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7/23/2019 Cinematografía - Wikipedia, La Enciclopedia Libre

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CinematografíaDe Wikipedia, la enciclopedia libre

Cinematografía (del griego: kí νηµα kínē ma 'movimiento' y γράφειν gráphein 'imagen, dibujo') es lacreación de imágenes en movimiento. Puede incluir el uso de la película o las imágenes digitales,normalmente con una cámara de vídeo. Está muy relacionado con el arte de la fotografía. Tanto dificultades

técnicas como numerosas posibilidades de creatividad surgen cuando la cámara y los elementos de la escenaestán en movimiento.

Índice

1 Historia2 Aspectos

2.1 Sensor de la imagen y cinematografía2.2 Filtros

2.3 Lente2.4 La profundidad del campo y el enfoque2.5 Relación de aspecto y el encuadre2.6 Iluminación2.7 Movimientos de cámara

3 Efectos especiales3.1 Velocidad de fotogramas

4 Personal5 Evolución de la tecnología: nuevas definiciones6 Festivales de cine

7 Véase también

Historia

La cinematografía ha sido siempre una forma de arte única para las películas de todo tipo de género. Aunquela exposición de imágenes en elementos de luz sensible se remonta a la temprana era del siglo XX, laspelículas pedían una nueva forma de fotografía, y nuevas técnicas estéticas. "Es plasmar una percepción enimágenes en movimiento con o sin sonido, tal vez distorsionada en la mayoría de las realizaciones

cinematográficas, pero con un sentido propio y de querer dar una visión más amplia, simple o compleja de larealidad, la historia, el concepto de futuro y de la ficción." (González Victor Raúl)

En la infancia del largometraje, el cinematógrafo ejercía también el papel de director y la persona quesostenía la cámara. Al tiempo en el que el arte y la tecnología evolucionaron, emergió una separación entreel director y el operador de cámara. Con la llegada de la luz artificial y mayor rapidez en las películas (mássensibles a la luz) y de los avances tecnológicos como la películas en color y las panorámicas, resultó que laproducción de películas especialmente en algunos aspectos técnicos requerían personal cada vez másespecializado. La cinematografía fue clave durante la era del cine mudo –no había sonido aparte de lamúsica de fondo, no había diálogo– y las películas se basaban en la iluminación, la actuación y lainterpretación.

En 1919 en Hollywood, se creó la nueva película capital del mundo, una de las primeras (que todavía existe)sociedades de comercio: La Sociedad Americana de Cinematógrafos (ASC), la cual permaneció paraorganizar la contribución de los cinematógrafos al arte y la ciencia de la creación de las películas. En otros

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países también se establecieron este tipo de asociaciones de comercio. La ASC define la cinematografíacomo "Un proceso creativo e interpretativo que culmina en la autoría de un trabajo original de arte más bienque una simple grabación de un evento físico".

La cinematografía no es una sub-categoría de la fotografía, sino que es una destreza que el cinematógrafoutiliza en adicción con otras técnicas físicas, organizativas, directivas, interpretativas y manipuladoras de laimagen para efectuar un proceso coherente.

Aspectos

Al arte de la cinematografía contribuyen muchos aspectos. Estos son:

Sensor de la imagen y cinematografía

La cinematografía puede empezar con roles de películas o un sensor digital de la imagen. Los avances en laproducción de películas y la estructura granulada proveyeron un amplio rango de películas fotográficasdisponibles. La selección de una película fotográfica fue una de las primeras decisiones tomada en la

preparación de la película típica del siglo veinte.Aparte de la selección del ancho de la película —8mm(aficionado), 16mm(semi-profesional),35mm(profesional) y 65mm( fotografía épica que se usa pocas veces excepto puntos de reunión para eventosespeciales)— el cinematógrafo tiene una selección de reservas en reversión (que cuando son reveladas creauna imagen positiva) y los formatos negativos junto con un amplio rango de velocidades de la película ( lasensibilidad hasta la luz) desde ISO 50 ( lento, menos sensibilidad a la luz) hasta 800 (muy rápido,extremadamente sensible a la luz) y respuestas distintas para el color ( baja saturación, alta saturación) ycontraste ( variando los niveles entre el negro puro ( no hay exposición) y el puro blanco( completasobreexposición).

