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ESCUELA DE POSTGRADO
Maestría en Diseño Gráfico
EL DISEÑO WEB DE LA PLATAFORMA DIGITAL “VIBRA TEATRO” COMO HERRAMIENTA PARA PROMOVER
LA SOSTENIBILIDAD DEL TEATRO EN LOS JÓVENES
Tesis para optar el grado de Maestro en Diseño Gráfico
VERÓNICA STEPHANY RODRIGUEZ GARAYAR
Asesor:
Mg. Sandra Tineo Sanguinetti
Lima - Perú
2021
1
A Lucas. Al teatro.
A todos los que colaboraron en la investigación.
2
Resumen
La presente investigación tiene como finalidad pensar los factores que afectan la
sostenibilidad del teatro con relación a la limitada asistencia por parte de los jóvenes en
Lima, Perú. Para ello, se estudia el contexto teórico de las industrias culturales, donde se
encuentra el teatro, considerando sus actores institucionales locales, así como sus
mediaciones y tecnologías. Del otro lado, se indaga sobre el consumo cultural de los
jóvenes, en aspectos como su comportamiento de consumo, sus preferencias culturales, las
tendencias, la oferta y los nuevos consumos culturales. Finalmente se profundiza en la
situación del teatro nacional, apelando al campo en entrevistas realizadas a los especialistas
del tema y encuestas a los jóvenes para entender la problemática.
Esta investigación en diseño gráfico es de naturaleza aplicada, por lo que tiene como
finalidad realizar un proyecto cultural que consiste en la creación de una plataforma digital.
Se busca acercar y construir en los jóvenes una cultura teatral como estilo de vida cultural;
y al mismo tiempo, fomentar el desarrollo de la industria del teatro; todo mediante la
experiencia digital de la comunicación visual en la plataforma.
Palabras Clave: Teatro, Industrias Culturales, consumo cultural, Ministerio de Cultura.
3
Abstract
The following investigation has an intended purpose in thinking about factors that affect
the theater’s sustainability, related with the limited assistance on behalf of young adults in
Lima, Peru. For this, the theoretical context of cultural industries was studied, where we
find theater, considering its local institutional actors, as well as their measurements and
technologies. On the other side, the cultural consumption of young adults was investigated,
regarding aspects of their consumption behavior, their cultural preferences, tendencies,
offer and new cultural consumptions. Finally, the situation about national theater is further
being looked into, appealing to interviews done to specialists about the topic and surveys
to young adults in order to understand this problematic.
This investigation in graphic design has a natural application, which is why its final aim is
to conduct a cultural project, which consists of creating a digital platform. Here we are
trying to accelerate and construct a theatrical culture into young adults, such as a cultural
lifestyle; and at the same time, promote the development of the theater industry; all
through the digital experience of the platform’s visual communication.
Keywords: Theater, Cultural Industries, cultural consumption, Ministry of Culture.
4
Tabla de contenido
Lista de cuadros / tablas 7
Lista de figuras 8
Introducción 9
Descripción del problema 10
Pregunta de investigación 12
Hipótesis 13
Justificación 14
Problemas 15
Principal 15
Secundarios 15
Objetivos 16
Principal 16
Secundarios 16
Mapa conceptual 16
Metodología 17
Actores 17
Mapa de actores 17
Sujeto de estudio 18
Campo 18
Repertorio 18
Método 19
Capítulo I 20
Marco teórico del problema 20
Industrias culturales 20
5
Definición de industria cultural 20
Categorías de la industria cultural 22
El rol del Ministerio de Cultura 24
Mediaciones culturales 26
Tecnologías de la información y comunicación (TIC) 27
Consumos culturales 28
Construcción social de los consumos culturales 28
Tipos de consumos culturales 30
El consumo cultural en cifras 32
Tendencias sociales de consumo 35
La oferta cultural y el consumidor 36
Nuevos consumos culturales y sociedad 37
Industria teatral 39
¿Qué es el teatro? (Descripción, historia, tipos) 39
El teatro en el Perú (Historia) 42
Situación y gestión teatral 44
Teatro en Lima 47
Productoras en Lima 50
Caso de estudio “Los productores” 53
Difusión del teatro en Lima (limitación de medios) 54
El nuevo teatro y su modernización (migración digital) 54
Beneficios del teatro 58
Estado del arte de proyectos 60
Estado del arte nacional 60
Estado del arte internacional 61
6
Capítulo II 62
Análisis del público objetivo 62
Proceso del proyecto 63
Concepto del proyecto (Moodboard) 63
Nombre del proyecto 64
Relación proyecto, público objetivo, problema de investigación 65
Descripción del proyecto de diseño 66
Objetivo principal y secundario del proyecto 68
Diseño de la Comunicación 69
¿Cómo resuelve la comunicación el proyecto? 69
Descripción del público objetivo (infografía) 70
Emisor 70
Canales y medios 71
Mensaje 72
Diseño del proyecto 73
Pieza principal 73
Piezas adicionales 75
Capítulo III 78
Evaluación de pares 78
Análisis de resultados 79
Conclusiones / Recomendaciones 81
Referentes bibliográficos 83
Anexos 88
7
Lista de cuadros / tablas
Cuadro 1 Organización cultural. UNESCO (2010) 31
Cuadro 2 Rubros de cultura 2016 – 2018. INEI (2019) 33
Cuadro 3 Clasificación de las organizaciones culturales. Varbanova (2013) 50
Cuadro 4 Tipos de performance. Elaboración propia 52
8
Lista de figuras
Figura 1 Mapa Conceptual. Elaboración propia (2019) 16
Figura 2 Mapa de actores. Elaboración propia (2020) 17
Figura 3 Estructura de las Industrias Culturales. UNESCO (2010) 23
Figura 4 Encuesta sobre el consumo cultural. Elaboración propia (2020) 30
Figura 5 Asistencia por año (%). INEI (2019) 33
Figura 6 Asistencia por sub categorías. INEI (2019) 34
Figura 7 Línea del tiempo del teatro en el Perú. Elaboración propia (2020) 43
Figura 8 Encuesta a los jóvenes. Elaboración propia (2020) 49
Figura 9 Migración del teatro a lo digital. Elaboración propia (2020) 57
Figura 10 Moodboard. Elaboración propia (2020) 64
Figura 11 Prisma Kapferer. Elaboración propia (2020) 65
Figura 12 Público Objetivo. Elaboración propia (2020) 70
Figura 13 Inicio de la plataforma digital Vibra teatro. Elaboración propia (2021) 74
Figura 14 Sección “comunidad” en la plataforma digital. Elaboración propia (2021) 75
Figura 15 Piezas gráficas para redes sociales. Elaboración propia (2021) 77
Figura 16 Perfiles de las redes sociales de Vibra teatro. Elaboración propia (2021) 77
Figura 17 Interés sobre el plan de comunicación. Elaboración propia (2021) 79
Figura 18 Comunidad Vibra Teatro. Elaboración propia (2021) 80
Figura 19 Encuesta sobre podcast. Elaboración propia (2021) 80
9
Introducción
La siguiente investigación tiene como finalidad estudiar el poco interés de consumo del
teatro por parte de los jóvenes profesionales, viéndose influenciados por los nuevos
consumos culturales y su avance tecnológico.
Con relación a las Industrias Culturales, el Perú goza de una variedad de entretenimiento
cultural que se ve reflejado en la oferta de consumo a través de sus diversas categorías, así
como en el vínculo entre los jóvenes y los eventos culturales. Sin embargo, en el ámbito
del teatro, pese a existir una oferta por el lado de las casas teatrales, el consumo no es
recíproco ya que la participación de los jóvenes es limitada.
La industria teatral es uno de los campos de mayor representación artística, donde se
expresa de manera física / presencial, con la finalidad de conectar con el público,
ubicándolo en un contexto diferente que busca generar preguntas y respuestas en base al
mensaje. El teatro reflexiona sobre diversos temas de la realidad y, además, promueve la
economía generando puestos de trabajo, y consumo cultural, logrando así su rentabilidad.
La metodología utilizada es la investigación aplicada en diseño gráfico, donde se ha
realizado el trabajo de campo, preguntando a los actores involucrados, y se ha indagado en
el campo específico del teatro en tanto sector cultural. Asimismo, se ha utilizado diferentes
métodos, tanto de registro como de creación, para obtener información enriquecedora en la
investigación, como el análisis del comportamiento en redes sociales, registro audiovisual,
lluvia de ideas para incentivar su consumo, moodboards, entre otros métodos.
El proyecto, que busca solucionar el problema de la falta de cultura de consumo del teatro
en los jóvenes, desarrollará una plataforma virtual con su correspondiente plan de
comunicación para que la recepción por parte de los jóvenes sea positiva y atractiva,
logrando así incentivar su participación en el teatro.
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Por último, el teatro al ser un tema relacionado con el arte como medio de expresión, se
vincula con el diseño gráfico a través de la comunicación, que es el énfasis que se le ha
dado al proyecto, ya que ambos ámbitos van a desarrollar su potencial para poder gestionar
un plan de comunicación eficaz y de esta manera fomentar la sostenibilidad del teatro. El
diseño gráfico juega un rol importante y esencial en el proyecto ya que, con las
herramientas de comunicación y las bases del concepto, se puede difundir de forma
correcta para lograr captar a una mayor audiencia. Adicionalmente, las bases del diseño
gráfico, ayudan a saber direccionar de manera ordenada que lugar deben de ocupar las
piezas gráficas en las diferentes redes sociales y plataformas digitales a usar.
Descripción del Problema.
Cada vez resulta más complejo fidelizar a los jóvenes en el consumo de marcas o
actividades, ya que existe gran competencia en la oferta. En este caso, el teatro compite
con las otras categorías de las Industrias Culturales. Los jóvenes, en su mayoría, muestran
desinterés en consumir obras de teatro, y preferencia por los nuevos consumos culturales
(entiéndase como sinónimo de migración a lo digital) que gozan de mayor protagonismo
en sus intereses.
En la categoría de eventos culturales (shows, conciertos, presentaciones, teatro, etc.), los
peruanos son consumidores de eventos culturales por excelencia, habiendo incentivado
este gusto por el arte durante generaciones. En el 2018, se tuvo una participación de 77.1%
(INEI, 2019), demostrando que las personas sí consumen eventos culturales, pero entonces
¿qué pasa con el consumo de teatro? El consumo cultural ha ido creciendo y renovándose
con el tiempo gracias a la tecnología, así como también volviéndose cada vez más masivo
y doméstico, es decir, sin la necesidad de salir de casa; esto gracias al crecimiento y
renovación de las industrias culturales, cada vez más extensas y diversas por todo lo que
11
comprende su campo (cine, televisión, publicidad, redes sociales, centros culturales,
streaming, productoras, teatros, eventos, shows, entre otros).
De toda esta oferta y consumo, interesa particularmente la Industria Teatral, que
justamente se ha visto perjudicada por esta competencia entre las categorías de consumos
culturales, destacando actualmente el cine y el streaming (digitalización de contenido para
entretenimiento), consumido mayormente por jóvenes. A esto se ha sumado la coyuntura
mundial del COVID-19, que ha golpeado fuertemente al teatro, obligando a adaptar las
obras de teatro a formatos digitales para ser consumidos en redes sociales, plataformas
digitales y televisión, buscando enfocarse no solamente en personas que gocen del teatro
de manera tradicional si no, redireccionándose también para personas activas en
plataformas digitales.
Las productoras de teatro suelen presentar su catálogo anual esperando tener éxito en su
preventa; sin embargo, el Instituto Nacional de Estadísticas e Informáticas INEI (2013)
indica en sus estadísticas que 2 de cada 10 peruanos (más adultos que jóvenes) han acudido
alguna vez al teatro, es decir, 8 de cada 10 nunca han ido al teatro. Esta cifra invita a
reflexionar sobre las posibles causas por las que los jóvenes no se involucran con el teatro.
Al respecto, el actor argentino Osvaldo Cattone declaró para el periódico Perú21 (2016)
que no se puede hablar de un boom teatral o de la aceptación de esta industria si es que el
espectador no acude a las salas, considerando la aparición de nuevos centros de recreación
y el avance tecnológico como amenaza del consumo cultural hacia el teatro.
Por su parte, Alberto Ísola, actor y director de teatro, conversó para la radio local RPP
(2017) e indicó que el teatro es uno de los pocos espacios donde uno aprende a
sensibilizarse por temas de la actualidad / pasado y puede interactuar cara a cara. Sin
embargo, considera que el teatro debe contar con un mayor apoyo tanto financiero como de
posicionamiento.
12
Por otra parte, el perfil de personas que acuden a ver una obra de teatro, en su mayoría
(57%) son profesionales. De forma paralela, Premiere Actors realizó un estudio de
mercado donde entrevistó a un grupo cerrado de personas y les preguntó los motivos de su
ausencia a una obra de teatro. Le detallaron lo siguiente:
El teatro ha adquirido la reputación y es sinónimo de precios elevados (falso porque
existen días de oferta cultural en donde los precios son significativos). Existen
lugares donde el teatro es gratuito o por un precio simbólico… El público también
considera que muchas de las obras no se anuncian lo suficiente a diferencia de las
campañas de publicidad del cine, esto se debe a que los presupuestos para ambos se
distancian enormemente. (Premiere Actors, 2017)
Entonces, en base a la situación general del teatro, así como a las declaraciones
mencionadas, se estima que existe un problema en el escaso consumo teatral en la
actualidad por parte de los jóvenes limeños; debido tanto a los nuevos consumos culturales,
como al desconocimiento y la desinformación, que se traducen en falta de costumbre de
consumo, es decir, cultura teatral.
Pregunta de Investigación.
Existe una gran variedad en la oferta de eventos culturales, que responde a la diversidad de
categorías y medios de entretenimiento de donde escoger lo que resulte más interesante y
se acomode a las posibilidades, intereses y gustos del consumidor. Dentro de ellos, se
encuentra el teatro, que para el caso consta de obras de teatro expuestas en un número
acotado de salas a lo largo del año. En esta lógica, la industria teatral depende en gran
medida del consumo cultural, el cual debería ser importante e interesante para los jóvenes,
ya que aporta beneficios positivos individuales y como sociedad, cumpliendo el rol de
“humanizar” a las personas.
13
Bajo estas premisas, la presente investigación se pregunta: ¿por qué no se llenan las salas
de teatro? ¿por qué las personas no acuden pese a existir oferta teatral? ¿qué está pasando?
¿por qué no crece el teatro si cada vez se trabaja más en ello? ¿qué entretenimientos
consumen las personas? ¿qué ofertas culturales son de mayor interés para los jóvenes?
Siendo ¿por qué los jóvenes no se interesan en el teatro? La pregunta base para entender el
comportamiento y preferencias de los jóvenes.
Hipótesis.
La creación de una plataforma digital promoverá la construcción y difusión de la cultura
teatral como estilo de vida en los jóvenes peruanos, consolidando una comunidad afín al
teatro.
Además, a modo de respuesta al problema sobre la amenaza de la sostenibilidad del teatro,
se plantea una estrategia de comunicación diferente para captar su atención, y a su vez,
difundir en los jóvenes limeños el valor agregado de la cultura teatral; creando una
comunidad donde los jóvenes sientan confianza e interés por encontrar contenido
relacionado al teatro y conecten con la comunidad que se dedica al teatro.
En este sentido, se propone la plataforma web llamada Vibra Teatro
(www.vibrateatro.com), como un espacio donde los usuarios podrán enriquecerse con
información sobre el teatro y su aporte, el legado de algunos actores y obras, promociones,
entrevistas, artículos, blogs; y donde la comunidad que se dedica al teatro puede ofrecer
sus servicios, conocimiento y experiencia. La plataforma web se propone dinámica e
interactiva para que los usuarios puedan comentar, escuchar y participar de diversas
actividades.
La plataforma y las redes sociales podrán tener una medición, a través de la métrica donde,
a modo de información cuantitativa, se podrá conocer la cantidad de participantes que
ingresaron a informarse. Esto ayudará al seguimiento y mantenimiento de la plataforma,
14
para poder seguir subiendo contenido de interés, mejorar las estrategias y reforzar algún
contenido que resulte bajo en participación.
Justificación.
Hablar de los nuevos consumos culturales en relación a la industria teatral genera un
enfoque diferente en comparación a otras investigaciones puesto que el teatro tiene un
valor agregado innato que es la cultura y su difusión mediante una puesta en escena. Si
bien existen investigaciones que han abordado el tema, no se han encontrado
investigaciones que aborden este tema desde la mirada del diseño gráfico, ni que
propongan soluciones.
Este tema de estudio es relevante porque aborda un problema cultural actual, el desinterés
por parte de los jóvenes hacia la industria teatral, cuya preferencia por otros tipos de
consumos culturales, pone en riesgo la sostenibilidad de esta industria. Esta investigación
trae consigo la intención de empoderar a la industria teatral para que no se pierda este arte
que hoy se ve amenazado. Además, el teatro sirve como herramienta de transformación
social porque ayuda a las personas de manera positiva e incentiva la cultura fomentando la
reflexión crítica sobre la realidad. Es el puente para despertar consciencias dormidas y
formador de espectadores críticos con un punto de vista amplio sobre la realidad. El teatro
es el aliado para formular dudas, preguntas, mostrar emociones.
