catalogo de ida y vuelta

De ida… y vueltaApuntes sobre viajes, acciones y recorridos

Del 8 de marzo al 27 de mayo de 2012 Espacio de Creación Contemporánea, ECCO,

Cádiz

Alcaldesa de CádizTeófila Martínez Saiz

Presidente de BANKIARodrigo de Rato Figaredo

Teniente de Alcaldesa. Concejal de Cultura del Ayuntamiento de Cádiz

Antonio Castillo Rama

EXPOSICIÓN

ComisarioIgnacio Cabrero

Coordinación ECCOLorena Benot

Fundación Municipal de CulturaAyuntamiento de Cádiz

Montaje y diseñoIntervento

TransporteInterventoSegurosMAPFRE

CATÁLOGO

DiseñoDisismaineim

TextosÓscar Alonso / Ignacio Cabrero

EdiciónAntonia Castaño

ImpresiónV. A. Impresores

Depósito legalM-8152-2012

Con motivo de las celebraciones del Bicentenario de la Constitución española, presentamos la exposición De ida... y vuelta en el nuevo Centro del Ayuntamiento de Cádiz, Espacio de Creación Contemporánea, ECCO. La apertura de ECCO es, sin duda, un importante acontecimiento para la ciudad de Cádiz y sus habitantes, y es un honor para Bankia poder participar en su inauguración.

La exposición se articula en torno a cuatro áreas temáticas: el viaje a través de la historia y la memoria; acciones y recorridos; el paisaje como evocación del viaje, y la ciudad como final del viaje. El viaje como metáfora sirve para establecer un interesante diálogo entre veinticuatro proyectos de artistas iberoamericanos y españoles que coinciden en sus preocupaciones y narrativas. A través de técnicas que incluyen la fotografía, el vídeo, la instalación, la pintura, la animación o el dibujo, la muestra reflexiona sobre el mundo globalizado y los movimientos migratorios, al mismo tiempo que nos revela la excelente calidad de la práctica artística contemporánea, tanto en nuestro país como en Iberoamérica. Con esta exposición queremos seguir apoyando al arte contemporáneo, así como celebrar la apertura de este nuevo Centro, que estamos seguros contribuirá a que la ciudad de Cádiz sigua siendo un lugar abierto, de tradicional encuentro de viajeros e ideas de América y Europa, y escenario de acogida, como lo fue de esa primera Constitución de 1812, considerada un baluarte de libertad. Nada mejor que la inauguración de este nuevo Espacio de Creación Contemporánea para celebrar el bicentenario de ese primer e innovador código político, nacido de acuerdo con el movimiento constitucionalista europeo contemporáneo.

Rodrigo de Rato FigaredoPresidente de BANKIA

Parecía lejano el hecho de que la ciudad de Cádiz asistiera en un futuro 2012 a la eclosión cultural que se le avecinaba, con motivo de la titularidad como Capital Iberoamericana de la Cultura y la celebración del Bicentenario Constitucional.

Hoy, por fin, comenzamos a desarrollar con ilusión aquellas actividades que hemos ido trazando años atrás, con el fin de otorgar a nuestra ciudad un papel privilegiado como punto de encuentro cultural.

La apuesta firme del Ayuntamiento de Cádiz por el desarrollo de un tejido cultural de peso en la ciudad ha posibilitado la realización de un espacio para la creación, exhibición, producción, experimentación y educación en materia artística contemporánea. Ahora, sólo nos queda poner en marcha todos nuestros esfuerzos para que este edificio se convierta en un gran catalizador de las necesidades, ofertas y demandas, de un territorio que debe y que tiene derecho a tomar la cultura como disfrute, y que debe ver en la creación contemporánea una fuente de riqueza y conocimiento.

Son muchos los lazos de colaboración que hemos ido estableciendo en los últimos años con diferentes entidades del ámbito nacional e internacional, los cuales hoy se ven materializados en una amplia programación que se irá desarrollando a lo largo de este año. Exposiciones, teatro, música, moda, danza y múltiples actos ocuparán nuestros espacios culturales y calles durante este importante período.

De ida... y vuelta es una de las grandes aportaciones de BANKIA a nuestra celebración: una magnífica selección de artistas jóvenes iberoamericanos de su colección se unen en una gran exposición en el nuevo Espacio de Creación Contemporánea de Cádiz, ECCO, que hoy abre sus puertas para acoger el arte más actual. Un edificio que, sin duda alguna, ha supuesto uno de nuestros más ansiados proyectos y que, a lo largo de este año tan especial, albergará las propuestas más vanguardistas dentro de una programación de marcado carácter iberoamericano.

Qué duda cabe que es para nosotros un auténtico honor contar con una de las instituciones que más ha creído en la cultura como eje dinamizador social y educativo, como muestran muchos de los proyectos llevados a cabo desde sus inicios.

Como Alcaldesa, sólo me queda agradecer una vez más su colaboración a BANKIA, así como invitar a todos los ciudadanos y visitantes a participar en todas estas actividades, que con gran esfuerzo e ilusión vamos a realizar.

Teófila Martínez SaizAlcaldesa de Cádiz

Hoy tenemos el placer de afirmar que el antiguo cuartel de artillería de 1832 abre sus puertas transformado en un gran equipamiento cultural que, dedicado al arte contemporáneo más actual, acogerá a partir de este año una programación expositiva internacional de calidad cuyo nexo de unión será Iberoamérica.

Un espacio de arte y no centro. Un edificio que sirva como instrumento de agitación popular, de encuentros y desencuentros, de reflexión y debate, cercano a todos los públicos y dedicado al arte contemporáneo. Ésta es la línea de actuación que marca nuestro proyecto, la filosofía que seguirá guiando nuestro trabajo en años venideros.

ECCO, Espacio de Creación Contemporánea, da el pistoletazo de salida con la exposición De ida... y vuelta, un proyecto que reúne un total de veinticuatro obras de artistas de la Colección Caja Madrid, quienes reflexionan a través de sus creaciones en el concepto de migraciones y las diferentes experiencias surgidas a través de la idea de tránsito y movimiento; una exposición donde artistas procedentes de un lado y otro del Atlántico ponen de manifiesto, a través de diferentes lenguajes de creación, sus inquietudes artísticas desde un punto de partida bien distinto.

