatriarcado, se doblegue y no replique pero... Inevitablemente lo hace evidenciando los infortunios de la virtud.

Marisol Salanova

PUNTO / AREA 72

“Bubble World”

Victoria Iranzo

Victoria IranzoInstant camouflage mask, 2015. Oil on canvas, 195 x 195 cm

Victoria Iranzo, Valencia, 1989Partiendo de la asociación metafórica de significados, mediante el uso de la imagen y la palabra, se desarrolla el proceso pictórico como lenguaje formal. Entendiendo “pro-ceso” como un (no) espacio-temporal. Y for-mando parte éste como escenario.

Concibo el proceso de trabajo como una constante dicotomía, desarrollada tanto en el espacio físico (experiencia) como en el abstracto (ideas), en forma de retroaliment-ación.

El factor tiempo, aquel en el que deambula-mos, modifica y canaliza nuestra visión e in-terpretación de las cosas.

Todo forma parte de un juego de significa-dos, de relaciones intuitivas entre imágenes, intereses e influencias.

Espacios como escenarios, donde nos rela-cionamos. Con nosotros mismos, con nues-tras ideas y opiniones, con las de los demás. Espacios de peligro, espacios de confort. Es-pacios de 4Dimensiones.

El conocimiento del peligro y las protecci-ones necesarias contra el medio en el que nos adscribimos forman parte un juego en el que no es necesaria rivalidad ni confront-ación, sino una “simple” concepción y acep-tación de todos los factores. Incluidos rela-tividad y subjetividad.

Cómo filtrar la experiencia, cómo se generan las ideas y cómo éstas se traducen en im-ágenes. Imágenes a las que poner palabras, relaciones aleatorias y entrecruzadas a las que dar orden. Y la lectura final, de nuevo relativizada, ajena y externa.

Caminar, hablar, observar, pensar, el con-stante bombardeo, intereses, los intereses de mis amigos, y los de los que no lo son, y sus opiniones y las mías-las que tengo y las que no-gamas cromáticas que llaman mi atención, el óxido del cobre repartido en la ciudad (ese azul-verdoso que complementa con el ladrillo rojo), el trayecto de casa a Borger-haut, y los gorros de pelo. La botella que su-jeta las velas del bar de la esquina, o las lanas que compré en el rastro nada mas llegar. La música que escucho mientras pinto, o hago muñequitos, que marca el ritmo de acción, de la brocha y pensamientos.

El escenario como casita de muñecas, como “campos” que manipular y reinventar.

Dos tableros, aquel en el que nos desenvolvemos y aquel que generamos. El juego del arte, de la pintura, el de la vida, de significados y engaños. El juego de la razón y el cono-cimiento. O la total falta de ello.

Dos partidas en una, dos tableros, que fusionan y complican las reglas que desconoc-emos.

El miedo a lo que desconocemos, a caer, a fallar, el que paraliza. Y ese gran mensaje grabado a fuego (“lo importante es participar”) que nos enseñaba cuando perdíamos que el objetivo era divertirse, y entretenerse, y pasar el tiempo.

El espacio/sociedad como constructo que reconstruir, como peligro. La experiencia como motor. El individuo/filtro como contenedor, relativo e influenciable. El proceso como tiempo, como escenario de evolución y adaptación, de aprendizaje y protección. La obra como propio sedimento.

ROSA SANTOS

“Blanco Nocturno“

Chema López

Chema LópezAlbacete, 1969

La obra de Chema López incide sobre los grandes relatos de la Modernidad y sus bases éticas, con la certeza de que están sometidos a una profunda crisis. En esa crisis, y aun den-tro de sus heridas abiertas, el artista inicia su reflexión. El resultado no es tanto una posi-bilidad de restituirlos, huyendo por lo tanto de la figura del artista como gurú, como sí de firmar su certificado de defunción a través de homenajes fragmentarios y no siempre ofre-cidos a primera vista.

SET ESPAI D’ART

“Destellos”

Juan Olivares

Juan Olivaresdestellos I

Juan Olivaresdestellos VII

J’aime l’emotion qui corrige la règle.Juan Gris, hacia 1914, París.

Un destello más allá de un fenómeno lumíni-co es también una manifestación repentina de alguna cualidad o actitud. Un momento perfecto y fugaz en el que se produce una revelación, un descubrimiento.

Este el es hilo conductor de mis últimos tra-bajos que podrán verse en la exposición in-dividual de Septiembre en la galería Set Es-pai d´Art. La muestra recogerá una serie de nuevos collages de gran formato y esculturas.

GALERÍA SHIRAS

“La misma savia, Versos, oleos y acuarelas“Jose Saborit

“Poesia de lo cotidiano”Irma Ortega

Jose SaboritVer el mar I

Irma Ortegasello

Jose SaboritValencia 1960

Moviéndose en los límites que unen y sepa-ran al paisaje y la abstracción, la pintura de José Saborit surge de una mirada al mundo intemporal, contemplativa y despojada de anécdotas y teorías, un mirar emocionado que desea perdurar o hallar doble vida me-diante una cuidadosa combinatoria técnica de la materia sobre el lienzo.Pinta, escribe, y trabaja como catedrático de pintura en la Facultad de Bellas Artes de San Carlos de la UPV. Recientemente ha sido nombrado Académico Electo de la Real Academia de San Carlos.