Esta investigación es factible porque se cuenta con acceso para dialogar con varios actores
relacionados, como los teatros La Plaza y Luiggi Pirandello; y también con la productora
Los Productores como caso de estudio. Además, se entrevistará a los consumidores
(personas que acuden y no al teatro) para entender sus apreciaciones y preferencias; de
igual manera, se entrevistará a otros personajes involucrados con el teatro como actores,
directivos, publicistas, comunicadores, de las casas teatrales para comprender la gestión, la
dirección y la difusión en medios de comunicación. También, se tiene acceso a un contacto
15
tanto en la Municipalidad de Lima como en el Ministerio de Cultura para recoger más
opiniones y contar un respaldo institucional. Por último, debido a la coyuntura de la
pandemia mundial, las redes sociales y los medios de comunicación permitirán recopilar
información adicional para evaluar la interacción de la sociedad con el proyecto cultural.
Personalmente me parece importante e innovador estudiar este tema, pues me considero
una amante del teatro y creo que consumir teatro en algún momento de nuestra vida es vital
para la construcción de nuestra sensibilización y reflexión sobre muchos temas de la
actualidad. El teatro como concepto ya tiene un posicionamiento y estereotipo marcado en
el mercado, mi aporte es intentar cambiar esa manera de ver el teatro mostrando su
principal aporte a través de la comunicación visual; la intención no es que las personas
acudan por compromiso, si no, por voluntad, respetando cada entrega y valorándolo.
Concluyo el interés personal indicando que el mundo es un escenario y cada uno de
nosotros es un personaje, donde se debe de gozar cada momento con una perspectiva
diferente y esa es la esencia de seguir.
Problemas.
Problema principal.
¿De qué manera la sostenibilidad del teatro es amenazada por los nuevos consumos
culturales en los jóvenes en Lima Metropolitana?
Problemas secundarios.
- ¿Es la limitación de formas de difusión y comunicación el causante de que la
sostenibilidad del teatro sea amenazada por los nuevos consumos culturales en los jóvenes
en Lima Metropolitana?
- ¿Cuál es el impacto de las industrias culturales en la sostenibilidad del teatro que es
amenazada por los nuevos consumos culturales en los jóvenes en Lima Metropolitana?
16
Objetivos.
Objetivo principal.
Evaluar como la sostenibilidad del teatro es amenazada por los nuevos consumos culturales
en los jóvenes en Lima Metropolitana para proponer una solución que promueva una
cultura de consumo del teatro.
Objetivos secundarios.
Estudiar la limitación de formas de difusión y comunicación en la sostenibilidad del teatro
que es amenazada por los nuevos consumos culturales en los jóvenes en Lima
Metropolitana para crear un proyecto de comunicación visual que dé a conocer las ofertas
de obras de teatro.
Analizar el impacto de las Industrias Culturales en la sostenibilidad del teatro que es
amenazada por los nuevos consumos culturales en los jóvenes en Lima Metropolitana para
enriquecer el consumo cultural del teatro.
Mapa Conceptual.
Figura 1 Mapa conceptual. Elaboración propia (2019)
17
Metodología.
La presente investigación busca demostrar que la sostenibilidad de la industria teatral está
en riesgo por la poca asistencia de los jóvenes al teatro, debido a los nuevos consumos
culturales. Ello se investigará mediante un enfoque mixto desde el diseño, donde prevalece
el enfoque cualitativo antes que el cuantitativo. Por medio de este enfoque, se identifica e
interpreta desde el punto de vista cultural a los protagonistas, para comprender su
percepción sobre el teatro y las otras categorías culturales. Es decir, se verá el néctar del
problema de investigación para dar fruto a una solución.
Actores.
Mapa de actores. Jóvenes de 25 a 30 años, productoras de teatro, Centros Culturales,
Municipalidad de Lima, Ministerio de Cultura, Diseñadores / Comunicadores de teatro,
actores de teatro, directores, guionistas y gestores culturales.
Figura 2 Mapa de actores. Elaboración propia (2019)
18
Sujeto de estudio. Jóvenes de 25 a 30 años: Público objetivo principal donde se va a
apuntar para realizar estudios de sus preferencias y estilo de vida. Según INFOARTES, este
rango de edades cumple con un 40% de participación en los teatros con un perfil de personas
empleadas / profesionales. Una de las principales razones de la inasistencia es la falta de
interés (39.4%), seguido por la falta de tiempo (30.4). El estudio se enfocará en personas de
Lima Metropolitana porque la Provincia del Callao presenta mayor asistencia a espectáculos
teatrales (13.1%)
Campo. Industria teatral: Teatros de Lima, productoras, redes sociales, centros culturales.
Consumo cultural: Cine, TV, Netflix, videojuegos, circo.
Repertorio. Se estudiarán las páginas webs de las productoras de teatro en el campo
digital – virtual. Así también, se analizará el material de difusión de las obras de teatro, que
suelen pasar desapercibidos o no son muy difundidos, este material se suele encontrar en
redes sociales, páginas webs y/o posters en la calle y teatros.
Por otra parte, existen las redes sociales como Instagram, Facebook y YouTube donde el
teatro difunde la variedad de su oferta, para generar interacción con su público y comentar
sobre su contenido. Estas redes sociales han servido para mantener informada y activa a su
audiencia, pero la respuesta positiva en redes sociales no se ve reflejada en su participación
presencial ni en la venta de tickets de las obras de teatro.
Adicionalmente, existen canales auditivos como podcast sobre entretenimiento en general.
Hay episodios donde se habla sobre el teatro, pero no llega a ser difundido ya que la
información es más genérica con respecto a otros eventos culturales. Un ejemplo de podcast
sobre cultura y entretenimiento es “Cultural Talks” del Teatro Británico, que busca difundir
cultura de las artes mediante la plataforma de Spotify y promoverla en voces de expertos. Así
como también, el reconocido actor peruano Carlos Gassols, tiene un espacio de 10 minutos
donde expresa su forma de pensar sobre el teatro y la coyuntura.
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Método. Dentro de las herramientas a utilizar, para la metodología se aplicará entrevistas a
profundidad a especialistas en el tema con la finalidad de conocer su perspectiva, crítica y
preocupación frente al problema. Se realizarán entrevistas a Alejandro Neyra (Ministro de
Cultura 2020), Vanessa Ferro (directora de teatro), y Aníbal Lozano (actor de teatro) quiénes
están involucrados directamente con el tema. Otra herramienta a utilizar será la observación
del público objetivo como reacción en las redes sociales y su participación en las obras de
teatro, se evidenciará su comportamiento, así como también estadísticas en cifras que validen
su consumo. Como registro cuantitativo de esta acción, se realizarán encuestas a los jóvenes
con preguntas relacionadas a su participación y opinión sobre el teatro.
Adicionalmente se realizarán moodboards y lluvias de ideas para desarrollar creativamente el
proyecto que logre incentivar a los jóvenes que consuman la industria teatral. Asimismo, se
recurrirá a reportajes sobre la poca participación de los jóvenes en el teatro, como guía para
proceder con los métodos planteados.
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Capítulo I
Marco Teórico del Problema.
Industrias culturales.
Definición de industria cultural. La presente investigación tiene como finalidad
investigar los nuevos consumos culturales que ponen en riesgo a la industria teatral. Así pues,
se debe empezar por definir a las industrias culturales para comprender el trasfondo. La
definición más difundida y reconocida es la de la UNESCO (2010), argumentando que las
industrias culturales tienen un propósito de organización para llegar al público objetivo, el
cual tiene como eje la creatividad para dar a conocer las ofertas culturales que se publicitan en
cada localidad:
El concepto de industria cultural y creativa debe entenderse en el sentido de sectores de
actividad organizada, compuestos por las funciones necesarias para permitir que los
bienes servicios y actividades de contenido cultural, artístico o patrimonial lleguen al
público o al mercado… Tienen como objeto principal la creatividad, la producción o
reproducción, la promoción, la difusión y la comercialización de bienes, servicios y
actividades de contenido cultural, artístico o patrimonial. UNESCO (2010, pp.16-17)
Sin embargo, la definición del concepto de “industria cultural” no ha sido siempre este, si no
que ha ido actualizándose con el tiempo y con las distintas coyunturas, ya sea por el modo de
crear, producir, distribuir y disfrutar de cada producto cultural que constituye el proceso clave
para su diferenciación de otras industrias; claro está que depende de las necesidades y
preferencias de la población sin excepción.
Además, es necesario mencionar que la industria cultural en su origen fue creada con otro
enfoque totalmente diferente al que hoy en día se aplica. Este concepto fue creado desde un
enfoque socialista por Theodor Adorno y Max Horkheimer entre 1944 y 1949 con la finalidad
de discutir las técnicas de reproducción industrial en la creación y difusión de obras
21
culturales. Estudiaban el capitalismo desde el punto de vista socialista (discutían sobre temas
de comunicación) con una crítica por el avance desmedido del consumismo (UNIFE, 2014).
Siendo utilizado el término “industria cultural” por primera vez en la Escuela de Frankfurt, lo
acuñaron sus autores para explicar el proceso cultural.
Al ser acogidos por Estados Unidos (huyendo del fascismo alemán) fundaron la teoría crítica,
creando el concepto de industria cultural, la cual irónicamente, se originó como una crítica a
lo que es hoy en día; es decir, con los años la idea principal ha ido cambiando. Sin embargo,
su crítica ha servido para sustentar la idea original de la industria cultural. También, a modo
de ironía, los autores comentaban que no habría lógica en que la cultura se convierta en
industria puesto que la cultura ha sido única, profunda, de élite. Entonces, de volverse
industria pierde su esencia para volverse cultura de masas. Es por ello que se creó como una
crítica del capitalismo con un enfoque conceptual y teórico.
Por otra parte, en Francia mediados de los años 70, el concepto de industria cultural pasó a
“industrias culturales” o “industrias creativas” (es decir, cambió a plural) por el desarrollo de
cultura de masas con una visión de mezcla entre la economía y la cultura, transformándose así
el concepto original por las corrientes intelectuales que se involucraban paulatinamente. Es
decir, la transición entre ambos conceptos se basa en una modificación de la comunicación,
pasando de ser a escala local a una escala global como la transmisión por radio y TV de la
Guerra de Vietnam (velando por los intereses económicos y culturales), dando oportunidad a
desarrollar la idea de cultura de masas (donde la tecnología tomaba protagonismo para
reproducir en grandes cantidades el contenido original acercándose así a masas de personas).
Las industrias culturales al ser un rubro donde predomina la habilidad artística confabulan con
los medios de comunicación para volverse masivo y de esta manera crear caracteres y
perspectivas críticas en la sociedad. Es por ello, las industrias culturales tienen una influencia
22
tan honda en la pirámide social, que pueden ir desde el recomponer los valores de una
sociedad, hasta configurar los caracteres comportamentales de las personas. Cruz (2014)
La influencia de las industriales culturales sirve como medio de transformación para la
sociedad, ya que estas responden en los caracteres de las personas de manera positiva sin
invadir el espacio de las otras industrias (evitando cualquier rivalidad). Una manera más
crítica de ver los eventos culturales y ser parte de ello.
A modo de conclusión y discusión personal, la transición entre ambos conceptos involucra
madurez para crear una industria que resulte rentable, es así como se crea el perfil de la
UNESCO (finalmente es un ente económico, cuya misión es fomentar) para vincularse con las
Industrias culturales dándole un sentido opuesto a como fue creado por Adorno y Horkheimer
(una mirada crítica, apelando que la cultura no puede ser industria). Además, las categorías
como arte, entretenimiento, diseño, arquitectura, publicidad, gastronomía y turismo, en
conjunto son la razón de ser de las industrias culturales por poseer un valor agregado; sin
embargo, no todas las categorías de las industrias culturales se manejan con la misma equidad
en interacción ya que unas tienen mayor protagonismo que otras.
Categorías de la industria cultural. Las industrias culturales se dividen en categorías, las
cuales facilitan a las instituciones y a la sociedad para su fácil comprensión y desarrollo. Los
especialistas Cuadrado y Berenguer detallan lo siguiente respecto a su categorización:
Las actividades culturales, de elevado grado de reproducción (libros, discos, videos,
obras de arte, televisión y radio), los denominados bienes culturales y el cine, los
servicios culturales (teatro, danza, conciertos, ópera y exposiciones) aquellos de
naturaleza única y menor facilidad de reproducción, conforman la industria cultural.
(Cuadrado & Berenguer, 2002, p.18-19)
Las industrias culturales desarrollan características con la finalidad de poder replicar o
reproducir este modelo, ya sea en bienes, servicios o actividades culturales sin perder su
23
esencia (UNESCO, 2010). Además, las industrias culturales se dividen en tres sectores:
tradicionales, otros y recientes, los cuales a su vez tienen sub categorías donde se va
detallando que productos / servicios contienen.
Figura 3 Estructura de las Industrias Culturales. UNESCO (2010)
La propuesta del diagrama sobre las categorías de las industrias culturales fue diseñada para
una sencilla comprensión sobre su distribución (en este caso, fue dividido por sectores). Cabe
resaltar que existen más clasificaciones y cuadros según la conveniencia del lector, puesto que
hay diferentes percepciones de ver y entender su clasificación sin dar pie a que uno sea mejor
que otro.
Otro ejemplo de clasificación es el desarrollado por la UNESCO (2010) quién distribuye
también según su categoría y rango, categorizando según su naturaleza, ya sea por herencia
cultural (patrimonio natural y cultural), por creatividad y medios (Presentaciones artísticas y
celebraciones, medios audiovisuales, artes visuales, libros y prensa) o creaciones funciones
(diseño y servicios creativos). No obstante, una organización al tener diferentes puntos de
vista genera controversia sobre su propio desarrollo ya que no se es claro sobre que
Industr
ias c
ultura
les
Sectores tradicionales
EditorialLibros, Industria Gráfica, Industria Editorial,
Periódicos, Revistas, Diarios, Literatura, Biblioteca, Industria de la publicidad, Diseño
AudiovisualIndustria Cinematográfica, Industria de la Televisión, Industria Fotográfica, Industria
Videográfica, Industria de la Publicidad
FonográficoIndustria Discográfica, Radio, Opera, Orquestas, Conciertos y Actuaciones
Otros Sectores
Artes Visuales y Escenicas
Conciertos y Actuaciones, Teatro, Orquestas, Danza, Ópera, Artesanía, Diseño, Moda,
Arquitectura, Museos y Galerías
Turismo CulturalArquitectura, Museos y Galerías,
Gastronomía, Productos Típicos, Ecoturismo, Conciertos y Actuaciones, Artesanía
Deporte
Sectores recientes MultimediaIndustria de la Publicidad, Software, Video Juegos, Soportes Multimediales, Diseño
24
clasificación debe mandar, entonces ¿cuál de las dos categorías es la correcta o posee mayor
valor?
A modo de conclusión y de opinión personal, considero que aún falta incluir como sector de
importancia al diseño, que está tímidamente categorizada dentro de las artes escénicas y
audiovisuales. Sin embargo, el diseño tiene un despliegue y una forma de expresarse diferente
que no comparte en su totalidad en la categoría donde ha sido ubicado. Además, las diferentes
categorizaciones de las industrias culturales deben ser tratadas con cuidado puesto que son
muy convenientes; sumado a ello, debe validarse mejor el sustento para categorizar de esa
manera.
El rol del Ministerio de Cultura. Las industrias culturales tienen un vínculo clave con el
Ministerio de Cultura, puesto que es el encargado de difundir su contenido en todo el país de
manera formal y organizada, como pieza clave en la proliferación de la cultura, fomentando
su desarrollo, para difundir cultura y obtener impacto social. El Ministerio de Cultura es el
órgano del Poder Ejecutivo del Perú, que ve todos los temas relacionados a la cultura, su
principal función es salvaguardar actividades que no dañen las industrias culturales y
derivados. El Ministerio de Cultura tiene sus propios lineamientos culturales donde esclarece
lo siguiente:
Sus funciones son la defensa del patrimonio cultural material e inmaterial de la Nación,
la promoción de las industrias culturales, el apoyo a la creación artística y difusión de
las artes, y el reconocimiento a la pluralidad étnica y cultural del Perú. Ministerio de
Cultura (2012)
Otra función del Ministerio de Cultura es la capacidad de impulsar una perspectiva
intercultural entre la sociedad de Lima. Apostando por una planificación estratégica para
orientar a los peruanos y motivarlos a involucrarse con los consumos culturales, teniendo
25
como eje principal la asesoría en la gestión cultural para ser generador de estrategias que
fomenten su producción y difusión.
Un ejemplo de proyecto que realizó el Gran Teatro Nacional junto con el Ministerio de
Cultura es el Programa de Formación de Espectadores, el cual tiene como objetivo en hacer
partícipes a jóvenes y niños en el teatro. Con esa premisa, el panorama indica que existe un
apoyo y compromiso por parte del Ministerio de Cultura hacia el teatro, con la finalidad de
incentivar las industrias culturales. Siguiendo el objetivo de incentivar el consumo, este
organismo es pieza fundamental para que las empresas busquen aliados y en conjunto
promuevan los eventos culturales.
