INSTITUCIÓN EDUCATIVA BARRIO SANTA CRUZ

2011

TEATRO PREGUNTAS GENERADORAS

Margarita María Mejía Román

[ E S C R I B I R L A D I R E C C I Ó N D E L A C O M P A Ñ Í A ]

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TEATRO 2011

INSTITUCIÓN EDUCATIVA BARRIO SANTA CRUZ

2011

Fuentes Consultadas:

Gómez Martínez, José Luis. 2005-2010. Introducción a la Literatura. Introducción al a

Literatura. [En línea] Dynamic Quest, 2005-2010. [Citado el: 3 de mayo de 2011.]

http://www.ensayistas.org/curso3030/. 0-9763880-5-7.

Jean, Jonvent. El teatro y su Historia. Origenes del teatro. [En línea] [Citado el: 3 de mayo de

2011.] http://www.bambalinasteatro.com.ar/downorigenes.htm.

Manuel, Alfaro Rodriguez Juan. 2006. Cartelera teatro off. Mexico: La adaptación en el Teatro.

[En línea] 16 de marzo de 2006. [Citado el: 3 de mayo de 2011.]

http://www.cartelerateatroff.com.ar/verNoticia.asp?id=42.

Separata de Castillo,G. Y Otros . 2005. Guías de aprendizaje para una escuela de anticipación.

[En línea] CPEIP, 2005. [Citado el: 4 de mayo de 2011.]

Sieduca. 2005. Sistema de formación para la vida. Preparación de una obra de teatro. [En

línea] 2005. [Citado el: 4 de mayo de 2011.] http://www.si-educa.net/basico/ficha510.html.

NTRODUCCIÓN A LA OBRA DRAMÁTICA Y SU REPRESENTACIÓN

En el estudio introductorio a los géneros literarios, distinguíamos cuatro

objetivos fundamentales en el acto de comunicación, que son también el

origen de los géneros literarios: personal (poesía

lírica), mimético (narrativa), persuasivo (ensayo), y dramático (teatro).

Pero mientras en los tres primeros géneros literarios el acto de comunicación se

establece a través de la palabra escrita, la obra dramática (obra de teatro) se

escribe fundamentalmente con el objetivo de que sea representada. Las

palabras drama y teatro, que tienen un origen griego, hacen referencia al acto

de representación: drama significa acción, actuar; teatro significa contemplar,

espectáculo. Todavía hoy día llamamos teatro al lugar donde se representan las

obras dramáticas u obras de teatro. En estas dos palabras, teatro y drama, se

encuentra también la esencia del concepto híbrido del género, pues implican:

lectura y representación, autor y director, lector y público, actor y personaje.

Aunque en los cursos de literatura la obra de teatro se nos presenta como un texto

que leemos, debemos recordar que se escribe para ser representada y que una

lectura crítica debe tratar de visualizar dicha representación.

I

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TEATRO 2011

PREGUNTAS GENERADORAS

1. ¿En qué sentido hablamos del “concepto híbrido” de la obra de teatro?

Mientras la poesía, la narrativa y el ensayo se construyen a través de palabras, en

la obra teatral la palabra es únicamente una parte de la totalidad; es decir, es sólo

una de las dimensiones de la representación. En los otros géneros literarios se

trata de la palabra escrita; en la obra de teatro se trata de la palabra

representada (la palabra interpretada a través de cualidades fónicas precisas,

acompañadas de gestos, silencios, movimientos, etc.). Quizás podemos comprender

mejor el contexto híbrido de la obra teatral si la consideramos un punto

intermedio entre la pantomima, una representación donde se omite la palabra, y

la narrativa, la palabra sin la representación. Los tres textos nos cuentan

una historia: la narrativa tiene la palabra sin la representación explícita; la

pantomima es representación sin la palabra; la obra de teatro ocupa una posición

intermedia, pues es la palabra representada. Los tres esquemas que incluimos en

este estudio introductorio explican de modo gráfico este carácter híbrido de la

obra dramática: el primero es una representación esquemática del carácter híbrido

de la obra de teatro; el segundo se centra en el texto escrito; y el tercero en la

representación.

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TEATRO 2011

2. Si la obra de teatro se caracteriza por la palabra representada ¿Quién es

el destinatario?

La naturaleza híbrida, palabra representada, de la obra de teatro posibilita

también dos destinatarios claramente diferenciados: el lector y los espectadores.

