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AYUDAS A ARTISTAS VISUALES 2019
En el año 2000 la Consejería de Cultura de la Junta de Extremadura pone en
marcha las “Ayudas Francisco de Zurbarán”, destinadas al apoyo y proyección
de jóvenes artistas extremeños, menores de 35 años. Constituía una línea de
trabajo de gran importancia para el sector de las artes visuales de la región que
desgraciadamente desaparece por los devastadores efectos de la crisis
económica.
Con el inicio de la pasada legislatura se marca como objetivo preferente, en
materia de artes visuales, la recuperación de esta herramienta de impulso,
apoyo, estímulo y difusión de la creación artística contemporánea en la región,
objetivo que se cumple y felizmente ve la luz en 2017 a través del Decreto
32/2017, de 28 de marzo, por el que se establece el régimen de ayudas a artistas
visuales.
Esta norma recoge sustanciales modificaciones respecto a la que regulaba las
extintas “Ayudas Francisco de Zurbarán”, adaptándose a la realidad del
momento y tratando de dar respuesta a las necesidades y demandas de los
creadores en la actualidad.
Por un lado, a las ayudas pueden concurrir creadores de todas las edades, no
sólo los menores de 35 años (si bien estos jóvenes artistas cuentan con una
puntuación adicional que favorece el acceso a la subvención), debiendo ser
extremeños o vinculados de alguna manera con nuestra Comunidad Autónoma.
Otro cambio importante es que este Decreto favorece la producción artística,
entendida como materialización, desarrollo y difusión de proyectos relacionados
con las prácticas artísticas contemporáneas. La producción, a nivel profesional,
es habitualmente costosa y medidas de estímulo como ésta son, en muchos
casos, determinantes para que los proyectos artísticos puedan ejecutarse.
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La forma de pago de la subvención constituye otra novedad importante, pues los
creadores tienen la posibilidad de solicitar un anticipo de hasta el 50% de la
ayuda concedida.
En mayo de 2017 se publicó la primera convocatoria de “Ayudas a Artistas
Visuales”, con una dotación presupuestaria de 20.000€. Se presentaron un total
de 24 proyectos, siendo seleccionados 6 por la Comisión de Valoración. Su éxito
y el impacto tan positivo que supuso para el sector de las artes visuales, motivó
que, para la convocatoria de 2018, se incrementara la cuantía total de las
ayudas, pasando de 20.000 a 40.000 euros, pudiendo recibir cada artista hasta
un máximo de 5.000 euros. A esta segunda convocatoria se presentaron 27
proyectos, de los cuales resultaron seleccionados 10.
En el mes de enero del presente año 2019 se publica esta última convocatoria,
a la que se presentaron 33 proyectos, repitiendo los buenos resultados de las
anteriores y evidenciando una vez más la riqueza y potencia de nuestro
panorama artístico. Tras su estudio, la Comisión de Valoración optó por conceder
ayudas a 10 de estos proyectos en función de la mayor puntuación obtenida por
los mismos, atendiendo con rigurosidad a los criterios de valoración recogidos
en la convocatoria: calidad, claridad, y coherencia en la presentación del
proyecto, interés específico de la producción, originalidad, innovación,
proyección nacional e internacional, interés social o difusión, entre otros.
Han recibido la ayuda en esta convocatoria 2019 por orden de puntuación los
siguientes artistas:
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MAITE CAJARAVILLE
Maite Cajaraville es una artista multidisciplinar, especializada en arte electrónico,
performance audiovisual e instalación. Sus trabajos buscan subvertir los
imaginarios sociales a través de la interacción con el público y acercar las obras
a los espacios cotidianos. Combina desde los años 90 su producción artística
con comisiones de curaduría.
Curadora y co-directora del Piksel Produksjoner en Noruega, AVLab en
Medialab-Prado. Sus trabajos se han expuesto en el Centro Pompidou de
Málaga, Centro Centro Madrid, MEIAC, RIXC (Letonia), African Photography
Initiatives (Cameroon), Museo Nacional de Arte Reina Sofía, Haus der Kulturen
der Welt, Berlin, TransPiksel, Centros Culturales de España en México, Perú,
Ecuador, ISEA, Hong Kong, entre otros.
