historia de la puesta en escena e interpretacion hasta el siglo xix

8/17/2019 Historia de La Puesta en Escena e Interpretacion Hasta El Siglo XIX

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Dirección de Artey Diseño de Producción

HISTORIA DE LA INTERPRETACIÓN EN OCCIDENTE DESDE SUS ORÍGENES EN LACULTURA GRIEGA HASTA LAS ESCUELAS DEL SIGLO 19.

Teorías, escritos, personalidades, sentido y significado de las tendencias más importantes.

HISTORIA DE LA REPRESENTACIÓN TEATRALhasta siglo 19

En el pasado muy lejano el hombre sintió la necesidad de comunicarse con sus semejantes: para pedir ayuda, para dar órdenes, para rechazar algo, para expresar sus miedos y sus afectos. Echandomano de todo su ser: de los pies, de las manos, de la expresión de sus rostros, de la voz que, antesde la lenta adquisición del lenguaje estructurado, transmitiría sus mensajes por medio de lasmodulaciones de timbre y volumen. Indefenso ante la Naturaleza, mágica, pero furiosa y hostil,

debió sentirse muy pequeño y empezó a considerar (el sol, la luna, el mar, algunos animales,bosques, ríos, montañas) como a seres superiores.Comenzó a suplicarles, invocar benevolencia, pedirles favores, darles gracias. Para hacer máseficaces debieron reunirse en clan o comunidad.En el paso de la comunidad recolectora o agrícola a la cazadora, cambiaron los ritos. En laspinturas rupestres demuestran ficción al disfrazarse de animal. Empiezan a codificar lenguajes,entre los que destacamos el de la representación simbólica. Las tribus van conformando ritos,gérmenes de teatralidad, formas dramáticas llenas de ideas metafísicas, asientan una mitología ycontribuye a la estabilidad de las jerarquias tribales.Danzaban y cantaban en torno a un objeto físico o psíquico (idolo, tótem…) Hablamos deteatralidad y no el de teatro, aún no se enfrenta a un espectador.

El término griego theatron, deriva del verbo theáomai - ver, contemplar. El espacio tenía elcarácter sagrado del rito. Los ingredientes para la teatralidad fueron:* La expresión corporal de los pies, manos, rostros, voz, danza * La comunicación ritual intraficcional * El fin de la comunicación que es suplicar, invocar benevolencia, pedir favores, dar las gracias * El destinatario de la comunicación que es un ser trascendente * La forma de la comunicación que es depurada y su contenido que es metafísico;* El disfraze (máscara, maquillaje, vestuario) para dignificar los participantes* Un espacio real que transmuta (con objetos simbólicos) en un espacio ficcional.

EL CHAMÁN, ¿PRIMER ACTOR?Pronto destacó una persona (brujo, adivino, vidente, curandero). El grupo interpretó que estabapróxima a la divinidad. El chamán y su influencia en el grupo fue enorme, contaban con unprograma de preparación que recuerda al de los actores, prestidigitación, pantomima, simular, pero eran más existenciales que artísticas. Todos los miembros de la comunidad eran actores, dosprincipales, el curador y el por curar, y una serie de testigos o coro. La función era convencer deuna realidad imposible. Un caso muy limitado de actor, con funciones próximas a las del intérpretemoderno. No debemos confundirlas con las primeras formas auténticamente teatrales, solo era elgermen. La diferencia entre los cultos de civilizaciones anteriores y la helénica es que aquéllastardaron en independizarse del culto a los dioses, Grecia supo pasar a imitar e implorar a loshéroes de la mitología.


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EL DITIRAMBO Y LAS FIESTAS HELÉNICASEl teatro griego nace del Coro, unos 50 hombres o niños. La tragedia del ditirambo o de lossolistas del ditirambo, y la comedia de los himnos fálicos. En los ditirambos se invita a los dioses a que desciendan a la tierra para venerar a Dioniso, (Dios de las fuerzas de la Naturaleza).

Durante la ceremonia que precedía a la fiesta dionisíaca se sacaba la imagen de Dioniso y se subíaa un carro (Carnaval) para pasearla. Lo llevaban a un lugar público, el teatro. Las fiestasdionisiacas tenían lugar tres veces al año:1. finales de marzo estaban las grandes dionisiacas y Leneas, seis días, y tras el surgimiento delteatro, se celebraban concursos dramáticos.2. en enero, las dionisiacas leneas, cuatro días, Atenas solamente.3. finales de diciembre, existían las dionisiacas rurales, en los demás o poblados griegos, el diosera traído enEl elemento característico del ditirambo solía ser un estribillo lanzado como un grito por el Coro queentablaba un diálogo con el canto del guía del coro, llamado corifeo. Posteriormente, el corifeo seseparó del Coro para dar lugar al primer actor. Carnaval de Tespis. Con la aparición del primer actor

Tepsis, (autor y actor que da origen concreto a la tragedia, aunque se consolida más tarde conEsquilo, Sófocles y Eurípes), acaba de nacer en realidad el teatro occidental, ya que acompaña con laacción.

Definición de TeatroA) Hay una obra escritaB) Esta es representada por actores.C) Se representa en un medio formado por todos o algunos de estos elementos : auditorio. escenario,

decorado, vestuario e iluminación.Este es el teatro "formal", está precedido por la diferenciación de "El teatro" de "Teatro".Teatro es todo acto de imitación, tan simple y primitivo es la semilla del teatro.La génesis del teatro, se puede buscar en:a) La imitación: el hombre tiene una aptitud para la imitación y puede darle un placer peculiar.Sin la imitación, no sería posible la educación, el jugo del niño. También encuentra placer observando las imitaciones realizadas por otros y esto ha hecho que el hombre civilizado escribieray representara obras teatrales y que se reuniera en multitudes para disfrutar del teatro.

b) La magia de imitar a los anímales que quiere cazar y sus muertes. Luego otras con ciertocontenido místico: danzas al nacimiento, a la enfermedad, a la muerte, a las leyendas de losorígenes de su gente y a sus dioses, a sus antepasados. Han fundado la religión y estándesarrollando el teatro. Cuando un héroe puede convertirse en dios, puede convertirse en unespíritu inmortal.

c) La danza: Para imitar el movimiento de los animales, el hombre debe imitar el ritmoinconsciente que tienen estos al moverse. En un principio todos los intérpretes de la tragediagriega eran bailarines que cantaban y declamaban, y aunque finalmente el coro quedósubordinado a los actores, sus danzas y sus cantos nunca fueron eliminados de la tragedia ática Definición de Representación- Materialización de una serie de acontecimientos.-Que muestran unos actores, intérpretes, manipuladores o ejecutantes en un territorio específico yconnotado.- En un espacio y un tiempo compartido con los espectadores.- Elementos plástico visuales, sonoros y lumínicos que le son propios.- Sin representación no existe el teatro en su dimensión escénica El teatro nace con la

representación.- La aparición de la literatura dramática es posterior a la del teatro (representación)


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Civilizaciones americanasEn las culturas americanas prehispánicas el teatro llegó a adquirir un notable desarrollo,

particularmente entre los mayas, una de las obras más representativas del teatro maya es el dramaquiche Rabinal Achí el teatro maya se hallaba parcialmente vinculado a los ciclos agrícolas y a la

épica de sus eventos históricos, y entre los Aztecas e Incas, tienen una correspondencia con suestructura teocrática y sus actividades teatrales.

TEATRO GRIEGO - ATENAS SIGLO VA.C.

Sentido religioso del teatro griegoLas danzas son de posesión, en torno a la timele (un altar situado en la orquesta), sobre el que

previamente había sido colocada la estatua del dios, cuya finalidad estaría en el exorcismo, en laliberación del furor (el público acudía al rito del ditirambo con coronas vegetales). De aquíarranca la mimesis y la purificación catártica. En ocasiones, acababan en una comunión

sangrienta, en la que los participantes devoraban crudo a un animal del sacrificio. Laconvocatoria festiva del teatro griego consiguió unir solemnidad y placer, verdad y artificio, viday muerte. La libertad de sentir en la presencia colectiva, una «soledad pública». El público queasistía a las representaciones se entremezclaba, hombres y mujeres comunes con altos cargos de la

política y el arte.

Géneros Teatrales GriegosTres son los géneros dramáticos griegos: el drama satírico, la tragedia y la comedia. Los dosúltimos servirán de norma a las variantes habidas en el teatro occidental.El drama satírico daba rienda suelta a los impulsos refrenados. Los brotes del drama satírico

han podido aparecer, aquí y allá, a lo largo de la historia del teatro: en Shakespeare, en Mallarmé,en Lorca, Artaud o con los surrealistas.

