Download - Teoría SIGLO XX
Teoría Historia del Siglo XX
Tema 1
Cambios tecnológicos: La grabación
1857- Leon Scott crea una máquina capaz de imprimir pero no reproducir las ondas sonoras.
1877- Charles Cros propone pero no construye, la primera máquina capaz de grabar y reproducir
sonido. Ese mismo año Edison la patenta bajo el nombre de fonógrafo. Este canaliza las ondas a
través de una bobina parlante y un diafragma hasta una punta metálica que graba surcos en un
cilindro de hojalata recubierto de cera, que se reproducían invirtiendo el proceso. Sólo se podía
reproducir. Este era capaz de almacenar dos minutos de música y podía registrar obras interpretadas
por pequeños grupos si proyectan directamente a la bocina.
1887- E. Berliner patenta el gramófono que sustituye el cilindro por un disco plano que permite
mayor tiempo de grabación y mayor sencillez en reproducir y copiar.
1920- No más grabación por cilindro. USA gramófono y UK fonógrafo.
Consecuencias sociales
Comercialización de discos entonces, mayor difusión musical
Baja la demanda de representaciones en vivo/conciertos porque la gente puede escuchar
varias veces una obra.
Música como objeto industrial y comercial.
Se utiliza y manipula el gusto del público para generar dinero.
Aparece entonces la música de consumo, que se diferencia de la popular porque tiene
interés económico.
La música culta en el siglo XX muy alejada del público. ¿Educación?
Cambios estéticos
Música del siglo XX muy distinta a la anterior. ¿Será esta la clásica del mañana?
Es distinta porque los compositores quieren demostrar que los marcos tradicionales no
funcionan.
Coexisten diversos sistemas de composición: serialismo, dodecafonismo, tonal
ampliado/politonal, modal, electroacústica, aleatoria...
Se valora la investigación que hace el compositor para desarrollar su propia técnica. (antes
no?)
Nuevas organizaciones de alturas (intervalos): emancipación de la disonancia.
Teoría de la disonancia: 2, 7, 9... frente a la teoría clásica: de la consonancia 3, 5, 6, 8...
El origen de la disonancia según Helmoltz: los armónicos. Cuando los armónicos de dos
sonidos no se corresponden o se corresponden pocos se produce una disonancia.
También depende del timbre, la tesitura y la cultura (en la Edad Media 3=disonancia)
En el siglo XX la disonancia es independiente y no es inestable.
Formas de tratar la disonancia en el siglo XX
Se pierde centro tonal y sus relaciones.
Mahler, Sinfonía 4, nº2
Tonalidad extendida: en una composición se emplean acordes manchados (con tensiones
paleto).
Ravel Pavana para una infanta difunta
Atonalidad: todas las notas de la escala tienen la misma importancia.
Modalidad: todas las notas la misma importancia. La música entendida desde un punto de
vista horizontal. Se retoman los modos griegos o de la cultura china.
Debussy Siete epígrafes antiguos
Ritmo
Heredado de la música popular. Más complejo. Se utiliza para suplir la falta de tensión.
Utilización de compases irregulares: 5, 7... partes. Cambios de compás frecuentes
Acentos a contratiempo
Ritmos irregulares
Stravinsky La consagración de la primavera
Nuevas texturas mediante la combinación de ritmos.
Desarrollo timbres y sonidos
Amplían instrumentos de percusión
Instrumentos no sinfónicos a la orquesta: saxofón, guitarra, acordeón...
Empleo de instrumentos extremos: flautín-contrabajo
Instrumentos electrónicos: ondas Martenot, Theremin, sinte...
Forma
Libertad formal
Forma sonata, rondó... ligadas al periodo clásico y la tonalidad. Todas comparten un sistema
de relaciones jerárquico donde las unidades mas pequeñas se combinan para producir
unidades mayores: frases-periodos-secciones-movimientos. Cuando desaparece tonalidad
también esta sintaxis formal.
El material sonoro genera la forma.
Es más difícil hacer obras largas (sin forma). Webern Drei kleine Stucke
Tema 2 “Música hasta la primera guerra mundial”
Tres grandes periodos
Fin de la guerra franco-prusiana (1871)
I guerra mundial (1914)
II guerra mundial (1939)
Características sociales de una generación a caballo entre dos siglos
La seguridad
Burguesía intelectual
La imposibilidad de una nueva guerra(?)
Doble moral: puritanismo/ expansión de la prostitución y el psicoanálisis freudiano
Compositores
F. Busoni Italiano-alemán
Debussy francés
Gustav Mahler Austríaco
Hans Pfiztner Alemán
Ravel francés
Max Reger Alemán
Satie francés
Strauss alemán
Ferruccio Busoni
Su primera etapa compositiva= último periodo romántico
1907 publicación de Apuntes sobre una nueva estética de la música donde formula bases
técnicas y estéticas de la nueva música del siglo XX. Esto se corresponde con su obra.
En Seis sonatinas para piano y sus operas Arlecchino, Turandot y Doctor Fausto
encontramos signos de modernidad como acordes bitonales, arritmia, escala artificial de
tonos enteros....
Nunca abandona por completo tonalidad, pero si técnica y estética moderna.
Debussy
Música de Debussy= impresionismo musical. Sirve para distinguirlo del estilo alemán,
aunque es anacrónico ya que los pintores comienzan mucho antes su actividad. Mantiene
buenas relaciones con pintores post-impresionistas como Gaugain y con escritores
impresionistas como Verlaine o Mallarmé. *Estos disuelven la sintaxis tradicional (y
Debussy) se pone cachondo lo que permite que las palabras sean apreciadas más por su
valor sonoro y su capacidad evocadora de imágenes que por su significado. Precisamente
esto es lo que hace Debussy con la tonalidad y los acordes. Este escogía la armonía por su
color y timbre sin tener en cuenta su posición funcional en una secuencia armónica. NO NO
NO
La siesta del fauno basada en un poema de Mallarme, es considerada la primera obra de
madurez y comienzo de la música del siglo XX francesa para algunos.
Debussy se preocupa más por lo “superficial”: textura, color, timbre, dinámicas....mientras
que huye de los grandes temas melódicos construyendo a partir de breves partículas
motívicas interconectadas; y de la dirección tonal creando bloques armónicos estáticos.
Utiliza elementos del pasado: modos gregorianos.
Gustav Mahler
Dentro de la cadena de compositores sinfónicos austro-alemanes (Mozart- Haydn-
Beethoven y Schubert, hasta Brahms y Bruckner) es el último eslabón
Utiliza gran orquesta (en sus sinfonías)
Dentro de la gran orquesta introduce pasaje de cámara para crear constraste
Acude a instrumentos populares para crear nuevas atmósferas: mandolina
Al igual que Schubert y Bruckner, introduce lirismo en sus sinfonías que le permite abordar
otro gran género: el Lied
Se mantiene dentro de la tonalidad pero anima a Schoenberg a dar el salto, a quien también
influye en la orquestación
Hans Pfitzner
Su música solo se interpreta en Alemania
Sus obras no sobrepasan los límites tonales del Romanticismo Tardío
Obras más célebres: La ópera Palestrina y el Concierto para violín en Si m (aportación
importante al repertorio de violín)
Pfiztner vs corrientes basadas en cálculo intelectual. Escribe un polémico escrito vs Busoni
(Apuntes sobre una nueva estética para la música)
Abraza nacionalismo alemán, pero repudiado por régimen nazi al negarse a poner música a
El sueño de una noche de verano de Shakespeare. Este no podía asumirlo por su condición
de judío-alemán.
Maurice Ravel
Uno de los grandes compositores incalificables. Actualiza la tradicional técnica compositiva
mediante procedimientos modernos.
Algunas de sus obras como Juegos de agua, Rapsodia española, y Daphne y Chloé...
recuerdan a la música de Debussy. Aunque Ravel siempre más tonal.
Experimenta y muestra interés por el folklore. Ej.: Rapsodia Española, Sonata Nº 2 para
violín y piano en Sol M (influencia del jazz), Valses nobles y sentimentales (danzas
centroeuropeas)
Realiza brillantes orquestaciones. Ej.: el Bolero donde bajo una melodía repetitiva aparece la
orquestación más extensa imaginable.
