i.e.s. hipÓlito ruiz lÓpez visita al museo del prado y musical de ana frank
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I.E.S. HIPÓLITO RUIZ LÓPEZ
Visita al Museo del Prado y Musical de Ana Frank
I. MUSEO DEL PRADOIntroducción: • El museo del Prado se
construyó bajo el reinado de Carlos III, encargó el proyecto al arquitecto Juan de Villanueva.
• En un principio fue concebido como gabinete y Museo de Ciencias, completando el conjunto compuesto por el Jardín Botánico y el Observatorio Astronómico todo ello ubicado en los jardines del Buen Retiro (a finales del s. XVIII los Ilustrados tenían gran interés por las Ciencias).
• Debido a la Guerra de Independencia, las obras fueron paralizadas y el edificio se usó como cuartel de caballería por las tropas napoleónicas.
• Se eligió su ubicación en un a de las zonas mas hermosas de Madrid donde la nobleza y la burguesía acostumbraban a pasear en un zona repleta de árboles y monumentales fuentes como La Cibeles.
• El nieto de Carlos III, Fernando VII, aprobó la reconstrucción el 2 de marzo de 1818 y es entonces cuando surge la idea de utilizarlo como museo.
• El Museo se inauguró el 19 de Noviembre de 1819.
• Con la Guerra Civil, el Museo cerró sus puertas y sus obras recogidas en su planta baja, más tarde se optó finalmente por sacar las piezas fuera de España, su destino final seria Ginebra, bajo la protección de la Sociedad de Naciones.
• La Arquitectura del edificio presenta un estilo de corte clásico, el orden, la simetría y la proporción están presentes en todo el conjunto: arcos de medio punto, columnas de capiteles jónicos, etc. todo ello crea un entorno idílico, que se ve resaltado por dos esculturas que presiden las dos entradas principales, las esculturas no podían ser otras, Goya y Velazquez, máximos exponentes de la pintura española.
OBRAS Y AUTORESVAN DER WEYDEN (1400-1464)
Está considerado uno de los exponentes más importante s de la pintura flamenca del siglo XV.
1. El descendimiento de la Cruz• La corporeirad de los personajes,
con su ropajes y vestimentas, les hacen parecer esculturas o relieves más que personajes de un pintura.
• La figura de Cristo muerto y su disposición impone un ritmo ondulado que repercute en todo el conjunto.
• El fondo es dorado, y la parte más cercana al espectador muestra pequeñas plantas y matorrales así como un hueso alargado y una calavera.
• Hay que destacar el patetismo de la escena y los rostros de los personajes, que consiguen transmitir ese sentimiento al espectador.
La calavera está situada junto a la mano de la Virgen que está siendo socorrida por San Juan y María
Magdalena al sufrir el desmayo.Simbólicamente la calavera aparece al lado de una planta, parece aludir a la vida tras la muerte que
propugna el Cristianismo.
La cabeza de Jesús muerto presenta todavía vestigios de sufrimiento, la sangre gotea por
su rostro enmarcado por la corona de espinas.
EL BOSCO (1450-1516)Pintor y dibujante flamenco, cuya pintura se caracteriza por su enorme fantasía y extraordinario simbolismo.
1. La extracción de la piedra de la locura.
• En la imagen se observa un hombre sentado a punto de ser operado por un cirujano. La tradición popular relaciona esta historia con las prácticas realizadas por los charlatanes para conseguir dinero. En la escena aparecen otros dos personajes, un cura y una monja. El conjunto resulta ridículo y tiene el toque de ironía característico de El Bosco.
El embudo se relaciona
con la sabiduría,
pero invertido su sentido es contrario, alude a la
estupidez de la persona
que lo porta.
El puñal que atraviesa el monedero del hombre
sentado, alude a que va a ser robado
Una monja que lleva un libro en la cabeza, esto representa una relación con el mundo de la
magia
2. El Jardín de las Delicias.• Las tablas laterales presentan escenas relacionadas con el paraíso terrenal (izquierda) y con el
infierno musical (derecha), mientras que el panel central representa el llamado jardín de las delicias.• La temática esta íntimamente relacionada con el abandono a las dulzuras carnales, para algunos, la
presencia de alambiques o matraces lo vincula también al mundo de la alquimia.
