escultura monumental - galería de arte marlborough
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ESCULTURA MONUMENTAL
MARTÍN CHIRINO
JUAN GENOVÉS
RED GROOMS
DAVID RODRÍGUEZ CABALLERO
KENNETH SNELSON
JOSEP RIERA I ARAGÓ
TONY MATELLI
13 de febrero - 21 de marzo de 2020
Primera parte
Segunda parte
ESCULTURA MONUMENTAL
Magdalena AbakanowiczFrancisco Leiro
Antonio López GarcíaBlanca MuñozTom OtternessBeverly PepperGeorge Rickey
Martín ChirinoJuan GenovésRed GroomsTony Matelli
Josep Riera i AragóDavid Rodríguez Caballero
Kenneth Snelson
22 de abril - 5 de junio de 2021
Un año más tarde es un placer para nosotros retomar
la segunda parte de uno de los proyectos expositivos
más ambiciosos de Marlborough que se vio interrumpido
el 7 de marzo de 2020 por la pandemia COVID19.
La primera parte de la muestra, con obras de Antonio López,
Francisco Leiro, Beverly Pepper o Magdalena Abakanowicz,
se celebró entre el 13 de febrero y el 21 de marzo de 2020.
Volvemos a emprender el proyecto con mucha ilusión
del 22 de abril hasta el 5 de junio del 2021.
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MARTÍN CHIRINO
Martín Chirino (Las Palmas de Gran Canaria, 1925 - Madrid, 2019) es considerado uno de los grandes nombres de la escultura española del siglo XX. Chirino trabajó el hierro forjado como medio de expresión plástica, haciendo del Viento, la espiral, su “leit motiv”. Un motivo que el artista entendía como un signo atlántico, pero también mediterrá-neo; emulando la naturaleza de sus islas originarias. El viento surge materializado, captando lo intangible en la materia más condensada, el hierro. Fue cofundador del grupo El Paso, integrado por Antonio Saura, Rafael Canogar o Manolo Millares entre otros artistas. La fundación que lleva su nombre, la Fundación Arte y Pensamiento Martín Chirino, se fundó en el Castillo de la Luz en Las Palmas de Gran Canaria en el año 2015. El grueso de su escultura monumental en espacios públicos se encuentra en las Islas Canarias, aunque hay que destacar otras piezas preeminentes como las que se encuentran en la colección del New York Hospital (Nueva York, Estados Unidos), el Chrysler Building (Nueva York, Estados Unidos) la colección Renfe de Madrid o el Museo Middelheim de Amberes (Bélgica).
Cabe destacar su presencia en el panorama estadounidense a través de la exposición “New Spanish Paintigs and Sculp-ters” en el MoMA de Nueva York en 1960. De 1982 a 1992 fue presidente del Círculo de Bellas Artes de Madrid y director del Centro Atlántico de Arte Moderno de Las Palmas de Gran Canaria del 89 al 2002. En 2001 es nombrado Académico de Honor por la Real Academia Canaria de Bellas Artes de San Miguel Arcángel. Ha sido galardonado, entre otros, con el Premio Internacional de Escultura de la Bienal de Budapest (Hungría), el Premio Nacional de Artes Plásti-cas, el Premio Canarias de Artes Plásticas, la Medalla de Oro a las Bellas Artes, el Premio Nacional de Escultura de la CEOE, la Medalla de Honor del Círculo de Bellas Artes de Madrid y el Premio Artes Plásticas 2003 de la Comunidad de Madrid. En 2004 la Fundación Real Casa de la Moneda le concedió el Premio Tomás Francisco Prieto de medallís-tica, Premio de la Fundación Cristóbal Gabarrón de las Artes Plásticas (2008). Investido Doctor Honoris Causa por las Universidad de Las Palmas de Gran Canaria (2008) y por la Universidad Nebrija de Madrid (2011). En el 2014 es nom-brado Académico Honorífico de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando en Madrid. Su obra se encuentra en numerosas colecciones y museos entre los que cabe destacar: The Metropolitan Museum of Art, Nueva York, Estados Unidos; The Solomon R. Guggenheim Museum. Nueva York, Estados Unidos; Chase Manhhattan Bank, Nueva York, Estados Unidos; David Bright Foundation, Los Ángeles, Estados Unidos; Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid; Museo de Arte Abstracto Español, Cuenca; Museo de Arte Contemporáneo MACBA, Barcelona; IVAM Instituto Valenciano de Arte Moderno, Valencia; Museo Patio Herreriano, Valladolid.