Avances y ajustes para casi todas las medidas de la película creadas, los “super” formatos donde el área de lapelícula solía capturar un solo fotograma de una imagen expandida, aunque la medida física de la películapermanezca igual. Super 8 mm, super 16 mm y super 35 mm todos utilizan más del total del área de lapelícula para la imagen que sus no-super contrapartes “regulares”. A mayor dimensión de la película, másgrande será la resolución de claridad y cualidad técnica en la imagen.

Las técnicas empleadas por el laboratorio de películas para procesar la película fotográfica puede tambiénofrecer una considerable discrepancia en la imagen producida. Controlando la temperatura y variando laduración en la que la película es remojada en el desarrollo de productos químicos y saltando ciertos procesosquímicos ( o parcialmente saltando todos ellos. Los cinematógrafos pueden lograr diferentes vistas de una

sola película fotográfica en el laboratorio. Algunas técnicas que se pueden utilizar son las de revelado,bypass blanqueador y proceso cruzado.

El trabajo del siglo XXI utiliza en su totalidad cinematografía digital y no tiene películas fotográficas, perolas cámaras pueden estar ajustadas en diferentes formas que van más lejos de las habilidades de una películafotográfica en particular. Estas pueden proveer variando los grados de sensibilidad de color, el contraste dela imagen, la sensibilidad de la luz etc. Una cámara puede lograr toda la variedad de vistas de diferentesemulsiones, aunque es muy discutido como para que método de captura de la imagen es el “mejor” método.Los ajustes de la imagen digital ( ISO, contraste etc.) son ejecutados estimando los mismos ajustes quetendrían lugar si una película real estuviera en uso, y así son estas vulnerables a las percepciones del diseñodel sensor de las cámaras de varias películas fotográficas y los ajustes de los parámetros de la imagen.

Filtros

Los filtros, como los filtros de difusión o los filtros de efectos de color, también son ampliamente utilizados


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para mejorar los efectos del estado de ánimo o efectos dramáticos. La mayoría de los filtros fotográficos secomponen de dos piezas de vidrio óptico pegadas entre sí con una forma de imagen o material demanipulación de la luz entre el vidrio. En el caso de los filtros de color, a menudo en medio hay un colortranslúcido presionado entre dos planos de vidrio óptico. Los filtros de color funcionan mediante el bloqueode ciertas longitudes de onda que el color de la luz llega a la película. Con la película en color, esto funcionamuy intuitivamente, así pues un filtro azul reduce el paso al rojo, naranja y amarillo claro y crea un tinteazul en la película. Con las fotografías en blanco y negro, los filtros de color se utilizan poco, por ejemplo

un filtro de color amarillo, lo que reduce las longitudes de onda azules de la luz, puede ser utilizado paraoscurecer un cielo de verano (mediante la eliminación de la luz azul de golpear la película, por tanto en granmedida subexponiendo el cielo todo azul), aunque no sea un tono de piel más humano. Algunos cineastas,como Christopher Doyle, son muy conocidos por su uso innovador de los filtros. Los filtros pueden serutilizados en frente de la lente, o en algunos casos, detrás de la lente para diferentes efectos.

Lente

Con la lente se puede conectar a la cámara para dar una cierta mirada o sentir el efecto de enfoque, color,etc. Al igual que el ojo humano, la cámara crea perspectiva y las relaciones espaciales con el resto delmundo. Sin embargo, a diferencia de un ojo, una fotografía puede seleccionar diferentes lentes paradiferentes propósitos. La variación en la distancia focal es una de las ventajas principales. La longitud focalde la lente determina el ángulo de visión y, por lo tanto, el campo de visión. Los directores de fotografíapueden elegir entre una amplia gama de lentes angulares, “normales”, y lentes de enfoque largo, así comolos objetivos macro y otros sistemas especiales de lentes de efectos tales como lentes de baroscopio. Losobjetivos de un gran ángulo tienen longitudes focales cortas y distancias espaciales que hacen másevidentes. Una persona en la distancia parece mucho más pequeña, mientras que alguien de cerca es másgrande. Por otro lado, las lentes de enfoque largas reduce tales exageraciones, que representa los objetoslejanos aparentemente tan próximos entre sí y la perspectiva de aplanamiento.