Surgimiento y evolución histórica de los géneros teatrales griegos

La Tragedia Griega

La tragedia tuvo su origen en Atenas, a finales del siglo VI y desapareció hacia el año 406 tras lamuerte de Sófocles y Eurípides. El término griego tragoedia significa canción del macho cabrío yhace referencia a su origen en el ritual de Dioniso.El coro acompañado de su Jefe de coro estan en situación de angustia, en medio de un grave

problema. Hay uno o más oponentes que le hacen frente. La acción tiene, dentro de la escena, laforma de agón: lucha que lleva a escenas a escenas de sangre y muerte, es narrada y comentada ovivida visionariamente por el coro, acaba con el éxodo, en el que el coro se retira cantando.A partir de Aristóteles, quedan abiertas especulaciones sobre los comienzos formales del género trágico: mimesis, lírica, cantos ditirámbicos entonados por coreutas (disfrazados o no de sátiros).Aristóteles afirma que el género culmina cuando termina de hacerse serio y se distanciadefinitivamente de lo satírico y lo cómico.Según analiza Nietzsche con posterioridad, en el nacimiento de la tragedia, realza el papel delcoro como verdadero origen de la tragedia. Para él, el desarrollo del arte en el mundo helénico está ligado a la intuición, y enfrentamiento, de dos instintos: el espíritu «apolíneo» y el«dionisiaco». El mundo ético de lo apolíneo como respuesta a la búsqueda de belleza, frente almundo primitivo de lo dionisiaco, de la desmesura, de la sinrazón, tuvieron que crear los diosespara poder vivir.

http://es.wikipedia.org/wiki/Mayashttp://es.wikipedia.org/wiki/Mayashttp://es.wikipedia.org/wiki/Rabinal_Ach%C3%ADhttp://es.wikipedia.org/wiki/Aztecashttp://es.wikipedia.org/wiki/Incashttp://es.wikipedia.org/wiki/Incashttp://es.wikipedia.org/wiki/Aztecashttp://es.wikipedia.org/wiki/Rabinal_Ach%C3%ADhttp://es.wikipedia.org/wiki/Mayas


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En las tragedias griegas está siempre presente el sentido de "lo trágico", partiendo del supuesto de queexiste un destino predeterminado que escapa al control de los hombres. El héroe actuando de acuerdocon la voluntad divina, ha de pasar por el sufrimiento como purificación. Es trágico todo lo que estáfuera del sistema de instituciones y creencias de una época dada, que no calcula la relación entre las

propias fuerzas y los obstáculos a vencer. Además de caracterizar a un género de la literatura clásica,«lo trágico» plantea siempre un conflicto entre Dios, el hombre y el mundo. El hombre, al no obtener respuesta de un Dios mudo se enfrenta a la soledad de sí mismo, y penetra en su concienciaen medio del vacío.

No hay salida, sólo dolor. La gran diferencia entre las divinidades y el héroe, es que este puedemorir.Destacan en ella tres cuestiones:a) El sufrimiento humano.

b) El enigma del universo.c) La relación del hombre con la divinidad.La tragedia se basa en su dolor y su muerte, pero no renuncia a rasgos que parecen propios de la

comedia o del drama satírico. La tragedia se asienta en la elemental fusión de los dos aspectos básicos que completan al hombre: el irrefrenable impulso metafísico y lo puramente cotidiano La tragedia es una representación dramática capaz de conmover y causar pena, y que tiene undesenlace funesto.Las partes que componían la tragedia son:• Prólogo: Un personaje de relevancia que interviene desde fuera en la acción explica lo que va aocurrir• Parodos o canto primero de entrada del coro• Episodios: que son las partes hablados generalmente de dos a cinco separados por los cantos delcoro a modo de replica.• La representación terminaba con el éxodo, que incluía el desenlace de la acción y el canto desalida del coro.

La poética de AristótelesAristóteles, tras estudiar las tragedias escritas en el siglo anterior teorizó sobre diferentes aspectos ensu obra (El tratado De la poética de Aristóteles es del año 334 a. C.), diferencia entre el poeta y elhistoriador, estableciendo las líneas de la ficción dramática: no corresponde al poeta decir loque ha sido (historia), sino lo que podría suceder (ficción).Aristóteles cree que el poeta llega a serlo gracias a su capacidad para relacionar el arte y lanaturaleza.Define el género como «imitación de una acción seria»: concentrada en un hecho extraordinario,

acabada, con conflicto y desenlace de ese conflicto, asistimos a la crisis, la acción está muyconcentrada, por lo general a unas horas o un día, con un lenguaje sazonado, unas partes serecitaban y otras eran cantadas, no es narrativa como la epopeya y a través de la compasión y elterror lleva a término la purgación, purificación o katharsis (palabra que viene de la medicina),efecto que debería provocar en los espectadores. Sería como el fármaco que elimina el mal, através de la empatía, de la identificación con el héroe trágico. De este modo, la tragedia intentaevitar el hybris (exceso o soberbia). Esto la conecta con su origen ritual y político. y encierra uninterrogante que no es contestado, como puede ser el cristianismo Para Aristóteles lo prioritario es la construcción de la trama, y nos presenta ésta como una serie desucesos ordenados de la forma más conveniente para conseguir el efecto deseado de la acción. Lospersonajes se definirán por sus acciones, de tal forma que prioriza la trama frente a los

personajes, que lo son en tanto que actúan.


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La caída del héroeEl sentido de «lo trágico» abarca significado más amplio: la caída desde un mundo ilusorio yseguro, a un inundo de miseria y el sentido temporal de la vida, de la juventud a la vejez y lamuerte. De ahí el eterno conflicto de los personajes entre «el corto y el largo plazo».

La culpa trágica Es la esencia de lo trágico; quien comete un crimen debe pagarlo pero, entendido en un sentidofísico. Rompe la armonía universal ya que produce una cadena de sangre y violencia (Ley del talión:«Ojo por ojo...»). Un crimen recibe su castigo y, a su vez, esto genera más crímenes convirtiéndoseen un encadenamiento sin fin.La búsqueda de la verdadEl mandato: conócete a ti mismo , respondería a la necesidad apolínea de ordenación y armonizacióndel universo. La gran tarea del héroe trágico consiste en esa búsqueda de la verdad, aunque no esconsciente.Finalmente el personaje acaba «comprendiendo», aunque tenga antes, que pagar un alto precio.

Nos hablará también sobre la unidad de la tragedia, lo "verosímil o necesario". Hay una fábula,

una “historia”, que se pretende contar y que solamente deben incluirse en ella aquellas acciones que sean indispensables para el desarrollo de la misma. Este tema tuvo muy diversas interpretaciones. Durante el siglo 16, Agnolo Segni y V. Maggi (según algunos autores, fueCastelvetro) quienes determinan la doctrina de las unidades 'aristotélicas', UNIDAD DEACCIÓN, TIEMPO Y ESPACIO, fuertemente discutida incluso durante su tiempo estableciéndose como regla que los eventos en una obra no podrían durar más de doce horas yque la acción desarrollada debía ser una, o dos relacionadas, ocurrida en un espacio limitado alespacio real de la escena. No podrían representarse grandes espacios o cambios de espacio, nisucesiones temporales, como el paso del día a la noche o de varios días o incluso meses o años,dado que esto no sería necesariamente creíble para el espectador (muy diversa de la interpretación actual como coherencia interna). Aristóteles plantea que lo importante es que el espectador

pueda entender y recordar el conjunto de la representación y que todo lo que se haga en la tragediadebe suceder en una vuelta de sol. En todo caso, hace referencia concreta a las unidades detiempo y de acción, pero no dice nada de la unidad de lugar.Indicará los elementos estructurales de la fábula: peripecia, agnición y lance patético.El sacrificio de la víctimaUna constante que nos llega del mundo griego, y de los mitos, es la liberación de una colectividadmediante el sacrificio de un «elegido».Una de las aportaciones más importante de la poética es la información que nos proporciona sobre losdos ejes de la tragedia: la anagnórisis (es el cambio de la ignorancia al conocimiento, por partedel héroe, un descubrimiento. Después se producirá la reconciliación consigo mismo, paz y

serenidad, reconciliándose también con los dioses) y la catarsis, en el plano del espectador (purgación o purifijación, por medio de la identificación con los personajes, se le devuelve lasalud al alma, a partir del sentido de culpa, por compasión o por temor, asumiendo el dolor).Los dioses y los hombresLos ritos y los mitos son el punto de donde proceden las festividades escénicas, repetición de actoscon un sentido simbólico. El ser vivo necesita una cosmogonía para situarse a sí mismo dentro deluniverso. La tragedia griega no tiene sentido si no partimos de esa concepción específicamente religiosa delmundo. Se funden los límites entre literatura y religión por medio de «la palabra», que organiza y daforma, y significado, a la divinidad.Religión y mitos griegos

La religión era un asunto comunitario en el que el ciudadano estaba obligado a participar. Lossacrificios y festivales periódicos constituían agradables acontecimientos sociales. En ellosciudades griegas olvidaban sus diferencias y cada ciudadano podía sentir que formaba parte de una


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amplia unidad. En general, el pensamiento era libre y lo que importaba era el culto. Sacrificios yplegarias se mezclaban con competiciones atléticas y musicales, extraordinarios banquetes y todaslas galas de una feria.La mitología griega, es a veces erudito, y a veces representante de una tradición oral y cambiante,

provenientes de diferentes épocas y culturas.El teatro griego es una interrogación situada entre dos interrogaciones de signo distinto:religioso, la mitología; laico, la filosofía.Sófocles es menos «religioso» que Esquilo; Eurípides menos que Sófocles.El teatro moderno nace del incremento de las funciones del actor y de la disminución de lasatribuciones del Coro.Con este paso de la interrogación cada vez más intelectuales, la tragedia evoluciona hacia eldrama (comedia burguesa), fundada en conflictos de caracteres, no en conflictos de destinos:debido a la atrofia del Coro.El coro en el teatro griego* Funciones imprecativas: plegarias, invocaciones, oraciones, acción de gracias, cantos de

victoria. En el Coro, podemos ver su origen y naturaleza rituales.* Funciones participativas en la ceremonia * Funciones narrativas al servicio de la acción, narrar lo que va suceder, predecir, presagiar.* Funciones de unificación, de enlace entre los distintos episodios* Funciones de comentar la acción en sus resultados y consecuencias.* Funciones del mediador entre la acción trágica y los espectadores, conciencia colectiva * Finalmente, la gran función del Coro de preguntar: a los dioses, a los héroes, o a sí mismo,

quizás a los espectadores. El teatro se apropia de la respuesta mitológica.Los actores en el teatro griegoLos actores son los encargados de encarnar a los personajes mitológicos o históricos del teatrogriego, verdaderos sujetos y objetos del relato. Al comienzo los griegos solo tenían relatosnarrados, luego lo presenta en carne y hueso.El incremento de actores ayuda a una representación más realista, pierde parte de su caráctermimético y se empobrece la relación actor-personaje, lo que acarrea debilitamiento del carácterritual del teatro.Los actores entraban a escena por la izquierda si el personaje llegaba del campo y por la derecha si deseaban que llegara de la ciudad.Tespis hubo 1º actor, protagonista Esquilo: Introdujo el 2o Actor, deuteragonista. Sófocles: Introdujo el 3er actor, titragonista. Eliminó la costumbre de que actuaran los dramaturgos. Eurípides: Introdujo el 4o actor mudo, disminuye el número de coreutas, sólo encontramos 12.También realizaba funciones de dirección. Se discute sobre cuál de los dos últimos, introducir los

decorados.Los actores debían de conocer a la perfección el texto poético porque no había apuntadores y debíanser capaces de transformarse durante la representación en cinco o diez personajes diferentes de unamisma obra, debido al número reducido de ellos y la cantidad de personajes de cada obra.Eran todos varones por lo que tenían que interpretar roles femeninos, con cambios de traje, y demáscara con tez "morena”, para los personajes masculinos y "clara" para los femeninos ycambiando el tono de voz.En los comienzos se representaba la voz del poeta. La figura clave era el autor, y el hypok ri tés(intérprete de sueños y engaños) se desprendía, tras el acto de colocar la máscara, de su identidad

personal y de su yo consciente.El acto de la transformación de los actores con el vestuario, las máscaras, etc, forma parte de la

ceremonia, por lo que se realiza a la vista del público.Las mayores «novedades» de las vanguardias del siglo 20 han consistido en retornos a losorígenes del teatro ritual.


