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INSTITUCIÓN EDUCATIVA TÉCNICA SAGRADO CORAZÓN Aprobada según Resolución No. 8758000490 – NIT 800251680 – DANE 108758000490

SOLEDAD – ATLÁNTICO.

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PA_00_SGC_11012019 00 GUIAS Última revisión: 11/01/2019

GUÍA N°

ÁREA: ARTÍSTICA ASIGNATURA: MÚSICA

GRADO: 11

DOCENTE: MARÍA DE LA LUZ VILLA THOMAS PERIODO: 1 I.H: 2

META DE FORMACION Al finalizar el segundo semestre, del presente año lectivo, los estudiantes de 11 grado, estarán en capacidad de realizar procesos de recepción, como espectadores. Desarrollar sus habilidades artísticas mostrando dominio tanto del lenguaje musical como del plástico visual, (procesos de apropiación y creación). Así como también tendrán la posibilidad de utilizar diferentes materiales y de conocer diferentes manifestaciones artísticas y culturales que les permitan de alguna manera, integrar lo aprendido a su vida diaria. (Socialización).

NIVEL DE PENSAMIENTO: Conceptual y técnico

OPERACIONES MENTALES: Codificar y decodificar Exposición, observación, comparación, relación, clasificación, análisis, síntesis, percepción, identificación, secuenciación

OPERACIONES DE DESARROLLO SOCIAL:

COMPETENCIAS: BÁSICAS: Perceptiva, creativa, Técnica, comunicativa, expresiva LABORALES ESPECÍFICAS: Trabajo grupal, trabajo práctico, aprendizaje colaborativo, debate CIUDADANAS: Desarrollo de competencias emociónales. Respeto a las diferencias culturales, convivencia ciudadana, participación democrática. Comprendo que el espacio público es patrimonio de todos y todas y por eso lo cuido y respeto. Reconozco que los seres vivos y el medio ambiente son un recurso único e irrepetible que merece mi respeto y consideración

COMPONENTES: Perceptivo, Creativo, Técnico, Comunicativo, Expresivo

ESTANDAR: Conozco e identifico las principales características de los diferentes periodos de la historia de la música.

EJE TEMÁTICO: La música a través de la historia

DESEMPEÑO:

Conozco e identifico los periodos de la historia de la música



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INDICADOR(ES) DE DESEMPEÑO(S):

Conoce las principales características musicales de la prehistoria Conoce las principales características musicales de la antigüedad Conoce las principales características musicales de la edad media Conoce las principales características musicales del renacimiento

NÚCLEOS TEMÁTICOS:

La Prehistoria La antigüedad La edad media El renacimiento

SITUACIÓN(ES) PROBLEMA(S): PREGUNTA ESENCIAL Dialogo socrático: ¿Por qué es importante conocer la evolución de la música a través de la historia? PREGUNTA DE CONTEXTO ¿De qué manera influye la evolución de la música en la música que escuchamos actualmente?

FASE AFECTIVA O MOTIVACIONAL: Diagnóstico: (Interrogatorio para indagar los conocimientos previos) Sensibilización a través de la escucha de obras musicales.

FASE COGNITIVA O DE ELABORACIÓN

LA MÚSICA EN LA PREHISTORIA

La Prehistoria: es el período de tiempo que comprende desde los orígenes del hombre hasta la aparición de la escritura (el 3500 a.C/a.n.e aproximadamente). Períodos:

Paleolítico Mesolítico Neolítico Edad de los Metales

Existen numerosas teorías que tratan de desentrañar los orígenes de la música. Algunos estudiosos piensan que el hombre primitivo concibió la música como un regalo de los dioses, siendo utilizada para defenderse de los malos espíritus, para ahuyentar la muerte y la enfermedad, para alejar tormentas o implorar la lluvia y la fecundidad. Iba asociada a las



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ceremonias y los actos rituales, se utilizaba para rezar a los dioses o alabar al sol, para acompañar las danzas, relatar sucesos de caza y de combate, etc. Según Charles Darwin, el canto se inició cuando el hombre imitó los gritos de los animales. Por su parte, Rousseau sitúa el origen de la canción en el hablar alzando la voz. Otros investigadores, sin embargo, creen que la música se originó en el ritmo, especialmente en los ritmos que establecen determinados trabajos; y otros autores consideran que la música y el habla humana tienen el mismo origen: la comunicación sonora. Aunque los comienzos de la música sean inciertos sí se puede afirmar que el hombre primitivo disponía de tres procedimientos para crear música:

1 Los que producía su aparato fono-respiratorio: la voz. 2. Los que producía con su propio cuerpo: manos, dedos, pies (percusión corporal). 3. Los que producía con utensilios distintos a su propio cuerpo: palos, piedras, pieles tensadas,

troncos huecos, huesos, etc. Podemos suponer que se hacía música dentro y fuera de las cuevas como así lo demuestra las descubiertas en varios lugares, entre las cuales destacamos la de Trois Frères en Francia, que contiene la representación de un grabado conocido como“el hombre-bisonte”, un personaje que parece estar conduciendo un rebaño de animales mientras toca un instrumento, quizá un aerófono o un arco musical. No existen dudas de que la música y la danza formaran parte de la vida del Homo Sapiens (40.000 años antes de nuestra era), en el que se encuentra cierta conciencia musical unida al desarrollo del lenguaje. Este hombre primitivo era capaz de crear algunos objetos sonoros y expresarse artísticamente con ellos: piedras y troncos de árbol huecos, huesos o cañas cortadas a la medida.

Para el hombre del Paleolítico la música era un recurso mágico que le servía de apoyo en las ceremonias que celebraba para pedir buena caza o pesca. Los chamanes (especie de brujos y curanderos) disfrazados a menudo de animales, danzaban y seguramente cantaban deformando su voz con una membrana colocada frente a la boca, anticipando así el instrumento que ya conocemos con el nombre de “cazú”. Ahora bien, probablemente las primeras civilizaciones “musicales” surgirían en el Neolítico (10.000 años antes de nuestra era) estimuladas por la formación de nuevos sistemas sociales: las primeras comunidades agrícolas y ganaderas. Adoptan hábitos sedentarios y esto les permite fabricar instrumentos y conservarlos. Los ciclos del año agrícola también se expresarán a través de danzas y cantos.

http://es.wikipedia.org/wiki/Paleol%C3%ADtico

http://es.wikipedia.org/wiki/Neol%C3%ADtico



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PERCUSIÓN Este instrumento es un sistro, su uso estuvo muy extendido en las antiguas civilizaciones. Es un instrumento de percusión, idiófono (al

sonar vibra todo el instrumento). Correspondería al sonajero. Otros instrumentos de percusión son los huesos de distintas longitudes (que darán distintos sonidos, más graves o más agudos), aros de hueso, sonajas de arcilla, palos. Con los troncos huecos de los árboles y tensando pieles de animales crearon los primeros tambores, instrumento cargado de simbología, ya que se le atribuían poderes sobrenaturales, y eran empleados a menudo para ahuyentar a los malos espíritus o para regular las condiciones atmosféricas. A veces también eran utilizados como sistema de comunicación entre distintos asentamientos.