Desde la Fundación Municipal de Cultura del Ayuntamiento de Cádiz queremos manifestar nuestro agradecimiento a BANKIA por su buena disposición desde un primer momento a tomar parte activa en este ansiado año 2012 con este magnífico proyecto.

Enhorabuena a todos.

Antonio Castillo RamaTeniente de Alcaldesa. Concejal de Cultura del Ayuntamiento de Cádiz

De “ires”... y “venires”

Viajar, recorrer, caminar, pasear... La idea del viaje ha estado siempre presente en la historia del arte, no sólo como inspiración, sino también como parte de un proceso existencial de los artistas. Desde el romanticismo, el viaje se ha asociado a la búsqueda de conocimiento, en relación tanto a lugares físicos inexplorados como a espacios interiores del propio ser. La acción de viajar, en cualquiera de sus etapas, siempre supone una experiencia, ya sea de búsqueda, de encuentro o incluso de pérdida. Como una metáfora de la existencia, el viaje describe un círculo en su configuración como una experiencia de ida y una experiencia de vuelta.

En un sentido amplio, el viaje también se realiza caminando por nuestra ciudad e incluso por nuestra propia casa. Es el viaje interior, al que apuntaba Pessoa con estas palabras: “para viajar basta con existir. Voy de día a día, como de estación en estación, en el tren de mi cuerpo, o de mi destino, asomado a las calles y a las plazas, a los gestos y a los rostros, siempre iguales y siempre diferentes como, al final, lo son todos los paisajes”.

Caminar sin rumbo por las calles de la ciudad; perderse y dejar que la ciudad te guíe. Actuar como el flâneur descrito por Walter Benjamin en sus Pasajes, ese hombre para el que “callejear” es la actividad más genuina de la vida; una actividad que convierte el espacio público de la calle en lo que para el burgués es el espacio privado. Hacer del espacio público un laberinto en el que “deambular”, como planteaban los situacionistas. La dérive y el détournement propuestos por el pensador Guy Debord apuntan a una nueva idea de “viaje” a través de ese espacio desorientado del laberinto, en un sentido doble: la desorientación que se persigue conscientemente, pero también la noción de laberinto como estructura de organización mental y método de creación, vagabundeos y errores, trayectos y caminos sin salida.

El arte actual trata el tema del viaje ya no sólo como ese ámbito de inspiración, sino como medio de subsistencia: el viaje en cuanto necesidad impuesta por una realidad social o política. Un viaje éste desprovisto de romanticismo y con una fuerte carga de ruptura, dolor y desarraigo a la que no son ajenos los artistas.

La idea del viaje, del recorrer, está especialmente arraigada en los artistas latinoamericanos y sus constantes “idas y venidas” entre un lado y otro del Atlántico. También en la historia reciente de España y Europa, los flujos migratorios han encontrado reflejo en la obra de numerosos creadores. Tanto en los artistas latinoamericanos como en los españoles, la experiencia contemporánea del viaje está vinculada a razones políticas, sociales y culturales, que les impulsan a la vivencia del espacio

recorrido, el espacio abandonado o el espacio ansiado. Pero el viaje migratorio no es sólo espacial, sino igualmente existencial, y de ahí la necesidad por parte de los artistas de representar los distintos estados de sus “viajes” a la hora de abordar sus proyectos.

En esta exposición se presentan veinticuatro proyectos –pertenecientes a la Colección Caja Madrid– de artistas latinoamericanos en diálogo con artistas españoles o residentes en España. Artistas procedentes de diversos países: México, Colombia, Venezuela, Argentina, Cuba, Chile, Brasil, España, Austria y Alemania. Proyectos que transmiten preocupaciones comunes en torno al viaje, los recorridos, las acciones “de ir y venir”. No es de extrañar, dado que casi todos los autores han vivido en distintos países, entre Europa y América, con historias familiares desarrolladas en diversos lugares, y de alguna forma continúan “de acá para allá”, entre un lado y otro del Atlántico.

A través de técnicas que incluyen la fotografía, el vídeo, la instalación, la pintura, la animación o el dibujo, estos veinticuatro proyectos tratan conceptos como el desplazamiento, la memoria, la historia, o versan sobre el paisaje como un no-lugar, o un lugar que podría estar “aquí o allá”. Ciudades atemporales, recorridos urbanos; acciones y migraciones en espacios interiores; paisajes “vagos” que aluden a lugares imaginados, soñados o perdidos. Nada es fijo; todo es susceptible de verse afectado por la movilidad.

Viajar a través de la historia y la memoria

El tema del viaje “a través del tiempo” es objeto de indagación por parte de numerosos artistas, bien como una mirada hacia delante, proyectada, o bien hacia atrás, formulada como recuerdo. Se trata del viaje como recorrido interior a través del tiempo y la memoria.

La elaboración de la propia memoria a partir de la experiencia personal y como acto de resistencia frente a la memoria oficial centra la obra de la artista española María Ruido presente en esta muestra. La memoria interior parte del relato de la historia familiar de la artista para, indagando en el recuerdo de la reciente emigración desde España a Alemania, proponer una reflexión sobre los mecanismos del olvido y el recuerdo, y subrayar la memoria en su dimensión de vínculo y diálogo. La construcción de la memoria se plantea como tarea común mediante la cual articular las experiencias personales y colectivas que deriven en una historia de signo diverso.

El artista argentino Matías Costa, en su proyecto titulado Genealogía #03, trata también la memoria familiar y el olvido, realizando un recorrido inverso por las líneas migratorias trazadas por su familia a lo largo del siglo pasado entre Europa y América. Un viaje rastreando las huellas de otros recorridos, haciéndolas presentes y manifestando su anhelo de perfección: el viaje circular, que a la experiencia de la ida habría de sumar el placer de la vuelta. El artista se encuentra embarcado en un proceso sin final posible, donde la memoria se desvela en sus infinitas interconexiones y como complejo y frágil mapa cuyos trazos siguen dibujándose en el presente.

