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1.- Documentación. Ambientación de la Pieza – Cuando nos fijamos en una figura, uno de los motivos principales que nos llevan a ello es nuestro gusto personal por una temática en concreto, una época o una situación. En base a lo anterior, mentalmente nos formamos una idea de qué queremos representar o, lo más importante, qué queremos contar. Al fin y al cabo, cuando pintamos una figura estamos "contando" una historia (da igual que la figura sea histórica o de fantasía). Así pues, antes incluso de que tengamos la pieza en casa, lo primero que haremos será hacernos una idea de lo que queremos expresar y del ambiente donde estará situado. Crearemos "nuestra" historia, y para ello nos podemos servir de revistas, libros especializados y por supuesto de nuestro querido "interné". A este primer paso lo llamamos Documentación. Para nuestro taller, la figura es una fiel reproducción del protagonista de "Gladiator", así que nos puede venir muy bien ver la peli para meternos en faena y sacar ideas de la misma. Podemos consultar libros sobre uniformes de esa época romana y buscar información de su vestimenta y armamento. Evidentemente, habrá piezas que tengan un mayor estudio en cuanto a uniformes y equipamiento se refiere. No es lo mismo pintar un romano, un medieval o un uniforme alemán de la 2ª GM. Además, por otro lado, se pueden buscar fotografías de terrenos que se adapten a lo que queremos representar. En mi caso he pensado en un ambiente frío con un terreno nevado y húmedo. Así que ya estoy construyendo mi historia. Os dejo unas cuantas fotos sobre lo que estamos comentando y que nos ayudarán en el proceso de pintura.

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Nuestro protagonista:

Detalle del Gladius

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Terrenos nevados:

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2.- Preparación de la figura -

La primera tarea a la que tenemos que enfrentarnos después de abrir la caja es contemplar la figura y echarle un primer vistazo para ver que no nos falta nada. Una vez hecho esto, pasamos a la limpieza de la figura propiamente dicha. Quizás sea la tarea más "aburrida" de todo el proceso, pero es una de las más importantes para el resultado final. Podemos hacer un trabajo de pintura excelente, pero si resultan visibles líneas del molde o "poros" que no se han tapado correctamente, el trabajo pierde belleza y calidad. Todas las piezas, sean de metal, de resina o plástico, traen una serie de líneas del molde y del "bebedero" provocadas por el vertido del material fundido sobre el mismo. Aunque estas líneas son inevitables, su existencia va en relación a la calidad de la fundición. Nos podemos encontrar con unas líneas prácticamente inexistentes que demuestran una calidad de fundición excelente, y en otros casos, nos podemos encontrar con líneas muy presentes que demuestran una fundición regular. En nuestro caso, la figura que tenemos presenta una fundición muy correcta, con unas líneas de molde fáciles de eliminar (situadas en los laterales de la figura y en ambos brazos) y una fina línea que cruza la cabeza, la cual tendremos que eliminar con mayor cuidado para no "borrar" el trabajo de modelado del pelo. Vamos a utilizar limas pequeñas (de las llamadas de relojero) y lijas de agua de grano fino.

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Utilizando estas herramientas, vamos eliminando las líneas con cuidado de no rebajar ni quitar detalle a la figura. Primero utilizamos las limas. A continuación repasamos la zona con lija de grano fino.

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En la zona del hueco de la cabeza hay que rebajar una rebaba que trae para facilitar el encaje de dicha cabeza con el tronco de la figura.

Además, con mucho cuidado quitamos la línea que aparece en el pelo. Lo podemos hacer con lija o con la lima. También podemos utilizar una cuchilla y el cutter para ir eliminándola poco a poco.

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En la zona de los pies, también rebajamos el metal pero sin eliminarlo totalmente ya que nos servirá después como base para hacer los taladros donde insertaremos los pernos.

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Una vez que hemos eliminado todas las líneas y rebabas, con un cepillo de púas finas de latón (o lana metálica de grano fino) frotamos la figura para quitar la primera capa que trae de fundición . Aseguraros que el cepillo es de púas finas, porque si no corremos el riesgo de "arañar" la figura y quitar detalles. El resultado es el siguiente. Procedemos de la misma forma con los dos brazos de la figura y la cabeza hasta terminar de limpiar todas las piezas del kit (excepto la base de la figura que no vamos a utilizar).

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3.- Pegado y Unión de la Figura - El siguiente paso consiste en pegar cada una de las partes que componen el kit. Para ello nos

serviremos de dos tipos de pegamento que utilizaremos en unos casos o en otros: pegamento de

cianocrilato (por ejemplo, Loctite) y pegamento de 2 componentes para metal (Araldit Rápido - 5

minutos).

Lo primero que se nos plantea es qué piezas pegaremos y qué piezas dejaremos para el final. Yo

intento pegar siempre el mayor número de piezas posibles al principio ya que luego es más engorrosa

la tarea de pegarlas con la figura pintada, con el problema añadido de que podemos manchar de

pegamento alguna zona ya acabada. Así que como norma general, si puedo llegar con el pincel a todos

los rincones sin que me estorben las piezas que hay delante, las pego. En este caso, he pegado todo

excepto el brazo izquierdo de la figura que sujeta el Gladius (espada) para que me permita pintar con

más comodidad la coraza y las correas que hay en esa zona.

Eso sí, para las piezas que dejemos sin pegar hasta el final (en este caso el brazo izquierdo), tenemos

que tener especial cuidado de que encajen muy bien, con el fin de que cuando vayamos a fijarlas no

nos llevemos ninguna sorpresa desagradable. Si esto ocurriera tendríamos que echar mano de la

masilla y tapar el hueco que pudiese quedar.

En cuanto al tipo de pegamento, utilizo siempre Araldit para pegar todos los elementos y sólo en

piezas muy pequeñas utilizo cianocrilato, como por ejemplo, unas plumas, una cartuchera, unas

correas,... En esta figura he utilizado únicamente Araldit para pegar la cabeza y el brazo derecho, así

como los pernos que he introducido en las plantas de los pies.

Cuando las piezas a pegar pesan más o la figura es de una escala mayor ( a partir de 70 mm.) además

del Araldit también refuerzo las uniones introduciendo unos trocitos de metal (generalmente varillas

de latón o trozos de un clip metálico) a modo de "pernos" uniendo ambas piezas. De esta forma

aseguramos mucho más la unión. En nuestra figura, cómo los brazos no pesan demasiado al no ser

"completos" los he pegado con Araldit sin introducir pernos. Dónde sí lo hago siempre es en las

plantas de los pies para luego "anclar" la figura bien en su terreno, de la siguiente forma.