Max Reger
Se le puede considerar romántico tardío
Recibe mucha influencia de Brahms
Recibe influencia del contrapunto de Bach como observamos en sus obras para órgano.
El uso cromático que hace de la armonía presagia la música de Schoenberg
Su música es una combinación de elementos conservadores y progresistas. Esto supone un
punto de partida para compositores como Stravinsky o Hindemith
Erik Satie
Es expulsado del Conservatorio de París antes de obtener el título. Se ganó la enemistad de
muchos músicos a lo largo de su vida. Era un persona excéntrica y solitaria. Esto por otro
lado, le conduce a hacer una obra muy original.
Sus piezas eran calificadas de "democráticas" (por su aparente sencillez?)
Los títulos de sus obras eran cómicos como Preludios flojos y así mismo anotaba
indicaciones poco corrientes en las partituras como retardar educadamente, silencio muy
serio, abre la cabeza...
Como Debussy utiliza la melodía del Canto Gregoriano.
Compositivamente la originalidad de sus obras se debe a líneas melódicas poco
desarrolladas que se mueven por armonías disonantes.
Al final fue un adelanto para su época. En algunas de sus obras hay rasgos dadaístas y del
surrealismo posterior.
Richard Strauss
Post-wagneriano que asume la expresión del orgullo alemán tras la victoria de la guerra
franco-prusiana.
Cultiva el estilo de Mendelssohn y Schumann en sus obras de música de cámara.
A finales del S. XIX compone todos sus poemas sinfónicos, que presentan unas texturas
polifónicas complejas, una armonía intensamente cromática y nuevos efectos de color
instrumental surgidos a partir de consideraciones programáticas. Ej.: Don Juan, Así habló
Zaratustra
A principios del XX compone sus 2 primeras óperas: Salomé y Elektra que influyen en la
orquestación posterior y en la armonía, que rompe prácticamente con lo anterior
El resto de su obra operística supone un retroceso donde Strauss utiliza tonalidades más
firmes.
París y los ballets rusos
Los Ballets Rusos fue una célebre compañía de ballet creada por el empresario ruso afincado
en París, Diaghilev, quien reunió a los mejores artistas de la época: escritores como
Mallarmé, poetas como Apollinaire, pintores como Picasso o Matisse y bailarines como la
pareja escénica Nijinsky-Karsavina.
Cuando este muere la compañía desaparece.
Principales estrenos de los ballets rusos en París, con música de los grandes compositores del
momento
Auric: La Pastorale
Debussy: L’aprés-midi d’un faune
Falla: El sombrero de tres picos
Milhaud: Le train bleu
Poulenc: Les Biches
Prokoviev: Chout
Ravel: Daphnis et Chloé
Satie: Parade
Stravinski: El pájaro de fuego (1910), Petrushka (1911), La consagración de la primavera
(1913)
Expresionismo en Viena y Centroeuropa
Paralelamente a lo que está sucediendo en París, en el área germánica se produce una
revolución de la armonía
Schoenberg: se pone al frente de esta corriente frente al wagnerismo que ya se encontraba
en decandencia.
Todo esto impulsa a la creación de una nueva estética y técnica. La técnica va a ser el
atonalismo (evita centro tonal y jerarquías anteriores). La estética aglutina diversas
corrientes del expresionismo y defiende la importancia de los sentimientos y su expresión.
La visión interior del artista cobra mucha importancia.
En sus primeras obras todavía se observan rasgos propiamente wagnerianos. También recibe
influencia de Mahler en la orquestación.
Con su Sinfonía de cámara Nº 1 para 15 solistas (1906), estrena la armonía atonal e
inaugura un tipo de conjunto; y con Pierrot Lunaire (1912), la técnica del Sprächgesang: se
canta con la entonación hablada sin colocar la voz.
La I Guerra Mundial marca el final del expresionismo y Schönberg aprovecha para
sistematizar el atonalismo, cuyos frutos se verían después de la guerra.
Discípulos de Schoenberg
Alban Berg: al atonalismo le incorpora el concepto de "densidad sonora". Esto le permite el
enriquecimiento de texturas mediante variaciones tímbricas y grandes orquestaciones. Su
obra más representativa: la ópera Wozzeck.
Anton Webern: en su primer periodo compositivo explora el atonalismo. Seis Bagatelas
para cuarteto de cuerda. Aunque luego más conocido por el serialismo y dodecafonismo.
Dos casos aislados: Scriabin
Desarrolla corriente compositiva rusa (Mussorgsky, Rimsky-Korsakov); que se caracteriza
por el uso de la escala de tonos enteros.
Su huida de la tonalidad culmina con su obra Prometeo para piano, orquesta, órgano, coro
sin texto, y teclado de luces, instrumento que mandó construir para que emitiera una luz de
color distinto para cada nota. En esta obra está presente la herencia wagneriana, además
introduce un acorde místico que luego se llama "el acorde de Prometeo": acorde por cuartas
Do Fa♯ Si bemol Mi La Re Sol, que surge de la escala de tonos enteros, o podemos
entenderlo desde ahí.
El misticismo ataca a Scriabin y el resultado es la obra Mysterium No llego a ser
interpretada en el tempo Hilamaya, donde el compositor quería, debido a su fallecimiento.
Se aprecia un serialiamos que anticipa a Schoenberg.
El otro tio que va aquí y me la pela gorda
Futuristas italianos
La herencia de Verdi: Puccini, Leoncavallo…Puccini experimenta con las escalas de tonos
enteros, las disonancias, los exotismos… sobre todo en Madame Butterfly. Aunque subyace
tonalidad principal.
Marinetti origina la corriente futurista, que nace con un deseo de romper con lo anterior, y se
aglutinan diversas disciplinas. Ej. de ruptura: cambiar instrumentos de la orquesta por
instrumentos de fábrica como aviones…
Lo más importante de esta corriente es su deseo por mezclar la tecnología con la música, lo
que lleva poder incluir todo tipo de ruidos en la música.
Tema 3 “Nueva música con raíces populares”
Nacionalismo y folklore en Francia
Primer nacionalismo del siglo XIX- de carácter político que consiste en esconder lo popular
con ropajes cultos.
Segundo nacionalismo del S XIX- no carácter político que consiste en la utilización de
elementos populares como en la música culta/de conciertos. Ej.: ritmos y melodías
características
Stravinsky llega a un París debussiano con influencias rusas sobre todo de Rimsky-
Korsakov. Debido a esto sus primeras obras presentan elementos de ambas corrientes. La
verdadera innovación de Stravinsky fue el uso del folklore lo que le permite avanzar en su
música a diferencia de lo que ocurría con el conservadurismo nacionalista. Ej.: La
consagración de la primavera y Petruska donde combina este folklore con procedimientos
compositivos modernos como la politonalidad.
Nacionalismo y folklore en Hungría
Bartok y Zoltán Kodály. Estos se preocupan más por el folklore que Stravinsky y lo
investigan en profundidad mediante estudios etnomusicológicos y trabajos de campo que les
sirven para recopilar canciones populares de Hungría, Norte de África…
En algunas de sus obras el uso del folklore se hace de manera explícita, mientras que en
otras se utiliza un folklore imaginario, donde se utilizan elementos populares para
enriquecer la música como una escala pentatónica, o ritmos complicados. Ej.: Stravinsky El
castillo de barba azul
Otras obras posteriores importantes: Música para cuerda, percusión y celesta y Sonata para
dos pianos y percusión de Bartok
Influencia de esta vertiente folklórica en otros países del este: Checoslovaquia Janacek y
Martinu, y en Rumanía George Enesco.
Nacionalismo y folklore en España
El uso del folklore en nuestro país fue una combinación de elementos populares españoles y
del impresionismo francés.
Felipe Pedrell importante compositor e investigador del folklore español, que influye
posteriormente en Albeniz, Granados, Falla y Turina
Albeniz hace sobre todo obra para piano. La más famosa Suite Iberia en la que mezcla
folklore español con una brillante y estilizada técnica pianística, que influye posteriormente.
Granados sigue la línea del refinamiento de Albéniz. Su obra más conocida es Goyescas
(1911), basada en los cuadros de Goya, que serviría de base para la ópera del mismo nombre
que se estrenaría en 1916.