“VEXTRE” es una pieza de realidad virtual
que representa el crecimiento
socioeconómico de la región de
Extremadura por población. Construye
narrativas presentando los datos tal y como
son, sin emitir juicios de valor, con un
desapasionamiento-pasionado.
“VEXTRE” confronta al visitante con su
propio relato sobre Extremadura y su(s)
pueblo(s) intentando generar interrogantes
o abolir prejuicios.
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DANIEL MUÑOZ
Nacido en Moraleja (Cáceres) en 1980, durante los últimos años ha realizado
intervenciones en el espacio público de ciudades como Londres, Río de Janeiro,
Vancouver, Tokio o Los Ángeles. También ha realizado exposiciones en centros
artísticos como el BACC Museum de Bangkok (Tailandia), la Galería Nacional
de Arte de Ammán (Jordania), el CEART (Fuenlabrada) o galerías como Walter
Otero (Puerto Rico) o Luis Adelantado (Valencia).
Su proyecto “Defectos espaciales” plantea una serie de ideas en torno al arte
como generador de nuevos territorios desde los que cuestionar nuestra mirada
y las relaciones socio-políticas que mantenemos con nuestro contexto inmediato;
y por otro lado, trata de redefinir un conjunto de categorías heredadas a través
de la historia en relación con los valores estéticos con los que asumimos nuestro
patrimonio cultural.
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JOSÉ IGLESIAS GARCÍA-ARENAL
MA en curaduría por la Whitechapel Gallery y la London MET University gracias
a una beca de la Fundación Botín. Actualmente se encuentra cursando el Dutch
Art Institute Roaming Academy. Ha colaborado con distintas instituciones, como
curador en exposiciones como “Melfas. Linea orgánica” (MACSur, Buenos Aires,
2017) o proyectos como “ARTifariti 2016. Después del futuro. Encuentro
Internacional de Arte y Derechos Humanos” (Campamentos de refugiados
saharauis en Tindouf, Argel, 2016); realizando muestras individuales de su
trabajo artistico como “Facebook’s Pavilion” (Palazzo Lucarini, Trevi, 2014) o
"MAQUINA EUROPA. Los hadrones de Clemente VII” (Espacio Iniciarte,
Córdoba, 2018); y participando en muestras colectivas en instituciones como el
CAAC (Sevilla, 2016) o el MUSAC (León, 2017).
“La memoria es un verbo” comienza con las primeras exhumaciones que se
hacen en Extremadura tras el franquismo, como la de Casas de Don Pedro en
1978, iniciativas impulsadas por familiares de las víctimas del franquismo que
decidieron recuperar los cuerpos de sus familiares, enterrados en fosas
comunes. Partiendo de los relatos de estos pioneros de la memoria, realiza una
videoinstalación acerca del futuro de la memoria en una era hipertecnificada,
donde toda experiencia debe ser computada. “La memoria es un verbo” mira
hacia las políticas de la memoria pensando en horizontes futuros, a través de un
relato no lineal con varias pantallas y una serie de elementos escultóricos.
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MARÍA RAMOS BRAVO
Ilustradora con base en Madrid. Su trabajo se centra en la narración,
especializándose en álbum ilustrado y cómic. Trabaja a nivel nacional e
internacional realizando encargos o libros. En España ha trabajado con
editoriales como Fulgencio Pimentel con el que ha publicado dos álbumes
ilustrados, “PICNIC” (2018) y “Bubble Gum Boy” (2019) y colaborado con las
ilustraciones de “El libro del Futuro” (2018). También ha publicado dos cómics
dirigidos a público infantil en Mamut Cómic y para adultos con la editorial
Fosfatina ediciones.
Es profesora de ilustración en el Instituto Europeo de Diseño en Madrid desde
2016.
“La Villa Luminosa” es un cómic centrado
en la casa de la emblemática muñeca
española de los 80, la Chabel. La Villa es el
punto de partida para contar diferentes
historias donde intervienen otras autoras
dando su propia versión. Lejos de ser una
publicación para niños, podemos encontrar
alguna similitud con la corriente de cómic
undreground de los 70. La técnica usada es
la impresión risográfica usan do tres tintas
directas.
