exposicion temporal de mapfre
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Exposiciones temporales.Fundación Mapfre.
- Mirar y ser Visto. De Tiziano a Picasso.- Ver Italia y Morir. Fotografía y Pintura en la Italia del siglo XIX.- La danza de los colores. Entorno a Nijinsky y la abstracción.
• Fuimos unos cuantos de clase a las exposiciones de la Fundación Mapfre por recomendación de nuestro profesor de Teoría e Historia del Arte I.
• Las exposiciones fueron muy variadas y fascinantes aunque la que más me llamo la atención fue La danza de los colores. Entorno a Nijinsky y la abstracción, que será en la que profundice; no porque sea la que más me gustara ya que siempre me he decantado por el arte realista, clásico; si no porque me pareció interesante la forma que tenían los autores de representar el baile, el movimiento. Además son artistas que desconocía por completo, así como el arte de Europa del Este.
Sala de Exposiciones de Recoletos, Fundación Mapfre. Instituto de Cultura. Paseo de Recoletos, 23. 28004 Madrid. Del 7 octubre - 20 Diciembre 2009. Entrada: Gratuita. Horario: Lunes 14-20h; Martes a sábado, 10 -20h; Domingo y Festivos, 12 - 20 h. Telf.: 91 581 61 00. Para más información: http://www.exposicionesmapfrearte.com/
MIRAR Y SER VISTO.De Tiziano a Picasso, el retrato en la
colección del MASP
Esta exposición contiene 33 obras maestras de la historia del retrato en Europa, desde el s. XVI hasta el s.XX; percibiendo así la evolución en la concepción del retrato.
MIRAR Y SER VISTO. De Tizziano a Picasso, el retrato en la colección del MASP
• El retrato es de gran importancia en el arte, tiene un desarrollo propio ejerciendo una influencia notoria en la historia del arte. A lo largo de la historia la representación individual y la perdurabilidad en tiempo de la persona ha sido de gran importancia con connotaciones religiosas y de poder, aunque no siempre ha sido entendido de igual forma.
• Los primeros retratos que muestran esta exposición son de cuerpo entero o medio cuerpo, hierático e imponentes, son atemporales aunque sus vestimentas correspondan a esa época. Mientras que los retratos modernos reflejan a la persona, no el poder ni su clase social; el rostro está escondido tras una máscara impuesta por el artista, que no busca la perdurabilidad el parecido a la realidad, sino el movimiento y su ser.
OBRAS QUE ME GUSTARON:
• -Tiziano Vecellio, “Retrato del Cardenal Cristoforo Madruzzo, 1552.
• -Anthony Van Dick, “Retrato de un desconocido (William Howard, Vizconde de Stafford?), 1638-40
• Jean Baptiste - Simeon Chardin, “Retrato de Auguste Gabriel Godefroy, 1742.
• Toulouse Lautrec, “El señor Fourcade”, 1889
• Pablo Ruiz Picasso, “Busto de hombre (el atleta), 1909
VER ITALIA Y MORIR.
Fotografía y pintura en la Italia del s. XIX
VER ITALIA Y MORIR. Fotografía y pintura en la Italia del s. XIX
Quizás Italia sea uno de los países mas representados en la historia. Todos los visitantes se vieron fascinados a través de los tiempos, ejerciendo una influencia enorme.
Esta exposición nos propone un viaje a la Italia del pasado, que era un paraíso intelectual y de la belleza.
Con la invención de la fotografía (1839), crece una nueva forma de mirar el mundo, compitiendo con las representaciones idealistas de la pintura.
El nombre de esta exposición proviene de la frase de Goethe "Vedi Napoli et poi mori" (ver Nápoles y luego morir).
La exposición consiste en el recorrido desde Venecia hasta Sicilia pasando por Florencia, Roma, Nápoles, Pompeya y Capri.
RECORRIDO:
Venecia sin duda era una de las más importantes, con muchas representaciones de la Plaza de San Marcos (en la que destaco el cuadro de Friedrich Nerly, "Venecia, la Plaza de San Marco al claro de luna", 1842; es una obra con un tratamiento del color impresionante y muy delicada). La fotografía permite una mirada radical, detallista y con una perspectiva realista; así la armonía geometría era atractiva.
Florencia otra parada imprescindible. Los hermanos Allinari se encuentran entre los fotógrafos que más se dedicaron al concepto de suvenir, utilizadas como postales. La fotografía era perfecta para poder satisfacer la necesidad de contar aquello que veían.
En Roma los monumentos e iglesias eran los lugares más visitados. Cabe destacar al artista Lawrence Alma-Tadema que refleja la riqueza clásica. La Fotografía con carácter documental.
En Nápoles las fotografías evolucionan de suvenir del viaje a convertirse en un útil de trabajo para artistas, simulando la vida cotidiana para ser reinterpretadas de nuevo por los pintores.