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Utilizamos un taladro manual o uno eléctrico con brocas de 1,5 mm. ó 2 mm. de diámetro y una varilla de latón (o un clip metálico ).

Con cuidado marcamos y vamos realizando el taladro en la base de los pies. Cuidado con inclinar la broca ya que se nos puede partir con facilidad (¡¡ que me ha pasado muchas veces !!).

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Una vez que hemos realizado el agujero, insertamos la varilla de latón ayudándonos de unos pequeños alicates (de momento no aplicamos pegamento).

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Cuando comprobamos que la varilla se introduce bien (al menos unos 5 mm. aproximadamente), con unos alicates de corte procedemos a cortar lo que sobra dejando que sobresalga del pié unos 2 cms.

Al final debe quedar algo así:

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Ahora vamos a proceder a pegar las piezas (cabeza y brazo derecho) y a fijar los pernos. Como he comentado antes, me sirvo del pegamento de dos componentes (de la marca Araldit) y un palillo para aplicarlo. Este tipo de pegamento, como su propio nombre indica, está formado por dos sustancias que vienen separadas en dos tubos y que al mezclarlos proporcionan un adhesivo muy fuerte. Tiene un tiempo de secado relativamente alto respecto al pegamento de cianocrilato (por ejemplo, Loctite) pero su unión es mucho más duradera. Así pues, al pegar las piezas nos tocará sujetar las piezas unos minutos hasta que se fijen bien. Un truco para no tener que sujetar demasiado es pegar las piezas bajo una fuente de calor ya que esto acelera el proceso de secado. Aquí podemos ver los materiales que vamos a utilizar:

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Colocamos una porción de cada componente a partes iguales en una superficie lisa y no absorbente.

Y mezclamos bien...

Una vez que tenemos preparada la mezcla colocamos un poco de pegamento con un palillo en la superficie a pegar, en este caso la cabeza:

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Si al juntar las piezas el pegamento nos "rebosa" y sobresale demasiado, con otro palillo limpio podemos eliminar el sobrante, e incluso podemos dejar que seque todo bien y posteriormente con la cuchilla eliminamos lo que sobra. Aquí podemos ver la cabeza una vez fijada.

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Procedemos de igual forma con el brazo derecho de la figura y sujetamos unos minutos hasta que se logra fijar bien.

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Y finalmente los pernos en las plantas de los pies quedando la figura lista para su imprimación.

En nuestra figura no me ha sido necesario rellenar con masilla ninguna de las uniones realizadas, ni en la cabeza ni en el brazo, ya que las piezas encajan muy bien y el propio Araldit ha servido para dicha función. Pero si lo hubiésemos necesitado tendríamos que haber enmasillado los "huecos" para tapar bien los encajes. Y con esto terminamos el proceso de preparación y limpieza de la figura.. A continuación prepararemos la peana y crearemos el terreno donde irá fijada la figura cuando termine su proceso de pintado.

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4.- Elección y Preparación de la peana. Aunque en muchas ocasiones no le damos importancia, la elección de la peana es una parte importante del resultado final, ya que será el "marco" en el que se exponga nuestra obra. Hay trabajos ejecutados con un alto nivel y, sin embargo, pierden un poco al presentarlos en un soporte no muy indicado. Actualmente existen en el mercado gran variedad de peanas de madera, de metacrilato, de plástico,... de diferentes formas y tamaños. Algunas con un precio elevado que se asemeja al coste de la figura en sí (suelo aprovechar los concursos para hacer acopio de ellas). Al final, el gusto de cada uno de nosotros es lo que decidirá qué peana utilizar. Yo generalmente utilizo peanas de madera (de olivo o de nogal) con un pedestal en la base ya que me gustan más. El tamaño de una peana para una figura de 54 mm. dependerá mucho de si la vamos a acompañar de un escenario o no, pero podemos hablar desde 3,5 cms x 3,5 cms hasta 5 cms x 5 cms .La peana que voy a utilizar para el taller es una peana cuadrada de olivo cuyas medidas son 3,5x3,5 cms

Lo primero que vamos a hacer es proteger la peana para que no se arañe ni se manche durante su manipulación. Para ello, utilizamos cinta de enmascarar o de la usada por los pintores y que tenga un adhesivo con poca fuerza de fijación. De esta manera evitaremos levantar el barniz al retirar posteriormente dicha cinta.

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Comenzamos fijando la cinta haciéndola coincidir con el extremo superior de la peana.

Y continuamos cubriendo toda la superficie de la misma hacia abajo.

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Una vez que la hemos cubierto totalmente, realizamos una marca con un boli en la cara de la peana que corresponde con la vista frontal de nuestra figura, para saber en todo momento hacia dónde tiene que estar orientada.

A continuación con la cuchilla rayamos la superficie para eliminar el barniz y hacer que la masilla y la cola blanca se agarren mejor. Primero en un sentido.

Y luego en el otro.

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Con esto ya tenemos preparada nuestra peana. Aquí podemos ver el resultado final.

A continuación vamos a crear el terreno donde irá colocada nuestra figura. Como hemos visto en mensajes anteriores, mi idea es la de realizar un terreno embarrado o fangoso con alguna presencia de nieve y algún arbusto. Para ello es bueno servirse de fotografías que aparecen en revistas, libros e internet. Para elaborar cualquier terreno podemos utilizar multitud de hierbas, piedras, arena y elementos naturales que podemos encontrar fácilmente en tiendas de modelismo, en bazares o dando un paseo por el campo (siempre respetando la naturaleza). En la siguiente fotografía, de izquierda a derecha podemos ver: ramas de tomillo, hierbas y pequeñas flores naturales, hojas troqueladas de papel, ovillo de mar y nieve artificial (o marmolina) comercializada por la marca Alda Model.

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En nuestro caso no vamos a utilizar todos los elementos que aquí aparecen, pero sí la mayoría, aunque cada uno puede añadir lo que tenga más a mano o le sea más fácil conseguir. Lo primero que vamos a hacer es marcar en la peana la posición de la figura. Como norma general, lo ideal es evitar las simetrías respecto a la base de la peana, ya que una excesiva simetría de todos los elementos hacen que la obra parezca demasiado "rígida". En nuestro caso, lo único que he hecho es colocar a nuestro protagonista con el pié derecho ligeramente adelantado, para evitar que la capa quede paralela a la base. Realizamos los taladros, donde se insertarán los pernos, con un taladro manual o uno eléctrico y brocas de 2 mm. Es mejor que los agujeros en la peana sean un pelín más grandes que el diámetro de los pernos para poder "jugar" y encajarlos mejor.