Sin embargo, ¿cómo se lleva a la práctica las promesas del Ministerio de Cultura para difundir
el contenido de las industrias culturales? ¿será suficiente la labor realizada? Aparentemente la
percepción y el enfoque que otorga el Ministerio de Cultura es valioso, pero no es suficiente,
ya que las cifras revelan que no se tiene el suficiente apoyo. En referencia a las promesas y
propuestas del Ministerio de Cultura, se conversó con Alejandro Neyra, actual Ministro de
Cultura (agosto 2020) sobre los proyectos que tienen con las Industrias Culturales. Fue así
que detalló lo siguiente en una entrevista online:
Tenemos una Política Nacional de Cultura al 2030 recientemente aprobada, que
promoverá el fortalecimiento de las industrias. Sobre la base de eso, se buscará cómo
fortalecer el sector más allá de continuar con los programas de estímulos que han
ayudado al crecimiento y en algunos casos como la industria del cine, a un desarrollo
sostenido. (A. Neyra, comunicación personal, fecha 2020) (Ver más Anexo 1)
En adición, el Ministro de Cultura, Alejandro Neyra declaró para la entrevista realizada para
esta investigación (agosto 2020) su postura frente a las ofertas culturales en el Perú siendo
afectado por la pandemia mundial del COVID-19:
26
Mucho pues ha afectado la oferta cultural, una que venía en crecimiento y que
lamentablemente si bien es cierto se ha reiniciado en algunos casos (el mundo editorial,
por ejemplo) en otros casos aún no tiene fecha de reinicio (artes escénicas, por
ejemplo). No obstante, ello se ha demostrado la resiliencia del sector y en algunos casos
nuestros gestores han encontrado en lo virtual una forma de reinvención. (A. Neyra,
comunicación personal, fecha 2020) (Ver más Anexo 1)
A modo de conclusión, está claro que el campo de las industrias culturales es amplio y en la
ejecución resulta complicado manejar todas las categorías para que caminen en un solo andar,
es ahí donde nacen las mediaciones culturales para apoyar la función del Ministerio.
Mediaciones culturales. Las mediaciones culturales son una herramienta que ayuda a las
industrias culturales como medio de difusión para tener un mayor alcance en la ciudadanía
dando lugar a la expresividad cultural. Por ello, las mediaciones culturales son una propuesta
comunicacional (como disciplina) que ayuda a discernir y debatir temas políticos, culturales y
comunicacionales. Ruiz Marín lo detalla de la siguiente manera:
La base de las mediaciones culturales consiste en concebir y comprender al proceso
comunicativo en su dimensión relacional (comunicacional), de intercambio (cultural) y
de negociación (política) como lugar de interacción. Es así que la mediación no es un
concepto, es una acción que permite hacer una "acción comunicación. Ruiz Marín
(2004, p.64)
En adición, las mediaciones y las industrias culturales, al ser entendidas como el conjunto de
recursos de medios de comunicación que integran un sistema para generar ganancias por ser
más accesible a las masas al ser un medio de difusión dan como consecuencia que no hay una
preocupación por el contenido de los productos, aunque sí con el registro estadístico de los
consumidores. Silva da Costa (2003)
27
De acuerdo con la postura de Silva da Costa a diferencia de otras industrias, las mediaciones
culturales tienen visionado un fin monetario, donde el consumidor de cultura absorbe el
contenido en grandes rasgos. Sin embargo, también considero apropiado aportar que las
industrias culturales, junto a las mediaciones culturales, están hechas para potenciar los
recursos del conocimiento cultural y social, que acondiciona la sociedad para convivir
culturalmente, porque su eje principal, más que el contenido es el consumo.
Por otra parte, la globalización ayuda a las mediaciones culturales con el aporte de la
tecnología, es decir, los cimientos indispensables para la era digital residen en las industrias
culturales tradicionales, aunque sean parcialmente reconvertidas y adaptadas a los nuevos
soportes y mercados, jugando un papel cada vez más importante para la economía y el
crecimiento del empleo. Además de ser el motor económico y de desarrollo de la Sociedad de
la Información. Bustamante (2002, p.24)
Por último, la globalización tiene un rol de “puente” entre las mediaciones culturales y el
consumidor final, ya que en este proceso se crea la “convergencia digital” que se resume en la
adaptabilidad de la correcta información en los diversos medios de comunicación. Al estar
vinculado a este fenómeno, incentiva que los medios de comunicación intensifiquen su
contenido para ser difundido.
Tecnologías de la información y comunicación (TIC). Las TICs definidas como un
conjunto de herramientas que guardan relación con la transmisión, procesamiento y
almacenamiento digitalizado de la información, tuvo impacto desde los inicios de las
industrias culturales adaptándose a lo que era la radio, televisión, prensa, cine, teatros, etc.
para producir contenidos y vincularse con las mediaciones culturales para canalizar mejor la
información. Las industrias culturales estuvieron a favor de este movimiento puesto que
generaba producción y distribución en la economía.
28
Las Tics fomentan culturas porque son máquinas narrativas que socializan una variedad de
relatos, visibilizan una diversidad de sujetos, extienden las escenas del sentido e intervienen
simbólicamente en la sociedad contemporánea. Habitamos en culturas mediáticas, ya que
somos una sociedad en la que los medios de comunicación se instalan como espejos donde
nosotros devolvemos lo mediático (Rincón, 2006, p. 20) con la idea de convertir esta cultura
en una premisa de confianza para tener “comunicación mundial” para generar la necesidad de
estar conectado con el mundo.
La sociedad necesita un impulso y motivación para seguir creando valores democráticos. Las
mediaciones culturales y las industrias culturales son un puente en la construcción de la
ciudadanía, donde se requiere diseño y estrategias para que los medios de comunicación
difundan el contenido sin discriminación (Ministerio de Cultura, 2012, p. 26).
Finalmente, las TICs son importantes para las industrias culturales puesto que ayudan a
canalizar de una manera apropiada, digitalizada y organizada la información. Se convierten en
un elemento esencial de la comunidad (también influenciado por la globalización) para
acceder al contenido de las industrias culturales a nivel mundial. A parte, las TICs sirven
como herramienta para poder comprender el contexto en el que se ubican los nuevos
consumos culturales, para analizar si los medios empleados son los correctos o no de acuerdo
con la sostenibilidad de la industria teatral.
Consumos culturales.
Construcción social de los consumos culturales. El consumo es una práctica
sociocultural que se piensa como espacio clave para la comprensión de los comportamientos
sociales (Mata, 1997). Los estudios sobre los consumos culturales, por su parte, enriquecen a
la comunidad, develando el real papel que cumplen no sólo los medios de comunicación, sino
el propio consumo cultural, donde se estudia el comportamiento social y la metodología que
incorpora el análisis cultural de la vida social.
29
El término construcción social resulta complejo si es que el público objetivo es amplio, por
ello, Jordi (2015) determina: “La construcción social no tiene un significado universal, varía
según los grupos sociales que los crean y recrean siguiendo los principios culturales que
organizan la interacción social dentro del grupo y entre éste y otros grupos sociales” (López,
2015, p. 22); variando según los estilos de vida con la finalidad de interpretar sus prácticas de
consumo cultural.
La relación entre los jóvenes y el consumo cultural se ha afianzado cada vez más con el paso
del tiempo; los jóvenes obtienen identidad cultural a raíz de su consumo, por ello se ven en la
necesidad de estar involucrados en actividades que satisfagan sus intereses y gustos.
El consumo, al ser considerado de carácter social, es receptor de una considerable proporción
de recursos económicos, temporales y emocionales, que no sólo busca satisfacer necesidades,
sino también el deseo de interactuar con los otros. Es una actividad social que engulle tiempo
y energía, y que se encuentra impregnada de nuestros sueños de satisfacción de necesidades y
deseos (Bauman, 2000), con la finalidad de reflexionar sobre las transformaciones que
generan los consumos culturales en distintas perspectivas y etapas de la vida.
Por otra parte, la sociedad posee una identidad que refleja y muestra cuanto obtiene de
participación en el mercado de los consumos culturales. Su interés o rechazo es identificado
cuando se enfrenta a actividades que son nuevas (principal potencial para obtener un
consumidor fiel). Gracias a la globalización, el consumo cultural no es ajeno al perfil del
consumidor; con los procesos culturales que involucran la identidad y la participación, se
detalla con mayor precisión la construcción social de los consumos culturales.
Hay que enfrentar el consumo como un fenómeno social trascendente y multidimensional,
cuya presencia e influjo en nuestras sociedades contemporáneas es tan relevante, que alcanza
la creación y estructuración de nuestras identidades individuales y colectivas, y que incide y
conforma los modos de formas de expresión relacionales (Alonso, 2017). Así pues, el teatro
30
en tanto industria cultural, al ser parte del fenómeno de los consumos culturales, se ve
afectado por el poco interés de las masas en su participación poniendo en riesgo la
sostenibilidad teatral.
En la encuesta realizada para esta investigación (figura 4) a una muestra de 60 jóvenes de la
ciudad de Lima, la pregunta referida al conocimiento sobre los consumos culturales, obtiene
como respuesta que 25 jóvenes (porcentaje) desconocen el término “consumo cultural”
mientras que los otros 35 jóvenes (porcentaje) que sí lo conocen, relacionan al consumo
cultural con el cine. Dicha respuesta da a entender que no hay información sobre la definición
concreta de qué son los consumos culturales y que actividades comprenden.
Figura 4 Encuesta sobre el consumo cultural. Elaboración propia (2020)
Finalmente, los ciudadanos cumplen un rol de agente de vociferación de cultura cuando
participan en el consumo de alguna categoría de las industrias culturales. El vínculo entre las
personas y los consumos culturales va más allá de una información cuantitativa, repercute en
el impacto, desarrollo y sostenibilidad de la cultura; por ello, esta investigación tiene como
premisa investigar el desinterés por parte de los limeños al acudir y consumir una categoría
cultural, puntualmente al teatro.
Tipos de consumos culturales. Los consumos culturales al ser respuesta de la interacción
de las personas por sus intereses hacia las industrias culturales se clasifican en dos tipos según
31
la categoría donde se desarrolle. La UNESCO (2010) clasifica a los consumos culturales
como actividades, bienes y servicios que, independientemente del valor comercial, brindan un
mismo fin entre sí.
Organización
cultural
Actividades
culturales Naturaleza
Grado de
reproducción Sector
Museo
Pintura, Escultura,
Fotografía,
Arquitectura
Artes plásticas Servicios
culturales
Sector de las
artes
Entidad Escénica Teatro, Danza,
Opera, Música Artes Escénicas
Industria
Cinematográfica Cine, Videos
Artes
audiovisuales
Bienes culturales Industrias
culturales
Industria
Fonográfica Discos
Comunicación Radio, Televisión
Industria del Libro Libros Artes gráficas
Otras Diseño, Artesanía Artes aplicadas
Cuadro 1 Organización cultural. UNESCO (2010) Como detalla el cuadro superior, según la organización cultural se subdivide en otras
categorías (actividades) para poder identificar su naturaleza y posicionarlo correctamente en
el sector. Esta división ayuda a segmentar mejor a los ciudadanos para diferenciar los
servicios culturales de los bienes culturales.
De acuerdo con Divulgación dinámica, define en su artículo de blog web al tipo “servicio
cultural” como una actividad artística sin fines de lucro: “Se trata de actividades que, en cierta
medida, son perecederas y con reducido grado de reproducción, lo que permite afirmar que
son de naturaleza única. Las entidades que prestan servicios culturales tienen principalmente
una finalidad no lucrativa” (Divulgación dinámica, 2017). Por ello, los servicios culturales
están a disposición de la ciudadanía para poder desarrollar actividades con el propósito de
comprender lo que pasa alrededor.
A su vez, los servicios culturales son actividades que ayudan a variar la naturaleza de la
persona, que experimenta vivencias para satisfacer sus necesidades tanto emocionales como
32
intelectuales, experimentando el intercambio de contenidos en grupo o individual, gozando el
resultado de la creatividad de los servicios culturales, los cuales tienen un autor y posee los
derechos (Lasuén et al., 2004).
Por otra parte, a diferencia de los servicios culturales; los bienes culturales son actividades
artísticas con un fin lucrativo para su reproducción; por ejemplo, un bien cultural sería el cine,
quién es competencia del teatro puesto que en ambos se desarrolla la puesta en escena, solo
que en el cine hay un objeto/producto resultante: la película, y en el teatro no, es un arte en
vivo. En adición, Divulgación dinámica define al bien cultural como:
Una actividad artística de creación individual y producción en serie materializada en un
soporte tangible, cuyo consumo es potencialmente masivo ante la posibilidad de una
elevada difusión si bien el mismo supone una experiencia estética individual. Además,
las empresas que lo fabrican y comercializan persiguen generalmente un fin lucrativo.
(Divulgación dinámica, 2017)
En concreto, los servicios y bienes culturales tienen la finalidad de categorizar los consumos
culturales manteniendo un orden. Los bienes son más fáciles de gestionar por su naturaleza
objetual y comercial; y los servicios suelen resultar más difíciles; sin embargo, debe existir un
balance más igualitario en el apoyo de cada tipo de consumo cultural, para que ninguna
categoría se vea afectada. En el siguiente punto se mostrarán cifras de participación donde se
demuestra el riesgo de la sostenibilidad del teatro a diferencia de otros consumos culturales.
El consumo cultural en cifras. En el Perú, el Instituto Nacional de Estadística e
Informática (INEI), es la institución del Estado que tiene como función principal informar a la
sociedad en cifras o porcentajes anuales, sobre todo, incluidos los productos o servicios en el
país. Se suele usar el método de encuestas con las características de género, edad, distrito,
preferencias, etc. para obtener un mejor resultado.
33
Por ejemplo, INEI (2019) detalla en el Cuadro 2 Rubros de cultura 2016 – 2018 INEI (en
porcentaje) el interés de los jóvenes mayores de 18 años con respecto a los espectáculos
escénicos ya sea teatro, danza o circo en cada año.
Cuadro 2 Rubros de cultura 2016 – 2018. INEI (2019)
El cuadro 2, sobre rubros de cultura 2016 – 2018 detalla que, dentro de las Industrias
Culturales, el sector de espectáculo escénico tiene un porcentaje de 29.1% de participación
por parte de los jóvenes en el mercado en el 2018. A su vez, muestra que el teatro es el menos
participativo por los jóvenes.
Según a la estadística presentada por INEI (2019) sobre la asistencia anual (figura 5). En el
2018, a nivel nacional, el 77.1% de los peruanos asistieron al menos a un servicio de cultura
en 1 año.
Figura 5 Asistencia por año (%). INEI (2019)
Este resultado da a conocer que efectivamente existe un interés por parte de la sociedad el
querer estar en contacto con las industrias culturales, pero al ser tan grande y diversa, hay sub
categorías que no llegan a tener el mismo impacto de interacción por diversos factores.
75.1
78.2
77.1
2016 2017 2018
Rubros
Año Variación porcentual
(2017 – 2018) 2016 2017 2018
Espectáculo escénico
(teatro, danza, circo) 29.7 30.3 29.1 -1.2
Teatro 8.8 9.3 9.6 0.3
Danza 19.1 19.3 19.1 -0.2
Circo 10.2 10.6 8.7 -1.9
34
La sub categoría que lidera en las Industrias Culturales son las festividades locales (fiestas
patronales, carnavales, entre otros) al acumular masas de personas y ser tradición. La figura 6,
sobre asistencia por subcategorías, muestra que estas festividades tienen 48.3% de
participación entre la sociedad. Esta imagen ayuda como referente para profundizar en las
ramas que menor participación tiene en la ciudad de Lima con el fin de difundir y
posicionarlo como eje de cultura social.
Figura 6 Asistencia por sub categorías. INEI (2019)
Reforzando la información obtenida del cuadro 2 sobre el bajo porcentaje de asistencia al
Teatro respecto a otras categorías más masivas; en las entrevistas (agosto 2020) con Vanessa
Ferro, quién es directora de teatro y, Aníbal Lozano, quién es actor profesional; ambos
coinciden en que un posible factor para la limitada asistencia de los jóvenes al teatro es que
no hay educación al respecto; los jóvenes, en su mayoría, no crecen con una educación
cultural sobre las diferentes categorías de las industrias culturales. Conforme uno va
creciendo, va obteniendo nuevos entretenimientos y posiblemente descubra al teatro y otras
categorías o no.
Las estadísticas del INEI informan que hay un amplio mercado en el sector de industrias
culturales, y que su participación ha ido creciendo, convirtiéndose en masiva gracias a la
variedad y difusión en los medios de comunicación; y no hay que olvidar que juegan un papel
fundamental en el desarrollo y mejora de cada persona.