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ISABEL LEÓN
Artista visual. Desde el año 2007 su trabajo está centrado en el arte de acción,
participando en numerosos festivales, encuentros y residencias tanto en España
como en el extranjero (Canadá, Marruecos, Alemania, Ucrania, Noruega...). Co-
coordina el proyecto de investigación en Comunicación y Performance
EXCHANGE Live Art junto a Ana Matey e imparte talleres en diversos contextos
como centros de arte, universidades y espacios independientes. Interesada en
los procesos de creación compartidos, así como en la intuición y espontaneidad
como base de una creación menos mental y más visceral.
“DE LA NUBE AL PAPEL. 136 minivideoperformances. Tres años online”
constituye una publicación bilingüe (español - inglés) limitada y numerada de 200
ejemplares. 336 páginas que recogen las tres series de mivivideoperformances
(una por año) que Isabel León ha realizado entre los años 2016 y 2018, que
fueron concebidas para ser compartidas en Internet. Incluye textos de Bartolomé
Ferrando, Shannon Cochrane, Nieves Correa, Antonio Gómez y Pancho López.
Organizado por series en las que se muestra una captura y el enlace a la página
de Vimeo (código QR) de cada uno de los 136 vídeos que las conforman.
Asimismo, la publicación incluye todos los vídeos organizados en tres archivos
(uno por serie) en alta calidad y editados especialmente para esta publicación.
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ÁNGEL ACOSTA BECERRO
Licenciado en Bellas Artes en la especialidad de pintura en el año 2014. Recibió
el primer premio en el Concurso de Dibujo del Día de Extremadura en el año
2001. En 2018 obtiene el primer premio en la categoría de pintura en el Certamen
Arte O.D.S. (Objetivos de Desarrollo Sostenible) organizado por AUPEX
(Asociación de Universidades Populares de Extremadura).
Su proyecto “Fractal” trata de plantear una reflexión en la era del ruido visual y
la pantalla en la que vivimos inmersos. Para ello intenta aislar las obras de ese
maremagnum y materializar a través de pintura y collage tridimensional el poso
de la deriva virtual diaria a la que nos enfrentamos, dándoles forma de mapas
abstractos inspirados en el pixel y en la geometría fractal.
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CARLOS JAVIER VALVERDE CASTRO
Nacido en Cáceres en 1987, ha expuesto en galerías y centros como Cripta747
(Turín), Fundación Botín (Santander), Les Ateliers (Clermont-Ferrand), CCVF
(Guimarães), Fundació Miró (Barcelona), La Casa Encendida (Madrid),
Montehermoso (Vitoria-Gasteiz), Tokyo Wonder Site (Tokio), Temporary Gallery
(Köln), Capella de Sant Roc (Valls), Estrany de la Mota (Barcelona), Windsor
Kulturgintza (Bilbao), entre otros, a título individual y colectivo.
Ha sido galardonado con el Premi Miquel Casablancas (2015), la Beca de Artes
Visuales de la Fundación Botín (2012), Injuve (accésit, 2012), la Beca de
Producció de la Sala d’Art Jove de la Generalitat de Catalunya (2011) y la Beca
de Artes Visuales Francisco de Zurbarán (2010).
El PO4 (3-), o fosfato, que da título a su proyecto, es un anión de carga -3, en
donde el Fósforo tiene estado de oxidación +5. Es la base conjugada del ácido
Orto Fosfórico H3PO4, y es el término que identifica de forma genérica a la
familia de los fosfatos.
El descubrimiento de los fosfatos
en la región de Cáceres durante
finales del S. XVIII e inicios del XIX
marca un punto de inflexión en la
comunidad extremeña, donde se
produce un cambio de paradigma
del modelo productivo: de lo rural
a lo industrial. El objetivo del
proyecto es realizar una reflexión
sobre el pasado industrial
extremeño (Extremadura como
paradigma de periferia y mundo
rural) para dar sentido a su
presente, en un proyecto
producido entre Cáceres,
Barcelona y Bruselas.
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ISABEL MARÍA
Artista, Doctora en Bellas Artes y Profesora de Proyectos Audiovisuales en la
Universidad Complutense. Ha recibido premios y becas artísticas de la SRE
Gobierno de México, Fundación Marcelino Botín, Matadero Madrid, Iniciarte,
Gobierno de Cantabria, Medialab Madrid, etc. Su obra ha sido expuesta en el
Guggenheim de Bilbao, Instituto Cervantes de Nueva York, Estocolmo, Dublín o
Pekín; en la Cineteca Matadero Madrid, en La Casa Encendida, Madrid; en el
MEIAC, Badajoz, etc. Su obra audiovisual se puede ver en la plataforma de Cine
de autor FILMIN y en la Distribuidora de Videoarte de España HAMACA.