CUERDA

Primero se tuvo que hacer música utilizando el arco de caza. Después se pasó a tensar una cuerda o más que se pulsaban, frotaban con arco o se percutían (se golpeaban). Como el sonido que producían era débil, la mayoría poseía algún tipo de caja de resonancia, como una calabaza seca o una concha. El arpa, junto con la flauta (viento), son instrumentos que sabemos que existen en Egipto desde el cuarto milenio antes de nuestra era. Curiosidad: el símbolo usado en los jeroglíficos para la música era el mismo que el de bienestar y el de alegría.

Tumba de nait

VIENTO

Silbato de

Falange

Los instrumentos de viento se encuentran en casi todos los hallazgos prehistóricos. El hombre primitivo se dio cuenta de que el aire contenido en cuerpos huecos producía sonidos al vibrar. Este es el origen de los instrumentos aerófonos. Los instrumentos de viento más antiguos que se han encontrado son silbatos de falange - de huesos de pata de reno -. Estos instrumentos sólo producían una nota y seguramente tendrían una función comunicativa, es decir, se utilizarían para transmitir mensajes.

http://www.egiptologia.net/isis/sistro01.jpg

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Venus de Laussel (Dordoña)

Posteriormente el hombre primitivo comprobó que la altura o tono de los sonidos dependía de la longitud del tubo. Inicialmente se ataban varios tubos, unos junto a otros, dando lugar a la flauta de Pan o “siringa”. Un poco después se hicieron orificios en la caña de la flauta que, al taparlos con los dedos, producían distintos sonidos. De esta forma se desarrollarán diferentes tipos de flauta. A veces, las flautas también se hacían de hueso de aves o cuernos de animal. Se sabe que los cuernos de animal y las conchas se usaban para transmitir mensajes. La venus encontrada en Laussel (Dordoña) sostiene un cuerno de bisonte.

LA DANZA

En 1912 fue descubierta la cueva de Tue d’Aubert en Francia y los investigadores coincidieron en el significado de unas huellas encontradas en el suelo. Dedujeron que habían sido hechas por jóvenes (de unos 13 ó 15 años), que danzaban sobre sus talones alrededor de los relieves de bisonte, quizás imitando las huellas que dejaban sobre el suelo estos animales. La danza es una forma natural de expresión. Se sabe que era utilizada con fines determinados, para celebrar una buena cacería o como rito mágico que invocaba a la lluvia o una buena cosecha.

Algunos instrumentos prehistóricos:

Los LUR pertenecen a la Edad de Bronce (1300 - 700 antes de nuestra era). Son una especie de cuernos, por tanto, instrumentos de viento. Se encontraron en países nórdicos como Dinamarca y Noruega, generalmente por parejas.

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Flauta de hueso hallada en un yacimiento alemán; procede del paleolítico.

Especie de chamán encontrado dibujado en una pared de la cueva de Trois Fréres, al sur de Francia. Lleva un arco musical, con el que suponemos que acompañaba sus ritos.

Bramadera (o zumbadora) es una pieza plana de madera o hueso atada a una cuerda que se hace girar -se voltea- y produce un sonido similar a un bramido. La distinta velocidad a la que se hace girar hace variar el sonido. Hay varias teorías acerca de ella porque se han encontrado restos en distintas partes del mundo y se estima que tenían diferentes funciones para las poblaciones de cada lugar:

- se considera que era un instrumento musical, pero también se dice que su sonido impedía el acercamiento de los lobos (en los Pirineos), - en Australia que el sonido de la bramadera era en realidad la voz de los antepasados, - y en América, que los indios la utilizaban para invocar a la lluvia. - Alguna teoría cree también que las bramaderas eran simplemente pesos para las redes de pesca, - y otra, que tenían una función comunicativa. Todas estas funciones no son excluyentes. Se hacía sonar de este modo:

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Restos encontrados en la península ibérica: Altamira (Cantabria), Aitzbitarte (País vasco), el Pendo (Cantabria), y en la sierra de Atapuerca (Burgos). También se han encontrado en la Dordoña y en de La Roche, Lalinde (Francia). Todas son del Paleolítico, aunque de distintos períodos. Lo más curioso es que se siguen construyendo.

Rascador de hueso dentado, con muescas. Se pasaba un palo o hueso por encima produciéndose el sonido por fricción. El güiro procede de él.

La música en las civilizaciones antiguas

No se sabe cuándo nació la música ni se dispone de una verdadera notación escrita de la misma. Las culturas del pasado establecieron la manera de transcribir gráficamente los sonidos mucho después de la invención de la escritura y algunas culturas no conservan ningún testimonio escrito de su música. Es más, con frecuencia los documentos se han perdido por completo y el conocimiento de los instrumentos empleados, así como la comprensión de su uso, sólo puede deducirse de los textos escritos y de las imágenes pintadas en los vasos. De cualquier manera, estas informaciones nunca podrán devolvernos las melodías entonadas.

En la Antigüedad se creía que la música tenía orígenes divinos. El único dato cierto es que nació con la danza y que ambas formas expresivas estaban estrechamente vinculadas a una dimensión social y ritual. En las civilizaciones antiguas, el hombre formulaba sus propias plegarias a las divinidades utilizando el canto y la música, acompañándolos a menudo con movimientos corporales rítmicos. Hubieron de transcurrir muchos siglos para que la música se desarrollara como expresión independiente del marco religioso.

Mesopotamia y Egipto

Mesopotamia y Egipto fueron las dos grandes cunas de la civilización occidental, incluso en el campo de la música. El pensamiento griego obtendrá de ellas las bases para elaborar sus propios conceptos sobre la música.

Las incrustaciones y bajorrelieves de la civilización sumeria (3000-2000 a.C.) testimonian, también en ella, el estrecho vínculo entre música y religión. Así, el canto, con frecuencia acompañado por instrumentos, formaba parte de la liturgia y de las prácticas mágicas. Los custodios de la música, definida por los sumerios como cantilena (kalutu), eran sacerdotes, matemáticos y astrólogos; con el correr del tiempo se fueron elaborando textos rituales cada vez más ricos y variados, organizándose de tal modo que los salmos y los himnos se sucediesen según las finalidades de la plegaria. Los bajorrelieves

documentan la existencia de una viva actividad de la música profana: en ellos se representan

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escenas de fiestas, ceremonias y banquetes amenizados por músicos y bailarinas. Los sumerios cantaban y bailaban, ya sea para conquistar el favor de los dioses, ya en los diversos momentos de la vida social. Los asirios y los babilonios, por su parte, aplicaron a la música sus estudios de astronomía y matemáticas -por los que se hicieron merecidamente célebres- y crearon así los presupuestos de la concepción cosmológica de la música elaborada por el filósofo y matemático Pitágoras, paso que resultará definitivo para la formación del pensamiento musical en Occidente.

