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Cuadernillo
INGRESO 2018
PROFESORADO DE ARTES VISUALES
Ingreso 2018. Profesorado de Artes Visuales. IES 9-002 Normal Superior Tomás Godoy Cruz
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INDICE
Portada
Indice. Pág. 2
Bienvenida a los estudiantes. Pág. 5
Organización general del ingreso. Pág. 7
La elección de la Carrera Pág. 8
Actividades. Pág. 9
Nos conocemos. Pág. 11
Actividades Pág. 11
Profesorado de Artes Visuales. Estructura curricular Pág. 13
Perfil del egresado Pág. 13
Actividades Pág. 17
Texto 1: La Obra de Arte: Teoría, función y actualidad Pág. 19
Actividades Pág. 22
Introducción a las Artes Visuales y los lenguajes artísticos. Pág. 23
Texto 2: Lenguajes Plásticos: Técnicas y materiales en la historia del Arte. Pág. 24
Actividades Pág. 25
Texto 3: La Obra de Arte a partir del siglo XX: de moderno a contemporáneo. Pág. 26
Actividades. Pág. 30
Texto 4: La máquina no hace el arte: Los instrumentos de realización en arte Pág. 31
Actividades Pág. 32
Texto 5: El Dibujo: Proceso de conocimiento, reflexión y comunicación Pág. 34
Actividades Pág. 35
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Texto 6: Introducción al Campo Cerámico Pág. 37
Actividades Pág. 41
Texto 7: El hacer plástico Pág. 42
Actividades Pág. 43
Texto 8: Una educación alternativa Pág. 45
La Educación Alternativa desde las Artes Visuales. Pág. 49
Actividades Pág. 52
Texto 9: Arte, Educación y Cultura
Actividades Pág. 60
Texto 10: Los huarpes existimos Pág. 61
Actividades Pág. 62
Texto 11: Mi última obra es un muro Pág. 64
Actividades Pág. 66
Texto 12: ¡Esos chicos pierden el tiempo! (1935) Pág. 67
Actividades Pág. 68
Profesores que elaboraron el ingreso Pág. 70
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“Cuando el artista está vivo en una persona, sea cual sea su tipo de
trabajo, se convierte en un ser inventivo, indagador, osado,
expresivo. Se hace interesante para los demás. Perturba, molesta,
ilumina y abre caminos para una mejor comprensión. Allí donde los
que no son artistas intentan cerrar el libro, él lo abre y demuestra
que aún hay páginas posibles”
Robert Henri
“El arte es una forma de cuestionar los sistemas de orden
establecidos, y de construir órdenes alternativos”
Luis Camnitzer, 2013
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Estimados estudiantes:
Elegir qué estudiar no siempre es algo sencillo, muchos de ustedes seguramente tendrán la
sensación de que están probando y la verdad es que es así. Sin embargo tomamos decisiones
todo el tiempo y lo importante es hacernos cargo en cada momento de eso que elegimos. Por
ahora, ustedes han elegido ser estudiantes y eso en el nivel superior, al menos para los
docentes de esta institución, implica un compromiso.
Decimos estudiantes y no alumnos1 ya que partiremos de entenderlos como sujetos con
historias, con aprendizajes y trayectorias de vida altamente significativas. Sujetos de
experiencias que esperamos poder resignificar durante tu proceso en la institución...
En cada uno de los espacios que irán cursando podrán encontrarse con contenidos afines, con
docentes con los que se identifiquen más o menos, con estilos diferenciados e ideologías
divergentes. Lo importante es que en cada uno de ellos ustedes no se pierdan, puedan mostrar
y mostrarse, puedan decir quienes son, qué piensan y sienten, cuales son sus temores y
expectativas.
Como docentes nos comprometemos en acompañarlos, colaborar en la construcción de sus
aprendizajes, pero para eso necesitamos de su responsabilidad, presencia, participación,
solidaridad entre pares, lectura crítica y conciente de las bibliografías, para concretar los
objetivos de este proyecto.
Esperamos que el paso por el nivel superior y en particular por la Tecnicatura Superior en
Producción Artística Artesanal y/o el Profesorado de Artes Visuales les ayude a desarrollar su
creatividad, en tanto ésta les permitirá adaptarse activamente a los cambios, potenciar su
sensibilidad, la afectividad, colaborar en la resolución de problemas, fomentar una mirada
crítica, y fortalecer la autoestima.
“Cuando emprenden una tarea los seres humanos casi siempre aprenden
más o menos de lo previsto. Por otra parte la enseñanza que no se ata a
pautas rígidas suele tomar rumbos y explorar ideas que ni el docente ni los
alumnos podrían haber imaginado al principio (…) en educación la virtud es
mucho más que lograr resultados uniformes entre alumnos sino buscar la
1 Alumnos= sin luz
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formación de la diversidad productiva. Todas las actividades artísticas
genuinas tiene en común la evocación de esa diversidad” (Eisner, Elliot. “La
escuela que necesitamos”.Amorrortu, Buenos Aires.2002)
El aprendizaje vinculado a las Artes pone en juego la expresión propia y el ejercicio de la
comunicación a través de lenguajes verbales y no verbales, como así también, la apreciación y
el respeto por otras expresiones del entorno. Contribuye a desarrollar esas capacidades
expresivas en cada uno, ayuda a consolidarlos como seres seguros de sí mismos, capaces de
comunicar sus ideas y pensamientos. Asimismo posibilita agudizar la percepción, lo que
permite que puedan codificar y decodificar diferentes mensajes, constituyendo de este modo,
profesionales críticos.
Nuestro desafío como docentes es colaborar en la formación o en el refuerzo de matrices de
aprendizaje activas, críticas, solidarias, no estereotipadas que les ayuden a consolidarse como
sujetos libres, participativos, impulsores de cambios, que les permitirán sentirse conformes con
ustedes mismos, logrando a la vez fines y metas más justas y solidarias para todos/as.
Durante los años próximos los acompañaremos en la consolidación del rol de hacedores de Arte
y/o docentes de educación artística, por lo que fomentaremos el contacto con la realidad local,
provincial, latinoamericana; a partir de la relación con “lo cotidiano” y el acercamiento a
diferentes contextos culturales y educativos el compromiso con la realidad sociopolítica y
económica será mayor. Observar para comprender, y comprender para transformar es uno de
los motores de este proceso que esperamos les resulte grato y significativo.
Equipo de Profesores de Carreras Artísticas
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ORGANIZACIÓN GENERAL DEL INGRESO
Ciclo básico: Diciembre de 2017 del 4 al 7 y del 11 al 14.
Cursado específico de cada carrera: Febrero de 2018
Modalidad de trabajo: se establecen encuentros presenciales con actividades
individuales y grupales, y actividades de producción en instancias no presenciales.
Requisitos de asistencia a los encuentros presenciales: 75% de asistencia
Evaluación: El ingreso se acreditará con la resolución completa de las actividades no
presenciales presentadas en el cuadernillo, y la asistencia mencionada a las instancias
presenciales con la participación en las actividades de producción grupal. Además se
evaluará en instancia de exámen final una producción individual vinculada a la comprensión
y producción de textos a partir de pautas dadas, la que será evaluada al finalizar el cursado
del ingreso.
El cuadernillo: En él encontrarás textos especialmente seleccionados con distintas
actividades propuestas. Las actividades no presenciales deben ser resueltas previas a los
encuentros presenciales. Es muy importante que puedas asistir y participar activamente de
las propuestas presenciales que se desarrollarán con el acompañamiento docente.
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LA ELECCIÓN DE LA CARRERA
Al terminar la escuela secundaria o en otro momento, cuando se decide emprender un
nuevo proyecto formativo, una de las decisiones más importante es la elección de una
carrera. Cada estudiante vive esa instancia de un modo particular. En nuestra institución,
una de las características de los grupos de ingresantes es la heterogeneidad, algunos
ingresan por primera vez al nivel superior, otros ya hicieron otros recorridos, otros concretan
un proyecto trunco. Entonces nos preguntamos:
¿Cómo surge la elección de esta carrera? ¿Espontáneamente? ¿Es la respuesta a un
impulso? ¿Es la elegida entre otras alternativas? ¿Responde a la pasión por las artes
plásticas? ¿Es una decisión provisoria, a modo de prueba, para conocer de qué se trata? ¿Es
una definición largamente elaborada?
La vocación no es una decisión mágica sobre una actividad que desarrollaremos el resto de
nuestra vida, sino que es una decisión pensada, elaborada, que trata de conjugar nuestras
preferencias, nuestras posibilidades con lo que el contexto nos ofrece. Es el punto de
encuentro entre lo que nos gusta hacer y lo que es posible realizar en las condiciones
concretas de nuestra existencia.
Entendemos a la vocación como un proceso de construcción personal, que requiere un
diálogo íntimo con uno mismo e implica tomarse el tiempo necesario para hacerlo. Este
diálogo lleva a la identificación de recursos personales, gustos, intereses, aquellos que
constituyen las posibles vocaciones y su correlato ocupacional.
Como tal, es una construcción permanente que no tiene fin, donde participan una variedad
de factores, como son los aspectos subjetivos, con sus intereses, gustos y autopercepción;
aspectos interpersonales, como la influencia de los ideales de los referentes y de la familia;
aspectos sociales relacionados con la valoración, con el lugar que nuestra sociedad asigna a
las diferentes carreras y oficios, y las posibilidades laborales entre otros.
De este modo, uno de los propósitos de este curso de ingreso, es destinar una jornada para
reflexionar sobre la elección de la carrera, donde se procura generar un espacio que permita
hablar acerca de las preferencias, intereses y aptitudes personales, como también de las
posibilidades y las limitaciones que ofrece dicha carrera. En esta reflexión se ponen en juego
tres ámbitos: el personal, vinculado a intereses, capacidades y habilidades; el institucional,
concerniente a las características de las carreras y el perfil profesional; y el estratégico, en
referencia a algunas estrategias y hábitos de estudios necesarios para el nivel superior.
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Consideramos además, que el trabajo en grupo es óptimo para esta temática, ya que se
intercambian opiniones, se comparten momentos con personas que tienen las mismas
dudas o que pasan por experiencias similares y es el ámbito en el que se explicitan
inquietudes, ansiedades, dudas.
A continuación sugerimos algunas actividades, en las que hacemos hincapié en los aspectos
informativos y en trabajos grupales. Los profesores las organizarán de acuerdo a las
necesidades específicas del grupo.
Propósito:
Profundizar el conocimiento de cada una de las carreras artísticas de la Institución.
Reflexionar sobre la elección realizada, analizar con la información obtenida para
elaborar una visión más certera.
Actividades
Trabajo Individual (no presencial)
Lean atentamente el texto anterior.
Escriban brevemente cómo fue el proceso de elección personal
Las siguientes afirmaciones pueden orientar el análisis
¿Es clara mi orientación vocacional?
La vocación se construye a partir de la historia personal, las experiencias, los gustos, la
forma de ser, la identidad. No es algo predeterminado, rígido e inflexible, sino que tiene
que ver con los intereses, con la pasión o atracción por algo definido o por varias cosas
simultáneamente, es decir, hay un componente afectivo en la elección.
¿Cómo soy?
Es el conocimiento personal, las preferencias, inclinaciones, aptitudes con que cada uno
cuenta. Si pensamos en la propia trayectoria escolar, cuáles eran las materias preferidas, en
cuáles he obtenidos buenos resultados, en cuáles no, cuáles son los hábitos de estudio; que
espera la familia, como nos ven los otros, los amigos; cuáles son las propias expectativas,
etc.
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¿Qué aptitudes tengo?
Además de las preferencias e intereses, se deben añadir habilidades, aptitudes y
capacidades personales.
¿Cómo me veo en el futuro o como quién quiero ser?
En los procesos de elección influyen modelos o personas que hemos conocido a lo largo de
nuestras vidas. Podemos admirarlas, sentir identificación y querer llegar a ser lo que ellas
son, como también podemos sentir y querer todo lo contrario.
¿Qué conocemos de la carrera?
Es la información externa, se trata de averiguar sobre los planes de estudio, los requisitos, la
modalidad de cursado, cuales son las materias troncales del plan, como se evalúan, cuál es la
posibilidad de inserción laboral que tiene la carrera, etc.
En las siguientes páginas encontrarán más información sobre las carrera artística de nuestra
institución y podrás completar la indagación a través del diálogo con los distintos profesores.
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Nos conocemos
Desde el principio de los tiempos hombres y mujeres se agruparon para sobrevivir, recrear y
transformar el mundo en que vivían comprendiendo lentamente que el camino de su
desarrollo pasaba inevitablemente por el contacto social y la necesidad de organizarlo
creadoramente.
Has elegido una carrera en la que no cabe el aislamiento. Como estudiante deberás ir
desarrollando el sentido de pertenencia a la institución y a tu grupo de estudio… aprender a
comunicarte, a escuchar a los demás, a compartir y cooperar con los otros.
Los propósitos en esta instancia se orientan a promover el conocimiento entre los miembros
del grupo, reflexionar sobre la importancia de la elección de la Carrera en la vida personal, e
identificar algunos factores que inciden en la elección de la Carrera.
Actividades
Trabajo presencial
Presentación de los profesores.
Presentación de los estudiantes: En grupos, se presentarán entre sí: nombre,
edad, apodo, lugar de residencia, estudios anteriores, trabajo, otras actividades
que realicen, experiencias vinculadas a las Artes o las Artesanías, algo que deseen
compartir con el grupo, entre otras.
Puesta en común sobre lo dialogado
En este proceso de elección Vocacional es preciso conocer todas las posibilidades en
profundidad para que elijas y te sientas a gusto con la Carrera que sigas, de acuerdo a tus
intereses, aptitudes y expectativas. Además es la etapa propicia para que aclares tus dudas y
puedas enfrentar tus temores.
Confrontación: Acción de poner una cosa frente a otra para averiguar, por oposición. En este
caso, el autoconocimiento y la información de la carrera.
Se compara lo que uno es con lo que la carrera ofrece y exige.
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Para obtener mayor información sobre la carrera elegida, los docentes a cargo del grupo
explicarán las características de la carrera. Pueden realizar preguntas referidas a los
contenidos, materias o disciplinas a aprender, duración de la carrera, requisitos, cómo es la
vida estudiantil, exigencia de la institución, trabajo y estudio, futuro laboral, etc.
A continuación te presentamos nuestra Carrera
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Profesorado de ARTES VISUALES
“El arte supremo del maestro es despertar el placer de la expresión creativa y el
conocimiento”
(Albert Einstein)
Perfil del egresado
La tarea del/la profesor/a de Artes Visuales es un trabajo profesional
institucionalizado, que se lleva a cabo en diversos ámbitos de la sociedad, en el
marco de la construcción colectiva de intereses públicos, de significados y
aspiraciones compartidas y del derecho social a la educación. Ello implica la necesaria
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autonomía y responsabilidad para la toma personal de decisiones para enseñar.