RECORRIDO:
Pompeya, Théodore Chasseériau, observa y representa lo que podía ser la vida cotidiana. En la obra “La sala donde las mujeres de Pompeya descansaban y se secaban al salir del baño”, 1853 representa la exaltación a ese mundo clásico en una escena cotidiana. Con la fotografía la iconografía cambia, siendo así el mensaje una información esencial, donde los fenómenos naturales son de gran atractivo; así Sommer lo intenta llevar al extremo con la fotografía de Erupción de Vesubio. Cabe destacar las representaciones de los hallazgos arqueológicos, cobrando con esto mas importancia la pintura al aire libre, método que conseguían que las obras estuvieran llenas de luz; así cabe destacar al artista Achille - Etna Michallon autor de obras como “Foro de Pompeya” fue un reconocido paisajista neoclásico.
Capri se encontraba también entre los ineludibles de la ruta del Gran Tour. La obra de Carl Blechen, “Los Faraglioni”, tiene un gran uso de la luz, la exaltación romántica influye en su pintura realista.
Por ultimo en Sicilia, las fotografía de Wilhem von Gloeden se encuentran dotadas de un erotismo y proporción distinguible del resto. Son el retrato del ideal masculino de belleza clásica.
La danza de los colores.
Entorno a Nijinsky y la abstracción.
BIOGRAFIA DE NIJINSKY:
Nijinsky nació en Kiev, capital de Ucrania, el 28 de Febrero de 1890.
Hijo de padres polacos, bailarines, su padre Tomas pertenecía a la 4ª
Generación de bailarines, su madre Eleanora Bareda.
A Nijinsky le enseñaron desde muy pequeño los conocimientos del baile;
así a los 10 años dio muestras de ser un prodigioso bailarín e ingresó en la
Escuela Imperial de Danza de Petersburgo. Progreso rápidamente como
bailarín, aunque presentaba algunas deficiencias mentales según se cree
debidas a una caída que le provoco una conmoción cerebral.
Destacó principalmente gracias a su admirable elevación, su "ballon",
su expresividad y por lo depurado de su técnica al ejecutar los movimientos.
Debuta en 1907, estando aun en la escuela, interpreta en el Teatro Marinski “Don Juan”, ballet de la opera de Mozart. Otras actuaciones por esa época son "Le pavillom d'Armide" y "La forêt enchantée".
En mayo de 1908, durante el examen para conseguir su título académico bailó un "pas de deux" con
la célebre Ludmilla Schollar; así Kchessinskaia, era la bailarina preferida del zar, decidió elegir a Nijinsky como pareja de baile. Desde aquel momento hizo una carrera triunfal en el Teatro Imperial, pero ésta se vio interrumpida en 1911 cuando fue despedido por alguna exhibición incorrecta en una representación ante la emperatriz.
Pronto Sergel Diaghilev lo llevó a París para encabezar su nuevo ballet ruso, en el que actuó de 1911 a 1914 y que por entonces representaba la mayor atracción del mundo del arte, recolectando grandes triunfos.
BIOGRAFIA DE NIJINSKY:
En 1912, con ocasión de "La siesta de un fauno", con música de Debussy, en un ballet que él mismo creara, Nijinsky dividió a la secta bohemia de París en dos facciones: uno encabezado por el publicista Gaston Calmette quien lanzaba ataques desde su punto de vista artístico y moral y otro encabezado por el escultor Rodin, quien salió a la defensa de Nijinsky, ya que a su juicio se aproxima mucho al sentido de belleza de la Grecia antigua.
A fines de 1913, el Ballet Ruso viajó en una gira artística por América mientras que Diaghilevpermanecía en Europa; al llegar a Buenos Aires Nijinski se casó con la húngara Romola de Pulszky, bailarina de la compañía; Diaghilev al conocer el hecho despidió a ambos.
Nijinsky volvió a Londres, organizó una pequeña compañía y bailó en el Palace Theater; luego viajó con su esposa a Austria donde los sorprendió la Primera Guerra Mundial y por ser ruso fue confinado primero en Budapest y luego en Viena. El encierro agravó los trastornos mentales del bailarín.
En 1917 Vaslav y Romola regresan a Europa. Nijinsky no volverá a actuar como bailarín.Se establecen en San Moritz. En su retiro en los Alpes suizos comienza una intensa fase
creadora, que coincide en el tiempo con el inicio de su enfermedad. Allí trabaja en notaciones y en proyectos para ‘poemas coreográficos’ y comienza a dibujar intensamente con lápiz y ceras.
Luego de su liberación, hizo una gira por toda América pero su complejo de persecución se agudizaba; de regreso a Europa bailó en España y luego viajó con su esposa a Suiza donde fue necesario recluirlo en un sanatorio.
Sus últimos años los pasó en Londres en una situación emocional deteriorada. Murió en esta ciudad en 1950.
INTRODUCCION A LA EXPOSICION:
Nijinsky además de ser un gran bailarín y coreógrafo creo a partir de 1917 una serie de
dibujos en color, cera y lápiz. Son cercanos al arte parisino moderno de su tiempo.