Este globo azul-gris es la fuente del adulterio, utilizado para realizar acrobacias lascivas por parte
de los personajes lujuriosos
La atmósfera demoníaca, sumida en extrañas iluminaciones hace
una clara alusión al infierno
EL GRECO (1540-1614)Pintor español, tras abandonar Creta, su isla natal, vivió en Venecia y Roma, pero pronto viajaría a España para interesarse por el arte de la Contrarreforma, siendo sus obras caracterizadas por la tensión mística y el canon alargado de sus cuerpos
1. El caballero de la mano en el pecho.
• La imagen pertenece al genero de retrato, en el se representa al prototipo de caballero español de la época.
• La representación del personaje sobre fondo neutro obliga al espectador a centrarse en el retratado.
Su mirada directa y enigmática transmite misterio, seriedad y melancolía.
La sobriedad del retrato se ve alterada por los tonos blancos del cuello y las
mangas del encaje y por el intenso color del medallón
y la empuñadura, que además le otorgan
distinción de caballero.
Al no conocerse la identidad del
retratado, la mano a la altura del pecho le ha dado el nombre al
retrato.
RUBENS (1577-1614)Pintor flamenco, nacido en el seno de una familia acomodada, tuvo la oportunidad de viajar a Italia, donde se interesaría por la obra de pintores como Tintoreto o Tiziano. A partir de 1608 se establecería en Amberes
1. Las tres Gracias.• En la obra aparecen representadas tres
mujeres desnudas, plenas de sensualidad, tanto por el tratamiento voluptuoso de sus cuerpos monumentales como por las posturas que adoptan. Las carnaciones llaman la atención por su tonalidad clara, muy luminosa que irradia luz a toda la escena.
El paisaje es de una sutileza asombrosa, existe un marcado contraste entre el tamaño los
animalillos del fondo y las mujeres de la escena principal
Gracias a una depurada técnica, consigue unas maravillosas y
vibrantes transparencias a través de los velos que portan los
cuerpos de las mujeres.
El marco en el que Rubens sitúa a las Gracias está formado por una guirnalda de flores que pende de la
rama de un árbol y de una cornucopia o cuerno dorado del que sale agua. El cuerno esta sostenido por un niño
gordito de cabello rizado que podría ser cupido.
VELAZQUEZ (1599-1660)Pintor español y principal exponente de la pintura española del Siglo de Oro.
1. La fragua de Vulcano.
• Esta obra fue pintada por Velázquez en Roma, no obstante mas tarde paso a formar parte de la colección real al ser adquirida por Felipe IV.
• La escena describe el momento en que Apolo se dirige a la fragua de Vulcano para denunciar la infidelidad de su esposa, Venus, con Marte, a quien precisamente le están haciendo una armadura.
• Las anatomías musculosas resaltada por una iluminación que incide en los cuerpos y los rostros de los personajes, cargados de sorpresa y que parece haberse detenido en el tiempo confieren a la escena un gran realismo.
Todos los personajes dirigen su mirada a Apolo, todos tratados de forma individualizada tanto en sus rostros como en la posición de sus cuerpos, caracterizados cada uno
de ellos por una enorme personalidad.
La corona de laurel sobre la cabeza del personaje lo identifica como Apolo. Emana de su cabeza una aureola de rayo solares
que infunde colorido a la escena.
2- La rendición de Breda o las Lanzas
• Este lienzo fue encargado a Velázquez por Felipe IV para decorar un salón del palacio del Buen Retiro. La obra representa la rendición de Justino de Nassau, al que vemos en la izquierda con las llaves de Breda en la mano, ante el general Ambrosio de Spinola, jefe de las tropas españolas de los Países Bajos.
• En la escena se rompe con la composición tradicional y muestra a un vencedor que se apiada del vencido, en lugar de presentar a un héroe militar que se yergue ante el perdedor, humillándolo.
“ El valor del vencido hace famoso al que vence”
Composición clásica, con una línea horizontal, marcada por las cabezas de los soldados, y vertical, marcada por las lanzas. Al fondo el paisaje
todavía humeante del campo de batalla.