Entendida como una actividad comprometida, simbolizante, enriquecedora, que
permite construir espacios de producción compartida y colaborativa en las
instituciones en las que la labor del equipo pueda primar por sobre el trabajo
individual y aislado. Esto exige integrarse con facilidad en grupos, con el fin de
reflexionar sobre el aprendizaje, nuevos modelos didácticos y problemáticas
compartidas para superarlas en forma creativa y colectiva.
El Profesorado de Artes Visuales apunta a la formación de un profesional docente
capaz de adaptarse activamente, desde su praxis, a las variables y características del
contexto socio cultural; apto y competente para promover el desarrollo de sujetos
también competentes, con las connotaciones formativas en lo cognoscitivo, motriz,
afectivo y social, tomando como eje el lenguaje visual y la dimensión que esta
formación supone e implica.
En este marco, se aspira a formar un/a profesor/a de Artes Visuales que sea a la vez
persona comprometida, mediador intercultural, animador de una comunidad
educativa, promotor del respeto a la vida y a la ley en una sociedad democrática.
A través del presente currículo se pretende formar un docente con capacidad para:
Asumirse como un ser autónomo, comprometido con la realidad
sociocultural en la cual está inserto, que pueda:
Reflexionar sobre su propia historia y experiencias.
Aceptar sus limitaciones y optimizar sus posibilidades.
Concebirse como un sujeto en proceso de construcción dinámica.
Establecer vínculos basados en el respeto y valoración recíprocos.
Valorar a los otros como sujetos, sociales e históricamente constituidos o en
proceso de constitución.
Participar activa y democráticamente en la vida institucional y comunitaria.
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Fortalecer la identidad nacional atendiendo a las idiosincrasias locales,
regionales y provinciales a través del acercamiento a las producciones de las
artes visuales representativas de su cultura.
Abordar las dinámicas y las problemáticas propias de la educación en artes
visuales con solvencia, idoneidad y ética.
Desarrollar creativa y críticamente sus aspiraciones, aptitudes y
potencialidades artísticas, intelectuales, afectivas y éticas.
Construir dinámicamente una identidad como profesional docente que le
permita:
Estimar la Educación Artística como ámbito privilegiado para el desarrollo de
capacidades vinculadas a la interpretación critica de la realidad socio-histórica
y a la producción cultural-identitaria en el contexto argentino y
latinoamericano.
Desarrollar prácticas pedagógico – artísticas que permitan un acceso mas
justo a los recursos materiales y simbólicos de la cultura, configurando
subjetividades y sentido de pertenencia.
Promover el aprendizaje y el desarrollo cognitivo, social, afectivo y motriz de
los sujetos a su cargo.
Diseñar e implementar prácticas educativas pertinentes y acordes con la
heterogeneidad de los sujetos y sus contextos, siendo capaz de desempeñar
sus tareas en realidades diversas (espacios urbanos, suburbanos, rurales y
naturales), demostrando atención y respeto por la diversidad de
características y condiciones relacionadas con el idioma, las formas de vida de
la familia y el entorno comunitario.
Integrar en la tarea educativa a la comunidad propiciando comunicaciones
fluidas, diálogos constructivos y respeto mutuo en la búsqueda de criterios
compartidos acordes con los principios formativos de cada nivel.
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Trabajar en equipo con otros profesionales, elaborar proyectos institucionales
compartidos y participar y proponer actividades propias de las instituciones
de la comunidad.
Desarrollar el pensamiento divergente, la capacidad expresiva y comunicativa,
la sensibilidad estética y la valoración del patrimonio cultural y natural.
Adoptar una actitud crítica sobre su acción, reflexiva y siempre abierta al
cambio y estar dispuesto a indagar, replantear y resignificar situaciones,
conceptos o decisiones de la práctica profesional.
Desplegar prácticas profesionales en las cuales manifieste la capacidad para:
Desempeñar la docencia en Educación de las Artes Visuales en los niveles
Inicial, Primario y Secundario, en todas las modalidades del Sistema Educativo
Obligatorio y en la formación especifica en arte desarrollada en instituciones
de educación artística y organizaciones afines.
Reconocer el sentido socialmente significativo de los contenidos propios de la
educación de las Artes Visuales de cada nivel educativo, a fin de asegurar su
enseñanza, con el fin de profundizar las experiencias sociales extraescolares y
fomentar nuevos aprendizajes.
Poseer un sólido conocimiento disciplinar y desarrollo de capacidades
vinculadas a la producción artística, la reflexión crítica y la contextualización
socio-histórica que le posibiliten mediar situaciones de enseñanza desde la
praxis artística.
Dominar conocimientos pedagógicos y didácticos de las artes visuales, que le
permitan fundamentar teóricamente sus prácticas pedagógicas enmarcadas
en las diferentes concepciones sobre conocimiento, arte y educación.
Diseñar e implementar estrategias de enseñanza de la Educación de las Artes
Visuales, que favorezcan el desarrollo de competencias de interpretación
estético–artística, acordes a los niveles y ciclos de escolaridad, las
características de los estudiantes/as, sus contextos de pertenencia, sus
saberes previos, sus necesidades e intereses.
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Facilitar los aprendizajes a través de estrategias didácticas que resulten
relevantes, para el contexto social y cultural particular de los sujetos, y que
alienten la exploración y producción, desde una actitud centrada en la
búsqueda de posibles alternativas que promueva el desarrollo de la
creatividad.
Utilizar diversas alternativas de producción artística, abarcando el desarrollo
tanto de propuestas tradicionales como de otras experiencias que involucren
la integración de lenguajes y el empleo de nuevas tecnologías.
Diseñar, gestionar y evaluar proyectos socio-comunitarios en el ámbito de las
Artes Visuales que promuevan la cultura.
Conformar equipos de trabajo multidisciplinario que le permitan participar en
la elaboración y concreción de proyectos que integren lenguajes artísticos.
Actividades
Trabajo grupal: (presencial)
Elaboren un acróstico con las palabras o términos que dan el nombre a la
carrera elegida por el grupo, PROFESORADO DE ARTES VISUALES expliciten
opiniones, conceptos, percepciones sobre el tema tratado.
Un acróstico (del griego ákros: extremo, y stikhos: línea o verso) es una composición poética
o normal, que corresponde a un grupo de frases, palabras o versos, cuyas letras iniciales,
medias o finales, leídas en sentido vertical, forman una palabra, una frase, un nombre. Por
extensión se llama también acróstico a la palabra formada por esas letras (ver ejemplo)
A partir del nombre de la carrera elegida, expresen todo aquello que le sugieren las palabras
que consideren que tenga que ver con el tema tratado en la jornada. (Confrontación
vocacional: elección personal y características de la carrera). El grupo registra las ideas,
palabras claves, frase, que surge de las reflexiones como producto de la actividad realizada.
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Una vez que tienen las palabras, comienza el trabajo con ellas, se vinculan, se asocian, se
forman categorías complementarias para ir seleccionando los principales conceptos u
opiniones del grupo sobre el tema tratado. Una vez finalizada la escritura, se puede
explicitar el porqué de tal o cual palabra, en la búsqueda de sentidos. Puesta en común: Se
realiza un cierre con los ejes que surgieron, producto del trabajo conjunto.
A modo de ilustración:
Cuadernillo de ingreso 2009, Artes Visuales. Faduncu. UNC. Material mediado y procesado por: Doña, Laura Cecilia y Meljin Mariela. Departamento de publicaciones. 2008. PRADA, gloria, HERRERA, Alicia (2003) Curso de ambientación Aula Satélite de la escuela Normal Superior 9002, Lavalle- Inédito MOSCA DE MORI, Aldo. , SANTIVIAGO, Carina (2010). Conceptos y herramientas para aportar a la orientación vocacional ocupacional de los jóvenes. Univ. La República, Uruguay .http://www.inju.gub.uy
Texto 1
La Obra de Arte: Teoría, función y actualidad.
Punto de Partida
Una civilización se define por la manera en que concibe y explica el mundo y la vida, la
colaboración que a su establecimiento prestan religiones y filosofías, la ilustración que el
Arte ofrece de ellas y el sistema de valores que suscita y anima.
Queremos acercarnos al Arte como expresión del hombre. Conocer su obra artística será
conocer al hombre, su contexto, ya que partimos de la hipótesis de que el arte es testimonio
de una cultura, o incluso una de las formas que el hombre tiene de manifestarse. Sin
embargo, la obra de arte no se manifiesta como una pura creación del hombre, iremos
viendo como nace condicionada por diversas circunstancias: el lugar, el tiempo, la economía,
los avances técnicos… intervienen en el proceso artístico.
A_ _ _ R_ _ _ _ _ _ T_ _ _ E_ _ _ _ _ _ _ _ S _ _ _ _ _ _ _ V_ _ _ _ _ _ I_ _ _ _ _ _ _ _ S_ _ _ U_ _ _ _ _ _ _ A_ _ _ _ _ _ L_ _ _ _ _ _ _ _ E_ _ _ S _ _ _ _ _ _ _ _ _ _
_ _ A_ _ _ _ _ _ _ R_ _ _ _ _ _ _ _ T_ _ _ _ _ _ _ E_ _ _ _ _ _ _ _ S _ _ _ _ _ _ _ V_ _ _ _ _ _ I_ _ _ _ _ _ _ _S_ _ _ _U_ _ _ _ _ _ _A_ _ _ _ _ _ _ L_ _ _ _ _ _ _ _E_ _ _ _ _ _ _S _ _ _
Arbol de palabras Cordon de versos
Racimo de imaginación Osas ser distinto,
Sí que lo eres
Tomas palabras del mundo Intentas enamorar
Compartes tu desdicha
O tu felicidad
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Aceptamos que el artista parte de una realidad múltiple (natural, social, intelectual,
psíquica…) y realiza una selección a partir de su sensibilidad. Tras esta selección, el artista
inicia el proeceso de creación de “formas”: palabras en el poeta/escritor: líneas, colores,
volúmenes en el arquitecto, pintor y escultor; sonidos en el músico. Por otra parte, la obra
de arte nace a partir de “la circunstancia” del artista y renace cuando el espectador capta
esa realidad transmitida en lenguaje artístico, cuando siente la emoción que provoca el Arte.
El Concepto de Arte
Evolución del término ARTE
La significación de este término ha sufrido una alteración desde la Antigüedad a nuestros
días. “Arte” es un término que etimológicamente proviene de la palabra latina ars, que, a su
vez, es una traducción del griego tecné.
En Grecia, Roma, La Edad Media y hasta el Renacimiento, el Arte es tecné:
destreza para “construir” (hacer, producir, mandar, dominar) El término “arte” se
aplicaba a todos los campos de la vida, el arte del bien morir, el arte del buen
gobierno, el arte militar, el arte de fortificar, y no sólo a las bellas artes.
En Grecia, es un concepto relacionado con la habilidad técnica (destreza manual) o mental
para realizar ciertas actividades a partir de unas normas y reglas establecidas. En él se
incluían tanto la obra de un arquitecto o la de un escultor, como la de un carpintero,
zapatero o herrero: todos eran maestros y sus actividades eran “arte”. No existía “arte” sin
reglas; así lo afirmaba Platón al decir: El arte no es un trabajo irracional (Gorgias). En
consecuencia, en el campo del arte entraban tanto las artes que hoy llamamos utilitarias –
los oficios manuales- como las bellas artes. Aristóteles lo define como la habilidad en
ejecutar algo; los sofistas, como “sistema”. Se trata, pues, de una artesanía y de una
actividad intelectual.
La Edad Media distinguirá entre artes liberales y artes mecánicas. Es también una
división heredada del pasado y realizada en razón a si en un ejercicio dominaba el esfuerzo
mental o el trabajo físico: era “liberal” si estaba libre de esfuerzo físico, y era “vulgar-
mecánica” si lo requería.
Ars era la clase de arte más perfecta; dentro de las artes sólo aparecen la música
(entendida como teoría de la armonía) y la arquitectura. Escultura y pintura no
aparecían ni como liberales ni como mecánicas, sobre todo porque se consideraban
poco útiles y, además, ”innobles”, por estar basadas en el esfuerzo físico y los oficios
manuales, de rango muy inferior a las siete artes liberales.
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En el Renacimiento se hace más evidente la separación entre las bellas artes de los oficios o
artesanías y de las ciencias.
En esta selección, la pintura y la arquitectura aparecen ya segregadas de las artes mecánicas,
y se incluye la poesía, que ni siquiera se había considerado arte hasta entonces. En el
Renacimiento comenzó a valorarse la belleza y, por consiguiente, aumentó la valoración de
sus hacedores. Se aboga por la separación entre artesanos y artistas, considerando que las
acciones de estos últimos, basadas en el estudio de leyes y reglas, eran propias de eruditos.
Estas artes reciben diferentes nombres: arti del disegno (subyacente está el pensamiento de
que el dibujo es un vínculo común), “artes nobles” e incluso “bellas artes”.
Desde el punto de vista de la evolución, es importante destacar que en el siglo XVI la pintura,
la escultura, la arquitectura, la poesía, el teatro y la danza se agrupan formando una unidad,
diferenciándose de las artesanías y las ciencias. Cierto es que todavía no está muy claro cuál
es el vínculo de unión, aunque empieza a apuntarse como tal la belleza.
Desde mediados del siglo XVIII, asistimos a un cambio en la evolución del
concepto de arte: primero, significará producir belleza, y productos bellos
serán los producidos por las artes incluidas en el concepto de “bellas artes”.
Este concepto fue creado por Charles Batteaux (1747), en su lista de siete, se incluyen
como bellas artes: la pintura, la escultura, la arquitectura, la danza, la poesía, la música y la
retórica (o elocuencia). Para Batteaux, todas estas artes son miméticas o imitativas.
Hasta el siglo XIX no quedarán definitivamente delimitados los ámbitos de las bellas
artes, de los oficios (o artesanías) y de las ciencias. En este momento, el ámbito de las bellas
artes se restringe al de artes visuales, las ya conocidas “artes del diseño” (pintura y
escultura), excluyéndose la poesía o la música. Que serán incluidas en el campo de las
“bellas letras”.
Pero, a finales de la centuria, y desde principios del siglo XX, con la aparición de nuevas
corrientes en el arte (dadaístas y surrealistas), se otorga la calificación de “objetos de arte” a
las cerámicas, los muebles, y a nuevas áreas de expresión, como la fotografía.
Se produce ahora un cambio más profundo: la belleza deja de ser una característica del
arte, ni siquiera será un rasgo indispensable. Y, sí hasta ahora presuponía que el arte era una
actividad netamente humana, con la aparición de la fotografía y el inevitable empleo de la
cámara, esta afirmación entra en crisis.
En el siglo XX se incorporan al mundo del arte una serie de objetos/obras procedentes de
campos de expresión diferentes a los de bellas artes de Batteaux: la imagen fotográfica
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(fotografía y cine), el video –arte, el anuncio, la imagen sintetizada por ordenador, e incluso
la imagen virtual. Estos hechos obligan a ampliar el concepto de arte.
Figueroba Figueroba, Antonio y Fernández Madrid, María Teresa. En “Historia del Arte 2° de bachillerato”,
Madrid. Mc Graw-Hill. 1996.