Para los egipcios, como para los pueblos de Mesopotamia, la música tenía un origen divino y sus guardianes atentos y diligentes eran, por consiguiente, los sacerdotes. Toda la población, hombres y mujeres, pobres y ricos, participaba en las plegarias y acompañaba los ritos religiosos con cantos y danzas. Cuando la música no era un instrumento para la oración, contribuía a los momentos placenteros de la vida de las gentes.

La música hebrea

Para comprender la música de los comienzos del cristianismo, es necesario un rápido esbozo de la música hebrea. Los primeros cristianos, movidos por la necesidad de elaborar un repertorio de cantos y plegarias para su nueva liturgia, recurrieron a las melodías hebreas y a la teoría musical griega. Los componentes esenciales de la cultura musical hebrea son dos: la entonación melismática, es decir ese modo particular de leer el texto bíblico que está a mitad de camino entre el canto propiamente dicho y un canto con escasa inflexión melódica y basado en la escanción de las palabras (declamación), y la salmodía, es decir el canto de los salmos basado en la repetición de una nota central y en breves ornamentaciones de la melodía que sirven para subrayar el inicio y el fin de los versículos. En particular, la salmodía será heredada por la cultura cristiana medieval y permanecerá durante mucho tiempo como punto de referencia para varias “situaciones” musicales.

Los instrumentos musicales de la cultura mesopotámica, egipcia y hebrea

Numerosos documentos testimonian que tanto los pueblos de Mesopotamia como los egipcios poseían un gran número de instrumentos musicales: instrumentos de percusión (los que producen sonido al ser golpeados) construidos con materiales diversos, desde la piel de animales hasta la madera o incluso la cerámica; instrumentos de viento, como la flauta, o de cuerdas pinzadas, como el arpa, la cítara o el laúd.

Típicos de los pueblos mesopotámicos fueron los instrumentos de percusión, a modo de castañuela, cuya morfología imitaba las

manos y los pies humanos, construidos en madera, hueso o marfil y que se percutían uno con otro. De la tumba del faraón Tut Anj Amón se exhumaron algunas trompas construidas en materiales preciosos, como oro o plata. Al parecer existía entre los egipcios una forma de acompañamiento; en ocasiones, los instrumentos se utilizaban en el ámbito de pequeños



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conjuntos en los que, probablemente, un músico ejecutaba las melodías tradicionales mientras los restantes ejecutaban variaciones.

Entre los hebreos, en cambio, los instrumentos se dividían en tres grupos, según la clase social que los utilizaba. Los cuernos de animales y las trompas correspondían a los sacerdotes; los instrumentos de cuerda, como el arpa o la lira, eran utilizados particularmente por los levitas, funcionarios consagrados al servicio del templo; los instrumentos de viento, como la flauta, la chirimía y los tambores y platillos se reservaban al pueblo.

La música griega

La civilización griega nos ha dejado muchos documentos teóricos, pero Poquísimas melodías. En realidad, y a pesar de dar muchísima importancia a la música y su significado, los griegos no consideraban importante dejar testimonios de sus composiciones a la posteridad. Los antiguos griegos conferían a la música un papel importante; de hecho, era un conjunto de actividades artísticas que no sólo incluía el aspecto melódico, sino también la danza, la poesía y, en parte, los ejercicios gimnásticos. Pero de todas estas actividades sólo han dejado testimonio de la poesía. La melodía, por el contrario, rara vez se transcribía, de la misma forma que no se describían en los textos los pasos de danza o las actividades atléticas.

El concepto musical en los griegos

Uno de los aspectos más relevantes de la cultura griega, con las obras de arte, fueron las actividades y las producciones teóricas. Cuando las ciudades-estado griegas alcanzaron una cierta estabilidad política y económica y las secuelas de las guerras se fueron convirtiendo en recuerdos, la sociedad pudo dedicar más tiempo al pensamiento puro y, en consecuencia, a interrogarse sobre la naturaleza de las cosas, el origen del hombre y el universo, así como a elaborar cosmologías globalizadoras.

Estos pensadores fueron los filósofos que, en el ámbito de las propias reflexiones, se preguntaron también sobre de la naturaleza y la finalidad de la música. Muchos escribieron al respecto páginas fundamentales tanto para la cultura griega como para las sucesivas.

Inicialmente, el mundo griego estuvo influido por los antecedentes culturales mesopotámicos -en especial babilónicos- y egipcios; la música era un instrumento necesario para obtener el favor de los dioses y un valioso aliado de médicos y magos. Entre los SS. VI y V a.C. la música trascendió paulatinamente la esfera estrictamente religiosa y entró a formar parte de la vida cotidiana de la población, y por tanto de su formación cultural. Con Homero, el cantor deja de utilizar su música para realizar sortilegios con lo que dispone de un verdadero repertorio de melodías adaptadas a cada ocasión. Los filósofos pitagóricos dedicaron una especial atención



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al estudio y a la comprensión de la música e hicieron extensivas a ella las bases de su cosmología; siguiendo el pensamiento del maestro, los seguidores de Pitágoras estaban convencidos de que la totalidad del universo estaba constituido por principios de opuestos, derivados de la oposición par-impar en el ámbito numérico, que son el principio de la realidad. Los contrarios (macho-hembra, luz-tinieblas, bueno-malo, etc.), si quedaban librados a sí mismos, y precisamente por el hecho de ser contrarios, emprenderían una guerra sin fin y acabarían por hacer imposible la existencia de las cosas. Por lo tanto, existe una ley que favorece el equilibrio entre esos elementos: la armonía. La armonía es la regla que gobierna el universo, los elementos naturales y el espíritu humano. El hombre se debate entre el bien y el mal. Lo que le permite optar siempre por lo mejor es, precisamente, la suprema ley de la armonía. Los pitagóricos contemplaban especialmente el aspecto abstracto y teórico de la música y consideraban en un segundo plano su aspecto práctico. Su concepción tendría enorme influencia en los pensadores posteriores.

El filósofo Platón (ss. V-IV a.C.), por ejemplo, condenó drásticamente la música como fuente de placer irracional y, en cambio, exaltó su estudio teórico, al que consideró apto para educar al hombre y para iluminarlo acerca del significado de la vida y del mundo. También Aristóteles (s. IV a.C.), que no condenó la sensualidad de la música, despreció el aspecto físico de la misma; para él, la labor del instrumentista es un trabajo manual, concreto, totalmente desprovisto de la profundidad de la que, por el contrario, puede ser capaz quien escucha la música y reflexiona sobre ella. En la estela de esta concepción, y durante mucho tiempo (al menos hasta los umbrales del s. XIX), los músicos fueron considerados personas cuyo estado era casi servil.