Falla. La vida breve, zarzuela que luego convertiría en ópera, fue su última composición
antes de marchar a París donde permaneció 7 años. Luego regresa a España al estallar la I
Guerra. En París se deja influir por Debussy y Ravel y compone, sin perder el lenguaje
folklórico, con una brillante escritura instrumental sobre una sonoridad impresionista. Ej.:
Siete canciones populares españolas (1915), El amor brujo (1915) y El sombrero de tres
picos (1919). Estrenadas en España.
En su último periodo compositivo, Falla se impregnaría del neoclasicismo de Stravinski
como se aprecia en El retablo de Maese Pedro o en el Concierto para clave y cinco
instrumentos.
Turina también en París con los impresionistas y regresó a España al estallar la I Guerra
Mundial donde desarrolló su carrera. Hace uso del folklore andalucista que también se hace
evidente en los títulos de sus obras. Para piano: Sevilla (1908), Sonata romántica sobre un
tema español (1909), Tres danzas andaluzas (1912), Para orquesta: La procesión del Rocío
(1913). Música de cámara: Las musas de Andalucía (1942) para canto, piano y cuarteto de
cuerda.
Nacionalismo y folklore en América Latina
Durante el siglo XIX la música latinoamericana estuvo dominada por los modelos europeos,
principalmente por la ópera italiana. Esta situación cambia con la llegada de un
nacionalismo político y el cambio de siglo.
Hay que destacar tres figuras principales:
Villa-Lobos (brasileño) une la música rural de Brasil con los ritmos sincopados de las
bandas urbanas brasileñas dentro de un lenguaje moderno, que presenta influencias de
Bach. Ej.: Bachianas.
Chávez (mejicano) fusiona el neoclasicismo con elementos de la cultura india
precolombina. Ej.: Sinfonía India o Canto a la tierra.
Ginastera (argentino) pertenece a la generación de compositores posterior a la II Guerra
Mundial. Su producción se puede dividir en dos etapas: una primera en la que emplea el
material folklórico de manera abierta. Ej.: ballet Estancia en el que se describen escenas de
la vida rural argentina; y una segunda en la que utiliza material folklórico sutilmente sobre
una base dodecafónica.
Jazz
El jazz surge en Nueva Orleans como resultado de la combinación de tres tradiciones:
africana (ritmos, acentos sincopados y sonoridad vocal de los espirituales); europea
(técnicas instrumentales y las canciones religiosas de los ingleses e irlandeses); y
estadounidense (bandas americanas de viento metal).
El jazz se basa en la improvisación. Es más importante el intérprete que el compositor
(perdón!!!)
Louis Armstrong ( trompetista y cantante) y Duke Ellington (pianista).
Theolonius Monk (pianista) y Charlie Parker (saxofonista).
Las cantantes: Billie Holiday, Ella Fitzgerald y Sara Vaughan.
Miles Davis (trompetista) y John Coltrane (saxofonista).
Tema 3.1 “El neoclasicismo y el dodecafonísmo”
Corriente que toma elementos del clasicismo para hacer un eso libre de ellos. Nunca con
intenciones conservadoras o puristas. Pretende romper con la tendencia de los grandes conjuntos
instrumentales y las complicadas texturas.
Stravinsky y Ravel
Se le suele considerar el padre del neoclasicismo.
• Durante los años de la guerra Stravinsky se exilia a Suiza y empieza a sentirse atraído por
recursos compositivos más sobrios y menos monumentales y complicados. Por otro lado,
continua haciendo uso del folklore como se aprecia en la ópera de cámara Reynard (1916) o
La historia de un soldado (1918).
• Regresa a París iniciando el periodo neoclasico. Al igual que había usado el folclore utiliza
ahora material, no sólo del clasicismo sino de todos los periodos de la música occidental,
desde un punto de vista moderno sin perder de vista la ensencia de esta música, lo que puede
observarse en las siguientes composiciones:
• Su primera gran obra neoclásica es el ballet que compuso por encargo de Diaghilev en 1920,
Pulcinella, a partir de temas de Pergolesi (1700) y con diseños de Picasso. Stravinsky
decidió no solamente orquestar el material de Pergolesi sino rehacer completamente la obra
respetando el sabor de la música del s. XVIII. Stravinsky reutilizaría sus temas para la Suite
Italiana para violoncello y piano.
• Obra relevante del neoclasicismo de Stravinsky: Octeto para viento que presenta elementos
propios del clasicismo. Ej.: primer movimiento con forma; el segundo es un tema con
variaciones y el tercero, tiene forma rondó
• Otras obras neoclásicas destacables son: Concierto para piano, viento, timbales y
contrabajo (1924); Concierto grosso para orquesta de cámara “Dumbarton Oaks” (Los
robles de Dumbarton) (1938); Sinfonía Clásica (1940) y la ópera The Rake’s Progress
(1951). Las dos primeras toman como referente de su neoclasicismo la música del barroco
mientras que las otras dos del clasicismo.
• Ravel, el gran inclasificable, también coquetea con el neoclasicismo aunque no de una
manera extendida. Un caso concreto es el Adagio assai de su Concierto para piano en Sol M
que recuerda al Larghetto del Quinteto para clarinete de Mozart.
Los seis
Entre los grandes admiradores de Satie, seis de ellos se hicieron amigos y comenzaron a dar
conciertos juntos en 1917. Fue Satie quien por primera vez los llamo “Los seis”, que por
analogía podemos comparar con “los cinco” del movimiento nacionalista ruso. Cocteau era
el portavoz, quien por otro lado manifiestó su rechazo del Romanticismo y sus excesos
mediante un escrito llamado Gallo y Arlequín. Satie era como una especie de padre
espiritual de los seis y simbolizó la Francia de la posguerra.
La propuesta de “Les six” era una música directa, libre de pretensiones (como “la música de
cada día” que proponía Satie), alejada del elitismo de las salas de conciertos y que tomaba
como modelos la música de los circos, del music-hall, de los cafés de conciertos y del jazz.
El grupo de “Les six” se disolvió a los dos o tres años de su formación y cada uno de ellos
Durante los años que duró la guerra, Satie se convirtió en oráculo de los jóvenes
compositores franceses. Seis de estos admiradores se hicieron grandes amigos y comenzaron
a dar conciertos juntos en 1917 bajo el nombre “Les Nouveaux Jeunes”, pero cuando un
articulista se refirió a ellos como “Les six”, por analogía con “los cinco” del movimiento
nacionalista ruso, cambiaron su nombre original. “Les six”, con Cocteau como portavoz al
haber expuesto sus ideas contra el Romanticismo y sus excesos en su manifiesto Le coq et
l’arlequín (Gallo y arlequín); y Satie como una especie de padre espiritual, simbolizó la
Francia de la posguerra.
La propuesta de “Les six” era una música directa, libre de pretensiones (como “la música de
cada día” que proponía Satie), ligera de toque, alejada del elitismo de las salas de conciertos
y que tomaba como modelos la música de los circos, del music-hall, de los cafés de
conciertos y del jazz.
El grupo de “Les six” se disolvió a los dos o tres años de su formación y cada uno de ellos
tomo su propio camino. El grupo lo conformaban: Francis Poulenc (1899-1963), Darius
Milhaud (1892-1974), Arthur Honegger (1892-1955), Georges Auric (1899-1963),
Germaine Tailleferre (1892-1983) y Louis Durey (1888-1979).
Arthur Honegger
De los miembros de “Les six” Honegger es el que más se aleja de las ideas originales del
grupo.
Honegger desarrolla su propia línea. Su neoclasicismo se basa en un estilo de oratorio
moderno tomado del barroco, algo demasiado serio y estilizado como para encajar en la
sencillez de los seis. Dentro de este género algunas de sus obras más reconocidas son El rey
David (1921) o Juana de Arco en la pira (1935).
Asimismo, se sentía fuertemente atraído por la tecnología. Ej.: Pacific 231 (1923), inspirada
en el sonido de una locomotora. Esto permite establecer un estrecho vínculo con los
futuristas italianos.
Al final, la idea del colectivo de compositores fue más atractiva y exitosa. Ninguno de los
seis por separado alcanzó tal reconocimiento ya que nos encontramos en una época que
rechaza cualquier vestigio de individualismo romántico.
Milhaud
Este combina el estilo barroco del neoclasicismo con folclore brasileño, con el objetivo de
enriquecer a este último. Ej.: “Suite para piano” Saudades do brasil. En esta obra también
politonalidad.