Actividades
Trabajo Individual (no presencial)
Lean atentamente el texto N°1.
Anoten en el margen las ideas que les surjan a partir de su lectura.
Marquen los párrafos que les hayan parecido más interesantes.
Trabajo grupal (presencial)
Intercambien opiniones con la profesora y los compañeros de clase..
Comenten en grupo qué conocimientos previos pueden vincular con el
texto, cuáles son los nuevos aportes, los términos desconocidos, entre
otros.
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INTRODUCCIÓN A LAS ARTES VISUALES Y A LOS LENGUAJES ARTISTICOS
En la comunicación visual el sistema de representación es universal. Líneas, formas, colores,
texturas y espacio forman imágenes que comunican algo: ideas, información, sugieren o
transmiten sensaciones o emociones.
La experiencia perceptual es para el hombre fundamental, para el conocimiento de hechos y
de objetos que lo conectan con su mundo y con los demás, datos que le son únicos y que le
pertenecen exclusivamente, a su vez le permiten elaborar conceptos, hechos e imágenes
que lo vinculan nuevamente con su contexto y sus congéneres en un permanente
aprendizaje y en enriquecimiento creativo.
Conocer las estructuras básicas que organizan todo hecho visual y los elementos plásticos
básicos utilizados en la producción de imágenes, constituye una herramienta para el
quehacer artístico. También nos permiten comprender obras de distintas épocas, desde las
tradicionales, como la pintura, el dibujo, la escultura y el grabado, hasta las
contemporáneas como la fotografía, el video arte, las instalaciones, las performances, las
intervenciones, producciones multimediales, el ciber arte, etc.
Para producir plásticamente, para hacer una imagen, se necesita contar con materiales,
herramientas y además saber dominarlos. El valor artístico de una obra no depende de los
medios utilizados por el creador, sino de la manera que éste los utiliza.
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Texto 2
LENGUAJES PLÁSTICOS
Técnicas y materiales en la historia del arte
“Mirar el pasado para encontrar modelos formales y
emocionales, y hacia el futuro para hallar patrones sociales
relacionados con el pasado, mientras permanece
firme enraizado en las necesidades del presente” 1
Abordar la problemática específica del uso de los materiales y las técnicas en el campo del
arte, requiere a mi modo de ver una revisión de los mismos a lo largo de la historia del arte.
En un mundo desbordado de imágenes, donde éstas ocupan un lugar preponderante en la
sociedad actual, superando lo lingüístico (en algunos casos), es sumamente importante
acercarnos a ella, a su autor, al contexto en el que se lleva a cabo y promover nuevas
interpretaciones expresivas y / o analíticas.
Las técnicas, los materiales (entre otros) y su aplicación, fueron elementos de algún modo
condicionantes para determinar los distintos géneros, desde las primeras manifestaciones
realizadas por la humanidad.
El concepto de género tiene en el arte dos acepciones diferentes, aunque relacionadas. En
primer lugar suele usárselo para denominar a las diversas artes: arquitectura, escultura,
pintura, música, poesía, teatro, danza, cine, etc. En segundo lugar se lo vincula, dentro de
un arte en particular, a diferentes temáticas abordadas, así por ejemplo, se habla dentro de
la pintura de distintos géneros: el retrato, el paisaje, el bodegón, etc. En el ámbito del teatro
se habla de comedia, tragedia, etc. Tomaremos el término género en el primer sentido,
como sinónimo de disciplina.
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Es así que los géneros de la escultura y la arquitectura impusieron por mucho tiempo la
utilización de materiales considerados nobles como: mármol, bronce, materiales preciosos,
madera, cemento, etc.
La pintura desde su surgimiento en las cavernas y la utilización de pigmentos naturales,
luego de servir de ornamentación y adoctrinamiento en las iglesias (Románico) hasta
independizarse del muro, con la pintura de caballete en el Renacimiento y la utilización de la
perspectiva (técnica que se estructuró de acuerdo con las apariencias de la percepción
ocular, aunque entró en decadencia en el siglo XIX, sigue condicionando nuestra manera de
captar lo visible) y la incorporación del óleo (permitió la representación precisa de la forma
con incomparable brillo y transparencia) constituyeron rasgos significativos del pensamiento
y de los acontecimientos sociales, políticos y tecnológicos de cada época.
El grabado aparece en occidente a mediados del siglo XIV, desempeñó una función
ilustrativa y documental (antes que la fotografía). Se presentó como una herramienta eficaz
para la difusión del pensamiento.
A la inversa del arte académico o tradicional, el arte Moderno y el Contemporáneo han
explorado las nuevas posibilidades que ofrece toda suerte de materiales, hasta entonces
rechazados, desde los productos industriales hasta los desechos del consumo.
La dimensión propiamente mental del arte implica una mirada reflexiva de éste sobre sí
mismo, su naturaleza y su teoría. Marcel Duchamp fue quien planteó la pregunta decisiva
sobre los límites del arte a través de sus ready- mades. Pues el arte une espacios fronterizos;
tanto que, junto con el cine (el séptimo arte), la música y el teatro, compromete su estética
propia en las performances, las sesiones de happening o de body art.
1 - PATERNOSTO, Cesar. (1989) La Piedra Abstracta; La escultura Inca: Una visión contemporánea. Bs. As.Fondo de Cultura
Económica. P. 103.
Actividades
Trabajo individual
Realicen lectura comprensiva.
Subrayen las palabras claves o ideas principales del texto.
Trabajo grupal
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Observen imágenes seleccionadas por los docentes relacionadas con el
texto.
Intercambien ideas y apreciaciones con el profesor y los compañeros.
Texto 3
LA OBRA DE ARTE A PARTIR DEL SIGLO XX De moderno a contemporáneo Hasta el siglo XIX, la tradicional división de las artes contemplaba, con distinta valoración, la
existencia de un número limitado de géneros artísticos. Esta distinción, que hoy
denominamos “tradicional o académica” 2 separaba los géneros en dos grandes grupos:
“artes mayores y menores”3. El criterio de la división está basado en la finalidad puramente
estética o estético-práctica de los productos artísticos. Así las artes mayores o bellas artes
que centran su interés en la producción puramente estética son: literatura, música, danza,
pintura, escultura y arquitectura. En tanto que las artes menores, llamadas también artes
decorativas o artes aplicadas tienen una función eminentemente práctica: la cerámica, la
orfebrería, las artes del mobiliario, la jardinería, la herrería artística, la cristalería, etc.
La invención de la fotografía y más tarde la del cine, el video y la computadora, cuya
existencia está enraizada en la tecnología, hizo posible la aparición de nuevos recursos para
el artista, que vinieron a cubrir la necesidad de nuevas expresiones. Estas manifestaciones,
que no se encuadran en el esquema tradicional, pusieron en crisis la clasificación de los
géneros vigentes. El arte ampliaba el horizonte de sus posibilidades expresivas con la
incorporación de nuevas técnicas que daban lugar a producciones diferentes, las que
difícilmente se dejaban encuadrar en la clasificación de géneros vigentes. La clasificación
entró en crisis, y con ella también las ideas de arte y de obra.
Corresponde dar aquí algunos ejemplos: el cubismo que se desarrolla en los primeros años
del siglo XX, tiene como objetivo principal alejarse de la representación naturalista.
Abandonan la perspectiva y el único punto de vista y buscan plasmar en el cuadro un objeto
visto desde ángulos diferentes simultáneamente. También introducen la técnica del collage,
donde entran en la obra objetos prefabricados de uso diario. La pintura, como
representación de la realidad en un espacio de dos dimensiones, se confunde con la
escultura, que hasta entonces era una representación tridimensional.
Kandinsky investigó los medios de reencontrar la función espiritual del arte a través del
color y de la composición abstracta. Construyó una teoría de la pintura abstracta, de allí en
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adelante el color y la forma liberados estallaron en composiciones dinámicas cuyo
equivalente solo es posible encontrarlo en la música.
Marcel Duchamp fue el artista que preparó el terreno para una reflexión sobre el arte del
siglo XX, probablemente sus obras hayan sido declaradas “arte” debido a la separación del
objeto de su marco funcional o por causa del juicio público.
Su compromiso ante todo consistía en oponerse al “arte retiniano”, es decir a lo decorativo
y a la hegemonía de lo visual. Los ready- mades, objetos arrancados de la esfera de lo
cotidiano y del consumo, entraron de manera abrupta a los museos.
El inicio de la década de 1960, en los países occidentales, marcó el desarrollo de la sociedad
de consumo, de la cual una generación de artistas tomó prestada una imaginaría renovada.
El pop art marcó el fin del expresionismo abstracto y el comienzo de la cultura de masas.
Artistas como Andy Warhol, Roy Lichtenstein, Claes Oldenburger entre otros introdujeron
tiras cómicas, la señalética urbana, la publicidad, etc. al ámbito de la pintura.
El arte conceptual y el minimalismo surgieron en Estados Unidos a mediados de los años
60, y mantuvieron una similitud en el aspecto formal. Sin embargo, mientras el primero
tendía a hacer de la obra el soporte del pensamiento, el segundo vinculaba íntimamente los
objetos con el espacio y el espectador. Para los artistas conceptuales sólo contaba la
intención del artista, aquella que surgía de su espacio mental privado. La obra ya no debía
considerarse por sí misma, sino en cuanto soporte necesario de una definición del arte,
siempre nueva. Los artistas conceptuales utilizaron medios considerados “transparentes”, ya
que podían reflejar directamente el concepto, pues no apelaban a una contemplación de la
materialidad de la obra. Estos medios eran principalmente la escritura y la fotografía, eran
considerados “neutros “en los que la forma importaba poco, y que se alejaban del “objeto
de arte” para transmitir solamente el pensamiento. En cambio la obra minimalista no remite
a la interioridad del artista, el arte minimal no presenta ninguna destreza: los objetos, lisos e
impersonales, son producidos de manera industrial. La obra se desprende de todo rastro del
acto creador, puede abrirse al espectador, ya que el arte minimal se aprende corporalmente.
Años más tarde la moda y el mobiliario reutilizaron estas formas simples, para hacer de ellas
un símbolo sobrio de fines del siglo XX.
_____________________________________
2 Y 3 - VICENTE, SONIA. (2006). Arte Fotográfico y Arte en Fotografía. Comentarios a la obra de Walter Benjamín.
Inédito.
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Las instalaciones nacieron para superar los límites de la pintura y la escultura, creando así
una nueva forma de arte, independiente y autosuficiente. Tiene sus antecedentes en los
ensamblajes de la década del 50 y en las ambientaciones de los artistas pop del 60. La
instalación es una obra única que se genera a partir de un concepto y/o una narrativa visual,
creada por un artista en un espacio concreto. Requiere la participación del espectador, pero
no para vivir episodios sino para descifrar mensajes o rescatar ideas. Al observar la obra
desde distintos ángulos la percepción se convierte en un proceso. Y al adueñarse de esta
dimensión adicional, las instalaciones refuerzan el valor de la experiencia directa, inmediata,
algo que ninguna reproducción fotográfica y aun televisiva puede sustituir. Las instalaciones
son el tipo de obra más representativa del siglo XX y resumen o es el resultado de las ondas
transformaciones que asumió el arte en estos cien años. El artista que da nombre a este tipo
de arte es el norteamericano Dan Flavin con sus obras espaciales hechas con tubos
fluorescentes.
El arte póvera tiene su origen en Italia a fines de la década del ’60 y principios del ’70. Utiliza
materiales humildes, no industriales, como las plantas, tierra, troncos, grasa, cuerdas, etc.
No reconstruye al objeto, cada material determina sus propiedades plásticas en atención a
sus propiedades físicas.
El arte ecológico o land art es una manifestación americana que acentúa el proceso y la
transformación de la obra de arte en el tiempo; con temáticas como la polución, la
superpoblación, la supervivencia, etc. Existe un interés de los artistas de abandonar la
obsesión por el consumismo, los medios de comunicación, llevando su mirada hacia la
naturaleza, la mitología, y la ecología. El paisaje natural se convierte en OBJETO Artístico.
Este uso metafórico de la naturaleza, para algunos artistas está dado por el cambio,
evolución y crecimiento de los materiales utilizados o por la acción humana, la necesidad de
subrayar la noción de lo efímero en dicha obra. Las herramientas que utilizan para crear sus
obras van desde las más complejas como camiones, topadoras, etc., para realizar el traslado
del material o las inmensas excavaciones, demarcaciones y acumulación de tierra; hasta las
más simples; como las que realiza Richard Long y en las que utiliza materiales como hierbas,
piedras y algas marinas. Continuando con la tradición británica de los círculos celtas, lleva a
cabo estas intervenciones, en solitarios paisajes que luego fotografía.
Los rituales e intervenciones sobre el cuerpo: body art, performances y happening.
Algunos artistas decidieron volver contra ellos mismos el gesto creador, y mezclando ironía,
provocación y sacrificio, establecieron una ruptura con la imagen de un cuerpo socializado.
El cuerpo es el elemento fundamental. En los comienzos de este tipo de manifestaciones
artísticas se evidenciaron temas como la sangre, el sufrimiento y el sacrificio, involucrando el
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cuerpo del artista en su obra como prueba y testimonio de las restricciones inconscientes
inherentes al comportamiento social. El objetivo era lograr una comunicación no verbal,
directa y emocional.
En el video arte los artistas encontraron la posibilidad de disponer sin restricciones de
la imagen en movimiento. Permite crear imágenes simultáneas, se hace presente en ellas el
tiempo real, el de la cuarta dimensión artística (espacio-tiempo) y la capacidad narrativa; se
dan en ellas el principio de pluralidad de medios y recursos, al igual que en las
videoinstalaciones.
La intervención es un término utilizado en las manifestaciones artísticas de los últimos
años. Esta acción de tomar parte en un asunto artístico se ha realizado frecuentemente a lo
largo de la Historia del Arte. Sobre objetos, fotografías, acciones en espacios urbanos, o
alejados de los mismos. Tiene su antecedente en los ready made, en el pop art y en las obras
de carácter efímero como el land art o las performance.
La nueva revolución tecnológica que hemos vivido en los últimos años ha creado nuevos
objetos y nuevos términos, pero también ha dotado de nuevos sentidos a los viejos
conceptos. Éste es el caso del arte, que en el universo virtual ha mutado a ciber-arte (arte
digital, web-art, mail art y otras expresiones que circulan a través de Internet, y los
dispositivos informáticos). En primer lugar, (y hablamos pensando en las artes plásticas) es
posible observar un cambio de espacio. No se trata ya del espacio “objetivo” de lo real, ni del
espacio “subjetivo” interno que hay en cada uno de nosotros, se trata ahora de un espacio
“virtual”, este curioso espacio es de naturaleza diferente, no tiene una existencia física, y por
tanto la obra no ocupa un “lugar”, no es un “objeto” en el sentido en que estamos
acostumbrados a pensar los objetos. Por otra parte resulta difícil clasificarla dentro de un
género artístico determinado, ¿Es pintura? ¿Es grabado? ¿Es dibujo?, el ciber-arte
encuentra puntos en común con cada uno de ellos, pero a la vez se diferencia
enormemente; parece (y cada vez parece más) no ser ninguna de estas cosas.