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Comprobamos que la figura encaja bien y que su posición nos gusta. Colocamos unos palillos para evitar que no se tapen los agujeros cuando apliquemos la masilla del terreno.

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Es hora de meter mano a la masilla. En el mercado existen distintas masillas epoxídicas de dos componentes cuya principal característica es que secan al aire y que pueden "suavizarse" o disolverse con agua, alcohol o acetona industrial. En la imagen podemos ver alguna de ellas, de la marca Milliput, Andrea Sculpt y Feroca.

Para trabajar dichas masillas, y elaborar el terreno, nos serviremos de los propios dedos y de herramientas tales como un cepillo de dientes o un trozo de corcho para texturizar, herramientas para moldear y una cuchilla.

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Además, vamos a utilizar cola blanca de contacto rebajada con agua y aplicada con un pincel viejo.

Preparamos dos pequeñas bolas de masilla (en este caso he utilizado la de la marca Feroca) a partes iguales aproximadamente.

Las juntamos y amasamos bien hasta que se conviertan en una sola.

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Aplicamos, con un pincel viejo, cola blanca disuelta con un poco de agua sobre la peana. Lo aplico en aquella zona donde voy a trabajar, sin cubrir toda la superficie, ya que me gusta ir poniendo masilla poco a poco.

Si necesitamos crear desniveles y elevaciones en el terreno, nos podemos servir de corchos u otros elementos para ello con el fin de "ahorrar" masilla como vemos en la imagen.

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Vamos aplicando la masilla en pequeñas porciones que vamos fundiendo con el dedo mojado en agua.

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Seguimos aplicando cola y colocando masilla hasta completar toda la superficie.

A continuación utilizamos herramientas de moldear para ir definiendo el terreno de una forma más fina y suavizar la zona donde están colocados los palillos.

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Aspecto general de lo realizado hasta ahora.

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Quitamos los palillos y colocamos la figura en los orificios del terreno presionando para que se marquen los pies.

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A continuación texturizamos el terreno con el cepillo de dientes (o un trozo de corcho) para que no quede tan liso. Además añadimos piedras pequeñas de distintos tamaños las cuales las fijamos apretando con el dedo hundiéndolas un poco.

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Utilizando una herramienta para moldear empezamos a "hundir" zonas del terreno creando depresiones. Al ser un terreno embarrado, hay que crear una superficie irregular simulando pisadas algo profundas.

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Quitamos la figura, volvemos a colocar los palillos y texturizamos el resto del terreno.

A continuación, como la masilla sigue fresca, aprovechamos para "clavar" diversas ramitas de tomillo a modo de arbustos evitando las simetrías, aplicando más cola blanca.

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Añadimos alguna rama más.

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Volvemos a colocar la figura en su posición para comprobar que ninguna de las ramas "choca" con la figura e impide su colocación. Si fuera así, tenemos que recolocar las ramas para que no toquen la pieza.

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Quitamos la figura de nuevo y terminamos de realizar el terreno con más masilla, cola blanca y ramitas de tomillo.

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Aquí podéis ver unas fotos del terreno acabado.

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Y aquí con la figura.

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Más adelante, cuando abordemos la pintura del terreno, añadiremos más elementos como hierbas, hojas, etc... y finalmente la nieve. Volvemos a quitar la figura, y la lavamos con agua templada, jabón y un cepillo de dientes para eliminar los posibles restos de suciedad que hemos ido dejando al manipularla.

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Por último, realizamos los taladros correspondientes en la peana de trabajo que nos servirá de soporte durante el proceso de pintura.

Marcamos y realizamos los taladros.

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Aplicamos pegamento de cianocrilato para sujetar la figura a la peana, ya que después resultará más fácil quitar la figura de este soporte.

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Aquí podemos ver la figura lista para su proceso siguiente.

En la siguiente sesión, veremos cómo imprimar la figura y el terreno, el estudio de las luces utilizando como esquema la luz Cenital y realizaremos un Presombreado-Perfilado para dejar la figura lista para su pintura.

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6.- La Capa de Imprimación El objetivo es preparar la figura y dejarla lista para recibir posteriormente las “caricias” de los pinceles. Antes de acometer cualquier trabajo de pintura de una figura, sea del material que sea (plástico, resina, metal), lo primero que haremos es aplicar una capa de imprimación sobre toda la superficie a pintar. La imprimación tiene como objetivos principales: - Crear una superficie más adherente que el propio material del que está hecho la figura, permitiendo que la pintura depositada “agarre” de una forma más consistente. - Facilitar el estudio del posicionamiento de las Luces y Sombras que posteriormente representaremos. - Sacar a la luz los posibles defectos que se nos pasaron por alto en la anterior etapa de limpieza. Existen varias técnicas y métodos para aplicar una capa de imprimación que a continuación pasamos a enumerar: - A pincel. Se trata de aplicar una capa utilizando un pincel sintético (si la base se va a realizar con esmaltes o masilla Putty disuelto en Acetona) o uno de Marta Kolinsky (si la realizamos con acrílicos). Los inconvenientes de este método es que se tarda más en imprimar, pero las ventajas es que podemos controlar mejor el no tapar detalles e imprimar todos los huecos que pueda haber. - Con Spray. En el mercado existen gran variedad de sprays de pintura que permiten aplicar una capa uniforme de pintura pulverizando sobre la pieza. Es un método muy rápido y cómodo, y muy habitual entre los pintores, pero hay que controlar bien su aplicación para no tapar demasiado los detalles más pequeños. Además, hay que remover bien el bote de spray para evitar que salgan “grumos” o la pulverización no sea constante y “escupa”. - Con Aerógrafo. Una alternativa más cara es utilizar el aerógrafo como método de imprimación. El aerógrafo presenta características comunes de los otros dos métodos ya que nos permite llegar a todos los huecos, la capa pulverizada es muy fina y mucho más constante que con el spray, aunque es una herramienta cara. En mi caso, suelo imprimar a pincel figuras inferiores a 65 mm. y con el aerógrafo figuras a partir de 70 mm., ya que el pincel resulta algo “tedioso” en superficies más grandes. Una vez que hemos decidido cómo vamos a imprimar, vamos a ver con qué tipo de pintura: - Con Acrílico. Se trata de aplicar una capa de pintura acrílica diluida con agua. Suelo utilizar este tipo de pintura cuando lo aplico con el aerógrafo, ya que luego es más fácil limpiarlo, “sufre” menos al usar agua como disolvente y la superficie queda mate. Cómo “manía” personal os diré que antes de dar esta capa con el aerógrafo suelo aplicar una manita rápida a pincel de masilla Putty muy diluida en acetona industrial. Ya os comento que es una manía, pero de esta forma “reafirmo” más la capa de imprimación posterior.