48.3
33.626
19.113.3
9.6 7.9 6.5 6.5
35
Tendencias sociales de consumo. La definición de tendencias sociales de consumo es
desarrollada por el investigador de tendencias sociales Vejlgaard, H., quién señala que: “Para
un sociólogo de las tendencias ésta no es algo que ya pasó, sino una predicción de algo que
pasará en cierto momento, y en término más específicos, algo que será aceptado por la
persona promedio” (Vejlgaard, 2008, p. 8). Sumado a ello, las tendencias sociales y de
consumo también analizan el comportamiento en los grupos humanos haciendo hincapié en su
estrecha relación entre consumidor y bien o servicio cultural. Es decir, la tendencia social es
el reflejo del contexto en que una ciudadanía se encuentra, generando un proceso social y una
planeación previa. El tiempo es clave en la tendencia social ya que genera cambios en el
contexto social.
Por ello es importante pensar las formas en que se puede alimentar la construcción de una
cultura de consumo de teatro, considerando que el teatro aún no está categorizado como una
tendencia cultural por parte de los jóvenes, cuya participación es limitada, y que es incierta su
sostenibilidad y perdurabilidad, tal como se mostró en las cifras.
Sumado a ello, Alcaide, J. (2010) define a estas tendencias como el determinante para:
“detectar valores sociales relevantes (y cambiantes) para luego traducirlos en tendencias de
consumo”. Esto genera un enfoque positivo hacia los consumos culturales porque incentiva
que mientras más participación se tenga en el mercado, la sociedad va a obtener cambios en
sus valores culturales.
Por último, las tendencias sociales y de consumo se actualizan constantemente. De acuerdo
con el consumo cultural de las industrias culturales, se comprende que, según los tipos de esta
industria, existe una tendencia en particular donde algunas categorías predominan más que
otras. En otras palabras, dentro de la industria cultural existe competencia y siempre va a
destacar una categoría, la cual estaría dentro de las tendencias sociales y de consumo
(directamente mencionando a las festividades tradicionales según INEI).
36
La oferta cultural y el consumidor. Las industrias culturales al tener, a su vez, sub
categorías abiertas para distintos públicos objetivos, promociona ofertas culturales con la
finalidad de incentivar el consumo en masa y que más personas se involucren con los bienes y
servicios culturales. Según López:
Por efecto de la constitución del mercado como mecanismo central de regulación, una
parte de la oferta cultural y comunicativa es cada vez más segmentada, especializada,
individualizada y dependiente de las demandas, sin perjuicio del mantenimiento en
paralelo de una cultura de masas. (López, 2007, p.134)
En esta era llena de tecnología e innovación, el consumidor se ve abordado por los medios de
comunicación que desean informarle sobre las ofertas y propuestas; las redes sociales y el
Internet juegan un rol importante en la relación entre la oferta cultural y el consumidor, puesto
que utilizan el big data y sus intereses para segmentar targets con el propósito de mostrarle
primero sus preferencias a modo de jalador.
Existe una web llamada “En Lima | Agenda cultural” donde se muestra la agenda mensual de
las ofertas culturales; cine, teatro, exposiciones, conciertos, etc. Dada la coyuntura del
COVID19, esta agenda se ha reinventado y muestra películas y exhibiciones gratuitas por
transmisiones en vivo en redes sociales, etc. Esto significa que el consumidor sigue conectado
a los eventos culturales, pero de manera digital. En otras circunstancias, un ejemplo de ello es
la UNESCO, aprovechando que los consumidores no pueden salir de sus hogares y necesitan
de entretenimiento, creó acceso libre a la Biblioteca Digital Mundial donde es posible
consultar información relacionado a historia, fotografía, etc. brindando la oportunidad de
descubrir tesoros históricos creando una cultura de consumo cultural “online”.
La Agencia Peruana de Noticias – Andina (2018), mostró una nota de prensa en la cual detalla
que los peruanos pudieron acceder a una oferta cultural diversa sin discriminación, el cual fue
respaldado por el Ministerio de Cultura: “Incentivó la creación y gestión cultural,
37
reconociendo de este modo la relevancia de las industrias culturales y creativas sobre el
fortalecimiento de la ciudadanía y sobre la productividad y competitividad del sector”.
El Ministerio de Cultura recibió un importe monetario para el financiamiento de proyectos de
producción artística y cultural en el país (industrias culturales). Como resultado de ello, el
Gran Teatro Nacional tuvo la oportunidad de brindar más de 100 espectáculos (públicos y
gratuitos); esta modalidad se aplicó en los diversos sectores de la industria cultural con la
visión de posicionar al Perú como un destino más interesante y culto.
Nuevos consumos culturales y sociedad. A nivel mundial, las nuevas tecnologías y su
desarrollo dan oportunidades a modificaciones socioculturales, las cuales afectan a las
sociedades, industrias, colectivos, etc. Se define “nuevos consumos culturales” como la
migración de lo tradicional hacia lo digital. Es decir, el poder que tiene la globalización para
adicionar tecnología en los consumos culturales y a su vez masificar, sin la necesidad de
compartir un mismo espacio.
En relación con las nuevas tecnologías y los consumos culturales, es importante reflexionar
acerca de cómo se define “consumos culturales” en un contexto de reformulación de la cultura
y de los bienes simbólicos en función del impacto de las nuevas tecnologías tanto en la
producción cultural como en el vínculo de los sujetos con el universo simbólico general.
¿Cuál es la relación que los sujetos establecen con la esfera cultural a partir de la presencia de
Internet teniendo como finalidad el consumo cultural? (Pini et al., 2012).
El Internet se ha posicionado en la actividad diaria de las personas ya que, en ciertos casos,
para estar ligado a ciertas actividades, se necesita del Internet para adquirir el contenido. Los
nuevos consumos culturales no son ajenos a esta premisa, ya que su digitalización, circulación
y consumo, permite que se venda de una manera masiva y se intensifique; logrando así
mantener a la sociedad involucrada, y al mismo tiempo, perfeccionar su vínculo con la
tecnología y adaptarla a las industrias culturales permanentemente.
38
La sociedad interpreta a la cultura digital como consumida y reinterpretada, ya que destaca
que coexiste un vínculo entre las tecnologías y los contextos sociales. Así, la cultura digital
solo tiene sentido en la medida en que es utilizada y practicada por los actores sociales, entre
los cuales destaca sobremanera la juventud” (Merino, 2010).
El néctar de virtualizar los consumos culturales y adaptarlo como “nuevo” no significa que
carezca de socialización, ya que son personas que comparten compatibilidad en caracteres,
creando comunidades virtuales con un insight de interés.
Dentro del contexto de las comunidades virtuales, existe la socialización donde las personas
con características o intereses similares establecen relaciones, pero no con el mismo carácter
que tiene una comunidad física. En esta comunidad, se relacionan personas con intereses
individuales en común, afinidades y valores; además, tienen 3 pilares básicos: interactividad,
componente afectivo y el tiempo de interactividad que son fundamentales para estar activos
en una comunidad virtual (Racciope, 2008).
Martín Barbero, J. (2002) propone la probabilidad de cambios en los estándares de
comunicación, quien da oportunidades estratégicas. Por una parte, la digitalización como
mediador de un lenguaje común de datos, textos, sonidos, imágenes, el cambio de lo
inteligible a lo emocional, de la ciencia al arte, así como la cultura a los medios digitales. Por
otra parte, permite la digitalización ya mencionada como un aporte a los movimientos y
medios comunitarios. La tecnología remite a los nuevos modos de percepción y reproducción
del lenguaje.
A modo de conclusión, la tecnología ha servido como mediador y agente para impulsar a los
nuevos consumos culturales hacia la modernización y la masificación. Cabe resaltar que hay
esencias netas que una actividad cultural transmite de manera física a diferencia de una
digital, sin embargo, el propósito de la migración es poder adaptarse a la coyuntura de
transformación y seguir vociferando la cultura en grandes rasgos.
39
Industria teatral.
¿Qué es el teatro? (descripción, historia, tipos). Desglosar el término “teatro” es
retroceder siglos en la historia para diferenciar los tipos de teatro que existían desde la
creación del hombre. Antiguamente, el teatro griego se desarrollaba con seres mitológicos el
teatro romano, el medieval y del Renacimiento; de esta manera, el hombre no perdía su
esencia de comunicar el mensaje (fuente principal del teatro: el diálogo) y de interpretar roles
que la naturaleza le otorgaba, ya sea de rey, líder, etc.
La terminología de la palabra teatro proviene del término griego theatron que significa “lugar
para mirar”. Por ende, el término original aludía tanto al sitio donde se llevaba a cabo como a
la actividad dramática en sí que explica la idea sobre el espacio y el rol que cumple el teatro
(Balme, 2008). Renault & Vialaret por su parte, respaldan esta idea, definiendolo como un
lugar que las personas utilizan para reunirse, el cual te invita a despertar emociones:
El teatro es un arte noble… En él se habla del lugar, de repertorio o de representación,
pero no hay ninguna definición única y completa. En su origen, el teatro es un nombre
de un lugar donde se reúnen las gentes: hay quienes van a ver, a escuchar, a reír, a
llorar, a entretenerse, a divertirse, a reflexionar, a compartir. Y hay también quienes van
a “actuar”. Narran, hacen reír y llorar nos hacen participar en una emoción o en una
idea. Renoult & Vialaret (1994, pp.16-19)
No siempre se menciona al teatro como un espacio físico, si no, a lo que se desarrolla en él.
Se considera una acción teatral (el medio para expresar, transmitir y comunicar algo) y de
interpretación. El espectador, por su lado, hace referencia a lo que desea ver y escuchar; por el
lado de los actores, su manera de presentar y contar la historia, exponer el equilibrio entre
realidad o equilibrio.
El teatro, al ser un arte que data desde siglos atrás, su enfoque ha pasado a ser también
educativo popular. En una época de la historia, cuando el analfabetismo impedía que la prensa
40
y los libros cumplan con su función de educar, y sumado a ello, no existía ni el cine ni la
televisión, el teatro tomaba el rol de educador (Renoult & Vialaret, 1994).
Como se detalló capítulos anteriores, dentro de las industrias culturales, hay sub ramas donde
cada una se desarrolla de manera independiente con la finalidad de promover la cultura. El
teatro es una de las sub ramas que conlleva desde la planificación del tema de la obra (guion,
casting, producción, entre otros) hasta su puesta en escena.
El teatro es un hecho social y Trancón lo define de la siguiente manera para esclarecer que no
solo es un lugar físico:
El teatro existe como tal en la medida en que es una actividad cultural, social y artística
específica, directamente reconocible como tal y distinta de otras obras culturales,
sociales y artísticas. El teatro es un hecho social que se distingue de otros hechos
sociales, ocupa un lugar propio y distinto dentro del sistema social, institucional y
simbólico. Esto significa que no sólo es un hecho físico… sino también una realidad
simbólica. Trancón (2006, p. 88)
De acuerdo con Trancón, el teatro no solo es un hecho físico, si no, también es una realidad
simbólica ya que trasciende según la temática a desarrollar. Sin embargo, la ciudadanía suele
confundir el teatro como un espectáculo. Si bien lo ficticio puede ser espectacular, no todo lo
espectacular puede ser ficticio, porque no es suficiente lo espectacular como sinónimo de
teatro.
Cuando el teatro toma protagonismo, se reparten roles entre el actor y el espectador. Es así
como lo define Fischer-Lichte (1999) con una interpretación detallada desde la perspectiva de
la semiótica del teatro: A encarna a X mientras S lo presencia. El teatro, aunque su
producción sea escasa, siempre necesita que una persona A represente a X mientras que S
toma el rol de espectador. A deja de existir para que X cobre vida con esencia humana.
41
Por otra parte, la industria teatral definida como industria, no existe. El teatro ha adaptado ese
término por el desarrollo que engloba y la gestión, ya que como su nombre lo detalla, es la
industria que involucra al teatro y todo lo que comprende esta rama de las industrias
culturales. Involucra también, empresas o instituciones cuya función principal es la
producción de cultura con una finalidad lucrativa o no, siendo elaborados para incentivar el
consumo de los objetos culturales. La producción de la industria teatral engloba actividades
desde la perspectiva de un productor, director o un especializado en obras de teatro. Esta
producción comprende desde el planeamiento de escenografía, iluminación, sonido hasta la
gestión comercial para ayudar en la puesta en escena.
Dentro de lo que comprende la industria teatral, existen dos tipos arquetípicos que deben
tomarse en cuenta. Primero, el teatro comercial, que se refiere a un proyecto empresarial que
busca generar dinero al realizar una puesta teatral y poder obtener una ganancia que serán
distribuidas entre los implicados en su desarrollo. Segundo, el teatro cultural, cuyo objetivo es
promover una propuesta y mensaje; es decir cumplir una función social, sin priorizar un
retorno en la inversión realizada, sino en difundir el teatro y el contenido de la obra en sí
misma Rothgiesser(2011).
Además de ello, existen diversos tipos de teatro según el contexto en el que se hayan
desarrollado y evolucionado. En esta oportunidad, se mencionarán algunos de ellos, por
ejemplo: el teatro antiguo Egipto, teatro griego, teatro Romano, teatro Oriental, teatro
japonés, teatro Prehispánico, tetro italiano, teatro español, teatro francés, teatro Barroco y
neoclásico, teatro moderno, teatro romántico, teatro contemporáneo, teatro musical, entre
otros.
A modo de conclusión, el teatro ha estado presente en la historia de la humanidad durante
siglos. Con los años ha ido evolucionando según la necesidad del hombre y por la
globalización. Desde sus inicios, el teatro como arte ha otorgado beneficios a la comunidad
42
como educación, la cual se mantiene hasta la actualidad. Además, cada tipo de teatro ha sido
importante porque han servido como referencia e influencia para su desarrollo. Por otra parte,
el teatro al ser un arte universal, se desarrolla en cada país, por lo que en el siguiente tema se
enfocará el teatro en el Perú.
El teatro en el Perú (historia). El origen del teatro peruano tiene como cuna a las culturas
prehispánicas, quiénes buscaban aprender a expresarse para facilitar la comunicación entre
diferentes tribus y con los dioses. En la época prehispánica, por ejemplo, se inició el Teatro
Quechua, el cual consistía en tomar plaza en representaciones religiosas con creencias de
aquella época, siendo una puesta en escena con tradiciones rituales.
El teatro peruano ha pasado por altos y bajos, picos de gloria como también escases de
público, con la finalidad de posicionarse en las industrias culturales. Marca Perú publicó un
blog donde se narran hechos históricos culturales del teatro en el Perú, los cuales han servido
de inspiración para exponer obras teatrales actuales: “En el Perú, el teatro tomó forma con las
artes escénicas quechua... Los incas marcaron un hito representando sus creencias religiosas y
culturales. En ese marco, surgió la primera obra teatral del Perú, que se tituló ´Ollantay´”
(Marca Perú, 2018).
El primer teatro en Lima fue llamado El Teatro Principal de la Opera por idea del Virrey José
Antonio Manso de Velasco en 1747 al ver que era un ente económico a favor del país. Se
construyó en el mismo lugar donde el primer Corral de Comedias se ubicaba luego de ser
destruido en 1746 por el terremoto. En 1874 se bautiza como Teatro Principal por la
interacción con la sociedad limeña, inaugurándose con la ópera “ll Trovatore”.
Luego de un incendio en 1883 que dio lugar a su destrucción, en 1890 se construye bajo el
nombre Teatro Portátil. Años más tarde, inicios de 1909 se reinaugura el teatro con el nombre
de Teatro Municipal ya que su construcción estuvo liderada por el alcalde Federico Elguera,
el cual buscó plasmar comodidad, lujo en sus acabados, excelente calidad en la tecnología de
43
aquella época. Por último, en 1929 se le cambia el nombre a Teatro Manuel Ascencio Segura
(el cuál conserva hasta la actualidad), en honor del escritor peruano Manuel Ascencio Segura
(Lima La Única, 2007).
La obra “Ña Catita” fue una obra muy reconocida durante el siglo XIX ya que retrataba las
costumbres típicas de Lima. Esta obra tuvo como autores a Felipe Pardo y Aliaga y Manuel
Ascencio Segura, quienes eran precursores de la comedia en aquella época, representando las
características de la sociedad mestiza. Además, a raíz que la sociedad empezó a interesarse
por el teatro a modo de curiosidad, durante la primera mitad del siglo XX se crearon el
“Teatro de Arte de la Universidad Nacional Mayor de San Marcos” y la “Escuela de teatro de
la Pontificia Universidad Católica del Perú.”
El resurgimiento del teatro actual es gracias a actores contemporáneos puesto que sufrió una
crisis en las décadas entre 1960 y 1990 donde obligaron a cambiar drásticamente la temática
social teatral, sumado a crisis económicas y políticas, teniendo como resultado la reducción
de producción teatral. Además, la esencia cultural que había logrado posicionarse, tuvo
complicaciones ya que no había un apoyo nacional.
Figura 7 Línea del tiempo del teatro en el Perú. Elaboración propia (2020)
La figura 7 muestra en resumen el proceso por el cual ha pasado el teatro desde sus inicios en
Lima hasta el Siglo XX. Así pues, considerando sus inicios con el Teatro Quechua, pasando
por una etapa colonial donde la conquista estaba a manos de los españoles para llegar a una
época republicana donde se generaba más polémica de lo que era una obra de teatro por el
costumbrismo.
