clasicismo 1.2 pdf
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EUROPA EN EL SIGLO XVIII
La muestra de Gersaint Antoine Watteau Charlotenburg Alemania
Durante el siglo VIII Europa vio duplicada su
población y paralelamente a esta crecimiento se
abrió al mundo y se desarrollo el gusto por lo
exótico. Europa se enriquecía debido al comercio
basado en el mercado de negros africanos y la venta
de productos tropicales, que llevaría a la expansión
de los países escandinavos, de Alemania y de la
Europa Danubiana.
DESARROLLO DE LAS
CIENCIAS Y LAS TÉCNICAS
Había un clímax cultural favorable debido a la puesta en practica
de descubrimientos efectuados en el siglo pasado por Galileo,
Descarte, Leibniz y Newton. Se desarrollaron las matemáticas y la
física y proliferaron las sociedades de pensadores y las publicaciones
especializados. Las obras de divulgación despertaron el interés del
público y los trabajos de las academias comenzaron a contar con el
apoyo de los soberanos.
La razón no solo se aplico a las ciencias
exactas si no también a la religión, filosofía,
política y economía. Todas ellas se abordaron
desde un pensamiento critico y como
consecuencia se denunciaban los prejuicios,
conservadurismos e injusticias. Las artes fueron
investidas de una función pedagógica.
CLASICISMO
La arquitectura barroca se extendió desde Italia hasta
Alemania. La península itálica tubo una función
importante en lo que se refiere a la conservación de las
formas; y su incomparable patrimonio se convirtió en
tema de estudio, tratando de defender lo bello y regresar
a lo clásico.
El juramento de los Horacios Jacques-louis David 17785 Oleo sobre tela, Museo de Louvre
La arquitectura barroca se extendió desde Italia hasta
Alemania. La península itálica tubo una función importante
en lo que se refiere a la conservación de las formas; y su
incomparable patrimonio se convirtió en tema de estudio,
tratando de defender lo bello y regresar a lo clásico.
El juramento de los HoraciosJacques-louis David 17785Oleo sobre tela, Museo de Louvre
DIBUJO EN COLOR
A comienzos del siglo XVIII las técnicas coloristicas
triunfaron en el debate académico, que oponía los rubensianos,
partidarios del color, con los poussinistas, defensores del
dibujo. Los dibujantes hicieron del dibujo un medio autónomo
capas de rivalizar con la pintura, perfeccionando los
procedimientos que habían desarrollado sus predecesores:
sanguínea, acuarela y pastel.
SANGUINA
La piedra de sanguínea es una arcilla ferruginosa, denominada en
ocasiones hematites, cuyo color oscila del rojo claro al café violáceo.
Su utilización se remonta a los dibujos parietales de la prehistoria,
durante la edad media se utilizo para realizar los dibujos preparatorios
para un fresco. Con el descubrimiento del papel este medio conquisto
a ls dibujantes como Leonardo da Vinci, Miguel Ángel, Rafael y
Pontormo. Fue utilizada por retratistas y posteriormente por
paisajistas.
Antoine Watteau
EL PASTEL
El pastel se presenta en forma de barra, esta compuesto por
colores puros molidos, mezclados con plomo, cola, talco o goma
arábiga. Esta proporcionaba un fácil uso, la posibilidad de realizar
bosquejos con rapidez. El principal defecto del pastel es su
volatilidad, lo que obliga a el uso de un poderoso fijador, el pastel
se utilizo en Francia como en Italia durante el renacimiento y en el
siglo XVIII este arte fue llevado a la perfección por ser tan
propicio para representar la luminosidad y lo aterciopelado de la
piel.
Maurice Quentin de la Tour
LA ACUARELA
Es una mezcla de pigmentos y goma
transparente, la acuarela es soluble en agua.
Fue utilizada desde el renacimiento para dar
vida al dibujo, también se utilizo en paisajes.
El arte Francés evoluciono a finales del
reinado de Luis XIV hacia una mayor
libertad, con el éxito creciente de los temas
galantes y la victoria de la propuesta
colorista: Se trato del triunfo de la pintura
rococó con sus temas alegres y colores
pasteles.
Una de las mayores
preocupaciones del siglo XVIII
era alcanzar la felicidad, lo que se
tradujo esencialmente en la
búsqueda del placer e incluso el
libertinaje. Por lo que se crearon
obras centradas en escenas donde
se representaba a una mitología
cortesana en un sentido erótico.