Para la artista venezolana Patricia Esquivias, el vídeo es el medio capaz de traducir de una manera más satisfactoria las ideas que aborda en su obra, donde explora de forma heterodoxa la historia apoyándose en acontecimientos cotidianos. En su vídeo Folklore #3, tercero de una serie sobre España, indaga en la construcción de la idiosincrasia española en relación con sus propias experiencias y poniendo en juego fenómenos de la cultura popular. En sus narraciones, contadas por la propia artista en inglés con subtítulos en español, parte de determinados aspectos de la memoria colectiva al hilo de los cuales va introduciendo su propio punto de vista. De nuevo, reescribir la historia a través de pequeñas historias personales.

De la construcción de una determinada historia personal, del tiempo y la memoria, nos habla, así mismo, la artista argentina Francisca López en su trabajo en torno a Bandi Binder, fotógrafo húngaro que emigró a Argentina en su juventud. Se trata de un amplio proyecto fotográfico en el que la autora, basándose en una serie de imágenes que Bandi Binder le muestra y en las que aparecen diferentes habitaciones de la casa en la que éste vive con su mujer, repite las tomas años después. Los mismos espacios, reescritos visualmente por la acumulación, en mesas, estanterías y paredes, de objetos que remiten al recuerdo, se convierten en estas nuevas imágenes en testimonios de la memoria. Francisca López viaja también a los lugares evocados tanto por el propio Bandi Binder como por la biografía escrita por su mujer para preservarlos del olvido mediante la fotografía. El proyecto se completa con una serie de imágenes de Bandi Binder y su esposa, realizadas cuando él ha perdido la memoria y ella le cuenta una antigua historia, despertando en su rostro el desconcierto, la alegría, el esfuerzo por alcanzar esos recuerdos.

El artista brasileño Dídac P. Lagarriga aborda en su proyecto Tradicciones el tema del paso del tiempo y de la recuperación de la memoria enfocándolo en la tradición y concretamente en la música como una de sus manifestaciones. Asumiendo la traición que implica toda traducción, muestra las maneras de armar

y desarmar la tradición por medio de la música. Un viaje que, a través de entrevistas, citas, artículos, música e imágenes, traza un recorrido por la identidad y la diversidad, y en el que imaginación se presenta como elemento decisivo en la conformación de la conciencia de uno mismo y del otro.

Y es que ya lo decía Pessoa a ese muchachito que coleccionaba folletos de ciudades y países, mapas e ilustraciones de paisajes exóticos, imágenes de barcos y navíos: “No sólo es mejor, sino más verdadero, soñar con Burdeos que desembarcar en Burdeos”.

Acciones y recorridos

El viaje inscrito en las acciones cotidianas, en el “de aquí para allá”, dentro de un determinado espacio, ya sea público o privado. El viaje como recorrido activo que permite la apropiación de un espacio, de una ciudad, de un país, de un territorio.

Las acciones así planteadas suponen realizar un viaje por un territorio concreto, ya sea el de la ciudad de los flâneurs o el de la privacidad del espacio doméstico. Perderse en lugares desconocidos como medio de inspiración, para toparse de manera casual con acontecimientos inesperados o realizar descubrimientos como el encuentro que nos narra Breton, en su libro Nadja, con la Tour de Saint-Jacques una noche en París. Esperar la aparición del azar en medio del recorrido cotidiano. También ser nómada en tu propia ciudad como experiencia reveladora, pues el artista actual ya ha estado en todas partes, y después de muchos viajes continúa buscando llenar ese vacío, esa ausencia de la que habla Estrella de Diego en sus Travesías por la incertidumbre: “Salir de viaje es, en el fondo, un recurso frecuente para llenar los vacíos, una estratagema que se sabe de partida abocada al fracaso”. Un fracaso que seduce a los artistas como móvil para continuar buscando, recorriendo, viajando.

Recorrer el camino que va de la experiencia al recuerdo, del recuerdo a la memoria y de la memoria a la narración es el proceso que subyace en la obra de la artista española Carolina Silva. La historia que narra en su trabajo videográfico Sunday Lovely nos habla de esa sensación de abismo que se siente al perderse en lugares desconocidos, así como del poder revelador de esa sensación. Nos muestra las imágenes tomadas durante un trayecto en el que acaba perdida en una desolada zona industrial de una ciudad japonesa, y el “encuentro fortuito” del triciclo en el que pasea con una lujosa limusina. Lo anecdótico del episodio se desvela como mecanismo desencadenante de un viaje imaginario donde la descontextualización de los elementos les lleva a cargarse de significados insólitos. Un paseo sin principio ni

fin, acorde con esa idea del “viaje” a la que aludía Guy Debord a través del espacio desorientado del laberinto.

El artista colombiano Felipe Barragán realiza, en sus Dibujos migratorios, una operación de metonimia para, mediante la representación de una serie de carros ambulantes, hablar de las personas de condición nómada en el ámbito de la urbe contemporánea. Presentados al modo de naturalezas muertas con el despliegue de todos sus detalles, esos objetos intensifican su fuerza evocadora precisamente por su tratamiento aislado, haciendo presentes a los seres que recorren con ellos la geografía urbana transportando su mismo modo de subsistencia, y con él su aislamiento y su anhelo de integración en el tejido que configuran los demás recorridos por la ciudad.

El también colombiano Fernando Rubio Ahumada plantea en su proyecto Desplazamientos (Tres Trampas y un Ratón), integrado en una serie de instalaciones, dibujos y esculturas, el hecho del “cambio de lugar” tanto en su aspecto espacial y temporal como, sobre todo, en su incidencia en la transformación de la percepción y el sentido de la experiencia vital. En su obra, los elementos y técnicas diversos funcionan como mecanismos lingüísticos para remitirnos a coordenadas de espacio y tiempo distintas a las que compartimos en el presente, aunque puedan corresponder a espacios y tiempos paralelos a los nuestros.

