Indice
Introducción……………………………………………………………………………………2
Desarrollo……………………………………………………………………………………… 4
Conclusión……………………………………………………………………………………11
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Amistad Surrealista
Introducción
La amistad es una de las relaciones interpersonales más comunes que la mayoría de
las personas tiene en la vida. La amistad nace cuando dos personas tienen
inquietudes en común. Hay amistades que nacen en pocos segundos y otras que
tardan años en forjarse.
Es uno de los temas más analizados por los poetas, los sabios y los filósofos, cada
uno de ellos definieron la palabra “amistad” con simples oraciones que llevan todas a
una sola palabra: Amor. Es que la amistad, deriva de aquella palabra tan fuerte, solo
que la amistad conlleva diferentes temas. Los filósofos griegos la definían como una
virtud, un regalo de los dioses; por otro lado Aristóteles mencionaba tres tipos de
afecto: por poder, por placer, por interés y por el bien, solo la última, se delimitaba
como la verdadera.
Preocupación; interés por sus problemas, virtudes, bienestar y comunicación, son la
base para lograr aquel cariño mutuo entre dos personas. Cicerón cree que “solo en el
peligro se conoce al verdadero amigo”.
Las relaciones de amistad han sido profusamente narradas, tanto en el mundo de la
literatura como en del cine y la televisión, a grado tal que si bien un listado
verdaderamente completo sería imposible, es fácil identificarlas en casi cualquier obra.
“Si sientes que todo perdió su sentido, siempre habrá un ¨te quiero¨, siempre habrá un
amigo”; dijo Ralph Waldo Emerson (1809-1882), Poeta y pensador estadounidense.
Otra de las frases celebres relacionadas al tema es de Shakespeare “Los amigos que
tienes y cuya amistad ya has puesto a prueba / engánchalos a tu alma con ganchos de
acero”.
En los años 20 surge un nuevo movimiento, que nace en Francia a partir del
dadaísmo. Florecido como una rama literaria, presentado por André Breton. La primera
fecha histórica del movimiento es 1916, año en el que, el precursor, líder y gran
pensador del movimiento, descubre las teorías de Sigmund Freud y Alfred Jarry,
además de conocer a Jacques Vache y a Guillaume Apollinaire. Durante los siguientes
años se da un confuso encuentro con el dadaísmo, movimiento artístico precedido por
Tristan Tzara, en el cual se decantan las ideas de ambos movimientos. Estos, uno
inclinado hacia la destrucción nihilista (dadá) y el otro a la construcción romántica
(surrealismo) se sirvieron como catalizadores entre ellos durante su desarrollo.
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En 1924 Breton presenta su libro “Manifiesto surrealista”, en el cual el expresa sus
creencias sobre la nueva rama de la literatura, e incluye lo siguiente:
Indica muy mala fe discutirnos el derecho a emplear la palabra surrealismo, en el
sentido particular que nosotros le damos, ya que nadie puede dudar de que esta
palabra no tuvo fortuna, antes de que nosotros nos sirviéramos de ella. Voy a definirla
de una vez para siempre:
Surrealismo: "sustantivo, masculino. Automatismo psíquico puro, por cuyo medio se
intenta expresar, verbalmente, por escrito o de cualquier otro modo, el funcionamiento
real del pensamiento. Es un dictado del pensamiento, sin la intervención reguladora de
la razón, ajeno a toda preocupación estética o moral."
Filosofía: "El surrealismo se basa en la creencia de una realidad superior de ciertas
formas de asociación desdeñadas hasta la aparición del mismo, y en el libre ejercicio
del pensamiento. Tiende a destruir definitivamente todos los restantes mecanismos
psíquicos, y a sustituirlos por la resolución de los principales problemas de la vida.