Sólo con Aristoxeno, ya en el ocaso de la civilización griega clásica (finales del s. IV a.C.), se dedicó a la música una atención de cariz menos filosófico y más específico.

Música y Mitología

Los mitos de Orfeo y de Dionisio arrojan luz sobre los conceptos musicales de los antiguos griegos. Orfeo canta y se acompaña con los sones de la lira (un instrumento de cuerda provisto de caja acústica hecha con el caparazón de una tortuga y de unos brazos unidos por un travesaño para tensar las cuerdas) encantando así a todo el que le escuchase e incluso



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calmando a los animales feroces. Dionisio, en cambio, no canta, pero perturba el ánimo con el sonido penetrante de su chirimía (aulós). Ambos mitos simbolizan el poder de la música, pero mientras el primero subraya su valor educativo, el segundo demuestra hasta qué punto la música puede confundir y extraviar cuando no está guiada por el texto y la razón. Esta contraposición se refleja incluso en los instrumentos empleados: quien toca la flauta o cualquier instrumento de viento no puede cantar y, por lo tanto, no es capaz de desbastar la sensualidad de sus melodías con el significado del texto entonado; por el contrario, la lira y los instrumentos de cuerda en general permiten conciliar el placer de la buena música con las exigencias de equilibrio racional ofrecidas por las palabras.

Música y músicos en Grecia

Todo lo anterior explica que los griegos prefirieran la música vocal, provista de un texto poético cantado, a la instrumental; una composición que se reduce a la melodía, aunque agradable, podía resultar irracional y empujar al oyente a vuelos sin freno ni control de la fantasía.

La música vinculada a las palabras, por el contrario, implicaba un texto que enunciar y podía conducir a la reflexión sin perder su papel fundamental de educar a los jóvenes. Además la relación entre música y poesía explica por qué el ritmo musical griego estaba vinculado al ritmo del verso. Se ha señalado con anterioridad que para los griegos existía una única ley, la de la armonía, que tanto regía el ánimo humano como la música; según esta convención, una melodía puede tanto aplacar un espíritu como excitarlo.

Precisamente por este motivo, las melodías de los primeros siglos de la civilización griega se reducían a unas pocas fórmulas fijas (nomoi), cada una de ellas específica para el sentimiento que quería suscitar. Con el paso del tiempo (s.VI a.C.), estas melodías fijas fueron abandonadas de modo progresivo y se adoptaron esquemas bastante menos rígidos,

Hasta el s. IV la composición musical se reducía a improvisaciones y variaciones según el modelo de los esquemas tradicionales. Las antiguas composiciones que han resistido el paso del tiempo son una veintena. Entre ellas cabe destacar un canto coral, de la tragedia Orestes de Eurípides, del s. IV a.C., dos Himnos Délficos, en honor de Apolo, dios de la luz y la belleza, grabados en piedra y datados en los alrededores del 150 a.C., y el Epitafio de Sicilio, grabado en una urna funeraria del s. I d.C.

A partir del s. IV a.C., sobre todo gracias a la obra de Timoteo de Mileto, los músicos comenzaron a componer sus melodías con mayor libertad. Fue el propio Timoteo de Mileto quien modificó profundamente las estructuras musicales introduciendo frecuentes modulaciones y cambios de ritmo, liberando drásticamente la música de la obligación, vigente durante largo tiempo, de repetir melodías y ritmos tradicionales. Esta libertad se hizo cada vez más amplia y difundida medida que la cultura griega se aproximaba a la época helenística (finales del s. IV a comienzos del s. III en adelante) y, a su vez, a la propia decadencia. En los albores de la época cristiana.



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EDAD MEDIA

Llamamos Edad Media al período histórico que comprende desde el siglo V al siglo XV. La música empezó a sonar en las iglesias en forma de rezo; el poder expresivo de la música hacía que fuera el vehículo más adecuado para acercarse a Dios. Este canto se llamó Canto Gregoriano y ha estado cantándose hasta los años sesenta del s. XX (aún hoy sigue cantándose en algunos monasterios). Pero los monjes no son los únicos que hacen música durante esta época, lo que ocurre es que sólo conocemos la que se escribió, como es el caso también de la música de los trovadores. Podemos dividir la música que se hacía en la Edad Media de esta manera: La música que se hacía en los monasterios: música religiosa

La música que se hacía fuera de los monasterios: música profana (música sin contenido religioso)

La vida musical de los monasterios -monodia religiosa-

En los monasterios y abadías, los monjes trabajaban y oraban, sirviéndose casi siempre del canto; se rezaba (aun ocurre en los monasterios) varias veces al día “cantando” Cantaban melodías en latín entonadas al unísono, es decir, cantaban lo mismo todos a la vez (monodia). A este tipo de canto se le llamó canto gregoriano, en memoria del Papa Gregorio Magno, que unificó las distintas formas de interpretarlo y escribirlo: como en cada monasterio o abadía de cada zona o país se cantaban cosas distintas y de diferente manera, el papa Gregorio Magno quiso que en todas partes se “rezara” de la misma forma, para que un cristiano pudiera orar en cualquier parte del mundo

cristiano. Por ese motivo unificó los cantos-oraciones; reunió los que consideraban más apropiados y por eso, como ya hemos dicho, en honor suyo, se le denominó “canto gregoriano”. Cuando la gente sencilla del pueblo escuchaba cantar gregoriano, seguramente se sentía sobrecogida por el misterio de unas palabras que no entendía (se cantaba en latín) y por una música monótona pero bellamente interpretada. Con el canto gregoriano se inicia probablemente la historia de la música clásica occidental.

● La música fuera de los monasterios: Juglares y trovadores -monodia profana-

También se hacía música fuera de los monasterios e iglesias. La vida en los castillos solía transcurrir monótona. El señor feudal y sus soldados partían periódicamente a la guerra. En momentos muy extraordinarios algunos caballeros marchaban a tierras lejanas a combatir “al infiel”. Si volvían, lo hacían después de muchos meses, incluso años. Mientras tanto, sus mujeres esperaban bordando en algún torreón, los niños jugaban y el pueblo trabajaba sin descanso. Cuando aparecían los juglares, trovadores y cómicos, se producía una verdadera

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conmoción: todos, chicos y grandes, se reunían para escuchar los relatos de fantásticas aventuras y amores imposibles que cantaban estos músicos – poetas errantes. ¿Dónde surgió esta manera de cantar versos y narrar aventuras? (la monodia profana) En la Provenza, en el sur de Francia, a finales del siglo XI, aparece un tipo de poesía cantada que se cultiva en los castillos y palacios. Es una poesía de amor, muy refinada. El caballero suspira por su dama, a quien ama por encima de todo, por quien es capaz de soportar cualquier prueba y canta todo lo que siente, acompañándose por algún instrumento (arpa, viola, laúd, percusión, etc).