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Máscaras, coturnos, vestuarios en el teatro griegoLos griegos tuvieron una gran preocupación por la técnica de construcción de sus máscaras y susteatros.Para nosotros es obvio que la máscara oculta el rostro del actor. Sin embargo, los griegos ya

usaban las máscaras o barro, azafrán, etc, para cubrir el rostro. Este hecho tiene un evidentesimbolismo: el actor era así, digno de oficiar en el culto y relacionarse con los dioses.La máscara opera la ocultación de la identidad real del actor para representar la identidad delpersonaje, hace coincidir al personaje con su carácter expresivo, produce efectos desobrecogimiento, agrandar las dimensiones normales de la cabeza humana, hacer más visible al

personaje, ampliar la voz, representar a varios personajes con sólo cambiar de máscara.La simpleza de los elementos visuales contribuía a la grandeza del texto, con un gran contenidosimbólico a los colores: soberanos vestían de color púrpura, enlutados de color oscuro, losextranjeros poseían elementos en el vestuario para identificar la cultura de la cual procedían y loshéroes por el uso de la corona y el color dorado en los complementos del traje.Llevaban como prenda fundamental el quitan, especie de túnica, acompañado de otras dos capas:

clámide e himatón. Un peinado muy levantado llamado onkos, junto los coturnos (especie dezuecos muy altos) y la máscara. Inicialmente había dos tipos de carátulas en las máscaras: tragediay comedia, luego varios tipos: el héroe trágico, el esclavo intrigante, el orgulloso, elmalhumorado. El coro también llevaban máscaras. Con todas esas prendas se hacía difícil lamovilidad corporal, que se centró en los brazos en la recitación estilizada y solemne.El actor se convertía así en una especie de gigante que conllevaba un simbolismo psicológico ymoral que creaba en los espectadores efectos de sobrecogimiento propios para experimentar lacatarsis.

Elementos de las representaciones en el teatro griego:

- Actores Máscaras de madera, koturnos, onkós,- Maquinaria- Sonido Música del auíos (flauta) y percusión. Efectos sonoros.- Iluminación Natural.- Las labores de dirección las solían desempeñar los dramaturgos, se les llamaba dídaskalos

(profesor)

El edificio teatral (theatron) en el teatro griego Teatros más importantes:Epidauro – Dionisos – Ambracia – Argos – Mvtilene – Eretria – MelosEn los inicios las representaciones se realizaban en cualquier plaza pública, y se instalaba

provisionalmente una pequeña tienda (llamada skené) que los actores y el coro usaban comovestidor.Cuando el teatro se hizo más estable, se construyó el sitio del coro: una pista circular llamadaorquesta con un pequeño altar en el centro. Alrededor de la orquesta se ponían gradas de madera

para el público.Más adelante en la ladera de una montaña se excavaba para el graderío de piedra (Koilon); teníaforma de abanico. La palabra (tetaron) teatro significa "lugar desde el cual se ve". . La skené seconvirtió en un cuarto rectangular frente a la orquesta y frente a esta, se construyó unaplataforma también rectangular: el proscenio desde donde hablaban los actores. En un principio era de madera y más tarde fue de piedra, por último se construyeron tres o cuatro escalones queseparaban la orquesta del escenario. De esta manera, los tres grupos que participaban en las obrasquedaban separados en tres niveles diferentes: En el más bajo el coro, en el intermedio, losactores y en el más alto (el techo de la skené), los dioses. El coro entraba por uno de los dos


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pasillos del graderío y los actores salían de la skené hacia el proscenio, por una puerta central (posteriormente se añadieron dos puertas laterales).

Autores de tragedia griegaLos tres grandes trágicos griegos que son considerados los padres de la misma: Esquilo, Sófocles y

Eurípides. A partir de Sófocles y más aún en Eurípides, el coro deja de ser un componenteesencial y pasa a convertirse en un intermediario y orientador del público, apoyando o reprobando alhéroe, representado ya por actores.

LA COMEDIA GRIEGA.

La palabra comedia procede del griego komos, cortejo de carácter festivo en honor a Dionisos.También podría venir de komon, que significa aldea. Históricamente la comedia parece nacida de lasmanifestaciones populares y orgiásticas del sentimiento religioso. El Carnaval, sus máscaras, suspantomimas Autores típicos de comedia antigüa: Aristófanes, Cratino, Eupolis, comedia nueva: Meandro.Se ha definido este género atendiendo a criterios que la oponen a la tragedia: la comedia trataasuntos más bajos, emplea un estilo más humilde y tiene un final feliz.La comedia está más relacionada con su contexto que la tragedia , más cotidiano. Trata deacontecimientos cotidianos, por lo que se establece fácilmente la complicidad con el espectador.En la comedia la catarsis se realiza mediante la risa que proviene de ver puesto en ridículo todoaquello que nos aprisiona o nos angustia. En este tipo de comedia, piensa en que cae el otro, ya queél si ha frenado sus impulsos.Desde sus orígenes en Grecia, la comedia trataba de forma burlesca los temas y principios mássagrados, ya fueran religiosos, políticos o filosóficos. Lo que en la tragedia eran motivos serios ante

los que el espectador se situaba con una actitud de respeto religioso, en la comedia, como en loscarnavales, todo es motivo de burla.El arte dramático tiende a lo individual. La comedia es la única de las artes que tiende a lo general,

pues pinta La risa también es un arma. Desmonta realidades y de rompe aparentes verdades.caracteres de la vida común; nota sus semejanzas, los convierte en tipos y si es necesario, los inventa.Llevan nombres genéricos o de tipo colectivo. Los personajes no son nobles, sino de clases inferiores o medias, por los que la actitud deldramaturgo ante ellos no es en ningún modo reverencial, al encontrarse a su misma altura oincluso en un plano inferior, tienen defectos, pero el final feliz apunta a una superación de lasimperfecciones.Una obra cómica tiene unos personajes iguales que los de la tragedia. Pero frente a los conflictos

o a situaciones dramáticas límites, la respuesta a ellos, debe situarlos de nuevo dentro del género.Lo cómico es fruto de la imperfección. No requiere la identificación con el protagonista, está más próxima a la desmitificación y al distanciamiento. La comedia es más crítica y subversiva que latragedia.Emplea un tono normal o ligero. La comedia usa la estética del feísmo.Es una defensa contra la angustia que provoca las dificultades de la vida , y relaja la tensión de larelación con los dioses y lo desconocido. Se nutre de la historia de las gentes corrientes y la vidacotidiana. Trata de mostrar que los fundamentos básicos de la sociedad podrían ser amenazados.El esquema en que se funda: equilibrio-desequilibrio-equilibrio, y la seguridad de un final feliz o,al menos, consolador y humano.Los conflictos vitales se aplazan y vemos los primeros actos de esa tragedia que vendría después

del final. El personaje puede ser relativamente feliz, si cae realiza una pirueta y se levanta denuevo, riéndose de sí mismo y del mundo. Penetrar demasiado en la personalidad y en lo íntimo, seríasacrificar lo que tuviera de risible llegando hasta una región media del alma.


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El llanto es privado, y la risa colectiva, es un gesto social, medicina para el alma. La fuente oculta del humor no es la alegría sino las preocupaciones.En la comedia nueva, Menandro acabará renunciando totalmente el coro. La trama es más complicada que en la tragedia y con frecuencia se establece el equívoco. En

muchas de ellas incluso llega a romperse la ilusión escénica mediante procedimientos como elaparte.El dramaturgo puede utilizar recursos que, dependiendo del tipo de comedia, serán principalmentesituacionales, mediante una trama complicada en la que se sucedan los incidentes, con granimportancia del equívoco.

— Verbales, mediante juegos de palabras, utilización de distintas lenguas o dialectos, latinajos,apartes.

— Cómicos implícitos en el carácter del personaje, cuyo defecto lo hará ridículo. — Gesto, actitudes y movimiento del actor, de su indumentaria y maquillaje, escenografía,utilería.La peculiaridad de la comedia está en que ese incidente tiene que ser importante, pero, a la vez, el

conflicto que origine ha de desarrollarse con equilibrio entre los elementos emocionales y eloptimismo y la vitalidad, sin dramatismo ni tragedia. El incidente tiene que ser significante (noinsignificante), y no dramático.Aportan un punto de vista sobre cuestiones que nos afectan: si la vida merece la pena, si el amorpuede solucionar otros problemas esenciales, si los jóvenes pueden vivir en un mundoconstruido por viejos (básico en muchas comedias), si es posible burlarse y transgredir lasnormas y sobrevivir, y si es posible vengarse de la vida riéndose de ella, etc.La burla o engaño de la comedia va a restituir un equilibrio destruido, cosa que todos desean. La

buena comedia va a tratar de ridiculizar la falta de conocimiento del propio individuo, tanto de lospersonajes como de los espectadores. Nos enseña a vernos como somos.El espectador tiene que aceptar su finalidad, sus convenciones, su tradición, y una dimensión no

heroica, ni trágica, de la existencia, una euforia ante el mero hecho de vivir La comedia cuida de no romper el equilibrio que su género impone: el regocijo y la diversión,paradójicamente, aunque se realizan a través de la alegría, tienen que ver con el sufrimiento.Uno de los grandes debates que nos llegan desde el comienzo del teatro hasta hoy es si lascomedias tienen otra finalidad que entretener.