Como rastros o huellas del paso del tiempo funcionan los objetos que, ya sea mediante su presencia física o evocados a través del dibujo, se insertan a modo de pequeña colección en la obra El método de la artista colombiana Pilar Barrios. Su interés por otras culturas la impulsan a realizar constantes viajes, cuyas experiencias nutren formal y conceptualmente sus proyectos. Concretamente en éste, el viaje es sometido a la óptica de la cotidianidad para señalar el discreto protagonismo que recae en las acciones reiteradas diariamente, en el recorrido cíclico que estructura los actos de cada día. Un diálogo en igualdad de condiciones entre objeto y dibujo, ambos como testimonio de los actos comunes que jalonan repetidamente el recorrido temporal. Del viaje como fuente de investigación artística nace el proyecto del español Juan Linares y la austriaca Erika Arzt. Su ilustrativo título, ¿Pero cómo puede esta obra no pensar sobre nada?, se hace eco del proceso mismo de concepción de la pieza, durante el cual la “desorientación” producida por el inminente viaje a un lugar lejano, Cali (Colombia) –donde los artistas debían desarrollar un proyecto–, dejó la puerta abierta a la intervención del azar: de la anecdótica observación de la pantalla esférica de una lámpara surgió la idea “dadá” de una bola inflable de plástico que acabaron dejando rodar por las empinadas calles de Cali, provocando una relación entre el azaroso recorrido de la bola –que

incluía el de la elaboración misma del objeto– con los habitantes del lugar. Una acción que queda recogida en diversos soportes (vídeo, fotografía...) y que se inscribe en la propuesta general de los autores en relación al lugar como proceso en constante transformación y su interés por plantear narrativas insólitas que interactúen con nuestros escenarios vitales.

En Acciones periféricas, la artista chilena Tatiana Donoso Matthews utiliza el vídeo como documento de una serie de acciones cuyo escenario son determinados barrios de la periferia de tres ciudades españolas: Barcelona, Madrid y Bilbao, escenarios que recorre retratando a sus habitantes. A ese recorrido sigue la ocupación de la vía pública transformándola en galería donde se exhibe el conjunto de retratos, que refleja la mezcla de vecinos recién instalados allí con quienes llegaron durante los años sesenta. Así, en sus desplazamientos diarios, los habitantes del barrio se ven confrontados con las reacciones de diverso signo que en ellos suscitan esas imágenes. Un recorrido urbano en el que la ruptura con lo cotidiano provocada por ese inesperado encuentro crea un marco para el cuestionamiento, la reflexión y el diálogo.

Los artistas españoles David Bestué y Marc Vives también han planteado en numerosas ocasiones su trabajo a modo de intervención en el espacio público, al que someten a una relectura en función de la inserción en él de elementos de su singular imaginario. Incidiendo en la dicotomía público/privado, en su vídeo Acciones en casa, en cambio, el escenario tiene los estrictos límites del espacio doméstico, privado, en el que se desarrollan más de cien acciones a modo de catálogo de objetos y fantasías. El viaje es, en este caso, fruto de una operación en la que el objeto común y el gesto cotidiano se ven redimensionados a través del ingrediente de la imaginación, aunque sin vocación de alcanzar ninguna estatura narrativa, sino apoyados en la mera yuxtaposición.

Con su obra de la serie Haciéndome el sueco, el artista español Juan del Junco manifiesta su interés por la aplicación de los postulados de la ciencia, en concreto de las ciencias naturales, a su obra fotográfica. El recorrido es aquí el de la metodología de estudio que busca alcanzar un conocimiento estructurado, sistematizado. En concreto, en esta pieza estudia los recorridos espaciotemporales de las salamanquesas que se acercaban a su casa, trazando las migraciones de estos animales en su búsqueda de alimento. Un viaje metafórico –podría apuntarse– del ser vivo impelido por la necesidad, con el ingrediente irónico de que el cambio de piel de estos animales ofrece, en última instancia, resistencia a la aplicación de los parámetros sistemáticos del lenguaje científico.

El paisaje como evocación del viaje

El paisaje en cuanto elemento en el que queda atesorada la experiencia del viaje –ya haya sido éste realizado, constituya un objeto de anhelo o sea netamente imaginado– ha supuesto tradicionalmente un motivo para la creación y la reflexión. Y ello sujeto a todos los matices que tanto la idea de paisaje como la de viaje han suscitado y contemporáneamente siguen suscitando; si Voltaire afirmó que el verdadero viaje de descubrimiento no consistía en la búsqueda de nuevas tierras, sino en mirarlas con nuevos ojos, Pessoa devolvía la idea diciendo que los verdaderos paisajes son los que nosotros mismos creamos, pues así los vemos como verdaderamente son. En ambos casos, ni el viaje ni el paisaje que lo evoca son algo que nos es dado, sino una experiencia a configurar por la propia mirada.

En su proyecto interactivo Mudar el paisaje, la artista argentina Carolina Belén Martínez muestra su personal forma de pensar el paisaje. Buscando dar un orden a los fragmentos de experiencias derivadas de sus viajes, los fusiona en un intento de apropiación que genera nuevos mapas y recorridos personales. La “realidad” de ese paisaje radica precisamente en la mirada proyectada por la autora, que, sin transformar cada una de las “realidades” concretas previamente existentes, interviene para dar estructura a la condición fragmentaria de su experiencia del viaje.

El artista cubano Loidys Carnero Pineda, en su obra Parkings, alude a la redefinición del paisaje contemporáneo como construcción y artificio. Dibujos creados con herramientas informáticas en los que queda subrayada la equivalencia entre el medio y el mensaje: no hay paisaje original, sólo réplicas virtuales, visualizaciones del carácter no marcado, impersonal, del escenario urbano que habitamos. Paisajes correspondientes a un espacio y un tiempo tan ficticios como evidentes, producto de una experiencia virtual del viaje.