La estructura de dicho dibujos consisten en círculos y elipsis, que representan el ritmo y el
color de las intensas emociones que el baile conlleva. A cuadros figurativos le siguen
representaciones abstractas, lineales y superficiales; que muestran su patrón persecutorio con
la plasmación de formas lineales que parecen ojos.
Sus pinturas muestran formas circulares giratorias, arcos, espirales y curvas de oscilación
melódica. Las obras inspiradas por la música, reivindican absolutamente los colores
puros, liberados de su función de representación.
Frantisek Kupka (1871-1957):
En Kupka encontramos un novedoso vocabulario formal que
mostraba un profundo parentesco con las innovaciones decisivas de
Nijinsky para la coreografía del ballet.
La música y la danza, esa expresión elemental arcaica del cuerpo
humano, marcaron para el un camino que desembocaba en la
abstracción. Kupka traslada al lienzo el ritmo y los movimientos
giratorios del cuerpo que danza, que en su aceleración se convierten
en alocada confusión de superficies de color. En sus estudios para
“alrededor del punto” se encuentran cuerpos individuales que giran
bajo el embrujo de la música y se convierten en patrones circulares.
Las faldas de vuelo circular de las bailarinas, representadas a vista de
pájaro, se han transformado en elementos circulares que parecen girar
como planetas entorno al sol. En estos cuadros el espectador pierde la
escala del acontecimiento que representan. A penas puede dilucir si
tiene ante sus ojos un sistema solar en rotación o bailarines vistos
desde arriba.
“Forma de amarillo (Notre Dame)”, 1922 Oleo sobre lienzo.
Fundación de arte Merzbacher. Es el título de la primera obra que
muestro a la derecha de la diapositiva.
Alexandra exter (1882-1949):
Mas alla de los límites entre generos, a Nijinsky y
Exter les unía un marcado sentido del ritmo y del
movimiento; apreciaban la tonalidad de los colores puros
constrastados, intensificada por el color negro.
Exter experimento una evolución de su estilo mas o
menos escalonada en el tiempo. La ciudad construida y
los estimulos visuales de la vida moderna en la gran
ciudad fueron para Exter una fuente inagotable de
inspiración estética. Sus cuadros de ciudades casi
abstractos se construyen a partir de cascadas de colores
que, mas que precipitarse, parecen
ascender, contraviniendo la ley de la gravedad.
Como origen del festivo colorido y la agitación de la
pintura de Exter se ha remitido al colorismo del arte
popular ucraniano y del Barroco. Algunos de sus cuadros
de ciudades, en los que los círculos y segmentos
circulares de colores evocan el encanto resplandeciente de
la luz eléctrica durante la noche, se han puesto en relación
con los experimentos orfisticos de su pareja de amigos
artistas, Robert y Sonia Delaunay.
Vladímir Baranov-Rossiné: (1888-1944):
Su convencimiento de la existencia de una relación
entre las leyes y estructuras musicales y pictóricas –
que compartió, por ejemplo con Vasily Kandinsky y
Alexander Skriabin- desemboco en su invención del
piano ortofónico: al tocar las teclas de este instrumento
se activa una proyección de luz que atraviesa una serie
de discos de colores transparentes giratorios.
Tras algunos tanteos tempranos de estilo
cubista, acabo por asumir el orfismo de Robert y Sonia
Delaunay con quienes mantuvo amistad.
El ritmo se convierte en el tema central de sus
pinturas y esculturas. Las figuras constituyen con
frecuencia el centro del universo en sus obras. En
ninfas y centauros las fascinantes fantasías se inscriben
en una ornamentación circular multicolor que las eleva
a un orden superior. Con medios pictóricos, Baranov-
Rossiné creó espacios completamente nuevos, repletos
de palpitantes energías que abren dimensiones
infinitas.
Sonia Delaunay-Terk: (1885-1979):
Sonia participa activamente en la teoría de la pintura
Simultánea desarrollada por su marido Robert, que se basaba
en un en un estudio aparecido en París en 1839, titulado
Sobre la ley del contraste simultáneo de los colores,
del químico Michel Eugène Chevreul. El gran afán artísticos
de Sonia fue extender la teoría de la coloración simultánea a
todos los ámbitos de la configuración estética.
Gracias a las posibilidades de combinación, los colores
hacen surgir sobre la superficie de un cuadro un “movimiento
perpetuo” y una “simultaneidad rítmica”. De ese modo,
sirviéndose de la combinación de los colores según la teoría cromática de Chevreul, define la danza de
los colores en diferentes ritmos sobre la superficie de un cuadro.
En cantaor de flamenco los círculos que rondan las cabezas de los personajes muestran la fluidez de
los límites entre la persona y el espacio. Además, el diseño de esta pintura se basa en un experimento
técnico. Sirviéndose de cera, a la que aplican calor para obtener una superficie lisa de contornos
suaves, Sonia logra exactamente el efecto descrito por Robert de relaciones espaciales fluidas.
Con su obra, que abarco varios géneros, es una de las artistas modernas mas destacadas del s.XX