Partes de la Comedia Griega* El Agón o combate. El primer episodio una escena de disputa de la que saldrá triunfante elactor. La comedia ateniense es una pieza de tesis.* La parábasis: durante una salida temporal de escena de los actores, el Coro se quitan los

mantos y las máscaras, se vuelven a los espectadores y avanzan hacia ellos.Las parábasis cuentan con siete partes; un canto muy breve; los anapestos, o discursos dirigidosal público por el corifeo; el pnigos, largo periodo dicho sin interrupción, y cuatro trozossimétricos de estructura estrófica.

Clases De Comedia griegaDentro del género cómico existe una variedad de obras. Muchas de ellas tienen elementoscomunes a dos o más categorías de las establecidas. En los primeros textos conservados, deAristófanes, pertenecientes a la comedia antigua ática, aunque se alude siempre a la actualidadsocial y política de la ciudad de Atenas, se mezclan en ella elementos fantásticos e inverosímiles dela tradición oral.Menandro y la llamada comedia nueva , el género se hace más doméstico, se pliega alcostumbrismo y pierde las notas fantásticas e inverosímiles.


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Autores de comedia griega

En la comedia griega se distinguen tres periodos:Comedia antigüa: Aristófanes, Cratino, Eupolis, comedia media: desconocidos, comedia nueva:Meandro.La característica principal de la comedia antigua es la introducción de la "parábasis" donde hacia lamitad de la representación el autor toma la palabra mediante la voz del coro, para intervenir sobreasuntos de la ciudad, realizando una crítica social. La llamada comedia nueva suprime losataques y ridiculizaciones personales, renunciando a compromisos sociales y además suprime alcoro. Se trata de una comedia que retrata el ambiente griego de la época, lo que se viene a llamarcomedia de costumbres.Aristófanes: (446-388 a.C.) dotado de un extraordinario ingenio y sentido del humor, se dedicóexclusivamente a la comedia. En sus obras, llenas de sátiras audaces, trató todos los problemas más

notables de la vida pública de su tiempo. De las once comedias completas llegadas a nuestra épocalas mas famosas son 'Las ranas", " Las nubes" y "Esistrata". Fue también muy controvertido porsu fuerte tendencia al ataque personal, en sus obras contra otros escritores y personajes de relievecultural de la época, como Esquilo o Sócrates, Menaodro: Fue el más destaco de los representantesde la llamada comedia nueva. Hizo del amor su tema principal. La única obra completa que nosha llegado es el “Atrabiliario”. Fue el creador de los prototipos que influiría en la comedia latina y en otros autores posteriores como Moliere El MimoLos géneros propiamente dramáticos se sostienen desde los griegos sobre dos pilares básicos: eldiálogo y la acción.“El monólogo dramático y el mimo, cuentan una historia con acciones y suelen contener un

diálogo encubierto, si no ya manifiesto.En el género mimo los actores «hablarán» con el código gestual. En el monólogo dramático, eldiálogo puede aparecer de diversas formas:* Desdoblamientos psicológicos del personaje,* Reproducción de diálogos con otros personajes ausentes o con sus imágenes,* Apóstrofes (incluidas las apóstrofes al público), etc.”

EL DRAMA SATÍRICO

Poco sabemos de este género y casi nada nos queda: “Los sabuesos”, de Sófocles; “El cíclope” de

Eurípides y algunos fragmentos de Esquilo.Se dice que puede tener origen dorio y que se introdujo en Atenas, en la época de Esquilo. Otrosopinan que surge de las procesiones en honor de Fajes, (atributo distintivo un gran falo, objeto quesí constituirá un tema y un motivo para los dramas satíricos). Tiene grandes parecidos con latragedia, en su estructura formal y su temática de carácter mitológico. Pero se diferencia de latragedia modo de la representación con gestos, danza y en la composición del Coro, integrado porsátiros, conducidos y su jefe: Sileno.Se podría considerar como una tragedia divertida con el Coro de sátiros como componente básico o como un drama grotesco. Como Dionisos, los sátiros, vestidos con pieles de cabra, personifican las fuerzas de la naturaleza, fuerzas pasionales que conducen a la procreación y las pulsiones eróticas. Pero también simbolizaban otros impulsos: el temor, el desenfreno, la ironía.


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Autores de dramas satíricosNo conocemos autores que destaquen de forma independiente. Sófocles, Eurípides y Esquilo escribían sátiras para los concursos que se celebraban en honor de Dionisos y que estabancompuestas en una tetralogía, formada por tres tragedias relacionadas y un drama satírico final.

TEATRO ROMANO

El Coliseo, terminado en el año 80 d. C., podía contener a cincuenta mil espectadores, lo queconstituía un publico excesivamente numeroso como para ser entretenido por las peripecias intimistas de las obras de teatro. Ante la insistencia popular, el actor clásico desapareció para sersustituido en una rápida sucesión por breves escenas cómicas, espectáculos de mimos, payasos,despliegues acrobáticos y volatineros. Posteriormente, todos estos números dejaron lugar a lasrepresentaciones acuáticas para la realización de las cuales se inundaba la arena.Luego se hicieron populares las luchas de animales y, por último, los combates entre seres

humanos atrajeron el cambiante interés de la multitud romana. La era del teatro clásico estabaterminando, y con él desaparecía el especial significado del papel que el teatro había desempeñado durante mucho tiempo en la sociedad.

Orígenes - La Inevitable Comparación Con GreciaEl teatro romano se ha infravalorado en cuanto al griego. Historiadores hay para los que el teatroromano no es más que una copia, una mala copia incluso, degenerada, del teatro griego, sin tener encuenta el tiempo, el espacio de recepción y de creación; y el contexto sociocultural.Puede que el teatro romano sea una importación del teatro griego o que su origen sea etrusco,

judios o actores que danzaban al son de la flauta, sin texto y sin la acción de una obra. Al

imitarlos se lanzaban entre ellos, burlas en versos improvisados. En otra etapa, dejan los versos improvisados, para ejecutar musicales (poutpurrís), los cantos y gestos estaban regulados por unflautista que dará origen a la sátira, en su acepción latina de textos cantados y mimados sin unhilo o unidad argumental (no en el sentido irónico). En el 240 a. de C., se sustituyen por unapieza de teatro en la que se contaba una historia, para acabar más tarde, haciendo obras deestructura argumental. Adaptando la tragedia griega al gusto romano: sustituyendo coros porlargas intervenciones líricas cantadas por solistas. Estos espectáculos exóticos, debían ir seguidos de breves piezas paródicas llamadas exodi o salidas representadas por jóvenes. Se trataba de ungénero que tenía mucho de improvisado.

El Teatro En El Contexto Del «Otium» RomanoEn Roma: la guerra y preparación de la política, encargada hacían un tiempo de negotium (noocio).Cuando se detiene la guerra y la política se toma un descanso, la urbe entra en un nuevo tiempo, eldel otium. Fuera de Roma, el ciudadano ocioso se dedicará al cultivo lúdico de la tierra, delaprendizaje, a la amistad. En la urbe, se organiza el otium por voluntad política del Poder o de laaristocracia. La paz romana propicia la fiesta, centrada en los juegos. Se impone el espectáculo entusiasta. Los primeros espectáculos romanos eran fiestas públicas y religiosas que carecían desentido religioso cercanas a la bufonada y a la comedia vulgar. Si para los griegos el teatro habíasignificado un rito, para los romanos éste se acercaba más al juego. El concepto de espectáculo loinvade todo. El ciudadano se convierte en un homo spectator. Todo se organiza

espectacularmente: desfiles militares, celebraciones de victorias, cortejos fúnebres, procesiones y juegos. Los juegos escénicos, el teatro, juegos circenses, carreras de caballos, combates deanimales y exhibiciones atléticas. Entrado el Imperio asistiremos a combates de gladiadores y


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durante un tiempo menor la pena de muerte en la arena a manos del vencedor y el martirio de loscristianos. Son los tiempos del poder colérico de emperadores sobre los que reflexionará Séneca en sus tragedias (siglo I). En este contexto es fácil comprender que el público romano exija delteatro un espectáculo visual, plástico, divertido. Y el teatro deriva progresivamente a la

pantomima y en el teatro dialogado de Plauto, está siempre presente el gesto, el mimo, la danza yel canto. El otium está organizado, los días de juegos irán progresivamente en aumento con el paso de los años. Los juegos escénicos se impondrán a los circenses. En la época republicana había una media de setenta y siete días de juegos al año, de los cuales en cincuenta y cinco eranescénicos. En Atenas las dionisiacas sólo sumaban diez días de fiesta, y tenían un carácter religioso. Son dos estilos de vida diferente y de una organización ciudadana difícilmente comparables. Con Marco Antonio, se eleva a ciento treinta y cinco anuales. En el 354 d. de C. (prácticamente la mitad del año), ciento un días de juegos escénicos. Las técnicas visuales seperfeccionarán en seis siglos de teatro romano. Los cónsules, aristócratas y el Imperio, loscésares conciben el teatro y los juegos como una manifestación hacia fuera del creciente poder romano y de la salud de su gestión. El despliegue y el lujo alcanzan los espectáculos teatrales.