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Alfaguara, 2005, hierro, 226 x 336 x 420 cm
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JUAN GENOVÉS
Juan Genovés (Valencia, 1930) es pintor, escultor y grabador. Su trabajo está marcado por la convicción sobre el poder transformador del arte. Formó parte de colectivos muy significativos en la España de posguerra: Los Siete (1949), Par-pallós (1956) y Hondo (1960). En este último grupo, Genovés desarrolló una pintura de carácter expresionista. En los últimos años ha dado un giro hacia la investigación del movimiento estático tanto en la pintura como en la escultura, la multitud se ha convertido en la referencia para hablar del problema de la pintura y el ritmo visual. El artista no comenzó a explorar el lenguaje escultórico hasta su madurez. Su obra tridimensional realizada siempre en metal (hierro, latón o acero) consta de superficies planas, plegadas y caladas con las figuras humanas que pueblan toda obra. Aquí, las multitudes de Genovés no son presencia, sino huecos atravesados por la mirada del espectador. La obra pública más importante de Juan Genovés es la escultura El Abrazo, realizada a partir de la pintura del mismo nombre, y que rinde homenaje a los abogados asesinados en el atentado de Atocha en 1977. El Abrazo es un símbolo de la concordia después de la Transición. Entre sus exposiciones individuales destacan: “Multitudes”, Moscow Museum of Modern Art, Moscow, Rusia (2019); “La intensidad del silencio”, Museo Patio Herreriano de Valladolid, Valladolid (2018); Marlborough Gallery, Nueva York, Estados Unidos (2016); “Juan Genovés. Multitudes”. Museo de Arte Contemporáneo Gas Natural Fenosa, MAC, La Coruña (2016); “Juan Genovés. Recent Paintings”. Marlborough Fine Art, Londres, Reino Unido (2014); “Crowds”, Centro del Carmen, Valencia (2013); Marlborough Gallery, Nueva York, Estados Unidos (2012); “Recent Paintings”, Marlborough Fine Art London, Londres, Reino Unido (2009); “Retrospectiva (1992-2002)”, Museo de Arte Moderno, Ciudad de México, México (2002). Su obra se encuentra en numerosas colecciones de todo el mundo como: MoMA (Nueva York, Estados Unidos), Guggenheim Museum (Nueva York, Estados Unidos), The Art Institute of Chicago (Chi-cago, Estados Unidos), IVAM (Valencia), Galleria Nazionale d`Arte Moderna (Roma, Italia), Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (Madrid). Ha sido galardonado con la Mención de Honor (XXXIII Biennale de Venecia, 1966), el Premio Nacional de Artes Plásticas (1984) y la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes (2005) y es Académico de Honor de la Real Academia de Bellas Artes de San Carlos desde 2017.
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Espéculo, 2013, aluminio, 250 x 320 x 125 cm
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RED GROOMS
La gran aportación de Red Grooms (Tennessee, Estados Unidos, 1937) al arte contemporáneo es el llamado esculto-pic-tograma, una vía de expresión entre la escultura y la pintura que permite al espectador caminar e interactuar con las pie-zas en un ambiente creado por el artista. Desde su llegada en 1957, la ciudad de Nueva York y sus habitantes han servido de inspiración a Grooms durante décadas. En 1975 creó una de sus piezas más emblemáticas, Ruckus Manhattan, una recreación de la ciudad de más de 1.000 metros cuadrados que fue visitada por más de 100.000 personas. A su trabajo se le han dedicado tres grandes retrospectivas en la Pennsylvania Academy of the Fine Arts, Filadelfia, Estados Unidos (1985); Whitney Museum of American Art, Nueva York, Estados Unidos (1987) y National Academy of Design, Nueva York, Estados Unidos (2001); esta última giraba en torno a su obra gráfica. Se le han concedido numero-sos premios, incluidos el Award of Honor, The Mayor´s Awards for Arts and Culture, (Nueva York, 1988), Art Masters Award for Sculpture, American Artist Magazine (Nueva York, 1996), Lifetime Achievement Award, National Academy of Design (Nueva York, 2003) y el más reciente, el 28 Annual Lifetime Achievement Award en escultura contemporánea (Nueva York, 2019). Su trabajo es parte de las colecciones permanentes de numerosas instituciones entre las que destacan: The Hirshhorn Museum and Sculpture Garden (Washington DC, Estados Unidos), Nagoya City Art Museum (Nagoya, Japón), Moder-na Muséet (Estocolmo, Suecia), Solomon R. Guggenheim Museum (Nueva York, Estados