El trovador es un poeta y músico de una clase social alta. El primer trovador conocido es Guillermo de Peiteus (1071-1127), el noveno conde de Poiters y duque de Aquitania, pero de él no se conserva ninguna melodía, sólo el texto de sus poemas. Fue el abuelo de Leonor de Aquitania, madre, a su vez, de Ricardo“corazón de león”. Tanto Leonor como Ricardo fueron trovadores. Éste último narrando en sus poemas-canciones sus aventuras en las cruzadas. Otros trovadores famosos fueron: Bernard de Ventadour y Marcabrú. Se conservan

bastantes melodías de trovadores.

No hay que confundir al trovador con el juglar, que es un tipo de músico, medio acróbata medio actor ambulante que practicaba un repertorio de música mucho más popular que el del trovador. Los juglares eran los músicos errantes, los que viajaban de aldea en aldea, a veces, incluso, eran también domadores de osos. Los más famosos fueron: Adam de la Halle, Thibaut de Champagne y Chrétien de Troyes (famoso por contar historias sobre Arturo y los caballeros de la Tabla Redonda

¿Quién le puso el nombre a las notas?

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Guido d’Arezzo (s. X-XI) era un monje benedictino cuya preocupación era encontrar un método que le permitiera enseñar a sus alumnos música, y que además resultase más fácil. Los sonidos aún no tenían nombre así que empezó poniéndole nombre a los sonidos. ¿Cómo lo hizo? Había un himno a San Juan Bautista que sus alumnos solían cantar antes de los ensayos para que el santo los protegiera de la “fatal” afonía. Este himno tenía la peculiaridad de empezar cada verso en un sonido más agudo, de manera que el segundo verso empezaba a cantarse un sonido más alto o agudo que el anterior, el tercer verso un sonido más alto también, y así hasta siete sonidos. Entonces tomó la primera sílaba de cada uno de los versos para nombrar a las notas:

Ut queant laxis............ (con el tiempo “ut” se llamó “do”)

resonare fibris mira gestorum famuli tuorum solve polluti labii reatum Sancte Johannis......... (para el “si” eligió las iniciales del nombre del santo)

Traducción: Para que tus siervos puedan volver a cantar debidamente la maravilla de tus obras, limpia nuestros labios manchados por el pecado, ¡Oh, San Juan! Desde entonces las notas se conocen por estos nombres: do, re, mi fa, sol, la y si. Pero sólo en las lenguas romances; en otras lenguas, con la intención de simplificar las denominaciones han adoptado las letras del alfabeto, adjudicando la A a la nota la, B a si...de la manera que sigue a continuación:

A B C D E F G

La si do re mi fa sol

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También fue Guido quien inventó el pentagrama (al principio sólo era un tetragrama) y varios sistemas más, que hicieron posible poder empezar a escribir la música, almacenarla para hacerla sonar.

● Códices musicales.

La copia e ilustración de manuscritos era una de las ocupaciones más apreciadas por los monjes medievales, que de este modo se convirtieron en los principales transmisores de la cultura de su tiempo. Los códices son manuscritos con importancia histórica, literaria o musical que proceden de antes de la aparición de la imprenta. En los Scriptoria, grandes estancias de los monasterios destinadas al trabajo de los copistas, se realizaban distintas tareas: había monjes especializados en caligrafía, pintores de iniciales, los miniatores (especialistas en dibujar miniaturas),…

Los manuscritos medievales utilizaban pergamino, confeccionado con piel de carnero raspada, estirada y tratada según diversas técnicas hasta parecer casi transparente. Doblado el pergamino de un modo similar a las páginas de un libro, se convertía en un códice. Dado el elevado precio del pergamino, era frecuente borrarlos para escribir sobre ellos un nuevo texto o para forrar otro libro que se usara más. Los códices manuscritos desaparecieron con la introducción del papel y la imprenta en 1455. Las publicaciones musicales más antiguas se deben a Octaviano de Petrucci.

El nacimiento de la polifonía. Hacia el siglo IX empezaron a realizarse distintos experimentos que dieron lugar al nacimiento

de la polifonía (varias voces, distintas melodías sonando simultáneamente, es decir, a la vez). La primera forma de hacer polifonía se llamó “organum”, y consistía en duplicar la voz principal,

cantando la misma melodía, pero a distancia de una 4ª ó 5ª más baja. ARS ANTIQUA: se conoce así a la música del siglo XII que se realizaba en París, en torno a la

Catedral de Notre Dame. Los compositores más importantes fueron Léonin y Pérotin. ARS NOVA: en el siglo XIV se produjeron grandes innovaciones musicales. Los músicos de eseste siglo reaccionaron frente a la música que se estaba haciendo y rompieron muchas normas. GGuillaume de Machaut, por ejemplo, hacía polifonía que frecuentemente no era religiosa (es decir, era profana), no escribía sus letras en latín (la lengua que utilizaba el canto gregoriano) sino en francés, y solía utilizar temas amorosos para las letras (no oraciones).

EL RENACIMIENTO SITUACIÓN: Con el Renacimiento da comienzo la Edad Moderna. Es un periodo que abarca los siglos XV y XVI, cronológicamente se sitúa entre la Edad Media y el Barroco. Es una etapa corta, pero de las más importantes dentro del mundo cultural y artístico. En esta época se van a dar cita