Nerón, el emperador, se ofrece él mismo como intérprete del espectáculo: escribe textos trágicos y recorre provincias actuando, deshonroso papel reservado hasta entonces a los esclavos ylibertos. En sus inicios los teatros tuvieron fines de lucro, la entrada se pagaba, como con-secuencia los más pobres dejaban de asistir. El Estado comenzó a subvencionar la entrada alteatro.

Los Géneros Romanos o LatinosLa Tragedia Romana o LatinaPoco nos queda de las tragedias de la época republicana. Junto a la tragedia griega serepresentaron las tragedias praetextatae (de praetexta, toga blanca bordeada de púrpura de los

jóvenes patricios, senadores y magistrados). Abordaban temas latinos históricos o deactualidad. Las tragedias trabeatae (de trabea, vestimenta de lujo de los caballeros). Especie dedrama burgués. Después de Séneca, la tragedia desaparece. Bajo la influencia helenística, latragedia se orientó hacia la ópera, danza, canto y decorado jugaban un papel preponderante,espectacular y fastuoso.

La Comedia Romana o LatinaLa primera comedia romana enlaza con la griega, con Menandro en particular, con los modos autóctonos.Se distinguen varios tipos de comedias latinas:

a) Las comedias paliatas, los actores se vestían con el manto griego o palio, de temas griegos,tomados de la comedia nueva. Personajes populares, de conducta dudosa, emparentados de laliteratura picaresca: rufianes, jóvenes ociosos enamorados, hijos de padres acomodados, tienenpeleas, soldados fanfarrones que se enamoran, parásitos, avaros, dioses de la baja ley, etc.Después de Terencio es el ocaso de este tipo de comedias.

b) Las comedias togadas, toga romana que los actores usaban, temas latinos. Estas comedias fueron reemplazadas por las tubernarias (del latín taberna) que describían oficios y costumbres populares, y por las farsas atelanas. Las atelanas con personajes tipificados,precedente de la Commedia dell'Arte. Destaquemos entre ellos 4 Personajes fijos: Maccus, (glotóntonto); Buceo, (fanfarrón); Pappus, (viejo engañado); Dossennus, ( jorobado). No utilizabantextos fijos, Improvisación.La estructura de la comedia incluye un preludio y en los intermedios musicales:


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- un prólogo, se implora la benevolencia del público para con el autor. En Terencio, especie dedebate literario.- las escenas, distinguir los diálogos hablados (diverbia) y las partes declamadas o cantadas (cantica) con acompañamiento de flauta, y las partes líricas, cantadas y mimadas.

- los epílogos y exodí representados por jóvenes aficionados.Plauto, al integrar las partes cantadas en la acción, convierte la comedia en un vodevil (números de acróbatas, cómicos, malabaristas, magos) o en una opereta. Durante los cantos con flauta, elactor mimaba las palabras del cantor y bailes importantes.

El Mimo romano o latinoEra un componente de la comedia atelana y fue ganando terreno. En el siglo I a. de C. fue elgénero cómico de mayor aceptación. Es una farsa mimada, de un realismo grosero y de mal gusto. Sus contenidos son de la vida cotidiana. También actuaban mujeres. Constituye una formaecléctica, tardía, en la transición de sus formas últimas al mundo romano. Pobre en sus

elementos, mitad divertimento lúdico mitad comedia, el mimo vive al margen del teatro en susinicios y se desarrolla donde nace: fuera de los auditorios, en las calles y en las plazas públicas.Representan sin máscara sketches de bufones acompañados por el canto y serán sustituidos, al

separar el canto de la música, por la Pantomima, con máscaras y vestuario tipificado, tratande asuntos serios y cómicos de la mitología o de la vida real con música y/o narrador o peleas degladiadores, animales, naumaquias, etc. El mimo desembocará en el teatro romano decadente.

Los Actores y El Público RomanoEl teatro en Roma es una fiesta animada. Los poetas y personajes cultos se quejan del desorden y del ruido de las representaciones. Los propios autores suelen pedir atención y benevolencia a

este público.La condición de los actores no inspiraba respeto: esclavos o libertos que tenían una formación yuna educación esmeradas. El histrión , a diferencia de aquella despersonificación del actor griego,alcanzó mayor presencia escénica. Individualizado por el atuendo y los tipos y caracteres, elpúblico les reconocía y admiraba. Hombres y animales, gladiadores y esclavos, plasmaban entoda su crudeza el lado salvaje del espectáculo, la magia del artificio, lo espiritual y poderoso delenigma de Dionisos. No se puede afirmar que los romanos sólo dejaron horror y superficialidad enla historia de la representación. La evolución de la comedia, de sus tipos y caracteres, aportó importantes recursos escénicos y elementos expresivos, de vital importancia para los siglos posteriores. El histrión habló con voz de hombre y no de dios, y se abrió la escena a la fantasía delo terrenal, con un alto grado de crítica de los vicios humanos. Se trasladó el espectáculo a la

calle, donde las compañías montaban sus tablados y sus juegos escénicos. En los carros viajaban actores vagabundos: elenco de bobos , fanfarrones , jóvenus enamorados , timadores , filósofos.Comenzaron a nacer las «máscaras» y nuevos personajes. Se imita el vestuario griego: túnica ymanto pallium o clide; chitón e himatión para los personajes femeninos. En otras se imponen lasconvenciones romanas: los hombres libres llevan toga y los esclavos llevan túnica; los personajes femeninos, túnica, vestido y capa. Los colores siguen convenciones. Los jóvenes, colores vivos,los ancianos, blanco, las jóvenes el amarillo; colores los mercaderes. Del vestido se pasa a laspelucas. Los ancianos, pelucas blancas; esclavos, rojas y jóvenes amarillas. Las máscaras reproducen los tipos griegos; se usa la máscara doble (sonriente o airada) a fin de que el actor muestre al público la cara que conviene en cada momento. En la tragedia, coturno y zueco en lacomedia, siguiendo a los griegos.El espectáculo predomina sobre la palabra. Quizás un público grosero e inculto al que hay queexplicarle la acción en un prólogo. La pantomima deriva en lo obsceno y lo vulgar, favoreciendo


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el clima de distensión y fiesta. La afluencia masiva de espectadores se multiplicaba. El público era el mismo que en el circo, en donde no había que seguir el espectáculo a través de un texto dialogado, y no podría desprenderse de sus hábitos en el teatro. Se prohíbe a los senadores quefrecuenten los juegos escénicos, que llevasen a sus casas pantomimas, que se las escoltase en la

calle, o que se les permitiese actuar fuera del teatro. Se autorizó a castigar con el exilio laconducta escandalosa de los espectadores. Con Nerón, por el contrario, la aristocracia será«invitada» a asistir al teatro. Los nobles no aprobarán que el emperador se mezcle con losactores. En alguna representación se asistió a torturas reales que llegaban incluso a la muerte

pero no eran generalizados los extremos.

Los Teatros RomanosEn un principio, el teatro no tendrá un lugar o edificio. Los juegos escénicos se representaránsobre un tablado, barraca de madera, que luego será de piedra. Esta construcción provisional tiene puertas en el frontal para fijar decorados. El primer teatro fue de madera, a imitación de

los teatros griegos. Durante el Imperio los teatros se multiplicaron por todas las provincias conquistadas. Tenían un espacio semicircular de la orquesta, la escena se aproxima al auditorio.Recordemos que en el edificio griego la orquesta era totalmente circular.

- Cavea (graderío) Tres secciones: abajo patricios, en medio plebeyos y arriba mujeres.Altar

- Jrena (No coro) Sitiales de los magistrados.- Tribunaiia Emperador y su esposa. - Pu lpítum Actores. - Scaena 3 entradas y 3 pisos.- Telón frontal del pulpitum. - Telón posterior del pulpitum.

- Gran escenografía - Máscaras- Diferente vestuario por tipo de representación- Puesta en escena convencionalizada. Por la puerta central entraba el personaje principal y

por las laterales los personajes secundarios.- La ORGANIZACIÓN TEATRAL era la siguiente;- Unos magistrados encargados de organizar los festivales teatrales.- Los dramaturgos negociaban con los magistrados para que se representaran sus obras,- Los magistrados contrataban a los Dominique , responsables de las compañías. - Cada dominas era responsable de ensayar con la compañía y preparar la música, vestuario y

escenografía. A veces compraban textos.- Durante el imperio aparecieron el choragus , intermediario entre los magistrados y los dominas ,conseguían vestuario y escenografía.- En los festivales se solían conceder premios.

Los Autores RomanosHubo otros autores tanto de comedia como de tragedia, en Roma: Ennio, Estacio y Pacuvio. Lucio Accio.El gran autor trágico de esta época cuyas obras han llegado a nosotros es Séneca. Los temas desus tragedias son siempre griegos: Hércules furioso, Las troyanas, Medea, Fedra, Edipo, Agamenón,Tiestes y Hercules Eteo, Octavia. Su teatro es más para ser leído que para ser representado.

Ejerció gran influencia en los dramaturgos posteriores, mientras no se conocieron los modelos


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de los griegos, y así Fedra de Racine no se inspira en la tragedia de Sófocles, sino en la Fedra deSéneca.Entre los autores de comedias están Plauto y Terencio.Plauto (254-184 a.C.) impone el modelo la comedia paliata.

Plauto y Terencio (muerto en 159 a.C.) nunca alcanzaron a los griegos pero lograron reflejar ensus obras al pueblo romano. Las comedias de Plauto son versiones libres de la comedia ática nueva. El teatro de Plauto conoció una gran popularidad que ha llegado hasta los tiempos modernos. "El avaro", de Moliere, es una adaptación de la Comedia de la olla, Plauto. Plauto esel autor teatral que servirá de modelo a los dramaturgos de la Edad de Oro castellana.Terencio carece de carácter popular.''Lo trágico y lo cómico mezclados / y Terencio con Séneca", dice Lope de Vega, irónicamente enla receta para el éxito inmediato. Los modelos de Terencio son, como los de Plauto los autores y

personajes de la comedia ática. Han llegado a nosotros seis comedias de Terencio: Andria o lamujer de Andros, Hecyra o la suegra, Heautontimorúmenos o El atormentado de sí mismo, Eunuchoso El eunuco, Phornio o Formión y Adelphi o Los hermanos.