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- Con Esmaltes. Este tipo de pintura lo utilizo cuando imprimo a pincel. Utilizo esmalte Humbrol Enamel (Referencia 1 - “Grey Primer”) disuelto con aguarrás y aplicado con un pincel sintético del Nº 1. La capa resultante es bastante mate; perfecta para recibir después colores acrílicos. - Con masilla Putty. Cómo he comentado antes, otra alternativa sería aplicar masilla Putty disuelta en acetona industrial. Yo no suelo utilizar este opción directamente, sino como complemento a la imprimación con aerógrafo. Por último, nos quedaría por elegir el color de la imprimación. Hay modelistas que prefieren imprimar en un color claro (blanco, beige, gris claro,…) ya que así posteriormente se puede hacer más fácilmente el estudio de luces-sombras poniendo la pieza debajo de una bombilla. Hay otros modelistas que prefieren imprimar en colores más oscuros (negro, violeta, marrón oscuro,..) para aprovechar la capa de imprimación y dar una tonalidad de ambiente a la figura. Personalmente he probado las dos formas y son igual de válidas dependiendo de lo que queramos hacer. En el caso que nos ocupa, he imprimado con Humbrol “Grey Primer” (que se trata de un gris claro) disuelto en aguarrás y con un pincel sintético. He querido hacerlo así para luego poder “estudiar” la colocación de las luces-sombras. Aquí podemos ver los materiales que voy a utilizar.

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Comenzamos removiendo el bote de pintura con un palillo

Y sacamos un poco de pintura al “pocillo” donde la diluimos con unas gotas de aguarrás.

Con un pincel sintético del Nº 1, descargamos pintura sobre un folio y a continuación aplicamos sobre la figura. Los trazos deben ser amplios, cubriendo toda la zona, de arriba a abajo.

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Hacemos lo mismo con el brazo que no hemos pegado al cuerpo. Para ello lo fijamos, con una gotita de cianocrilato, a un corcho que nos servirá para manipular dicha pieza sin dificultad.

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Y a continuación lo imprimamos también a pincel.

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Para el terreno, hacemos lo mismo, sin pintar las ramas que simulan los arbustos (yo al menos no las imprimo porque pinto posteriormente sobre ellas).

Una vez aplicada la imprimación, dejamos secar todo el conjunto al menos 24 horas, antes de pasar a la fase de pintura propiamente dicha.

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Ahora es momento de repasar la limpieza de la figura y comprobar si se nos ha quedado alguna rebaba o algo por eliminar. En mi caso, al imprimar me di cuenta que en la zona del cuello y la cara aparecía algo “raro” provocado por el pegamento Araldit. Así que metí la cuchilla y lija para limpiar la zona de nuevo, levantando la capa de imprimación como podemos ver en la imagen.

Y volví a imprimar toda la superficie tratada. El resultado final es el siguiente.

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7.- Estudio de las luces-sombras. Luz Cenital Cuando hablamos de luz cenital, nos estamos refiriendo a la dirección desde dónde proviene la iluminación de, por ejemplo, una escena en un cuadro o de un objeto en fotografía. Existen varios tipos de iluminación según la dirección desde dónde procede y que son fácilmente identificables por su nombre: -Luz frontal -Luz frontal lateral -Luz lateral -Contraluz -Luz cenital No todas son fácilmente aplicables en la pintura de una figura tridimensional, pero la que a nosotros nos importa y en la que nos vamos a centrar es en la Luz Cenital. Este tipo de iluminación se consigue colocando un foco justo encima de la figura, algo así como si el sol estuviese en su punto más alto. Su característica principal es que los puntos de máxima luz se encuentran en la parte superior de los volúmenes y los puntos de máxima sombra se encuentran justo debajo de los anteriores, y entre medias se produce un degradado muy rico en tonos. Lo más importante a la hora de aplicar esta iluminación es tener presente en todo momento cuales son los puntos de máxima luz y sombra. En el siguiente esquema podemos ver la distribución de las luces y las sombras en un volumen.

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Si os fijáis en el gráfico, la máxima luz la reciben aquellas superficies horizontales más expuestas a la dirección de la luz. El color base lo recibiría la zona vertical, y las sombras serían aplicadas en las zonas horizontales menos expuestas. Cuando pintemos distintos volúmenes en nuestra figura, tendremos presente esta imagen en la cabeza. Esto ocurre cuando el foco de luz lo tenemos directamente en la vertical de la figura, pero se puede jugar con el foco desplazándolo un poquito más hacia delante o hacia atrás para ver cómo se comportan las luces-sombras y decidir qué nos gusta más. Aquí podemos ver unas fotos aplicando la teoría en nuestro protagonista. Fijaos bien las zonas que reciben la máxima luz y la máxima sombra.

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A grandes rasgos, la máxima luz la encontramos en el pelo, la frente y la nariz, en la piel de lobo de los hombros y un pelín en la parte superior de la coraza. La máxima sombra la tenemos en la zona de las axilas, las zonas escondidas del cuello y los brazos, así como en los pantalones. En el resto de la figura encontramos distintos valores de claro-oscuro dependiendo de su posición en el volumen al que pertenecen. Probad a poner la figura debajo de un flexo e ir desplazándola hacia delante y hacia atrás para ver cómo afecta la iluminación en el conjunto.