Como buen les six se aleja de la música pretenciosa buscando refugio en la música de
cabaret y el jazz. La creación del mundo, ballet-música bailable.
Muy prolífico. También música incidental para teatro, cine...
Francis Poulenc
Fue el que más permaneció, a lo largo de su vida, comprometido con el espíritu original de
la formación de les six.
Hace uso de formas clásicas a través del neoclasicismo
El uso que hace de la tonalidad es bastante conservador ya que respeta el tradicional uso de
triadas en la conformación de acordes y la tensión-distention. A veces inflexiones modales.
Melodías alegres y sencillas.
Sentía predilección por el viento madera. La obra que completo para ellos fue la de flauta, la
de oboe y la de clarinete. También Sexteto para piano, flauta, oboe, clarinete, fagot y corno
(1932).
A partir de 1936, se hace religioso y empieza a componer música de este género, alejada de
la vitalidad que había caracterizado su trabajo anterior: Stabat Mater (1950) o Gloria.
Se separa de su gran amor y compone la ópera en un acto y cantada por un solo personaje La
Voix humane (1958): una mujer recibe la llamada telefónica de su amante quien le comunica
que tiene la intención de abandonarla.
Influencias fuera de Francia
ALEMANIA. Hindemith (1895-1963): recibe influencia de “Les six” del cabaret, el music-
hall y el jazz. Su neoclasicismo bebe del barroco y del contrapunto de Bach.
ESPAÑA. Falla (1876-1946): neoclasicismo por ejemplo en el Concierto para clave y cinco
instrumentos (1926). Así mismo algunos compositores de la Generación del 27 siguieron
esta corriente: Ernesto Halffter (1905-1989) en su Sinfonietta (1927); su hermano Rodolfo
Halffter (1900-1987) en el ballet Don Lindo de Almería (1926) y en las Sonatas del
Escorial (1928).
HUNGRÍA. Bartók (1881-1945): su ballet El príncipe de madera (1917) influencia de
Stravinsky que también se puede observar en su Concierto para piano Nº 1, cuyo
neoclasicismo está inspirado en el contrapunto de Bach.
USA. Algunos compositores estadounidenses de los años que siguieron a la I Guerra
Mundial estudiaron en París con la profesora Nadia Boulanger, gran admiradora de
Stravinsky, por lo que el enfoque de su enseñanza fue principalmente neoclásico.
RUSIA. Prokovief (1891-1953): ruso exiliado en París y posteriormente en USA tras la
revolución rusa. En su Sinfonía Clásica (1917), su neoclasicismo sigue el esquema de las
sinfonías de Haydn; en su ópera El amor de las tres naranjas hay influencia de “Les six”;
mientras que en el ballet Romeo y Julieta (1938) basa su neoclasicismo en el Romanticismo.
Tema 4 “El dodecafonismo”
Consiste en una serie de 12 sonidos/notas de la escala cromática en u orden determinado sin
que exista ninguna jerarquía entre ellos.
La serie dodecafónica se expone al principio de la obra en su forma original. El orden de la
serie siempre se mantiene ya que ningún sonido puede repetirse más que otro porque
volveríamos a la jerarquía de antes.
Se puede utilizar una serie dodecafónica o más.
Todas las series tienen 4 posiciones básicas:
1. La serie principal P
2. La retrogradación de la misma R: leer de atrás hacia adelante
3. La inversión I: invertir los intervalos haciendo ascendentes los descendentes y a la
inversa
4. La retrogradación de la inversión RI: leer de atrás hacia adelante la serie invertida.
Cualquiera de las series principales puede transportarse a cada uno de los 12 grados de la
escala, con lo que (12x4) habría 48 series básicas.
Schoenberg
Antes de componer su obra se dedica varios años a sistematizar su propia técnica atonal. Lo
que Schoenberg revoluciona es la armonía mientras que el ritmo y la forma continúan siendo
los tradicionales de la época brahmsiana.
Según lo que este dice, con el nuevo procedimiento compositivo: “asegurará la supremacía
de la música alemana para los siguientes 100 años”.
Gran parte de su obra utilizaría su propio sistema que también se puede enmarcar en
diferentes corrientes. Suite für Klavier y el Quinteto de viento, pertenecen a la corriente
neoclásica; mientras que el String Trio a la estética expresionista.
El propio Schönberg reconoció las limitaciones de su sistema frente a la tonalidad. Con
su ópera inacabada Moisés y Aaron (1931-32): Moisés es el visionario que se comunica con
el Dios de los judíos pero no sabe transmitírselo al pueblo. En cambio Aaron tiene facilidad
de palabra pero no entiende la palabra de Dios. El personaje de Moises utiliza
dodecafonismo, mientras que Aaron canta dentro de la tonalidad.
Compositores que aplican el dodecafonismo
Alban Berg (1885-1935): siguió a su maestro en el dodecafonismo pero sin olvidarse de la
tonalidad ,ya que este no le era suficiente para satisfacer sus necesidades expresivas.
Anton Webern (1883-1945): utilizó un dodecafonismo muy limitado, una única serie por
composición, a la que somete a muchas transformaciones (aumentación, disminución,
inversión, retrogradación, espejos, utilizando el silencio como elemento constructor…)
Stravinsky (1882-1971): en la última etapa de su vida (1953-1971) se “convierte” al
dodecafonismo dos años después de la muerte de Schönberg.
Pierre Boulez (1925): estilo serial post-weberiano.
Roberto Gerhard (1896-1970): influencia de Granados y Falla que le llevan a componer
piezas donde se hace uso de ritmos folcloricos y armonía dodecafonía. El dodecafonismo
español, al igual que la Generación de Compositores del 27, desaparecería con la Guerra
Civil.
Tema 4.1 “Microtonalidad e instrumentos electrónicos”
El microtonalismo surge por un interés en la exploración de sonidos más pequeños que el
semitono por medio de la subdivisión. Esto impulsa la creación de nuevos instrumentos, que
puedan emitir dicho sonidos. Ej.: instrumentos de cuerda sin trastes
El compositor checo Alois Hába (1893-1973) fue el principal defensor de la música
microtonal durante el periodo de entreguerras. Escribió Nueva teoría de la armonía donde
propone diferentes sistemas microtonales e instrumentos que pueden ejecutar dichos
sistemas.
El mejicano Julián Carrillo (1875-1965) desarrolló un sistema microtonal llamado Sonido
13. Sus primeras obras microtonales datan de finales del siglo XIX pero no se publicaron
hasta la década de 1920. La más famosa es Preludio a Colón.
Corriente experimental en USA
E. Varèse (1885-1965), francés nacionalizado americano, para él la melodía no es el
elemento más importante. Debido a ello evita los instrumentos de cuerda y cuando los
utiliza siempre de acompañamiento o como instrumentos de percusión. Los instrumentos de
viento metal, madera y percusión son los que se ajustan a su nueva sonoridad: Intégrales
(1925) Ionisation (1931) Y Density 21.5 (1936).
Por otro lado, Varèse busca nuevos instrumentos y nuevos medios técnicos, al principio
imitando a los futuristas italianos para más tarde sofisticarse, y para ello solicitó ayuda a
científicos. Después de la II Guerra Mundial es cuando dispone de verdaderos avances
técnicos. En Déserts (1954) combina secciones electrónicas con puramente instrumentales
de viento y percusión; mientras que en Poème électronique (1958) incluye sonidos
electrónicos junto a sonidos grabados: algunos musicales y otros procedentes de ruidos.
• H. Cowell (1897-1965) estadounidense que incluye en sus obras sonidos no occidentales.
En The Tides of Manaunaum utiliza “clusters”: bloques sonoros formados por la
superposición de segundas mayores, proponiendo un sistema de notación para ellos. En The
Banshee extendió las posibilidades técnicas del piano rasgando, punteando o sacudiendo las
cuerdas.(Así que este es el pionero fiera de esta práctica que en muchos casos es absurda).
• Cowell creó también el “ritmicón”, instrumento de percusión mecánico que relaciona la
armonía con diferentes esquemas rítmicos. Asimismo introdujo por primera vez el término
“indeterminación” al dejar a cargo del intérprete el número de veces que se podía repetir un
pasaje, tal y como se aprecia en Mosaic Quartet (1935).