Los autores latinos estaban mal pagados y no gozaban de gran consideración social. Plauto,además de autor prolífico, debe ser intérprete y organizador para poder vivir. Los autores deteatro desaparecen en el siglo 1 d. de C. Lo que se escribe a partir de Séneca está destinado más alas lecturas de salón que al teatro.Polión instauró estas recitaciones de salón, dando la oportunidad a otros autores de verseaplaudidos por un público selecto y amante de la poesía. Debido al éxito de estas recitaciones secrearon, sobre todo en las «colonias» griegas del Imperio, los odeones, teatros de reducidas dimensiones que solían estar cubiertos en parte y adornados con mármoles y estatuas.

EDAD MEDIA SIGLO V al 15 DESDE año 476 d.c hasta el 1492

En la Edad Media desaparece el teatro como institución (no hay locales fijos y dramaturgos, etc.)El espectáculo real suplanta a toda representación. La ficción deja paso a las tensiones sociales eideológicas. Es una nueva sociedad con un nuevo concepto de la existencia: de la sociedad romana politeísta a la sociedad cristiana. Los grupos cristianos lograron resistir laspersecuciones y la marginación del Imperio romano. Monoteísta hasta la médula, la nueva sociedad de inicios del siglo IV, abomine del teatro y demás espectáculos paganos. El teatrodesaparece. En la Edad Media, todo llegará a tener un sentido trascendente, de signo teológico. Lapropia vida del hombre, que se concebirá como un lugar de destierro y de lucha, donde laMuerte nos consolará junto a Dios. El mundo es, para la tradición platónico-agustiniana imperante,

un lugar de representación. Al «espectáculo» social se une toda una concepción simbólica yrepresentativa de la vida y del mundo. El pueblo se reúne en los oficios religiosos, un ritual degestos, palabras, luz, música o canto. El héroe será aquí Cristo. Las ceremonias litúrgicas conmemorarán su vida y sus preceptos. Misterio de fe: La Misa es un Misterio de fe y un drama.Maitines, fueron el origen del teatro occidental: el diálogo. Los diálogos y acciones derivan a loprofano y jocoso; el número de participantes aumenta; se admite como actores a los laicos. El teatrose desplaza al exterior de las iglesias. Se adoptan distintas lenguas vernáculas y el latín se conserva

para el rito religioso. En un principio, latín y lenguas romances debieron alternarse en las mismasobras. Milagros de la Virgen.LOS MISTERIOS A partir del siglo XIV cobra auge un subgénero nuevo: el Misterio (del latínmysterium, ceremonia). Por otro lado, los Misterios fueron alargándose cada vez más hasta el siglo

16. Se desarrollan Misterios en Francia, Inglaterra y Alemania.


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EL TEATRO RELIGIOSO MEDIEVAL EN ESPAÑAEl teatro español tiene escazos textos que lo ilustren. Desde el Auto de los Reyes Magos, sigloXII, hasta el 15, no existen apenas muestras dramáticas. El origen del teatro español, como el delresto de países europeos, hay que buscarlo en los ritos sagrados, en los tropos. En el siglo XI era

representado el Misterio de Fe, Pascua de Resurrección y Auto de los Reyes Magos por Navidad a mediados del siglo XII. El lugar de la escenificación, en España y Europa eran las iglesias, desdeel altar y posteriormente, el exterior del recinto sagrado. La iglesia era utilizada también para otrotipo de representaciones, no religiosas, como los juegos de escarnio, frases de doble sentido,sermones grotescos, canciones lascivas, diálogos bufos, etc, que no fueron toleradas por el poderde Iglesia. Los artilugios de las iglesias medievales para producir efectos espectaculares, como enel Misteri de Elche, drama litúrgico contemporáneo del descubrimiento de América, eranimpresionantes.EL TEATRO PROFANO EN LA EDAD MEDIA El origen del teatro profano tiene tres teorías: La primera, es la imitación de la comedia latina,adaptaciones de Terencio y de Plauto. Abundan en Italia y Francia. Una segunda hipótesis, la

aparición de la declamación dramática mimada de los juglares, un hombre-espectáculo quetocaba varios instrumentos, recitaba, cantaba, componía, era acróbata, domaba animales. En elrecitado y la declamación patética estos artistas de calle depuraron al máximo su arte,gesticulando o mudando la voz para caracterizar personajes. La tercera hipótesis, desahogos espontáneos, por los autores del teatro religioso, de signo cómico como la fiesta de los locos, elabad Magouvert, el Lord of Misrule de los ingleses o el Papa de los locos, a pesar de lasprohibiciones de la jerarquía eclesiástica. Se jugaba a los dados y cartas sobre el altar, hacíanoficios sagrados presididos por el niño elegido obispo de los Inocentes, la gesticulada irritación de los personajes, el hablar en jergas, recurso muy utilizado en las farsas, de Molière en el siglo17, las cómicas huidas en carrera, los regateos de las mujeres con los vendedores, lasrepresentaciones de animales con su voz de nariz y el colmo de la diversión era el rebuzno final, detodo el público de la misa, al acabar la ceremonia. Este público medieval tiene un sentido muyacusado de la ironía; pero es también muy impresionable, capaz de pasar de la risa al llanto.DESARROLLO Y SUBGÉNEROSEn el siglo XIII, el Juego de Robín, de Marión dará origen a la escenificación de una pastourelle,género lírico-narrativo francés (sin relación con las pastorales italianas que darán origen a unsubgénero de anticipado corte renacentista) se cuenta cómo una pastora es cortejada por uncaballero, dando lugar a una serie de escenas tópicas del género, escenas cantadas, coros, bailes de los aldeanos por lo que podría verse como la primera comedia-ballet o la primera opereta. Elteatro profano se concretó en subgéneros dramáticos: En Francia, un programa teatral solíaconstar de varios subgéneros: sermón, monólogo, sotía, moralidad y farsa. El sermón jocoso es

una parodia de los sermones de iglesia, el monólogo es un subgénero más libre, deriva de los juglares. La obra maestra de este subgénero es El arquero de Bagnolet, sátira picante. La sotía esuna parada satírica de tema político, sots (tontos, locos), la moralidad será de signo alegórico.Esta cobró un auge sin precedentes en Inglaterra durante el siglo 15, The Pride of Life (El orgullode la vida), The Castle of Perseverance (El castillo de Perseverancia, principios del 15). Secentraba en el tema de la Muerte. Europa se ve invadida por la muerte, constituirá un tema obsesivo en todas las disciplinas artísticas. En Inglaterra, además, entre las partes de un misterio o moralidad se podía representar una pieza breve, el Interlude, de carácter alegórico, que adoptaun tono divertido, de mor alidad degradada. Es posible que en el Interlude se encuentre el germen de la comedia inglesa.De estos subgéneros el único que perdurará en Francia será la farsa y entremeses españoles del

16.Farsa significa lo que se introduce entre dos partes, (de los Misterios). Destacan las farsas del 15: Micer Patelin, obra maestra del teatro profano medieval. Estas farsas se caracterizan por su


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realismo en oficios, útiles caseros, costumbres, etc.; se detienen en los defectos de los personajes,la caricatura y lo grotesco. Sus personajes tópicos: el marido ingenuo, enemigo de la mujer,tonta o caprichosa; la suegra, que tomará partido por el ganador; la nuera, personaje ingenuo; elmagister pedante, el gentilhombre, el ama, el aldeano rudo. Italia no conoció este auge del

teatro profano debido a una disociación entre el pueblo y los sectores cultos (escuelas,universidades, cortes y palacios), donde solían escenificarse comedias y tragedias en latín,inspiradas en Terencio, Plauto y Séneca, de carácter literarios y tono culto renacentista de lafábula pastoral.

EVOLUCIÓN DEL TEATRO MEDIEVAL

La conciliación del nuevo espíritu religioso de la primera Edad Media con las viejas formaspaganas origina un teatro en el que van a coincidir dos formas de representación; la del teatro religioso (drama sacro) y la del teatro profano (cómico, bufonesco, grotesco, provocativo y

sensual). El punto de partida de toda práctica o manifestación artística medieval está ligado a lasrepresentaciones dentro del recinto de la iglesia. Las celebraciones de Pascua y Navidad transformaron el altar en escenario de veneración y juego. La religión en forma de espectáculo sedesplazó a patios, pórticos de iglesias, monasterios, plazas y mercados. La compleja maquinaria del anfiteatro romano se transformó a plena luz del día en la actuación del mimo desafiante. A lasprocesiones se llevaron Imágenes vivientes y la teatralización de lo sacramental se transformó

paulatinamente en espectáculo anecdótico y lírico-musical. Así se gestó una nueva práctica derepresentación abierta a la vida popular, a su Bentido artesanal humano y divino. En Italia losprimitivos dramas sacros se escenificaron en pequeñas casas o cabañas colocadas en progresión

para facilitar la narración de los diversos episodios religiosos: crucifixión, transfiguración, ascen-sión, pesebre, sepulcro, infierno, limbo, paraíso... La colocación de estos decorados se hacia en