En la inestable frontera entre la tierra y el mar se sitúa la idea de paisaje que la artista española Eva Miquel plasma en la serie fotográfica a la que pertenece su obra Entre la mirada i la distància. El viaje es aquí el de la inquietante búsqueda de unas coordenadas que den estabilidad a la visión, de un horizonte que permita la contemplación. Nada de ello ocurre; el paisaje queda suspendido, flotando, ajeno a quien se muestra dispuesto a salvar la distancia que lo separa de un punto lejano donde gravitar.

Desde que llegó a España desde Alemania, Philipp Fröhlich busca el duende del que hablaba Federico García Lorca en su conferencia “Teoría y juego del duende”. Y lo hace a través de su pintura, escenificando su mirada interior con un lenguaje en

el límite entre la figuración y la abstracción. Espacios “irreales” pero quizá posibles; paisajes del pensamiento que resultan de un recorrido que, habiendo partido de una realidad tangible –un pasaje literario, una pieza de música experimental...–, se despega de ella en cuanto a referencia explícita mediante un proceso que no deja de ser un viaje por la propia materia pictórica.

En su pieza de la serie Terrain Vague, la artista española Regina de Miguel se centra en la relación entre la arquitectura y la memoria para crear la imagen de un paisaje indefinido, como suspendido a la espera de ejes de referencia de espacio y tiempo que no acaban de establecerse. Su obra, construida sobre sus propias experiencias, lleva implícita la idea del viaje y concretamente incide en la noción de habitabilidad de los lugares y en la condición nómada inscrita en los espacios vacíos de la ciudad; condición nómada que ha dominado una larga etapa de su experiencia vital.

Final del viaje: la ciudad

En El pintor de la vida moderna, Baudelaire manifiesta claramente su idea de modernidad: una época en la que ya no hay cosas eternas y duraderas, y el héroe es el hombre común, ese hombre urbano cuya movilidad es continua en la gran ciudad, en un escenario donde lo fijo ha dejado de existir. La ciudad es el lugar ansiado por el viajero al final de su trayecto. Ciudad como símbolo de la modernidad, mezcla de habitantes llegados de todas partes, con sus sistemas arquitectónicos, sociales e ideológicos entrecruzados.

Las fotografías del proyecto Growing up, del artista argentino afincado en España Juan Margolles, están protagonizadas por determinadas arquitecturas de signo impersonal ubicadas en un barrio a las afueras de Berlín. La soledad, el aislamiento que se desprende de estas imágenes de bloques de viviendas hablan de unos moradores que, ausentes en la toma, sufren las consecuencias de un desarrollo urbano que da la espalda a la relación hombre-naturaleza. Edificios anodinos que no denotan nada que les haga pertenecer a una u otra ciudad, que se muestran como “contenedores” sin identidad de una multitud que vive en situación de desarraigo.

También las fotografías del artista español afincado en Berlín Sergio Belinchón, en su proyecto Ciudades efímeras, hablan de la ciudad como tejido deshabitado, hostil a la presencia humana. Imágenes en las que el espacio urbano está marcado por el signo ausente del hombre, donde las huellas de éste apelan a la dura confrontación del ámbito público y el privado, sometidos

ambos hoy a la especulación. Presentando en concreto la visión desoladora de las ciudades turísticas fuera de la temporada estival, estas arquitecturas se yerguen como apariciones delatando su naturaleza contradictoria: acumulación y precariedad.

El anonimato, la incomunicación y el aislamiento del hombre en la gran ciudad quedan así mismo expresados –aquí mediante una sutil y eficaz operación metafórica– en la obra de la artista mexicana Hisae Ikenaga Aislado 7. El tomo de la guía telefónica Páginas Blancas, como inventario de los sujetos que comparten el mismo escenario urbano, aparece horadado como si de una materia prima homogeizadora se tratara, para sacar a la luz una serie de datos que parecen querer revelar la individualidad de los seres a los que pertenecen.

En las fotografías de viviendas de la periferia de Madrid Desde mi cama veo tu ventana, los artistas brasileños Ana Márcia Varela y Leonardo Villela realizan una poética evocación de espacios interiores. La cuadrícula metálica de un somier les sirve de soporte estructural para “recortar” y dar entidad singularizada a diversos momentos de historias personales presentes en esas fachadas y sacarlos así de la trama del anonimato. El contraste entre lo particular y lo universal, lo público y lo privado, se pone de manifiesto como conflicto generado y apresado por la dinámica de la gran ciudad.

El proyecto de Christian Bagnat Servicio a domicilio, presentado como videoproyección sobre un dibujo de gran formato, plantea una reflexión crítica acerca del sistema político y social en el que se desarrolla nuestra vida en la ciudad. En concreto, apunta a las condiciones de precariedad y sometimiento en las que viven los inmigrantes que llegan como mano de obra a nuestro país; condiciones cuya visibilidad se encarga de enmascarar la propia configuración del medio urbano. En este contexto, el artista argentino señala la repercusión de la arquitectura en la conducta del individuo y su participación en la formación de espacios aislados y marginados.

En la imagen de su serie Frames, el artista colombiano Manuel Vázquez Fernández organiza en secuencia cronológica una serie de fotografías que comparten la misma perspectiva y han sido tomadas con intervalos variables de tiempo. Pese a que, de entrada, la pieza parece ofrecer una propuesta narrativa, los intervalos temporales entre una y otra captura hacen inviable un hilo argumental que poder seguir. La expectativa de la narración queda así truncada por la interposición de la entidad de cada fragmento. Una alusión a la incomunicación que deja abierto el espacio a la teatralidad como código que se impone en lenguaje que compartimos en el escenario urbano.

La ciudad de Cádiz representa ese lugar donde han llegado y del que han partido tantos viajeros, donde han confluido diversas culturas en idas y venidas. Ciudad que mira hacia el otro lado del Atlántico y que ha sabido también conservar y hacer dialogar esa cultura de aquí y de allá, como esos cantes flamencos de “ida y vuelta” originados en la música popular latinoamericana. Cantes que pudieron ser llevados por los emigrantes españoles, que allí experimentaron variaciones y que actualmente disfrutamos de vuelta. Ciudad abierta, lugar perfecto de reunión en 1812 para redactar esa primera constitución española. Pero todo es variable, nada es fijo y el viaje está dentro de nosotros, en cualquier lugar, en el propio pasillo de nuestra casa.