La ciber-obra a diferencia de una escultura o de un cuadro al óleo tradicional, no es un
objeto del mundo externo, no tiene una entidad física propia; ni la necesita, pues en verdad,
su verdadero sentido está en haber sido creada en la máquina para que circule a través de
ella y pueda ser considerada por las multitudes que diariamente se conectan a la ciudad
telemática.
Cualquier ciber-viajero puede apropiarse de la obra y alterarla, el artista deja de ser un
creador individual para transformarse en un autor colectivo. En el universo virtual artista y
receptor, producción y consumo, se funden y confunden. Todos podemos ser artistas: el
arte, finalmente, se ha democratizado, aunque de un modo muy distinto de aquel soñado
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por la utopía de Marx. La tecnología ha modificado también nuestro imaginario y nuestra
percepción: nos hemos acostumbrado a la heterogeneidad, a la discontinuidad y a la
fragmentación.
Actividades
Trabajo Individual (No presencial)
Lea el texto en forma global.
Busque en el diccionario u otros medios los términos que desconoce.
Organice los sucesos artísticos de manera cronológica.
Elabore un resumen del texto. Pueden escribirlo haciendo referencia a
los momentos históricos, a los movimientos artísticos, etc.
Trabajo grupal (Presencial)
Compartan las síntesis elaboradas y reflexionen en grupo sobre la figura
del artista y el rol del docente de Arte en la sociedad actual
(latinoamericana, argentina y mendocina).
Realicen una producción plástica colectiva vinculada a alguno de los
movimientos artísticos mencionados en el texto.
BATISTOZZI, Ana María (2004). ¿Y dónde está el artista? En Revista Ñ. Clarín, revista de cultura 36, p.26-29.
COLOMBRES, Juan (1991). Desmitificaciones y resignificaciones para una teoría de la cultura y el Arte de América. En: ACHA,
Juan, COLOMBRES, Adolfo, ESCOBAR, Ticio. Hacia una teoría Latinoamericana del Arte. Buenos Aires. Ediciones del Sol.
FERNANDO GARCIA. (2006). Lo que vendrá. Arte y Técnica. En Revista Ñ. n.160, p.33-43.
ANDREA GIUNTA. (2007). La era del gran escenario. En Revista Ñ. n.172, p.18-22.
GLUSBERG, Jorge (1994). El arte de la instalación; Lugar creado y lugar creador. Museo Nacional de Bellas Artes.
MARCHAN FIZ, Simón (1997). “Arte Povera y Land Art”. En su: Del Arte objetual al Arte de concepto; Epilogo de la
sensibilidad posmoderna. p.211-221.
Texto 4
La máquina no hace el arte
Los instrumentos de realización en arte
La frase “la máquina no hace el arte” contiene encapsuladas ideas con frecuencia
inadvertidas. Brevemente, afirmo que los programas infográficos, los automatismos
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diseñados para generar imágenes, sonidos, aun los programas generados por equipos mixtos
de trabajo (de artistas junto con ingenieros en programación) no hacen el arte.
Existe un fenómeno que se reitera y representa una evaluación nolegítima. Ello ocurre
desde la aparición en el mercado de las primeras cámaras fotográficas. ¿Cuál es esa
evaluación? La negativa a la posibilidad de que se produzca arte con máquinas tales como
cámaras fotográficas, videocámaras, cámaras filmadoras, ordenadores. Configura un
escepticismo ingenuo extremo. Frente a ello, la frase la máquina no hace el arte, no
constituye un simple apoyo para la ingenuidad de esa denegación. Por cierto, la máquina no
hace el arte pero tampoco lo impide. Voy a generalizar la aseveración mediante un símbolo,
comprensible en el marco de la creación pictórica: las telas, los pinceles, la trementina y los
óleos…no hacen el arte pictórico.
Desconcierta que se deba aclarar ese asunto cada vez que, históricamente, aparece una
nueva tecnología. Algo similar a la controversia relativa a “arte y computadores” ocurrió en
los inicios de la fotografía, en cuanto a la necesidad en que se vieron los artistas fotógrafos
de defender su potencial para producir objetos de valor artístico.
La fotografía se expandió y provocó en muchos artistas visuales la conocida preocupación
de lo remplazable de su arte-la pintura- y lo mecanizable de esas otras imágenes-las
producidas por medio de la cámara fotográfica. Aún hoy, muchos realizadores fotográficos
consideran que la fotografía digital es menos artística que la fotografía tradicional, debido a
la intervención de la cámara y la post producción mediante la computadora. Sin embargo,
destacados realizadores cinematográficos están produciendo largometrajes con cámaras
filmadoras digitales, a juicio de la crítica especializada, sin desmedro de los valores artísticos.
No todos aceptan que el más o el menos estético-artísticos están implicados en la
capacidad creativa e imaginativa de los autores, antes que en el instrumento-máquina,
estrictamente hablando. Dejo esos más y menos en una contextualización taxativa. Insisto,
no porque una máquina -la cámara digital- pueda capturar imágenes, y el usuario pueda
ingresarlas a una computadora y trabajar con ellas allí, los resultados serán mas o menos
artísticos. Los conocidos programas de millones de colores disponibles para su uso y
aplicación son, en un sentido, más temibles y difíciles de gobernar que una paleta de óleos
cuyos pigmentos originales y mezclas artísticas son cuantitativamente mas restringidos.
Cuanto mayor es la disponibilidad en cualquier orden de las cosas, más difícil resultan la
selección y la combinación de lo seleccionado. A menos que se tome una actitud negligente
al respecto.
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Entonces la amenaza no viene de la presencia de la máquina, aunque parezca que con su
empleo se dejan a un lado años de aprendizaje de oficio y taller. Lo preocupante ha de ser la
carencia de imaginación, la falta de una formación humanista, el reemplazo del sentido de lo
estético por unos malabarismos informáticos, que se agotan como sucede con los fuegos de
artificio, a los pocos instantes de su presencia deslumbrante ante la mirada. Lo
preocupante debería ser el reemplazo de la presencia humana, la sustitución rígida y pueril
de las diversidades matéricas por una materia universal: las señales electrónicas. Pero esto
no es una fatalidad; tampoco debería ser evaluado como algo monolítico a lo cual hay que
proscribir de raíz.
Es probable que esos temores alimenten la razón por la que multitud de creaciones
digitales se inclinan hoy hacia la producción combinada: se trata de interacción entre la
persona (su cuerpo como un todo) y sistemas informáticos dotados de sensores de
movimiento que expresan las formas nacidas de esa dinámica en pantallas gigantes, en el
suelo, en otros soportes posibles (agua, por ejemplo). Muchas obras, creadas por artistas
digitales actuales, se presentan bajo la forma de colaboración entre la máquina y el cuerpo
humano. En esos trabajos, el cuerpo y su accionar intervienen en los resultados sucesivos.
Por ejemplo, mover los brazos -delante de sensores- para sostener una frase poética que se
proyecta en una pared, es un símbolo potente. El usuario puede pensar esto: “de mi
depende que la poesía se mantenga viva”. Y en la práctica tiene razón, las letras de la frase
se desmoronan sin su apoyo. Se trata de un juego, también de una desafiante competencia
y, a la vez, de un trabajo de feedback creativo. Por parte del usuario, esas acciones suponen
la lectura y comprensión constante de estímulos y resultados visuales o auditivos para
trabajar con ellos, evaluarlos, intervenirlos, re-orientarlos, dialogar con las formas
propuestas.
Actividades
Trabajo Individual (No presencial)
Lea el texto en forma global.
Busque en la web los siguientes sitios y explore las propuestas que
ofrece cada uno:
http://www.fadon.com.br/ws_cfadon/abertura.html
http://www.mezza.cl/
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http://perspectivasesteticas.blogspot.com.ar/2013/08/nam-june-paik-o-el-
video-hecho-arte.html
http://www.malba.org.ar/web/coleccion_obra.php?idobra=491
Trabajo grupal (Presencial)
Observen en clase ejemplos de arte digital: video arte, arte web o net-
art, fotografía digital, etc.
Conformen grupos, seleccionen un ejemplo y analicen sus características
técnicas (medios utilizados para su realización) y expresivas (qué
transmite la obra).
A partir de las características observadas en la obra elegida, reflexionar
en grupos sobre la afirmación de la autora: “la máquina no hace el arte”
y exponer las conclusiones.
SCHULTZ, Margarita (2006). La máquina no hace el arte: Los instrumentos de realización en arte. En: Filosofía y
producciones digitales. 1° ed. Buenos Aires: Alfagrama.
Texto 5
EL DIBUJO
Proceso de Conocimiento, Reflexión y Comunicación
Conocer es integrar, organizar y reorganizar constantemente experiencias vividas, para
afrontar las nuevas. El dibujar proporciona la posibilidad de realizar estas integraciones y
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darles significado adicional, permite recordar las experiencias y hace que sean más
accesibles para cuando sea necesario recuperarlas.
Los trazos que realizamos al dibujar son el resultado de procesos previos, constantes y a
posteriori de observación y experimentación de la realidad toda que nos rodea. Nos indican
el estado de análisis de la misma en que nos encontramos.
Cuando hacemos unos trazos, y obtenemos formas estamos configurando un mundo que se
manifiesta como nuestro límite. Dibujar es ensanchar el campo de experiencias y por lo
tanto ensanchar nuestros límites, estar al tanto de lo que somos capaces.
Dibujar es poner en movimiento un proceso que implica alternar posibles soluciones, intimar
con nuestros recursos expresivos, dominar nuestras capacidades motoras, reconocer
nuestros pensamientos, comprender y distinguir estados que nos afectan, visiones de la
realidad, sensaciones que nos invaden.
Dibujar en tanto proceso de conocimiento es diferenciar a grandes rasgos y también
sutilmente la apariencia de los objetos y de nuestro mundo interno. Dibujar es un proceso
que implica adquirir nuevas formas de representación del mundo que habitamos. En este
sentido nos referimos a la posibilidad de conocer en tanto posibilidad de integrar
informaciones, impresiones, actitudes, ideas, percepciones.
La reflexión es parte de un proceso intelectual que involucra factores externos e internos
con que el ser humano construye sus visiones del mundo. Implica operaciones tales como:
deliberación, meditación, introspección, razonamiento, juicio. El dibujar es en este sentido
una actividad constante que se mueve en torno a elecciones, ( en otras palabras cálculo de
posibilidades). El acto de dibujar implica entonces, tomar decisiones, dar dirección a nuestro
trabajo, sugerir, exhortar, interpelarnos a nosotros mismos y al espectador. Implica también
la capacidad de interpretar relacionando objetos y acontecimientos en una imagen visual.
Un dibujo es el resultado de un proceso complejo que se manifiesta como investigación, un
análisis o síntesis de una situación dada. Ello se hace a través de la manipulación de las
formas y técnicas que expresan soluciones a las temáticas o problemas que nos planteamos
en el hecho creativo.
El dibujo como proceso artístico es también un hecho de comunicación. Implica una noticia,
es una forma diferente de realizar un texto. En el hacer artístico hay una necesidad
comunicativa y el dibujo es una forma de canalizarla. De modo tal, que manejar el oficio,
saber de sus limitaciones, de sus posibilidades, en definitiva de sus características propias, es
vital para la eficacia del mensaje. La comunicación que se entabla en el hecho artístico es así
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un vínculo entre hombres, una forma de propagación de las ideas que nos reúnen o nos
aíslan, una forma de mostrar realidades y de transmitir pensamientos e informaciones.
Dibujar en una forma de comunicarse que implica un lenguaje. Como todo lenguaje tiene sus
propios signos y códigos de uso. El idioma visual consta de elementos básicos que se
combinan para armar un “texto”. Algunos de los elementos básicos de que se compone un
dibujo son: los puntos, las líneas, las texturas, los colores, las formas. Al combinarse entre sí
generan nuevos elementos a tener en cuenta como: la iluminación, los contrastes, las
tensiones, las direcciones, los pesos, etc.
En el dibujo, la imagen que es fuertemente simbólica revela la singularidad de quien lo
realiza. En este sentido dibujar es una forma de expresarnos única y exclusiva. Dependerá
de cómo articulemos las diferentes formas de combinar los elementos básicos como
adquirirá nuestra marca, nuestra huella personal.
Actividades
Trabajo Individual (No presencial)
Lea atentamente el texto.
Marque las ideas principales de cada párrafo.
Trabajo Presencial
Intercambien opiniones sobre el texto y experiencias vinculadas al
Dibujo con el docente y los compañeros.
Realice:
-El dibujo de un objeto personal de uso cotidiano o de valor afectivo. Apele
a la memoria para su realización. (Trabajo individual)
-Un dibujo del natural a partir de la observación del entorno, un recorte
visual de un sector de la institución, puede ser interior o exterior. (Trabajo
individual)
-Una composición aplicando técnicas mixtas. (Trabajo individual)
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Compartan en grupo las producciones (Exposición de dibujos)
Reflexionen sobre las experiencias del proceso de creación y los
resultados: uso de los materiales, coherencia expresiva, creatividad, etc.
Cuadernillo de ingreso 2009, Artes Visuales. Faduncu. UNC. Material mediado y procesado por: Doña, Laura Cecilia y Meljin
Mariela. Departamento de publicaciones. 2008.
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Texto 6
INTRODUCCIÓN AL CAMPO CERÁMICO
*Prof. Sergio Rosas
El trabajo con el barro es un arte rico en contradicciones, es bastante complejo si se mira
desde los avances tecnológicos que ha alcanzado, pero igualmente es muy sencillo trabajar
con este material pudiendo lograr resultados simplemente inesperados en el campo del las
artes y las artesanías. También se encuentra dentro de las prácticas más antiguas realizadas
por el hombre. “Los arqueólogos han encontrado en todas las islas japonesas, objetos de
baja temperatura de gran antigüedad y muy elaborados. Algunos datan del año 12.000 a. C,
fecha estimada por los métodos del carbono.”1En general todas las culturas antiguas
hicieron uso del barro en donde siempre se conjugó la experimentación y el conocimiento.
Los primeros objetos fueron vasijas modeladas y cocinadas a bajas temperaturas en cuyas
superficies se estampaban o superponían elementos formales propios relacionados con sus
de sus creencias, cuyo resultado son objetos culturales transformados a través de la historia.