Se inició con el Teatro
Quechua: Su representación
era religiosa
Etapa colonial: El inicio formal
del teatro, teniendo en
cuenta el primer "drama colonial"
Época Republicana:
Plasmar la realidad peruana de forma satírica
Posguerra: El teatro tuvo un
giro radical luego de la
guerra con Chile
Siglo XX: Se complica la
situación teatral y se pierde la
esencia lograda
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Por último, a modo de crítica, considero que la evolución del teatro ha marcado hechos
históricos donde ha prevalecido la difusión de cultura y tradición, pasando por momentos de
crisis donde su esencia se vio vulnerada. Sin embargo, sigue emergente ante cualquier
coyuntura, grandes personajes de la historia han tenido oportunidad de actuar en los teatros de
Lima, pero su situación actual pone en riesgo la sostenibilidad de la industria por la
participación de los espectadores.
Situación y gestión teatral. La industria teatral en el Perú es una de las industrias
culturales menos respaldadas por el Gobierno y también, la que recibe menos apoyo
económico. Aún está vigente y trata de encontrar un nuevo nicho digital, pero se tiene que
seguir trabajando en ello para la perdurabilidad de la industria teatral.
La gestión teatral se encarga de mantener en pie a la industria teatral con la calidad del
espectáculo para obtener rentabilidad de ello (de esta manera, se aporta económicamente al
país). La mayoría de los grupos independientes de teatro invierten en costos directos e
indirectos (producción, mantenimiento, promoción, sueldos, entre otros) que estima ser un
60% de la entrada (Vega, 2015).
La baja empatía de las instituciones del Estado con la industria teatral es un tema que ha
trascendido en varios países convirtiéndose en un fenómeno. Desafortunadamente, Perú es un
país donde la educación es inferior en comparación a otros países del continente. Se ha
destacado que la institucionalidad cultural se encuentra aún en desarrollo, por ello no se le
puede exigir más a una industria que puede tener “amor al arte” sin ser rentable. Asimismo, y
de manera preliminar, se puede hablar de que el proceso de formulación de políticas culturales
en los países de América Latina está también en pleno desarrollo (CNCA, 2012).
Se considera pertinente citar la frase popular “un país con cultura es un país educado y
superior”, ya que la cultura brinda oportunidades de crecimiento personal junto a una
capacidad crítica constructiva de temas relacionados a la realidad diaria. Sin embargo, pese a
45
los aportes que puede generar el teatro en nosotros como humanos, se ve limitado de mostrar
en masas por la situación actual que atraviesa el teatro.
Por otra parte, en Lima hay directivos y gestores culturales que continúan apostando por esta
industria pese a las falencias que presenta. Uno de ellos es Fernando Torres, director cultural
del IPCNA, quién realizó una entrevista para el blog Presencia Cultural (2006) en donde se
cuestiona si realmente existe una industria cultural y teatral en el Perú ya que es un estilo de
vida que permite estar económicamente estable por temporadas dudando así poder vivir del
arte; en su entrevista muestra preocupación, ya que le sorprende que una industria que aporta
al PBI se vea desamparada por el gobierno. También, menciona que la industria teatral debe
tener presencia en la educación para que no exista “diferencia elitista” entre personas que sí
poseen una educación artística / cultural y quiénes no.
Sobre eso mismo, Presencia Cultural realizó una entrevista a David Carrillo, quién es director
de teatro actualmente, y quien detalló que, para realzar, revivir y mostrar a la industria teatral
como un eje primordial, la sociedad debe sentir orgullo de ello:
Industria es una palabra muy grande… hay un esfuerzo muy tozudo y visionario, hay
gente que está trabajando para tener un espacio cultural. El gran movimiento que he
visto en los últimos años y ha dado fruto, es el gastronómico… si viene alguien del
extranjero, no necesariamente le vas a dar teatro, pero lo que sí harás, es llevarlo a
comer platos tradicionales… Entonces, ese sentimiento de propiedad debería ser
expandido y contagiado por otras manifestaciones culturales, porque lo más importante
frente a las culturas es el orgullo y justamente eso es compartir con la gente que no
conoce lo que tú conoces. Presencia Cultural (24 de Junio del 2006)
Estas reflexiones hacen referencia a una intención de querer llevar al teatro a un nivel
superior. Sin embargo, las herramientas no son suficientes para lograrlo. No se puede exigir a
46
un joven que sienta apego y consuma obras teatrales si el desorden empieza por quiénes lo
dirigen. Así como indica David Carrillo, el peruano debe sentir orgullo por lo que consume.
Sumado a la situación que el teatro ya está atravesando, con la llegada de la pandemia
mundial (CODIV 19), el contexto tiende a empeorar. Esto se traduce en grandes pérdidas
económicas como, por ejemplo, 3 239 funciones de teatro peruano han sido canceladas,
significando casi 4,5 millones de soles paralizados para el rubro, dato que proporciona la
Asociación Cultural Playbill (Rodríguez, 2020).
El blog de noticias La Mula sacó una nota de prensa con tema el COVID 19 y el teatro, donde
expresa que el Movimiento de Grupos de Teatro Independiente del Perú envió una carta al
presidente Martín Vizcarra y a la ministra de Cultura, Sonia Guillén. En dicha carta piden
apoyo para la industria teatral, a cambio, el movimiento puede contribuir ofreciendo
solidariamente arte y educación ya que afirman que la cultura es vital para el país:
Nuestra experiencia creativa y organizativa en el trabajo con la comunidad, abordando
espacios y propiciando participación responsable, son medios indispensables para la
generación de acciones para la reflexión y procesamiento emocional e integral de las
circunstancias extremas por la que atravesamos personas, familias y comunidad en
general. El arte es inspirador, movilizador, terapéutico y transformador. Por esta razón
está contemplado internacionalmente como un factor de desarrollo dentro de las
concepciones avanzadas de gobierno y participación ciudadana. La Mula (15 abril,
2020)
Según Ernesto Ottone, Subdirector General de Cultura de la UNESCO, indica en la página
web de UNESCO: “la gente necesita la cultura ahora más que nunca. La cultura nos hace
resilientes, nos da esperanza, nos recuerda que no estamos solos” (Unesco, 2020). Con este
pensamiento, se podría reconstruir la situación teatral actual, no solo en nuestros valores
culturales, sino en nuestra forma de vincularnos los unos con los otros.
47
Por último, si la situación del teatro continúa como se desarrolla hasta la actualidad, sin el
apoyo del gobierno y de la ciudadanía, esta industria podría encontrarse vulnerable e inestable
para seguir sobreviviendo. Si el gobierno establece un marco legal y administrativo donde
respalde a la industria para promover la cultura, sería un paso adelante para trabajar en ello y
repotenciarlo.
Teatro en Lima. La industria teatral se desarrolla en cada departamento del Perú de
diferentes maneras, ya sea por la popularidad de su trayectoria, las obras que presenta en su
cartelera, el espacio que utiliza para la puesta en escena (segmentación), entre otros factores.
Sin embargo, Infoartes (2016) lanzó un informe oficial donde detalla que 2 de cada 10
peruanos han asistido alguna vez al teatro y, Perú cuenta con 64 salas de teatro a nivel
nacional, teniendo en Lima 45 salas mayormente ubicadas en Miraflores, Lima Cercado y
Barranco.
A propósito, el medio de comunicación Código (2018) elaboró una lista acerca de los
principales teatros de la ciudad de Lima: Teatro Mario Vargas Llosa (San Borja), Gran Teatro
Nacional (San Borja), Teatro Pirandello (Cercado de Lima), Teatro Municipal de Lima
(Cercado de Lima), Teatro La Plaza (Miraflores), Club de Teatro de Lima (Miraflores),
Microteatro Lima (Lima), Teatro Colón (Cercado de Lima), Teatro Mocha Graña (Cercado de
Lima), Teatro Racional (Lima), Teatro Peruano Japonés (Jesús María), Teatro Británico
(Miraflores), Teatro Canout (Miraflores), Teatro Escena 7 (Distrito de Lima), Yuyachkani
(Cercado de Lima), Teatro de Lucía (Miraflores), Teatro Felipe Pardo y Aliaga (Cercado de
Lima), Teatro Marsano (Miraflores).
Comprender que el país cuenta con 64 salas de teatro, es darles un papel importante a los
diferentes estilos de teatros. Uno de ellos es el microteatro, un tipo de teatro que comparte arte
en tiempo y espacio reducido donde se desarrolla varias obras de teatro en simultáneo.
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Otro tipo de teatro que tiene presencia en Lima es el teatro independiente. El cual es un
conjunto de manifestaciones teatrales, en su mayoría profesionales. Las variantes de este tipo
de teatro son el teatro universitario y el teatro callejero (espacios con públicos al aire libre)
con un enfoque y compromiso social.
Por otra parte, existen marcas que apoyan al teatro impulsando obras nacionales para
masificar su información. Tal es el caso de FAE Lima, un festival de artes escénicas que
busca resaltar al teatro mediante su lema “Todos somos teatro”, el cual es organizado por el
Británico Cultural, Centro Cultural PUCP, Centro Cultural Universidad de Lima, Centro
Cultural Universidad del Pacífico, Gran Teatro Nacional y Teatro La Plaza. Su aceptación en
la sociedad es positiva puesto que muestra variedad nacional e internacional en las puestas en
escena a un precio accesible y una edición renovada.
A propósito, Infoartes (2016) realizó una encuesta donde preguntaron a los peruanos ¿Cuándo
fue la última vez que usted fue al teatro o nunca ha ido al teatro? El resultado fue 76.4%
expresó nunca haber asistido, mientras que del 22.3 % de encuestados que declaró sí haber
asistido al teatro, por otra parte, el 64 % precisó que lo hizo hace más de un año.
Los resultados muestran que en la sociedad peruana existe un interés por ser partícipe de la
industria teatral pero no es suficiente porque su asistencia no llega ni al 25% (lo que significa
que hay una limitación por diversos factores). Por ese motivo, reforzando la participación de
los jóvenes hacia el teatro y su interés, esta investigación realizó una encuesta a una muestra
de 60 personas para saber su opinión acerca del teatro. El resultado fue interesante puesto que
se existe un patrón sobre la relación entre el teatro con cultura, pero hay un ente negativo que
logra cambiar la perspectiva de lo bueno del teatro. Sus opiniones fueron las siguientes:
El teatro es increíble pero no es muy aprovechado en el Perú. Previo a la pandemia si se
notaba interés en el teatro; hay que fomentarlo como un ítem cultural importante. Es un
evento poco promocionado a pesar de ser muy bueno. Es muy insipiente, falta más difusión e
49
inversión, aunque a veces hay obras muy buenas e interesantes. No he visto mucho al
respecto. Le falta publicidad. Es la mejor forma de culturizarnos y aprender sanamente. Hay
muy buenas obras, también hay malas y un poco caro. Me gusta bastante pero no siento que
expresa lo que realmente es, solo se aprecia como una tienda que vende, vende, vende, pero
no te explica que es. Puede ser un poco caro y no tengo conocimiento de lugares más allá de
teatros como municipal o nacional.
Las respuestas expuestas líneas arriba entre otras más dan a conocer que existe un gran
porcentaje de personas que conocen acerca del teatro y saben que no es muy valorado como
industria, en adición a ello, no lo consumen. Entonces, la pregunta es ¿qué está pasando? ¿qué
gestión está realizando el teatro para fidelizar a sus espectadores? Acto seguido se preguntó
“Si el teatro dejara de existir, ¿crees que afectaría al país?”, la respuesta fue la siguiente:
Figura 8 Encuesta a los jóvenes. Elaboración propia (2020)
La figura 8 muestra que las personas desconocen parcialmente el valor agregado y el aporte
económico del teatro hacia el país. Esta información debe ser difundida a modo de
conocimiento general sobre el teatro ya que es relevante saber la situación actual de la cultura
con respecto al país.
Por último y en opinión personal, en Lima hay mucho trabajo por hacer en la industria teatral,
ya que si hay un porcentaje de peruanos que participan en ello. Sin embargo, no es suficiente
para ser una industria rentable. Por otra parte, en los diferentes departamentos de Lima es bien
50
limitada la presencia teatral por temas económicos (inclusive, en algunas provincias no
existen espacios para llevar a cabo una obra de teatro). A raíz de esa necesidad, es que existen
las productoras teatrales con la finalidad de formalizar a la industria y poder expandir su
comunicación a todo el Perú de manera independiente.
Productoras en Lima. Las productoras de teatro son definidas como agentes productores de
artes escénicas tanto públicas como privadas. Las productoras tienen como objetivo
principal y la responsabilidad de producir una obra escénica para desarrollar danza, teatro
musical, ópera, entre otros (Observatorio Vasco de la Cultura, 2007, p. 4).
Además, según la gestión logística y cultural de cada productora, puede desarrollarse de
manera independiente. Tal es el caso del éxito de ciertas obras de teatro que son dirigidas
por un equipo de profesionales que llevan la gestión a través de una productora.
Cuadro 3 Clasificación de las organizaciones culturales. Varbanova (2013)
De acuerdo con la interpretación de Varbanova (2013) en el cuadro 3, las productoras
independientes son aquellas que producen y realizan sus propios montajes con recursos,
bajo un financiamiento propio. A diferencia de las vinculadas, son aquellas que cuentan
con un respaldo económico por tener producciones más elaboradas y con mayor fuente de
difusión.
En la ciudad de Lima existen 37 productoras aproximadamente. La mayoría de ellas tienen
décadas en funcionamiento con un enfoque cultural. Además, algunas productoras de
Clasificación de las organizaciones culturales
Autonomía Finalidad Financiamiento Naturaleza
Independientes Organizaciones
sin fines de
lucro
Fuentes
externas
Centros
culturales
Vinculadas Empresariales Comerciales
(ingresos
propios)
Teatro
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teatro en Lima sirven como escuela ya que enseñan teatro y artes complementarias a la
actuación, como baile, canto, expresión, entre otros.
Fernando Horna, quién es vicepresidente ejecutivo de Mapcity, declaró para el Diario Uno
su postura sobre las productoras de teatro en Lima:
Una posibilidad para potenciar este sector es llevar la experiencia vivida en la capital
a las principales ciudades del Perú con la finalidad de replicar un modelo exitoso que
permita la proliferación de teatros a nivel nacional. Hoy en día, en Lima, se generan
temporadas de teatro con asistencia masiva y con tickets que superan los 50 nuevos
soles. Horna (2015)
El punto de vista de Horna es válido, ya que es necesario masificar al teatro para que llegue
a todo el Perú y no solo se concentre en Lima. Esta responsabilidad puede ir directamente
con las productoras cuyo objetivo se basa en producir y comunicar las obras teatros.
Algunas de ellas, al manejarse de manera independiente, tienen la autonomía de poder
trasladarse; sin embargo, la aceptación de los espectáculos y el factor económico son
determinantes para poder trasladar una producción.
Algunas productoras de teatro necesitan de un respaldo económico para poder generar
grandes puestas en escena. Es por ello, las productoras convierten a ciertas marcas como
auspiciadores oficiales quiénes les ayuda con la inversión. Las marcas auspiciadoras suelen
ya tener un posicionamiento establecido en Lima para confianza del espectador.
Por otra parte, según el financiamiento que cada productora tiene y el tamaño que amerita
cada producción teatral, la industria teatral clasifica bajo una jerarquía el performance de
cada obra (cuadro 4):
52
Cuadro 4 Tipos de performance. Elaboración propia
Depende de los tipos de performance de una obra de teatro para saber costos fijos y precios
de las entradas. Si una obra de teatro es de alta performance, sabemos que el producto a
recibir es con tecnología avanzada y la mayoría de los actores ya son reconocidos en el
mercado. A diferencia de una baja performance (suelen ser micro teatros) donde las
entradas suelen costar a precio popular y actúan actores en formación inicial.
Por ejemplo, Adrián Galarcep, director artístico en Los Productores, declaró para el
periódico El Comercio ( 27 de noviembre del 2017) sobre la sostenibilidad alcanzada en
años, pero con riesgo del fracaso. Comenta que llenar una sala de teatro no es tarea fácil,
por ello hay un equipo a la vanguardia para saber cómo llegar a un nuevo público.
Un 30% de las butacas suelen llenarse cuando el precio está en preventa, seguido por las
promociones que anuncian tanto en redes sociales como en web. Sin embargo, no hay
marketing que supere a la recomendación, al boca a boca, a lo que un amigo diga que vio y
le gustó. Por ello, es consciente que las obras de teatro no existirían sin los auspiciadores,
quienes suelen cubrir el 20% al 30% de la financiación.
Por último, en Lima hay productoras que suelen tener mayor protagonismo que otras; ya
sea por el tipo de obra que tienen, la aceptación y segmentación de la ciudanía, su
posicionamiento como marca, entre otros. Una de las productoras que ha ido creciendo con
los años es “Los Productores”, quiénes producen, en su mayoría, obras de teatro con
enfoque comedia y cultural.
