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Actas del III Simposio FHD. To be or not to be.

El papel del diseño en la construcción de identidades. Barcelona: 12-13 de marzo 2020

1

Emigrantes y refugiados en el diseño mexicano.

Oscar Salinas

Introducción

¿Cómo se construye una identidad nacional, una identidad que marca un territorio y

caracteriza una época? Normalmente los grupos originarios de un espacio habitable van

construyendo al paso del tiempo una cultura a partir del roce social que unifica sus ideas y

su forma de vida. Pero también se ha logrado al aceptar, en casi todo el mundo, a

individuos o grupos humanos que se introducen en otra comunidad y los influyen de tal

manera, que se produce una simbiosis a veces afortunada, que define a partir de entonces a

una nueva cultura. De eso quiero hablar hoy al analizar la influencia de algunos destacados

emigrantes, que al integrarse a México provocan una interrelación que da paso a la base

conceptual de las primeras escuelas de diseño en el país.

Pero ¿Qué es lo que motivó a estos viajeros en busca de refugio y desarrollo, para escoger a

este país como punto final de su aventura?

En 1921, México superó la llamada Revolución Mexicana1, y el nuevo gobierno inicia una

estrategia para integrar a todos los ciudadanos a una nueva cultura, basada en una

revaloración de la historia y las tradiciones populares del país a partir de la unificación de

valores. Los objetivos del nuevo gobierno dieron paso a un sistema político que mezclaba

una ideología de izquierda, con el atractivo de un arte y una tradición popular que se

prolongaban hasta las culturas prehispánicas, que ahora eran rescatadas del olvido histórico

para ubicarlas como la simiente de una orgullosa identidad posrevolucionaria. Este

movimiento se expandió durante las décadas de los años treinta y cuarenta a buena parte de

la clase intelectual del país y se proyectó con fuerza hacia otras naciones que observaron

con aprobación en muchos casos, el movimiento social e intelectual que sucedía en México.

Es en este momento cuando se presenta el fenómeno que quiero analizar en este

documento. Durante los años treinta se produce un cambio social preocupante en diversas

partes del mundo y se presenta un clima de conflicto ideológico que desemboca en diversos

enfrentamientos bélicos –como La Guerra Civil Española, o la llamada Segunda Guerra

Mundial. Ante esta situación, fue inevitable que se iniciara la emigración de un gran

número de ciudadanos hacia zonas geográficas que les pudieran ofrecer no solo una mejor

1 La llamada Revolución Mexicana fue un movimiento armado iniciado en 1910 para destituir al

presidente Porfirio Díaz que mantenía el poder desde 1876. En 1911 Díaz es derrocado y exiliado, pero a

continuación se inicia una guerra civil que no concluye hasta 1920, en que el presidente Álvaro Obregón

termina con los caudillos y comienza la nueva era del presidencialismo institucional y una reforma social

que renovó la cultura mexicana.



2

posibilidad de vida, sino además la oportunidad de desarrollar un proyecto profesional,

como sucedió en el medio del arte, la arquitectura y el diseño.

En 1934 Lázaro Cárdenas, hombre que simpatizaba con las ideas del socialismo, es

nombrado presidente, y esto atrae aún mas a la clase artística e intelectual de diversos

países, que buscaba un nuevo espacio para desarrollar su vida en un clima de tolerancia y

simpatía por un trabajo inspirado en el folklore y la identidad de un pueblo dispuesto a

experimentar y valorar lo que aportara una generación de emigrados ilustres que había

encontrado en México un campo propicio para llevar adelante sus proyectos y ampliar sus

horizontes.

Los refugiados de España

A partir de 1939, ante la violencia de la guerra civil española, llegan a México tres notables

artistas gráficos. Josep Renau, Miguel Prieto y Vicente Rojo, a los cuales ya he analizado

en el Seminario Diseño y Franquismo de la Fundación Historia del Diseño2, realizado en

este mismo lugar, que lograron, al asimilar la cultura nacional, un sincretismo que impactó

de manera importante al medio cultural del país, e incluso influir de manera importante en

el surgimiento de la disciplina del Diseño gráfico a través de trabajos notables en los

medios de comunicación y la industria editorial; asimismo, impulsaron la preparación

práctica de jóvenes diseñadores de una primera generación, que después fue la base para la

formación del gremio de profesionales contemporáneos.