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8.- El Pre-sombreado. Enmarcar la Figura Antes de meternos en faena, vamos a comentar unos conceptos importantes respecto a la dilución de la pintura acrílica a la hora de pintar figuras. En función de lo que queramos representar, la pintura irá más o menos diluida: - MEZCLA DILUIDA (Normal): Hablamos de mezcla diluida cuando nos referimos a una mezcla de pintura a la que hemos añadido agua para dejarla fluir pero con consistencia para que cubra. Lo utilizaremos para aplicar los colores base a todos los elementos de las figuras y para pintar paños que estén comprimidos, con muchas arrugas pronunciadas. - MEZCLA MUY DILUIDA: Se trata de cargar con más agua el "pocillo" donde tendremos la pintura, de manera que esté más “suelta” que la mezcla del color base. Esta es la consistencia que utilizaremos para dar las luces. - MEZCLA EXTRA DILUIDA: Se trata de llenar el "pocillo" con gran cantidad de agua de manera que el resultado sea “agua manchada” pero que se vea pintura lógicamente. Esta es la consistencia que utilizaremos para dar las sombras (ya que tienen que ir más suaves que las luces) y las transparencias de color para luz y sombra, efectos de desgaste, suciedad, etc… Aquí podemos ver cómo afecta la dilución de la pintura en el trazo del pincel.

La primera se trata de la pintura directamente del bote con un pelín de agua. Este tipo de dilución no nos interesa ya que se marca mucho la pincelada y la pintura no fluye correctamente. En la segunda podemos ver una pintura muy diluida, ideal para aplicar luces y primeras sombras. Y la tercera corresponde a una pintura diluida pero que cubre, necesaria para aplicar los colores base.

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Aquí podéis ver una foto de la mesa de trabajo con todo lo necesario para empezar.

Dicho esto, vamos a darle al pincel. Lo primero que realizo cuando acometo la pintura de una figura es enmarcarla. Se trata de pintar, en primer lugar, todas aquellas zonas que quedarán totalmente a oscuras y que prácticamente no recibirán color. De esta forma “pintamos” aquellos lugares en los que el pincel no va a llegar con comodidad. Además, en muchas casos, también nos servirá ya de “perfilado” entre distintos elementos (pantalón, chaqueta, etc...). La mezcla la hacemos con Uniforme Inglés (o cualquier marrón verdoso) + Negro En la foto podemos ver en este orden: la mezcla resultante (prácticamente un negro manchado de marrón) , Negro Mate y Uniforme Inglés.

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Con un pincel de Marta Kolinsky del Nº 1 o del Nº 2 diluimos con agua la pintura como si fuésemos a aplicar un color base. Mojamos bien el pincel en la mezcla que hemos realizado en el pocillo y, antes de llevarlo a la figura, descargamos pintura sobre un papel (por ejemplo, un folio) como podemos ver en las imágenes.

De esta forma nos aseguramos cómo va de fluida la mezcla y además evitamos aplicar un “pegote” de pintura directamente sobre la pieza. La idea es aplicar 3 ó 4 veces la misma mezcla hasta que quede bien cubierta la zona, pero no intentéis “tapar” todo en la primera aplicación del color. Si es así, eso quiere decir que la mezcla está demasiado espesa y habría que diluirla un poco más para que las pinceladas no se noten. En la primera “mano” de pintura veréis que el color de imprimación se sigue viendo. Eso es que vais bien. Aquí podéis ver la figura con la primera mano de pintura y las zonas que han sido tratadas: cuello posterior, toda la zona tapada por el brazo derecho, la zona donde irá el brazo izquierdo y los “huecos” de los faldones de cuero.

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No os olvidéis de aquellas zonas más escondidas que serán totalmente oscuras (debajo del faldón y la capa).

Aplicamos una segunda mano de pintura y vemos que la mezcla en la figura ya va tomando el color que queremos.

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Por último, aplicamos una tercera mano para terminar de enmarcar.

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Y con esto, ya estamos preparados para empezar a pintar los metales la semana que viene. ¿Por qué empezar por los metales y no por otro elemento?. Bueno, generalmente yo suelo empezar a pintar las figuras por la cara, pero cuando hay elementos metálicos con gran superficie, prefiero pintar éstos antes, para evitar después manchar el resto de la figura con pigmentos metálicos (ya que se suelen “desprender” fácilmente manchando lo que hay alrededor).

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9.- Esquema de Dilución de la Pintura He preparado un sencillo esquema donde se puede apreciar cómo afecta el grado de dilución de la pintura a la hora de aplicar las pinceladas.

De izquierda a derecha podemos ver cómo evoluciona el grado de dilución según vamos añadiendo más agua. Hemos vertido 5 gotas de pintura y hemos ido añadiendo gotas de agua para comprobar su fluidez. En el primer caso podemos comprobar que añadiendo de 1 a 3 gotas de agua, la pintura es muy espesa y no fluye correctamente. Al añadir 5 gotas, la pintura se va volviendo más fluida pero todavía le cuesta deslizar sobre el papel. Cuando añadimos de 7 a 9 gotas de agua es cuando la pintura se vuelve fluida y se desliza perfectamente, así que verificamos que éste es el grado óptimo para aplicar los colores base y las primeras luces. Añadiendo 11 gotas, la transparencia de la pintura se hace notable, perfecta para aplicar las últimas luces y las primeras sombras que han de ser más suaves que las primeras. Con 13 gotas obtenemos una transparencia ideal para dar las últimas sombras que han de ser suaves, evitando que se marquen demasiado. Y a partir de aquí, al añadir más agua (prácticamente agua manchada) obtenemos una dilución muy buena para aplicar las veladuras, filtros y transparencias que aportan mucha riqueza en una figura.

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10.- Introducción a los metales Antes de meternos en faena, quiero comentar que existen multitud de técnicas para simular unos metales, cada una de ellas con sus características propias. Con el fin de que veamos al menos las más utilizadas, he pensado en pintar la coraza con colores acrílicos No Metalizados y las protecciones de los brazos con acrílicos Metalizados de Citadel. De esta forma, en la misma figura tendremos los dos métodos y así cada uno podrá comprobar los resultados conseguidos con uno u otro método. Aunque posteriormente lo explicaremos más gráficamente, para tener unas primeras nociones diremos que la pintura con colores no metalizados se basa en realizar luces, reflejos y destellos puntuales y después aplicar sombras y veladuras que aporten un efecto de acabado metálico. Por el contrario, cuando trabajamos directamente con colores metálicos, iluminaremos con estos colores de una forma más gradual y controlada, y sombrearemos con acrílicos o con óleos. Bueno, dicho todo lo anterior, vamos a preparar la mezcla para la coraza. La idea es pintar todo el conjunto en un tono dorado rojizo (simulando al cobre o al latón) o un tono dorado verdoso (similar al bronce) y posteriormente sombrearemos con estos colores más oscuros. Además, haremos algún efecto de desgaste y suciedad. Algunas imágenes de materiales de Cobre.