Todos los personajes están individualizados como retratos,
género que Velázquez dominaba a la perfección.
La mirada que se dirigen los dos contrincantes, rompe con el hieratismo y la solemnidad de los cuadros de batallas. Los
rostros y gestos se hacen más humanos. Nassau aparece
inclinado entregando las llaves pero no humillado.
3- Retrato ecuestre del Conde-Duque de Olivares
• En uno de los salones del palacio del Buen Retiro, se representaron una serie de escenas históricas relacionadas con batallas (entre ellos estaba el cuadro de las lanzas antes visto) y junto a ellas un conjunto de retratos ecuestres de miembros de la realeza. El Conde-Duque de Olivares no pertenece a la realeza, pero fue como valido del Rey persona poderosa e influyente, esto queda demostrado al ser representado a caballo, privilegio exclusivo de los reyes.
• El retrato desprende energía, marcado por la posición diagonal del caballo que realiza una cabriola ante un precipicio desde el que se divisa el campo de batalla.
El Conde-Duque viste una elaborada coraza de aplicaciones de oro que brillan con la luz y un
sombrero liviano de plumas
Por medio del bastón de mando, marca la dirección de la batalla, mientras gira
su rostro hacia el espectador para asegurarse de que somos testigos de
su hazaña
4- Las Meninas o La Familia de Felipe IV
• La escena, se sitúa en una sala del Alcázar de Madrid, donde Velázquez tenía su taller. La infanta Margarita, de unos cinco años, esta rodeada por sus Meninas o damas de honor:- Maria Agustina Sarmiento, que ofrece una jarrita de barro a la infanta.- Isabel Velasco, que hace una leve reverenciaJunto a ellas aparecen los enanos Maria Bárbola y Nicolás Pertusato, detrás de estos, Marcela de Ulloa conversando con un guardadamasEn el punto de fuga, tras la puerta, se reconoce a Don José Nieto, aponsetador de la Reina.
Velázquez se autorretrata, pensativo, en una actitud reflexiva. La cruz de Santiago fue añadida con posterioridad, una vez fue
nombrado Caballero de la Orden de SantiagoLa presencia de los Reyes Felipe IV y Mariana de Austria en la estancia
se intuye al estar reflejados sus rostros en el espejo, y son al mismo tiempo observadores y protagonistas
de la escena
Encima del espejo hay copias de obras mitológicas realizadas por Rubens y Jordaens, con su presencia intenta
reivindicar la nobleza de la pintura, algo que obsesionaba a los pintores del Siglo de Oro
GOYA (1746-1828)Pintor y grabador español, se formaría en Zaragoza e Italia, posteriormente trabajaría en la Real Fábrica de Tapices para entrar definitivamente en la Corte donde se convertiría en pintor oficial de Carlos III, Carlos IV y Fernando VII. Su trayectoria culminaría con las llamadas pinturas negras, que atribuyen a Goya como precursor de la pintura Romántica.
1. La Gallina Ciega.
• Se trata de pintura sobre cartón, los cartones para tapices de Goya constituyen una de las áreas temáticas más conocidas de su producción.
• Aunque parece tener cierto tono populista, los personajes aparecen bien vestidos e ilustran la clase social aburguesada a la que pertenecen.
• La luz amarilla y blanca sumerge la escena en un ambiente cálido y familiar
El cielo amarillo refleja el escaso conocimiento del artista a la hora de ilustrar un paisaje, el interés de Goya
se centra sobre todo en los personajes
Este personaje representa a la gallina ciega que con un pañuelo blanco en los ojos intenta alcanzar con
una cuchara alargada de madera a la mujer que echa hacia atrás
Los personajes entablan comunicación a través de las manos, y no de la mirada, ya que cada uno mira hacia un
lado distinto
2 La Familia de Carlos IV
• Goya toma Las Meninas de Velázquez como punto de referencia, compartiendo con esta la presencia de los cuadros del fondo y el autorretrato del pintor en la escena. Para la realización del cuadro Goya fue haciendo retratos por separado, mientras tomaba buena nota de las joyas indumentaria y condecoraciones. Se comentaba que la familia real estaba ansiosa por ver el retrato y cuando lo vieron se llevaron una decepción porque esperaban encontrar algo más majestuoso, no obstante, es uno de los retratos más brillantes de familia real.