Han hecho profesión de fe de Surrealismo Absoluto, los siguientes señores: Aragon,
Baron, Boiffard, Breton, Carrive, Crevel, Delteil, Desnos, Eluard, Gerard, Limbour,
Malkine, Morise, Naville, Noll, Peret, Picon, Soupault, Vitrac."
La pintura y la escultura nacen en consecuencia de la poesía surrealista, como un
manifiesto en las artes plásticas. André expone sus la psicología surrealista: el
inconsciente es la región del intelecto donde el ser humano no objetiva la realidad sino
que forma un todo con ella. El arte, en esa esfera, no es representación sino
comunicación vital directa del individuo con el todo. En otras palabras, tiende a
representar, abandonando toda preocupación estilística, la vida profunda del
subconsciente, la labor del instinto que se desarrolla fuera de los límites de la razón. El
arte surrealista es inmediato, irreflexivo y está despojado de toda referencia a lo real.
El surrealismo tomó del dadaísmo algunas técnicas de fotografía y cinematografía así
como la fabricación de objetos. Extendieron el principio del collage.
Tras conocer a Breton, varios artistas adoptaron el surrealismo y lo expresaron en
cuadros y diversas pinturas. Artistas tales como Masson, Dalí, Oscar Domínguez, Man
Ray, entre otros.
Miró fue para Breton el más surrealista de todos, por su automatismo psíquico puro.
Su surrealismo se desenvuelve entre las primeras obras donde explora sus sueños y
fantasías infantiles (El Campo labrado), las obras donde el automatismo es
predominante (Nacimiento del mundo) y las obras en que desarrolla su lenguaje de
signos y formas biomorfas.
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Por su parte Dalí utilizaba más la fijación de imágenes tomadas de los sueños, según
Breton, «...abusando de ellas y poniendo en peligro la credibilidad del surrealismo...»;
inventó lo que él mismo llamó método paranoico-crítico.
El surrealismo penetró la actividad de muchos artistas europeos y americanos en
distintas épocas. Pablo Picasso se alió con el movimiento surrealista en 1925; Breton
declaraba este acercamiento de Picasso calificándolo de «...surrealista dentro del
cubismo...». Se consideran surrealistas las obras del período Dinard (1928-1930), en
que Picasso combina lo monstruoso y lo sublime en la composición de figuras medio
máquinas medio monstruos de aspecto gigantesco y a veces terrorífico. Esta
monumentalidad surrealista de Picasso puede ponerse en paralelo con la de Henry
Moore y en la poesía y el teatro con la de Fernando Arrabal.
El surrealismo es conocido como el movimiento de lo irracional y lo inconsciente en el
arte de las vanguardias. El Surrealismo creía en la existencia de otra realidad y en el
pensamiento libre. Plasmó un mundo absurdo, ilógico, donde la razón no puede
dominar al subconsciente. Tomó del Dadaísmo, la importancia del azar y la rebeldía,
pero rechazó su carácter negativo y destructivo. Posteriormente buscó inspiración en
el inconsciente, la imaginación, el método de la escritura automática y el estudio de las
teorías del psicoanálisis de Freud.
Desarrollo
Man ray, Dalí, Picasso; fueron grandes artistas consagrados de 1930. Sin embargo
hubo una mujer que se caracterizó, a diferencia del resto, en utilizar el lienzo de una
manera distinta. En vez de pintar sobre él, lo utilizó para confeccionar piezas de
indumentaria que trasmitían en ellas, arte.
Si, Elsa Schiaparelli no era una simple modista, sus trabajos complejos, eran obras,
cada una de ellas contaba una historia diferente, y por eso se consagró, no solo como
la diseñadora de 1930, sino que también se ganó el papel de rival de Mademoiselle
Chanel, reconocida diseñadora desde 1920. Schiaparelli no solo vendía una
indumentaria diferente a la de Chanel, creaba fabulosas piezas de arte confeccionadas
en forma de sombreros, guantes, vestidos y faldas.