2 Véase Salinas, Oscar Por Franco. La diáspora del talento español a México. (Simposio Diseño y

Franquismo, Fundación Historia del Diseño, Barcelona, 2018).



3

Fig . 1: Josep Renau. Cartel para la película "Vértigo", 1945. IVAM. Depósito Fundación Josep Renau



4

Fig. 2: Miguel Prieto. Cartel "Ópera Nacional" INBA, programa, 1951



5

Fig. 3: Vicente Rojo. Portada de "Revista Artes de México", 1953

Colección particular

Los exiliados de la Bauhaus en México

En esta presentación, quiero referirme a seis miembros de la comunidad de la escuela

alemana Bauhaus que fueron: Josef Albers y su esposa Annneliese Fleischmann, conocida

como Anni Albers; Hannes Meyer y su esposa Helene Bergner, conocida como Lena

Meyer; y los exalumnos Michael van Beuren y Klaus Grabe. Tres profesores y tres

exalumnos de la histórica institución alemana, que tuvieron una presencia significativa en

México durante por lo menos dos décadas de la primera mitad del siglo XX.

Los Albers en México

Los primeros en llegar, fueron Josef y Anni Albers; en 1933 inician una nueva etapa

profesional en Los Estados Unidos de América como profesores en el Black Mountain

College de Carolina del Norte, y desde allí establecen contacto con México a partir de una

primera visita en 1935 y prolongan sus viajes, con estancias de varios meses, hasta 1967. El

impacto de la cultura mexicana provocó que con gran entusiasmo tanto Josef como Anni

decidieran inspirarse en las diversas expresiones artesanales y artísticas de un pueblo tan



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diverso y antiguo, al conocer y entender desde las altas culturas precolombinas, hasta el

trabajo de los artesanos con los que entablaron un diálogo muy productivo.

El resultado de este acercamiento generó un nuevo Josef Albers, pues sus fotografías, sus

muros de ladrillo, sus muebles, y principalmente sus pinturas con series como el "homenaje

al cuadrado", mostraron una simbiosis notable entre el diseño de los antiguos mexicanos y

las nuevas propuestas del arte abstracto, que lo proyectaron como uno de los grandes

artistas contemporáneos. En algunas cartas enviadas a su maestro, Wassily Kandinski, así

lo expresaron Josef y su esposa Anni, al comentar: “Art is everywhere!” o confirmar que:

“México, es verdaderamente la tierra prometida del arte abstracto”3.

Por su parte, Anni Albers, una de las mas destacadas diseñadoras de textiles en el siglo XX,

no solo se inspiró en los diseños mexicanos que pudo conocer tanto en museos donde pudo

observar y estudiar las manifestaciones mesoamericanas, como en la relación constante que

tuvo con los artesanos que producían cotidianamente y con gran calidad toda aquella

indumentaria que había heredado una riqueza técnica y estética acumulada por varios

siglos. Junto a su esposo, compartió el gusto de conocer y entender la cultura de México,

que le dio la posibilidad de experimentar con los tejidos tradicionales, y con esas

experiencias, Anni de inmediato generó nuevas obras inspiradas en sus experiencias, con

nombres en español que incluso fueron un franco homenaje a la cultura al llamarlas por

ejemplo, Monte Albán, o La luz. Su entusiasmo por la técnica, la composición y el uso de

los colores en los tejidos que en muchos casos tenían una antigüedad de hasta quince siglos,

la llevó en 1952 a viajar a Perú y Chile, en América del Sur, para seguir explorando junto a

Josef, los textiles de sus culturas precolombinas, también como inspiración para sus nuevos

trabajos sin perder la esencia de su estilo.

Al final, Los Albers , lograron una afortunada simbiosis con la cultura de México, y dejaron

múltiples ejemplos tanto en su obra como en el contexto del país que les ofreció una nueva

visión para la construcción de una identidad mas allá de la Bauhaus.

3 Danilowitz, Brenda. Anni y Josef Albers, viajes por Latinoamérica,

(The Josef and Anni Albers Foundation, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Colegio de San

Ildefonso, México, 2008), 3.