Ignacio Cabrero

Ver para viajar, viajar para ver[Notas sobre algunas alternativas estéticas y la metafórica del

viaje en nuestro presente]

Quizá el mismo hecho de acumular y organizar una colección no sea sino una suerte de viaje en sí mismo: cierta forma específica de poner en contacto puntos lejanos del mundo mientras se les obliga a trazar un recorrido que hilvane las visiones, comentarios, paráfrasis, críticas que se hacen sobre él, asumiendo las perspectivas complementarias o, cuando no, incluso contradictorias que se puedan dar allí. Asimismo, ¿qué otra cosa podríamos esperar, además, del hecho de seleccionar unos relatos sobre lo cercano o lo lejano –lo político y la fantasía, lo social y lo ensimismado– para articularlos en un espacio concreto que el espectador debe recorrer en un tiempo limitado, poniéndose a cada paso en el lugar del otro, con sus maneras y estilos, con su particular forma de decir lo real o lo soñado?; bajo este prisma, ¿no es cualquier exposición ya otro viaje por las ideas que componen fragmentariamente una supuesta y siempre inasible totalidad del mundo que a cada cual corresponde asumir, hilvanar, e incluso intentar completar?; porque, como afirmaba Claudio Magris, “viajar no quiere decir solamente ir al otro lado de la frontera, sino también descubrir que siempre se está en el otro lado”.

La vasta colección de arte contemporáneo acumulada durante las cinco últimas décadas por Caja Madrid, y que entre finales de los noventa y los primeros años de este siglo vio aumentar notablemente el volumen de su corpus, compone en la actualidad un conjunto especialmente significativo para reconstruir otro itinerario abierto siempre a su interpretación: el del arte español del siglo XX y lo que llevamos de éste. Y así, en especial para este último tramo, es importante destacar cómo una de las señas de identidad que singulariza esta colección corporativa es el hecho de haber ido sumando a su núcleo principal, y en pie de igualdad con los nombres de referencia histórica y bien contrastados, muchos de los trabajos de los

artistas destacados en el prestigioso certamen de Generaciones que Caja Madrid convoca desde su primera edición en el año 2000, independientemente de su juventud y del consiguiente riesgo que ello supone a la hora de incorporarlos al discurso comunitario más establecido. El conjunto nos ofrece de este modo un panorama, una instantánea no sólo más completa, sino también más fresca y certera de ese mismo tiempo estético que aspira a retratar, pues ciertamente el arte realizado por las promociones más jóvenes –el llamado “emergente”– desde los años ochenta ha ido cobrando en nuestro país un peso cada vez mayor, acabando por desarrollar un espacio específico para su profesionalización y desarrollo, como esta misma exposición vendría a poner una vez más en evidencia.

Son estos jóvenes artistas, por lo demás, quienes viajan cada vez con mayor frecuencia –como nunca lo hicieron sus mayores–, generacionalmente en línea con la homologación global de las experiencias, conocimientos y oportunidades que cada vez parece un sueño cumplido de la modernidad, aun cuando a medida que se lleva a cabo empiece a revelar inéditas e inesperadas disfunciones. Especialmente enriquecedor en todo caso resulta ese flujo de ideas y vivencias humanas concretas que se teje desde las dos orillas del Atlántico entre artistas latinoamericanos y los de nuestro país, sobre los cuales esta exposición, urdida por Ignacio Cabrero, da testimonio y una mirada particular, atendiendo al marco de los proyectos avalados por el citado programa de Generaciones que él tan bien conoce.

Frente a estos veinticuatro trabajos surge una dicotomía esencial asociada al viaje: viajar para ver o ver para viajar... En verdad, todo podría resumirse en estas dos opciones que, enfrentadas, trazan el arco completo de lo que desde el arte en general, pero muy concretamente desde el de las últimas promociones, cabe esperar de toda experiencia del desplazamiento, el recorrido y el reconocimiento, o de la evasión y la fuga.

El caso más inmediato lo ofrece desde luego aquella voluntad clásica de la descripción geográfica del mundo, tan cercana en última instancia al concepto de mimesis, con su gusto por las simetrías entre el orden de lo que se ve y lo que se representa, y con la que cabría quizá encabezar nuestro recorrido metafórico por lo que sea o pueda llegar a ser un viaje desde el plano teórico del arte hoy. Viajar para ver, en este caso, ha de ser entendido ya como la voluntad de volver al punto de partida, al origen, habiendo tomado cumplida nota de lo ocurre más allá de las fronteras de nuestra patria, de la ciudad natal, la polys. Viajar, pues, como un ir más allá del limes que delimita

La sensación que experimenta el hombre que por primera vez hace esta corta travesía no puede

compararse sino al efecto de un sueño. Pasando en tan breve espacio de tiempo a un mundo absolutamente nuevo, y sin

la más remota semejanza con el que acaba de dejar, se halla realmente como transportado a otro planeta.

Domingo Badía, “Ali Bey”, Viajes (1814)

—¿A Liverpool? ¿Y por qué no a China?—He dicho a Liverpool.

—No.—¿No?

Julio Verne, La vuelta al mundo en ochenta días (1873)

la identidad en que nos reconocemos (a nosotros mismos y entre los nuestros), aunque cada día más difusa, más fundida con el extranjero, cierto es; como ocurre cuando abandonamos las tierras cultivadas y familiares, el hogar, adentrándonos en el territorio de los bárbaros –los incultos–, o más allá: al arrojarnos al vacío sin cartografía de la terra incognita. No obstante, en este caso, con frecuencia el arte se convierte, también él, en un instrumento que no se contenta con describir (un registro, un sismógrafo), deviniendo incluso –y yo diría que fatalmente– parte del aparato conceptual con el cual el ojo culto controla y sistematiza al salvaje o al primitivo, al otro en general, y que de algún modo lo coloniza ya con sólo mirarlo, al dibujarlo bajo el presupuesto inocente de que aquello que queda reflejado en nuestra inspección-registro lo resume e identifica, lo concreta, dándole un cuerpo abordable por nuestros conceptos.