Las diferencias entre la representación de la perspectiva no es debido a la longitud focal por sí mismo, sino

por la distancia entre los sujetos y la cámara. Por lo tanto, el uso de diferentes longitudes focales encombinación con otra cámara a distancia de sujetos crea esta representación diferente. Cambiando ladistancia focal solo mientras se mantiene la posición de la misma cámara no afecta la perspectiva, solamenteel ángulo de visión. Una lente de zoom permite a un operador de cámara cambiar su longitud focal dentro deun disparo o rápidamente entre configuraciones para los tiros. Como objetivos principales, se ofrece unamayor calidad óptica y son “más rápidas” (las grandes aberturas de diafragma, que puedan utilizarse enmenos luz) que los objetivos zoom, que se emplean a menudo en el cine profesional sobre las lentes dezoom. Ciertas escenas o incluso tipos de cine, sin embargo, puede requerir el uso de un zoom de velocidad ofacilidad de uso, así como vacunas que implican un movimiento zoom.

Como en otra fotografía, el control de la imagen expuesta se hace en la lente con el control de la abertura deldiafragma. De la selección, el director de fotografía necesita que todas las lentes sean grabadas con T-Stop,no con f-stop, por lo que la pérdida de luz es debido a la eventual, el vidrio no afecta al control de laexposición cuando se ajusta utilizando los medidores habituales. La elección de la abertura también afecta ala calidad de la imagen (aberraciones) y la profundidad de campo (véase más adelante).

La profundidad del campo y el enfoque

Un ejemplo de enfoque de tiro profundo se encuentra en el film Ciudadano Kane (1941): todo, incluso elsombrero en el primer plano y el muchacho (el joven Charles Foster Kane) en la distancia, se encuentran enun enfoque nítidoo. En Ciudadano Kane los directores de fotografía Gregg Toland y Orson Welles utilizan

estrictas aberturas para crear profundidad de campo muy grande en las escenas, a menudo haciendo que cadadetalle del primer plano y fondo se junten en un enfoque nítido. Esta práctica se conoce como la profundidadde campo. La profundidad de campo se convirtió en un dispositivo cinematográfico popular de la década de1940 en Hollywood.


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La distancia focal y la abertura del diafragma afectan a la profundidad de campo de una escena, es decir,hasta qué punto el fondo, a mediados de baja y el primer plano se representará en el “enfoque adecuado” (unsolo plano exacto de la imagen está en el foco exacto) en la película o de destino de vídeo. La profundidadde campo (que no debe confundirse con la profundidad de foco) se determina por el tamaño de la apertura yla distancia focal. Una gran profundidad o profundidad de campo se genera con una apertura muy pequeñadel iris y centrándose en un punto en la distancia, mientras que una menor profundidad de campo se puedelograr con una gran apertura del iris y centrándose más cerca de la lente. La profundidad de campo también

se rige por el tamaño de formato. Si se considera el campo de visión y el ángulo de visión, menor será laimagen, la distancia focal debe ser más corta, como para mantener el mismo campo de visión. Entonces,cuanto menor sea la imagen, la profundidad de campo se obtendrá más, para el mismo campo de visión. Porlo tanto, tiene menos de 70mm de profundidad de campo de 35mm para un campo determinado de vista,más de 16mm a 35mm y cámaras de vídeo aún con más profundidad de campo de 16mm. Comocamarógrafos tratan de emular el aspecto de película de 35mm con las cámaras digitales, este es un tema dela frustración, excesiva profundidad de campo con cámaras digitales y el uso de dispositivos ópticosadicionales para reducir esa profundidad de campo.

Hoy en día, la tendencia es un mayor enfoque superficial. Para cambiar el plano de enfoque de un objeto opersonaje a otro dentro de un disparo, se conoce comúnmente como un foco de rack.