La palabra cerámica se puede definir como “el arte de hacer objetos duraderos, de utilidad
y/o belleza, por el tratamiento con calor de materias primas terreas.”2 Una de las cualidades
más grandes que tiene el trabajo en barro es la importancia que ha tenido en el desarrollo
de las culturas de todas las partes del mundo. Los objetos cerámicos siempre han sido de
gran utilidad y el hombre ha dependido de ellos en sus actividades en la vida cotidiana, sin
embargo, no solo han tenido un valor utilitario sino forman parte de las “piezas de arte más
hermosas del mundo: los azulejos de las mezquitas persas, las esculturas de las primeras
dinastías chinas, las figuras precolombinas de Mesoamérica, las jarras de Micenas del año
2.000 a.C. entre otras.”3 El oficio de los ceramistas está lleno de implicaciones, depende en
gran medida del barro con el que se trabaje, si es puro o ha sido preparado con otros
materiales (pastas cerámicas) con el objetivo de reducir el tiempo de cocción, mejorar su
textura o alterar su color, además depende de las manos que lo trabajen y del conocimiento
de la técnica, sin contar con los sentimientos del creador, ya sea artesano, artista, diseñador
entre otros. Los objetos cerámicos cuentan con características que los hacen
particularmente especiales: la resistencia a través del tiempo, no se corroe como otros
materiales y adquieren gran dureza después de un proceso de cocción, lo que los hace
increíblemente resistentes y duraderos. Todo esto permite desarrollar objetos
tecnológicamente avanzados aplicados a la gran industria como ejemplo tenemos partes
para naves que van al espacio, también está presente en objetos culturales con tradición
artesanal en donde interactúan la técnica, el sentir y el conocimiento. Ya en otro campo el
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barro alcanza una gran nobleza a través de propuestas artísticas que aportan innovaciones
técnicas, contenidos formales y espiritualidad.
Los artistas que usan activamente la cerámica en su trabajo logran vincular aspectos
temáticos y formales y en muchos casos se basan en las técnicas tradicionales y en los
lenguajes de las culturas antiguas explorando a través de referencias arqueológicas o
registros históricos. Algunas veces se acercan a objetos cerámicos con carácter utilitario
como también logran propuestas que van desde la escultura a la instalación artística. Casi
siempre alcanzan formas que dejan ver el conocimiento por el oficio y la relación de la
materia prima con un gran sentido de pertenencia y amor frente a su trabajo. Las reflexiones
y las preocupaciones por el entorno y la naturaleza están presentes en las creaciones. La
esperanza esta que el trabajo con este material tan noble logre a través del tiempo el lugar
que se merece en el corazón de los seres humanos.
LA PLASTICIDAD. FENÓMENO FÍSICO QUE CUALIFICA A LAS ARCILLAS
La arcilla cuando está húmeda con la cantidad adecuada de agua, tiende a mantener
cualquier forma que se le dé. Esta propiedad se conoce como plasticidad y es una de las
principales cualidades del material. Entre los materiales naturales la arcilla es única en su
grado de plasticidad. Es la plasticidad la que hace posible la fabricación de la infinita
variedad de figuras de los objetos cerámicos. Pellizcando, estrujando o enrollando una bola
de arcilla se reconoce instantáneamente el potencial que reside en esta masa húmeda y
deformable. La plasticidad de la arcilla ha sido muy estudiada por los científicos, pero el
mecanismo exacto aún no ha sido comprendido completamente. Hasta cierto punto la
plasticidad puede atribuirse a la finura del grano. La pequeñez de las partículas cada una de
las cuales está mojada con agua y lubricada en la superficie con humedad, tienden a hacer
que las partículas se peguen unas con otras y esto hace que la masa en conjunto mantenga
la forma que se le da. El hecho de que se pueda modelar con arena húmeda, la cual cuando
está seca no tiene plasticidad en absoluto, ilustra este principio. Cuanto más fina es la arena,
mayor éxito tendrá el castillo de arena. La forma aplanada de las partículas de arcilla
también contribuyen a la plasticidad. La arcilla plástica puede ser comparada a un mazo de
cartas mojadas con agua. Cada carta está saturada de agua y una película de agua entre las
superficies hacen que las cartas resbalen y se deslicen una sobre otra y también hace que se
peguen entre sí; de forma similar las partículas se deslizan unas sobre otras cuando se aplica
una fuerza pero se mantienen en su nueva posición.
La materia carbonosa corrientemente presente en la arcilla contribuye también a la
plasticidad. Muchas arcillas corriente que tienden a tener un contenido significativo de
carbón en ellas son bastante plásticas. La materia orgánica parece acentuar casi como una
goma o cola en el comportamiento de la arcilla. Mientras que una pequeña cantidad de
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materia orgánica en la arcilla puede ser de ayuda en el desarrollo de la plasticidad,
demasiada hará a la arcilla excesivamente pegajosa, difícil de trabajar y de contracción
elevada.
Las arcillas varían grandemente de plasticidad según su historia geológica. Algunas arcillas
gruesas, aun cuando consideradas bastante no plástica (o antiplástica), son útiles para hacer
ladrillos y otros productos pesados de arcilla, tales como tejas y revestimientos Otras arcillas
son demasiado pegajosas para utilizarse por sí mismas y deben mezclarse con otras menos
plásticas para ser útiles. Sin embargo muchas arcillas son utilizables tal y como salen de la
tierra y pueden ser modeladas y torneadas sin ningún ajuste de su composición.
ARCILLAS PRIMARIAS O RESIDUALES
Las arcillas pueden clasificarse de distintas maneras según las propiedades que interesen
al clasificador. Se pueden clasificar las arcillas según su color, según existen en la naturaleza.
O puede centrarse la clasificación sobre la idea de su uso u origen geológico. El ceramista
está interesado en lo que la arcilla puede hacer por él en la manufactura y cocción de sus
productos y mirará la arcilla desde su punto de vista. Está interesado en la plasticidad o
trabajabilidad de la arcilla, sus reacciones durante el secado y la cocción. La división de las
arcillas en dos grandes grupos, arcillas primarias y secundarias, ayuda a clasificar las arcillas
pare el ceramista y le ayuda a comprender y hacer uso de las propiedades particulares de
trabajo y cocción de las distintas arcillas.
Las arcillas primarias (también denominadas residuales) son las arcillas que se han
formado en el lugar de sus rocas madres y no han sido transportadas por el agua, el viento o
el glaciar. Las arcillas primarias son poco corrientes, ya que normalmente los productos de
la meteorización son transportados pendiente abajo por el agua de torrentes y los ríos hasta
llegar finalmente a lagos o mares. Pero en ciertas ocasiones las arcillas se dejan en el punto
en que han formado por la desintegración de las rocas feldespáticas.
Los lechos de roca se desintegran en arcilla principalmente por la acción del agua del suelo
filtrándose a través de la roca y esto lava gradualmente los componentes más solubles. En
algunos casos la percolación de vapor o gases procedentes del subsuelo pueden haber
contribuido a la formación de la arcilla. Los depósitos de arcillas primarias tienden a ser de
grano grueso y relativamente no tan plásticas.
Las arcillas primarias, cuando han sido limpiadas de fragmentos de roca, tienden a ser
relativamente puras y libres de contaminación de otros materiales no arcillosos. Valoramos
las arcillas primarias por su pureza, su blancura y su libertad de minerales rechazables o
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contaminación orgánica y por la resistencia a altas temperaturas (ej. Ladrillos refractarios
1700ºC, porcelanas 1400ºC). Los caolines son arcillas primarias o residuales.
ARCILLAS SECUNDARIAS O SEDIMENTARIAS
Son aquellas que han sido desplazadas del lugar de las rocas madres originales. Aunque el
agua es el agente más corriente de transporte, el viento los glaciares pueden también
transportar arcilla. Las arcillas secundarias o transportadas son mucho más comunes que las
primarias. En la naturaleza es casi seguro que el material erosionado se transportará a un
lugar nuevo.
El transporte por el agua tiene un efecto importante sobre la arcilla. Por un lado la acción del
agua en las corrientes tiende a moler la arcilla en partículas de tamaño más y más pequeño.
Luego, cuando el agua de la corriente comienza a tranquilizarse, algo de material que
transporta se deposita. Las partículas más gruesas naturalmente se depositan primero,
dejando las partículas finas todavía en suspensión en el agua. Cuando se alcanza el agua
quieta, las partículas restantes muy finas de arcilla se depositan. Caso de un lago o como en
nuestra provincia el Río Mendoza, en la zona de Lavalle, encontramos depósitos de arcilla
sedimentaria útil para la industria ladrillera y alfarera.
Las arcillas transportadas son corrientemente compuestas por material procedente de
distintas fuentes. En cada corriente son propensos a mezclarse entre sí fangos de
numerosas fuentes de erosión. Esto explica la constitución más compleja de la mayoría de
las arcillas secundarias comparadas con el caolín puro. Como podría esperarse, las arcillas
transportadas son propensas a contener hierro, cuarzo, mica y otras impurezas. En las
arcillas secundarias también se encuentran corrientemente materias carbonosas,
usualmente en forma de lignito, también musgos, líquenes, material en descomposición que
colaboran con la característica principal de las arcillas sedimentarias: su plasticidad.
Las arcillas secundarias contienen, además, suficiente hierro, manganeso, titanio y otros
óxidos que hacen que se cuezan con un color anteado, marrón o rojo, y que la temperatura
de maduración sea corrientemente bastante baja (entre 900-950ºC).
Actividades
Trabajo Individual (No presencial)
Lea el texto en forma global.
Responda el siguiente cuestionario:
a) ¿Participaste alguna vez en algún taller de cerámica?
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b) ¿Podrías enunciar los productos cerámicos que conozcas?
c) ¿Qué tipo de cerámica te gusta?
d) ¿Has observado en tu vida cotidiana la cantidad de productos
cerámicos que te rodean? Mencione algunos
e) ¿Cuáles utilizas diariamente?
f) ¿Crees que la cerámica es un arte o una industria?
Subraya los conceptos claves, las afirmaciones, las definiciones y
otros elementos de relevancia.
Anota al margen un concepto que sintetice lo que cada párrafo
desarrolla o describe.
Interpretar el sentido de las palabras según el contexto de
producción del texto (Búsqueda en diccionario, internet)
Registra las dudas para preguntar al docente
Trabajo Presencial (comprensión del texto)
Analicen los diferentes párrafos.
Diluciden el sentido de los términos no conocidos del texto, con
ayuda del docente.
Trabajo Presencial (aspecto técnico)
Identificar objetos cerámicos a partir de la observación directa.
Realizar una aproximación a una técnica cerámica reconociendo las
características del material.
PETERSON, Susan, 1997. Artesanía y arte del barro. El manual completo del ceramista, Editorial Blume,
Barcelona, p.12. RHODES, Daniel, 1990. Arcilla y vidriado para el ceramista, Ediciones CEAC, S.A, Barcelona. Pag. 12, 20 a 23.
PETERSON, Susan, 2003.Trabajar el barro. Editorial Blume, Barcelona, p.22
Texto 7
El hacer plástico
“Quería lograr una dialéctica entre la percepción que uno tiene del lugar en su totalidad y la
propia relación con el área en la que se camina. El resultado es una forma de medirse a sí
mismo contra la indeterminación del entorno.
No me interesa en absoluto contemplar una escultura que solamente se define por sus
relaciones”.
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“En los años 1967 y 1968, escribí una lista de verbos como medio para aplicar diversas
actividades a materiales no específicos. Enrollar, plegar, doblar, recortar, partir, desgarrar,
trocear, picar, cortar, desgajar […] El lenguaje estructuró mis actividades en relación con los
materiales, que tenían la misma función que verbos transitivos”. Richard Serra.
Daniel Marzona. “Arte minimalista” Ed.Tashen. 2009.
Dar un nombre
Comentan que James Watt perfeccionó la máquina de vapor mientras estaba sentado en la
cocina. Su madre vierte contenido de un paquete de harina sobre una mesa donde va a
preparar un pastel. Pero el muchacho no tiene ningún interés en ese pastel. El, un futuro
diseñador, está fascinado por la forma que aparece encima de la mesa. Por parecerle la
silueta de un volcán, llama a esta forma “Fujiyama” y ésa es su invención. El sigue el ejemplo
de Adán y Eva en el Paraíso, que dieron nombres a los animales y a las flores cambiando de
ese modo su conversación, y con ello su mundo.
La importancia de tener un nombre específico para algo me vino por primera vez cuando
estuve trabajando en una escultura de nieve con un grupo de inuites* en Quebec. Siempre
había pensado que la vida en la nieve eterna debía ser extremadamente aburrida y sin color.
Yo estaba al tanto sólo de dos clases de nieve: la nieve húmeda y la nieve seca, aparte de ese
desastre llamado aguanieve. Ahora bien, de los inuites aprendí que había 97 clases de nieve
y lo más extraordinario, cada una tenía un nombre distintivo. Después de aprender algunos
de esos nombres, observé que muchas variedades de nieve empezaron a existir en realidad
para mí y que podría reconocer sus distintivas cualidades.
Unos meses después de esta experiencia, ya de de vuelta en casa, caminando por las playas
del Mar del Norte, contemplando los ribetes de la arena hechos por el viento y el retroceder
del océano, me di cuenta de que a estas hermosas formas se les podía dar un nombre
“huellas”, y que además, en adición a ese nombre específico, se las podría emplazar dentro
de una categoría total de formas son el tema las que llamaríamos: “no tocadas por las manos
del hombre”. Estas formas, las que derivan de esta categoría, son el tema de los capítulos
que integran la primera parte de este libro.
Huellas, […] Apilar, Formar, Hacer, La Forma Entallada, Empaquetar, Hender- Escindir *,
Arrugar, Fluir, Plegar, Conectar, Anudar, Tejer, Agrietar, La forma Inflada, Lámina (Una
Forma Dada)[…] Adicionar-Sustraer[…]
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“El arte no copia la naturaleza, sino que procede como ella”
Tomás de Aquino
J.J. Beljon “Gramática del Arte” Ed Celeste. Madrid. 1993
Glosario
Inuite: El término "esquimal", se considera despectivo, proviene probablemente
de "eskimantsik" denominación dada por las tribus Wabanaki, que significa "devoradores de carne cruda". Ellos
se designan como "inuit" ("hombres", "propietarios" de un lugar), en Alaska se prefiere "yuit".
Hender: Atravesar, cortar.
Escindir: Separar, dividir.
Actividades
Trabajo Individual (No presencial)
Lea el texto en forma global.
Realice una lista de los conceptos destacados en negrita: escriba al lado
de cada verbo una actividad vinculada al mismo que haya realizado, o
imagine realizar, en relación al uso de distintos materiales.
Trabajo grupal (Presencial)
Compartan las síntesis elaboradas.
Realicen un objeto o una escultura con diversos materiales a partir de
las palabras destacadas en negritas que figuran en los textos.
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Texto 8
UNA EDUCACIÓN ALTERNATIVA
En una sociedad con incertidumbre creciente se plantean todo tipo de problemas cotidianos.
La resolución de problemas está orientada hacia el futuro, ya que implica el diagnóstico, la
comprensión y la decisión entre más de una alternativa. Cobra importancia la práctica que
permita resolver problemas cotidianos en un doble sentido: por un lado el enfrentamiento a
la incertidumbre de cada día; y por otro la actitud activa ante situaciones nuevas que
requieren creatividad, capacidad de relacionar los conocimientos adquiridos y de usar otros
nuevos.
Las alternativas educativas constituyen aspectos fundamentales del sentido de la educación
en estos tiempos. La búsqueda de un sentido de la propuesta educativa es la condición más
importante en las situaciones sociales que vivimos.
Se trata de construir sentido en una relación en la que entran en juego la creatividad, la
novedad, la incertidumbre, el entusiasmo y la entrega personal.