Como texto escrito, difundido en libros, la obra de teatro tiene siempre como

destinatario a posibles lectores. Hay también obras de teatro que nunca llegaron a

ser representadas. El lector común tiende a leer la obra de teatro como una

expresión de la narrativa; en este caso las direcciones de escena representan una

forma peculiar del narrador, y la lectura se manifiesta como experiencia individual.

El director de una obra de teatro es primero un lector del texto.

Como palabra representada, o sea, como espectáculo, el destinatario deja de ser

individual. La obra representada necesita del complemento de un público que

reacciona ante lo que ve y oye, a la vez que forma un lazo de unión entre los

espectadores y actores-personajes.

3. ¿Por qué la división entre texto primario y texto secundario, si nosotros

leemos las direcciones de escena como la voz del narrador?

Sí, eso sucede cuando leemos la obra de teatro. La clasificación entre texto

primario y secundario no se refiere al contenido ni a la obra leída, sino a la realidad

de la obra representada: el texto primario son las palabras habladas; el texto

secundario no se pronuncia, son direcciones de escena que guían al director y a

los actores en la representación de los personajes y de las palabras habladas.

¿En qué consiste el texto primario?

El texto primario son las palabras representadas en el escenario y que según su

función podemos clasificar de distintos modos (haga clic en cada uno de los

siguientes términos para obtener un desarrollo más amplio con numerosos

ejemplos):

Diálogo entre los personajes: Suele ser la parte más significativa del texto

primario.

Acción referida: cuando uno de los personajes nos narra algo que sucede

fuera del escenario o en el pasado. Es el momento cuando la obra de teatro

se aproxima más a la narrativa.

Acotaciones habladas: denominamos así a las direcciones de escena que

están integradas en el diálogo entre los personajes.

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TEATRO 2011

Monólogo: lo denominamos también soliloquio, para representar esos

momentos cuando uno de los personajes está hablando solo; se trata de los

pensamientos de un personaje dichos en voz alta.

Apartes: una de las convenciones del teatro, mediante la cual uno de los

personajes puede hablar a otro personaje o al público, y se asume que los

demás personajes en escena no pudieron oír las palabras.

¿A qué denominamos texto secundario y cómo podemos reconocerlo?

Como señalamos anteriormente, el texto secundario es la porción del texto escrito

que no se pronuncia durante la representación y que sirve de guía para la

construcción del espacio escénico y para la representación.

Estos textos se denominan Acotaciones o direcciones de escena y normalmente

están escritos en letra cursiva y entre paréntesis (italics). Hay obras de teatro

que no poseen acotaciones o que tienen muy pocas.

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TEATRO 2011

4. Antes se explicó la “acción referida” como una narración ¿cómo

diferenciamos la obra teatral de los demás géneros literarios?

Recordemos que la clasificación de los textos literarios en géneros es sólo un modo

de aproximarnos a la obra literaria. En el caso particular de la obra de teatro, la

única diferencia es la intención implícita de que se escribe para ser representada.

Fuera de esta diferencia que se manifiesta en la forma y en el destino final, la

obra de teatro es una dramatización de la palabra, independiente del género

literario con que pueda ser asociada. Por esta misma razón, las consideraciones en

cuanto a los recursos retóricos estudiados en los demás géneros, se aplican

igualmente a la obra de teatro. En el pasado, durante el siglo XVI y XVII, en el

momento en que triunfaba la comedia española, las obras de teatro se escribían en

verso. El romance, la redondilla, el soneto y la octava real constituían formas de

versificación que representaban convenciones precisas de la obra de teatro. La

reflexión del ensayo y la motivación al diálogo han estado presentes en el teatro en

todos los tiempos: desde el carácter filosófico de la obra de Calderón en el siglo

XVII, a la reflexión del teatro del oprimido de Augusto Boal en nuestros días. Pero

entre todos los géneros literarios, la narrativa es el género más próximo a la obra

dramática. La obra de teatro comunica también una historia, aunque sea

representada (con frecuencia tiene igualmente partes narradas). Y, como historia,

posee, igual que la narrativa, un desarrollo, un clímax, puntos decisivos, desenlace,

etc. Como la narrativa, la obra de teatro desarrolla también su historia con el

artificio de un discurso, donde a la trama se unen los múltiples recursos de la

representación (luces, vestuario, tono de voz, silencios, etc.), para dar lugar a una

interpretación explícita.