Hercules y OnfaliaFraçois Boucher Oleo sobre tela
En Inglaterra se encontraba en pleno
auge el arte del paisaje y dejaron de
buscar el sosiego que producía el arte
clásico, sino un nuevo placer combinado
con el desagrado, denominado lo
sublime. Por lo que tierras impenetrables
se volvieron en el lugar de esta suprema
emoción, donde el hombre contemplaba
la opresión de los elementos y
contemplaba, en la soledad, la rudeza que
lo rodeaba.
Claudio de Lorena
Los Mundos utópicos eran numerosos en el ámbito de la
literatura, que al servir como modelos de perfección, subrayaban
las carencias del mundo real. Lo que llevo a los artistas a crear
arquitecturas imaginarias con la posibilidad de jugar con sus
formas e inventar edificios con objetos estéticos.
Giovanni Batista Piranesi
A mediados del siglo XVIII, los escritos sobre
arte constituían el producto de artistas y entendidos
que formulaban principios o proponían tratados
técnicos. A partir de este período, los letrados
comenzaron a interesarse por este ámbito y a emitir
juicios críticos. Surgió entonces una nueva forma de
escritura artística, la crítica de arte, creándose así
también salones donde se exponían las obras de
arte.
En el siglo XVIII La pintura británica se
emancipo de las influencias nórdicas. Y a
menudo los cuadros ingleses solían
presentar caracteres literarios y satíricos. En
estos cuadros la evocación psicológica se
remontaba a un segundo plano y los
modelos se ubicaban en escenarios
arquitectónicos o campestres que evocaban
la riqueza de los templos antiguos o los
temas de la literatura pastoril.
Matrimonio a la moda IIWilliam Hogarth
LA ESCULTURA EN EL
SIGLO XVIII
El hombre fue el principal tema artístico en la Europa de las
luces, los reyes, la iglesia y la nobleza cortesana impusieron una
imagen gloriosa del hombre, siguiendo estrictos cánones de
belleza. Los escultores, limitados por estos esquemas, se
liberaron mediante una referencia común a los modelos
antiguos, que cada artista interpreto según su temperamento.
La gran ambición del siglo radico en traducir la naturaleza
humana, captada en su nobleza o en su simpleza.
La referencia de la antigüedad era constante, pero no
obstante, la percepción de las obras maestras evolucionaba con
los descubrimientos arqueológicos. El conocimiento literario
de la mitología grecorromana engendraría la alegoría de que
Venus representaba la belleza y Hércules representaba la
fuerza.
En Roma, los artistas también descubrieron Egipto en el
museo del capitolio, y oriente en las colecciones principescas.
Cupido fabricándose un arco
con la masa de Hércules
Edme Bouchardon
Claude Michel Llamado
EL CLASICISMO
Fue un periodo comprendido entre 1750 y 1800,
la música creada durante este periodo puede ser
considerada como una extensión del barroco o
como uno forma de proto-romanticismo, aunque en
ocasiones se utiliza el término de “estilo galante”
para referirse a algunas obras del siglo VIII francés
del clásico ligero.
Tampoco se puede hablar de estos 50 años en términos de
un movimiento general paneuropeo, ya que los grandes
progresos tuvieron lugar en una zona geográfica muy reducida.
Dentro de los compositores mas destacados de esta época
se encuentran
Christopr Wilibald von Gluck(1714-1787), Joseph Haydn
(1732-1809) Wolfgang Amadeus Mozart(1756-1793) y Ludwig
van Beethoven(1770-1827).
Se puede decir que durante este periodo el centro
musical se desplaza de Italia hacia el sur del mundo
germánico. Las fuentes de mecenazgos de
compositores recibirían un cambio gradual, la
dinámica en la que las cortes y la iglesia
proporcionaban manutención a los compositores
desaparecería, por lo que ahora dependían de de
ingresos de sus presentaciones publicas.
En el siglo VIII la melodía pasa a ser un
complemento plenamente funcional de la
armonía, casi todas las líneas melódicas de
este periodo constaran de escalas naturales y
arpegios con implicaciones
inconfundiblemente armónicas.
La longitud y estructura de las frases
musicales influidas por la opera también sufren
alteraciones, las frases son más largas, el ritmo
armónico se hace mas lento, y la métrica se
marca mas mediante la línea del bajo que a
través de los acentos fuertes en la melodía.
La simplificación de la línea melódica junto
con la concepción homofónica de la música que
culmina con la creación de una estructura básica
de frases antecedentes y frases consecuentes de
ocho compases, constituye gran parte de la
estética de clásica.
La música instrumental tomo gran
importancia, lo que guio a la creación de nuevos
géneros musicales que siguen vigentes hasta
nuestros días, como la sinfonía, el cuarteto de
cuerdas y la sonata para piano.