• Incorpora nuevos sonidos a partir de música con raíces folclóricas: Ensemble para quinteto
de cuerda y tres “thundersticks”, tipo de baquetas que utilizaban los indios-americanos.
• Harry Partch (1901-1974) estadounidense que empieza a utilizar música no occidental. Ej:
Genesis of a music, donde utiliza microtonalidad, y exige que la música fuera “corpórea”,
tener en cuenta movimientos corporales para una buen interpretación y que música imitación
de fisiología humana. Para esto “adaptar” los instrumentos tradicionales y diseñar nuevos.
• Partch durante seis años vivió como un vagabundo por USA. En 1941 comenzó a producir
piezas para voces “entonadas” utilizando palabras de sus últimas experiencias. Ej.: The letter
uso de fragmentos de una carta de un amigo suyo vagabundo.
• También creación de nuevos instrumentos en cuanto al timbre y afinación. Ej.: “Marimba de
diamante” y “Canon armónico”.
• La composición más importante de Partch fue Delusion of the Fury (1966), una obra
dramática basada en una obra Non japonesa.
Nuevos instrumentos
Sobre todo de percusión procedentes de música no occidental
África: calabash, balafón...
Iberoamérica: marimba, congas, bongos...
Oriente: crótalos, platos chinos, gongs...
Los instrumentos electrónicos
Telearmonium: inventado por el pionero canadiense Taddeus Cahill, era un instrumento
que producía un sonido y lo transmitía por teléfono. No tuvo mucho éxito comercial, se
supone debido a problemas logísticos ya que pesaba 200 toneladas.
Theremin: inventado por el ruso León Theremin en 1920 y cuyo sonido se controla
moviendo las manos entre dos antenas.
Ondas Martenot: inventado por el francés Maurice Martenot en 1928. Consta de un amplio
repertorio de compositores de la talla de Milhaud, Messiaen o Varèse.
Tema 5 “Posiciones conservadoras y por imposición política”
Posiciones conservadoras
Escandinavia
Durante el cambio de siglo Finlandia desarrolla un fuerte orgullo nacional.
Sibelius: utiliza elementos de la literatura finlandesa en sus obras programáticas. Ej.:
Finlandia. A principios del XX, su estilo más abstracto dándole importancia al material
temático. Continua estética brahmsiana y grandes formas del siglo XIX. Ej.: sus sinfonías y
Tapiola poema sinfónico. Su fama se extiende por EEUU e Inglaterra.
Nielsen: compositor, contemporáneo de Sibelius, más importante. Muy conocidas sus 6
sinfonías.
Inglaterra
Desde Purcell, Inglaterra no había dado un compositor igual por lo que este terreno estaba
dominado por Haendel durante la primera mitad del s. XVIII y por Mendelssohn durante el
s. XIX. Será a principios del XX, cuando aparecen Edward Elgar y Frederick Delius
quienes llevarían a cabo el Renacimiento inglés, preparando el terreno para la nueva
generación de compositores ingleses: Williams, Holst, Walton y Britten.
E.Elgar (1857-1934) utilizó un lenguaje musical realmente conservador y muy inglés. La
primera obra reconocida fue Variaciones Enigma. Después tenemos los famosos Conciertos
para violín y violoncello. Sus dos sinfonías con influencia del último Romanticismo alemán,
que sirvieron de precedente a la tradición sinfónica inglesa.
F. Delius (1862-1934) también conservador pero se deja influenciar por el impresionismo
francés sin perder su carácter nacionalista. Menos reconocido que Elgar. Su fama empieza
por sus poemas sinfónicos, su música para orquesta y coro, y por su ópera A Village Romeo
and Juliet.
Inglaterra II
• Britten: utiliza la técnica moderna del contrapunto de masas sonoras, pero siempre dentro
de la tonalidad y con un claro lirismo. Ej.: Sinfonía Simple para Cuerdas op. 4. Con su ópera
Peter Grimes contribuye notablemente a la tradición operística inglesa.
• Vaughan Williams se interesa y hace uso de la música folclórica de Inglaterra y continua
con la tradición compositiva inglesa (desde Dunstable (s. XV) hasta Purcell) La Fantasía on
a Theme by Thomas Tallis (1910), derivada de los modelos barrocos, fue su primera
composición instrumental que puede considerarse un precedente de sus nueves sinfonías
posteriores. Estas son conservadoras.
• Gustav Holst estuvo muy unido a Williams. Compartieron su formación e interés por la
música folclórica y la tradición compositiva inglesa. Pero Holst fue más aperturista
interesándose por la literatura y el pensamiento hindúes, lo influyó sobre su música como en
la ópera de cámara Savitri (1908); y la astrología, que le lleva a componer su obra más
conocida: Los planetas (1916).
• Walton: en su primera se observan influencias de Schoenberg, Les six y Stravinsky. Ej.:
Façade (1922). Posteriormente orienta su música hacia los modelos sinfónicos tradicionales
colocándose como descendiente directo de Elgar: Ej: Oratorio La cena de Baltasar (1931).
Luego, compone música para películas basadas en obras de Shakespeare y realizadas por el
actor y director Laurence Olivier: Enrique V, Hamlet y Ricardo III.
URSS
Rachmaninov (1837-1943) alejado de las corrientes del s. XX y heredero a la tradición de
Tchaikovsky. Obras más conocidas: segundo y tercer concierto para piano y sus tres
sinfonías. Texturas son homofónicas, armonía tradicional, líneas melódicas regulares y
periódicas, y regularidad rítmica. Después de la Revolución Rusa se exilia a EEUU donde
compone considerablemente menos siendo tan sólo destacable la Rapsodia sobre un tema de
Paganini op. 43 (1934).
Por imposición política
Alemania: los repudiados
Con la victoria del partido nacional-socialista y el nombramiento de Adolf Hitler como canciller
alemán, el arte innovador y moderno fue etiquetado por el régimen de “degenerado”.
Paul Hindemith (1895-1963) en la década de los 30 y con el objetivo de reducir la distancia
entre el público y el compositor se dedica a hacer música que pueda ser interpretada por
quien quiera, no solo profesionales. Hindemith problemas desde la llegada de Hitler al
poder. Su ópera Matías el pintor (1935) se prohibió. Debido a esto, se exilia primero a Suiza
y luego a EEUU.
Kurt Weill (1900-1950) sigue una línea parecida a la de Hindemith: tras una etapa
neoclásica empieza a hacer un tipo de música para todos los públicos, con el objetivo de
despertar conciencias políticas (tiene una función social más que elitista). En la década de
los 30, Weill se asocia con el poeta y dramaturgo Bertolt Brecht (1898-1956) con el
objetivo de hacer música escénica alejada del virtuosismo, con diálogos descarados y con la
única intención de entretener al público. Ej.: La ópera de los tres peniques (1928). Cuando
los nazis toman el poder, la obra de Weill es prohibida y emigra a EEUU donde continua su
lucha social.
Alemania: Los aceptados
Los compositores alemanes que eligieron para su obra un estilo conservador no ofendieron a las
autoridades políticas.
• Este fue el caso de Carl Orff, quien desarrolla un estilo suficiente conservador y a la vez
original. Por ejemplo en Carmina burana, el arreglo de una serie de canciones medievales
obscenas, se hace mediante una sencilla disposición silábica. La armonía es tradicional, se
basa en acordes de tríada, que lleva a la sencillez melódica. Este uso tradicional de la
armonía y la tonalidad alcanza sus máximas consecuencias en la obra teatral Die Bernauerin
(1947), donde todas las secciones habladas alternan con los desarrollos del texto, puramente
rítmicos y acompañados de percusión.
• Lo más importante de su carrera fue su labor como educador infantil. Desarrolló un sistema
pedagógico conocido como el Método Orff que permitía interpretar música sin
conocimientos previos. (qué miedo, no?)