Goya se autorretrata
aunque se coloca en una posición muy modesta
para evitar concentrar la
atención sobre si mismo
Una de las infantas gira el rostro con objeto de mirar a la reina, este
gesto además de acentuar el carácter
espontáneo de la obra, nos obliga a centrar
toda nuestra atención en el personaje que
domina el centro de la obra: la reina Mª Luisa. El príncipe esboza una leve sonrisa al
espectador, y su mano es concebida como una mancha que se entrelaza con la mano
de la reina
3. La maja desnuda y La maja vestida
• Son probablemente la obras más famosas de Goya, el motivo es que siempre se ha insistido en el morboso hecho de que la retratada en ambos casos era la Duquesa de Alba, bien relacionada con Goya .
Da la sensación de que el cuerpo desnudo tiene autonomía total respecto a la cabeza, la mujer
aparece reclinada sobre una especie de cama con diferentes niveles
marcadas por gruesos almohadones. La figura queda resaltada en una luz crepuscular, como si ante la figura
hubiera una ventana por la que entrara la luz.
Representada en la misma postura que la anterior, pero en este
caso vestida con un traje blanco vaporoso que acentúa las partes
intimas del cuerpo, como el sexo y los pechos,
resuelve con gran detalle la indumentaria del
personaje: zapatos, la mantilla, el cinturón … en
cambio no concede apenas importancia la
cama sobre la que reposa
4. Los fusilamientos del 3 de mayo en la Montaña del Príncipe Pío
• La obra recoge el momento en el que se procedió al fusilamiento masivo de los patriotas que habían luchado contra los franceses. Goya se desplazó al lugar y a la luz de la luna tomó notas en su cuaderno “en medio de charcos de sangre vimos una porción de cadáveres, unos boca abajo unos boca arriba, aquel con las manos al cielo pidiendo venganza o misericordia”.
• La pincelada suelta sugiere la rapidez con la que debió se ejecutado, la escena de un gran dramatismo, tiene como protagonista al personaje de camisa blanca, cuyo rostro revela gran angustia que se hace patente a través del arqueamiento de las cejas y la posición de la boca inclinada hacia abajo. En frente de este, los soldados sin rostro representados como meras máquinas de matar.
El charco de sangre, de un gran realismo, resuelto con pinceladas rápidas
y de grueso empaste de tonalidades rojizas
El personaje tiene sus puños metidos en la boca, potenciando el dolor y la
angustia que caracterizan la obra
5. Saturno devorando a un hijo
• El tema tiene su origen en el relato mitológico, usa por tanto la referencia literaria para representar un monstruo terrible y gigantesco que se dispone a devorar los despojos del cuerpo de su hijo. Lo terrible de la escena es la impotencia que se siente, ya que luchar contra un monstruo de tales dimensiones es una lucha perdida. Estamos asistiendo a un escenario en el que Goya se identifica con Saturno y el cuerpo mutilado sería el de todo ser humano que se situaba en su camino.
Los ojos de Saturno manifiestan maldad, terror y agresividad, sentimientos que Goya había desarrollado
en los últimos años de su vida a causa de la sordera que lo aisló del mundo real
Las manos aprietan ferozmente la espalda del cuerpo, subrayando la debilidad del ser humano frente a un
gigante de estas proporciones
II. MUSICAL DE ANA FRANK
• Ana Frank en la página de su diario del día 24 de diciembre de 1943 escribe:
“Créeme, cuando llevas un año y medio encerrada, hay días en que ya no puedes más
Montar en bicicleta, bailar, silbar, mirar el mundo, sentirme joven, saber que soy libre, eso es lo que anhelo, y sin embargo no puedo dejar que se me note, porque imagínate que todos empezáramos a lamentarnos o pusiéramos caras largas.
A veces me pongo a pensar: ¿ no habrá nadie que pueda entenderme, que pueda ver más allá de esa ingratitud, más allá del ser o no judío, y ver en mi tan solo a esa chica de catorce años, que tiene una inmensa necesidad de divertirse un rato despreocupadamente?
RADIO QUERIDA
Historia de Ana
Frank