Las alternativas * son:
Educar para la incertidumbre.
La vida humana se organiza en una lucha contra la incertidumbre. Las instituciones sociales
intentan sembrar seguridad en un mundo signado por los riesgos. No nos educan para vivir
en la incertidumbre aunque nadie escapa a ella.
En una educación para la incertidumbre como primer punto se debe interrogar en forma
permanente la realidad de cada día, y por lo tanto no inculcar ni enseñar respuestas. Se
trata de una pedagogía de la pregunta más que de la respuesta como dice Freire.
También significa educar para localizar, reconocer, procesar y utilizar información. Desde
hace décadas se insiste en la relación entre información e incertidumbre, a mayor falta de
aquella mayor dimensión de esta.
*Gutiérrez Pérez, Francisco; Prieto Castillo, Daniel. La mediación pedagógica, apuntes para una educación a distancia
alternativa, Buenos Aires, Ed. Ciccus-La Crujía, 1999.
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La educación debe ofrecer recursos o metodologías para trabajar con la gran cantidad de
información existente, presente en todas partes.
Desde esta perspectiva también se busca educar para saber reconocer propuestas mágicas
para desmitificarlas y resignificarlas. Es decir enfrentarse a los distintos textos sociales para
leerlos críticamente, ser un lector crítico de los mismos no un mero consumidor.
Como último punto educar para la incertidumbre es: educar para crear, recrear y utilizar
recursos tecnológicos de escala humana.
Lo tecnológico es parte de nuestro medio ambiente, pero en general lo utilizamos a nivel de
consumo más que apropiarnos de su sentido y función social. La tecnología es muy
importante para ilustrar prácticas y orientar la reflexión de los estudiantes.
A modo de síntesis podemos concluir que educar para la incertidumbre significa impulsar
una actitud activa ante la misma, para abandonar la ilusión de certidumbre y de moverse
con una mente abierta a los cambios en una sociedad tan compleja como la actual.
Educar para gozar de la vida.
Educar en, por y para el goce significa generar entusiasmo en todas las actividades, las
practicas, los ambientes, las relaciones, los resultados, los progresos, incluso los errores. Es
un procesos educativo donde todos se sienten vivos, comparten su creatividad, generan
respuestas originales, se divierten, juegan, gozan.
Significa movilizar todas las energías en una aventura lúdica compartida; sentir y hacer
sentir, ello implica un ambiente gozoso. Un ambiente donde se pongan en juego la riqueza
de los sentidos, de la imaginación y de la creación colectiva.
Educar para la significación.
Una propuesta alternativa busca procesos significativos que involucren a educadores y
educandos, teniendo en cuenta que en educación no hay nada in-significante, aunque casi
siempre la tarea de significar este en manos de la institución o de sus funcionarios.
Significar es: dar sentido a lo que hacemos, incorporar mi sentido al sentido de la cultura y
el mundo, compartir y dar sentido, también es comprender el sinsentido de ciertas
propuestas y relacionar y contextualizar experiencias o discursos; además es impregnar de
sentido las practicas y la vida cotidiana.
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Una educación con sentido educa protagonistas para los cuales sus actividades, los
conceptos y los proyectos significan algo para su vida. La capacidad de dar sentido pasa por
criticar los sentidos y los sinsentidos ajenos, lejos de una educación entendida como
obediencia ciega a un mando superior. El sentido no se imparte a base de órdenes ni de
misterio, se construye en una relación solidaria.
Educar para la expresión.
Expresar significa exteriorizar, sacar afuera lo que uno tiene adentro, comunicar,
manifestar, hacer público. De acuerdo a ello podemos afirmar que: sin expresión no hay
educación.
Quien no se expresa se reprime, es suprimido, está sujeto a que le impriman el sentido, que
lo compriman y depriman.
La capacidad expresiva significa un dominio del tema y de la materia discursiva y se
manifiesta a través de claridad, coherencia, seguridad, riqueza, belleza en el manejo de las
formas de los diferentes lenguajes.
La educación debe pasar por una constante y rica expresión de sus individuos para no
quedar en los viejos moldes de la respuesta esperada y los objetivos sin sentido.
Educar para convivir.
Esta alternativa es educar para vivir con, es decir entreayudarnos, ya que todo aprendizaje
es un interaprendizaje. Se destaca la importancia de lo compartido, aquello que puede ser
aprendido de los demás. Para ello es importante valorar al otro, ya que es imposible
aprender de alguien en quien no se cree.
Educar para convivir es también educar para la cooperación y la participación colectiva.
Se reivindican desde esta propuesta necesidades básicas como: las relaciones
interpersonales, la participación y el afecto. Para ello se debe permitir el trabajo en grupo,
dando oportunidades al intercambio de experiencias e información. El grupo es el ámbito
ideal para el interaprendizaje para la recreación y producción de conocimientos.
Educar para apropiarse de la historia y la cultura.
Somos seres históricos, producto de experiencias anteriores, de conocimientos, vivencias,
tecnologías, cultura, entre otras.
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Somos producto de esa historia social y de nuestra biografía.
En la cultura se educa para la producción cultural, ya que todo producto cultural y su
proceso son educativos; tanto para la apropiación de lo creado por otros, como para la
creación inherente al acto educativo.
La propuesta educativa se orienta a promover las virtudes activas a través de la mediación.
Se logra apropiarse de la historia y de cultura en el interaprendizaje, interrogando la propia
situación, en la invención, en el planteamiento de alternativas, en la alegría de construir e
imaginar.
Educar para la complejidad.
Uno de los grandes problemas del aprendizaje es su reducción a simplezas. Esto ha
colaborado en gran manera el aprendizaje informal basado en la cultura mediática, donde
todo es fácil, digerible accesible sin esfuerzos a cualquier entendimiento.
Esto en la educación formal ha derivado por ejemplo en el acortamiento de carreras,
también en el retroceso constante de las exigencias de estudio serio. Sin embargo en
nuestra realidad y con fuerza desde el siglo XX nos enfrentamos al estallido de la
complejidad.
En educación debemos reconocer que no es posible colaborar en la inserción de las y los
estudiantes en un mundo tan complejo desde la fragmentación de disciplinas, de manera
desarticulada en materias sin conexión entre ellas.
Debemos promover en los jóvenes al insertarse socialmente la capacidad de pensar la
complejidad, de situarse dentro de ella y decidir.
Educar para la comprensión.
La comprensión mutua entre humanos cercanos o lejanos, es vital para que las relaciones
humanas salgan de su estado salvaje de incomprensión.
Es necesario estudiar las raíces de la incomprensión, sus modalidades y sus efectos. Ello
constituiría una de las bases más seguras para la educación por la paz, a la cual estamos
ligados esencialmente.
Consideramos dos comprensiones: la comprensión intelectual u objetiva y la comprensión
humana intersubjetiva. Comprender significa aprender en conjunto. La comprensión
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individual pasa por la inteligibilidad y en ella la explicación es necesaria, pero es insuficiente
para la comprensión humana.
Esta comporta un conocimiento de sujeto a sujeto entendiendo que las personas se perciben
no sólo objetivamente, sino como otro sujeto con el cual uno se identifica.
Comprender incluye necesariamente un proceso de empatía, de identificación y de
proyección que necesita apertura, simpatía y sobre todo generosidad.
LA EDUCACIÓN ALTERNATIVA DESDE LAS ARTES VISUALES
Desde mi área de trabajo, la educación artística considero que se ponen en juego diferentes
alternativas. La educación artística trabaja de manera integral con las diferentes
dimensiones del sujeto.
Al analizar cada una de las posibilidades educativas, reflexionando sobre las prácticas
puestas en juego desde mi especialidad, puedo reconocer claramente la mayoría de estas
propuestas. Considero que la Educación Artística es en sí misma una alternativa esencial
para una nueva educación donde se contemple el desarrollo de la expresividad, la
sensibilidad y la creatividad. Algunos de estos aspectos han sido abordados actualmente por
Elliot Eisner en su libro: “La escuela que necesitamos”.
Señalando las alternativas más destacadas que se relacionan con mí ámbito del saber puedo
mencionar en primer lugar la educación para gozar de la vida ya que desde las prácticas
áulicas se pretende generar climas de libertad creativa y gozo en las actividades; propiciando
el entusiasmo en las tareas desarrolladas y buscando respuestas originales en la resolución
de las mismas.
Las áreas artísticas trabajan especialmente con la riqueza de los sentidos, la imaginación y la
creación colectiva. Esto desde la plástica se pone en práctica a través de la exploración lúdica
de materiales, la selección libre de herramientas y procedimientos de trabajo, las salidas de
campo para la observación de la naturaleza y las obras estéticas del entorno, además del
trabajo en grupo como ámbito de diversión y cooperación.
De acuerdo a lo manifestado emerge con fuerza otra de las alternativas: el educar para la
expresión. Nuestras áreas desarrollan como ejes fundamentales la expresión y la
comunicación en sus múltiples formas. A través las distintas disciplinas artísticas desde
propuestas de integración se favorecen el manejo y la utilización de recursos expresivos de
lenguajes no verbales. Además se hace hincapié en el desarrollo de las capacidades
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creadoras individuales inherentes a todo ser humano, considerando la singularidad de cada
individuo. En el aula se observa en la producción expresiva desde los diferentes géneros
plásticos: los alumnos se expresan de acuerdo a sus propias motivaciones a través de obras
que ilustran, representan o simbolizan. A partir de las formas, los colores, las texturas, la
figuración o la abstracción, la bidimensión y la tridimensión, crean obras propias cargadas de
significado. Buscan comunicar sensaciones, emociones, ideas y sentimientos; y a su vez al
decodificar obras de sus pares logran interpretar otros mensajes completando el proceso
comunicativo.
Todas estas propuestas pretenden contribuir en la formación de los futuros docentes
desarrollando la expresión en sentido amplio es decir apelando a todos los sentidos y formas
de expresión a menudo poco desarrolladas en la educación como son los lenguajes no
verbales.
El futuro docente debe utilizar eficazmente todas sus posibilidades expresivas para lograr
una verdadera comunicación con sus alumnos y conseguir posicionarse como verdaderos
mediadores del aprendizaje.
Asimismo se vislumbra el educar para convivir y para la comprensión teniendo en cuenta
que en un clima de libertad y creación colectiva se busca el respeto por la producción propia
y ajena, incentivando la cooperación y el interaprendizaje.
Desde la Plástica se contribuye también para apropiarse de la historia y de la cultura.
Dentro de los contenidos abordados desde la disciplina se trabaja el acercamiento a obras
del Patrimonio artístico y cultural de nuestro medio, para contribuir al rescate y la
valoración del mismo. Esto contribuye en la formación de los futuros docentes en un sentido
integral, entendiendo que ellos se constituirán en un futuro como referentes culturales de
sus alumnos con la valiosa tarea de transmitir los valores culturales y tradicionales propios
de su cultura y también ayudar a construir su identidad y reafirmar su sentido de
pertenencia.
A modo de síntesis considero que el Arte al desarrollar el pensamiento creativo, propicia la
flexibilidad y la fluidez dentro de procesos de pensamiento divergente que permiten
desarrollar respuestas nuevas y adaptarse a escenarios cambiantes. Nos acercamos aquí a
otras alternativas de la educación como el educar para la incertidumbre, para la
significación, y para la complejidad.
Para finalizar, es importante reconsiderar el valor de las actividades artísticas que permiten el desarrollo de una educación alternativa centrada en la singularidad de cada sujeto, dando lugar a modos de expresión no convencionales a menudo poco apreciados en la educación, que contemplan al sujeto de modo integral valorando todas sus capacidades para lograr
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aprendizajes significativos, propiciando la creatividad el juego y el goce en cada una de las actividades.
En la sociedad contemporánea, como señalan diversos autores, las funciones culturales, sociales y simbólicas, que en el pasado servían como vía de transmisión de imaginarios y de concreción de la experiencia humana, se desplazan actualmente desde los territorios de las “artes cultas” a los de las “culturas de masas” o “culturas populares”, para proponer e imponer una revisión urgente de nuestros presupuestos estéticos y educativos.
De esta manera, se identifica una función contemporánea de las artes, básicamente integradora y relacional, que pretende conectar con todos los sustratos de la realidad que compartimos, y no solo como una manifestación superior del espíritu humano. Una función sustentada desde las condiciones necesarias para entender que las producciones culturales no son privilegio de tan solo unos pocos que producen y reparten la cultura, sino un derecho de todos/as.
Reconocemos esta función social de las artes como generadora de cambio y transformación, para ello la educación artística puede y debe ofrecer ámbitos de exploración, reflexión y compromiso, de manera individual y colectiva, que se proyectan en la búsqueda de una mayor calidad en la relación entre arte y vida
Abad, Javier. Usos y funciones de las artes en la educación y el desarrollo humano en Educación artística, cultura y ciudadanía. Colección metas educativas 2021. Fundación Santillana. España. Martínez, Carolina Eva. Texto Paralelo. Módulo I. Especialización en Docencia Universitaria. (pág 44 a 53), inédito, Mza,
2010.
Actividades
Trabajo Individual (No presencial)
Lee atentamente el texto 8.
Relea por apartado y subraye los conceptos claves, las afirmaciones, las tesis
por el autor, las definiciones y otros elementos de relevancia.
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Anote al margen las palabras claves que sinteticen lo que esa frase o párrafo
desarrolla o describe.
Trabajo grupal (Presencial)
Dialoguen en grupo sobre los aspectos relevantes del texto, compartan
experiencias vividas respecto a su propia educación y su vinculación con el texto.
Estas experiencias y las conclusiones elaboradas a partir del diálogo se retomarán
en una próxima intancia para la creación de una producción plástica grupal.
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Texto 9
A R T E , E D U C A C I Ó N Y C U L T U R A
Ana Mae Barbosa*
Educación para el desarrollo de diferentes códigos culturales
La Educación podría ser el camino más eficiente para estimular la conciencia cultural del
individuo, comenzando por el reconocimiento y apreciación de la cultura local. A pesar de
todo, la educación formal en el Tercer Mundo Occidental ha sido completamente dominada
por los códigos culturales europeos y, recientemente, por el código cultural norteamericano
blanco. La cultura indígena solamente es tolerada en la escuela bajo la forma de folkclore, de
curiosidad y esoterismo; siempre como una cultura de segunda categoría. Por el contrario,
fueron los europeos quienes, en la construcción del ideal modernista del arte, llamaron la
atención hacia el alto valor de otras culturas del este y oeste, al apreciar los grabados
japoneses y las esculturas africanas. De esta forma, los artistas modernos europeos fueron
los primeros en crear una justificación a favor del multiculturalismo, a pesar de que
analizaron la "cultura" de los otros bajo sus propios cánones de valores. Solamente en el
siglo veinte, los movimientos de descolonización y de liberación crearon la posibilidad
política para que los pueblos que habían sido dominados reconociesen su propia cultura y
sus propios valores.
Lectura cultural, identidad cultural, ecología cultural.