ESPAI TACTEL

“La Dernière Lueur”

Antonio Fernández Alvira

Antonio Fernández AlviraHuesca, España, 1977.Vive y trabaja en Madrid.

El presente proyecto plantea, mediante el dibujo sobre papel y la instalación, una re-flexión sobre la fragilidad y lo efímero de nuestro entorno y sus símbolos. Para tal fin el artista acude a lo escenográfico y a la es-tética de la simulación, es decir, a imágenes arquitectónicas que han permanecido sus-tentadas sobre una apariencia estable y eterna tras la cual habita el engaño. Este trabajo es una investigación sobre los conceptos de representación y fraude visual, a través del uso del preciosismo y del trampantojo, ámbitos en los que el ojo es seducido a través del dibujo, simulando la madera mediante el papel y la acuarela, algo que a su vez funciona como metáfora de lo asumido como real pese a tratarse de una pantomima.

El proyecto es el encuentro de dos enti-dades antagónicas. Por un lado, la acumu-lación de escombros como desplazamiento de lo arquitectónico -lo que un día fue- ha-cia la abstracción (una nueva entidad que funciona como recordatorio de lo que ya no será). Por otro, la luz como agente en-cargado de dar una nueva y última vida a lo efímero. El resultado es una pieza artística que funciona como un escenario teatral: mientras hay un foco encendido la obra per-manecerá viva.

A un mismo tiempo este trabajo supone un campo de experimentación sobre las posibi-lidades del dibujo como algo que trasciende el marco y que interactúa con lo escultórico y lo arquitectónico.

GALERÍA THEMA

“Sehnsucht”

Rebeca Plana

Galería Thema inaugura con un solo show para Abierto Valencia 2016 con la ex-posición “Sehnsucht” de Rebeca Plana.

Sehnsucht es una palabra de origen ger-mánico, característica de la cultura román-tica y que no tendría traducción exacta al castellano. El término refiere a el anhelo hacia algo que no se sabe qué es, que no se encuentra en el presente y tampoco ha ex-istido nunca en el pasado. Sehnsucht podría referirse a un lugar lejano o un país imagi-nario donde la artista encontraría su hogar. Rebeca Plana habla de “esa patria modesta, oculta y frágil, que nos sirve de apoyo para caminar por tanta realidad espeluznante (…) tiene el pintar un mucho de aventura idílica, acaso religiosa, que transporta al osado hasta las galerías de la memoria (…) rein-ventando las justas pinceladas de un himno que nos calme.” En la exposición Sehnsucht se mostrarán siete lienzos de grandes di-mensiones y más de veinte obras sobre pa-pel, originalmente mapas antiguos, sobre los que la artista trabaja. Sehnsucht simboliza en esta exposición una “dependencia del deseo”, un constante anhelo que mueve al ser humano hacia nuevos retos u objetivos.

GALERÍA9

“Houtspell”

Jonay C. van der Linden

Jonay Nicolas Cogollos van der Linden (Santa Cruz de Tenerife, España) vive y tra-baja en Valencia. En 2011 obtiene el título de Doctor Europeo en la Facultad de Bellas Artes de San Carlos, Universidad Politéc-nica de Valencia.  Jonay compagina su actividad artística con su labor docente como profesor asociado en la Facultad Bellas Artes de San Carlos y ha realizado diversas estancias como in-vestigador en la Universidad de Middlesex de Londres y proyectos de investigación artística en la FADU, Universidad de Buenos Aires.  Jonay desarrolla su actividad artística e in-vestigación académica en torno a la relación arte-diseño y a su repercusión en el ámbito sociocultural y artístico.  Definir el arte en una comparativa con re-specto al diseño es algo extremadamente complejo y existen serias dudas sobre don-de posicionar cada disciplina. Los procesos artísticos influyen directamente en la gener-ación de propuestas de diseño; y el diseño se nutre del arte o de los procesos del arte. En su trabajo existen variaciones concep-tuales entre una disciplina y otra, pero las fronteras desaparecen cuando se encuen-tra de lleno en el proceso de elaboración o producción de piezas.  Si bien viene a ser cierto que las diferencias entre el arte y el diseño de autor se reducen a los condicionantes o peculiaridades que entran en juego, los procesos creativos no son tan diferentes entre ambas disciplinas.  En esencia, el artista ha desarrollado un especial interés por la composición, atendi-endo a una amplia gama de elementos gráfi-cos que definen: la forma, cromatismo, dis-posición y fuerza expresiva de las diferentes piezas exhibidas; resultado de su ardua tarea de investigación en nuevos ámbitos y técnicas (o procesos artísticos), y el éxito al conseguir unificar lo aprendido en un cami-no que, sin duda, le llevará a la evolución de sus próximas propuestas creativas.