Las ideas de la ilustración se fueron expandiendo,
siguiendo las ideas de descarte y los enciclopedistas,
los artistas reniegan de la superstición y abrazan la
visión racionalista del universo. Esta corriente
filosófica alienta también a una reforma social que
propicia el acenso al poder de monarcas ilustrado.
La ilustración encontrara su máxima expresión en la
revolución francesa de 1789.
Uno de los argumentos de la ilustración era que el pensamiento
racional ampliaba la trascendencia del sentimiento y la emoción y
que por ello constituían esferas interdependientes de la actividad
humana. Las artes no escaparon de tener un antirracionalismo
como la “Empfindsamkeit” (Sensibilidad) y el Strum und Drag
(tormenta e impetu), que buscaban incrementar la respuesta
emocional del espectador, esto posteriormente jugaría un papel
importante en el surgimiento del romanticismo.
LA ORQUESTA Y EL PIANO
Muchos de los cambios que tuvieron lugar entre el barroco y el
Clasicismo se debieron a los avances en las técnicas instrumentales, por lo
que se puede decir que la orquesta clásica surge debido a estas mejoras
técnicas y el diseño de los instrumentos musicales.
Se considera que hacia 1750 se termina de establecer la familia de las
cuerdas, que por lo general consiste en dos grupos de violines, violas,
violonchelos y contrabajos, en la que los instrumentos antiguos como viola
da gama y habían desaparecido.
Las flautas reciben boquillas movibles que facilitan su afinación
y las nuevas llaves permiten aumentar el registro de los
instrumentos, Los oboes se fabricaban con un agujero mas
estrecho, que les otorgaba un timbre mas dulce en el registro
agudo y una afinación mas estable. Y el clarinete hizo su entrada
en la orquesta a mediados del siglo XVII con la obra de Rameau y
de Mozart, que compondría un concierto para este instrumento.
Tambien se extendió de manera sensible el registro del fagot
La Trompeta y la trompa encontraron también un lugar
dentro de la orquesta, los intérpretes de este ultimo
instrumento descubrieron que al introducir la mano dentro del
pabellón podrían modificar su afinación, ampliando sus
posibilidades.
De este modo a partir de 1750 las orquestas tienden a aumentar su
tamaño, en los últimos años del siglo XVIII comienza a desaparecer el
clavecín y cede su puesto al piano.El autor del primer piano fue
Bartolomeo Christofori en 1700.
LA SINFONÍA Y LA SONATA
El desarrollo central de la música y el periodo clásico, que lo aleja
del barroco y transforma la composición de los compositores en
cuanto a las dimensiones y la estructura de una obra fue la aparición
de la sonata. Este sistema de organización se basa en la yuxtaposición
de de dos bloques de música, de tonalidad y carácter contrastante, que
se desarrollan para volver a ser expuestos al final de la obra.
Este es el esquema que los compositores clásicos emplearon para
el primer movimiento de sus sinfonías, conciertos o cuartetos de
cuerdas, de ahí que recibiera también el nombre de forma del primer
movimiento. La forma sonata producía la sensación de que una obra
de grandes dimensiones se centraba en una tonalidad particular y
fortalecía la importancia de la tónica.
Aunque los movimientos de las suites barrocas tendían a girar
entorno a una idea musical, el origen de la forma sonata se
encuentra en las danzas barrocas de estructuras binarias AB,
formadas por dos secciones contrastantes. La idea de retornar al
material principal proviene del aria da capo y de la obertura
operística, genero que sirvió de base para la creación de la sinfonía
Los contrastes que los compositores podían obtener de
los sujetos, así como entre la exposición, el desarrollo y la
recapitulación, le permitieron mantener el interés de la
audiencia en un solo movimiento por mas tiempo que de lo
que anteriormente había sido posible.
La sinfonía fue el primer genero al que se le aplico la forma sonata,
aunque las primeras obras en las que se aplico la forma sonata, aunque las
primeras obras en las que se observa verdaderamente la codificación de la
nueva técnica son las sinfonías tempranas de Haydn.
Pero la sinfonía también se construyo a partir de otras forma, como la
sonata a trio, el concertó ripieno de Torelli y Vivaldi, y la sinfonía operística
italiana practicada por Alessandro Scarlatti, de estructura tripartita,
rápido.lento-rapido.
JOSEPH HAYDN
Nace en Rohrau, en la baja Austria, en el seno de una familia de
artesanos, desde pequeño muestra un gran talento musical. Entra
como niño cantor en Hainburg y luego en la catedral de San
Esteban en Viena y finalmente se hace maestro y músico
independiente. En 1750 conoce a Metastasio y al compositor de
operas italianas Nicola Porpora, de quienes recibe lecciones.