La búsqueda de la identidad cultural pasó a ser uno de los objetivos de los países “recién
independientes", cuya cultura había sido hasta entonces, institucionalmente definida por los
poderes centrales y cuya historia fue escrita por los colonizadores. La identidad cultural no
es una forma fija o congelada, más bien es un proceso dinámico, enriquecido a través del
diálogo y el intercambio con otras culturas. En este sentido, la identidad cultural también es
un problema para el mundo desarrollado. A pesar de eso, la preocupación con el estímulo
cultural a través de la educación ha sufrido diferentes abordajes en los mundos
industrializados y en los que están en vía de desarrollo, revelando significados diversos a
través de las diferencias semánticas. Mientras que en el Tercer Mundo hablamos sobre la
necesidad de búsqueda de la identidad cultural, los países industrializados hablan sobre la
lectura cultural y la ecológica cultural. De esta forma, en el mundo industrializado la cuestión
cultural se centralizada en el fortalecimiento de informaciones globales y superficiales sobre
diferentes campos del conocimiento (cultural y literario) y en la atención equilibrada a las
diversas culturas de cada país (ecología cultural). En el Tercer Mundo, sin embargo, la
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identidad cultural es el interés central y significa la necesidad de ser capaz de reconocerse a
sí mismo o una necesidad básica de sobrevivencia y de construcción de su propia realidad.
Los tres conceptos a los que nos referimos anteriormente convergen en un punto en común:
la noción de diversidad cultural. Sin la flexibilidad para asumir la diversidad cultural existente
en cualquier país no es posible una identificación cultural, ni una lectura cultural global y
menos la construcción de una cultura ecológica.
Diversidad cultural: multiculturalismo, pluriculturalismo e interculturalidad.
En este ámbito, para definir la diversidad cultural, tenemos que navegar nuevamente a
través de una compleja red de conceptos. Algunos hablan sobre multiculturalismo, otros
sobre pluriculturalismo, y además poseemos un término más apropiado: Interculturalidad.
Mientras que los términos “Multicultural" y "Pluricultural" significan la coexistencia y la
mutua comprensión de diferentes culturas en la misma sociedad, el término “Intercultural"
significa la interacción entre las diferentes culturas. Este debería ser el objetivo de la
educación interesada en el desarrollo cultural. Para alcanzar tal objetivo, es necesario que la
educación provea conocimiento sobre la cultura local, la cultura de varios grupos que
caracterizan a una nación y la cultura de otras naciones.
Interculturalidad: alta y baja cultura
En relación a la cultura local, se puede constatar que solamente lo que es considerado
erudito en esta cultura es admitido en la escuela. Las culturas de clases sociales bajas siguen
siendo ignoradas por las instituciones educativas y también por los que están involucrados
en la educación de estas clases. Hemos aprendido con Paulo Freire a rechazar la segregación
cultural en la educación. Las décadas de lucha para salvar a los oprimidos de la ignorancia
sobre ellos mismos nos enseñaron que una educación libertaria tendrá éxito sólo cuando los
participantes en el proceso educativo sean capaces de identificar su ego cultural y se
enorgullezcan de él. Esto no significa defender guetos culturales o negarles a las clases bajas
el acceso a la cultura erudita. Todas las clases tienen el derecho de acceder a los códigos de
la cultura erudita porque estos son los códigos dominantes - los códigos del poder. Es
necesario conocerlos, ser un experto en ellos, pero tales códigos continuarán siendo un
conocimiento externo a no ser que el individuo haya dominado las referencias culturales de
su propia clase social, esta es la puerta de entrada para asimilar al "otro". La movilización
social depende de la relación interdependiente entre los códigos culturales de las diferentes
clases sociales.
Interculturalidad: la cultura del colonizador y del colonizado
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La diversidad cultural presupone el reconocimiento de diferentes códigos, clases, grupos
étnicos, creencias y sexos en una nación, así como el diálogo entre los diversos códigos
culturales de las naciones o países, que incluye hasta la cultura de los primeros
colonizadores. Los movimientos nacionalistas radicales que pretendieron el fortalecimiento
de la identidad cultural de un país de forma aislada, ignoraron el hecho de que su pasado ya
había sido contaminado por el contacto con otras culturas y su historia penetrada por la
historia de los colonizadores. Por otro lado, los colonizadores no pueden olvidar que,
históricamente, ellos fueron obligados a incorporar los conceptos culturales que el oprimido
produjo acerca los que les colonizaron.
Interculturalidad y la cultura del Otro
La demanda para identificar, esto es "ser para el Otro", lo que asegura la representación del
sujeto, diferente del "Otro, la alteridad: "Identidad es ser para sí mismo y para el Otro; como
consecuencia la identidad se encuentra entre nuestras diferencias”. La función del arte en la
formación de la imagen de la identidad le otorga un papel singular entre los complejos
aspectos de la cultura. La identificación siempre es la producción de "una imagen de
identidad y la transformación del sujeto al asumir o rechazar aquella imagen reconocida por
el otro".
El papel del arte en el desarrollo cultural
A través del arte tenemos la representación simbólica de los rasgos espirituales, materiales,
intelectuales y emocionales que caracterizan a una sociedad o a un grupo social, su modo de
vida, su sistema de valores, sus tradiciones y creencias. El arte, como un lenguaje que
permite la presentación de los sentidos, transmite significados que no pueden ser
transmitidos a través de ningún otro tipo de lenguaje, como los lenguajes discursivos y
científicos. No podemos entender la cultura de un país sin conocer su arte. Sin conocer las
artes de una sociedad, solo podemos tener un conocimiento parcial de su cultura. Los que
están comprometidos en la vital tarea de fundar la identificación cultural, no pueden
alcanzar resultados significativos sin conocer las artes. A través de la poesía, de los gestos,
de la imagen, el arte habla de aquello que la historia, la sociología, la antropología etc., no
pueden decir porque ellas usan otro tipo de lenguaje, el discursivo, el científico, que solos no
son capaces de descodificar los matices culturales.
Entre las artes, el arte visual, que tiene a la imagen como materia prima, hace posible la
visualización de quiénes somos, dónde estamos y cómo nos sentimos. El arte en la educación
como expresión personal y como cultura es un instrumento importante para la identificación
cultural y el desarrollo. A través del arte es posible desarrollar la percepción y la imaginación,
aprender la realidad del medio ambiente, desarrollar la capacidad crítica, permitiendo
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analizar la realidad percibida y desarrollar la creatividad de tal manera que mude la realidad
que fue analizada. "Recordando a Fanon", diría que el arte capacita a un hombre o a una
mujer para no ser un extraño en su medioambiente ni un extranjero en su propio país. El
arte supera el estado de despersonalización, insertando al individuo en el lugar al que
pertenece.
Arte Educación y la conciencia de ciudadanía.
No se trata únicamente de incluir al arte en la curricula para que por arte de magia se
favorezca el crecimiento individual y el comportamiento del ciudadano como constructor de
su propia nación. Además de reservarle un lugar al arte en la curricula, lo que está lejos de
ser realizado, hasta en los países desarrollados, también es necesario preocuparse por la
manera en que el arte es concebido y enseñado. A lo largo de mi experiencia he observado
que el arte visual viene siendo enseñado principalmente como dibujo geométrico, siguiendo
todavía la tradición positivista, o el arte en las escuelas siendo utilizado para la celebración
de fiestas, en la producción de regalos estereotipados para el día de la Madre o del Padre y,
en la mejor de las hipótesis, apenas como un ejercicio de libre expresión. La falta de
preparación del personal para enseñar arte es un problema crucial, llevándonos a confundir
improvisación con creatividad. La anemia teórica domina la arte-educación que está
fracasando en su misión de favorecer el conocimiento en y sobre las artes visuales,
organizado de tal forma que relacione la producción artística con la apreciación estética y la
información histórica. Esta integración corresponde a la epistemología del arte. El
conocimiento del arte tiene lugar en la intersección de la experimentación, descodificación e
información. En las artes visuales, estar apto para producir una imagen significa ser capaz de
leer que una imagen son dos habilidades interrelacionadas.
Lectura Visual
En nuestra vida diaria, estamos rodeados por imágenes impuestas por los medios,
vendiendo productos, ideas, conceptos, comportamientos, Slogans políticos etc. Como
resultado de nuestra incapacidad de leer esas imágenes, aprendemos por medio de ellas
inconscientemente. La educación debería prestar atención al discurso visual. Enseñar la
gramática visual y su sintaxis a través del arte y hacer que los niños sean concientes de que
la producción humana de alta calidad es una forma de prepararlos para comprender y
evaluar todo o tipo de imagen, concientizándoles sobre lo que están aprendiendo con estas
imágenes. Una currícula que integre actividades artísticas, historia del arte y análisis de los
trabajos artísticos llevaría a la satisfacción de las necesidades e intereses de los niños,
respetando a la misma vez los conceptos de la disciplina que va a ser aprendida, sus valores,
sus estructuras y su contribución específica a la cultura. De esta forma, estaríamos
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realizando un equilibrio entre las dos teorías curriculares dominantes: aquella centrada en el
niño y la centrada en la disciplina. Este equilibrio curricular comenzó a ser defendido en
Reino Unido por el BasicDesign Movement durante los años 50, cuando Harry Thubron,
Victor Pasmore, Richard Hamilton, Richard Smith, Joe Tilson y Eduardo Paolozzi
desarrollaron su arte de enseñar el arte. Ellos asociaron las actividades artísticas con la
enseñanza de los principios del design y la información científica sobre la mirada, todo
esto con ayuda de la tecnología. Sus alumnos estudiaban gramática visual, su sintaxis y su
vocabulario, dominando elementos formales, tales como: punto, línea, espacios positivos
y negativos, división de áreas, color, percepción e ilusión, signos y simulación,
transformación y proyecciónen las imágenes producidas por los artistas y también por los
medios de comunicación y publicidad. Ellos fueron acusados de racionalismo, pero hoy, con
casi setenta años de arte educación expresionista en las escuelas del mundo industrializado,
llegamos a la conclusión de que la expresión "espontánea" no es suficiente para el
entendimiento del arte.
Apreciación del arte y desarrollo de la creatividad
Apreciar, educar los sentidos y evaluar la calidad de las imágenes producidas por los artistas
es una ampliación necesaria par la libre-expresión, de esta forma se posibilita el desarrollo
continuo de aquellos que, después de terminar la escuela, no se convertirán en productores
de arte. A través de la apreciación y descodificación de los trabajos artísticos, desarrollamos
fluidez, flexibilidad, elaboración y originalidad - los procesos básicos de la creatividad.
Además, la educación de la apreciación es fundamental para el desarrollo cultural de un país.
Este desarrollo solo sucede cuando una producción artística de alta calidad es asociada a un
alto grado de comprensión de la misma por el público.
Arte Educación: preparando el público para el Arte
Una de las funciones del arte en la educación es la de ser mediador entre el arte y el público.
Los museos y los centros culturales deberían ser los líderes en la preparación del público
para la comprensión del trabajo artístico. Sin embargo, son pocos los museos y centros
culturales que realizan esfuerzos para facilitar la apreciación del arte. Las visitas guiadas son
tan tediosas, que el viaje de ida y vuelta a los museos es mucho más interesante para el
niño. Pero, es importante enfatizar que los museos y los centros culturales son una
contribución insustituible para amenizar la idea de la inaccesibilidad del trabajo artístico y
del sentimiento de ignorancia del visitante. Aquellos que no tienen educación escolar tienen
miedo de entrar en un museo. Sienten que no conocen lo suficiente para ingresar en los
"templos de la cultura". Ya es hora de que los museos abandonen su comportamiento
sacralizado y que asuman su trabajo conjunto con las escuelas, porque solamente las
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escuelas pueden dar a los estudiantes de las clases bajas la oportunidad y la seguridad para
entrar en un museo. Los museos son los lugares para que se dé la educación concreta sobre
la herencia cultural que debería pertenecernos a todos, no solamente a una clase económica
y social privilegiada. Los museos son los lugares ideales para entrar en contacto con los
patrones de evaluación del arte a través de su historia, allí se prepara un consumidor de arte
crítico no sólo con el arte de ayer y el de hoy, sino también con las manifestaciones artísticas
del futuro. Al conocer la relatividad de los patrones de evaluación a través de los tiempos, el
individuo se vuelve flexible para crear patrones apropiados para juzgar aquello que todavía
no conoce. Este tipo de educación, capaz de desarrollar la auto-expresión, apreciación,
descodificación y evaluación de los trabajos producidos por otros, asociados a su contexto
histórico, es necesaria no solo para el crecimiento individual y el enriquecimiento de una
nación, sino también es un instrumento para la profesionalización.
Arte para o desarrollo profesional
Un gran número de trabajos y de profesiones están directa o indirectamente relacionados al
arte comercial y la propaganda, los out-doors, el cine, el video, la publicación de libros y de
revistas, la producción de discos, casetes y CD, sonido y escenarios para la televisión, y todos
los campos del design de moda e industria textil, design gráfico, decoración etc. No puedo
imaginar a un buen diseñador gráfico que no sepa algo de Historia del Arte, por ejemplo, o
sobre Bauhaus. No solamente los diseñadores gráficos, sino también otros profesionales
similares podrían ser más eficientes si conociesen, hiciesen arte y hubiesen desarrollado su
capacidad de análisis a través de la interpretación de los trabajos artísticos en su contexto
histórico. Me enteré que una investigación constató que los camarógrafos de televisión son
más eficientes cuando tienen algún contacto sistemático con la apreciación del arte. La
interpretación de las obras de arte y la información histórica son inseparables: la primera
tiene un abordaje diacrónico horizontal del objeto y la otra es una proyección sincrónica
vertical. La intersección de estas dos líneas de investigación producirá la comprensión crítica
de cómo los conceptos formales, visuales y sociales aparecen en el arte, como ellos han sido
percibidos, redefinidos, rediseñados, distorsionados descartados, reapropiados,
reformulados, justificados y criticados en sus procesos constructivos. Este abordaje de la
enseñanza ilumina la práctica del arte, aún cuando esta práctica es meramente catártica.
Arte para el desarrollo emocional y afectivo
Aquellos que defienden el arte en la escuela únicamente para liberar la emoción deben
recordar que podemos aprender muy poco sobre nuestras emociones si no somos capaces
de reflexionar sobre ellas. En la educación, lo subjetivo, la vida interior y la vida emocional
deben progresar, pero no por una casualidad. Si el arte no se trata como un conocimiento, y
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solamente como un “grito del alma", no estamos ofreciendo ni educación cognitiva, ni
educación emocional. Fue Wordsworth, a pesar de su romanticismo, quien dijo: "El arte
tiene que ver con la emoción, pero no tan profundamente como para reducirnos a las
lágrimas".
* Ana Mae Barbosa es Profesora Titular de la Universidad de San Pablo, autora de varios
libros, entre ellos Tópicos utópicos (1998) y Arte Educación: Lectura en el subsuelo (1999).
Ganadora del Premio Internacional Sir Herbert Read (1999).
http://es.scribd.com/doc/23417505/Arte-Educacion-y-Cultura-Ana-Mae-Barbosa
Actividades:
Trabajo Individual (No presencial)
1) ¿Quiénes son los “otros” según el texto de Ana Mae Barbosa?