5. ¿Qué quiere decir una interpretación explícita?

La representación de una obra de teatro es ya una interpretación del texto escrito

y como tal contiene elementos que no están o pueden no estar en el texto escrito

(tanto en el texto primario como en el texto secundario). No nos referimos ahora a

las modificaciones en el texto que pueda introducir el director, sino a elementos

implícitos en el texto escrito, como el vestuario, el maquillaje, los sonidos, las

luces, el tono de la voz, entre otros. Todos estos elementos, como ya señalamos,

pueden estar implícitos en el texto escrito, pero dependen de la imaginación de

cada lector. La obra representada nos presenta la “imaginación” de un lector en

particular: el director de la obra teatral. En este sentido la obra representada es

ya una interpretación de la obra escrita. Las palabras habladas pueden ser las

mismas, pero los personajes se mueven en el escenario y, junto a las palabras, se

comunican con los espectadores a través de sus gestos, movimientos, tono de voz,

silencios y el diálogo sin palabras con que las personas interaccionan entre sí. Por

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TEATRO 2011

esta misma razón, una obra de teatro puede tener múltiples posibles puestas en

escena: múltiples interpretaciones de un mismo texto.

Es importante conocer el contexto de una obra teatral antes de intentar una

modificación.

Existe un aspecto prácticamente consultado por los directores de teatro, de

cualquier época y lugar - salvo rarísimas excepciones - y es el de la adaptación de

un texto, ya sea de autor vivo o muerto.

En el teatro es posible observar cambios de época, de lugar, de personajes y hasta

de situaciones concretas, que el espectador común no detecta del todo, dado que

no conoce los textos originales o no tiene referencias previas (haber visto la obra

antes, con otro reparto, director).

Cuando un director decide adaptar parte de un texto, ya sea porque no tiene los

recursos para conseguir el vestuario y/ la escenografía de la época (cosa que

sucede muy seguido con el teatro independiente), no cuenta con suficientes

actores para integrar el reparto original o simplemente, quiere dar una referencia

más cercana al espectador, debe tomar en consideración las consecuencias que

esto conlleva, si desea que su trabajo sea respetable.

Por ejemplo, si alguien decide adaptar un diálogo o modificar el nombre de un

personaje, en una obra que está situada en una época con referencias específicas,

deberá revisar el resto del texto para verificar que su adaptación no se salga de

contexto.

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TEATRO 2011

6. Si toda representación es ya una interpretación, ¿cómo se caracteriza la

relación entre el dramaturgo y el director?

El dramaturgo es el autor de la obra, es el creador del texto. Como señalamos

antes, el dramaturgo crea su texto para ser representado; es decir, desde el

comienzo el texto posee dos dimensiones precisas: La dimensión literaria y

la dimensión espectacular. Con la expresión dimensión literaria nos referimos

principalmente al texto primario. La dimensión espectacular es el texto (primario y

secundario) más el espacio escénico. El director, que es primero un lector, al poner

en escena una obra de teatro, va a interpretar el texto y las direcciones que

proporciona el dramaturgo, pero las direcciones de escena y el texto mismo limitan

su participación a una interpretación.

Comprendo la diferencia entre dimensión literaria y dimensión

espectacular

Muchos de los elementos de la representación se encuentran ya presentes en el

texto primario. Lo mismo que en poesía hablamos de sílabas y estrofas como

unidades estructurales del poema, en la obra de teatro la unidad más simple es

la escena, luego la obra se estructura en actos. Las escenas cambian cuando los

personajes entran o salen del escenario (el escenario es el lugar donde se

representa la obra). La escena, en este sentido, además de la unidad estructural de

la representación, es también la unidad que establece el ritmo en el que ha de

proceder la representación. Así, incluso las obras de teatro que no incluyen

explícitas direcciones de escena, determinan el ritmo de la obra representada

según el modo como agrupan el diálogo en escenas.

7. El director sigue e interpreta las direcciones del dramaturgo ¿cómo

construye luego la representación?