7

Fig. 4: Josef Albers. "Homenaje al cuadrado" 1949-1950

Archivos de la Fundación Josef y Anni Albers Fig. 5: Anni Albers . Estudio para "Camino Real", 1967

Archivos de la Fundación Josef y Anni Albers

Los Meyer en México

Hannes Meyer, segundo director de la Bauhaus, arribó a México en 1939 en búsqueda de

un país que pudiera ofrecerle un medio de desarrollo acorde con su ideología y la calidad de

su trabajo, como él lo mencionó posteriormente: "Las razones que me animan a mí y a mi

esposa (…) a inclinarme precisamente por México, radican en nuestra voluntad (ya

comunicada verbalmente a usted) de trabajar en un país socialmente progresista en donde

podamos dar lo mejor de nuestra experiencia profesional…”4

Meyer tuvo su primer contacto con México al aceptar la invitación para participar en el

XVI Congreso Internacional de Vivienda y Planificación que se realizó en 1938 en la

ciudad de México. Muy pronto recibió una invitación por parte del gobierno de este país

para colaborar como arquitecto y planificador urbanista en instituciones educativas y

oficiales, y al aceptar el ofrecimiento a partir de 1939, inició una estancia que se

prolongaría durante diez años. A pesar de que siempre tuvo puestos importantes, su obra

profesional fue escasa ya que su ideología continuamente lo ubicaba en una situación

difícil, pues por un lado su postura socialista lo enfrentó a los arquitectos que no aceptaban

el marxismo y frenaban sus proyectos, y por otro, los propios militantes socialistas

identificados con Trotsky que presionaban a los que se identificaban –este era el caso de

Meyer– como Estalinistas. Como resultado, el único proyecto que pudo realizar en su

diseño y construcción, fue un balneario, en el Estado de Morelos al sur de la ciudad de

4 Rivadeneira, Patricia. Hannes Meyer, vida y obra. (UNAM, Facultad de Arquitectura, México. 2004), 47



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México, que hoy sigue abierto al público, donde pudo aplicar la llamada integración

plástica que seguían varios de los mas reconocidos arquitectos del país, al incluir pinturas

murales y esculturas con un tema inspirado en el agua.

Fig. 6: Hannes Meyer

Panorámica del balneario "Agua Hedionda"

Fotografía de Oscar Salinas, 2018

Esta situación y su amistad con artistas plásticos radicales que reivindicaban la llamada

Revolución Mexicana que había acontecido entre 1910 y 1921, y al mismo tiempo luchaban

contra los nacionalismos que se acercaban peligrosamente al nazi–fascismo en Europa,

llevaron a Meyer a interesarse en el medio de difusión con que estos grupos mostraban sus

ideas, llamado Taller de la Gráfica Popular,5 que recogió la tradición y experiencia del

grabado europeo por su facilidad técnica y bajo costo, para exaltar el ejemplo de la

revolución armada que se había vivido recientemente y mostrar su postura ante la realidad

de una segunda Guerra Mundial que se aproximaba rápidamente.

Tanto Hannes como Lena participaron con entusiasmo y compromiso en el desarrollo de

esta organización de artistas plásticos durante toda su estancia en México de 1939 a 1949,

no solo realizando grabados sino participando también en diversos proyectos, como fue el

caso del Libro negro del terror nazi en Europa, realizado en 1943, que fue ilustrado y

diseñado por Hannes Meyer, o la fundación de la editorial La Estampa Mexicana bajo su

5 El Taller de la Gráfica Popular TGP, fue fundado en 1937, en la Ciudad de México, por los artistas gráficos

Leopoldo Méndez, Pablo O´Higgins, Angel Bracho y Luis Arenal, de ideología socialista, que utilizaron el

grabado ( xilografía y litografía ) con el objetivo de difundir sus ideas y preferencias políticas. Su gráfica de

tema social utilizó el realismo para llegar a las masas de trabajadores y campesinos exaltando la Revolución

Mexicana (1910-1920).



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tutela y de Georg Stibi, otro alemán que se refugió en México, que publicó la obra del

Taller de la Gráfica Popular y editó otros libros ilustrados de gran calidad. Junto a todas

estas actividades, Meyer impartió una buena cantidad de conferencias y escribió artículos

donde plasmaba su postura teórica y su visión filosófica sobre la arquitectura. Fue desde

México donde Meyer lanzó el primer escrito donde definía su postura profesional como

director de la escuela de la Bauhaus, mismo que posteriormente provocaría un debate

público entre Walter Gropius y Tomás Maldonado sobre el papel histórico que jugó esta

institución educativa.

