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Recopilado por Estudio Marhea. Edición de Julio/2015. Página 1
15. La grabación y la mezcla.
Introducción
15.1 - El estudio desde 0.
15.2 – La configuración del estudio.
15.3 - ¿Estamos todos?
15.4 - Una grabación de música pop.
15.5 – Los cimientos de la mezcla.
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15.1- EL ESTUDIO DESDE 0. ¿Cualquier local vale para grabar? En principio sí pero lo que sucede es que la acústica de cada local provocará en tu música efectos "únicos" que puede que te interesen o puede que no.
Tanto si eres solista, o sois grupo, si tocáis con instrumentos reales, si lo haces con instrumentos virtuales, con samplers......etc, es de suponer que debe existir un local donde plasmar esas ideas musicales: un trastero, una habitación, el garaje o incluso un cobertizo. La ambientación de esos lugares tiene tremendas diferencias con un estudio de grabación profesional (de eso no hay duda), pero, vamos a tratar este tema desde un punto de vista que pienso que os servirá (independientemente del local) para poder realizar vuestras grabaciones.
La batería es el instrumento más complicado de poner a punto, pero es importante que quede perfecta porque, si una batería suena mal, el tema nunca quedará bien. Aunque lleves 20 años grabando baterías nunca dejarás de aprender cosas nuevas, así que realizar una buena grabación a la primera es muy complicado (aunque no imposible).
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LA PARTE ELÉCTRICA.
En primer lugar, se supone que ya tienes el local o habitación disponible. Vamos a repasar la instalación eléctrica ya que es muy importante para el correcto funcionamiento de todos los aparatos que coloquemos.
A pesar de la larga lista de LCD's y el número de dispositivos necesarios en el más humilde de los estudios, muchos no terminan de entender que el consumo eléctrico no sea significativo. De hecho, el problema de la electricidad en los estudios no radica en la cantidad, sino en la calidad que proporciona.
La tensión que suministran las compañías eléctricas españolas equivale a 220V nominales, mientras que la carga total del equipo conectado a través de un enchufe normal no debe superar los 11A (aunque dependerá de la potencia eléctrica contratada). Si multiplicas la tensión por la corriente obtienes la potencia en vatios, que suele rondar la cifra de 2.400W.
En otras partes del mundo estas medidas suelen variar. Por ejemplo en Australia cada enchufe doméstico tiene una salida de 10A, mientras que en Cuba se opera con una norma de 120V.
Verifica el consumo de cada aparato en sus especificaciones. Generalmente se expresará en watios, así que sólo es cuestión de sumar las cantidades exactas para saber si se ha excedido o no los 2.400W. Si sólo aparece su valor reflejado en amperios, multiplica dicha cifra por la tensión (V) y el resultado se expresará en watios.
Un home estudio pequeño suele consumir cerca de 900W. El consumo de potencia estará dentro de los límites seguros por lo que tu atención debe centrarse en cómo distribuir la energía a los dispositivos.
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15.3- ¿ESTAMOS TODOS?
Puede parecer una tontería, pero ¿no os ha pasado nunca?
En alguna ocasión he ido a realizar los preliminares de grabaciones y esperar al menos 2 horas a que llegaran todos los componentes (con excusas de todos los estilos) y después seguir esperando a que terminaran de .....charlar.......afinar.......ir al baño......fumar……cerveza….. etc ….etc.
Es muy importante que exista una cierta disciplina en ese aspecto. Eso dice mucho del grupo.
Cuando se queda a una hora (al menos para grabar) se debe estar por lo menos media hora antes de lo acordado. Por ejemplo: los componentes van llegando y van colocando los instrumentos ..... afinándolos ..... partituras (si las hay) ..... charlar ..... ir al baño ...... cerveza o café..... el técnico comprueba las conexiones, estudia los primeros resultados, etc.
En media hora no estará todo solucionado pero lo más "tonto" quedará resuelto. Sin un orden, lo que sería una sesión de tres horas se convertiría en cinco y con resultados......en fin. Afortunadamente, hay músicos muy disciplinados (la mayoría) y profesionales que facilitan mucho la organización de una grabación.