función del orden de los lugares que describían la acción. Los actores se trasladaban de unos a otrosy la representación era simbólica, lírica, solemne y cargada de sensualidad. La sacrarappresentazione , en Florencia, fue tal vez la más alta expresión del espíritu dramáticomedieval. Por Florencia desfilaron las mejores compartías teatrales del siglo 15. Sobre un tablado se ejecutaban las piezas. El fiestero» (así era llamado el director de escena y a menudo introducía lafunción con un prólogo, pues él mismo ejercía funciones de apuntador o tramoyista y se cree que enla mayoría de las ocasiones dirigía sentado ante los ojos del público. Los argumentos se basaban,como es lógico, en leyendas y vidas de santos, contadas en lengua vulgar. Como el vestuario no seremitía a tiempos bíblicos, los actores vestían de modo anacrónico, empleando la indumentaria de laépoca.Las rappresentazioni mate , nacidas en la Florencia del siglo 15, fueron otra curiosa forma de

espectáculo medieval. Como su nombre indica, eran representaciones mudas y se caracterizaban pormovimientos coreográficos, cuadros vivientes y acciones plásticas. Con el paso del tiempo, y acausa de las exigencias del público, se perfeccionó la maquinaria teatral, y los efectos visuales sevolvieron espectaculares. Jóvenes escenógrafos mostraron ante los ojos del espectador cielosllameantes, animales feroces, entradas fastuosas al paraíso, grutas infernales, mar embravecida ymultitud de aparatosos trucos. Con la remodelación del vestuario y el atrezzo compartieron escenamonstruos, diablos, ángeles, seres amorfos y ultraterrenos junto a otros personajes simbólicos entre los que figuraban «el bien», -la naturaleza», »la paz», «la verdad», «lo divino» y «el alma».Con la evolución del drama sacro se introducen los entremeses , compuestos por cuadros coreografiados y danzados. Estos pequeños cuadros, que en un inicio sirvieron de intermedio entrelas partes del drama, se fueron alejando cada vez más del tema central de la obra hasta constituir piezas completamente independientes. En Inglaterra los dramas sacros tuvieron una larga vida.Durante casi cinco siglos y hasta la época de Shakespeare se representaron por todo el país. Una de


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las formas más típicas de representación fueron los llamados pageants , cuadros vivientes y escenasmudas de la vida de personajes históricos y de los acontecimientos místicos y religiosos los inasks ,originalmente italianos, cercanos a la tradición juglaresca y trovadoresca, llegaron a los locales cerrados como sajas, castillos e incluso la propia corte. Se sabe que las compañías acudían a las

ferias con un juego espectacular de antorchas, sorprendentes malabares, instrumentos de percusión y hermosas canciones. Como contraposición a los ptigeants , surgió en Inglaterra la faro- (farsa),sátira de corte vulgar que criticaba el ambiente social y político de la época. Estas representacionesno requerían técnicas especiales. Las dos entradas y salidas por ambos lados del escenario eransuficientes para mostrar a los personajes en situaciones cómicas y de enredo, que se prestaban aconfusiones y engaños. Los personajes se definían por el vestuario y las máscaras, y, paraidentificarlos, se acudía al uso de elementos distintivos según la clase social y la ideología a la que

pertenecían. Capas, barbas acicaladas, suntuosos sombreros, elegantes peinados y grotescospostizos fueron los elementos precursores de lo que posteriormente caracterizará a la comediadel arte italiana. En Alemania las representaciones familiarizaban al público con el latín, tandifícil de asimilar y comprender. El sentido didáctico de los espectáculos dio paso al uso de la

lengua vulgar, y ya en el siglo 15 se escriben y representan dramas en alemán. El teatro cómico seapoderó de las plazas y mercados, y en carnaval el pueblo se disfrazaba para cantar y danzar.Un importante teatro, cuyo precedente era el cancionero de los Meisterúnger (los maestros cantores,creció a través de los trovadores y ministriles, que utilizaban textos del drama sacro y de las farsas.Durante la Edad Media hubo en España una intensa actividad teatral. El código Las nieta partidas(1260) del rey Alfonso el Sabio prohibía a los eclesiásticos tomar parte en los «juegos deescarnio», que eran una especie de farsa bufonesca. De la festividad del Corpus nacieron los

primeros autos sacramentales , cuadros vivientes que se desplazaban en procesión sobre varioscarros en los que unos actores en actitud inmóvil recreaban un episodio religioso. Figurabanpersonajes como los gigantones (gigantes de cartón) y la Tarasca monstruo parecido a un dragón),y el cortejo lo cerraba el propio rey junto a los gentilhombre de la corte, que iban detrás del Sa-cramento y a pie con la cabeza descubierta y un cirio en la mano. La procesión hacía paradas intermitentes ante los palacios señoriales y se daba la bendición a la muchedumbre. Finalmente, enlas últimas paradas tomaba vida la acción muda, y los actores ejecutaban un breve drama al quese llamó «auto sacramental». Junto al drama sacro también se desarrolló en la España medievalun teatro de representación profana en su doble vertiente literaria y bufonesca.TÉCNICAS DEL TEATRO MEDIEVALLas representaciones fueron ganando espectacularidad . Los relatos dramáticos eran de unadesmedida ambición sobre el espacio y tiempo de la representación, ya que narraban hechos a lolargo muchos siglos, en la tierra y el Cielo o Infierno, con personajes mortales, diablos, ángeles,alegorías, monstruos y hasta el mismo Dios. Exigía un mayor alarde escenotécnico.

EL LUGAR DE LA REPRESENTACIÓNSe inicia en el interior del templo. El lugar de la acción solía ser el coro, destinándose las arcadas ynaves para las procesiones y cortejos. Inicialmente, el espacio escénico y los objetos de larepresentación son del propio lugar con carácter simbólico. Las posibilidades no eran muchas. No era fácil introducir objetos a las iglesias. El hecho de que no existiera decorado y crecieran lasnecesidades de caracterización de los personajes y de diversificación de los espacios escénicosinfluyó en el abandono del templo como lugar de representación. El teatro tuvo que abandonar el espacio interior. Se refugió en los pórticos de las iglesias y catedrales cuyas fachadas constituían un imponente decorado. De ahí pasó a diversos espacios públicos: plazas, patios,claustros, la calle y los cementerios. En la Edad Media los cementerios eran lugares de rondas,

juegos y danzas. Menos usual fue la utilización de los anfiteatros romanos hasta bien entrado el

siglo 16. El cambio de decorado para figurar un nuevo espacio referencial en un mismo escenario,apenas se usó en la Edad Media. La solución fue la yuxtaposición de espacios simultáneos y el uso de carrosmatos y otras soluciones como la explicación de un actor, conductor del juego, y


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pinturas primitivas o letreros con el nombre del lugar (esta fórmula llegará hasta Shakespeare).Estos decorados llegaban a ocupar hasta sesenta metros lineales, a veces, se sugería a losespectadores que se desplazasen.Las mansiones era cada una de las los espacios escénicos recibía el nombre de mansión. El

Paraíso, debía ocupar siempre una región más elevada y no se regateaba el lujo. A final del siglo15 y principios del 16, había pugnas por superar los Paraísos precedentes o las otras ciudades. Elinfierno estaba en el extremo opuesto, como una mansión imponente y no faltaba una granserpiente que fue conocida como la chappe d'Hellequin que el teatro francés hizo un personaje símbolo del teatro en general, el Arlequín (después de derivaciones en su pronunciación). En elnorte de Europa amenazado por la lluvia, se creó un inmenso techo de lona y se le dibujaba elfirmamento con las estrellas, el sol y la luna. La tramoya se fue perfeccionando para laespectacularidad . Había cortinas decorativas que se podían cerrar, animales con movimientos mecánicos, vuelos por medio de hilos y cuerdas encubiertos, los efectos con agua para lluvia,mares y el diluvio universal, escenas con fuego quemando aguardiente y azufre, iluminación conllamas o con dorados que las reflejaban, ruidos (truenos, tempestades) con maquinarias, tablado

con trampillas para las apariciones y transmutaciones a la vista del espectador. Losescenógrafos eran auténticos especialistas ORGANIZACIÓN Toda la ciudad participaba en la preparación de los espectáculos dramáticos. Los Misterios eran asumidos por los municipios. En Francia se concedían privilegios tributarios a las cofradías. Las fábricas de las iglesias ofrecían material, los burgueses ycomerciantes ayudaban económicamente, las cofradías cargaron con la responsabilidad de larepresentación y se repartían entre ellas las mansiones. Los papeles femeninos son representados

por hombres por continuismo del drama litúrgico. La primera actriz aparece en 1458 en Metz yprogresivamente al final de la Edad Media.- Dos VÍAS DE RECUPERACIÓN del teatro:

- Popular-Secular Juglares- Eclesiástica Pasajes de los evangelios (Resurrección de Jesús) para su comprensión

- Los ESPECTÁCULOS EN LAS IGLESIAS evolucionan:- Breves dramatizaciones de tema religioso ("Tropos") Tablado en el altar Los propios

sacerdotes actúan.- Los textos se nutren de la vida de los santos y de los milagros Tablado en el atrio, el pórtico y la

fachada servían como primer decorado y las columnatas de la iglesia actuaban como bastidores.- Se introducen temas populares y se sustituye el latín por la lengua vulgar.- La complejidad de las representaciones y la inclusión del infierno hace que salgan de las iglesias a

las plazas.- Aparecen diferentes ESPECTÁCULOS EN EL EXTERIOR :

- TEATRO DE CARROS se movían por toda la ciudad la representación iba al encuentro delpúblico.- TEATRO DE ESCENARIO MÚLTIPLE Mansiones - Los actores no eran profesionales Sólo hombres, que aportaban ellos mismos el vestuario (no

histórico).- Gran desarrollo a nivel de maquinaria Trampillas (apariciones), poleas (vuelos), uso de fuego y

agua, etc.- Eclecticismo escenográfico Árbol real junto a casa pintada.- Utilización de música instrumental y cantada.- Supervisión de los espectáculos "MAESTRO DE LA REPRESENTACIÓN" ("Maítre de jeu",

"book-keeper") Solía ser un clérigo (no siempre) y sus funciones eran:

- Vigilar la construcción de los diferentes escenarios y la colocación de la maquinaria.- Buscar los profesionales para construir y pintar las decoraciones escénicas y losasientos para el público.