URSS
Bajo el mandato de Stalin, en 1932, se crea la Unión de compositores soviéticos. Este organismo
impone el llamado “realismo socialista”, que obliga a los compositores a escribir música en relación
a las virtudes de la revolución social de aquel entonces. Esta debía por tanto, ser de carácter social
incluyendo elementos de la tradición folklórica y popular. Cualquier otro tipo de música era
condenada (formalista-sin contenido)
• Sergey Prokofiev (1891-1953) se exilia, después de la Revolución Rusa, a EEUU y luego a
Francia. Regresa a la URSS donde sus composiciones anteriores fueron consideradas como
“formalistas”. Prokofiev no quiso comprometer su conciencia musical totalmente y caminó
sobre una delgada línea entre la aceptación oficial y sus inclinaciones artísticas. En 1948 el
“zar cultural”, censura toda su por ser “ajena al pueblo ruso”. Por tanto ultimas
composiciones más conservadoras.
• Dimitri Shostakovich (1906-1975) se forma en la época de la Revolución por tanto sus
primeras composiciones llegan a ser representativas del ideal de arte soviético (su 2ª y 3ª
sinfonías incluyen textos marxistas en las partes corales). Pero con su ópera Lady Macbeth
del distrito Mtsensk, el diario oficial del partido Pravda arremete contra la obra por su tono
burgués. En el resto de la Europa Occidental su obra estaba teniendo bastante éxito por eso
las autoridades rusas entran en acción. En 1948 el zar cultural también prohíbe la obra de
Shostakovich. Sus obras pasan a ser más conservadoras hasta que al final de su vida deja de
estar influenciado por las presiones externas y desarrola un lenguaje más arriesgado como se
ve en su en su Cuarteto Nº 15 (1974).
Tema 6 “La música después de la II Guerra Mundial: serialismo y aleatoriedad”
El nuevo panorama geopolítico y cultural
• Mucha emigración a EEUU lo que lleva a este país a ser el centro artístico de Occidente.
• La mitad de Alemania, así como Hungría, Checoslovaquia o Polonia, países del este de
Europa que ligados a occidente, ahora se alían política y económicamente a la URSS.
• Los países de la vieja Europa debido al derrumbamiento de los imperios coloniales, se unen
económicamente en lo que llaman mercado común que simulaba en cierta medida el carácter
perdido de una nación.
• Los países del “Tercer mundo”, localizados principalmente en África, Sudamérica y el
Medio Este, surgen como una cuarta potencia a tener en cuenta.
Dos movimientos musicales contrapuestos:
• Serialismo integral: es una ampliación del serialismo dodecafónico. Por medio de
operaciones seriales se estructuran todos los elementos que integran una partitura:
melódicos, rítmicos, dinámicos, texturales y formales.
• La vía que abre Webern se considera la más sugerente. Al principio el serialismo integral da
origen a obras “puntillistas”, con eventos aislados, que más tarde evolucionó a crear obras
con eventos agrupados, “serialismo de grupos”, que llegaría a denominarse “organización
total” al tener controlados todos los parámetros musicales.
• Aleatoriedad: nació como contraposición al serialismo integral que controlaba todos los
aspectos compositivos mientras que el azar es el factor que rige esta corriente.
Serialismo en Francia
• Olivier Messiaen (1908-1992): antes de la guerra ya era un compositor consagrado, aunque
con Quartet pour la fin du temps compuesta en un campo de concentración, ejerce una
influencia crítica sobre los jóvenes compositores europeos como Boulez o Stockhausen de
quienes fue maestro.
• Sistematiza su técnica compositiva, caracterizada por su rigor y objetividad, en su libro
Technique de mon language musical (1944). Este trata las características del sonido musical
(melodía, ritmo, dinámica y timbre) de manera individual; con el objetivo de lograr una
mayor flexibilidad rítmica eliminando los conceptos de medida y compás. Crea un concepto
rítmico de ampliación y disminución que consiste en sumar o quitar una figura rítmica
escogida, por supuesto, fuera de compás; y la utilización de estructuras rítmicas simétricas o
de “ritmo no-retrógrado” para que no variara al retrogradar la serie.
• Como gran ornitólogo que era transcribió cantos de pájaros, transformándolos en
composiciones como El despertar de los pájaros (1953) o en Pájaros exóticos (1955-56)
para piano solo, 2 clarinetes, xilófono, percusión y orquesta de viento.
• Pierre Boulez (1925): Crítica a Schoenberg, ya que consideraba que este dentro de su
sistema dodecafónico se había limitado a aspectos melódicos y abandonando los rítmicos,
dinámicos, texturales y formales. Por otro lado, defiende a Webern, quien considera que es
el nuevo gran músico. A pesar de todo, en sus primeras obras se encuentran influencias de
ambos: Sonata para piano Nº 1 (1946), Sonata para piano Nº 2 (1948).
• La obra Structures para dos pianos (1952) representa su serialismo integral. Esta es un
homenaje a Messian. En ella hay material de Messian trabajado a la manera de Boulez. Con
el serialismo observa que la rigurosidad del serialismo integral tiene como resultado en el
oyente en vez de un gran orden, una impresión de ser casual, por no mencionar las
dificultades interpretativas.
• En Le Marteau sans maître (El martillo sin dueño) (1955) con texto del poeta surrealista
René Char para contralto, flauta, viola, guitarra y percusión. En esta obra Boulez abandona
el “puntillismo”, preocupándose más por los aspectos tímbricos, y de textura al jugar con las
distintas combinaciones instrumentales y vocales, es decir, aplicando el “serialismo grupal”.
Serialismo en Alemania
Stockhausen (1928-2007): pasa por varias etapas: 1) serialismo integral, 2) aleatoria, 3)
concreta y electrónica. Serialismo integral: Kreuzspiel (1951). Luego en Klavierstucke I-IV
(1953) se aprecia un mayor interés por la forma y la textura en detrimento de las relaciones
interválicas; Con Gruppen (ejemplo de serialismo grupal) (1955-57) para tres grupos
orquestales que tocan a diversos tempos y están situados alrededor de la audiencia, priman la
sonoridad instrumental y la densidad textural. En la música tradicional nunca podría darse
esta situación porque los diferentes niveles están controlados para no anular el contenido
armónico, melódico o rítmico de ninguna sección (para que no suene a bola, vamos). Es
necesario señalar el tratamiento/la importancia que Stockhausen da al espacio como si fuera
otro parámetro musical.
Serialismo en EEUU
Babbitt (1916-2011): su serialismo integral se aprecia en sus Tres composiciones para
piano (1947) donde tanto los elementos melódicos como los no melódicos están
estructurados por medio de operaciones seriales.
Aleatoriedad en EEUU
John Cage (1912-1992): estudia con Cowell de quien hereda el interés por los nuevos
sonidos y por la aleatoriedad que ya se deja ver en Living Room Music (1940) para
percusión y cuarteto vocal, donde las partes de percusión pueden ser tocadas en mesas,
paredes... Su aleatoriedad se hace más evidente en Music of changes (1951) donde todo es
elegido al azar mediante el lanzamiento de una moneda al aire y la utilización de cartas de
navegación de un libro de las revelaciones chinas. La obra más polémica de este periodo fue
4’33” (1952).
Earle Brown (1926-2002): December 1952. Su aleatoriedad también se aprecia en
Available Forms I (1961) donde el director decide qué parte interpretar.
Morton Feldman (1926-1987): el azar no es la base de su composición sino notas
interpretativas. Basa su música en la imitación de los colores de la pintura expresionista
abstracta, con sonidos. Diseña diferentes tipos de notación gráfica: Projection IV (1951).
Aleatoriedad con los serialistas integrales europeos
Estos compositores europeos reconocen la afinidad de la aleatoriedad con el serialismo integral; el
control de todos los parámetros luego suena casual y la idea de que las secciones de una
composición puedan ser reordenadas no se aleja del serialismo. La gira que realizó Cage por Europa
en los años 50, impulsa a Stockhausen y a Boulez a acercarse al serialismo de una forma más
intuitiva.
Karlheinz Stockhausen (1928-2007): en Zyklus (1959) deja a elección del percusionista
solista el punto de inicio. Los demás parámetros están perfectamente delimitados por lo que
resulta una indeterminación calculada.
Pierre Boulez (1925): en su Sonata Nº 3 para piano (1955-63) compone secciones que
pueden ser tocadas en diferente orden, aunque solo una vez.