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personajes de la talla de Miguel Ángel, Leonardo Da Vinci, Rafael, El Greco, Cervantes, Shakespeare,…; que desarrollarán la cultura y el arte como nunca antes había ocurrido. CONTEXTO HISTÓRICO: Es una época en la que el poder está en manos de las monarquías absolutas, terminando con el feudalismo medieval. Los grandes nobles y aristócratas van a ser los mecenas de los artistas, que trabajarán en sus cortes a costa de un salario. Es una etapa de gran desarrollo económico, mejorarán los medios de comunicación y los transportes, lo cual facilitará la movilidad de los músicos y el intercambio y propagación de ideas musicales. Por otro lado, en el ámbito religioso, la Reforma de Lutero y la Contrarreforma Católica serán importantes para la evolución de la música. CONTEXTO CULTURAL: En el ámbito cultural uno de los ideales que van a triunfar en este periodo es el del Humanismo, que considera al hombre como el centro de todas las cosas, dejando atrás las ideas teocentristas del medievo. Algunas de las características culturales de esta etapa se resumen a continuación: Progresiva laicización del arte: las obras de arte dejan de concebirse como alabanzas a Dios, los artistas buscan como fin la belleza y el placer de los sentidos en sus obras. El nacimiento de la imprenta, que permitirá un mayor desarrollo de la cultura en todos sus ámbitos. El concepto de autor: dejamos atrás al artesano anónimo de la Edad Media para hablar a partir de ahora de artistas que firman sus obras. Vuelta a los ideales clásicos: el periodo de la Edad Media es visto por los renacentistas como una época oscura y sin interés artístico, por lo tanto, van a despreciar el arte de ese periodo para tomar como referencia el arte clásico sobretodo de Grecia y Roma. CONTEXTO MUSICAL: Dentro del ámbito de la música se darán las siguientes características: Incremento de la cultura musical, que viene establecido por las ideas humanistas sobre la importancia de la cultura, además de por la invención de la imprenta, ya que ahora se empiezan a imprimir las primeras partituras. Desarrollo de la música profana e instrumental, también influidos por el espíritu humanista. Cada vez se crea más música de carácter no religioso y en detrimento de la música sacra. Recordemos que la iglesia había menospreciado la música instrumental, y ésta ahora experimentará un gran desarrollo. Profesionalización de los músicos: la música sigue creciendo en complejidad, como ya lo había hecho en los últimos siglos de la Edad Media. Esto obliga a los músicos a especializarse y a dedicar su vida a este arte.






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CARACTERÍSTICAS DE LA MÚSICA RENACENTISTA La música del Renacimiento suena distinta a la música medieval. Esto se debe a que se van a producir una serie de cambios, de los cuales destacamos los siguientes: Desarrollo de la técnica polifónica: ya en el Ars Nova la polifonía había alcanzado una gran complejidad; ahora en el Renacimiento el uso de grupos de voces con diferentes timbres y tesituras se generaliza. En este periodo podemos hablar ya de las cuatro voces que llegarán hasta nuestros días (soprano, contralto, tenor y bajo). Dentro del ámbito polifónico destacan dos técnicas de composición, una contrapuntística (en la que las voces se mueven de manera independiente) y otra homofónica (en la que las voces se mueven de manera homogénea). Sustitución del ritmo irregular: debido a la complejidad que ha alcanzado la polifonía, los sistemas de notación tienen que desarrollarse en cuanto a la métrica, por ello se abandona totalmente el ritmo libre del gregoriano para establecer una música con medidas fijas, en la que las duraciones de los sonidos son absolutas. Cambios en la armonía: los compositores van a empezar a introducir en sus obras voces a distancias de terceras superpuestas, que en la Edad Media no eran utilizadas. Este uso de terceras será el antecedente de los acordes de nuestro sistema tonal actual.

PERIODOS DE LA MÚSICA RENACENTISTA El Renacimiento hemos dicho que abarca los siglos XV y XVI, dentro de este periodo podemos distinguir tres etapas: – Primer Renacimiento: comprende la primera mitad del siglo XV. Conocido también como el periodo franco-flamenco, ya que los duques de Borgoña (que poseían territorios en los Países Bajos, Bélgica, parte de Francia y Luxemburgo) actuaron como mecenas de un grupo de artistas que se convertirán en los más importantes de esta época. Entre los compositores más destacados de esta etapa podemos nombrar a Dufay, Ockeghem y Desprès. La mayor parte de la música de estos autores será religiosa (misas y motetes). Durante este Primer Renacimiento será muy frecuente la técnica compositiva denominada contrapunto imitativo, que se basa en proyectar un tema o motivo repetidamente entre las distintas voces. – Alto Renacimiento: comprende la segunda mitad del siglo XV y primera del XVI. Los músicos franco-flamencos se extienden por Europa, cada territorio acoge las novedades musicales y las adapta a su estilo compositivo. Se crean, por lo tanto, los denominados estilos nacionales. En Italia el género que más se cultivará será el madrigal; en Alemania se desarrollará el lied (canción) y en Francia destaca la chanson. – Bajo Renacimiento: se desarrolla durante la segunda mitad del siglo XVI. Italia se convierte en el país más importante musicalmente hablando, las innovaciones más interesantes vendrán dentro de la música profana; sin embargo, las dos figuras más destacadas en este periodo se dedicarán a la música religiosa, y son Giovanni Pierluigi Palestrina y el español Tomás Luis de Victoria. Los géneros más importantes siguen siendo el motete y la misa. En esta época también tenemos que destacar al italiano Claudio Monteverdi, maestro indiscutible del madrigal (del cual escribió ocho tratados) y figura decisiva en el nacimiento de la ópera, con su Orfeo de 1607.





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LA MÚSICA RELIGIOSA Durante el Renacimiento, la iglesia cristiana sufre luchas internas que acabarán con la unidad del catolicismo. En Alemania, Martín Lutero rompe con Roma en el año 1519, ya que no comparte algunas de las formas de comportamiento de la iglesia vaticana; va a crear así el protestantismo, que se convertirá desde entonces y hasta nuestros días en la religión mayoritaria de Alemania. A este hecho se le conoce como la Reforma Protestante, ya que Lutero llevará a cabo una serie de cambios, alguno de los cuales afectará a la música. Hemos de saber que Lutero era un gran estudioso de la teoría musical. Entre los cambios más importantes destacamos los siguientes: Utilizar el alemán en las celebraciones religiosas, ya que para Lutero era muy importante que la gente comprendiese lo que se decía en la liturgia y que incluso pudiese participar cantando. Esto no era posible si las celebraciones se seguían realizando en latín, debido a que era una lengua que sólo era utilizada por la iglesia, no por el pueblo. Evitar la polifonía compleja, desarrollando la música homofónica, ya que el gran desarrollo al que había llegado la polifonía hacía que no se entendiese el texto. Lutero creará una nueva forma musical: EL CORAL, que será el género más importante de la iglesia protestante. Esta forma suele ser una composición sencilla, escrita normalmente a cuatro voces, que se canta en alemán y presenta una textura homofónica. En Inglaterra, el rey Enrique VIII también se separa de la iglesia de Roma y crea la iglesia anglicana, de la cual se proclama máximo mandatario, y así acapara todo el poder político y religioso de su país. A partir de este momento, la iglesia anglicana desarrolló una nueva forma musical denominada ANTHEM, que es un motete a cuatro voces, el cual se cantaba durante las celebraciones litúrgicas. La iglesia católica, preocupada por estas luchas internas, decide reunirse para tratar de arreglar los males en los que está sumergida. Desde 1545 hasta 1563 se celebra “El Concilio de Trento”, en el que se tratan de establecer las directrices de la nueva iglesia católica. Algunas de las novedades afectarán al terreno musical, de las cuales destacamos las siguientes: Seguir utilizando el latín en sus celebraciones, ya que para ellos es un signo de unidad cristiana. Esta norma seguirá vigente hasta el Concilio Vaticano II. Evitar la polifonía compleja a la que se había llegado, ya que no era posible entender los textos religiosos, y recordemos que la principal finalidad de la música religiosa era la de transmitir el mensaje cristiano. Prohibir los cantos profanos en los templos, ya que son territorios sagrados en los que sólo se debe interpretar música religiosa. Esta norma, en teoría, hoy en día continúa vigente. Los géneros más importantes de la música religiosa católica serán el motete y la misa (forma musical compleja resultado de la unión de todas las piezas de la liturgia), en los que se evitará la complejidad polifónica. Los compositores principales de la iglesia católica son los italianos Giovanni Pierluigi de Palestrina y Orlando di Lasso (que también realizó numerosos madrigales), y los españoles Tomás Luis de Victoria y Cristóbal Morales.