En México, Hannes Meyer inició un cambio hacia una postura menos radical, pues es claro

que su posición inicial sobre una visión irreductible frente a la arquitectura, que le valió

constantes fricciones en cada una de las experiencias que vivió desde su paso por la

Bauhaus, fue modificándose al ir entablando contacto con la cultura de este país.

Hannes y Lena habían sido influidos de tal manera que ya no volverían al funcionalismo; su

colaboración en el Taller de la Gráfica Popular y su contacto cotidiano con las tradiciones y

el arte de este país cambió su forma de interpretar al mundo sin perder su temperamento y

orgullo, por lo que empezó a rechazar los proyectos que lo ligaban al pasado.

Desgraciadamente, Hannes no tuvo oportunidad de mostrar con éxito su nueva faceta, pues

sus problemas económicos se reflejaron en una pérdida de salud que se agravó por un

accidente, hasta obligarlo a pensar en terminar su carrera profesional en Suiza su país natal,

para el que parten él y Lena a mediados de 1949 con ayuda de sus amigos. El cambio de

residencia no lo ayudó y su vida se fue apagando rápidamente hasta fallecer en 1954.

Michael van Beuren y Klaus Grabe

El último caso es el de Michael van Beuren y Klaus Grabe, exalumnos de la Bauhaus que

también decidieron buscar a México para desarrollar su profesión.

Van Beuren, nacido de familia holandesa en los Estados Unidos de América, estudió en la

última etapa de la Bauhaus, en Dessau y Berlín, donde se relacionó con el pequeño grupo

de alumnos que llegaron a esta escuela de su mismo país, como William Priestley, Charles

Ross, Nancy Ross y Bertrand Goldberg y asimismo al arquitecto Philip Johnson, que

después de visitar Dessau en esta época como representante del Museo de Arte Moderno de

Nueva York se hizo un buen amigo de van Beuren.

Al iniciar el acoso de los nazis sobre esta escuela y su comunidad, la mayoría de ellos

partieron a países cercanos para después llegar a Norteamérica. Si algo unió a este grupo,

fue Mies Van der Rohe, último director de la Bauhaus y profesor de todos ellos, que al

establecerse también en este país en 1937, los recibió en su estudio de Chicago para



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participar en sus primeros proyectos. Con van Beuren no sucedió así, pues no era un

entusiasta de la arquitectura sino del diseño de mobiliario, por lo que después de colaborar

en la preparación de la Feria y Exposición Internacional Golden Gate de San Francisco con

el diseño de asientos en madera contrachapada, viaja en 1936 a México, tal como se lo

comenta en una carta a Josef Albers,6 al aceptar realizar un proyecto relacionado con

muebles en el puerto de Acapulco. A Bertrand Goldberg, su buen amigo, le prometió

regresar para asociarse, pero ya en México y después de vivir las primeras experiencias

culturales y conocer a su gente, decidió permanecer en este país y desarrollarse en él

profesionalmente.

Para una primera etapa, Michael van Beuren se asoció con su amigo y compañero de la

Bauhaus Klaus Grabe que lo había acompañado en su periplo al abandonar Alemania, así

como con otro compañero conocido a su regreso en los Estados Unidos de América que fue

el arquitecto Morley Webb.

De esta manera, inició una labor basada en el diseño y fabricación de mobiliario con piezas

de alta calidad, utilizando la excelente manufactura que brindaban los artesanos y los

materiales como la madera y los tejidos, pero además introdujo a México el concepto de

diseño industrial al producir en serie varios conjuntos de muebles innovadores que venían a

satisfacer la demanda de la nueva clase media surgida en la posguerra.

En 1941, el aún joven Museo de Arte Moderno de Nueva York, EUA, convocó al concurso

Organic Design in Home Furnishing,7 que por primera vez incluía a los diseñadores de

muebles de las 21 naciones de América Latina además de los diseñadores y empresas

productoras más conocidos en ese país. Por México concursaron Clara Porset – de la cual

hablaré a continuación– y su esposo el pintor Xavier Guerrero, con un mobiliario de bajo

costo para campesinos, y Michael van Beuren y sus dos socios con el diseño de un asiento

para descanso tipo chaise-longue elaborado con madera tropical y tejidos artesanales.