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- Seleccionar y ensayar con los actores.- Controlar la disciplina de los actores y establecer las multas en caso deinsubordinación.- A veces, interpretar algunos papeles.

- Determinar qué personas se encargaban de recaudar el dinero a la entrada cuando secobraba, la mayoría de las veces los espectáculos eran sufragados por los gremios.- Se dirigía al público antes de la representación y en los descansos para hacer unresumen de lo visto y lo que se vería a continuación.

- El "maestro de la representación" llevaba el libro de dirección en una mano y una batuta en laotra.

- ¿Se presentaba a vista del público durante la representación haciendo las indicaciones necesarias?

RENACIMIENTO ITALIANO

RENACIMIENTO, ¿ARTE MINORITARIO O POPULAR?Las especulaciones teóricas y la realidad escénica partieron de similares intenciones peroacabaron las primeras reclamando normas que controlaran la producción artística; y los segundohicieron lo que el público les reclamaba. Entre la teoría y la práctica hubo un abismo con ataques sistemáticos. La evolución y riqueza de este teatro, dada por la protección de la nobleza, sin locual, hubiera quedado relegada a la simple diversión popular, a pesar del aparente arte elitista,dedicado a una minoría privilegiada de poder, consiguió traspasar los límites del arte culto,llegando a cualquier clase social, derivó en un arte popular, aunque con toda la riqueza expresiva que tenía en sus orígenes. Todas las innovaciones que experimentaron los improvisados teatroscortesanos de los siglos 15 y 16 fueron pasando a los locales públicos que, desde mediados del

citado 16, sur gieron en toda Europa.

TEATRO RENACENTISTA ITALIANO ORÍGENES Y EVOLUCIÓNSobre las cenizas de la Edad Media renace con luz propia un nuevo teatro. El replanteamiento dela existencia es visto desde la perspectiva terrena del hombre. Se descubre un nuevo mundo que,a través del arte y la filosofía, marca la sublimación de la estética, la belleza, la armonía, laprofundidad y la ilusión.El edificio del teatro estalla por dentro en las nuevas construcciones. La decoración se transformaen un juego de colores y la maquinaria teatral descubre el recurso escenográfico más importante dela historia; la perspectiva. El Renacimiento es la edad que el hombre vuelve a identificarse con el

origen de la divina existencia. Un «siglo carnal», los siglos más iluminados. EI arte de larepresentación está plagado de alegorías clásicas. Los príncipes renacentistas volvieron los ojos aPlatón con la intención de encontrar en sus tratados el ideal y la apariencia de un príncipe perfecto.El espectáculo se incorporó a la vida de la corte, aportando belleza, elegancia y teatralidad al des-file de príncipes y nobles. Los intermezzi , heredados de la Edad Media, evolucionaron eincorporaron nuevos elementos musicales y coreográficos. Esto les dio un carácter más inde-pendiente y teatral gracias al uso de la escenografía y los telones pintados, que sacaban el máximo partido de las leyes de la perspectiva. , Palladio, Brunelleschi, Mantegna, Leonardo y Poliziano

pintaron para los teatros. Se entraría en el campo de lo visual sensitivo. Una de las construcciones más importantes del Renacimiento es el teatro de Vicenza utilizó la decoración de fondo tridimensional. A partir de un dibujo pintado sobre una superficie plana, una peculiar invención hacía destacar la textura con unas lámparas de luz detrás de recipientes de colores y lograron, porprimera vez, intensidad y realismo.


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El desarrollo del teatro en la Italia del siglo 16 se produce dentro de un medio político dividido, en contra de lo que sucederá en Inglaterra, España o Francia, que basan su desarrollo cultural en uncentralismo camuflado, caracteriza la comedia renacentista desde los distintos sectores regionales. Hay que entender el teatro del Renacimiento como la expresión de un nuevo sistema

de ideas. Sus autores no pretendían desdecir las teorías aristotélicas, sino que pusieron en losescenarios un moderno sentido de la moral.La adopción del formato de la comedia clásica. Dejaron a un lado la tragedia para dar mayor libertad a los problemas de la clase media que representan. La comedia italiana restaura lasformas clásicas escénicas, como consecuencia del humanismo imperante; pero evolucionar elespectáculo escénico dentro de cánones populares, que prefieren los cómicos a los trágicos. Laestructura está relacionada con la comedia latina, por lógica continuación clasicista más que por subordinación a las preceptivas. Las cinco jornadas clásicas responden con exactitud al ritmo dela acción, los actos se corresponden con los episodios, al modo de Plauto, pero más recargado deelementos novelescos, en donde la referencia de Boccaccio aparece como telón de fondo. Lostemas y personajes del Decamerón, adaptados al siglo 16, son seguidos por los dramaturgos,

haciendo del escenario un reflejo de los modos de vida y de las buenas y aún más, las malas costumbres, configurando un tejido teatral satírico, moralista y a la vez espectacular, que sóloavanzando el siglo adquirirá tonos más melodramáticos. La comedia viene a ser un documento social de primera magnitud, desde los cánones burgueses del momento. Sigue las unidades clásicas incorporando en la unidad de acción, ingredientes inesperados, igual que Plauto, lo quedota al argumento de intrincados y no siempre lógicos vericuetos de aspecto fantástico con rasgos plenamente realistas, como es el uso de los dialectos, que abre una mayor comprensión entreescenario y público y la utilización de la prosa, siguiendo el modelo boccacciano, naturaliza. Lospersonajes son una galería de tipos de marcado acento realista, que engrosarán la commedia dell'arte: criados, jóvenes enamorados, cortesanas, padres severos, soldados, rufianes,campesinos incultos, incluso figuras singulares, como el pedante. Las novedades respecto de lacomedia clásica, están en el prólogo que se identificaría con el modelo terenciano de polémicas,aportando un tono satírico decameroniano y divertido del juglar. Las obras que se escribían en laItalia del Renacimiento se debatían entre dos posturas literarias: la académica, que promovía lacreación de tragedias escritas al estilo antiguo, y la antiacadémica, que consideraba demasiadoestricto el modelo de aquéllas. En esta postura antiacadémica figuraban los autores quedesarrollaron farsa y comedias populares. Ambos géneros se caracterizaron por la presencia detemas relacionados con el sexo, el erotismo, la pasión, y terminaron siendo una crítica ingeniosa delas actitudes falsas y mundanas. Una de las representaciones más glamurosas de esto género po-

pular fue Ruzzante , de Angelo Beolco, obra escrita en antiguo dialecto paduano. Se sabe que fueronmascaradas y comedias representadas por el propio autor quo poco a poco se popularizaron.

Empleaban un estilo oratorio y rebuscado, lo que permitió el desarrollo de la mímica y de losgestos que acompañaban la palabra, e impulsó el nacimiento de una nueva clase de actor capaz deuna refinada improvisación. La forma más empleada en estas representaciones era la llamadacommedia a soggelto , de la que sólo se escribía la trama o guión, dejando a los actores construir los conflictos y episodios cómicos entre los personajes. Para este fin, los actores utilizaban temas ypersonajes muy parecidos a los estereotipos juglarescos del teatro medieval. Los tipos de lacommedia eran catalogados por el físico y la clase social a la que pertenecían. Por ejemplo,Arlequín, que procedía de Bérgamo, pillo alegre y vividor. En contraposición a éste, estabaPantaleón, natural de Venecia, rico mercader, víctima de engaños. Otras máscaras las componíanColombina, Polichinela, Trufaldino, Scaramuccio, etc. Los bufones que entretenían al público durante los cambios de escena eran denominados zalláis ( bufón) y eran acróbatas y hacían

pantomimas, lo que permitía a los actores principales salir de escena para cambiar de vestuario.El decorado utilizado por los actores de la comedia era siempre fijo: una plaza, una calle o doscasas, una frente a la otra, una posada, etc. Arlequín, el más famoso de todos los personajes, iba


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vestido con trapos de colores compuestos por rombos y figuras geométricas que contrastaban conel Polichinela, vestido de blanco. Las compañías de los cómicos del arte viajaron por toda Europa y aportaron a la tradición teatral profesionalidad y una depurada técnica de interpretación, queinfluirá poderosamente en la actividad dramática de Francia, Inglaterra y España.

CORRIENTE HUMANISTA- Movimiento humanista. Recuperar el teatro clásico grecolatino. Nuevo teatro (Edad Media +

Grecia-Roma).- Descubrimiento en 1414. De Architectura de Vitrubio. Se edita en 1486 (imprenta inventada en

1440).- Nicolás de Cusa encuentra 10 comedias de Plauto. 1429- Representaciones en palacios de nobles y en las instituciones educativas.- Editada La Poética de Aristóteles. Castelvetro. 1508 - Reglas generales de arquitectura de Serlio, 1562. Edificio teatral Teatro Olímpico de Vicenza

(1584), realizado por Palladlo y Scamozzi Edipo Rey de Sófocles (1585) "dirigida" por AngeloIngegneri.

- Teatro Farnese de Parma, realizado por Aleotti, 1618 Precedente del Teatro "a la italiana":- Escenario Arco proscenio, separación público, telón.- Platea en forma de herradura. Varios pisos de galerías.

TEATROS TECHADOS - Luz artificial (antorchas, velas y lámparas de aceite):- Aparato para regular la luz de las velas y 3 posiciones básicas de la luz (1638):

- Candilejas. A la altura del suelo frente a los actores.- Diablas. Por encima de las cabezas de los intérpretes y ocultas tras las bambalinas.- Laterales disimuladas tras los bastidores.

- Se refuerza el elemento visual de las representaciones.- El director de escena oculto tras escenógrafos.

TEORÍA Y PRÁCTICA TEATRALES EN EL RENACIMIENTOLa llegada de las teorías renacentistas al arte teatral, cabe situarla a finales del siglo 15. Lostexto

historia de la puesta en escena e interpretacion hasta el siglo xix

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