Sus primeros cuartetos de cuerdas y sinfonías llamaron la atención
del príncipe Pablo Antonio, de la familia de Esterházy, y comenzó a
trabajar para la familia en 1761 como segundo maestro de capilla y
posteriormente como primer maestro de capilla. Este puesto le dio
acceso a una gran variedad de músicos lo que le permitió componer
gran cantidad de cuartetos y sinfonías.
A excepción de los oratorios de la creación y las estaciones y sus
sonatas para teclado, debe su fama a sus sinfonías y a sus cuartetos de
cuerdas. Estos últimos se caracterizan por su semejanza formal con la
sinfonía, pero al mismo tiempo con exhiben un lenguaje característico.
Haydn también refino los principios de la forma sonata creo el esquema
ursatz (estructura fundamental), que los musicólogos usan como punto de
referencia. Además fue responsable de la popularización de la sonata-rondó
rápida que como último movimiento ABACA, y del empleo del tema con
variaciones como movimiento lento. Pero lo mas importante de su obra es
su capacidad de crear material musical complejo partiendo de de frases y
motivos en apariencia simples. Y mantuvo lazos de amistad con
compositores importantes como Mozart y Johann Albrechtsberger, este
ultimo fue uno de los maestros de Beethoven.
WOLFGANG AMADEUS
MOZARTNace en Salzburgo en el año de 1756. Su producción incluye operas,
sinfonías y conciertos, así como cuartetos de cuerda, música para piano
y de cámara. Se le considera el epitome del compositor clásico, por su
elegante concepción melódica y su profunda comprensión armónica.
El padre de Mozart, Leopold Mozart era un compositor y violinista
conocido en el momento de su nacimiento. Leopold hizo un gran
esfuerzo por proporcionar a sus 2 hijos la mejor educación, haciendo
hincapié en la música.
Los dos hermanos realizaron giras organizadas por su padre a todas
las cortes de Europa central, donde demostraban su habilidad en el
clavecín. Hasta el año de 1772 se mantuvieron en constante
movimiento y realizaron varios viajes a Italia, aunque Wolfgang no dejo
de componer.
Conocer a músicos y compositores muy diversos, y en especial a
Johann Christian Bach, fue de gran importancia para el desarrollo de su
estilo. Entre las piezas mas notables de esa época se encuentran sus
sonatas para violín y teclado, el singspiel bastian und Bastiana y varias
sinfonías.
La familia regreso a Salzburgo a finales del año de 1771. Sin
embargo un año después el príncipe de Salzburgo creo una nueva
reforma musical en la ciudad que redujo las oportunidades de
compositores alemanes e intérpretes, a los que relega a un
segundo plano a favor de los músicos italianos. A pesar de esto
Mozart logro conseguir un puesto como violinista en la orquesta
de la corte. Durante los siguientes años compuso varias misas
pero se dedico mas a la composición de obras instrumentales,
por lo general para patrones privados.
En 1777 pide que se le libere de sus obligaciones a la corte.
Se dirige a Mannhiem, con la esperanza de obtener un cargo
en este celebre centro musical. La noticia de la muerte de su
madre alcanzo a Mozart cuando viajaba a París, y poco tiempo
después se entera que había en puesto libre como organista de
la corte en Salzburgo, por lo que en 1779 regresa a su ciudad
natal para ocupar este cargo, ahí compuso la misa de la
coronación, entre otras obras litúrgicas de gran calidad.
En 1781 tuvo gran éxito con su opera Idomeneo, obra que
también fue estrenada en Munich. En el año de 1781 se produjo la
quiebra definitiva de Mozart, por lo que se instala en Viene, en la
casa de la familia Weber y un año después se casa con Constanze, una
de las hijas de Weber.
El joven compositor causa un gran impacto en la sociedad musical
de la capital imperial, y de inmediato es solicitado como interprete de
teclado. En una ocasión incluso el Emperador José II le pidió que
compitiera con el virtuoso compositor italiano Muzio Clementi.
En esta época Mozart compuso numerosas obras par piano solo, sonatas
para violin, piano y conciertos para piano, aunque su mayor triunfo lo vivió
con la opera “El rapto del serrano”. Esta ópera llamo la atención de Gluck,
que en esta época era considerado como la eminencia operística de Viena.
En 1783 Mozart viaja a Salzburgo para visitar a su padre y en el transcurso
del viaje de regreso compuso la sinfonía Linz, en la ciudad del mismo nombre
La fundación por obra de José II de un nuevo teatro de ópera italiana propicia
tres de los mayores triunfos. Las operas escritas en colaboración con el
libretista Lorenzo da Ponte: Las bodas de Fígaro, Don Giovanni y cosi fan
tutte.