Relación de aspecto y el encuadre

La relación de aspecto de una imagen es el cociente de su anchura a su altura. Esto se puede expresar comouna relación de 2 enteros, tales como 4/3, o en un formato decimal, como 1,33. Diferentes proporcionesofrecen diferentes efectos estéticos. Normas para la relación de aspecto han variado significativamente conel tiempo. Durante la época del cine mudo, las relaciones de aspecto variado ampliamente, abarca desde laplaza 1,1 , todo el camino hasta el extremo de pantalla ancha 4,01 Polyvision.Sin embargo, desde la décadade 1910, las imágenes mudas en movimiento en general, se establecieron en la proporción de 4:3 (1,33). Laintroducción del sonido en la película brevemente estrecha la relación de aspecto, para dejar espacio a una

banda de sonido. En 1932 se introdujo un nuevo parámetro, con la proporción de 1,37, con el fin deensanchar el marco.

Durante años, los directores de fotografía tradicionales se limitan al uso de la razón de la Academia, pero enla década de 1950, gracias a la popularidad de Cinerama, las tasas de pantalla ancha se introdujeron en unesfuerzo por sacar al público de nuevo al teatro/cine, fuera de su casa y lejos de sus televisores. Estas nuevaspanorámicas proporcionaban a los productores un fotograma mucho más amplio para componer susimágenes.

Varios sistemas de fotografía fueron inventados y utilizados en los años 50 para crear películas, pero hayuno que domina en la actualidad: el proceso anamórfico, que exprime ópticamente la imagen para

fotografiar el doble del tamaño en el área horizontal y el mismo tamaño vertical como las lentes “esféricas"estándar.

El primer uso común del formato anamórfico fue CinemaScope, que usó una proporción de 2.35, aunqueoriginalmente era de 2.55. CinemaScope se usó desde 1953 hasta 1967, pero debido a defectos técnicos en eldiseño y su posesión por Fox, terceras compañías, dirigidas por las mejoras técnicas de Panavision en losaños 50, dominan ahora el mercado de lentes anamórficas.

Los cambios en las proyecciones estándar de SMPTE alteraron las proporciones proyectadas de 2.35 a 2.39en 1970, aunque esto no alteraba nada excepto los estándares anamórficos de fotografía; todos los cambios

respecto a las proporciones de fotografía anamórfica de 35 mm son específicas a una cámara o proyector, yno al sistema óptico.

Tras la “guerra de las panorámicas” de los años 50, la industria cinematográfica estableció 1.85 comoestándar para las proyecciones en los Estados Unidos y el Reino Unido. Esta es una versión corta de 1.37.


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Europa y Asia optaron por 1.66 al principio, aunque el 1.85 ha permeado ampliamente estos mercados lasúltimas décadas. Ciertas películas “épicas” o de aventuras utilizaban el anamórfico 2.39.

En los años 90, con la llegada del vídeo en alta definición, los ingenieros de televisión crearon la proporciónde 1.78 (16:9) como compromiso matemático entre el estándar del cine de 1.85 y el de la televisión de 1.33,ya que no era práctico producir un tubo de televisión CTR tradicional con una anchura de 1.85. Hasta aquelmomento, no se había creado nada en 1.78. Hoy en día, este es un estándar para vídeos de alta definición ypara televisiones panorámicas. Algunas películas del cine se graban actualmente usando cámaras HDTV.

Iluminación

La iluminación es necesaria para crear la exposición de una imagen en un fotograma de una película o enuna tarjeta digital (CCD, etc.). El arte de la iluminación en cinematografía se aleja de la exposición básica,no obstante, en la esencia de cuenta-cuentos. La iluminación contribuye considerablemente a la respuestaemocional que la audiencia tiene al ver imágenes en movimiento. Como dijo una vez el director SahinMichael Derun: la diferencia entre porno y erotismo es la iluminación (simplemente remarcando laimportancia de la iluminación en cinematografía).