El concepto orgánico del proyecto, la integración de los materiales y su gran calidad, le

valieron uno de los cinco premios continentales que otorgó el museo, y otro lo obtuvo

también Clara Porset, con lo que México fue el único país latinoamericano que logró dos de

estos reconocimientos. Van Beuren presentó una selección de muebles que mostraron un

diseño a la vanguardia y con posibilidades de comercializarse en otros países; aunque no se

6 Carta de Michael van Beuren a Josef Albers, 18 de diciembre de 1936: (…) miës showed me a couple of

cards you sent him from méxico, and i got one of your exhibition on my return. It is particulary interesting to

me now, as i am leaving right after christmas for México city. after january 15th i shall be in Acapulco for a

month or so, working on some tropical bungalows for a friend who knows México, but i wondered wheter

you might not have some suggestions for me, particulary any ‘simpaticos’ whom i could meet there. i should

appreciate it greatly if you have. The Josef and Anni Albers Foundation. 7 Vease Salinas, Oscar. Organic Design, MoMA, 1940. A whisper of modernism in Latin America,

( 8th International Conference of Design History & Design Studies, Sao Paulo, 2012).



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cuenta con información clara al respecto puedo decir de acuerdo a testimonios, que algunas

piezas se introdujeron al mercado de los Estados Unidos de América, mientras consolidaba

una forma de vida que lo llevó a permanecer en este país prácticamente toda su vida.

Fig. 7: Michael van Beuren. Chaise-longue "Alacrán", 1940. Catálogo "Organic Design in Home Furnishing", 1941

Archivo Clara Porset, CIDI, UNAM

Van Beuren no solo destacó como diseñador, sino también fue un reconocido empresario

fabricante y comercializador de muebles a través de su empresa Grabe & Van Beuren, que

fundó con su compañero por un tiempo, y después continuó con Muebles Domus, junto con

su hermano Fredderick van Beuren en una labor que lo conectó, igual como los otros

emigrados, con una red de arquitectos, empresarios y artistas profesionales que impulsaron

su trabajo, en el que combinó diseños inspirados en la cultura mexicana, junto con

proyectos que siguieron las tendencias del diseño moderno, como el estilo orgánico, y

después muebles de bajo costo, multifuncionales y estandarizados que lo ubicaron como un

empresario productor de prestigio, hasta su retiro y fallecimiento en el año de 2004, cerca

de la ciudad de México.

En cuanto a Klaus Grabe su destino fue diferente, pues su aventura en México no duró

mucho tiempo. En pocos años regresó a los Estados Unidos donde prosiguió su trabajo

dentro de la arquitectura y el diseño de muebles, aún inspirado en el estilo que él y van

Beuren habían adoptado y que tan buen resultado les había dado, pues no solo tuvieron



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presencia en México, sino también en los Estados Unidos como muestra de un diseño

moderno pero diferente a lo que se consumía normalmente en el mercado emergente de los

diseñadores industriales que cada vez tenían mas presencia en este país.

Por último, hoy es posible decir que los muebles de Grabe y van Beuren son parte de los

llamados clásicos del diseño moderno, se siguen reproduciendo y cada vez adquieren

mayor valor comercial en el mercado internacional.

Los emigrados de America

De cuatro destacados diseñadores de mobiliario y enseres domésticos en México entre los

años treinta-sesenta del siglo pasado, como van Beuren, otros dos emigraron de los Estados

unidos de América y una de la isla de Cuba, para encontrar un país, como ya lo he

comentado, con la oportunidad para desarrollar una obra diferente, innovadora y plena de

referencias culturales.