La ultima opera que compondría Mozart seria en alemán, la flauta
mágica. Realizada por encargo del actor y empresario Schikaneder en
Viena. Se trata de un cuento de hadas, cuya trama es acerca del triunfo
del conocimiento ilustrado sobre la obscuridad de la ignorancia, que
plasma la la base del pensamiento ilustrado. Fue estrenada en 1791, el
año en que recibió el encargo para componer la misa de réquiem, que
no alcanzo a terminar.
El 5 de diciembre de 1791, Mozart aquejado de una grave fiebre
reumática, murió. Fue enterrado en el cementerio de St. Marx, en Viena,
después de una sencilla ceremonia.
La forma Sonata
Sonata, del italiano “Sonare”, que significa sonar, o tocar, es para los instrumentos como la cantata es para la voz.
Rousseau
El término “sonata” tiene más de 700 años, sin
embargo el sentido actual de la palabra, obra dividida
en movimientos contrastados (enlazados o
separados), es más reciente. A partir de los ricercari
para instrumentos del veneciano Andrea Gabrieli,
del Siglo XVI, y de las canzoni, de su sobrino
Giovanni, la sonata barroca, desarrollada
ampliamente por los Italianos y más tarde por los
alemanes y franceses, se dividió básicamente en 4
tipos diferentes:
• La “asimétrica” – rápido/fugado-danza-rápido, o
rápido-danza-rápido, con frecuencia con un adagio
antes o después de la danza central
• La “simétrica” de cinco movimientos – rápido-lento-
danza-lento-rápido
• La sonata da chiesa o sonata de Iglesia – lento-rápido-
lento-rápido
• La sonata de camera o sonata de cámara/corte
(generalmente basada en danzas)
Se suele decir que Corelli estableció las formas da
chiesa y da camera. Pero, al mismo tiempo, fue quien
mezcló ambas, borrando así la diferencia. También
afirma la tradición que las suites y partitas de Bach
y Haendel se desarrollaron a partir de la sonata da
camera, apoyadas sobre todo en las danzas, mientras
que en las sonatas vienesas lo hicieron a partir de la
más bien abstracta sonata da Chiesa.
Haydn Mozart Beethoven
Con Haydn, Mozart y Beethoven (más el Italiano Clementi
y el Bohemio Dussek), la sonata clásica para un
instrumento se impuso por sí misma como medio de
comunicación de una argumento profundo, expresión
personal, y aspiración filosófica, a la par de la sinfonía, el
concierto y el cuarteto de cuerdas (que no son sino
manifestaciones más extensas de la “sonata”). La forma
sonata se expandió como un principio estructural, tonal y
dramático, y el contraste de tonalidades dentro de cada
movimiento y de los movimientos entre sí, a menudo
reemplazando una melodía independiente, adquirió una
importancia desconocida en el barroco.
La aceleración y solución de las tensiones tonales se
convirtieron en la fuerza motora de la sonata. La
sonata vienesa tenía normalmente 3 movimientos
(un patrón rápido-lento-rápido) derivado de la
obertura italiana al estilo Alessandro Scarlatti, y de
los ejemplos del norte de Alemania del mayor de los
hijos de Bach, Carl Philipp Emanuel).
Beethoven (en paralelo con sus sinfonías y cuartetos), en
su canon de 32 sonatas, amplió éste patrón, incorporando
un minué o un scherzo (los más famosos son el de su
temprano opus 2 y del opus 106, de Hammersklavier).
Incluyendo su última sonata, la opus 111 en Do menor,
escribió varias con solo 2 movimientos, como lo había
hecho Haydn. Su joven contemporáneo Shcubert,
compuso sonatas normalmente en 3 y 4 movimientos;
combinó el carácter dramático con las melodías
intensamente líricas y experimentó con la forma y la
tonalidad.
El estilo de sonata de 1730
no es la de 1840. Las
exigencias de forma y
contenido han crecido por
encima de todo.
Schumann
Algunas Sonatas Importantes
Kuhnau: Sonatas bíblicas para clave
Bach: Sonata nº 3 en Do mayor para violín solo, BWV
1005
Domenico Scarlatti: Sonata para clavecín en Mi mayor, L.
23 (K 380)
Mozart: Sonata en La mayor, K. 331
Haydn: Sonata en Do mayor, Hob. XVI/50
Bartók: Sonata para violín solo
Beethoven: sonata en Mi menos Opus 106 (Hammersklavier)
Schubert: Sonata para piano en Si bemol, D. 960
Mendelssohn: Sonata para órgano en Fa menor, opus 65
nº 1
Liszt: Sonata para piano en Si menor
Scriabin: Sonata para piano nº 9, opus 68 (Misa negra)
Bartók: Sonata para violín solo
Durante la época romántica, la sonata cambió
la intimidad de las veladas de salón por el recital
público. Se fue volviendo una ocupación para
profesionales.