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MÚSICA PROFANA A diferencia de la música vocal religiosa, que tiene un estilo internacional ya que en todos los territorios se escribe bajo las mismas pautas, la música vocal profana va a tener un estilo propio en cada país; es lo que se denomina como los “Estilos Nacionales”. Algunas de las características, que al comienzo del tema citábamos como generales, se van a mantener, pero cada país desarrollará diferentes tipos de canciones escritas en las lenguas vernáculas (propias de cada territorio) y no en latín como sucedía en la música religiosa. A continuación se exponen los géneros más importantes de algunos países: – ITALIA: El género más importante es el MADRIGAL. Se trata de una forma de polifonía compleja escrita para cuatro o cinco voces. Normalmente es música “a capella”, aunque se le pueden añadir algunos instrumentos. Es música de carácter descriptivo escrita en italiano. Suele constar de cinco frases en las que se intercala un ritornello (breve estribillo). Entre los compositores más importantes destacan: Luca Marenzio, Orlando Di Lasso y Claudio Monteverdi. – FRANCIA: La forma más importante de este país es la CHANSON. Es una forma polifónica normalmente con acompañamiento instrumental. También es descriptivo. El compositor más destacado es Clement Janequin. – ESPAÑA: El género que destaca es el VILLANCICO, que es un género que en su origen no tiene nada que ver con la Navidad. Es una forma a cuatro voces de textura homofónica con estructura de estribillo-copla-estribillo. El compositor más representativo de este tipo de música es Juan Del Enzina y se conservan muchas de estas piezas en un libro que lleva por título “El cancionero de Palacio”. Junto con el villancico en España también habrá otros géneros importantes como el Romance o la Ensalada. LA MÚSICA INSTRUMENTAL Una de las características más importantes del Renacimiento fue el resurgir de la música instrumental que hasta entonces había estado marginada. Ahora poco a poco irá ganando prestigio y relevancia debido en gran medida a la laicización de la música promovida por el pensamiento humanista. Por primera vez en la historia se va a componer música instrumental pura, sin ningún otro fin que el deleite del oído. Este tipo de música evolucionará en campo profano ya que la Iglesia continúa con su prohibición del uso de instrumentos en los actos religiosos. Otro aspecto importante es que con la invención de la imprenta se van a difundir muchos libros con partituras y teoría musical, por lo que mucha gente va a poder acercarse al mundo de la música y aprender a tocar un instrumento. Podemos hablar de cuatro apartados en los que clasificar la música del Renacimiento: PIEZAS ADAPTADAS DE OBRAS VOCALES: Son obras que primitivamente estaban escritas para varias voces y que serán adaptadas para poder interpretarlas con instrumentos polifónicos









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como el órgano y otros instrumentos de teclado. Destacan en este grupo formas como el ricercare o la canzona. PIEZAS BASADAS EN LA IMPROVISACIÓN: Estas piezas podían ser de dos tipos: o bien se improvisaba a partir de una melodía dada o se improvisaba sin ningún tipo de referencia, inventando todo sobre la marcha. A este tipo de música corresponden géneros como la fantasía o la toccata. PIEZAS BASADAS EN LA VARIACIÓN: Se trata de que el intérprete parte de un tema sencillo que va repitiendo sucesivamente incorporando variaciones de todo tipo. Dentro de este grupo destacan las diferencias; éste fue el nombre que recibió en España el tema con variaciones en el cual destacó el compositor español Antonio de Cabezón. PIEZAS CREADAS PARA LA DANZA: Para este tipo de música vamos a crear un apartado especial titulado la danza renacentista. LOS INSTRUMENTOS DEL RENACIMIENTO Algunos instrumentos de la época medieval siguieron utilizándose durante el Renacimiento, perfeccionándose y adaptándose a las nuevas exigencias de los compositores. Como hemos visto en el punto anterior, durante el Renacimiento se compone mucha música instrumental, esto va a hacer que muchos instrumentos adquieran una gran importancia. A continuación citamos algunos de los más importantes: AERÓFONOS: Flauta de pico o flauta dulce: hoy en día se usa con fines educativos; fue uno de los instrumentos más populares de la época. También existían las flautas traveseras de madera. Cromorno: es un instrumento de madera, de lengüeta doble (como la dulzaina) que termina en forma de U. Trompetas rectas y enrolladas: Eran fabricadas en metal y se usaban con fines militares y en desfiles. Chirimía: instrumento formado por un tubo de madera y lengüeta doble (parecido a los oboes pero de mayor tamaño). Sacabuche: es el antecedente del trombón de varas actual. Es fabricado en metal. CORDÓFONOS: La viola da gamba: Es un instrumento de arco que parece una mezcla de guitarra y violonchelo. En España recibió el nombre de vihuela de arco. La guitarra: Se estableció en España procedente de países árabes y pronto se extendió por toda Europa. Las primitivas tenían cuatro cuerdas. La vihuela: Es un instrumento típico español parecido a la guitarra. Gozó de gran prestigio en nuestro país de la mano de compositores como Luis de Narváez o Luis de Milán, los cuales se especializaron en este instrumento. El laúd: Es un instrumento que llega de la Edad Media, pero en el Renacimiento se convierte en uno de los más importantes. El clavicémbalo: Es un instrumento de teclado con cuerdas punteadas. Se comenzó a fabricar en Italia en el siglo XVI.







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FASE SOCIAL O DE SALIDA Participa de la clase: - Comparte con la clase tu opinión sobre el impacto que tiene la evolución de la música en la vida cotidiana.

RECURSOS DIDÁCTICOS: Video Beam, grabadora ò reproductor de audio,

EVALUACION: Se realizará por cumplimiento en la entrega de trabajos participación en clase, y argumentación de los mismos.

Textos Anexos

CRUCIGRAMA GRECIA Y EDAD MEDIA!