William Spratling

El primero en llegar, fue William Spratling nacido en Nueva York y arquitecto de

profesión, que después de varias visitas a México, atraído por el movimiento cultural y su

amistad con Diego Rivera, Frida Kahlo y otros artistas de esa época, decide en 1929 vivir

en este país, en Taxco, Guerrero, pueblo minero ubicado al sur de la ciudad de México. En

poco tiempo, Spratling dirigió un taller con varios departamentos constituidos por artesanos

y diseñadores locales que se encargaban de reproducir muebles tradicionales como el

butaque, un asiento con orígenes inciertos que habían traído los españoles a América, y que

a través del tiempo se había posicionado como un mueble tradicional en diversas regiones

de México. Gracias a su comercialización, el butaque empezó a ser adquirido por artistas e

intelectuales y a popularizarse mas allá del uso cotidiano que le daba la gente común de las

poblaciones con tradiciones populares.

No obstante, el trabajo que históricamente ha caracterizado a Spratling fue el diseño de

joyería en plata inspirada en rasgos de las culturas precolombinas que se desarrollaron en lo

que hoy es México. La calidad y originalidad de su trabajo han sido reconocidos

internacionalmente y gracias a él, Taxco es hoy un centro artesanal y turístico de prestigio

que sigue nutriéndose del patrimonio cultural que legó a pesar de haber fallecido hace ya

casi medio siglo.



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Fig. 8: William Spratling

Vasija en plata, 2003.

William Spratling. Anatomía de una pasión

Don Shoemaker

Don Shoemaker llegó de la ciudad de Chicago a México en 1946 en su viaje de bodas, y al

conocer la riqueza natural y cultural del país se establece en Michoacán, zona con una gran

tradición artesanal, donde decide experimentar con el diseño y desarrollo de lo que sería su

proyecto profesional hasta morir en 1990: una línea de muebles y accesorios en madera

donde predominó un estilo orgánico muy particular y el uso constante de maderas

tropicales finas, de la costa del Pacífico mexicano. El uso de las maderas tropicales lo llevó

a diseñar estructuras y uniones con otros materiales complementarios como cuero y tela,

que dieron como resultado un conjunto de muebles armables y desarmables, de gran calidad

técnica. Shoemaker los produjo hasta el momento en que el gobierno mexicano prohibió la

explotación de estas maderas por ser especies en peligro de extinción, y prefirió cerrar su

empresa antes que modificar la alta calidad de sus productos. Hoy, sus muebles, que se

conservan en colecciones privadas, han adquirido un valor comercial creciente, sin

comparación en el mercado de antigüedades del siglo XX.



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Fig . 9: Don Shoemaker

Silla "Slouchair" , 1960

Tomado de https://donshoemaker.com blog Karin Goyer

Clara Porset

Al final, menciono a Clara Porset Dumas ( 1895-1981) cubana de nacimiento, que llega a

México en 1936 después de una vida plena de experiencias difíciles de encontrar en una

mujer de aquellos tiempos. Con estudios en Nueva York y París en búsqueda de una

formación que la dejara satisfecha, concluye su preparación profesional en el Black

Mountain College, en Carolina del Norte, al lado de Josef Albers, exprofesor de la

Bauhaus, antes de arribar a México, dejando atrás el acoso del gobierno del presidente

Machado, que en Cuba había instaurado un régimen dictatorial que perseguía y reprimía a

opositores como Clara Porset, que además simpatizaba con la ideología comunista. En

México encontró un medio propicio no solo para desarrollar proyectos relacionados con el

mobiliario, sino también una actividad que la llevó a producir artículos para revistas

relacionadas con la arquitectura y el diseño, conferencias, y organización de

acontecimientos como la primera exposición sobre el diseño en América Latina, "El Arte en

la vida Diaria, Exposición de Objetos de buen Diseño hechos en México" presentada en

1952 en la ciudad de México y en 1957 en la Trienal de Milán, Italia. Una vida inquieta e

inconforme con lo obtenido, la lleva a ganar junto con su esposo Xavier Guerrero para

México, uno de los cinco premios continentales al participar en el concurso Organic Design

del Museo de Arte Moderno de Nueva York, como ya lo he comentado.



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Clara, con sus conocimientos sobre el diseño internacional, supo desarrollar bien una gran

cantidad de proyectos que la convirtieron en la consentida de los mejores arquitectos del

país que la buscaban para integrar sus muebles a sus propuestas arquitectónicas, pero

también desarrollar diseños de bajo costo para los trabajadores con pocos recursos

económicos.