Alta performance
•Obras teatrales de alto costo
•Elenco reconocido
•Requerimientos técnicos personalizados
Media performance
•Obras teatrales de costo medio
•Elenco reconocido
•Requerimientos técnicos propios
Bajo performance
•Obras teatrales de bajo costo
•Poco elenco pero reconocido
•Requerimientos técnicos sencillos
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Caso de estudio “Los productores”. “Los productores” nace en el 2012 con el objetivo de
acercar a las personas con el teatro. Es una productora limeña con énfasis en hacer obras
musicales o comedia. Los productores, tiene a su vez, tres unidades de negocio: Teatro La
Plaza, Sala de Parto y Talleres La Plaza.
El manifiesto de Los Productores (2020) apela a las emociones que genera ver una obra de
teatro; su valor agregado es el tratamiento de abarcar los sentimientos, por los tipos de
obras que presentan:
Sabemos que riendo juntos generamos más endorfinas que haciéndolo solos.
Sabemos que los planes que salen el mismo día terminan generando las memorias
más permanentes. Sabemos que no hay mejor salida que la que te incluye. Las
butacas de los teatros en los que contamos nuestras historias han sostenido el peso de
nuestras risas. Los aplausos al final de cada noche son testimonio de que en el Perú
se están contando historias que conectan, que mueven y que trascienden. Los
Productores (2020)
Adrián Galarcep, director artístico en Los Productores; en una entrevista para el periódico
El Comercio, declaró que es complejo llevar personas al teatro. Por ende, el artista puede
amilanarse ante la frustración de no ver que su trabajo es apreciado. Sin embargo, confía
en dar un buen producto y encontrar los medios de comunicación adecuados para llenar
800 butacas (El Comercio, 12 de mayo del 2020).
Por otra parte, el público que asiste por primera vez a ver una obra de teatro de Los
Productores es aproximadamente el 15%. Con ese nuevo público ganado, hay una
responsabilidad para lograr que su experiencia sea impecable. Esta productora ha ido
atrayendo y fidelizando a su público objetivo con las diversas adaptaciones que han
montado construyendo un público para musicales y comedia.
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A modo de conclusión, esta productora ha ido creciendo de manera paulatina, ha tenido
éxitos en sus obras como también la necesidad de aumentar la inversión en publicidad para
captar un nuevo público objetivo. Como indica Galarcep, no es una tarea fácil, al contrario,
cada obra de teatro es un nuevo reto para que más personas gocen de una experiencia
cultural teatral. Los Productores iniciaron la idea de migrar el teatro a una era digital, dejar
atrás los telones para seguir en contacto con la ciudadanía.
Difusión del teatro en Lima (limitación de medios).
El nuevo teatro y su modernización (migración digital). El teatro es una de las categorías
de las industrias culturales que siempre ha mantenido su tradición. En otras palabras, desde
años atrás (sin dejar de lado a la tecnología) se solía ir a un teatro físico donde uno escogía
su asiento, los actores realizaban una serie de rutinas previas a la función y, las “llamadas”
previo a empezar la función para que nada interrumpa como parte del protocolo para que
una función salga airosa. Su naturaleza y esencia siempre fue así “un arte en vivo”, pero
por la coyuntura y los tiempos de crisis que se viven, es que ha tenido que migrar a una era
digital.
En el 2020, por la pandemia mundial del COVID 19, el teatro tuvo que cerrar sus espacios
físicos (se prohibió espectáculos con más de 300 personas) para migrar a una plataforma
digital con el propósito de continuar produciendo obras teatrales y establecerlo en una
nueva era. Gracias a las nuevas tecnologías, que han permitido realzar la industria teatral y
reducir costos, se ha dado paso a la posibilidad de que el teatro sea transmitido por
plataformas digitales.
Por ejemplo, Osvaldo Cattone, uno de los responsables del Teatro Marsano, declaró para el
diario Correo, en entrevista con Tomas Chávez su postura sobre la migración del teatro a lo
digital: “Me siento bien. Creo que todo va a renacer, a lo mejor, es el inicio de una nueva
percepción del arte.” Como detalla, puede resultar innovador la nueva percepción que se
55
tiene del teatro al ser 100% digital con el propósito de darle un nuevo sentido y llegar a
más personas ya que la pandemia pone en peligro su subsistencia (es incierto la reapertura
nacional). (Chávez, 2020)
La pandemia mundial ha sido un empuje para que el teatro como industria se reinvente,
reflexionando según los acontecimientos que pasan, para comprender que el teatro es un
fenómeno que va más allá de interactuar en el espacio físico. Esta situación genera una
diversidad cultural, en otras palabras, una mirada más amplia, donde no solo se expresa
una obra de teatro, si no, que se sensibiliza a la humanidad, reivindicando al sector cultural
para consolidar a la industria. El teatro es un universo que está engarzado con el país, por
ello, ante una “emergencia cultural”, como la que se está viviendo por la pandemia, el
teatro revive en una plataforma digital.
En adición, varias casas de teatro han decidido digitalizar el contenido de las obras de
teatro. Como primera fase de este proceso, Los Productores tomó la iniciativa y plasmaron
en transmisión por cable la obra de teatro “Las chicas del 4to C” cuya temporada terminó
en el 2019; la respuesta de los ciudadanos fue positiva en redes sociales. Ese momento fue
crucial en la industria del teatro porque empezaron a transmitir cortos de videos de obras
teatrales pasadas.
La primera obra de teatro virtual pagada, realizada y dirigida en pandemia por una
productora fue “Amigas del cole”, tuvo el respaldo de Los Productores bajo la dirección
del director artístico Adrián Galarcep y María José Osorio, quien escribió y dirigió la obra.
Cuando anunciaron la obra en redes sociales, en 24 horas pudieron vender más de 700
entradas y después de 2 semanas, aumentaron a 3500 entradas.
María José Osorio declaró para Perú21 sobre el reto de transmitir y virtualizar la obra para
que el espectador sienta que está en un teatro:
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Este año iba a estrenar una obra que estaba creando con Los Productores y lo hemos
tenido que postergar. Como el mío, tantos proyectos teatrales se quedaron en
suspenso con esta situación y, con ellos, un grupo de gente maravillosa que quiere
hacer teatro, pero no puede. Así que por ahí nace la chispa de este proyecto de teatro
virtual, buscando adaptar el teatro para mantenerlo cerca de la gente. Perú21 (2020)
El público ha reaccionado de manera positiva a esta nueva propuesta, interactuando en
redes sociales y dejando sus comentarios en la plataforma digital. La temporada ha
extendido sus fechas ya que alcanzaron al límite máximo de participantes por día.
Para la primera transmisión de la obra, el equipo de producción realizó un video donde
muestra virtualmente lo que sería la alfombra roja por la red social de Instagram horas
antes del estreno; se mostraba a un presentador, al director artístico Adrián, a María José y
a las actrices. El propósito de este video fue mostrar la esencia del teatro y lo que
comúnmente se suele realizar previo a un estreno.
La actriz Karina Jordán (quién da vida a un papel protagónico en la obra) declaró para el
periódico El Comercio su experiencia en una obra virtual y su postura positiva frente a
virtualizar el teatro:
Por supuesto que vamos a extrañar las salas, el escenario y los espectadores en este
espacio físico maravilloso que es el teatro, al que no sabemos cuándo podremos
regresar. Pero el teatro no ha muerto. Mientras tanto, debemos estar cerca a nuestro
público. Si podemos encontrar nuevas formas alejándonos de la idea más purista,
podemos lograr cosas. Las plataformas digitales pueden acercar el teatro a públicos
que no lo conocían. (El Comercio, 2020)
Por otra parte, otras obras de teatro han seguido esta modalidad virtual, ya sea pagada o
gratuita; algunas se transmiten por la plataforma de Zoom y otras utilizan las herramientas
de sus redes sociales (Facebook o Instagram). No solamente obras de grandes productoras
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se han sumado, si no también teatros independientes se han unido para continuar
masificando el arte.
Adicionalmente, en la encuesta realizada para esta investigación, se preguntó a quienes han
consumido alguna vez teatro en su vida, sobre la propuesta digital de una obra de teatro. La
pregunta fue si sentían lo mismo que en el teatro físico (figura 9), la respuesta fue que 56
personas (representado por el 93.3%) consideran que no es lo mismo, mientras que 4, que
sí.
Figura 9 Migración del teatro a lo digital. Elaboración propia (2020)
Se reconoce el esfuerzo de seguir en vigencia con las obras de teatro vía digital y hacer lo
posible por mantener activo al público. Sin embargo, su apreciación y respuesta fue
diferente ya que una obra de teatro de manera presencial tiene otro sentimiento. De lo
contrario, la audiencia estaría viendo una propuesta de cine, pero en vivo.
Considero que el teatro siempre va a tener un tono tradicional y único, que no iguala a
ninguna otra industria cultural (su valor agregado), ya que la sensación de experimentar
arte en vivo es diferente a otras industrias que muestran un producto grabado. Sin embargo,
su migración digital ha sido favorable para atraer a un nuevo público y mantener vivo el
teatro.
58
Beneficios del teatro. El teatro es un ente cultural que se vincula con cada espectador que
acude a sus salas; la relación que se establece no es solamente superficial, puesto que
presenciar una obra de teatro tiene beneficios en el cuerpo, en las emociones y en el estilo de
vida de cada persona. Cada representación teatral es una emoción diferente, son experiencias
vividas que cada individuo interpreta según su perspectiva conllevando a que una actuación
teatral tiene representación simbólica y reflexiva. Además, participar como espectador de una
obra de teatro es ahondar en un ámbito psicológico donde cada uno es libre de revivir la
realidad desde su propio punto de vista (Schechner, 1985).
Sumado a ello, Alfredo Blanco define al teatro como un arte de transformación positiva y un
estímulo para la sociedad donde te invita a experimentar emociones, a reflexionar, a salir de la
zona de confort. Entonces, se entiende como un lugar donde se puede dejar fluir la
imaginación y tener otro panorama de la realidad:
El teatro es un arte total y absoluto que contribuye a que la humanidad aprenda a pensar,
a sentir, a crear, a imaginar y, especialmente, a analizar la realidad, así como a tomar
decisiones. Es, entonces, un estímulo que despierta la conciencia de las personas y su
capacidad para saber ser, saber estar y saber hacer. Blanco (2016, p. 541)
Siendo así, cuando una persona logra ver de manera profunda al teatro, lo deja de apreciar
como un lugar de mero entretenimiento. Por el contrario, cambia la forma de verlo para
convertirse en una actividad que brinda beneficios y ventajas en diversos aspectos, ya sea a
nivel terapéutico, psicológico, educativo y social; puesto que, como hemos visto, asistir a una
obra de teatro no implica solo ir a un espacio físico, sino que es un momento donde el
individuo puede desarrollar y estimular su memoria, emociones, valores, entre otros. Sin
embargo, no es una regla que aplique en todas las personas (ya que, como se mencionó
anteriormente, cada uno lo interpreta según su percepción), es un estilo diferente de apreciar
el arte para otorgarle un rol positivo, que ha sido comprobado por científicos.
59
Por otra parte, Daykin et al. (2008) realizaron un estudio sobre los beneficios de acudir a una
obra teatral; la respuesta se centró en referencia a la salud y el comportamiento en jóvenes. Su
conclusión como estudio fue afirmar que terminar de ver una obra teatral es crucial para cada
persona puesto que tiene efectos positivos en habilidades sociales, facilidad en oratoria,
empoderamiento personal, actitud e identidad, y reduce el comportamiento de riesgo como el
alcohol, tabaco y consumo de drogas.
Además, según las conclusiones de este estudio, el teatro ayuda a mejorar la imaginación, ya
que la puesta en escena incentiva y estimula que la mente tome un recorrido alterno para dejar
la realidad. También el teatro, al ser cercano y real hace que las emociones como el llanto, un
grito o la alegría, sean más fuertes para los actores y, como consecuencia, para la audiencia.
Sumado a ello, la risa es una buena terapia para la salud, por lo que recomiendan acudir a
obras de comedia como terapia; y el llanto por su parte, cumple la función de liberador de
adrenalina y noradrenalina, teniendo como resultado la sensación de desahogo.
Asimismo, el teatro tiene un valor fundamental en la sociedad, cumple el rol de agente de
cultura que aporta sensibilidad social. Su función es encaminar un mensaje para que sea
entendido por una audiencia y pueda desprender otra realidad. Así como también despertar la
capacidad que tiene cada persona para experimentar sensaciones de diferentes índoles según
la categoría de la obra.
De esta forma, el teatro ayuda a utilizar la imaginación y a ser utilizada de manera fluida. La
persona que acude al teatro tiene una mentalidad más abierta, vocabulario más extenso,
espontaneidad, fomenta la responsabilidad grupal e individual, ayuda a crecer como persona y
a superarse.
En la entrevista digital (agosto 2020) realizada hacia a Vanessa Ferro, quién es directora de
teatro, y a Aníbal Lozano, quién es actor profesional, ambos declaran que es importante saber
sobre los beneficios del teatro, pero que eso solo se puede integrar cuando se experimenta la
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atmósfera que se vive en una obra de teatro. Las personas pueden comentar sobre su
experiencia y explicarla, sin embargo, no será lo mismo si uno lo comenta ya que las
experiencias son diferentes.
A modo de conclusión, el teatro es más que un arte que ayuda a la sociedad. Es una forma de
sentirse libre y desarrollar habilidades sociales (de esta forma se vincula el teatro como
trabajo social). Además, sirve como medio de canalización de emociones y de imaginación,
siendo así, un arte que aporta de diversas maneras a la sociedad.
El teatro tiene valores que repercuten de manera individual y social, viéndose reflejado en la
vida diaria; por ello, tener conexión con el teatro, es verlo desde un ámbito que tiene
posicionamiento en la sociedad. Según el resultado del estudio realizado en el 2011 por los
psicólogos de la Norwegian University of Science and Technology (NTNU), quienes
demostraron que las personas que acuden a eventos culturales con mayor frecuencia tienen un
porcentaje mayor de felicidad y de calidad de vida. Entonces, el teatro como arte y cultura es
una pieza clave que otorga felicidad y facilita la vida de las personas.
Estado del Arte de Proyectos.
Estado del arte nacional.
1. En Lima (2019), la Universidad Peruana de Ciencias Aplicadas publicó un trabajo de
investigación aplicada sobre el diseño de investigación como herramienta de difusión
de las actividades culturales de Lima. El proyecto tiene como objetivo evaluar el
impacto del diseño de la información como medio de difusión, conllevando una
implementación en base a los principios del diseño, teniendo como eje la eficiencia
comunicativa y su utilidad. Adicionalmente, el proyecto también tuvo como finalidad
examinar las agendas culturales limeñas para analizar si cuentan con un diseño de
información de fácil lectura y compresión para el usuario.
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Estado del arte internacional.
1. En Quito (2014), la Pontificia Universidad Católica del Ecuador publicó un proyecto
de investigación aplicada enfocado en la interrelación entre diseño y sociología, con la
finalidad de involucrar a los jóvenes en eventos culturales a través de piezas gráficas y
un plan de comunicación. De esta manera, se implementa el valor de la identidad
sociocultural que viene atravesando el país, destacando que los jóvenes carecen de
información sobre distintos eventos y hechos culturales nacionales.
2. En Guayaquil (2015), la Universidad de Guayaquil publicó un proyecto de
investigación aplicada enfocado en el arte teatral, sobre la formación integral en los
alumnos de secundaria de la ciudad de Guayaquil con una propuesta de diseño gráfico.
El proyecto se basa en la elaboración de una guía impresa con estrategias didácticas
para estudiantes y docentes, donde los usuarios anteriormente mencionados pueden
participar e involucrarse más con las artes. La finalidad de este proyecto es lograr en
los estudiantes la estimulación del desarrollo en destrezas y habilidades artísticas,
convirtiéndose en un reto para los docentes. El proyecto hace énfasis en el teatro como
arte, puesto que ayuda en la formación de la personalidad y conducta.
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Capítulo II
Análisis del Público Objetivo.
El público objetivo para el proyecto cultural propuesto, son los jóvenes limeños que
desconocen las ofertas de las puestas en escena del teatro nacional. Se escogió a los
jóvenes como público objetivo, puesto que, en las estadísticas mencionadas en el capítulo
anterior (figura 5) sobre la asistencia de los jóvenes en los años 2016, 2017 y 2018, se
escogió a los jóvenes como público ya que tienen preferencia por otras categorías de las
Industrias Culturales, como el cine, conciertos, festividades locales, entre otros, lo que
ubica al teatro en una categoría con menor participación.
Los jóvenes, en su mayoría, son un público que está a la vanguardia en tecnología y, por lo
tanto, sus preferencias se inclinan hacia lo digital. Por este motivo el proyecto busca
reforzar su participación desde el ámbito digital. Adicionalmente, se considera el contexto
de la coyuntura mundial del COVID-19, en el que el teatro tuvo la necesidad de migrar
también a lo digital, otro motivo por el que el proyecto se centra en este aspecto.
Por otra parte, los jóvenes peruanos son un público que busca la constante alimentación de
contenido fácil de viralizar, y consumidores de vanguardias y novedades que se vuelvan
tendencia. Entonces, bajo esa premisa, se encuentra una oportunidad para difundir de
forma positiva al teatro a través de la premisa de la viralización ejercida por los mismos
jóvenes en conjunto con los medios que utilizan, especialmente las plataformas digitales y
las redes sociales.