Bien. ¿Estamos todos? ….
Comenzamos a grabar:
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15.1 La batería.
15.1-1 - El instrumento.
15.1-2 - La afinación.
15.1-3 - Baquetas y mazas
15.1-4 - Amortiguación.
15.1-5 - Colocación de la batería.
15.1-6 - Microfonía.
15.1-7 - La grabación.
15.1-8 - Mezclas y mastering.
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15.1-1 - EL INSTRUMENTO La batería es el instrumento más complicado de poner a punto, pero es importante que quede perfecta porque, si una batería suena mal, el tema nunca quedará bien. Aunque lleves 20 años grabando baterías nunca dejarás de aprender cosas nuevas, así que realizar una buena grabación a la primera es muy complicado (aunque no imposible).
LA CAJA.
La caja es el tambor de una batería que más golpes recibe. El parche inferior (que no se golpea) está tensado por unos cables metálicos para que no vibre y zumbe, y esta característica otorga muchas posibilidades sonoras. No hay dos que suenen exactamente igual.
Las modas influyen mucho en el sonido de caja, uno de los mejores indicativos para fechar una grabación. En los 60 solían ser vivas y metálicas, y en los 70 eran más apagadas y redondas. En los 80 sonaban grandes, gruesas, brillantes y reverberadas, y en los 90 se emplearon máquinas y samples, como la típica caja de TR-909. Hay cajas que se graban mejor que otras, algunas sonarán bien en directo y mal en el estudio, y viceversa.
La profundidad física de una caja influye sobre el tamaño del sonido. Usa una caja de tamaño adecuado el resultado que desees conseguir. Una caja "piccolo" poco profunda produce sonidos agudos y enérgicos, mientras que una caja profunda crea sonidos mucho más grandes. Los bateristas más veteranos siempre llevan sus propias cajas de confianza. La caja puede ser el mayor problema de toda la batería; para empezar, pon un parche nuevo en la parte superior.
Una caja piccolo.
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Colocando el parche
Se coloca sobre el casco y debemos de tener en cuenta que los aros del parche varían de acuerdo al fabricante así que puede suceder que calce bien. Si al parche le falta poco para tocar el aro de metal, se puede golpear en los bordes del parche, ayudándonos con un secador de pelo (puesto en aire frío) hasta que se asiente de la manera apropiada. Ajustamos los tornillos con los dedos y luego usaremos la llave de afinar, media vuelta según los siguientes diagramas:
El propósito de ajustar los tornillos de esta forma gradual y emparejada es para que el parche vaya bajando en la misma proporción en todos lados. Debemos prestar atención al número de vueltas y a la secuencia para que ninguno de los tornillos tenga más tensión que los otros. Una vez realizada la secuencia, continuamos con el primer tornillo de nuevo en el mismo orden hasta que el parche quede tenso en la medida que necesitemos. El sonido producido por el parche (crack) al ajustarlo no es para tenerlo en cuenta ya que es producido por el exceso de epoxy que se va rompiendo a medida que vamos ajustando. Podemos presionar fuerte con la palma de la mano en el medio del parche para ayudarlo a que se adapte. Debido a que el parche se asienta sobre una superficie que no es 100% perfecta, es aconsejable que si vamos a sacar el parche en forma temporal, sería bueno hacerle una marquita para utilizarla después como guía al colocarlo de nuevo y que quede en la misma posición.
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Hickory
El Hickory es una madera dura estadounidense (nogal americano). La densidad y la dureza son un poco menores que las del roble. El Hickory es un amortiguador de primera clase. Esto facilita la interpretación y libera de fatiga tus muñecas cuando toques. El Hickory tiene una muy buena relación peso-resistencia, y un montón de bateristas prefieren baquetas de este material.