En efecto, el dramaturgo proporciona la estructura de la obra en escenas y la

división en actos. También contiene referencia al espacio referido a través de

la acción referida que los personajes intercalan en su diálogo. La función del

director es estructurar todos esos elementos a través de

actantes (actantes pueden ser los personajes, la utilería, los sonidos, las luces,

vestuario, coreografía, etc., incluso el público: todo aquello que interviene en

la representación de la obra). No obstante, para los efectos de esta introducción

vamos a distinguir entre los actores y los actantes. Los actores son las personas

que bajo la dirección del director y la guía del dramaturgo (a través de

las acotaciones), van a representar la palabra escrita (los elementos verbales),

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TEATRO 2011

interpretada con elementos mímicos, para crear los personajes que van a

representar la historia. Vamos a reservar el término de actante para aquellos

elementos (objetos, sonidos, luces, etc.) que pueden adquirir durante la

representación la categoría de personaje (bajo el término actante exponemos

numerosos ejemplos de los textos incluidos en este curso).

8. ¿En qué sentido puede ser el público un actante?

Mientras la obra leída suele ser un acto individual, la obra representada es siempre

un acto colectivo. El público que presencia una representación participa con

frecuencia en el desarrollo de la obra a través de sus reacciones colectivas: risa,

silencio, exclamaciones de sorpresa, de miedo, etc. Sobre todo en el siglo XX,

el teatro experimental incluía en el texto secundario indicaciones para provocar o

interactuar con el público. Con este propósito se experimenta también con la forma

y el emplazamiento del escenario.

9. Las consideraciones expuestas hasta aquí parecen también coincidir con las

representaciones cinematográficas ¿existen diferencias entre ambos modos de

representación?

Es cierto que en ambos casos se trata de la palabra representada, pero el arte

cinematográfico merece un capítulo aparte que sale fuera de los objetivos de este

curso de introducción a la literatura centrado en la palabra escrita. No obstante, sí

que conviene mencionar dos diferencias básicas entre ambas representaciones. Una

tiene que ver con la técnica y la otra con el uso que se hace de dicha técnica. Con la

primera aludimos a la eliminación de los límites que impone un escenario físico:

todo espacio referido puede ser representado en la obra de cine. La segunda

diferencia se refiere a la substitución de nuestro campo visual por el campo visual

de la cámara. Examinemos esta relación en tres niveles de interpretación: a) el

texto escrito; b) la representación en una sala de teatro; y c) la representación

cinematográfica.

A) El texto escrito impone un mínimo de obstáculos a nuestra interpretación sobre

la apariencia de los personajes, cómo se mueven, cómo se visten, cómo reaccionan,

El lector posee un máximo de libertad al interpretar la obra escrita.

B) En la obra de teatro el director interpreta el texto, pero nosotros, como

público, tenemos libertad individual de concentrarnos en partes del escenario, en

uno u otro personaje, en su movimiento o en sus expresiones faciales.

C) En la obra cinematográfica el punto de vista de la cámara decide qué es

importante, así, por ejemplo, se enfoca en la expresión de una cara, pero nos

impide ver todo lo demás que podía estar sucediendo en la escena.

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10. ¿Cómo se escribe un Guión?

Las etapas para escribir un guión

Para estructurar un mensaje es imprescindible saber qué se quiere expresar a

través de él. Aquí entra en juego la cantidad de conocimientos del guionista

sobre lo que escribe. El guionista antes de dar un orden al mensaje debe tener

su mente repleta de información sobre el tema.

El conocimiento puede venir de muchas fuentes: la experiencia personal, el trato

con los demás, la lectura de prensa o literatura, el visionado de fuentes

audiovisuales o el acceso a información de las grandes redes informáticas. Todo

ello puede englobarse en una labor investigadora y dentro de ella una labor de

documentación. Se habla de investigación porque tanto las entrevistas

personales como la visita a hemerotecas forman parte de ella.

Cuando se escribe un guión se hace en varios tiempos que corresponden a

diferentes escalas o tramos de un guión.

«Sinopsis». Es un resumen muy breve del relato, que sirve para que el productor

se fije en la idea. Suele tener unas pocas páginas.

«Redacción novelada o Tratamiento». Es la redacción del relato como si fuera

una descripción novelada, de forma lineal en cuanto a la visión que la futura

presentación va a dar.

«Guión literario o continuidad dialogada», cuando la redacción novelada se

convierte en secuencias y escenas, en las que los diálogos y la explicación de los

lugares de acción, lugar y tiempo son especificadas con claridad.

«Guión técnico»: Es muy variada su forma de realización. Su base es el «Guión

literario», que se divide en planos, escenas, secuencias, siendo en realidad un

montaje en borrador.