Movimientos de cámara

La cinematografía no solo puede representar un objeto en movimiento si no que puede usar una cámara querepresenta el punto de vista o perspectiva de la audiencia, que se mueve durante la filmación. El movimientouega un rol considerable en el lenguaje emocional de la filmación de imágenes y la reacción emocional de

la audiencia a la acción. Las técnicas se extienden desde los movimientos más básicos del “panning”(movimiento horizontal de un punto de vista desde una posición fija; como si giraras tu cabeza de un lado aotro) y “tilting” (movimiento vertical de un punto de vista desde una posición fija; como inclinar la cabezahacia atrás para mirar hacia el cielo y luego hacia el suelo) hasta el “dollying”(posicionando la cámara enuna plataforma en movimiento para acercarse o alejarse del objeto), “tracking”(posicionando la cámara en

una plataforma en movimiento para moverla hacia la izquierda y la derecha), cranning (moviendo la cámaraen una posición vertical; siendo capaz de levantarla del suelo así como balancearla de un lado a otro desdeuna posición fija), y combinaciones de las anteriores.

Las cámaras se han llegado a montar en casi cualquier medio de transporte imaginable; la mayoría de lascámaras también pueden ser de mano, eso quiere decir que están en manos del cámara, que la mueve de unaposición a otra mientras filman la acción. Las plataformas estabilizadoras se empezaron a utilizar a finalesde los años 70, durante la invención de Garret Brown, conocida como “Steadicam". La “Steadicam” es unarnés y estabilizador de brazos que se conecta con la cámara, apoyando la cámara mientras se aísla de losmovimientos de quien la usa. Después de que la patente de “Steadicam” caducara a principios de los 90,muchas otras compañías comenzaron manufacturando su concepto del propio estabilizador de cámaras.

Efectos especiales

Los primeros efectos especiales en el cine fueron creados mientras la película estaba siendo filmada. Estosempezaron a conocerse como los efectos “in-camera”. Más tarde, se desarrollaron efectos ópticos y digitalespara que los editores y artistas de efectos visuales pudieran controlar el proceso manipulando la película enpost-producción. Se pueden ver muchos ejemplos de efectos especiales “in-camera” en obras de GeorgesMéliès.

Velocidad de fotogramasLas imágenes en movimiento se representan a la audiencia a una velocidad constante. En el cine, es de 24fotogramas por segundo (FPS), en NTSC (EEUU) la televisión es de 30 fotogramas por segundo (29.97 paraser exactos), en PAL (Europa) la televisión es de 25 fotogramas por segundo. Esta velocidad de


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representación no varía.

Sin embargo, variando la velocidad en la que la imagen es capturada, varios efectos pueden ser creadossabiendo que la imagen grabada más rápida o lentamente se presentará a una velocidad constante. Porejemplo, la fotografía “time-lapse” se crea mediante la exposición de una imagen a una velocidad muy lenta.Si un cinematográfico coloca una cámara para exponer un fotograma cada minuto durante cuatro horas, ydespués ese material se proyecta a 24 fotogramas por segundo, un evento de 4 horas tardará 10 segundos enrepresentarse, y cualquiera puede presentar los eventos de un día entero (24 horas) en un solo minuto.

A la inversa, si una imagen es capturada a velocidades mayores de las que serán expuestas, el efecto es pararalentizar las imágenes (cámara lenta). Si un director de fotografía captura a una persona zambulléndose enuna piscina a una velocidad de 96 fotogramas por segundo y la imagen es expuesta a 24 fotogramas porsegundo, la representación durará 4 veces más que la acción real. La captura extrema de cámara lenta,capturando miles de fotogramas por segundo puede presentar cosas invisibles al ojo humano, como las balasen una guerra y las ondas expansivas viajando por el aire, una técnica cinematográfica potencialmentepoderosa.

Con imágenes en movimiento, la manipulación del tiempo y del espacio es un factor que contribuye

considerablemente a las herramientas para contar historias. La edición de películas juega un rol mucho másfuerte en esta manipulación, pero la selección de la velocidad de fotograma en la fotografía de la acciónoriginal también es un factor contribuyente en cuanto a la alteración del tiempo. Por ejemplo, Modern times

de Charles Chaplin fue filmada a una “velocidad silenciosa” (18 fps) pero proyectada a “velocidad desonido” (24 fps), que hace que las payasadas parezcan más frenéticas.