Muchos compositores del S.XX rechazaron la
sonata porque les parecía anticuada y
limitadora.
La sonata, en cualquiera de sus presentaciones,
para un instrumento o para orquesta de Haydn,
Mozart, y Beethoven a Mahler, Sibelius y
Shostakovich, ha sido el concepto musical a gran
escala más importante de la música occidental
desde las postrimerías del barroco.
El vehículo de lo sublime tiene
el mismo papel en música que
la épica en poesía, y el gran
fresco histórico en pintura. La
prueba de la habilidad técnica
residía en la fuga, pero la
prueba de la grandeza era la
sonata.
Charles Rosen
Para los románticos, era la forma suprema de música
instrumental. Para los clásicos, la sonata era una forma cerrada.
Para los románticos estaba abierta. Para los clásicos, una sonata
significaba obra de 3 o 4 movimientos, cada uno de un tipo
distinto y en un orden en específico: Movimiento rápido
(forma sonata), lento (variación, romanza, forma abreviada),
danza (minué, scherzo) y rápido (rondó, variaciones, forma
sonata). Para los románticos podía significar casi cualquier
cosa, desde la experiencia procedente de la tradición (Chopin,
Schumann, Brahms) hasta la innovación total (Liszt). En un
movimiento con estructura de sonata, los clásicos, los clásicos
por lo general situaban en clímax, en el final del desarrollo.
Los románticos lo situaban al final de la
reexposición, o incluso al final de la pieza. Para los
clásicos, el peso intelectual y emotivo de una sonata
se situaba normalmente en el allegro inicial. Los
románticos preferían desplazarlo al final, dejando los
demás movimientos, cada vez más similares, como
podemos ver en Brahms.
Para los compositores del barroco y en especial los Italianos
(Corelli, Germiniani, Locatelli, Tartini, Vivaldi, Veracini), la
sonata virtuosita para violín acompañado fue un fenómeno
importante. En ella, el violín estaba apoyado por una parte
de bajo continuo, normalmente a cargo de 2 instrumentos
(un clavecín para el relleno armónico, y una viola da gamba o
un violonchelo para doblar las notas del bajo). Ideada a
principios del S. XVII (en especial en los Affetti musiali de
Marini), las 12 Suonate a violono e violone o cembalo, opus 5
(Roma, 1700) de Corelli consolidaron un modelo
ampliamente adoptado, tanto por sus alumnos, como por
Bach y Haendel (que la extendieron incluyendo flauta
transversa y flauta dulce).
La sonata a dúo propiamente dicha, para
cualquier instrumento y piano, es un producto de
la época clásica. Ahora se busca una obra en la
que ambas partes estén igualadas, y no que una
esté musical o técnicamente al servicio de la otra.
Pero no siempre fue así.
Muchos de los primeros ejemplos (de Haydn,
Mozart o Boccherini) eran poco más sonatas para
teclado “acompañadas”, donde la parte “obbligata”
(en contraste con la práctica barroca) quedaba
confinada a un papel decorativo y de soporte.
Como sugieren las arcaicas expresiones de las
primeras ediciones la sonata para violonchelo, opus
102, de Beethoven y de la nº 1 de Brahms (para
piano con violonchelo1817), esta distinción, aunque
solo fuera una convención, se prolongó hasta bien
avanzado el periodo romántico.
Sonatas a dúo Importantes
Mozart: Sonata en Mi menor para violín y clave, K. 304
(1778)
Mozart: Sonata en Mi bemol para violín y clave, K. 380
Beethoven: Sonata en La mayor para violín y piano, opus 47
(A Kreutzer)
Chopin: Sonata en Sol menor para violonchelo y piano,
opus 65
Franck: Sonata en La mayor para violín y piano
Brahms: Sonata en Fa menor para clarinete (o viola) y
piano, opus 120 nº 1
Debussy: Sonata para flauta, viola, y arpa
Medtner: Sonata “Vocalise” para voz y piano, opus 41 nº 1
Hindemith: Sonata para contrabajo y piano
Poulenc: Sonata para flauta y piano
Nace en Rohrau, en la baja Austria, en el seno de una familia de
artesanos, desde pequeño muestra un gran talento musical. Entra
como niño cantor en Hainburg y luego en la catedral de San Esteban
en Viena y finalmente se hace maestro y músico independiente. En
1750 conoce a Metastasio y al compositor de operas italianas Nicola
Porpora, de quienes recibe lecciones.