Aleatoriedad en otros europeos
Destacaremos:
Lutoslawski (1913-1994): compositor polaco que mezcla la aleatoriedad con el uso del
folklore de Bartok. En vez de aplicar la indeterminación a la forma como hicieron Boulez o
Stockhausen, Lutoslawski la destina a los detalles rítmicos y a la coordinación de los
instrumentistas tal y como se puede ver en su Cuarteto de cuerda (1964)
Implicaciones del serialismo y la indeterminación
El serialismo grupal dio lugar a la MÚSICA TEXTURAL donde priman los atributos sonoros
frente a cualquier parámetro musical.
Penderecki (1933-): este compositor polaco desarrolla la idea de los “cluster” de Cowell
aplicándolos a conjuntos para conseguir complejas texturas: Lamentación por las víctimas de
Hiroshima
Ligeti (1923-2006): compositor húngaro, que recibe influencia del folklore de Bartok, tambien
empieza a trabajar con el cluster: Atmósferas
Con la aleatoriedad es necesario un nuevo sistema de notación. Muchos compositores se animan a
explorar nuevos sistemas llegando a prestar tanto interés por las características visuales de la
música: músicas gráficas. Ej.: De los siete días Stockhausen. A su vez, la falta de indicaciones
precisas en las partituras obligan al intérprete a improvisar pero no de una forma libre como en el
jazz en el que el verdadero compositor es el intérprete sino que es una improvisación canalizada en
el que el músico debe intuir el resultado que quiere el compositor.
Reacción al serialismo integral y la aleatoriedad: la música estocaustica
Xenakis (1922-2001): este compositor rumano y nacionalizado francés, dice “no” a la
música serial porque consideraba que se destruía a sí misma con tanta complejidad; y la
música aleatoria porque anulaba la función del compositor. La solución a esto era incorporar
tanto la determinación como la indeterminación. Basándose en la ley matemática de
Bernoulli (s.XVIII): cuanto más aumente el número de veces en que se produzca un hecho
casual más posibilidades hay de determinarlo; concibió la música estocástica como música
indeterminada en sus detalles pero que se dirige a un final definido.
Gracias a sus estudios de matemáticas e ingeniería que le habían llevado a ser el ayudante
del arquitecto Le Corbusier, comenzó a generar parámetros musicales mediante métodos
matemáticos. Ej.: Metastasis (1955) donde los glissandos están dibujados en gráficas con
sus valores exactos.
Temas 7 y 8 "Música concreta, música electrónica, informática musical, performances, gestualismo
y teatro, minimalismo"
Precursores del siglo XX (Repaso anterior)
• Ferruccio Busoni y su obra Apuntes sobre una nueva estética de la música bases de la
nueva estética.
• El Manifiesto de los músicos futuristas relacionó la tecnología con la música conquistando
la infinita variedad de ruidos.
• Edgard Varèse encabezó la tradición experimental en EEUU buscando nuevos instrumentos
y nuevos medios técnicos.
• Aparición de los primeros instrumentos eléctricos: Telearmonium, Theremin, Trautonium,
Ondas Martenot.
• Evolución de los soportes de grabación: desde los primeros cilindros de cera, el disco
grabable con aguja, el hilo magnético hasta la grabación en magnetófono con cinta
magnética en 1935.
Música concreta o acusmática
• Realizar música con sonidos reales grabados. Primeras composiciones en la década de los 40
en los Estudios de Radiodifusión Francesa y los sonidos se procesaban mediante:
• Técnicas de manipulación de la cinta (manual): reproducir a distintas velocidades, al
revés, cortar trozos del sonido, solapar diferentes partes para crear bucles…
• Técnicas de manipulación electrónicas: filtrado de bandas de frecuencia, reverberación,
espacialización del sonido (estéreo y cuadrafónico) y mezcla de diferentes pistas. Como no
existía el magnetófono multipista las mezclas se realizaban reproduciendo varias cintas
simultáneamente en distintos aparatos y grabando el resultado.
Música concreta: GRM
• En los 50, Pierre Schaeffer y Pierre Henry crean el Grupo de Investigación de Música
Concreta (GRM) al cual se unieron compositores como Varèse, Xenakis, Boulez…
• Pierre Schaeffer (1910-1955): Etudes de bruits (1948) con ruidos de peonzas, trenes,
cacerolas, piano, voces…
• Pierre Henry (1927-): En colaboración con Schaeffer compuso en 1949-50 Symphonie
pour un homme seul (Sinfonía para un hombre solo) que sería, como muchas otras obras de
música concreta, coreografiada por Maurice Bejart.
• Boulez: Dos estudios para cinta magnética (1952). En 1977 fundaría el Instituto de
Investigación Acústica Musical (IRCAM).
• Edgar Varèse . Desert obra maestra de la música concreta (para piano y percusión).
• Xenakis: Orient-Occident (1960) para 2 cintas manipuladas y 4 altavoces.
Música electrónica.
También durante la década de 1950 en el Estudio de la Radio de Colonia (Alemania) comenzaron a
realizar música generando sonidos mediante medios electrónicos, como ondas senoidales,
cuadradas... que una vez grabados, podían a su vez ser manipulados mediante los mismos procesos
utilizados en los Estudios de Radiodifusión Francesa. El objetivo era poder controlar todos los
parámetros del sonido, más allá de los que puede controlar un intérprete humano, aplicando el
serialismo integral.
• Stockhausen es el compositor más importante del Estudio de la Radio de Colonia. En sus
Estudios I y II (1954) intentó sintetizar diferentes timbres mediante la suma de ondas
senoidales pero el resultado no le satisfizo ya que los sonidos eran menos ricos que los
acústicos y optó por abandonar el uso exclusivo de sonidos puros electrónicos. En su
siguiente obra El canto de los adolescentes (1956) al estilo de la música acusmática. Esta
mezcla de sonidos electrónicos y concretos es lo que se denominaría música
electroacústica.
• Poema Electrónico de Varese pieza enteramente electrónica, pensada para ser reproducida
por un sistema de altavoces, que se encuentran en el pabellón Philips diseñado por Le
Corbusier y Xenakis.
• Grisey (1946-1998): compositor francés (alumno de los pioneros en la música electrónica y
electroacústica) basa sus composiciones en el sonograma (evolución de frecuencias en el
tiempo) dando lugar a la música espectral. Ej.: Partiels (parciales) for 16 players (1975).
• Tanto la labor realizada en los Estudios de Radiodifusión Francesa como en el Estudio de la
Radio de Colonia sería imitada en Milán, Londres, Tokio, Nueva York… y daría lugar a la
creación en la Radio Corporation of America (RCA) del sintetizador, aparato capaz de
generar electrónicamente sonidos.
Informática musical
• El pionero en el uso del sintetizador fue el estadounidense Max Mathews (1926-2011). El
uso de la señal digital permitió expresar numéricamente todos los parámetros musicales a la
vez que asegurar su repetitividad. Esto no se puede con la señal analógica ya que depende de
muchos factores.
• Luego el físico y compositor Jean Claude Risset (1938-), mejora el modelo anterior
consiguiendo un sonido más cercano al acústico teniendo en cuenta la evolución individual
de cada uno de los armónicos de un sonido. Ej.: Mutations
• John Chowning descubre la síntesis de FM (frecuencia modulada). Consiste en variar
determinado aspecto de una señal (denominada portadora) con respecto a una segunda
(denominada moduladora), generando finalmente una “onda modulada”. Ej.: Stria
• Xenakis inventa un sistema informático (UPIC), donde el usuario dibuja el sonido y el
programa lo traduce en sonido. Mycenae Alpha.
• Todos estos compositores más informáticos que músicos, ya que su objetivo se centraba en
el tratamiento del sonido, más que el resultado musical.
Informática musical: composición por ordenador
En la composición por ordenador ya no se pretende generar sonidos sino que se quiere que el
ordenador componga según las normas de la armonía y el contrapunto, que han sido programadas
previamente. Ej.: http://www.youtube.com/watch?v=jqcoDECGde8 podemos escuchar una
improvisación de jazz de un ordenador que sigue a un músico.
Performance
En la década de los 60, aparece el concepto de performance que implica interactuar con el
espectador haciéndolo parte de la obra. Encontramos los siguientes movimientos:
• Happening: No existe un guion predeterminado porque no se sabe qué va a pasar. Todo
ocurre en el momento y es imposible de repetir. Dentro de esta corriente se crea el grupo
Fluxus. Este debe ser simple, entretenido, tratar de temas triviales... no requiere una técnica
compleja y no tiene pretensiones comerciales.