En “Paisaje familiar” y a modo de
documental performático busca recrear
un escenario a modo de Tableau vivant
sobre ese instante de la foto de familia
para dar cuenta de las construcciones
familiares y roles no explícitos, a través
de la observación de sus gestos, de la
comunicación no verbal, sus
comentarios espontáneos y todo lo que
pueda acontecer durante ese tiempo
dentro de la escena creada.
Videocreaciones que darán cuenta de
las fricciones y ficciones que crea el
imaginario familiar suspendido en una
hora de su tiempo ante la cámara fija,
para conformar paisajes familiares con
sonido e imagen.
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NURIA CANO MENDOZA
Licenciada en Bellas Artes y posgraduada en Producción Artística, se enriquece
de otras culturas como Polonia, Finlandia, Irlanda y República Checa. Trabaja
con distintas disciplinas: instalación, video, nuevas tecnologías e ilustración.
Seleccionada en el Programa de Arte Público Supertrama (2019), ha recibido la
beca de residente en BilbaoArte (2018), formó parte de la exposición “Elas Fan
Tech”, A Coruña (2013), trabajó en la industria de postproducción Lunchmeat,
Praga (2011) y recibió la ayuda de producción Zurbarán, Extremadura (2010).
“La Alterable Verdad” es una
instalación compuesta por varias
capas colocadas a una distancia
que, observada desde un punto de
vista, el conjunto de segmentos se
combina formando un único plano;
un truco óptico. En principio parece
que nada ocurre, pero si nos
quedamos observando, el lugar
comienza a tener vida. La
composición es desarrollada
experimentativamente por un
minimapping, pequeños objetos y
servomotores, todo ello recreará esa
imagen en movimiento.
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GENÍN ANDRADA
Fotógrafo, editor gráfico y docente. Su trabajo abarca desde el mundo editorial,
a los procesos de creación. Muchos de sus proyectos personales desembocan
en exposiciones, galerías y museos. Creador de imágenes capaces de
convertirse en metáforas de sus propias experiencias, estableciendo un contrato
entre él y el espectador. Su uso del color es un intento de explorar las
posibilidades narrativas y evocadoras de elementos habitualmente secundarios.
La fotografía es el instrumento que le permite conocer, ampliar límites y explorar
otras culturas.
Fue el primer fotógrafo español en exponer individualmente en el Museo
Nacional Centro de Arte Reina Sofía, en 1997 expuso en el Carrousel du Louvre.
En 2002 participó en el proyecto “Pandenic Facing AIDS” patrocinado por
Naciones Unidas y Kofi Annan. Esta exposición itineró durante diez años por los
cinco continentes, inaugurada por los Presidentes Bill Clinton y Nelson Mandela,
y fue expuesta en más de 30 museos. En 2005 formó parte de la exposición
“Regards”, patrocinada con fondos del Ministerio de Cultura de Francia, y en ella
participaron artistas como Andy Warhol, Cartier-Bresson, Man Ray, Nan Goldin,
Malpplethorpe, Weegee y un largo etc…
En “Madrid, una metrópolis multirracial y multicultural” los protagonistas son
personas que circulan por el centro de esta ciudad. Fotos robadas, no posadas,
ni pactadas, donde los viandantes de distintas razas, diversas culturas y todo
tipo de estatus social, se mezclan transitando por los mismos espacios.
En las últimas décadas el mundo rural se ha despoblado, actualmente el 50% de
la población mundial vive en grandes urbes. Hemos perdido nuestra propia
identidad para vivir dentro de una masa que circula dando vueltas sin saber
dónde. El teléfono móvil se ha convertido en el elemento principal para
comunicarnos en un universo virtual, donde la soledad es la protagonista de
dichos personajes.
La introducción técnica que aporta con el flash electrónico y reflectores, modela
la luz, da una nueva visión al documentalismo tradicional. Se enfrenta
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directamente a los protagonistas de las escenas, a veces a un metro de
distancia, provocando una ruptura de frontera imaginaria. Esto genera un pulso
entre el fotógrafo y el transeúnte, gestos desencajados, sorpresa, angustia,
complicidad o furia…
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III
II
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