Década 1950

Los 50 fueron una década en donde se apelaba a la artificialidad, las

mujeres no salían a la calle sin maquillaje ni joyas. El maquillaje

presentaba nuevos colores para que estuviera a tono con lo último de la

moda. En los años 50 era más importante que el maquillaje combinara

con la cartera que quien lo llevara. No importaba que el resultado se

viera artificial, algo que iba de acuerdo con el New Look.

Las mujeres cambiaban el color del pelo muy a menudo, se llevaba liso,

ondulado, largo o corto. El color más popular era sin dudas el rubio, se

usaban también los postizos, y muchas adolescentes recurrían a ellos

para imitar la famosa cola de caballo de Brigitte Bardot.

Las orejas siempre quedaban a la vista para poder lucir joyas como aros

grandes y con mucho brillo que se combinaban con collares de perlas de

una o dos vueltas.

Los pañuelos eran fundamentales para aquellas mujeres que conducían

autos descapotables, este se colocaba sobre el peinado que se pretendía

proteger.

Los guantes eran casi un accesorio obligatorio, a menudo eran del mismo

genero que el vestido.

Los cinturones anchos fueron el complemento mas importante de la

década, para comprimir y resaltar la cintura femenina.

Después de tiempos duros, el refugio fue el hogar. En los 50, el look de

amas de casa perfectas incluía combinaciones como el azul turquesa en

las sombras y el naranja en los labios. El peinado, de postizos tiesos por

la laca, reflejaba el mismo aire artificial del maquillaje. En esta década

vuelve el esplendor, triunfa el “New look” de Cristian Dior. La silueta se

vuelve a forzar con una cintura muy estrecha, la mujer avispa y por

contraste, mucho volumen en hombros, pecho y en la falda que aumenta

su vuelo, pero manteniéndose por debajo de las rodillas. Las mujeres

estaban hartas del estilo masculino y vuelven las curvas. Comienza el

culto a la belleza. Los zapatos se estilizan y son más puntiagudos,

abrigos de paño, bolsitos al codo, y las más elegantes sombrero o pamela.

Las jóvenes comienzan a dejar de ser clones de sus madres, inspiradas en

las actividades deportivas, los pantalones pitillo, las zapatillas de ballet,

el rok´n´roll etc.

Durante los años cincuenta, la mujer se vio de nuevo atrapada en un

estrecho corsé, tanto en sentido literal como figurado. Tras haber

apoyado a su marido durante la guerra, deseaba volver a ser totalmente

femenina, y para ello renunció sin saberlo a parte del terreno ganado

para meterse otra vez en la cocina: representaba el ideal de casita en el

campo, perfectamente decorada a la última, con electrodomésticos que

facilitaban las tareas y con un aspecto impecable desde la mañana a la

noche.

La silueta "New Look" también se reflejaba en la ropa de diario. Los

trajes volvían a ser la parte principal del ropero de muchas mujeres. La

mayoría de las faldas eran estrechas y llegaban a media pierna. Las

chaquetas eran entalladas y presentaban un pequeño faldón, así como

una solapa muy marcada, pero que no era muy larga.

Tenía mucha aceptación las combinaciones de falda y blusa o bien de

falda y conjunto, que consistía en un jersey y una chaqueta de punto

combinada, casi siempre del mismo color.

La parte superior iba muy ceñida y modelaba el busto, por lo que

requería un corpiño fuerte. Generalmente las mangas eran estrechas y

largas o llegaban hasta medio brazo.

Andy Warhol

Andrew Warhola, Jr. (Pittsburgh, 6 de agosto de 1928 - Nueva York, 22

de febrero de 1987), más comúnmente conocido como Andy Warhol, fue

un artista plástico y cineasta estadounidense que desempeñó un papel

crucial en el nacimiento y desarrollo del pop art. Tras una exitosa

carrera como ilustrador profesional, Warhol adquirió notoriedad

mundial por su trabajo en pintura, cine de vanguardia y literatura,

notoriedad que vino respaldada por una hábil relación con los medios y

por su rol como gurú de la modernidad. Warhol actuó como enlace entre

artistas e intelectuales, pero también entre aristócratas, homosexuales,

celebridades de Hollywood, drogadictos, modelos, bohemios y

pintorescos personajes urbanos.

Uno de los aportes más populares de Warhol fue su declaración: "En el

futuro todo el mundo será famoso durante 15 minutos". Esta frase de

cierta manera vaticinó el actual poder de los medios de comunicación y

el apogeo de la prensa amarilla y de los reality shows.