• Neodadaísmo: surge como respuesta al arte subjetivo del artista, cada vez más ensimismado
y alejado del público, hacia un arte para la sociedad.
• Música conceptual: La idea y el proceso de creación es más relevante que el resultado. La
Monte Young escribe obras puramente conceptuales que consiste en indicaciones verbales
como: “Haz un fuego en frente del público”...
Gestualismo y teatro
Gracias a las performances los músicos bailan y actúan sobre un escenario, lo que conduce a la idea
de la unión de las artes. La expresión corporal, por tanto, empieza a ser requerida en el arte (música
como arte).
• The Helicopter String Quartet de Stockhausen es la máxima representación del espectáculo
multimedia.
• En la obra de Salvatore Martirano (1927-1995) L’s G. A. (1968) el narrador utiliza una
máscara de gas y a medida que avanza la música y las imágenes proyectadas, la máscara se
va llenando de helio y su voz se vuelve aguda e histérica.
• Luciano Berio en Circles (1960) obliga a la cantante a actuar y casi bailar.
• Algunos compositores aprovecharon la gestualidad para incluir en sus obras una carga
política. Ej.: Luigi Nono en Intoleranza (1960) denuncia la hostilidad de la sociedad hacia
los inmigrantes.
Minimalismo
Otra de las corrientes de la década de los 60 fue el minimalismo cuyas características son:
estructuras tonales estáticas, ritmos aditivos, constante repetición temática y extensiones de tiempo
amplias sin ningún objeto de desarrollo.
• La Monte Young (1935-) The tortoise, his dreams and journeys
• Philip Glass (1937-) Einstein on the beach
Temas 9 y 10 "Música postmoderna: música para teatro, cine, televisión y radio"
Música postmoderna
Comienza en la década de los 70, alcanzando su apogeo en el siglo XXI. Engloba diferentes
corrientes como neorromanticismo, postminimalismo, neotonalidad, poliestilismo... y todas ellas
tienen en común texturas simples y acordes triada en contexto no tonales. Los compositores
postmodernos reciben influencia de todas estas corrientes desde el neoclasicimos el serialismo
integral, aleatoriedad, música electrónica....
Compositores postmodernos
Piazzolla (1921-1992): compositor argentino que es un claro ejemplo del poliestilismo ya
que aborda el tango desde un punto de vista moderno, fusionándolo con el neoclasicismo y
el jazz. Por otro lado, amplia la instrumentación sinfónica y de cámara, e instrumentos
eléctricos. Ej.: “Quinteto Nuevo Tango” conformado por bandoneón, piano, violín,
contrabajo y guitarra eléctrica. Para esta agrupación compone Adiós Nonino. En 1972
compuso para una agrupación en la que une a los músicos de tango con los de formación
clásica Concierto de Nácar, para nueve tanguistas y orquesta sinfónica. Años más tarde crea
su “Conjunto Electrónico”: bandoneón, piano, órgano, guitarra, bajo eléctrico, batería y
violín. En 1982 compone Le grand tango para cello y piano.
Henze (1926-2012): compositor alemán y claro ejemplo de poliestilismo ya que en sus
obras observamos elementos del neoclasicismo, dodecafonismo, serialismo integral, jazz,
rock y música popular. Tambien gran compositor de sinfonías de su tiempo.
Sofia Gubaidulina (1931-): compositora rusa cuyas composiciones son de carácter
religioso y místico. The seven last words (Las últimas siete palabras)
Górecki: conocido por su tercera sinfonía.
Alfred Schnittke (1934-1998): este compositor ruso perteneciente a la Unión de
Compositores de la URSS y su estilo es moderno conservador por la política cultural
soviética. Hace mucha música para cine y televisión. En los 70, empieza a a sufrir ataques
políticos y terminó exiliándose en 1989. En el exilio compone una ópera Life with an idiot
de carácter crítico contra la unión soviética.
Arvo Pärt (1935-): compositor estonio cuya música ha sido utilizada en numerosas
ocasiones para cine, teatro o ballet. Ej.: Spiegel im Spiegel (1978) para cello y piano en
Soldados de Salamina de Trueba. Y para el ballet Bamboo dream de Lin Hwai-Min se utilizó
Fratres (1992) en su versión para violín y piano y en su versión para 12 cellos.
William Bolcom (1938-): compositor estadounidense poliestilista que recibe influencia de
la música popular americana. Ej.: “Poltergeist”, ragtime.
Tan Dum (1957-): compositor chino conocido principalmente por la banda sonora de Tigre
y dragón.
Música para teatro y teatro musical
Música para teatro. Desde la antigua Grecia la música ha ido indisolublemente ligada a la
escena. La música tiene un papel muy activo en la representación ya que potencia el sentido
del texto. Algunas de sus funciones son crear una atmósfera dramática, revelar la naturaleza
interior de un personaje, relajar la tensión escénica, hasta representar o incluso sustituir a un
personaje mediante un leitmotiv.
El musical o teatro musical nace en el s. XX. Incluye partes habladas y partes cantadas
como expresión superior a la palabra, donde la música es el vehículo conductor de la trama.
Suele haber danza. El origen de este son Broadway y The New London Theatre donde los
musicales se representan durante años. El primero de Broadway fue Show Boat (1927) y
entre los más destacados se encuentran: West Side Story (1957) de L. Bernstein,, Cabaret
(1966)... y de muchos se han hecho versiones para el cine. Luego revival del género con
versiones en español de Jesucristo Super Star, Los miserables...
Música para cine
En1895, se proyectan las primeras películas en el Grand Café de París. Llegada del tren y Salida de
los obreros de una fábrica con una duración de 15 minutos. Méliès fue quien convirtió el cine en un
espectáculo popular con Viaje a la luna (1902).
El cine mudo. En seguida se le añade música para disimular ruidos técnicos y hacer la
película más entretenida. Se empieza con un piano y más tarde se amplia a grupos de cámara
y orquesta sinfónica. Se tocan a los grandes románticos: Brahms, Mendelssohn, Beethoven...
porque no se pagan derechos de autor.
El cine sonoro. En 1927, Warner hace la primera película sonora, El cantor de jazz,
mediante un sistema llamado Vitaphone, a veces fallaba la sincronización si había cualquier
error. Entonces Movietone que da lugar a la actual banda sonora, (una banda estrecha en un
lado de la película donde van grabados todos los sonidos de la película). Luego se incorpora
el sonido estéreo.
Podemos clasificar la música en:
Música diegética: la música pertenece a la propia escena. Ej.: Radio. Vemos la fuente del
sonido. En caso contrario es música no diegética.
Según cómo la música se incorpora al montaje encontramos:
1. Bloque genérico : la música de los títulos de crédito del principio y final de la
película.
2. Bloque secuencia: la música pertenece a una secuencia concreta.
3. Bloque de transición : la música sirve de nexo entre dos secuencias.
Luego también hay música en primer plano y de fondo.
Compositores del siglo XX en el cine
Britten, Gerschwin, Milhaud, Shostakovich, Prokófiev, Satie, Walton...
Compositores de cine
Nino Rota La dolce vita, Amarcord, El padrino; Henry Mancini La pantera rosa, Desayuno con
diamantes “Moon river”; John Barry James Bond
En España: Antón García Abril El hombre y la tierra, Anillos de oro; José Nieto El Lute: camina o
revienta
Música preexistente adaptada al cine
Así habló Zaratustra de Strauss, Requiem y Lux aeterna de Ligeti en 2001, Odisea del espacio
Música para cuerdas, percusión y celesta de Bartók y la Symphonie Fantastique de Berlioz para El
resplandor
Música popular utilizada en el cine
“Piensa en mí” de Luz Casal en Tacones Lejanos,
“Who wants to live for ever” de Queen en Los inmortales…
Música en radio y televisión
La música presente tanto en la radio como en la televisión de maneras diferentes:
Programas musicales
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Música de fondo
El videoclip
El primer videoclip fue de Queen, Bohemian Rhapsody en 1973. Luego, a partir de I want to break
free o Thriller de Michael Jackson la imagen del músico se hizo tan o más importante que su
música o su voz.
Recientemente tanto la música para películas de animación como para videojuegos a tomado
mucha relevancia e incluso en algunos trabajos se adaptan obras de compositores de todas las
épocas y estilos.