Horizontal -

1. Compositor perteneciente a la Escuela de Notre Dame junto con Leonin

5. Modo griego sobre la nota inicial Si en sentido descendente

6. Acompañamiento instrumental usado en Grecia imitando parte de la melodía vocal

8. Instrumento de viento con lengüeta doble y asociado al culto a Dionisio

9. Composición polifónica del Ars Antiqua en donde las voces se mueven en ritmos distintos y se cantan textos e incluso idiomas distintos

10. Estudiantes y frailes vagabundos que cantaban canciones profanas en latín

Vertical -

1. Filósofo griego responsable de las relaciones numéricas entre los intervalos

2. Tipos de escalas empleadas por los griegos y por la música gregoriana

3. Estilo de canto gregoriano sencillo con una nota por sílaba

4. Textura de varias voces que suenan a la vez y que surge a finales del siglo IX

5. Textura de una sola línea melódica usada en Grecia y en la Edad Media



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11. Instrumento griego de cueda pulsada y que se asocia al culto a Apolo

12. Sentimientos que provocaban las distintas escalas de los griegos y que también recogerán los modos gregorianos

13. Estilo de canto gregoriano donde se usa dos o tres notas por sílaba

16. Modo gregoriano cuya nota final es Sol

19. Modo griego sobre la nota inicial Mi y en sentido descendente

20. Modo gregoriano cuya nota final es Mi

21. Forma polifónica del Ars Antiqua compuesta sobre una melodía de nueva creación y con texto en latín

22. Primeros signos de notación para recordar el canto gregoriano y que se escribía sobre el texto

23. Modo griego sobre la nota inicial Do y en sentido descendente

24. Pies para medir las duraciones usados por los griegos

7. Músico ambulante del medievo que entretenía al público con canciones profanas

9. Estilo de canto gregoriano donde se usan más de tres notas por sílaba

10. Canto cristiano unificado bajo el pontificado de Gregorio Magno

14. Poeta y músico de origen noble que cantaba en su lengua al amor cotés y al espíritu caballeresco

15. Modo gregoriano cuya nota final es Re

17. Modo gregoriano cuya nota final es Fa

18. Modo griego sobre la nota inicial Re y en sentido descendente



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Realiza el siguiente test sobre el renacimiento. 1- La música renacentista es normalmente: A-imita a la naturaleza B-homogénea, sin cambios dinámicos importantes. C- utiliza la técnica del contrapunto imitativo. D- polifónica. E-todas ellas. 2-¿Cuál de estos nombres no es una danza del renacimiento? A- Folía B- Tablatura C- Gallarda D- Pavana E- Branle _______________________________________ 3- ¿Qué época comprende el Renacimiento? Indica la respuesta correcta A- Después del Barroco y antes de la Edad Media. B- Ninguna de ellas. C- La época de los trovadores y del canto gregoriano. D- Todas ellas. E-Desde el fin de la Edad Media, hasta el comienzo del Barroco. ________________________________________ 4-La finalidad de la música vocal profana es A-expresar los estados de ánimo. B- transmitir las emociones humanas. C- entretener y divertir. D- todas ellas. E- representar el significado del texto. 5- Juan de la Enzina se destacó: A- todas ellas. B como mecenas. C- como compositor de misas. D- como compositor de villancicos. E- como compositor de motetes. ________________________________________ 6- ¿Con que nombre se conoce a los que fomentan las artes, invirtiendo parte de sus riquezas? Humanistas Ninguna de ellas. Mecenas



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Reyes y Papas Todas ellas. 7-¿Qué modelo artístico van a recuperar los artistas del Renacimiento? A- El modelo de los antiguos griegos y romanos. B- Todas ellas. C- Ninguna de ellas. D- El modelo de los antiguos Trovadores. E- El modelo de los hombres primitivos. ________________________________________ 8- La finalidad de la música vocal religiosa es A- propagar y difundir la doctrina religiosa. B- todas ellas. C- expresar las emociones humanas. D- entretener y divertir. E- ninguna de ellas. ________________________________________ 9- ¿Qué se conoce normalmente por “Capilla Musical”? A- Pequeña capa que usaban los músicos. B- Todas ellas. C- Conjunto de músicos que trabajan para la Corte o la Iglesia. D- Parte de una iglesia o catedral. E- Ninguna de ellas. ________________________________________ 10-En el Renacimiento, la música alta y baja se refieren a.. A- Los grupos instrumentales, más o menos sonoros. B- Ninguna de ellas. C- Los grupos instrumentales, más o menos numerosos. D- Todas ellas. E- Las épocas. ________________________________________ 11-Las composiciones exclusivas para grupos instrumentales A- Nunca se escribieron durante el Renaciniento. B- Ya se habían escrito antes del Renaciniento. C-Todas ellas. D- Ninguna de ellas. E- Se escriben por primera vez durante el Renaciniento. ________________________________________ 12-En el renacimiento, la(s) forma(s) musical más usada(s) en la música vocal religiosa protestante es A- todas ellas. B- el motete y la misa. C- el coral.





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D- ninguna de ellas E- el madrigal y el villancico. 13- La espineta y el virginal son instrumentos A- de cuerda pinzada. B- de viento madera. C- de cuerda frotada. D-de cuerda percutida. E- de viento metal. ________________________________________ 14-Durante el Renacimiento, en cada país surgen formas vocales polifónicas. Señala la opción correcta A- En Italia la frottola. B- En España el villancico. C- Ninguna de ellas. D- Todas ellas. E- En Francia la chanson. ________________________________________ 15-Un Cancionero es… A-Todas ellas. B- El que copia una recopilación de canciones profanas o religiosas en un libro. C- Libro con una recopilación de canciones profanas o religiosas. D- Ninguna de ellas. E- El que compone canciones ________________________________________ 16- En el Renacimiento, la música instrumental es: A- Ninguna de ellas. B- igual de importante que durante la Edad Media. C- menos importante que durante la Edad Media. D- Todas ellas. E- más importante que durante la Edad Media. ________________________________________ 17- En el renacimiento, la(s) forma(s) musical más usada(s) en la música vocal religiosa católica es A- el motete y la misa. B- el coral. C- el madrigal y el villancico. D- ninguna de ellas E- todas ellas. ________________________________________



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18- En el renacimiento, la(s) forma(s) musical más usada(s) en la música vocal profana es A- todas ellas. B- el madrigal y el villancico. C- el motete y la misa. D- ninguna de ellas E- el coral. 19- En el Renacimiento, saber leer música y danzar era signo de: A- Persona interesada en pasarlo bien. B- Todas ellas. C- Persona culta y refinada. D- Persona con mala educación. E- Ninguna de ellas. ________________________________________ 20- En el Renacimiento, las semejanzas entre la música instrumental y vocal son… A- igual que antes. B- ninguna de ellas. C- cada vez más pequeñas. D- cada vez más grandes. E- todas ellas.


instituciÓn educativa tÉcnica sagrado corazÓn 1 · se sabe que los cuernos de animal y las...

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