Fue personaje polémico durante su vida - algunos críticos calificaban sus

obras como pretenciosas o bromas pesadas - y desde su muerte en 1987 es

objeto de numerosas exposiciones retrospectivas, análisis, libros y

documentales, además de ser recreado en obras de ficción como la

película I Shot Andy Warhol (Mary Harron, 1996). Al margen de la

fama y de la polémica, está considerado como uno de los artistas más

influyentes del siglo XX debido a su revolucionaria obra.

Arte pop

El Arte Pop (Pop Art) fue un importante movimiento artístico del siglo

XX que se caracteriza por el empleo de imágenes de la cultura popular

tomadas de los medios de comunicación, tales como anuncios

publicitarios, comic books, objetos culturales «mundanos» y del mundo

del cine. El arte pop, como la música pop, buscaba utilizar imágenes

populares en oposición a la elitista cultura existente en las Bellas Artes,

separándolas de su contexto y aislándolas o combinándolas con otras,1

además de resaltar el aspecto banal o kitsch de algún elemento cultural,

a menudo a través del uso de la ironía.1

El arte pop y el «minimalismo» son considerados los últimos

movimientos del arte moderno y por lo tanto precursores del arte

postmoderno, aunque inclusive se les llega a considerar como los

ejemplos más tempranos de éste.2

El arte pop es comúnmente interpretado como una reacción a los

entonces dominantes ideales del Expresionismo abstracto.3 De cualquier

forma, el arte pop también es la continuación de ciertos aspectos del

expresionismo abstracto, tal como la creencia en las posibilidades de

hacer arte, sobre todo en obras de grandes proporciones.3 Del mismo

modo, el arte pop era tanto una extensión como un repudio del

Dadaísmo.3 Mientras que el arte pop y el dadaísmo exploraban los

mismos sujetos, el arte pop reemplazaba los impulsos destructivos,

satíricos y anárquicos del movimiento Dada. Entre los artistas

considerados como precursores del movimiento pop están Marcel

Duchamp, Kurt Schwitters y Man Ray.

El movimiento como tal surgió a mediados de los años 1950 en el Reino

Unido y a finales de los años 1950 en los Estados Unidos.4 con diferentes

motivaciones. En Estados Unidos marcó el regreso del dibujo del tipo

Hard edge (traducido como «dibujo de contornos nítidos»5 ) y del arte

representacional como una respuesta de los artistas al utilizar la realidad

mundana e impersonal, la ironía y la parodia para contrarrestar el

simbolismo personal del expresionismo abstracto.3 6 En contraste, el

origen en la Bretaña de la post-guerra, aunque también utilizaba la

ironía y la parodia, era más académico y se enfocaba en la imaginería

dinámica y paradójica de la cultura popular estadounidense, la cual

estaba formada por un conjunto de mecanismos fuertes y manipuladores

que estaban afectando los patrones de la vida, mientras mejoraban la

prosperidad de la sociedad.6 El arte pop temprano de Inglaterra se

puede considerar entonces como una serie de ideas alimentadas por la

cultura popular estadounidense vista desde lejos, mientras que los

artistas estadounidenses estaban inspirados en la experiencia de vivir

dentro de dicha cultura.6

La mayoría de las obras de este estilo son consideradas incongruentes

debido a que las prácticas conceptuales que generalmente son utilizadas

hacen que sean de una difícil comprensión. El concepto del Arte Pop no

hace tanto énfasis al arte en sí, sino a las actitudes que lo conducen.

Richard Avedon

Reputado fotógrafo de modas y gran retratista, comenzó su carrera

profesional en los años 1950 realizando espléndidos trabajos de moda

para la revista Harper's Bazaar, donde acabó convirtiéndose en Jefe de

Fotografía. Posteriormente, habría de colaborar igualmente con otras

revistas como Vogue, Life y Look. Sin duda alguna, fue el gran fotógrafo

de la moda durante los años 1960 y 70. En sus trabajos consiguió elevar

la fotografía de moda al rango de lo artístico, al conseguir acabar con el

mito de que los modelos debían proyectar indiferencia o sumisión. Por el

contrario, en sus fotografías los modelos eran personajes libres y

creativos en sus gestos dentro de escenarios dinámicos y bajo esquemas

compositivos previamente decididos.

En los años 1960, Avedon se reveló como un artista comprometido con

las inquietudes sociales de su tiempo. Durante el año de 1963 fotografió

el Movimiento por los Derechos Civiles en el sur de los Estados Unidos,

colaborando en los siguientes años con James Baldwin en el libro

Nothing personal. A finales de los 1960 y principios de los 1970, Avedon

realizó reportajes sobre líderes militares y víctimas en la Guerra de

Vietnam y manifestaciones anti-guerra en los Estados Unidos para el

diario New York Times. En la Navidad de 1989-1990 marchó a

Alemania para documentar una ciudad dividida en dos mundos

diferentes la noche en que caía el Muro de Berlín.