Unidos); Brooklyn Museum of Art (Nueva York, Estados Unidos), MoMA (Nueva York, Estados Unidos), National Portrait Gallery, Smithsonian Institute (Washington DC, Estados Unidos), Philadelphia Museum of Art (Philadelphia, Estados Unidos), Pennsylvania Academy of the Fine Arts (Philadelphia, Pennsylvania, Estados Unidos), Carnegie Museum of Art (Pittsburgh, Pennsyl-vania, Estados Unidos), The Art Institute of Chicago (Chicago, Illinois, Estados Unidos), Yale University Art Gallery (New Haven, Connecticut, Estados Unidos), Modern Art Museum of Fort Worth (Fort Worth, Texas, Estados Unidos), Museum of Contemporary Art (Los Ángeles, Estados Unidos) y Nagoya City Art Museum, Nagoya, Japón. El artista vive y trabaja en Nueva York. Entre sus últimas exposiciones individuales, podemos destacar: “Handiwork, 1955 – 2018”, Marlborough Contempo-rary, Nueva York, Estados Unidos (2018); “New York Red Grooms: New York On My Mind”, Marlborough Gallery, Nueva York, Estados Unidos (2017); “Red Grooms: Traveling Correspondent”, Memphis Brooks Museum of Art, Mem-phis, Tennessee, Estados Unidos (2016).
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Charleston, 2009, esmalte sobre aluminio, ed. de 2, 277 x 246 x 110,5 cm
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Flamenco Dancers, 2009, esmalte sobre aluminio, ed. de 3, 377 x 245 x 92 cm
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TONY MATELLI
Tony Matelli (Chicago, Illinois, Estados Unidos, 1971) es un escultor hiperrealista, su intención con su trabajo es comu-nicarse con el espectador de la manera más directa posible acortando radicalmente la distancia entre lo representado y la representación. Matelli busca la reacción empática del espectador, provocar emociones directas y establecer un vínculo cuando representa la figura humana. Cuando recurre a motivos de la Historia del Arte, como sucede en sus réplicas de estatuas clásicas, lo hace combinando este motivo con frutas para ofrecer un contraste radical entre lo inerte y lo vivo, entre lo eterno y lo perecedero. Un buen ejemplo es la pieza presentada en esta exposición, una Hera de piedra moldeada que simula una ruina romana semi destruida con unas frutas encima. Su Hera es una suerte de memento mori que parece burlarse del ideal humano de permanencia, contraponiéndolo a la exuberancia de las frutas mientras que, tanto la crea-ción artística como los elementos orgánicos, se descomponen. El escultor trabaja con diversos materiales como cemento, piedra, silicona o acero, pero principalmente bronce policromado. Entre sus exposiciones más importantes podemos destacar: “Past-Life”, Marlborough Contemporary, Londres, Reino Unido (2017); “Garden”, The Aldrich Contemporary Art Museum, Ridgefield, Connecticut, Estados Unidos (2017); “Realisms”, The State Hermitage Museum, San Petersburgo, Rusia (2016); “Garden”, Marlborough Chelsea, Nueva York, Estados Unidos (2015); “Tony Matelli: New Gravity”, The Davis Museum, Wellesley College, Massachusetts, Estados Unidos (2014); “Tony Matelli – A HUMAN ECHO”, Bergen Kunstmuseum, Bergen, Noruega (2013); “Tony Matelli - A HUMAN ECHO”, ARoS Aarhus Kunstmuseum, Aarhus, Dinamarca (2012); “Abandon”, Palais de Tokyo, París, Francia (2009); “The Old Me”, Leo Koenig Inc, Nueva York, Estados Unidos (2008); “Abandon”, Centre d’Art Santa Mònica, Barcelona (2005); “Abandon”, Kunsthalle Wien, Viena, Austria (2004) y la colectiva “Just The Facts”, Milwaukee Institute of Art and Design, Milwaukee, Estados Unidos (2017). Su trabajo se encuentra en colecciones de todo el mundo como: ARoS Aarhus Kunstmuseum (Aarhus, Dinamarca), ARKEN Museum of Modern Art (Ishøj, Dinamarca), Bergen Kunstmuseum (Bergen, Noruega), Bonnier Collection (Estocolmo, Suecia), CCA (Andratx, Mallorca), CURIOUSLY STRONG Altoids Collection New Museum (Nueva York, Estados Unidos), The Cultural Foundation Ekaterina (Muscú, Rusia), The Davis Museum (Wellesley, Massachusetts, Estados Unidos), FLAG Art Foundation, (Nueva York, Estados Unidos), Fundación La Caixa (Barcelona), FRAC (Bur-deos, Francia), Magasin 3 Stockholm Konsthall (Estocolmo, Suecia), MIT List Visual Arts Center (Cambridge, Massa-chusetts, Estados Unidos), Mudam (Luxemburgo), Musée d’art Contemporain (Montreal, Canadá), Museum Ludwig, (Colonia, Alemania), Museum of New Zealand Te Papa Tongarewa (Wellington, Nueva Zelanda), State National Centre of Contemporary Art (Moscú, Rusia).