El público objetivo, como se mencionó líneas atrás, son los jóvenes que radican en la
ciudad de Lima Metropolitana y no muestran interés en acudir a obras de teatro, ya que sus
preferencias son otras actividades. Su perfil se enfoca en ser usuarios activos de las redes
sociales quiénes buscan perfiles en noticias de tendencia; un público participativo,
extrovertido, curioso y con ganas de aprender.
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Por último, el proyecto también considera a la propia comunidad teatrera como público
objetivo secundario, que alimentará y enriquecerá el contenido del proyecto, cuya función
es brindar la información acerca del teatro para ser difundida a través del proyecto.
Proceso del Proyecto.
Concepto del proyecto.
El concepto principal como base para la estrategia de comunicación del proyecto es
“difundir”, ya que este verbo coincide con la finalidad de inculcar cultura de teatro
mediante la difusión de información acerca del teatro y su importancia para los jóvenes.
Adicionalmente, se escoge el concepto de difusión apelando a que el teatro es sinónimo de
sonido, acción, emoción, narración, eco; como una vibración que crece, se amplía e
impacta, y que merece ser percibida con atención e importancia. El aspecto emocional es
importante, y se refuerza en el concepto de difusión a través del nombre, porque el
proyecto busca brindar información sobre el teatro que debe ser mostrada y recibida por
quiénes lo desconocen con carácter de urgencia.
Por último, el concepto de difusión también hace hincapié en un llamado a la acción para
dar a conocer la importancia y los beneficios de consumir teatro en la actualidad, así como
en que su sostenibilidad no se vea amenazada; de esta manera se busca ser un referente
para que las actuales y futuras generaciones se involucren con la cultura teatral. Cada pieza
de comunicación, tiene la finalidad de informar y de actualizar acerca de las novedades del
teatro en nuestro medio. A continuación, se presenta el Moodboard (figura 10) que se
utilizó para la creación del concepto.
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Figura 10 Moodboard. Elaboración propia (2020)
Nombre del proyecto.
En base al concepto mencionado en el punto anterior, se creó el nombre “Vibra teatro”
tanto para el proyecto integral, como para la pieza principal, que se trata de una plataforma
digital. Este nombre tiene la finalidad de enfatizar las diferentes emociones que el teatro
hace sentir, ya sea el llanto, la risa, la nostalgia, etc., concentradas en la acción de “vibrar”.
Adicionalmente, la palabra vibra hace una inflexión a la versatilidad que ha debido tener el
teatro para salir de su zona de confort y adaptarse a lo digital. Así como también, vibra
teatro hace alusión a un llamado enérgico ¡El teatro vive!; generando a su vez la
connotación de vibra como eco, de palpitación (reforzando las emociones), de temblar y de
apasionarse por lo que se hace con el teatro.
Por otro lado, la palabra teatro en el nombre, además de aterrizar el tema del que se habla,
hace referencia a la cultura del teatro, los sonidos, la expresión, la dramatización y todo lo
que el teatro implica. De manera que, en conjunto, “vibra teatro” connota lo juvenil para
atraer al público objetivo, a la par de dar a conocer más sobre el teatro, con estilo dinámico
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y versátil para reforzar el concepto de difusión, siendo así un nombre potente y poderoso
para resaltar la cultura teatral como estilo de vida para los jóvenes limeños. A
continuación, se presenta el diagrama del Prisma de Kapferer (figura 11) que se utilizó
para la creación del nombre del proyecto.
Figura 11 Prisma Kapferer. Elaboración propia (2020)
Relación proyecto, público objetivo, problema de investigación.
La relación que existe entre el proyecto, público objetivo y problema de investigación, es
la siguiente:
El primer lugar, se hace hincapié en el problema de investigación, donde se identificó la
amenaza que sufre la sostenibilidad del teatro, debido a que los nuevos consumos
culturales (lo streaming y eventos digitalizados) tienen mayor protagonismo en las
preferencias de los jóvenes; generando como resultado la poca participación de este
público, quienes tanto para la investigación como para el proyecto toman el rol de público
objetivo.
En segundo lugar, se propone como solución al problema, un proyecto que se basa en
difundir contenido cultural sobre el teatro mediante la creación de una plataforma web
centralizada, así como en sus diferentes redes sociales vinculadas; como un espacio
dinámico y didáctico para la fácil comprensión y acceso al contenido que fomenten el
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consumo y cultura del teatro. Este proyecto tiene la triple finalidad de atraer a este nuevo
público que desconoce el teatro, centralizar la información sobre la actividad teatral en
Lima, y servir de como soporte que ayude a la sostenibilidad de la industria y comunidad
teatral.
Por último, la relación entre proyecto, público objetivo y solución, funciona de la siguiente
manera: los jóvenes, involucrados en el problema de investigación, funcionan como
público objetivo del proyecto como respuesta al problema; este público podrá participar e
informarse acerca del teatro en la plataforma digital como una variante de la zona de
confort de los jóvenes que son las redes sociales, viviendo una experiencia familiar pero
diferente; y por último, también se incluye a la comunidad de teatro; cerrando así el círculo
entre problema – público objetivo – proyecto. El proyecto tiene como objetivo promover la
cultura y el consumo del teatro a través de contenido interactivo y emocional.
Descripción del proyecto de diseño.
Vibra Teatro es un proyecto cultural, que consiste en la creación de una plataforma digital
y sus respectivas redes sociales, que busca desarrollarse con el tiempo mediante la difusión
del contenido y de la propia la plataforma digital, redes sociales, auspicios y el aporte de
los suscriptores en contenido.
La plataforma digital Vibra Teatro consiste en un sitio web donde se encontrará de todo
sobre el teatro, entiéndase esto como beneficios, legado, historia, obras vigentes, blogs,
entrevistas, podcasts, auspiciadores, proveedores, creadores, elenco general (productores,
guionistas, actores, fotógrafos, entre otros); cuyo principal objetivo es la difusión e
implementación de la cultura teatral como estilo de vida para los jóvenes.
La plataforma digital Vibra Teatro funcionará no solo como difusión y promoción de la
cultura del teatro; sino, como se ha mencionado, también busca fomentar el consumo del
teatro bajo el principio de oferta y demanda, propio de la lógica de las industrias culturales,
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donde el teatro queda un poco excluido; creando una comunidad que integre a
consumidores (en principio los jóvenes) y creadores (productores, actores directores, etc.)
de teatro.
Para ello se proponen estrategias como la suscripción de miembros, la oferta de
descuentos, cartelera, novedades, de participaciones en el Podcast, etc. Es decir, la
plataforma como producto gráfico principal del proyecto, es una pieza gráfica viva, donde
sus miembros (el público objetivo y los creadores) forman parte activa a través de su
participación, mediante la cual van a cerrar el ciclo de comunicación y a su vez, difundir en
su entorno su experiencia.
Además, el proyecto cumple con la narrativa transmedia, explicado por Scolari, C. (2013)
de la siguiente manera:
Son una particular forma narrativa que se expande a través de diferentes sistemas de
significación (verbal, icónico, audiovisual, etc.) y medios (cómic, cine, teatro, etc.)
No son simplemente una adaptación de un lenguaje a otro… Es una estrategia
tradicional de comunicación basada precisamente en desarrollar la misma historia en
diferentes medios o lenguajes. (p. 24)
En este sentido, el proyecto busca replicar la información sobre el teatro en las diferentes
redes sociales, recibiendo distintas reacciones y respuestas que van a modificar el mensaje
original. Tener a la narrativa transmedia como estrategia en el proyecto es un valor
agregado. Por ejemplo, la página cuenta con un podcast donde se van a reproducir las
entrevistas realizadas en el contexto de la investigación editadas para este soporte; el
contenido informativo de dichas entrevistas y otras fuentes de noticias van a las redes
sociales. Por otro lado, en la web no solo se incluirá información, sino que contará con
dinámicas participativas (blogs, chat interactivo, comentarios) para poder aterrizar en el
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sitio web y ver más del teatro; además, podrá ver a detalle los beneficios - descuentos,
promociones, etc. - por pertenecer a la comunidad.
Logrando de esta forma también generar difusión de “boca en boca” entre los jóvenes,
reforzado por los influenciadores que promueven contenido sobre cultura en redes sociales;
y la plataforma digital, como la manera óptima de seguir promoviendo la participación de
más jóvenes en la plataforma, en el teatro y su disposición al arte y a la cultura.
Objetivo principal y secundario del proyecto.
El objetivo principal del proyecto es difundir el teatro para construir una cultura teatral en
los jóvenes limeños, inculcando en nuevas generaciones el valor del teatro, para
convertirse en una costumbre más sostenida en el ámbito cultural. Para ello, el objetivo
consecuente, está en lograr que los jóvenes consuman, gocen y difundan la experiencia de
presenciar una obra de teatro y que quieran repetirla.
En adicción, el proyecto cuenta con un objetivo secundario que es complementario al
principal ya mencionado; este objetivo se enfoca en convocar, conectar y agrupar a la
comunidad del teatro compuesta por los grupos de consumidores y creadores en la
plataforma digital, con la finalidad de afianzar al nuevo público atraído a la plataforma
digital Vibra Teatro a través del contenido compartido.
Con estos objetivos, se busca cerrar el ciclo activo de la comunicación sobre el teatro. Es
decir, primero se conforma la comunidad; luego se informa y reflexiona sobre el teatro
para luego experimentarlo en una obra de teatro; cuando en este espacio la persona haya
encontrado un clímax positivo y le genere interés, va a contar su experiencia e involucrará
a que más personas experimenten lo mismo. Es ahí donde el ciclo se cierra puesto que se
logra inculcar cultura teatral y difundirla en su entorno, todo a través de la plataforma.
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Diseño de la Comunicación.
¿Cómo resuelve la comunicación el proyecto?.
La comunicación del proyecto Vibra teatro va a desarrollarse en 3 fases donde se
desarrollarán las piezas gráficas y se seleccionarán los medios de comunicación; a lo que
sigue, la difusión y la retroalimentación del proyecto, terminando con el correspondiente
cierre del proyecto.
La fase 1 sirve para la activación de las redes sociales Facebook, Instagram y Twitter; con
el objetivo de construir la comunidad de Vibra Teatro, y a su vez, se genere un
posicionamiento en Internet para que de manera orgánica las personas conozcan y
participen en el proyecto Vibra Teatro. Simultáneamente, será una fase para la búsqueda de
auspiciadores quiénes quieran financiar el proyecto y ello permita tener un alcance mayor
en conjunto de otras comunidades ya formadas.
La fase 2 consiste en la creación y el lanzamiento de la plataforma digital a través de un
evento en redes sociales. El evento se trata de un conversatorio donde se invitarán
personajes y marcas relacionados al mundo del teatro que inviten a suscribirse en la
plataforma. Además, en esta fase también se promociona la plataforma digital mediante
beneficios y descuentos para los suscriptores, como estrategia de oferta para captar más
participantes. Por último, esta fase considera la producción, desarrollo y mantenimiento de
las piezas gráficas como insumo para las redes sociales y la propia plataforma.
La fase 3 servirá como lanzamiento del podcast y mantenimiento de la plataforma digital y
cierre de la campaña. El objetivo de mantener las plataformas actualizadas es mantener al
usuario informado y comprometido con la marca, logrando así el interés de los jóvenes con
el teatro. Asimismo, la página pretende funcionar como red social en sí misma, mediante la
construcción y crecimiento de la comunidad.
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Descripción del público objetivo (infografía).
Figura 12 Público Objetivo. Elaboración propia (2020)
Emisor.
El emisor es la marca de proyecto cultural Vibra Teatro, quien es la voz principal
encargada de difundir contenido acerca del teatro para convertirse en un referente promotor
de cultura teatral.
La segunda voz sería la comunidad de Vibra teatro registrada en la plataforma digital,
quienes también participan de manera activa en las redes sociales, es decir que
consumidores y creadores en tanto comunidad también cumplen el rol de emisores. Por
último, el público joven, en tanto público objetivo también se considera una unidad de
emisión secundaria, puesto que se busca que éstos difundan el contenido de “boca a boca”,
posicionando la plataforma. Es decir, el público objetivo que son los jóvenes cumple el rol,
en simultáneo, de ser emisores y receptores.
Por otra parte, otros emisores secundarios serían los influenciadores que comparten el
contenido de vibra teatro en redes sociales para llegar a su audiencia; en ese sentido, los
71
influencers serían un aliado y puente entre el público objetivo y Vibra Teatro; esto los
convierte en un emisor secundario porque también están dándole voz a la marca de forma
transmediática, que, a través de un canje o patrocinio, van a difundir el contenido de la
cultura teatral.
Así, también, las entidades y marcas que servirán como respaldo de Vibra Teatro, por
ejemplo, el Ministerio de Cultura y los gestores culturales, quiénes en base a su
experiencia, pueden manejar y orientar a mejorar e impulsar el proyecto de manera
positiva, así como otras marcas y/o personas que deseen aportar a modo de auspicio,
ayuda, colaboración socios estratégicos, etc. del proyecto.
Canales y medios.
El proyecto se va a canalizar por diversos medios. El medio y canal principal será el
Internet – Google, donde se elaborará un proyecto de SEO para el posicionamiento
orgánico en buscadores, con el fin de tener mayor alcance en los jóvenes activos de la era
digital.
La plataforma digital, como producto principal, también es un medio de comunicación en
sí misma, ya que, siendo dinámica, permite que el usuario pueda gozar de una experiencia
sobre el teatro con contenido actualizado y valioso en conjunto con el podcast, donde los
jóvenes podrán escuchar y enterarse de las novedades que los especialistas ofrecen.
Por otra parte, las redes sociales juegan un rol importante como medios, porque serán el eje
del mantenimiento y respaldo de la comunicación en cuanto a la difusión del proyecto
Vibra Teatro, ya que, por su algoritmo natural, es un medio eficiente para poder viralizar la
información y volverlo más digerible para los jóvenes, además de mantener la marca
vigente en la recordación.
Las agendas culturales en las plataformas digitales juegan un rol importante en las
categorías de las Industrias Culturales. De esta manera la idea es juntar a la comunidad
72
formada en Vibra Teatro con las personas ajenas a esta plataforma donde se complementen
y compartan información valiosa que será de gran ayuda para difundir la información sobre
el teatro y generar contenidos.
Por último, existen plataformas de educación virtual como Aprendo en Casa que servirá
como una marca que respalde el proyecto y, a su vez, a través de la malla curricular, se
difundirá el contenido de Vibra teatro como reforzamiento de la malla escolar.
Mensaje.
El proyecto Vibra Teatro cuenta con varios mensajes que se adaptan según el público
objetivo y el medio de comunicación. El mensaje principal es la difusión de la cultura
teatral dirigida a los jóvenes. De esta manera, la plataforma digital lograría su objetivo a
través de la comunicación de contenido curado, digerible, interesante y actualizado sobre el
teatro y la cultura teatral en el Perú como estilo de vida.
En la red social Facebook, el mensaje será más informativo a modo de noticia. En la red
social Instagram, el mensaje será más visual, emocional y espontáneo para los jóvenes, con
la finalidad de promover el mensaje como el estilo de vida que obtendrían al pertenecer a
la comunidad. En la red social Twitter, el mensaje será más serio e informativo, muy
similar al Facebook. Sin embargo, el propósito del contenido en Twitter es generar
polémica y aumentar la comunidad a través de noticias que suceden a diario.
Por último, considerando al público de la comunidad, el mensaje de la plataforma es el de
un espacio donde encontrar y compartir (para los consumidores); y ofrecer sus servicios
profesionales como proveedores, hacer networking (para los creadores). En la sección
comunidad, existe una sección llamada “Busca a tu protagonista” donde los artistas,
aprendices, principiantes o con experiencia se darán a conocer, lo mismo para todos los
servicios que conlleva poner en escena una obra de teatro. Adicional a ello, el mensaje para
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la comunidad es “todo sobre el teatro en un solo lugar” ya que se refuerza con la búsqueda
de proveedores, programación anual, información teórica, y consumo.
Diseño del Proyecto.
Pieza principal.
La pieza principal para el proyecto Vibra Teatro es la plataforma digital que funcionará
como medio de comunicación personalizada para los jóvenes. Cumpliendo con su rol de
difusión, en la plataforma se podrá encontrar todo tipo de información acerca del teatro;
esta información se distribuye a través de los diferentes botones que cuenta el menú, como
por ejemplo:
- El podcast, una opción donde se dialoga con expertos sobre el tema a modo de
diversión.
- La opción de programación donde se podrá ver primero la opción de obras destacadas
a nivel nacional, seguido por las demás obras. En esta opción, todas las casas teatrales
tendrán la opción de enviar su programación anual, con la finalidad de mostrar variedad
de contenido para el usuario.
- El botón siguiente es ¿Qué es el teatro? Aquí los usuarios de Vibra Teatro podrán
encontrar información teórica acerca del teatro y sus beneficios, de esta forma podrán
conocer a fondo sobre el teatro haciendo hincapié la difusión.