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Las décadas de los veinte y treinta del pasado siglo fueron tiempos tan fértiles como
convulsos en los campos de las ideas, el arte y el progreso industrial. Especialmente
en París, crisol de todas las vanguardias de la época, donde se dio el fenómeno más
revolucionario de la historia del arte contemporáneo: artistas plásticos, escritores,
filósofos, inventores, cineastas, mecenas y modistas solían trabajar juntos con
absoluta espontaneidad, en un continuo fluir de ideas y colaboraciones tan natural
entonces como natural es hoy la separación y el secreto entre las distintas disciplinas.
En aquella época, la moda era sólo alta costura, y estaba en manos casi
exclusivamente de mujeres.
Vionnet, Lanvin, Alix, Louise
Boulanger y las hermanas
Callot eran modistas notables y
célebres, y cada maison tenía
su clientela. El poder era de
ellas y de Coco Chanel, la reina
de todas, que introdujo en la
costura los conceptos de
juventud y racionalismo, y que
dijo proféticamente que "la
moda que no se hace para las
masas no es moda, pues muere al nacer"; a ella, que defendió siempre su trabajo
como un oficio y no como un arte, le seguimos debiendo las mujeres nuestra actual
silueta. De modo que, teniendo en París una Chanel que cambió la moda para
siempre, unos artistas cubistas que cambiaron radicalmente la expresión artística
contemporánea y unos arquitectos racionalistas que transformaron el espacio urbano y
el hábitat con un lema común -"menos es más"-, también tuvieron lugar movimientos
contrarios. El más sonado de todos fue el surrealismo, corriente que arrastró a Elsa
Schiaparelli hacia la cumbre de la alta costura de los años treinta y la convirtió en la
única rival seria de mademoiselle Chanel.
Elsa Schiaparelli nació el día 10 de septiembre de 1890 en Roma, Italia. Fue
reconocida como una de las diseñadoras de moda más importante de la década del
30. Se destacaba de chica, por ser una chica solitaria y rebelde, que se oponía a los
controles de sus padres. Muy joven, decidió a irse a vivir sola, ya que necesitaba vivir
su vida en libertad, característica que luego expreso en varios de sus diseños. Para
escaparse del matrimonio arreglado que la estaba obligando a ejercer su padre, Elsa
decidió escaparse a Londres en 1913. Luego de casarse con un Conde, en 1916,
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Foto de Schiaparelli tomada por Man Ray
deciden irse a vivir un tiempo a Estados Unidos. En 1920, luego de tener a su única
hija, se separa y comienza a trabajar en cualquier lugar que podía, para mantener a su
nueva familia.
En su viaje a Estados Unidos en 1916, tuvo la oportunidad de conocer a Gabrielle
Picabia, esposa del artista dadaísta Francis Picabia, su relación fue creciendo a lo
largo del tiempo, aquella relación, la ayudo en su futuro para inculcarse en el
surrealismo. En 1924 Elsa asistió a un desfile y, tras el pase fue sorprendida por Poiret
probándose un abrigo de terciopelo negro y forro de seda azul. "¿Por qué no se lo
compra?", preguntó el maestro. Ella le respondió que no podía permitírselo y, además,
que no tendría oportunidad de lucirlo. Poiret le dijo: "Una mujer como usted puede
llevar cualquier cosa en cualquier ocasión. Y deje de preocuparse por el dinero". Aquel
fue el primer regalo que el generoso Poiret le hizo. Schiaparelli pasaba su mayor parte
del tiempo escribiendo y esculpiendo, tambien creaba prendas para sus dos mejores
amigos, y fue allí cuando Poiret descubrió su potencial.
Era tanto una artista como una diseñadora, ella comando a los talentosos artistas
asociados con el movimiento surrealista. Sus diseños estaban basados en sueños,
conceptos provocativos, eventos contemporáneos, fantasías eróticas, momentos
tradicionales y su propio físico. Tenía un amplio repertorio para la hora de crear sus
diseños, textiles extravagantes, texturas pronunciadas, miles de estampas y colores,
diferentes tipos de cierres, botones y ornamentos, desde caprichosos hasta bizarros.