JOSEPH HAYDN
Sus primeros cuartetos de cuerdas y sinfonías llamaron la atención
del príncipe Pablo Antonio, de la familia de Esterházy, y comenzó a
trabajar para la familia en 1761 como segundo maestro de capilla y
posteriormente como primer maestro de capilla. Este puesto le dio
acceso a una gran variedad de músicos lo que le permitió componer
gran cantidad de cuartetos y sinfonías.
A excepción de los oratorios de la creación y las estaciones y sus
sonatas para teclado, debe su fama a sus sinfonías y a sus cuartetos de
cuerdas. Estos últimos se caracterizan por su semejanza formal con la
sinfonía, pero al mismo tiempo con exhiben un lenguaje característico.
Haydn también refino los principios de la forma sonata
creo el esquema ursatz (estructura fundamental), que
los musicólogos usan como punto de referencia.
Además fue responsable de la popularización de la
sonata-rondó rápida que como último movimiento
ABACA, y del empleo del tema con variaciones como
movimiento lento. Pero lo mas importante de su obra
es su capacidad de crear material musical complejo
partiendo de de frases y motivos en apariencia simples.
Y mantuvo lazos de amistad con compositores
importantes como Mozart y Johann Albrechtsberger,
este ultimo fue uno de los maestros de Beethoven.
Symphony No. 53 'L'Imperiale' in D major, Hob.I:53: II. Andante
Haydn
Tema A - Comienza con un tema, el cual se repite varias veces con
variaciónes, luego intercala una nueva melodía con el tema inicial,
hasta que finalmente deja el tema inicial y hace variaciónes del segundo
tema, luego vuelve al tema inicial.
Coro B – Hace un tema nuevo en el cual intercala 2 voces haciendo
variaciónes distintas del sismo tema a la vez, luego cambia de tema, y
lo interpola repetidas veces.
A – B – A
(A – B – A) – (A – B) – (A – B – A)
String Quartet No. 60 in G Major, Op. 76, No. 1, Hob. III:75: I. Allegro con Spirito
Haydn
Intro - Comienza la pieza con una conversación entre 2 melodías, cada una
interpretada por un violín diferente, y después, ambos instrumentos interpretan la
misma melodía
Tema A (dentro de A) - La melodía es más rápida, con muchas voces haciendo
distintas melodías a la vez
Coro B (dentro de A) - Las voces principales se juntan denuevo, y van aumentando la
velocidad hasta que llegan a un punto en el que vuelven a reucirla
Intro – A – B – A – final
– (A – B – A – B) – (A – B) – (A – B – A)
Tema A (dentro de B) – 2 voces se van turnando, una acompaña y la otra hace el tema
Coro B (dentro de B) – Ambas voces hacen la melodía principal
Nace en Salzburgo en el año de 1756. Su producción incluye operas,
sinfonías y conciertos, así como cuartetos de cuerda, música para piano y
de cámara. Se le considera el epitome del compositor clásico, por su
elegante concepción melódica y su profunda comprensión armónica.
El padre de Mozart, Leopold Mozart era un compositor y violinista
conocido en el momento de su nacimiento. Leopold hizo un gran
esfuerzo por proporcionar a sus 2 hijos la mejor educación, haciendo
hincapié en la música.
WOLFGANG AMADEUS
MOZART
Los dos hermanos realizaron giras organizadas por su
padre a todas las cortes de Europa central, donde
demostraban su habilidad en el clavecín. Hasta el año de
1772 se mantuvieron en constante movimiento y
realizaron varios viajes a Italia, aunque Wolfgang no dejo
de componer.
Conocer a músicos y compositores muy diversos, y en
especial a Johann Christian Bach, fue de gran importancia
para el desarrollo de su estilo. Entre las piezas mas
notables de esa época se encuentran sus sonatas para
violín y teclado, el singspiel bastian und Bastiana y varias
sinfonías.
La familia regreso a Salzburgo a finales del año de
1771. Sin embargo un año después el príncipe de
Salzburgo creo una nueva reforma musical en la
ciudad que redujo las oportunidades de
compositores alemanes e intérpretes, a los que
relega a un segundo plano a favor de los músicos
italianos. A pesar de esto Mozart logro conseguir un
puesto como violinista en la orquesta de la corte.
Durante los siguientes años compuso varias misas
pero se dedico mas a la composición de obras
instrumentales, por lo general para patrones
privados.
En 1777 pide que se le libere de sus obligaciones a
la corte. Se dirige a Mannhiem, con la esperanza
de obtener un cargo en este celebre centro
musical. La noticia de la muerte de su madre
alcanzo a Mozart cuando viajaba a París, y poco
tiempo después se entera que había en puesto
libre como organista de la corte en Salzburgo, por
lo que en 1779 regresa a su ciudad natal para
ocupar este cargo, ahí compuso la misa de la
coronación, entre otras obras litúrgicas de gran
calidad.