La estructura del guión

Un guión se divide en secuencias, que son como los

actos de una obra de teatro. Cada secuencia lleva

un encabezamiento que indica el lugar y el

momento en que se va a desarrollar. La secuencia

se subdivide en escenas. Cada escena comprende

uno o varios planos, rodados en el mismo ambiente

y con los mismos personajes.

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TEATRO 2011

La estructura del guión, como se dice más arriba, no tiene normas objetivas.

Cada director, productor o guionista, las más de las veces en conjunto, deciden

aquello que es necesario que conste en el guión.

Un guión puede comenzar así:

«Secuencia 1ª' Entrada del Zoológico. Exterior. Día». Eso quiere decir que hay

que rodar la primera secuencia en el exterior de un parque de zoológico, durante

el día.

A continuación se describe la acción de la secuencia. Cuando hablan los

personajes que intervienen en la acción, se destacan de manera clara sus

diálogos.

Cada vez que cambia el lugar donde se vaya a rodar la escena, o el tiempo -día o

noche-, se pasa a otra secuencia.

11. ¿Cuál es el Origen del teatro?

ORIGENES DEL TEATRO

El teatro nace en Grecia, pero antes de su nacimiento ya existían

manifestaciones teatrales en el mundo: los bailes, las danzas, que constituyen las

más remotas formas del arte escénico. Estas primeras manifestaciones

dramáticas son las prehistóricas danzas mímicas que ejecutaban los magos de las

tribus, acompañándose de música y de masas corales en sus conjuros con objeto

de ahuyentar los espíritus malignos, y otras pantomimas y mascaradas, así como

las danzas córicas en honor de Dionisos, renovación del culto de Príapo, que se

celebraba al pie de la Acrópolis de Atenas.

La estatua de Baco era llevada procesionalmente, entre himnos al macho cabrío

que era sacrificado al retorno de la procesión, en un altar colocado bajo una

encina. Los himnos, entonados por sátiros y náyades que no cesaban de danzar

durante el trayecto, eran de un poeta del Peloponeso, llamado Arión, que puede

ser considerado el precursor de los autores dramáticos.

Estos festivales fueron luego modificándose, y se introdujeron, en lugar del ya

anacrónico mito, héroes y reyes, primera piedra del arte escénico, colocada casi

simultáneamente por Tespis, por Epigenes y por Arión.

El ballet, es, pues, la primera manifestación teatral que se conoce, y la única que

existe todavía en los países salvajes o de rudimentaria civilización.

Con anterioridad a Tespis, el teatro se reducía a un corifeo que narraba las

aventuras de un héroe o de un dios y un coro que le acompañaba y le interrumpía

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TEATRO 2011

de vez en cuando con preguntas y con exclamaciones de júbilo o de dolor. Tespis

imaginó representar al héroe, encarnarlo.

Tespis era natural de Icaria y nació hacia el año 540 antes de Jesucristo.

El maquillaje en su más rudimentaria forma surge, también con Tespis, que

obligaba a embadurnarse el rostro con las heces del vino a todos los

componentes del coro.

Primero hubo un solo actor –corifeo-, y sólo necesitaba una mesa junto al altar

de Dionisos para dialogar con los chorentae, mesa o carro que se colocaba en el

centro de la orchestra. Cuando, aumentan los actores la mesa se convierte en

plataforma, y al fin la importancia de la representación requiere ya una

habitación o barraca donde los actores se disfrazan. También entonces se

levantan gradas de madera para el público, ya que éste aumenta cada vez más y

ya no puede situarse en filas, de pie, alrededor del altar (thymele).

Parece ser que un día, representándose obras de Esquilo y Pratinas, se hundieron

las gradas. Ante el temor de que pudiera repetirse la catástrofe, se acordó

construir, con planos de Anaxágoras y Demócrates, un teatro con graderío de

piedra.

Vitrubio, en su libro V, describe las tres partes principales del teatro griego:

el muditorio, la orchestra y la barraca o scena.

Las localidades estaban colocadas en semicírculo, apoyadas sobre la pendiente

rocosa de la Acrópolis. Al final del graderío existía una columnata y detrás

continuaban los asientos. En el centro de la orchestra estaba el altar de

Dionisos. A su alrededor danzaba el coro.