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Hera (half), 2018, piedra moldeada y uretano policromado, 305 x 87,5 x 82,5 cm
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JOSEP RIERA I ARAGÓ
Josep Maria Riera i Aragó (Barcelona, 1954). Ingresa en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Barcelona el 1973. Durante la década de los 80 descubre su interés por los fondos marinos y el cielo como lugares por explorar ya sea a través de los submarinos, los zepelines o los aviones. Es durante esta época que comenzará a producir obras utili-zando restos de barcos desguazados y las hélices estarán cada vez más presentes en sus obras. Cada país que visita, ya sea Marruecos, Japón o Australia, lo inspira para crecer como artista mediante la experimentación con nuevas técnicas de creación. El reconocimiento a este artista catalán se palpa en la multitud de muestras internacionales que le han dedicado a su producción. Algunas exposiciones individuales en galerías y museos incluyen el Städtische Museen de Heilbronn y el Art Center de Berlin Friedrischstrasse (Alemania); la Fondation Van Gogh de Arlés (Francia) o el PMMK Museum vor Moderne Kunst de Ostende (Bélgica). La exposición “Riera i Aragó, Aguafuertes”, una selección de más de 60 aguafuer-tes, se expuso el 2012 en las sedes del Instituto Cervantes de diversas ciudades europeas.
La obra de Riera i Aragó forma parte de multitud de colecciones tales como: Ayuntamiento de Barcelona; Can Framis, Fundación Vilacasas; Can Mario, Fundación Vilacasas; Colección Institut d’Estudis Catalans; Colección Instituto de Estudios Norteamericanos; Colección Testimonio, Fundación La Caixa; Colección Bassat de Arte Contemporáneo; Co-lección Olor Visual; Colección Pere Serra, Soller, (Mallorca); Colección Rega, Zúrich (Suiza); Collectie NOG Van Het. SNS Reaal Fonds (Holanda); Fondation Vincent Van Gogh, Arlés (Francia); Fondo de arte del diario Avui; Fundación Joan Miró; Fundación Perramón de Ventalló Arte Contemporáneo; Fundación Fran Daurel; Fundación La Caixa, Jar-dines de Cap Roig; Museo de Arte Contemporáneo, MACBA; Musée d’art moderne André Malraux, MuMa, El Havre (Francia); Musée d’Art Moderne (Luxemburgo); Musée d’art Moderne de Ceret (Francia); Musée de Cotlliure (Francia); Musée Réattu, Arles (Francia); Museo de Arte Contemporáneo Union Fenosa; Museo de Historia de la Ciudad de Girona; Museum Otani, Nishinomiya (Japón); Ayuntamiento de Nishinomiya Hall (Japón); Reflex Museum, Ámsterdam (Holan-da); Städtische Museen, Heilbronn (Alemania) y The Boeing Company, Chicago, (Estados Unidos). Algunas de sus obras públicas más conocidas son: Submarí soterrat, Jardines de Hiroshima, Barcelona; Baix-relleu, La Rambla; Edificio Municipal, Barcelona; Gran submarí tou, Santander; Gran avió amb groc, Figueras, Gerona; Avió cansat, Merignac (Francia); Avió Najio, Nishinomiya (Japón); Baix-relleu de la Universitat Pompeu Fabra, Barcelona; Baix-relleu Ramón Llull, Facultad de Ciencias de la Comunicación Blanquerna, Barcelona; Arals, Mesen (Bélgica) y Arals Turf, Roosendaal (Holanda).