En 1781 tuvo gran éxito con su opera Idomeneo, obra
que también fue estrenada en Munich. En el año de 1781
se produjo la quiebra definitiva de Mozart, por lo que se
instala en Viene, en la casa de la familia Weber y un año
después se casa con Constanze, una de las hijas de Weber.
El joven compositor causa un gran impacto en la
sociedad musical de la capital imperial, y de inmediato es
solicitado como interprete de teclado. En una ocasión
incluso el Emperador José II le pidió que compitiera con
el virtuoso compositor italiano Muzio Clementi.
En esta época Mozart compuso numerosas obras par piano
solo, sonatas para violin, piano y conciertos para piano,
aunque su mayor triunfo lo vivió con la opera “El rapto del
serrano”. Esta ópera llamo la atención de Gluck, que en esta
época era considerado como la eminencia operística de
Viena. En 1783 Mozart viaja a Salzburgo para visitar a su
padre y en el transcurso del viaje de regreso compuso la
sinfonía Linz, en la ciudad del mismo nombre La fundación
por obra de José II de un nuevo teatro de ópera italiana
propicia tres de los mayores triunfos. Las operas escritas en
colaboración con el libretista Lorenzo da Ponte: Las bodas
de Fígaro, Don Giovanni y cosi fan tutte.
La ultima opera que compondría Mozart seria en alemán,
la flauta mágica. Realizada por encargo del actor y
empresario Schikaneder en Viena. Se trata de un cuento de
hadas, cuya trama es acerca del triunfo del conocimiento
ilustrado sobre la obscuridad de la ignorancia, que plasma la
la base del pensamiento ilustrado. Fue estrenada en 1791, el
año en que recibió el encargo para componer la misa de
réquiem, que no alcanzo a terminar.
El 5 de diciembre de 1791, Mozart aquejado de una grave
fiebre reumática, murió. Fue enterrado en el cementerio de
St. Marx, en Viena, después de una sencilla ceremonia.
Giovanni Battista Sammartini
Nació en 1700-1701, Milán y murió 15 de enero
1775, Milán, compositor italiano que fue una
importante influencia formativa en la sinfonía de
pre-clásico y por lo tanto en el estilo clásico más
tarde desarrollado por Joseph Haydn y Wolfgang
Amadeus Mozart.
Hijo de Alexis Saint-Martin, un oboísta francés,
pasó la mayor parte de su vida en Milán, fue
organista de varias iglesias. Se dio a conocer primero
como compositor de música sacra. Fue uno de los
primeros en componer sinfonías para conciertos, su
ascendencia se encontraba en las oberturas de ópera
italiana. A medida que su orquesta y música de
cámara se hizo conocido fuera de Italia, que atrajo a
los alumnos a Milán, entre ellos Christoph Gluck,
que probablemente estudió con él en 1737-41.
Sammartini, fue un compositor prolífico, según
algunas estimaciones, produjo 2.000 obras. Es imposible,
sin embargo, para decidir si ciertas obras fueron
compuestas por él o por su hermano Giuseppe, o
incluso por Giovanni Battista Martini (1706-1784) o uno
de los forjadores numerosas que se aprovecharon de la
popularidad de sus obras auténticas. Sammartini
hermano, Giuseppe Sammartini (1695-1750), fue
reconocido como el mejor oboísta de su tiempo y
también fue un compositor destacado en Inglaterra,
donde pasó sus últimos años.
BIBLIOGRAFÍA
HISTORIA DE LA MUSICA DESDE LA ANTIGUEDAD HASTA NUESTROS DIAS
LORD, MARIA H.F.ULLMANN 2008 01 ed.
ISBN: 978-3-8331-4838-5 EAN: 9783833148385
Pestelli, Giorgio, La época de Mozart y Beethoven, edición española coordinada y revisada por Andrés Ruiz Tarazona,
traducción de Carlos Caranci, presentación de Alberto Basso, México, Dirección General de Publicaciones del
Conaculta/Turner Libros, 1999, 298 pp., ISBN Conaculta obra completa 970-18-3677-4, tomo VII 970-18-3684-7, ISBN
Turner Libros obra completa 84-7506-165-6, tomo VII 84-7506-163-X.
Enciclopedia de la música clásica, edición por Robert Ainsley ISBN: 84-342-2427-5
HISTORIA VISUAL DEL ARTE
Editorial: Larousse Editorial, S.A.
ISBN: 8483326442
http://www.britannica.com