La scena estaba enmarcada por tres muros. Uno de frente y otro a cada lado. El

muro del centro solía adornarse con columnas, estatuas y frisos. Tenía tres

puertas. Por la central, de mayor tamaño, entraban los dioses y los héroes. Las

otras dos eran para los personajes secundarios. En los muros laterales había

también sendas puertas.

El teatro de Dionisos, cuyo emplazamiento se había perdido por completo con el

tiempo, fue descubierto en el año 1765 por el investigador R. Chandler,

prosiguiendo luego las excavaciones J. H. Strack en 1862 y Dorpfeld en 1886.

En la época de Sófocles ya existía el telón: una cortina doble que se desplegaba

hacia los lados. Los decorados -invención de Agatardo- estaban colocados a guisa

de forrillos, tras las puertas de enfrente. Estos decorados -prismas (periaktes)

atravesados por un eje- eran giratorios y en cada una de sus caras tenían

pintado un motivo diferente conforme a los tres géneros teatrales de entonces:

tragedia, comedia y sátira. Se suponía que la tragedia ocurría en templos o en

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TEATRO 2011

palacios; la comedia, en interiores, en calles, en plazuelas, en mesones; y la

sátira, en grutas o arboledas.

Había también una tarima pequeña con ruedas -enkyklema- que se hacía avanzar

desde una de las puertas del fondo y que servía para las escenas nocturnas,

desapareciendo cuando acababa la escena. Junto al enkyklema estaban

los exostras, cuyo uso es hoy desconocido, y una especie de tribuna -teologeión-

en la que aparecían las divinidades.

En el teatro de Atenas cabían 17,000 espectadores, en el de Dfero, 30,000 y

alrededor de las 35,000 personas en el de Megalópolis.

Había una silla reservada al sumo sacerdote y varios puestos de honor en torno a

él. El graderío recibía el nombre de "bajo" en los lugares reservados a los altos

dignatarios, "medio", el sitio que ocupaban los ciudadanos, y "alto", la parte de

las gradas destinadas a la plebe. En la parte más alta estaban los "pórticos",

cubiertos siempre y que se reservaban a las mujeres.

En estos teatros se habían introducido ya notables mejoras y adelantos. Eran ya

suntuosos y amplios y tenían abundantes recursos escénicos y decorados que aún

se perfeccionaron después, sobre todo desde que Apolodoro descubrió en el año

200 antes de Jesucristo las leyes de perspectiva.

Las primeras tragedias griegas ensalzaban las virtudes de los dioses. Esquilo

(525-456), Sófocles (496-406) y Eurípides (480-406) se inspiraron para sus

concepciones en los poemas homéricos, primer cantor de dioses, semidioses y

héroes. En la comedia griega se puede considerar tres etapas: antigua, media y

nueva.

La primera era esencialmente satírica. Los autores presentaban en escena,

perfectamente descritos, con sus nombres auténticos incluso, a los jefés de

Estado, a los filósofos, poetas, magistrados y generales. Muchos autores fueron

castigados por sus audaces mordacidades, entre ellos el poeta Eupolis, al que

Alcibíades mandó arrojar al mar.

Por fin se puso coto a estos desmanes cuando cayó el gobierno de Atenas en

poder de una oligárquica tiranía que empleó la censura, prohibiendo que se

llevasen a la escena personajes públicos.

De todos modos, no se consiguió que los autores desistieran de sus propósitos de

expresar lo que libremente sentían. Continuaron sus acres censuras a los

gobernantes y hombres de Estado, poniendo nombres supuestos a los

personajes, pero el público los reconocía fácilmente.

A este período pertenece la "comedia media". No duró mucho, sin embargo,

porque, considerando que era igualmente peligrosa, fue también prohibida.

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TEATRO 2011

Nació entonces la "comedia nueva", o de costumbres, que adquiere en Menandro

su expresión más completa. Son llevados al teatro, como medio de exposición, las

corrupciones y vicios de la sociedad.

La comedia carece del coro y, aunque no tiene ya el cariz personal de las

primeras obras griegas, conserva aún su prístico ímpetu henchido de aticismo.

El público griego gozaba también con el espectáculo de pantomimas y con el

"drama satírico", género bufo, cuyos personajes principales y obligados tenían

que ser satiricos y faunos.