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Aquí podemos ver el Latón.

Y aquí el Bronce.

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En mi caso me decantaré por un tono rojizo oscuro parecido al Cobre. 11.a- Pintura de la Coraza del pecho (Color Base)

Vamos a pintar los metales correspondientes a la coraza que protege el pecho y el abdomen de nuestro protagonista, así como las protecciones de los brazos. Iremos poco a poco viendo el proceso para aplicar el color base, las luces, las sombras y algunos efectos. Con el fin de que veamos dos técnicas distintas para pintar metales, he pintado la coraza con colores acrílicos No Metalizados y las protecciones de los brazos con acrílicos Metalizados de Citadel. Para la coraza me he decantado por un tono rojizo oscuro parecido al Bronce de la siguiente imagen:

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Para ello he utilizado los acrílicos de Vallejo UNIFORME INGLÉS, MADERA CAOBA y NEGRO BRILLANTE.

Con el fin de obtener el color base de la coraza, mezclamos UNIFORME INGLÉS (4 gotas) + MADERA CAOBA (4 gotas) hasta conseguir un tono marrón rojizo y posteriormente añadimos NEGRO BRILLANTE (3 gotas) en proporciones pequeñas hasta que consigamos un tono oscuro, pero cuya tonalidad principal sea el rojizo. Aquí podéis ver los colores utilizados en la composición del color base y el tono obtenido.

De izquierda a derecha: Negro Brillante, Madera Caoba y Uniforme Inglés.

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Y aquí podéis ver el tono resultante de la mezcla.

Os recomiendo que este color lo guardéis en un bote hermético (por ejemplo, un carrete de fotos) y lo metáis después en el frigorífico, porque echaremos mano de él continuamente. Otra posibilidad, es que lo guardéis en un pocillo tapado con celofán y lo metáis en el congelador. Bastará con sacarlo unos minutos antes de ponernos a pintar.

Al igual que hemos hecho al enmarcar la figura, diluimos la mezcla con agua para aplicar el color base, mojamos el pincel en el pocillo, y antes de llevarlo a la figura, lo pasamos por un folio para comprobar su dilución y descargar pintura. No se trata de cubrir toda la zona en una sola pasada y en una sola aplicación, si no que habrá que aplicar la misma mezcla del pocillo unos 3 ó 4 veces (varias “manos”) sobre la figura para que el color que tenemos en el pocillo se vea definitivamente en la figura. Eso sí, antes de aplicar una nueva “mano”, la anterior debe estar bien seca para evitar que satinen los colores y no cubran bien. Una ventaja de los colores acrílicos es que secan con mucha rapidez, pero si queremos acelerar el proceso todavía más, bastará con tener a mano un secador de pelo.

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Al aplicar varias capas diluidas con el mismo color, por el efecto de superposición, conseguiremos que las pinceladas sean suaves y no se “marquen”, evitaremos tapar los detalles más pequeños de la pieza y crearemos una gradación sutil como se puede apreciar en las siguientes imágenes.

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Dicho todo esto, vamos a aplicar el color base en la figura, dejando secar bien entre capa y capa. Al aplicarlo varias veces nos quedará algo así:

Fijaos que simplemente con la iluminación del flexo ya se empiezan a definir las zonas de luz y sombra. Ahí es dónde, posteriormente, nos tocará ir colocando la pintura para ir definiendo esos volúmenes.

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11.b- Pintura de la Coraza del pecho (Luces) Vamos a comenzar ahora con la iluminación del conjunto. Para ello, tenemos que tener en cuenta que, en la iluminación con Luz Cenital, las luces se van concentrando hacia el punto más alto de la zona que estemos pintando. De esta forma cada vez que “subamos” de color, éste ocupará menos espacio que el anterior. Así, la primera luz será la que más espacio ocupará y las siguientes irán reduciendo el espacio en dirección a la zona más alta. Si representamos esto en un folio , el esquema podría ser algo así:

Aquí vemos cómo vamos concentrando la “luz” hacia los puntos más altos de las figuras. En nuestro caso, la técnica será la misma: concentraremos la luz en los puntos más altos de los volúmenes. Tened presente siempre el esquema que pusimos de luz cenital:

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Llevado a la práctica, la dirección del trazo del pincel tendrá que ir “hacia la luz” (je, je, a qué me suena esto) ya que en el lugar donde levantamos el pincel, se deposita más cantidad de pigmento , y de esta forma “concentramos“ más color en el lugar más alto o más “luminoso”.

Vuelvo a recordar que con un mismo color no daremos una sola mano, si no que repetiremos 3 ó 4 veces el mismo tono para “saturar” la zona con el color utilizado. Resumiendo el proceso, aplicamos el color base en 3 ó 4 manos. Aclaramos el color base y aplicamos la 1ª luz mediante 3 ó 4 manos. Volveremos a aclarar para obtener la 2ª luz, la aplicaremos en otras 3 ó 4 manos, y así sucesivamente hasta llegar al color máximo de luz que será el que nosotros decidamos según veamos cómo va la figura. Vamos a cubrir con la 1ª luz todas las zonas que se encuentran iluminadas siguiendo el esquema de Luz Cenital que hemos visto anteriormente. Para obtener esta primera subida, cogemos color base y lo ponemos en otro pocillo y añadimos una punta de OCRE MARRÓN, MARRÓN DORADO u OCRE AMARILLO. Cualquiera de estos colores nos puede servir. Es preferible ir añadiendo poco a poco pintura en el pocillo con un pincel y no directamente del bote, porque así no nos pasamos y controlaremos en todo momento el tono que vamos obteniendo. Además, podemos comparar en el folio el tono del color base con el nuevo tono obtenido. En mi caso he empezado añadiendo OCRE AMARILLO (pero porque no tenía OCRE MARRON), así que vosotros utilizad el que tengáis o el más similar a los comentados. Cargamos el pincel de pintura, descargamos en el folio, y cubrimos con esta primera subida todas las zonas en luz. Insisto en que tendréis que aplicar 3 ó 4 veces ese tono hasta verlo completamente en la figura.

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En las fotos podemos ver que las zonas trabajadas son la parte superior del pecho, la zona dónde comienza el estómago, la zona del ombligo y el filo inferior de la coraza hacia la zona del vientre. En el siguiente esquema podéis ver la dirección del trazo del pincel que he seguido, donde se deposita la pintura, y las zonas trabajadas.