2) ¿Por qué es importante, según el texto, asumir la diversidad cultural y lograr la
interculturalidad? ¿Qué opinas sobre esto?
3) ¿Qué pensás de la división entre cultura alta y baja? Menciona ejemplos locales o
regionales.
4) ¿Qué significa identificar el ego cultural y enorgullecerse de él? Reflexiona y explica.
5) Observa las siguientes imágenes e investiga sobre los artistas: Claudia Coca (peruana)
y Marcos López (argentino). Reflexiona en grupo sobre lo que estos artistas plantean
en sus respectivas obras.
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Mujer Maravilla. Claudia Coca
Amanda. Marcos López. 2005
Amanda, retrato tomado en el año 2005.
https://redaccion.lamula.pe/2014/07/30/mi-trabajo-es-mostrar-que-el-mestizaje-es-un-enriquecimiento/alonsoalmenara/
Trabajo Grupal (Presencial)
6) Realiza una obra bidimensional en la que evidencies la tensión entre la “alta” y la
“baja” cultura. Puedes utilizar fotocopias, imágenes impresas, puedes intervenirlas
con pintura y/ o dibujo, utilizar collage, pegando papeles o collage digital.
Texto 10
LOS HUARPES EXISTIMOS
Cuando fui a la escuela, me discriminaron mucho por ser indígena. Éramos varios chicos los
hijos de laguneros y la mayoría de los maestros eran hijos de italianos, “gringos”, como
decían los viejos nuestros. A tal punto me discriminaron, que estuve en los tres cuadros de
honores para recibir la bandera, con buen puntaje, y no me la dieron porque yo era hija de
lagunero, era indígena. Yo había estudiado y había hecho mucho esfuerzo para recibir la
bandera. Pero no me la dieron. Después le tocó a mi hermana. Ella también logró muy buen
puntaje para la bandera y tampoco pudo recibirla: se la dieron al hijo de un abogado.
Entonces mi otro hermano, siendo muy chiquito, le dijo a mi papá: “Papi, yo no voy a
estudiar para recibir la bandera, no me interesa ser abanderado. Yo quiero ser un ser
humano, no quiero ser un indígena”. Hasta hoy nos acordamos de esa conversación. Él lo
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decía con mucha convicción, quería que no lo discriminaran, que lo reconocieran como ser
humano. Hoy tiene 38 años y le decimos “ser humano”.
Jamás tuve vergüenza, tuve dolor, pon nunca me avergonzaba. Ahora, de grande, me han
discriminado, pero ya no me duele. En todo caso me puede dar un poco de bronca, pero
puedo pelearla, puedo discutir y puedo decir que la historia que ellos cuentan no es así. El
año pasado, un investigador nos discriminó y nos dijo que los Huarpes no existíamos, que
usábamos esto políticamente. Las radios en seguida empezaron a llamar a casa para hablar
con mi papá. El tuvo una respuesta muy sabia, dijo: “Que pena que este señor que estudió
tanto, tanta historia, sepa tan poco, porque los huarpes estamos”. Es todo lo que dijo mi
padre. “Nosotros, los huarpes, estamos”; eso solo dijo.
Noemí Jofré. (2008)
“Mujeres dirigentes indígenas
Relatos e historias de vida”
….”La escuela es muy ignorante de nuestra cultura y la ignorancia genera el antirrespeto.
Para que haya respeto tienen que haber conocimiento. ¿Por qué nuestros abuelos
respetaban a la Pachamama? Porque conocían, no era por hacerlo nomás.
Conocían que la tierra había un tiempo en que tenía que descansar y otro que era para
sembrar. Y que cuando la tierra nos da nuestro alimento es como nuestra madre cuando nos
da la leche de sus mamas. Nosotros siempre estamos agradecidos a nuestra madre, a
nuestro padre que nos ha engendrado y a la tierra lo mismo, es un ser viviente más.
Ese conocimiento profundo no lo enseñan en la escuela. No lo enseñan por el mismo hecho
de que los que enseñan no conocen.
Primeras jornadas de Educación Intercultural en Jujuy. 2002.
Preparatorias de Abra Pampa
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…”Es fundamental la relación de la comunidad con los docentes para charlar sobre el
tema, porque los docentes siguen sin saber la historia y las costumbres. Entonces vamos a
llegar a un acuerdo cuando nos reunamos, nos juntemos, y ahí hablaremos de educación.
Primeras jornadas de Educación Intercultural en Jujuy. 2002.
Preparatorias de Susques
Actividades
Trabajo Individual (No presencial)
Lea los relatos (Los Huarpes existimos, Primeras Jornadas de Educación
Intercultural)
Anote al margen apreciaciones personales sobre las frases más significativas
del texto.
Reflexione individualmente sobre la siguiente situación
Usted ha tomado un cargo de docente de plástica en la escuela rural Antonio Silva,
ubicada en Barrancas, Maipú. La misma es una escuela con grados múltiples.
En la charla con el director antes de iniciar las clases, él le comenta que los chicos más
grandes, vienen trabajando el tema de identidad, “…en la zona existió un asentamiento
Huarpe, y los chicos han encontrado muchos restos cadáveres y todo…bueno llamamos a
patrimonio y con ellos y gente de la municipalidad están trabajando la recuperación de la
historia regional y su relación con la vida de ellos hoy”.
Pensando en la charla con ese director, reflexione honestamente sobre:
¿Qué conoce usted sobre los Huarpes hoy? En un pequeño escrito detalle sus
conocimientos al respecto
Ahora tome posición como docente de esa escuela y piense:
¿Cómo utilizaría los datos que le provee el director para su presentación los
primeros días de clase en el grado?
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Detalle una serie de actividades a realizar a fin de ocuparse en sus clases de esa
realidad escolar.
Trabajo grupal (Presencial)
Seleccionen algunos de los conceptos esenciales de los textos 8 y 9, y realicen
una produción plástica donde representen, o simbolicen la idea través de una
imagen utilizando materiales diversos.
Texto 11
“Mi última obra es un muro”
Joan Miró
Fue en 1955 cuando la Unesco me solicitó que participara en la decoración de sus nuevos
edificios que estaban construyéndose en la Plaza de Fontenoy, en Paris. La Organización
puso a mi disposición dos muros perpendiculares- el uno de 15 metros de largo y el otro de
siete metros y medio - que se habían erigido junto al edificio de conferencias. Yo propuse
decorarlos con mosaicos de cerámica y ejecutar mi obra en colaboración con Llorens Artigas.
La estructura misma de los edificios, su aprovechamiento del espacio, las condiciones de la
luz, me sugirieron las formas y los colores de mis muros. Como una reacción contra las
inmensas paredes de cemento, se imponía para el muro mayor la idea de un gran disco, de
potente coloración rojiza. Su eco o su equivalente pictórico sobre el muro menor sería una
luna menguante de color azul, dictada por el espacio más restringido, más íntimo, sobre el
cual iba a reinar. (…)
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Traté de dar una expresión de gran fuerza en el muro de mayor tamaño y una sugestión más
poética en el muro menor. De este modo dibuje y pinte algunas maquetas a la escala de
1/100 que fueron sometidas a un comité especial y obtuvieron su aprobación.
La segunda etapa de mi trabajo fue la búsqueda que emprendí, en compañía de Artigas, de
los medios técnicos para la transposición de mi pintura a la cerámica. Ningún ceramista se
había enfrentado con una obra de semejantes dimensiones. Era necesario, por otra parte,
prever la resistencia del material a las diferentes temperaturas, a la humedad y al calor
excesivo del sol, ya que los dos muros estaban situados en el exterior, sin protección alguna.
Todos estos problemas eran arduos y solo Llorens Artigas podía resolverlos. Como un
antiguo alquimista buscaba las clases de arcilla, los esmaltes de greda y los colores que debía
utilizar. Esta búsqueda constituye una verdadera creación (….).
Se nos ocurrió la idea de hacer un viaje a Santillana del Mar, para volver a contemplar las
célebres pinturas rupestres de Altamira y meditar delante del primer arte mural del mundo.
En la vieja iglesia románica de la Colegiata nos maravilló la belleza plástica de un muro
arcaico, carcomido por la humedad. Llorens Artigas no olvidaría ese muro al crear la materia
de los fondos de cerámica. Después (….) quisimos ponernos bajo el signo y la advocación de
los artistas románicos catalanes y de Gaudí. El Museo de Barcelona encierra admirables
frescos románicos, cuya lección no he cesado de escuchar desde mis primeros trabajos de
pintor.
Finalmente fuimos a visitar al Gaudí del Parque Güell y allí embargó mi imaginación el disco
inmenso que se encuentra incrustado en el muro. Este encuentro lo interpreté como una
confirmación de mi idea y un estímulo a mi creación pictórica.
Artigas no estaba satisfecho con la materia de fondo y, por otra parte, la regularidad
geométrica de los mosaicos le parecía peligrosa para la calidad artística y la vida misma de la
obra. Fue entonces cuando recordó el muro de la Colegiata y volvió a encontrar una
maravillosa sensibilidad en sus ensayos. Asimismo, los muros de la antigua capilla de Gallifa
nos abrieron los ojos. Había que rehacerlo todo con mosaicos de dimensiones diferentes.
Esta experiencia infortunada nos costó cuatro toneladas de tierra, 250 kilos de esmalte y
diez toneladas de leña, sin contar el trabajo y el tiempo empleados.
Habíamos encontrado por fin la estructura de los mosaicos y la materia que debía servir
como fondo; así, el primer cocimiento se llevó a cabo sin incidentes (…). Pero, a pesar de
todas las precauciones que se puedan tomar, el amo de la obra es en última instancia el
fuego: su acción es imprevisible y su sanción tremenda. (…) Existía una dificultad
suplementaria: las grandes dimensiones de la superficie que yo debía pintar. Ciertas formas
y líneas debían ser trazadas con un solo movimiento para conservar su dinamismo y su
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espontaneidad original. Me serví para ello de una escoba de fibras de palmera. Artigas
contuvo la respiración cuando me vio asir la escoba para trazar formas de cinco o seis
metros, corriendo el riesgo de perder el trabajo de muchos meses.
Noviembre de 1958
JOAN MIRÓ (1893-1983), pintor español, es uno de los grandes artistas plásticos de este siglo. En su juventud
participo en el movimiento surrealista en Paris, donde vivió largos años. Por encargo de la Unesco realizo dos
murales, a los que el pintor dio el título de El muro del Sol y El muro de la Luna y de los que habla en el artículo
aquí reproducido
Fragmentos de un texto publicado previamente en la revista Derriere le miroir (Nos 107, 108, 109) Maegt, Paris, 1958.
Actividades
Trabajo Individual (No presencial)
Lea el texto en forma global.
Subraye los nombres de artistas y obras de arte que se mencionan.
Busque y observe imágenes de las obras de los artistas: Joan Miró, y Antoni
Gaudí.
Trabajo grupal (presencial)
Analicen junto a los docentes la obra de pintura mural de la fachada de
nuestra institución: preceso de organización del proyecto, elaboración de
imágenes, gestión de recursos, pintura directa sobre el muro, entre otros.
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Texto 12
¡ESOS CHICOS PIERDEN EL TIEMPO! (1935) Olga Cossetini
A la lectura se asocia el canto (…). La lectura interpretada así crea en el niño el sentido
artístico.
Casi siempre después de cuatro o cinco lecturas, hacen un programa y organizan una fiesta a
la que invitan a otros grados.
Son actos simpáticos; contienen la belleza que emana de las cosas sencillas y hondas, que se
han arraigado bien en el alma y no son sino una consecuencia inmediata de las clases de
lectura.
Recuerdo que cierto día, al empezar uno de esos actos, llegó a la escuela un padre en son de
protesta y dirigiéndose a la maestra dijo:
- ¡Esos chicos pierden el tiempo!
Pero la maestra le replicó con energía;
- Señor, lo que ocurre es que usted quiere que su hija sea educada en la escuela del rigor, a
la que usted asistía más por obligación que por cariño: venga usted y presencie la fiesta,
puede ser que cambie de opinión.
Y ahí estaba instalado en una silla del Teatro Infantil, un poco incómodo por la algazara de
los chicos y la expresión sonriente de algunas madres.
El segundo número del programa era un diálogo que debía ser interpretado por una niña y la
hija del padre ofendido, una pequeña llena de alegría y de gracia.
Era una escena d amor maternaly la niña, posesionada d su papel de madre, arrullaba a su
muñeca cantándole un “duérmete, mi niño” dulcísimo.
Observé la actitud del padre, hasta entonces rígida y fría. Poco a poco fue modificando su
expresión, lo miré recogerse en la silla, inclinar un poco la cabeza, pasar repetidas veces la
mano por su mentón áspero, hasta que al final aplaudió con los chicos confundiendo su
alegría nueva con la alegría d los pequeños.
Cuando salió del salón quiso volver a su actitud primera, pero no tuvo tiempo. Ahí estaba
frente a él su hijita, satisfecha, sonriente, esperando del papá la palabra buena, que no tardó
en llegar. Olga Cossetini (1898-1987). Maestra santafesina vinculada a las posiciones más
democráticas de la escuela nueva. Escuela Serena. Apuntes de una maestra relata su
experiencia como directora en la escuela Experimental “Gabriel Carrasco” de Rosario
en las décadas de 1930 y 1940.
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Fragmento extraído de “Relatos de escuela. Una compilación de textos breves sobre la experiencia escolar”, Pablo Pineau
(compilador). Bs. As: Paidós, 2008
Actividades
Trabajo Individual (No presencial).
Lea atentamente el texto, y escriba brevemente sus reflexiones
personales de acuerdo a los siguientes interrogantes:
1. ¿Cuál es el tema principal del texto?
2. ¿Cuál es la mirada de la sociedad en general sobre las actividades
expresivas en la escuela?
3. ¿Qué pretenden actualmente los padres de la escuela?
4. ¿Qué pretendía la autora con esta propuesta pedagógica?
5. Vivió alguna situación escolar semejante. Relátela de manera
sintética.
Trabajo Grupal (Presencial)
Compartan en grupo las opiniones escritas. Debatan sobre temas
vinculados a la creatividad en la escuela, la educación artistica en la actualidad, el
rol del docente de arte, entre otras ideas fundamentales.
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«(…) el arte capacita a un hombre o a una mujer para no ser un
extraño en su medio ambiente ni un extranjero en su propio país. El arte
supera el estado de despersonalización, insertando al individuo en el
lugar al que pertenece» (Ana Mae Barbosa)
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Mediación, procesamiento
y coordinación general:
Prof. Esp: Carolina Eva Martínez
Prof: Marta Paz
Mediación y procesamiento
del material didáctico:
Prof: Matilde Ojeda
Profesores que colaboraron
en la elaboración del ingreso:
Prof: Verónica Aguirre
Prof: Sergio Maure
Prof: Silvina Negri
Prof: Carina Osorio
Prof: Rosana Quiroga
Prof: Sergio Rosas
Prof: Natalia Ziperovich