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Avión gran cola roja, 2005, bronce pintado, única, 240 x 195 x 28,5 cm
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DAVID RODRÍGUEZ CABALLERO
El escultor David Rodríguez Caballero (Palencia, 1970) trabaja el metal y el vinilo en formas abstractas cargadas de dinamismo que implican la luz y las sombras proyectadas, como elementos compositivos. Rodríguez Caballero llegó a la escala monumental gradualmente, primero desde la pintura, luego desde la escultura de pared y después exenta. Incorporar el elemento de la curva a un universo artístico fundamentalmente ligado al pliegue que en ocasiones remite a la papiroflexia, le hizo enriquecer esta tridimensionalidad. En sus esculturas pensadas tanto para interior como para exterior, el artista incorpora la luz como un material más, apagándola o generándola a través de estas curvas y pliegues. Entre sus exposiciones individuales más recientes destacan: “David Rodríguez Caballero: Alchemy in Motion”, Marl-borough Gallery, Nueva York, Estados Unidos (2019); “Scupltures and Drawings”, We Collect, County Hall, Londres, Reino Unido (2018); “El pliegue sobre el pliegue”, Museo Esteban Vicente, Segovia (2018); “Abstracciones Poéticas / Poetic Abstractions”, Galería Marlborough, Madrid (2017); “David Rodríguez Caballero. Danser La Sculpture”. Espace Meyer Zafra, París, Francia (2016); “Vinyls”, Marlborough Gallery, Nueva York, Estados Unidos (2016); “Citadelle”. Pabellón de Mixtos, Horno y Jardines, Ciudadela, Pamplona (2015); “Plier et Déplier”, Marlborough Mónaco, Mona-co, Monte-Carlo (2013); “David Rodríguez Caballero. Desarrollos: Ongoing pieces 2010-2012”, Galería Marlborough, Madrid (2012); “Los estados de la cruz: Luz y Geometría en el Claustro de la Catedral de Pamplona”, Pamplona (2011); “Glaciers/Glaciares”, Museo Würth, La Rioja (2011); “Interpretaciones. Un diálogo con Jorge Oteiza”, Fundación Mu-seo Jorge Oteiza, Alzuza, Navarra (2010). Su obra está presente en colecciones como Repsol (Madrid), Fundación Co-ca-Cola (Madrid), Museo Würth (La Rioja), Museo Patio Herreriano (Valladolid), Biblioteca Nacional (Madrid), Ayun-tamiento de Pamplona (Pamplona), Palacio de los Papas (Viterbo, Italia), Fundación Volksbang (Paderborn, Alemania), Museo de Navarra y la ISE Cultural Foundation (Nueva York, Estados Unidos y Tokio, Japón). Su exposición “Citadelle” (2015) se celebró en la Ciudadela de Pamplona, una fortificación militar renacentista cons-truida entre los siglos XVI y XVII. La muestra se componía de más de cien esculturas de aluminio, acero, latón o cobre repartidas por varios espacios de la Ciudadela y, a propósito de ella, se editó un gran catálogo a cargo del comisario y crítico de arte Kosme de Barañano. También ha sido galardonado con el Primer Premio Internacional de Grabado Bodegas Dinastía Vivanco (La Rioja, 2008), Primer Premio de la IX Mostra Colección Unión Fenosa (Museo de Arte Contemporáneo Unión Fenosa, 2006), Primer Premio de Pintura Volksbank Paderborn (Paderborn, Alemania, 1996).