Pero, ante semejante noción del viaje que explora las apariencias y con ello impone las esencias, rápidamente nuestro cruzar la frontera revela su inevitable implicación política, que nos obliga, en cuanto viajeros, a reconocer la relatividad de otras formas morales a medida que cambia el entorno y las cosas se juzgan de un otro modo, adquiriendo cada valor distintas valencias por las cuales donde en origen –en la casa conocida, el hogar– había injusticia, capricho, ilegalidad o defectos, terminaremos por reconocer lo justo para otros y otros casos o usos, lo inevitable allí, en el nuevo territorio, con su propio y lógico orden moral interno, más allá de la regla torcida, con toda sensatez, irremediablemente, e incluso para bien.

Porque el artista, como propiciador de un viaje que pone en contacto lo inmediato de lo concreto (sus materias y materiales, sus transformaciones alquímicas y documentos) con la lejanía del ideal (cada caso particular encarna lo genérico y universal), nos condiciona e incluso obliga a conformar un itinerario completo, es decir: una Historia, con mayúsculas, que cuente con el conjunto completo de sus historias, en minúsculas: relatos, fábulas, cuentos e intrahistoria. Es por eso que Magris habla de cómo el viajero se mantiene fiel también a las oportunidades fallidas y perdidas, pues no corrige el pasado ni se corrige a sí mismo con juicio postrero, sino que intenta llevar el mayor número posible de cosas –percepciones, realidades, hipótesis, proyectos– al futuro, tan precario y destinado a ser superado pronto como ese pasado: “El viaje es una realidad en indicativo, pero también en subjuntivo”.

Ver para viajar sería, pues, la otra alternativa, inversa, especular, que al arte compete también de manera específica en nuestro presente y que la figura del viajero inmóvil sólo cumpliría ya

hoy de manera imperfecta, aunque hay que reconocer, sí, que exquisita. Ver y mirar para evocar o lanzarse al vacío de la subjetividad completa, de la fantasía y la imaginación, será siempre una primera vez del viaje: un hacer el relato de la historia desde cierto más allá que la política, la sociología o incluso la antropología no pueden delimitar con su inercia a tejer lazos entre los sujetos dados en/por lo real. “Hace ya muchos años que recorro países que no figuran en los mapas”, revelaba Cocteau en el arranque de su Vuelta al mundo en 80 días que iniciara en 1936, y cuyo subtítulo era, precisamente, Mi primer viaje: “He traído de ese mundo sin atlas ni fronteras una experiencia que no siempre ha sido del agrado de todos”. Consistiría la empresa –reconoce el poeta– en “colonizar lo desconocido y aprender sus dialectos”.

Viajar, entonces, no tanto para reconocer allí lejos, al otro lado del límite, lo que ya hemos visto aquí, ese rostro de lo que no es idéntico a nosotros pero todavía lo suficientemente semejante como para poder nombrarlo, incluso verlo, sino como una explícita renuncia a concretar al otro y su realidad, asumiendo el abismo de la diferencia completa, de la irreductible otredad. Jonathan Raban lo relata de otra manera, recordando un libro muy útil que leyó en su día como educación previa a su inmersión americana y que se titulaba –qué ironía– Aquel que viaja allí (Who Travels There), donde primaba el afán didáctico del expedicionario cuasi-autosuficiente que él mismo adoptaría para su maravilloso Mala tierra; libro que, por cierto, y a su modo, es también un ejemplo más de ese partir para regresar que este tipo de viaje implica: “Si alguna vez te pierdes, no debes asustarte. Es más peligroso asustarse que padecer hambre o sufrir un accidente. Si permites que el miedo se apodere de ti, estarás en manos de lo que llamamos el pánico de los que se pierden”.

En relación con esto, Weiniger denunciaba en el viaje la tentación a la irresponsabilidad: todo viajero es en última instancia un espectador, alguien cuya emoción frente a lo que contempla está condicionada por su paso transitorio (catarsis), y por lo tanto resulta difícil creerlo implicado en el fondo de la realidad que atraviesa. No es culpable de sus injusticias ni responsable último de su salvaguarda. Porque el viaje entendido como mirada distanciada es también un “benévolo aburrimiento, una protectora insignificancia”, que afronta como principal reto la inevitable vuelta al origen –el hogar– del que viaja. Como reconoce Magris, “la aventura más arriesgada, difícil y seductora se lidia en casa; es allí donde nos jugamos la vida, la capacidad o la incapacidad de amar y construir, de tener y dar felicidad, de crecer con valentía o agazaparse en el miedo; es allí donde corremos mayores riesgos. La casa no es un idilio; es el espacio

de la existencia concreta y por tanto expuesta al conflicto, al malentendido, al error, al avasallamiento y a la hosquedad, al naufragio. Por eso es el lugar central de la vida, con su bien y su mal; el lugar de la pasión más fuerte, a veces devastadora –por la compañera o el compañero de nuestros días, por los hijos– y que nos cala sin miramientos. Recorrer el mundo también significa descansar de la intensidad doméstica”.

Así que entre viajar para ver y ver para viajar se conjuga el destino de este puñado de artistas de España y Latinoamérica (hay alguna excepción de origen entre los presentes, pero todos pueden entenderse al cabo en su carrera profesional como pertenecientes a alguna de ambas esferas culturales) destacados entre lo más joven de la colección Caja Madrid. Frente a los viajes de ida y vuelta de variado cuño que tejen entre ambas orillas atlánticas, al final queda ese viaje decisivo, aunque no haya que cumplirlo por obligación: el del regreso a Ítaca. Amén.