- En la opción de Comunidad se refuerza la “comunidad Vibra Teatro”, el cuál está
conformado por usuarios registrados en la plataforma digital para recibir beneficios y estar
en comunicación sobre las novedades, interactuando a su vez entre ellos. En esta opción,
los jóvenes también se podrán enterar sobre la misión y visión de Vibra Teatro,
encontrarán las herramientas necesarias para contactar o saber la información de un artista
relacionado al teatro, así como entrevistas y noticias. Este botón en el menú es muy
74
importante para la plataforma puesto que sirve de ventana para muchos artistas, acercando
aún más a los espectadores de la experiencia real del teatro.
- Además, cuenta con la opción Salas de teatro, la cual sirve como buscador para que
encuentres todas las salas de teatro a nivel nacional sin la necesidad de navegar en varias
páginas webs.
Es decir, en Vibra Teatro se encontrará información teórica sobre el teatro, los beneficios
que uno como persona adquiere al ir al teatro, información de auspiciadores, toda la
comunidad de teatro que hace posible que una obra tenga puesta en escena, además,
noticias, entrevistas, fotos, agendas, carteleras, eventos, entre otros.
Figura 13 Inicio de la plataforma digital Vibra teatro. Elaboración propia (2021)
Dado que la plataforma digital Vibra Teatro cumple con la función de crear una comunidad
que sienta afinidad hacia el teatro y goce de beneficios y ofrezca sus servicios; es una
plataforma diseñada y enfocada en la experiencia de usuario (UX) para lograr una fácil y
correcta navegación sin perder la estética e identidad de la marca.
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Además, la plataforma digital es “responsive”, es decir que se adapta a los diferentes
dispositivos y se actualiza constantemente dependiendo de las novedades y necesidades. El
valor agregado de esta pieza gráfica es que es pionera y única en el mercado peruano, no
hay una marca que apueste sobre el teatro en particular y muestre su despliegue en una
plataforma digital de manera integral.
Por último, tener una plataforma digital ayuda y posiciona de manera favorable a una
marca, puesto que le crea posicionamiento en Google y de manera orgánica el público
puede consumir gracias a su buscador.
Figura 14 Sección “comunidad” en la plataforma digital. Elaboración propia (2021)
Piezas adicionales.
Las piezas gráficas adicionales que se van a utilizar sirven para el mantenimiento de la
comunicación y complemento de la pieza principal; puesto que refuerzan el mensaje de
difusión y también sirven como contenido en la plataforma digital.
En primer lugar, se tienen los posts semanales en las redes sociales de Facebook e
Instagram donde la comunicación se basa en reforzar el contenido de la plataforma digital
con la finalidad de que los jóvenes interactúen y compartan su experiencia.
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Adicionalmente, en la red social de Twitter se mostrará contenido más informativo, con la
finalidad de viralizar el contenido de la plataforma a través de los hashtags de tendencia.
En segundo lugar, se tiene el podcast, el cual es un contenido auditivo mediante el que los
jóvenes podrán entretenerse y disfrutar de charlas con especialistas de distintas disciplinas
para tener otra perspectiva del teatro. Este tipo de comunicación estará incrustado en la
plataforma digital con la finalidad de generar mayor audiencia y tráfico de personas en la
web; en las redes sociales, se comunicará cada episodio nuevo a través de un post
informativo cumpliendo con la identidad visual de la marca.
En tercer lugar, se enviará mailings con piezas gráficas a los usuarios que se han registrado
en la plataforma digital. De esta forma, la comunidad registrada, podrá gozar de beneficios
para que su experiencia culmine perfecta. Por ejemplo, trabajar en alianza con un
auspiciador, servirá para promocionar descuentos con el código VIBRATEATRO y los
jóvenes asistan a las obras de teatro.
Finalmente, todas las piezas gráficas cumplen el propósito mayor, el cuál es la difusión de
la cultura teatral como estilo de vida. Las piezas gráficas van a comunicar emociones
cumpliendo con la identidad visual de Vibra Teatro, reforzando y manteniendo en vigencia
la plataforma digital.
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Figura 15 Piezas gráficas para redes sociales. Elaboración propia (2021)
Figura 16 Perfiles de las redes sociales de Vibra teatro. Elaboración propia (2021)
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Capítulo III
Evaluación de Pares
Al culminar el proyecto cultural Vibra teatro, se recopiló el punto de vista de varios
expertos en los temas de teatro y diseño gráfico con enfoque social. Estos maestros
cumplen con una amplia trayectoria en sus áreas de influencia, destacando sus
conocimientos siendo reconocidos por los jóvenes.
En primer lugar, se tuvo la opinión objetiva de Montserrat Brugué Inurritegui, quién es
actriz peruana con más de 30 años de experiencia trabajando en el mundo artístico del
teatro, televisión y cine. Su opinión se resume en que el proyecto Vibra Teatro es
importante, pertinente y urgente puesto que en su trayectoria ha notado que es necesario
inculcar el teatro en la vida del ser humano; así como crear espacios como esta plataforma
digital para futuras generaciones donde se goce de la sensibilidad social (Ver anexo 2).
En segundo lugar, el magister Juan Pablo Miguel Aponte Ruidias, quién tiene posgrado en
Ciencias Empresariales con Mención en Gestión de Proyectos, Licenciado en Diseño y
Gestión de Marca, y bachiller en Diseño Publicitario, considera a Vibra Teatro como
pertinente destacando tanto en el aspecto visual como en la elección de las plataformas
digitales para la difusión y gestión de la comunidad, así como un proyecto que contribuye a
enfrentar con la problemática investigada con el poder de las herramientas del diseño y la
comunicación (Ver anexo 3).
En tercer lugar, Josué Parodi, quién es actor, gestor cultural y comunicador considera a
Vibra Teatro como una marca dispuesta a recuperar, fortalecer y monitorear el teatro,
generando así una comunidad. Extiendo su apoyo y validación para la plataforma digital, la
cual tiene proyección a establecerse en el mercado nacional (Ver anexo 4).
En cuarto lugar y último, se obtuvo opinión sobre la experiencia en la plataforma digital de
dos usuarios. Uno de ellos es consumidor de teatro por tradición familiar y encuentra en la
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plataforma un refuerzo al arte, un espacio en donde los jóvenes se podrán encontrar y
recopilar información que necesiten sobre el teatro en un solo lugar, volviéndolo una
plataforma digital atractiva y funcional (Ver anexo 5). Por otra parte, la opinión de la otra
usuaria que no es familiarizada con el teatro encuentra atractivo ser parte de una
comunidad con la finalidad de conversar y conocer opiniones; a su vez, le parece
interesante gozar de beneficios y de exclusividad a través de esta plataforma (Ver anexo 6).
Análisis de Resultados
Los resultados del estudio de factibilidad del proyecto se recopilaron a través de una encuesta
virtual realizada a una muestra de 40 jóvenes limeños entre 20 y 35 años, en la cual se les
mostró la creación de las redes sociales, la plataforma digital y el adelanto de la tercera etapa
cuyo énfasis se hizo en el lanzamiento del podcast cultural. A continuación, mostraré los
resultados de los gráficos de la encuesta realizada.
Figura 17 Interés sobre el plan de comunicación. Elaboración propia (2021)
La respuesta a la pregunta ¿Te parece interesante la propuesta? (figura 17) mostró un
porcentaje favorable de (poner porcentaje). A 36 jóvenes de 40 le resultó interesante cada
etapa del proyecto, mostrando así su interés en participar en las redes sociales y en la
plataforma digital.
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Figura 18 Comunidad Vibra Teatro. Elaboración propia (2021)
La pregunta mencionada en la figura 18 es de suma importancia para el proyecto, ya que
uno de los propósitos de la plataforma digital es la formación de una comunidad interesada
en el teatro, sean activos o no. Por ello, ver como resultado que hay una aprobación y
aceptación de más del 90% dentro de los encuestados, resulta motivador.
Figura 19 Encuesta sobre podcast. Elaboración propia (2021)
El 95% de los encuestados encuentra interesante poder sintonizar y escuchar a expertos a
través de un podcast donde el tono de comunicación sea amigable, cercano y dinámico
(figura 19). En general, los comentarios fueron muy positivos respecto a la plataforma
digital. Los jóvenes usuarios encontraban un espacio en el cual pueden navegar sin
aburrirse. La gráfica les gustó, cumplía con la connotación de “vibra” al igual que la paleta
de colores. En su mayoría, las preguntas más frecuentes fueron ¿Cuándo dejará de ser un
prototipo? ¿Ya se lanzará la plataforma digital? ¿Y el podcast? Por lo que se puede decir
que se registra un buen antecedente de expectativa por parte del público objetivo.
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Conclusiones / recomendaciones
A modo de conclusiones del proyecto Vibra Teatro, se detalla lo siguiente:
- Un gran porcentaje de los jóvenes tienen una percepción errónea de lo que es el teatro
como industria cultural. Consideran que los precios son elevados y que es “aburrido”.
Existen otros consumos culturales como el cine y festividades locales, las cuales tiene
mayor participación de peruanos durante el año. Dejando así, en los últimos puestos al
teatro.
- Vibra teatro, como plataforma digital, es pionero en su lanzamiento en relación a su
idea y concepto. Existen otras marcas donde en sus plataformas hablan del teatro, pero
también debaten del cine, entonces encuentras ambas categorías en un solo lugar. No
existe exclusividad. La plataforma digital empieza con una misión de “encontrar todo
sobre el teatro en un solo lugar”; entonces, se crean diversas secciones donde cada usuario
pueda navegar y encontrar lo que necesita. Así como información teórica, beneficios,
comunidad, búsqueda de un protagonista (proveedores), marcas auspiciadoras,
programación anual, entre otros.
- Uno de los objetivos es promover el teatro como estilo de vida donde los jóvenes
pueden participar. Por ello, se crea una sección exclusiva en la plataforma digital llamada
“comunidad”, donde los usuarios podrán conversar, debatir, gozar de beneficios, enterarse
de novedades, compartir información, entre otros.
- Aplicar la narrativa transmedia como estrategia de comunicación funciona ya que los
jóvenes están activos en más de una red social y desean adquirir contenido enriquecedor el
cual se reforzará en una plataforma digital.
- El desarrollo de esta investigación promueve la construcción de una comunidad
formada por la plataforma digital Vibra Teatro, que se ha evidenciado como una gran
necesidad, facilitando la difusión y compromiso con el teatro para dar a conocerlo como
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estilo de vida en los jóvenes. Así como su aporte en la sostenibilidad del teatro, como
plataforma que incentiva su consumo, ayudando a través del Internet a masificar y tener
un alcance mayor.
- Debido a la coyuntura del COVID-19, el uso del podcast ha tomado mayor
protagonismo y los jóvenes han encontrado un nicho de entretenimiento. El resultado de la
encuesta fue positivo por lo que esperan su lanzamiento.
- Se desconoce el significado de “sensibilidad social” y su aporte en la sociedad. Los
jóvenes divagan en su definición y no lo saben explicar. Además, Vanessa Ferro, directora
de teatro, opinó que la sensibilidad social no se aprende, si no, se experimenta cuando ves
una obra de teatro, ya que existe un mensaje general que brinda la obra y otro más
espiritual que depende de cada uno.
- La competencia directa del teatro es el cine. Sin embargo, por la pandemia mundial del
COVID-19 el teatro migra a lo digital y se asemeja al cine, con la diferencia que actúan en
vivo. Según la encuesta realizada, las personas consideran que la esencia del teatro se
perdió en lo digital; un hallazgo interesante es que familias reunidas pudieron gozar de una
obra de teatro digital, a diferencia del teatro presencial cuando solía acudir, en algunos
casos 1 persona por familia.
A modo de recomendación, se sugiere que las productoras de teatro sean más flexibles
cuando se les consulta por información o entrevista. El único camino sin fines de lucro
para difundir el contenido teatral y poder acercar a los jóvenes, son proyectos como Vibra
Teatro que necesitan de un aliado para masificar su información. Así como también,
marcas aliadas que deseen participar en el proyecto para lograr su implementación total.
83
Referentes bibliográficos.
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88
Anexos
Anexo 1. Entrevista.
Se entrevistó al Ministro de Cultura, Alejandro Neyra Sánchez, el 11 de agosto del 2020 a través de correo
electrónico respondiendo las siguientes preguntas:
¿Cómo ve las industrias culturales en el Perú?
Con gran potencial. Creo que una vez que podamos nutrir nuestras industrias con los contenidos de enorme
valor que tenemos como patrimonio, nos convertiremos en una potencia cultural a través de las industrias.
Desde su punto de vista, ¿cómo ve la relación de los jóvenes con las industrias culturales?
Existe un mayor interés y acercamiento de los jóvenes a nuestras industrias culturales, cuyo crecimiento se
entiende justamente por esta mayor relación de los jóvenes con las IC.
¿Se sabe cuáles son las categorías de las industrias culturales que más se consumen en el Perú?
Cine y audiovisual, artes escénicas y música.
¿Cómo cree que ha afectado la pandemia al consumo cultural?
Mucho pues ha afectado la oferta cultural, una que venía en crecimiento y que lamentablemente si bien es
cierto se ha reiniciado en algunos casos (el mundo editorial, por ejemplo) en otros casos aún no tiene fecha de
reinicio (artes escénicas, por ejemplo). No obstante, ello, se ha demostrado la resiliencia del sector y en
algunos casos nuestros gestores han encontrado en lo virtual una forma de reinvención.
Como Ministerio, ¿cuál es la proyección sobre las industrias culturales? ¿existe algún plan maestro?
Tenemos una Política Nacional de Cultura al 2030 recientemente aprobada, que promoverá el fortalecimiento
de las industrias. Sobre la base de eso se buscará cómo fortalecer el sector más allá de continuar con los
programas de estímulos que han ayudado al crecimiento y en algunos casos como la industria del cine, a un
desarrollo sostenido.
Siendo el teatro una categoría de las industrias culturales ¿Cómo ve el consumo cultural del teatro en
el Perú?
Pues venía en franco crecimiento, pero la pandemia ha hecho que se detenga, no obstante, el hecho que ha
habido justamente una reconversión a lo virtual. Sin embargo, el reto es hacer que este consumo, que se
concentra básicamente en ciudades y muy particularmente en Lima, pueda crecer en las regiones.
¿Considera usted que los nuevos consumos culturales (la migración a lo digital) hace que se pierda la
esencia de ciertas categorías de las industrias culturales como el teatro?
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Es temprano para decirlo. La vida ha cambiado mucho en estos meses, pero falta ver cómo evoluciona para
ver si, como en el streaming con relación al cine, estamos frente a un cambio de época para las artes
escénicas en general.
Desde su punto de vista, ¿Cómo ve la sostenibilidad del teatro?
De nuevo, creo que aún es pronto para ver cómo será sostenible en estas nuevas circunstancias, siendo ya de
difícil sostenibilidad en circunstancias “normales”.
¿Alguna vez ha ido al teatro a presenciar alguna obra? De ser sí, ¿Qué sugeriría para asegurar su
sostenibilidad?
Muchísimas y por suerte en el Perú y en el exterior. La mejor forma de sostenibilidad es con proyectos que
entiendan la importancia de proyectos de mediano alcance como lo fue en su momento Plan 9 y ahora es La
Plaza. No soy un experto en el tema pero creo que proyectos de este tipo son los que tienen mayor
proyección.
¿Qué opina usted sobre un proyecto con enfoque social de un video informativo - emocional donde el
tono de comunicación con los jóvenes sea más dinámico con la finalidad de involucrarlos con el teatro?
Todo lo que contribuya a acercar a los jóvenes al teatro y a la cultura en general es positivo. Desde el
Ministerio de cultura y precisamente desde el Gran Teatro Nacional el programa de formación de públicos ha
demostrado su gran proyección y éxito con niños y jóvenes.
Como Ministro de Cultura, ¿Cuál es su mayor reto con los jóvenes? Un consejo para ellos.
El reto es demostrar que la cultura cambia vidas y que a través de la cultura podemos construir el Perú que
queremos. El desarrollo del Perú depende, creo yo, en fortalecer la cultura en todos sus aspectos y
convertirnos en una potencia cultural.
90
Anexo 2. Evaluación de pares
91
Anexo 3. Evaluación de pares
92
Anexo 4. Evaluación de pares
93
Anexo 5. Opinión usuario
Anexo 6. Opinión usuario
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Anexo 7. Encuesta.
Se realizó una encuesta virtual en Julio del 2020 a una muestra de 60 jóvenes limeños, en donde tenían que
responder 14 preguntas en relación a las Industrias Culturales, con la finalidad de conocer sus preferencias e
intereses.
En paralelo, algunas preguntas eran sobre el teatro directamente y las respuestas se enfocaban en saber que
tanto saben de este arte como entretenimiento y cultura.
95
Anexo 8. Encuesta.
Se realizó una encuesta de salida en enero 2021 a una muestra de 40 jóvenes limeños para conocer su opinión
acerca de las etapas de comunicación planteado para Vibra Teatro y sobre la propia plataforma digital. En su
mayoría, las respuestas fueron positivas y a favor del proyecto, dando a conocer resultados interesantes como
la espera e interés por el Podcast Vibra teatro y el lanzamiento de la plataforma.