Las representaciones empezaban muy temprano, poco después de la salida del

sol. El precio de las localidades, el teorikón, era de dos óbolos. Desde los

tiempos de Pericles el gobierno daba un óbolo para la entrada y otro para la

merienda a los pobres. Los gastos de sostenimiento del teatro eran sufragados

por los ciudadanos pudientes. Los que pagaban para el sostenimiento del teatro

se llamaban coregas, eran elegidos por los arcontes y tenían que mantener a los

individuos necesarios para componer el coro. Los coros entraban en concurso

antes de las fiestas y al sostenedor del coro que vencía se le colocaba una

corona de hiedra.

Esta costumbre se fue perdiendo a medida que el coro intervenía cada vez

menos en las representaciones dramáticas, quedando al cabo relegado a un papel

muy secundario: danzar y cantar en los entreactos.

En un principio, el autor y el actor eran una misma persona. Esquilo elevó a dos el

número de actores que intervenían en la representación dramática. En la época

de Sófocles eran tres ya los actores, e incluso más, ya que a veces sucedía que

en alguna representación se precisaban más intérpretes.

Esquilo nació en Eleusis el año 525. Fue Soldado y poeta. De él se ha dicho que su

lenguaje poético es inimitable, y su estilo uno de los más vigorosos que se han

conocido. Murió en Gela, cerca de Sicilia, el año 456. De las setenta u ochenta

comedias que escribió, apenas quedan hoy siete conocidas: Los persas, Las

suplicantes, Los siete contra Tebas, Prometeo encadenado, Agamenón, Las

coéforas, Las euménides...

Sófocles, nació en Colona, cerca de Atenas el año 496. Primero fue sacerdote y

el año 468 se reveló como autor dramático al serle premiada su

trilogía Triptolemo. Dotado de un espíritu renovador y revolucionario, su

aportación dramática significó un avance definitivo para el teatro griego.

Suprimió las enormes y ampulosas tiradas de versos; aumentó el número de

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TEATRO 2011

actores y dio a sus personajes cierta humanidad.

Escribió más de cien tragedias, aunque a nosotros sólo han llegado Edipo

Rey, Edipo en Colona, Ayax, Antígona, Electra, Filoctetes, Las traquinias... Sus

obras han sido vertidas a varios idiomas y se siguen representando en todo el

mundo.

Eurípídes nació en Salamina, el año 480. Fue pintor, orador, filósofo, poeta y

dramaturgo. Sus principales obras son: Ifigenia en Aulis, Ifigenia en

Táurida, Hipólito coronado, Alcestes y Las troyanas. Poética y literariamente

quizá sea inferior a Esquilo y Sófocles, pero teatralmente fue superior a ellos.

En Aristófanes se puede y debe considerar al político, al crítico y al satírico.

Como político escribió Lisístrata, Los acanienses, Los Caballeros yLa Paz. Como

crítico -duro, implacable- escribió: Las aves, Las ranas, Las nubes y Ceres. Como

satírico: Las avispas y Las junteras son las más características. Escribió poco en

relación con los demás y apenas queda una docena de obras suyas.

Aristófanes es quizás el menos interesante de todos ellos y alguna de sus piezas,

por ejemplo Lisístrata, es hoy irrepresentable a causa de la forma en que la

concibió y expresó. Está escrita de un modo áspero, crudo obsceno en muchos

momentos, y no se detiene ante ninguna expresión del lenguaje por fuerte y

atrevida que sea, ni ante ninguna escena más o menos inmoral.

12. ¿Cómo se prepara una obra teatral?

El teatro como arte comunitario por excelencia, permite el logro de una real

comunicación entre emisores (los actores) y receptores (el público), a través

de un mensaje (texto), mostrativo de una determinada realidad. Selección de

una obra dramática factible de montar.

Una representación consta sólo de dos elementos esenciales: actores y

público. La representación puede ser mímica o utilizar el lenguaje verbal. Los

personajes no tienen por qué ser seres humanos; los títeres o el guiñol han

sido muy apreciados a lo largo de la historia, así como otros recursos

escénicos. Se puede realzar una representación por medio del vestuario, el

maquillaje, los decorados, los accesorios, la iluminación, la música y los

efectos especiales.