“Speed ramping” o simplemente “ramping”, es un proceso por el cual la velocidad de captura del fotogramacambia con el tiempo. Por ejemplo, si durante el proceso de 10 segundos de captura, la velocidad de capturase ajusta de 60 fotogramas por segundo a 24 fotogramas por segundo, cuando se pone en marcha a lavelocidad estándar de 24 fotogramas por segundo, se consigue una manipulación de tiempo excepcional. Porejemplo, alguien abriendo una puerta y saliendo a la calle parecería que empezara con cámara lenta, perounos segundos más tarde, y en la misma toma la persona parecería estar caminando a “tiempo real”(velocidad normal). De forma contraria se utiliza el "Speed ramping" en The Matrix cuando Neo vuelve aentrar en Matrix por primera vez para ver el Oráculo. Tal como sale del almacén, la cámara se acerca a Neoa una velocidad normal, pero cuanto más se acerca a la cara de Neo el tiempo parece que se vayaralentizando, prefigurando la manipulación del tiempo que luego se ve en la película de Matrix.

Personal

En orden jerárquico descendiente, este es el personal que está involucrado:

Director de fotografía también llamado cinematógrafo.Operador de cámara también llamado camarógrafo.Primer asistente de cámara también conocido como foquista.Segundo asistente de cámara también conocido como claquetista.

En la industria cinematográfica, el director de fotografía es el responsable de los aspectos técnicos de lasimágenes (iluminación, elección de las cámaras, composición, exposición, los filtros, selección de lapelícula), pero trabaja de cerca con el director para asegurar que la estética apoya la visión de la historiacontada por el director. Los directores de fotografía son los responsables del cámara, el maquinista y elequipo de iluminadores en plató, y por ello suelen ser llamados directores de fotografía o DFs. Según la

tradición inglesa, si el propio DF maneja la cámara, será llamado cinematógrafo. En pequeñas produccionesgeneralmente todas esas funciones las cumple una sola persona. La progresíon de la carrera normalmenteimplica subir la escala en segundo lugar, para finalmente manejar la cámara. Los directores de fotografíatoman muchas decisiones creativas e interpretativas en el transcurso de su trabajo, desde la preproducción


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hasta la postproducción, los cuales afectan el aspecto general de la película. Muchas de esas decisiones sonsimilares a lo que un fotógrafo necesita tener en cuenta cuando va a hacer una foto: el cinematógrafocontrola todas las decisiones de la película (from a range of available stocks with varying sensitivities tolight and color), la selección de las cámaras, los focos, apertura, exposición y focos. Sin embargo lacinematografía tiene un aspecto temporal (ver persistencia de la visión), no como la fotografía, que essimplemente una imagen quieta. También es más voluminoso y agotador trabajar con cámaras de vídeo, eimplica elecciones más complejas. Un cinematógrafo normalmente necesita trabajar en equipo más que un

fotógrafo, quien frecuentemente puede ser una sola persona. Como resultado, el trabajo del cinematógrafotambién incluye organización logística y gestión personal.

Evolución de la tecnología: nuevas definiciones

Tradicionalmente el término “cinematografía” se ha referido al trabajo con una clase de película hecha conpintura al agua, pero ahora es un sinónimo de la videografía y el vídeo digital debido a la popularidad de lacinematografía digital. El Proceso de imagen moderno también hizo posible modificar imágenes de maneraradical. Esto permitió a las nuevas disciplinas aprovechar algunas de las oportunidades que un día fueron deldominio exclusivo de los cinematógrafos.

Festivales de cine

Un festival de cine consiste en la proyección de cortos o largometrajes en un lugar determinado durante untiempo limitado.

Las proyecciones pueden estar abiertas al público o ser reservadas para críticos, periodistas o profesionales.

El festival de cine en muchas oportunidades es el primer encuentro entre la obra, sus creadores y el público.Es un momento clave en la vida de la película, dado que la misma puede ser muy cuestionada o consagrada

si obtiene un premio internacional, como por ejemplo un León de Oro en el Festival de Venecia, el Oso deOro en el Festival de Berlín o la Palma de Oro en el Festival de Cannes.

Por otra parte los festivales permiten el descubrimiento de nuevos directores y sirven para la promoción delas películas.

Véase también

CinematógrafoEfectos especiales

Óscar a la mejor fotografíaCine digitalEquipoProducción audiovisualTeoría cinematográficaHistoria del cinePelícula fotográfica

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