Todos aquellos detalles los usaba como medio creativo de expresión.
Después de varios años de vender diseños y
piezas de forma freelance, logró abrir un
pequeño atelier en 1927 en la calle I’Université
y capturo la atención del mundo Europeo y
Americano de la moda, con su primera
colección, constituida por sweaters, blusas,
faldas y vestidos de punto tricotado. Sus
diseños eran geometricos, pero en noviembre
de aquel año, introdujo el sweater blanco y
negro “trompe L’oeil, que contaba con el diseño
de un lazo en el cuello, aquel jersey fue el más
vendido en America. Vogue decide publicarlo
como una obra maestra, creativa y
técnicamente. De la noche a la mañana, Elsa
6Vestido langosta creado por la artista
se convirtió en “lo ultimo de París”. En 1928 el aumento de capital, le permite expandir
la producción. En 1929, Schiaparelli ya trabajaba con tejidos nobles, como la seda, el
lino, el algodón y se permitió fabricar sus propios estampados. Sus colecciones
empezaron a adquirir un aire de alta costura de lujo. Sus estampados empezaron a ser
codiciados por los grandes fabricantes de tejidos, que le proponían negocios
ambiciosos. Schiaparelli fue invitada a mostrar su reciente colección en Nueva York y
elige el deporte como tema: Atuendos de tenis, de golf, de piloto de avión, de esquí, de
natación, y nació el estilo Schaparelli.
Y también nacen, de su mano, los tejidos experimentales que sólo ella se atreve a
usar: seda y lanas recauchutadas, cuero barnizado, plástico, celofán y cremalleras
decorativas. Y la famosa falda-pantalón, la guinda para una sociedad que todavía no
entiende el aire masculino de la moderna vestimenta femenina y se escandaliza
cuando, las mujeres iban vestidas con dicha prenda.
En 1932, contaba con más de 400 empleados produciendo entre 7000 y 8000
atuendos por año. Y expandió su
local, agregándole a el también, su
estilo único e inconfundible. Cortinas
de charol, muebles negros, cuerdas
para colgar en ellas ropa multicolor y
los accesorios, cada vez más
presentes en sus colecciones.
A medida que iban transcurriendo
los años, su apego por el arte iba
aumentando, y ello se notaba en
cada uno de sus diseños, ya que
dejo de lado aquello que se vendía
de manera natural, para fusionar el
arte con la confección. Desde 1930
a 1940, realizan mutuas
colaboraciones entre ella y diversos
artistas surrealistas. Aquellos
artistas con los cuales ella solía
asistir a eventos, tomar el té, pasar tarde, comenzaron a asociarse para crear
verdaderas piezas de arte con textiles. Jean Cocteau, Salvador Dalí y Leonor Fini, se
asociaron con la diseñadora y de una forma alegre y divertida, se inspiraron de forma
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Elsa junto a su gran amigo Dalí
recíproca. Man Ray fue su mayor inspiración, se asociaron y por un largo tiempo
trabajaron tanto en sus diseños como en su fotografía. En 1933 diseñó su primer
vestido largo en crespón de China blanco combinado con una chaqueta de frac. Un
éxito clamoroso que fue copiado en todo el mundo. Sus manos transformaban las telas
sintéticas en objeto chic. A Elsa Schiaparelli se le deben el uso del rayón y su mezcla
con tejidos nobles, el primer tejido elástico de rayón y látex, la creación de terciopelos
transparentes e impermeables, y la utilización textil de láminas de celofán. En Europa
y Estados Unidos, su fama de inventora y creadora textil se agrandó a pasos
agigantados. En 1933 lanzó una colección hecha con rayón plisado y arrugado con
efecto corteza de árbol, algo que no volveió a verse hasta cincuenta años después, en
las colecciones de Issey Miyake, otro gran creador textil de los años ochenta.