Clara Porset, con el ejemplo de su esposo, siempre admiró la cultura mexicana, y esto la

impulsó a investigar la cultura material del pasado para encontrar ejemplos que le dieron la

oportunidad para desarrollar los que probablemente fueron sus mejores proyectos. Por ello,

su mejor trabajo de investigación fue el del butaque, ese asiento tradicional que Spratling

revaloró, y que hasta hoy no se sabe bien de donde es originario y cual es su antigüedad. Su

estructura es notable, pues con muy poco material logra esas curvas que se ajustan

perfectamente a la antropometría del usuario, y permite que la estructura se adapte a

diversos procesos artesanales del país.

Clara Porset desde su arribo a México experimentó sistemáticamente con este asiento y

extendió sus investigaciones a mas de veinte años, desarrollando docenas de nuevas

propuestas donde fue generando cuidadosas modificaciones en sus dimensiones, ángulos,

tipos de madera, materiales para el asiento y diversos planteamientos para la pieza

destinada a reposar los brazos, que se utiliza en algunos tipos de butaque. Es probable que

el más conocido de ellos sea el que desarrolló a fines de los años cuarenta para la casa del

arquitecto mexicano Luis Barragán, ganador del Premio Pritzker de Arquitectura en 1980,

al ser incluido en la colección de miniaturas de las mejores sillas de la historia moderna del

diseño, que promueve el Museo Vitra del Diseño en Alemania.



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Fig. 10: Clara Porset Dumas. Butaque de Casa Gálvez, Cd. de México, 1954

Fotografía Guillermo Soto. Archivo Clara Porset, CIDI, UNAM

Lo notable de esta diseñadora fue también su versatilidad, ya que experimentó tanto con

procesos artesanales en proyectos exclusivos para casa habitación u oficinas, como en

pequeñas series en madera, como es el caso de los muebles para el Hotel Pierre Marqués en

Acapulco, por los que recibió la medalla de plata de la Trienal de Milán en 1957, o

procesos de fabricación industrial como su serie H para oficinas, ambos trabajos diseñados

para DM Nacional, la industria de muebles mas grande de México, y por los que ella, una

mujer, recibió regalías por primera vez en el país.



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Fig.11:Clara Porset Dumas. Muebles en varilla metálica para exterior, 1949.

Archivo Clara Porset, CIDI, UNAM

El trabajo de Clara Porset fue excepcional por su profundidad en la investigación, por la

calidad en su diseño, por su inspiración y reconocimiento tanto de las culturas mas antiguas

como de las tendencias del diseño moderno mas recientes en su época, y por haberlo hecho

una mujer, en una época y una sociedad donde ellas estaban destinadas a otras tareas, muy

cercanas al hogar y a los hijos.

Clara Porset generó proyectos hasta cerca de los setenta años, cuando decidió dedicarse a la

docencia basada en sus experiencias y que impartió en nuestra Universidad Nacional

Autónoma de México hasta que el cuerpo ya no se lo permitió, falleciendo a los 86 años en

1981.



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Conclusión

Después de revisar la actuación de una generación de emigrantes y refugiados en México, y

el resultado de su trabajo en el marco del origen de las disciplinas del diseño local, surge la

duda sobre lo que identificamos como el diseño mexicano, ya que estos personajes se

integraron a un país y una cultura que influyó profundamente en su producción material e

intelectual, dando como resultado una obra diferente a todo su pasado y "mexicanizada" por

su integración a un sistema cultural de significados diferentes o incluso opuestos a los que

utilizaban antes de su llegada.

Al mismo tiempo, ellos también contribuyeron e influyeron en una cultura material en

formación que derivó en la estructuración de la base conceptual que caracterizó en sus

inicios a las disciplinas del Diseño Gráfico y el Diseño Industrial, y también a la

concepción de una identidad colectiva.

Es aquí donde la otredad se convierte en lo propio, donde el fenómeno del sincretismo se

manifiesta en la fusión de culturas para dar paso a una nueva cultura, y donde el mestizaje

de un pueblo –consecuencia de un proceso de colonización y descolonización– da como

resultado un nuevo concepto de diseño.

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Nota Biográfica:

Oscar Salinas es Profesor investigador posgrado en diseño industrial. Universidad Nacional

Autónoma de México. Y Director general Editorial Designio

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