Sus retratos, aparentemente sencillos pero profundamente psicológicos,

de personalidades famosas y desconocidas posando frente a un

inmaculado fondo blanco, muestran a un cuidadoso fotógrafo capaz de

plasmar en papel fotográfico rasgos inesperados de los rostros de

personajes de la envergadura de Truman Capote, Henry Miller,

Humphrey Bogart o Marilyn Monroe, entre muchos otros. Su método

era sencillo pero efectivo, la derrota anímica del contrario fotografiado a

través de largas y cansadas sesiones de hasta cuatro horas. Así desnudo,

el retratado e indefenso era capaz de mostrar su personalidad más

sincera.

En el año 1979 comenzó el que habría de convertirse en uno de sus

trabajos más importantes. Por encargo del Museo Amon Carter, de Fort

Worth, Texas, Avedon dedicó cinco años a recorrer el oeste de los

Estados Unidos para documentar a las personas que nunca escribirían la

historia de su país. En esta obra, titulada In the american west, nos

presenta a granjeros, mineros, vagabundos, prostitutas, amas de casa,

presos, vaqueros de rodeo o empleados de pequeñas oficinas, etc. en

fotografías de gran formato tomadas con luz de día, al aire libre y como

siempre, ante un fondo blanco. Nada hay en ellos del sueño americano o

de la tierra prometida, pero son retratos de individuos que han sido

observados y artísticamente elevados por la cámara de Avedon mediante

una composición sobria, logrando así una considerable fuerza expresiva.

Al término del proyecto, Avedon había recorrido un total de 189

poblaciones en 17 estados; había fotografiado a 752 personas utilizando

alrededor de 17.000 placas de película. De ésta colección, escogió 123

retratos que conformarían la serie In the american west 1979 – 1984.

Además del gran formato utilizado para sus fotografías de moda o

retratos, desarrolló una obra en paralelo, utilizando el paso universal,

que refleja sus vivencias más personales, como viajes o recuerdos

familiares.

Algo muy profundo subyace a lo largo de toda la obra de Avedon y, sin

embargo, no siempre se ha acertado a concretar en los trabajos

realizados en torno a su figura. Es una preocupación sincera, pero a

veces elegantemente obsesiva. El tiempo, la vejez y sus tensiones, resulta

ser el motivo fundamental en la obra de Avedon. Vemos en su arte cómo

nos habla directamente del paso del tiempo y su influencia en el ser

humano, y, cómo no, del camino hacia la muerte. Son esos retratos

descontextualizados que aparecen ante la cámara sin maquillaje,

fatigados o tristes, tal y como se encontraban en ese momento, los que

claramente denotan esta inquietud. El final de su libro Portraits (1976),

por ejemplo, culmina de forma tremenda pero magistralmente tratada

con una serie de siete fotografías de su padre envejeciendo gradualmente

hasta que parece haberse integrado en la luz que le rodea.

El 25 de septiembre de 2004 Avedon sufrió una hemorragia cerebral en

San Antonio, Texas, mientras se encontraba en una sesión fotográfica

para un proyecto encargado por la revista The New Yorker, el cual se

titulaba «On democracy», y se enfocaba en el proceso electoral del 2004

en los Estados Unidos; se trataba de retratos de candidatos, delegados de

las convenciones nacionales, entre otros involucrados en el tema. Murió

en la misma ciudad el 1 de octubre de ese año a consecuencia de las

complicaciones médicas.

En el año 1991 recibió el Premio internacional de la fundación

Hasselblad

Vogue Italia

Vogue (palabra francesa que en español quiere decir "Moda") es una

revista de moda y estilo de vida, que se edita en numerosos países. Es

una publicación mensual orientada principalmente al público interesado

en nuevas tendencias tanto de moda, como de lifestyle. Es considerada la

más influyente a nivel mundial puesto que se edita en 14 países. La

distribuye Condé Nast Publications,(piso 12), cuya sede está en la ciudad

estadounidense de Nueva York. La primera revista apareció en

aproximadamente en diciembre 17 de 1892 (empezando como una

revista semanal, después quincenal, y ahora mensual)

En el caso de vogue Italia su editora es Franca Sozzani

Inspiración

Pop art

Style

Vogue

Avedon

Imgenes producción