En 1937 presenta los trajes de chaqueta surrealistas creados con Salvador Dalí y toda
una serie de sombreros-espectáculo: tricornios, boinas y el famoso sombrero-zapato.
Finalmente se materializa el sueño de Schiaparelli de casar la moda con el arte.
Pero para llegar a su plena consagración como modista-artista, Schiaparelli tiene que
vivir un verdadero frenesí mundano. En los años treinta, las noches de París son más
chic que elegantes. Ella acude a todas las fiestas e inventa trajes extremos para sí
misma: trampantojos, plumas de gallo, delantales de jardinero, bolsillos secretos para
petacas de licor… Se convierte en una creadora completa.
Aunque sólo Dalí declara abiertamente la influencia de Schiaparelli en los artistas
surrealistas, afirmando que la moda es una función simbólica de la vanguardia, su
papel como mujer surrealista es importante. Man Ray fotografía sus creaciones y
Tristan Tzara escribe sobre el gusto automático de sus sombreros. A la vez, los
artistas surrealistas trabajan para la alta costura, como ilustradores y fotógrafos o
como diseñadores. Louis Aragon vende a Schiaparelli, Patou y Chanel los collares que
fabrica su pareja, Elsa Triollet, y Alberto Giacometti crea broches de metal y botones
para su amiga Schiap. Ella se dedica a declinar el guante como objet trouvé, con
anillos, uñas lacadas y garras incrustadas, en beneficio de artistas y fotógrafos, y las
manos femeninas como hebillas, botones y cierres, o como ilustración hecha por Man
Ray para la antología poética Les mains lisses, de Paul Eluard. La surrealista Meret
Oppenheim desarrolla la célebre instalación Déjeuner en fourrure, una taza de té con
un plato forrados de piel de animal. E inspira a Schiaparelli varios usos rompedores de
la peletería, además de su famoso botín forrado con pelo largo de mono, inspiración
actualmente reconsiderada por Prada y visible en los escaparates de este próximo
otoño. Además del traje de sastre con bolsillos-cajones con tiradores brillantes, fruto
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de su estrecha colaboración con Dalí, Schiaparelli introduce la langosta que adorna la
cabeza de Gala Dalí como estampado para un vestido para la duquesa de Windsor. Y
presenta una colección, Le cirque, abundante en referentes dalinianos: lágrimas,
esqueletos y sombreros-tintero. Para el sombrero- zapato, Schiaparelli adopta en
doble sentido el método paranoico-crítico de Dalí: un zapato no es un zapato, sino un
sombrero.
Por la seguridad de sus negocios, durante la guerra mundial, Schiaparelli, al igual que
muchas casas, cerró su cada y dejó París en 1941, para volver a Estados Unidos,
precisamente, New York. Dejó el diseño a un lado para ofrecerse de voluntaria en las
actividades involucradas a la guerra, incluyendo servicio de enfermería. Después de
cuatro años vuelve a Paris para continuar su carrera.
Pero nuevos creadores aparecieron, Christian Dior y Balenciaga, eran las nuevas
casas del momento En plena huelga de sastras, cuando Dior y Balenciaga deben
cancelar sus desfiles, la astuta Schiap se las arregla para presentar la colección de
costura más barata de la historia, obteniendo una excelente publicidad y una portada
en el semanario
norteamericano Newsweek
titulada "Schiaparelli the
Shocker".