Fijaos que la dirección del pincel siempre va hacia la zona que más queremos iluminar o destacar. Creamos una 2ª subida añadiendo más OCRE AMARILLO (o el color que hayáis utilizado vosotros) a la mezcla anterior de la 1ª luz, y obtenemos un tono más claro.

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Aquí podéis ver la comparación del color base, 1ª luz y 2ª luz en un folio.

Ocupando un pelín menos espacio que la anterior luz, cubrimos de nuevo todas las zonas, arrastrando siempre el pincel hacia los lugares más altos o más “luminosos”. Cómo veis, se trata de insistir y saturar hacia las zonas más altas con cada aplicación de pincel. Aquí podemos ver cómo queda en la figura esta segunda subida.

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En la 3ª subida de color he añadido MARRON DORADO para que las luces no vayan perdiendo intensidad en su tono dorado. Y volvemos a aplicar la luz reduciendo espacio, saturando el color en la figura. Cómo ahora el espacio es mucho más reducido, en lugar de “arrastrar” el pincel por la superficie, lo que hago es ir “colocando” la pintura mediante toques de pincel como podéis ver en las siguientes imágenes.

En la 4ª subida de color añadimos más MARRON DORADO (casi llegando al color puro) para seguir aclarando el tono. Y volvemos a aplicar concentrando la luz en las zonas más iluminadas mediante toques de pincel. Aquí podéis ver la comparación de la 3ª y 4ª luz en un folio.

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Y éste es el resultado de aplicar dicha luz varias veces (saturando) en la figura :

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Fijaos bien dónde se va concentrando la pintura para crear la iluminación, concentrando siempre hacia las zonas más altas. Por último, hacemos una última luz para aplicar en zonas puntuales añadiendo un poco de BLANCO a la mezcla. Para aplicar esta última luz vamos a utilizar el pincel “punteando” la superficie, es decir, con los pelos del pincel separados vamos a ir dando golpecitos continuos, de esta forma cada pelo va a golpear en un sitio dejando puntos minúsculos en la figura. Para ello podemos utilizar un pincel viejo al que hayamos cortado la punta, o directamente un pincel al que le abramos los pelos.

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Para abrir los pelos a un pincel, basta con arrástralo por un folio presionando desde la base.

Y a continuación, damos pequeños toques sobre la zona más alta creando un efecto metálico

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Fijaos que se trata de que se vean pequeños puntos muy determinados en las zonas más iluminadas, como si el metal creara los destellos propios al recibir la luz. Aquí podéis ver en un folio el color utilizado en la última luz.

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Y una imagen donde se pueden ver todas las luces.

Aquí podemos ver la figura con la 4ª luz y los últimos toques puntuales.

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En las siguientes imágenes podemos ver un detalle las zonas donde se han realizado el punteado.

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Y con esto terminamos el proceso de iluminación. En el siguiente paso sombreamos el conjunto para crear un buen contraste.

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11.c- Pintura de la Coraza del pecho (Sombras) Vamos a comenzar ahora con el sombreado de la pieza. Muchas veces creemos que esta parte es un mero trámite (o incluso podemos llegar a pensar que no hace falta) y damos mayor importancia a la iluminación. Sin embargo, comprobaréis que esta tarea es igual o incluso más importante que las luces, ya que en el sombreado establecemos el contraste de la figura y equilibramos las luces. Esto quiere decir que si hemos aplicado unas luces extremas muy fuertes, al sombrear, podemos equilibrar el conjunto con unas últimas sombras también fuertes que compensen el contraste de la pieza. ara aplicar las sombras, la dilución de la pintura tiene que estar más suelta y más fluida que la de las ces, ya que estas primeras se marcan mucho antes y el degradado que tenemos que conseguir ha de

Vuelvo a recordar que con un mismo color no daremos una sola mano, si no que repetiremos 3 ó 4 veces el mismo tono para “saturar” la zona con el color utilizado. Cómo veréis, la técnica y el proceso es el mismo que antes. Para la 1ª Sombra vamos a mezclar MADERA CAOBA (4 gotas) + NEGRO BRILLANTE (3 gotas) hasta obtener un tono rojizo muy oscuro.

Pluser más suave.

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Si nos fijamos en el siguiente esquema podemos ver hacia dónde vamos a dirigir las sombras.

Como vemos en la imagen, las flechas nos indican que el sombreado se aplica en las zonas “escondidas” y más bajas de los volúmenes que hemos iluminado, así como en los laterales de la coraza, dejando eso sí, zonas con el color base inicial ya que nos ayudarán a realizar el degradado hacia las sombras. Para aplicar estas mezclas utilizaremos la técnica del “punteado” en aquellas zonas que sea difícil meter el pincel por que el espacio es reducido, por ejemplo, en toda la parte central de la coraza y en el pecho. Para las zonas laterales, podemos utilizar la técnica habitual, arrastrando el pincel hacia las zonas más profundas.

ecir que todas las sombras las he aplicado con un pincel del Nº 1. D

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En las siguientes imágenes podemos ver cómo vamos sombreando punteando con el pincel.

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Aquí podemos ver un aspecto general de la figura debajo del flexo de trabajo.

Y aquí podemos ver la primera sombra aplicada en unas 4 manos o capas.

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A continuación, a la mezcla anterior le añadimos más NEGRO BRILLANTE obteniendo prácticamente un color negro puro algo manchado.

Y volvemos a proceder de la misma forma que antes, pero reduciendo el espacio de sombra y concentrándonos ya en las zonas más profundas. La dilución tiene que ser fluida y suave para que las sombras se vayan marcando paulatinamente.

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Aquí podemos ver la figura con la 2ª sombra aplicada. Al aplicarla en varias manos e ir concentrándola hacia los huecos, prácticamente obtenemos un negro puro en dichas zonas, con lo que no es necesario dar más sombras.

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Para acabar, le daremos unas pasadas (con tres o cuatro bastarán) en forma de veladuras con la pintura muy diluida de MADERA CAOBA + 1 puntita de NEGRO BRILLANTE, o directamente de SEPIA (de la gama Game Color de Vallejo). Se trata de aplicar un filtro de color con una de estas

ezclas para unificar el conjunto y que quede un aspecto satinado, tirando a brillante. Este filtro será prácticamente agua manchada para no tapar todo el trabajo de luces y sombras. Para que os hagáis una idea, en la siguiente imagen podéis ver la diferencia de la dilución de las sombras y la tinta del filtro.