Roble (Roble japonés, Shira Kashi)
El roble es un 10% más pesado que el Hickory. Es una madera más dura y por lo tanto tiene una vida más larga. El roble se puede tocar con más dureza que el resto de maderas. Una baqueta del mismo peso, será más fina en madera de roble. El roble no se desgasta al tocar los platillos, y no se rompe con los golpes de aro fácilmente.
Arce
El arce es un 10% más ligero que el Hickory. De esta manera se consigue una baqueta más gruesa con el mismo peso. Muchos bateristas escogen el arce exactamente por esta razón: una baqueta relativamente gruesa con poco peso. Las baquetas de arce se seleccionan por su ligereza y su rápida respuesta en las situaciones más silenciosas. Por ejemplo, cuando ensayas. El Arce no es tan duradero como el roble o el Hickory.
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La cabeza ovalada
La cabeza ovalada tiene un área de contacto mayor que la redondeada, pero menos que la triangular, en un ángulo plano al tocar. El sonido es más cálido que la redondeada y la triangular, sin embargo es más definido que el de la cabeza triangular en un ángulo plano.
MAZAS
Los mazos del pedal de bombo son muy importantes. El mazo de cuero es el que ofrece la mejor combinación de peso, pegada, golpe seco y chasquido. Los de madera tienen demasiado ataque, lo cual estaba bien en los 80's, aunque no daban suficiente chasquido y la gente solía clavarles broches o chinchetas. Los de trapo dan un sonido más cálido y suave, que puede estar bien para ciertos tipos de músicas.
• cuanto más peso - tono más profundo. • cuanto menos peso - más armónicos. • los materiales más duros crean tonos más claros. • los materiales blandos son más cálidos. • una gran superficie de contacto produce un tono humedecido. • un área de contacto más pequeña ofrece una pegada bien definida.
Fieltro – Madera – Plástico - Caucho
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LA CAJA.
El micro más utilizado para grabar la caja es el Shure SM57, ya que ofrece un excelente sonido y buen precio. El Sennheiser 441 es otro clásico micro para cajas. Los micros de válvulas y condensador también son fantásticos, pero sólo para los más atrevidos, ya que pueden sufrir daños importantes.
Apunta el micro inclinado sobre el parche superior, apuntando hacia el punto de impacto, en el borde de la circunferencia exterior del tambor. Para minimizar las fugas del charles, lo cual siempre resulta un problema, aléjalo todo lo que puedas del platillo. El sonido de la caja mejora colocando un segundo micro en el parche inferior, aportando más chispa y brillo al sonido. Colócalo cerca del parche y de los cables, e invierte la fase de la señal para evitar la cancelación de medios y graves. Si es posible, graba cada micro por separado y equilibra las señales en la etapa de mezclas. Si los mezclas mientras grabas, recuerda que un exceso de medios inferiores puede emborronar el ataque del golpe de la caja.
EL BOMBO.
La microfonía del bombo dependerá de que tenga uno o dos parches; si sólo tiene uno, coloca un micro en su interior. El micro más común para bombos es quizás el (que ha sustituido al antiguo D-12). Era genial para frecuencias muy bajas, pero no conseguía sonidos precisos. El D-112 suena más ajustado, aunque tendrás que ajustar la cola de graves para mejorar el peso del golpe. La posición ideal del micro para equilibrar el peso y el impacto está a medio camino entre el parche y el exterior del bombo, algo descentrada. Para obtener un golpe con más ataque, acerca el micro al parche, y si buscas un sonido más pesado, con más cuerpo, aléjalo. Para que el micro no se mueva de su posición se recomienda utilizar un pequeño pie de micro dedicado (los pies de altura normal son rígidos).
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En los micros que se colocan sobre la batería, la imagen estéreo ya está presente, así que no hay necesidad de panoramizar. Piensa en que el golpe del bombo está lleno de energía, y que si lo panoramizas a un extremo, uno de tus altavoces va a tener que trabajar más. Centrando el panorama tus altavoces se repartirán el trabajo. Así que, a menos que estés haciendo algo particularmente creativo o hayas grabado dos baterías, lo habitual es colocarlo totalmente en el centro.