Estos elementos se usan para ayudar a crear una ilusión de lugares, tiempos,

personajes diferentes, o para enfatizar una cualidad especial de la

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TEATRO 2011

representación y diferenciarla de la experiencia cotidiana, la preparación de

una obra teatral consiste en:

Lectura general de la obra y comentario

Valoración de la obra. Una vez leída la obra en conjunto se hará hincapié en los

valores que conlleva el texto, de su sentido de las ideas transmitidas y de sus

elementos más significativos. Ubicación espacio-temporal de la obra. La obra

debe ser representativa de una época determinada, visualizada a través de

lenguaje del texto y de las ideas implícitas en él. Análisis interno de la obra.

Análisis general del conflicto y de la acción dramático. El predominio de una

de estas instancias configura un drama de acción, de personaje o de espacio.

Lectura dramatizada

Se lee el texto preocupándose ahora de ir dándole un mayor sentido a las

diversas situaciones dramáticas. Guiados por el profesor los alumnos eligirán

los personajes, cuyo trabajo de profundización y estudio debe empezar a

realizarse.

Distribución de responsabilidades en el montaje

El profesor tiene que explicar que el montaje de una obra implica un trabajo

de carácter colectivo, en el cual todos los alumnos tendrán diferentes

responsabilidades, todas de igual importancia. Consideraremos:

1. 1. Director ayudante: aunque el profesor asumirá, en última

instancia, la dirección de la obra, habrá un director ayudante quien

colaborará con el director en la visualización del montaje. Es

fundamental un esquema de dirección, un establecer desde el inicio del

montaje la ubicación de los personajes, sus entradas y salidas, las

correcciones de sus movimientos, todo dentro de la mayor libertad

creativa asignada a los personajes-actores.

2. Productor: estará a cargo de la organización de la obra de teatro,

buscando las formas y medios más favorables para la puesta en escena.

3. Actores: son quienes finalmente tienen la responsabilidad del éxito de

la obra. Por eso, la elección de los personajes debe efectuarse en la

forma más idónea posible, considerando condiciones, responsabilidad,

capacidad de trabajo. Repitamos que no hay papel chico: todos tienen

igual importancia en el contexto general de la obra.

4. Escenógrafo: se preocupará de las diversas decoraciones del

escenario, lo que da lugar a que lea la obra y busque todos los signos

emitidos por el dramaturgo en el texto. Es preferible que se busque

una escenografía simple, sin complicaciones pero que ayude a la

comprensión de la obra por parte del público.

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TEATRO 2011

5. Maquillador: conseguirá los elementos indispensables para un mínimo

de maquillaje en los actores.

6. Iluminador: fabricará reflectores o tachos simples para crear una

atmósfera escénica especial. La utilización de la luz debe tener

relación con el climax creado en la obra con los momentos más

significativos en su desarrollo.

7. Encargado de la parte musical: puede que la obra exija una

determinada melodía o no la elija. En todo caso, la música que se utilice

debe tener relación con el sentido de la obra. Se preocupará de que el

sonido se proyecte en las instancias convenidas.

8. Encargado del vestuario: conseguirá el vestuario apropiado al tipo de

la obra y personajes, sin caer tampoco en la exageración ni

sofisticación. Un vestuario muy simple y cómodo para el accionar del

actor.

9. Tramoyista: estará a cargo del trabajo técnico del manejo de la

escenografía.

Ensayo

Cada uno de los ensayos se dividirá en tres partes fundamentales.

1. Ejercicios de preparación física. El director efectuará con los

actores breves ejercicios de respiración, vocalización, movimiento,

conocimiento del instrumento más significativo del actor: su cuerpo.

2. Ejercicios de improvisación. Se crearán diversas situaciones

dramáticas, breves, las cuales se actuarán.

3. Ensayo con el texto de la obra para que los actores vayan

memorizando el texto.

Preparar ensayos parciales

Según la obra estos ensayos parciales serán por escenas y o actos hasta llegar

a la totalidad.

Ensayo general

Tiene por finalidad mostrar la obra como si fuera el día del estreno, es decir

con todos los elementos configurados a través de las indicaciones anteriores.

Estreno de la obra

Se cumple el objetivo de la preparación de una obra de teatro: su

representación. Esta se optimizará en la medida en que cada uno de los

integrantes del curso cumpla con sus trabajos asignados y tome esta empresa

con la mayor seriedad.

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TEATRO 2011

En el siguiente enlace encontrarás más información y de manera recreada para

complementar la pregunta generadora

http://www.rmm.cl/usuarios/pponce/doc/200508251241020.56obrateatral.pdf