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Al aplicar dicho filtro prácticamente no se notará, pero al hacerlo tres o cuatro veces, el efecto se apreciará de una forma tenue sin tapar todo el trabajo que hay debajo, que es lo que queremos conseguir. Con el fin de apreciar el resultado, he pintado los colores base de algunos de los elementos que aparecen en la coraza.

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Aquí podéis ver la coraza terminada con el filtro de sepia aplicado, y los colores base de los metales plateados y la banda roja del pecho.

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Para pintar los metales plateados de la coraza podéis hacerlo utilizando colores no metálicos, o colores metálicos, como más os guste. Yo me he decantado por una mezcla. Me explico; pintaré todo

n colores no metálicos y utilizaré un color plata para dar la última luz y los reflejos. Aquí podéis ver los colores que voy a utilizar.

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De izquierda a derecha: NEGRO BRILLANTE, MARRON OLIVA, GRIS PALIDO, MITHRIL SILVER (Citadel) La mezcla es la siguiente: MARRON OLIVA (4 gotas) + NEGRO BRILLANTE (4 gotas) + GRIS PALIDO (2 gotas)

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La forma de aplicar el color base es la misma que para la coraza. Si tenéis algún “problemilla” para pintar el detalle de la coraza, os recomiendo que descarguéis bien el pincel de agua en una servilleta o folio y después, tumbando el pincel (no lo llevéis perpendicular) vais recorriendo toda la zona a intar, según se puede ver en la siguiente imagen. p

De esta forma, vais controlando mejor el pincel acariciando la superficie a pintar y evitando manchar la zona de la coraza.

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Para la banda roja del pecho he utilizado MARRON ROJO, ROJO VIOLETA Y AZUL PRUSIA

La mezcla es la siguiente: MARRON ROJO (4 gotas), ROJO VIOLETA (3 gotas ) Y AZUL PRUSIA (1,5 gotas)

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11.d- Pintura de la Coraza del pecho (Metales Plateados - Adornos) Vamos a pintar ahora todas las partes metálicas plateadas que adornan la coraza. Para ello, vamos a utilizar colores acrílicos no metalizados, al igual que hemos hecho con la parte dorada. Como ya dijimos anteriormente, la mezcla del color base es la siguiente: MARRON OLIVA (4 gotas) + NEGRO BRILLANTE (4 gotas) + GRIS PALIDO (2 gotas)

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aplicar el color base es la misma que para la coraza. Os recuerdo que descarguéis bien el incel de agua en una servilleta o folio y después, tumbando el pincel (no lo llevéis perpendicular) vais

recorriendo toda la zona a pintar, según se puede ver en la siguiente imagen.

De esta forma, vais controlando mejor el pincel acariciando la superficie a pintar y evitando manchar la zona de la coraza.

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Pintamos con el color base las protecciones de los hombros y los adornos del pecho.

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Para iluminar esta parte metálica vamos a utilizar un GRIS PALIDO y acabaremos añadiendo un poco de BLANCO para los toques finales. Aquí podéis ver el esquema de iluminación que he seguido.

Comenzamos añadiendo GRIS PALIDO al color base y lo aplicamos en las protecciones de los hombros hacia la parte central (donde se encuentra el remache) y en los volúmenes superiores de los adornos del pecho.

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Acordaos que la iluminación debe ir hacia las zonas más altas, siguiendo el ya famoso esquema de luz cenital. Añadimos más GRIS PALIDO a la mezcla y aplicamos el nuevo color en 3 ó 4 capas, con el fin de saturar el color y concentrarlo en las zonas más altas de los volúmenes. Fijaos como concentramos la luz en la zona de los remaches de las protecciones de los hombros y en las zonas altas de los adornos del pecho.

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Seguimos añadiendo más gris a la mezcla y empezamos ahora a “puntear” las zonas más altas para simular los brillos del metal. En los adornos del pecho, vamos centrando la pintura en los filos superiores y en las zonas más expuestas a la luz, como podemos ver en las siguientes imágenes.

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Para acabar, añadimos un poco de BLANCO a la mezcla de las anteriores luces y aplicamos pequeños toques a modos de reflejos en las zonas más expuestas. Además, aprovechamos la mezcla que usamos en la coraza para pintar el color base de los filos de las protecciones de los hombros y las partes metálicas de los faldones de cuero, cómo podemos ver en las imágenes.

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Añadimos MARRON DORADO a la mezcla base y empezamos a iluminar estas partes. En las protecciones de los hombros vamos hacia donde hemos marcado las luces en los metales plateados

ver la primera luz aplicada.

(hacia el centro vertical) y en los filos horizontales donde terminan las protecciones. En las protecciones de los faldones de cuero, la luz va hacia la parte superior. Aquí podemos

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Añadimos más MARRON DORADO y seguimos concentrando la luz en los puntos indicados anteriormente como vemos en las imágenes.

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Finalmente añadimos un poquito de blanco para dar las últimas luces en los filos.

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A continuación, al igual que hicimos con la parte dorada en la que aplicamos unos lavados con tinta Sepia, en la zona plateada también le vamos a aplicar unos lavados con una tinta negra humo para destacar su brillo. Para ello vamos a utilizar SMOKE x-19 de Tamiya . Se trata de una tinta acrílica que se disuelve con agua y que aporta un brillo extra.

Si no disponéis de este color no pasa nada. Podemos hacer una mezcla de MADERA CAOBA (1 gota) + NEGRO BRILLANTE (1 gota) + NEGRO MATE (1 gota). El resultado debe ser un negro satinado. Tanto si utilizamos Smoke como la mezcla anterior hay que disolverlo bastante para aplicarlos en forma de veladuras suaves con el fin de ir co to de las partes metálicas. Para que os hagáis una idea os pongo una comparativa del color prácticamente sin diluir y del mismo color una vez disuelto para las veladuras.

ntrolando el brillo y el oscurecimien

Aquí podéis ver el resultado después de aplicarlo sobre las partes metálicas plateadas y sobre las partes doradas de los faldones de cuero.

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La idea es que la tinta que aplicamos se "cuele" bien entre los huecos más profundos con el fin de crear un buen contraste. Con esto finalizamos la coraza, dejando para después la banda roja del pecho y la tira de cuero.