La ecualización es necesaria debido a lo que se conoce como "efecto de proximidad". Si el micrófono se coloca muy cerca del bombo, los golpes de aire pueden dar lugar a unas frecuencias graves bastante molestas. Es importante no abusar de la Eq aquí, ya que solamente es necesario un pequeño recorte.
Para la mayoría de los bombos, un pequeño realce en la región de 6-12Hz puede acentuar el "clic" del ataque, mientras que ligeros realces en la región de 2KHz lo harán más sordo.
Si necesitas un bombo más explosivo, aplica un pequeño realce en los 100Hz, y si hay demasiada resonancia o el sonido retumba, aplica pequeños recortes en 200-350Hz.
Escucha cuidadosamente lo que has grabado, intenta eliminar cualquier frecuencia que no deba de estar presente y refuerza las que tengan que estarlo más. Para acentuar el golpe de caja en lo micrófonos de ambiente, prueba subiendo 5dB en la región de 280Hz y recorta 2dB en 12 KHz para eliminar el hiss en la parte alta del espectro.
Si quieres sacar el impacto de la baqueta, realza alrededor de 5 KHz y, para conseguir un poco de resonancia, prueba a reforzar la banda de 100-300Hz. Un pequeño realce entre 7 y 10KHz puede potenciar el carácter metálico del charles, mientras que ligeros realces alrededor de 500Hz-1KHz harán más presente el "clang".
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Consejos de Shure para la colocación de micrófonos en la batería.
Lo más probable es que no estarás grabando baterías por sí solas, porque tienes que considerar al resto del grupo. Podrías estar en una situación donde estés doblando una batería en directo a una pista completa con el objetivo de sustituir baterías programadas, pero lo normal es que tengas cuatro o cinco músicos esperando aburridos a que acabes de ajustar el sonido de la batería, preguntando con insistencia cuándo pueden empezar a tocar.
Puedes tomar dos alternativas.
Grabar tomas en directo de todo el grupo tocando a la vez, o buscar una buena pista de batería mientras el resto del grupo actúa como guía de fondo para inspirar al batería. Opta por la primera si el grupo está bien engrasado o su presupuesto es ajustado, pero apuesta por la segunda si te parece muy complicado que todos ellos consigan una buena toma conjunta al mismo tiempo. Pero si decides la segunda opción, siempre merece la pena intentar grabar el resto de los sonidos lo mejor posible, y más al cantante. No es raro que esa guía vocal acabe formando parte de la grabación final, porque el vocalista estará cantando sin ninguna presión ni agobio.
15.1-8- MEZCLAS Y MASTERING Mezclar bien una batería en una pista muy llena resulta complicado porque depende del sonido que hayas grabado. Si es correcto, la mezcla será más fácil. La batería debe tener cierta pegada, ser potente, pesada, brillante, clara, espaciosa, firme....etc... La mezcla será la que saque a la luz estar características y la clave está en el equilibrio de niveles y procesamiento.
El mejor arma es la compresión, lo mejor para imprimir impacto y potenciar el sonido. Escucha mezclas de Led Zepplin o de The Beatles. Esos grandes sonidos de batería se han conseguido comprimiendo las señales con antiguos compresores a válvulas como los clásicos de Fairchild. Comprimir cada micrófono por separado mejora cada sonido (excepto el charles) y la compresión general contribuye a un sonido de batería homogéneo.
La voz es el elemento más sensible durante el proceso de mastering. Si ecualizas la caja después de mezclar la pista también tendrás que tratar la voz para devolverle su claridad y presencia. No obstante, puedes retocar algo la batería, aunque con mucho cuidado. Un realce en agudos (a partir de 15KHz) aporta frescura al conjunto. Subir con moderación los graves (por debajo de 100Hz) aumentará el cuerpo global de la pista, pero ten en cuenta al bajo cuando realices esta operación. También puedes aplicar una compresión general a toda la batería: eso aumentará su potencia, pero corres el riesgo de aplastar demasiado el sonido.
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