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18.febrero.2015, 2015, aluminio, 400 x 76 x 70 cm
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KENNETH SNELSON
El estilo característico de Kenneth Snelson (1927, Pendleton, Oregón, Estados Unidos - 22 de diciembre de 2016, Nueva York, Estados Unidos) se manifiestan en redes de tubos y cables de acero inoxidable que se sostienen en disposiciones estructurales altamente tensionadas, a través del equilibrio de empujar y tirar de fuerzas integrales en los tubos y fuerzas de tensión en los cables. El escultor se formó en el Black Mountain College en Carolina del Norte, institución en la que enseñaba Joseph Albers, que también fue profesor en la Bauhaus, y el visionario arquitecto Richard Buckminster Fuller, creador de la cúpula geodésica. Snelson es el escultor que más eficiente y ampliamente ha desarrollado la llamada “Tensegridad”, una modalidad cons-tructiva basada en componer estructuras con barras que no se tocan entre sí y quedan unidas por medio de cables ten-sionados. El mejor ejemplo de esta vertiente es su Needle Tower, construida en 1968 y ubicada en el exterior del Museo Hirshhorn & el Sculpture Garden en Washington D.C., aunque el escultor ha pasado más de sesenta años explorando este camino artístico.
Otras obras públicas destacables son: Needle Tower, en la Colección Hirshhorn Museum & Sculpture Garden, Washing-ton, D.C., Estados Unidos; Free Ride Home, en la colección Storm King Art Center, Mountainville, Nueva York, Estados Unidos (1974); Mozart I, en la Universidad de Stanford, Palo Alto, California, Estados Unidos (1982); Forest Devil, en el Museum of Art, Carnegie Institute, Pittsburg, Estados Unidos (1975-77); Soft Landing, en Denver, Colorado, Estados Unidos (1982); Easy Landing, en la colección City of Baltimore, Baltimore, Estados Unidos y Avenue K, Hannover, Alemania (1968), entre otras. Snelson ha recibido numerosos reconocimientos y premios, incluyendo el Premio de escultura de New York State Coun-cil on the Arts (1971); American Institutes of Architects´s Medal (1981); Honorary Doctorare, Arts And Humane Letters, Rensselaer Polytechnic Institute, Nueva York, Estados Unidos (1985); American Academy and Institute of Arts and Humane Letters, Rensselaer Polytechnic Institute, Troy, Estados Unidos (1985); Lifetime Achievement Award, Interna-tional Sculpture Center (1999) y Elizabeth N.Watrous Prize, National Academy of Design, Nueva York, Estados Unidos (2002). Su trabajo puede encontrarse en colecciones públicas y privadas de todo el mundo, incluyendo: MoMA, (Nueva York, Estados Unidos), Whitney Museum of American Art (Nueva York, Estados Unidos), The Metropolitan Museum of Art (Nueva York, Estados Unidos), Dallas Museum of Fine Art (Dallas, Estados Unidos), Hirshhorn Museum and Sculpture Garden (Washington, DC, Estados Unidos), Staedelijk Museum (Ámsterdam, Holanda), Kroller-Muller Museum (Ot-terlo Holanda), Shiga Museum of Modern Art (Otsu, Shiga, Japón), Standford University (Palo Alto, Estados Unidos), Walker Art Center (Mineapolis, Estados Unidos) y, Albright-Knox Art Gallery, Buffalo, (Nueva York, Estados Unidos), The Art Institute of Chicago (Chicago, Estados Unidos), Frederik Meijer Gardens and Sculpture Park (Grand Rapids, Michigan, Estados Unidos), Carnegie Museum of Art, (Pittsburgh, Pennsylvania, Estados Unidos) y Walker Art Center (Minneapolis, Estados Unidos).
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Able Charlie, 1978, acero inoxidable y aluminio, 254 x 269 x 203 cm
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FOTOGR A F ÍA /
Pg. 4: Román Argenta
Pgs. 6,7: Oak Taylor-Smith
Pg. 8: Jordi Socías
Pgs. 11: Leonardo Villela / Unidad Móvil
Pg. 15: Jean Vong
Pgs. 17: Bill Orcutt
Pg. 22: Sara Riera
Pg. 25: Martí Gasull
Pg. 26: Mikel Ponce
Pg. 28: Juan García Rosell
Obras a la venta de:
Impresionistas y Postimpresionistas;
Maestros europeos del siglo XX;
Expresionistas alemanes; artistas americanos de la posguerra
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IMPR E S IÓN / Gráficas Castuera
MAQUETACIÓN / Jara Herranz
COORDINACIÓN DE CATÁLOGO / Anne Barthe y Sebast ián Sarmiento
COORDINACIÓN DE EXPOSICIÓN / Anne Barthe
ISBN: 978-84-17778-10-1
Depósito Legal: M-3878-2020