Sin embargo, a pesar de su
reputación como la mejor
cortadora de alta costura, su
tienda vendía sobre todo el
prêt-à-porter que dirigía un
joven Hubert de Givenchy,
contratado por ella y que se
marchó en 1952 para fundar
su propia maison. Ese año la
marca el comenzó de las
pérdidas financieras de Elsa
Schiaparelli, se vió obligada
a multiplicar sus licencias con los fabricantes de Estados Unidos. Ya no utilizaba su
original y pionero vocabulario para hablar de moda; ya no hablaba de super lujo y chic,
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Elsa Schiaparelli junto a una modelo en 1954
sino de confección de lujo. En realidad, Elsa Schiaparelli, como tantos otros creadores
de antes de la guerra, ha perdido el tren de la nueva modernidad, ahora en manos de
una generación de costureros que miraban al futuro con un espíritu más conservador y
realista. La belleza convulsa había muerto, ¡viva la belleza! La quiebra llegó a la casa
Schiaparelli, que cerró el 3 de diciembre de 1954. Y falleció a los ochenta y tres en
Tunicia, donde se construyó una casa pasó sus últimos días allí.
Ha tenido y hoy mantiene seguidores y admiradores que se inspiran en sus
creaciones. Algunos confesos, como Zandra Rhodes, Yves Saint Laurent, John
Galliano y Jean-Paul Gaultier. Otros, como Sybilla, Yamamoto, Versace, Valentino,
Miuccia Prada y, desde que hace alta costura, Giorgio Armani, la homenajean sutil,
pero constantemente. Entre sus clientas fieles y "maniquíes mundanas", como ella
llamaba a las celebridades a quien prestaba y regalaba sus vestidos más llamativos,
destacaron una serie de actrices de extraordinario carácter, como Arletty, Mae West,
María Casares, Zsa Zsa Gabor, Katharine Hepburn, Claudette Colbert, Lauren Bacall y
Marlene Dietrich. Esta técnica publicitaria, concentrada en lo que hoy llamamos vestir
la alfombra roja y que está rabiosamente vigente, también pertenece a las intuiciones
visionarias de la creadora.
“Elsa Schiaparelli, fuente de inspiración para muchos diseñadores por sus ideas
excepcionales y absolutamente creativas” Diego Della Valle, propietario de Tod´s y
persona que controla Schiaparelli, se ha referido así a la mítica creadora.
Por su parte, la modelo francesa Farida Khelfa, perfecta embajadora del estilo
Schiaparelli, también se ha pronunciado al respecto: “Ella fue la primera diseñadora
que mezcló moda, arte y Alta Costura, inspirando, hasta hoy, a muchísimos
diseñadores a lo largo de todos estos años".
Conclusión
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Schiaparelli logró traspasar las décadas, inspirar a artistas y diseñadores a lo largo de
los años, e imponer su propio estilo. Aquel estilo moda-arte, en el cual el surrealismo
se presentaba como aquel movimiento por el cual ella se sentía atraída. Con el paso
de los años, aquella joven diseñadora que había escapado de su casa para ser libre,
fue creciendo, al igual que sus diseños y su casa. Su estética cambió, para trasformar
prendas, en piezas de arte, cada una de ellas contaba una historia involucrada con un
sueño, un deseo del inconciente, su imaginación y su concepto de la vida. Su
indumentaria trascendió en el mundo y la llevo a los eventos más chic, en los cuales
ella se convertía en el centro de atención por sus extravagantes trajes. Fue allí, en
aquellas noches donde logró convertirse en la musa de los grandes artistas
Surrealistas y sus futuros amigos en 1930. Amigos que la ayudaron, la apoyaron y se
interesaron en cada uno de sus proyectos e imágenes que quería lograr. Aquella
amistad que planteaba Aristóteles, los sabios, filósofos y pensadores, miles de años
atrás vuelve a reaparecer en aquel grupo de amigos liderado por Schiaparelli en 1930,
y hoy se vuelve a repetir en el 2012, con la reapertura de la casa. Un grupo de amigos,
socios, se reúnen nuevamente para restaurar aquella casa liderada por una mujer,
fuerte; pero que contaba con el apoyo e interés de muchos pintores y fotógrafos, con
los que compartía un mismo interés, el arte surrealista.
Bibliografía
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