Óscar Alonso Molina [Madrid, febrero de 2012]


La memoria interior, María RuidoGenealogía #03 [de la serie “The Family Project”], Matías Costa

Folklore #3, Patricia EsquiviasBandi Binder, Francisca López

Tradicciones, Dídac P. Lagarriga


Sunday Lovely, Carolina SilvaDibujos migratorios, Felipe Barragán

Desplazamientos (Tres Trampas y un Ratón), Fernando Rubio AhumadaEl método, Pilar Barrios

¿Pero cómo puede esta obra no pensar sobre nada?, Juan Linares / Erika ArztAcciones periféricas, Tatiana Donoso Matthews

Acciones en casa, David Bestué / Marc VivesSin título [de la serie “Haciéndome el sueco”], Juan del Junco


Mudar el paisaje, Carolina Belén MartínezParkings, Loidys Carnero Pineda

Entre la mirada i la distància, Eva Miquel19, Philipp Fröhlich

Terrain Vague, 9, Regina de Miguel


Growing up, Juan MargollesSin título (Ciudades efímeras 01/02/03), Sergio Belinchón

Aislado 7, Hisae IkenagaDesde mi cama veo tu ventana, Ana Márcia Varela / Leonardo Villela

Servicio a domicilio, Christian BagnatFrame 2 [de la serie “Frames”], Manuel Vázquez Fernández

La memoria interior, 2002

Vídeo. 33 min

María Ruido (Orense, España, 1967)

Premio Generación 2003

Este trabajo, producto de un viaje a Alemania realizado en diciembre de 2000 y de una investigación de más de dos años de duración, aborda el tema de la construcción de la memoria y de los mecanismos de producción de la historia. A través del relato de la historia de la familia de la autora, indaga en el recuerdo de la reciente emigración desde el Estado español a Europa, y reflexiona sobre los mecanismos del olvido y el recuerdo, recuperando la idea de la construcción de la memoria como un nexo y un diálogo, y su elaboración a partir de la experiencia personal frente a la idea de historia y de memoria oficial, restringida a lo institucional y articulada en torno a la estetización y la desarticulación de los sujetos políticos. María Ruido insiste de nuevo, como en otros trabajos anteriores, en la capacidad de construcción de la historia por parte de todos, y en la necesaria articulación de la experiencia personal y colectiva para la elaboración de una política de la memoria diversa y heterogénea.

La memoria interior subraya también el protagonismo del cuerpo como territorio de memoria y ausencia, y como agente político: la política migratoria del Estado español de los sesenta y setenta es también una forma de biopolítica y de control sobre los trabajadores, con consecuencias profundamente desestabilizadoras para las subjetividades. Los cuerpos emigrantes son cuerpos registrados, transeúntes necesarios, flujo de fuerza de trabajo obligada al desplazamiento, y ausentes recordados que retornan años más tarde.

Es artista, investigadora y productora cultural. Desde 1997 desarrolla proyectos interdisciplinares sobre los imaginarios del trabajo en el capitalismo postfordista y sobre la construcción de la memoria y sus relaciones con las formas narrativas de la historia. Actualmente vive entre Madrid y Barcelona. Es profesora en el Departamento de Imagen de la Universitat de Barcelona y está implicada en diversos estudios sobre las políticas de la representación y sus relaciones contextuales.

Recientemente ha participado en diversas exposiciones y festivales, como New York Independent Film & Video Festival (Nueva York, 2009), Documentamadrid (Madrid, 2009), XI Istanbul Biennal (Estambul, 2009), Manifesta 8 (Murcia/Cartagena, 2010), Images at Work (Index Foundation, Estocolmo, 2010), XIX Mostra Internacional de Films de Dones (Barcelona, 2011), Ejercicios de memoria (Centre d’Art La Panera, Lérida, 2011) o LIII Festival Internacional de Cine Documental de Bilbao, ZINEBI (Bilbao, 2011).

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Licenciado en Ciencias de la Comunicación por la Universidad Complutense de Madrid, y profesor asociado de las escuelas Lens y Blank Paper de Madrid, es fundador del colectivo NOPHOTO y colaborador habitual de The New York Times.

Su trabajo ha sido expuesto en España, Francia, Alemania, Rusia, México, Holanda, China, Italia, Lituania, Suiza y Estados Unidos. Forma parte de las colecciones de Caja Madrid, Comunidad de Madrid, Moscow House of Photography, Hubei Museum of Art, así como de colecciones privadas. Entre los reconocimientos que ha recibido destacan la beca Generaciones de Caja Madrid, el premio Descubrimientos PHotoEspaña, la beca del Colegio de España en París, el World Press Photo, así como las becas de la Fundación La Caixa y la Fondation Hachette.

Genealogía #03 [de la serie “The Family Project”], 2010

Técnica mixta y fotografías. Montaje en metacrilato de 10 mm. 130 x 230 cm

Matías Costa (Buenos Aires, Argentina, 1973)

Beca Generación 2010

A través de imágenes cortadas por la extrañeza, Matías Costa aborda en su obra temáticas vinculadas a la memoria y la identidad, con una gramática visual propia, cercana al cine y la literatura.

Ciertas cosas tienen como un don de regresar, inesperada e

insospechadamente, tras un larguísimo período de ausencia.

W. G. Sebald, Los emigrados

Los acontecimientos pasados tienen ramificaciones en la vida presente. Esta única certeza me empujó a comenzar un proyecto en busca de la melancolía. The Family Project es una indagación en la memoria familiar y también en el olvido. He remontado el siglo XX en sentido cronológicamente inverso y espacialmente circular para reconstruir las huellas que mi familia ha ido dejando marcadas en los mapas a lo largo de cien años de migraciones.

La memoria tiende trampas. Ciertas cosas que a uno le ocurren vienen condicionadas por una memoria ancestral que pasa de padres a hijos, de abuelos a nietos, de hermano a hermano. De este modo comencé a construir el baúl de mi memoria familiar, y a entender que las heridas abiertas siempre vuelven.

He visitado cientos de archivos y he vuelto a las geografías de las que procedo para buscar algo inaprensible: una atmósfera, un recuerdo ya borrado. El resultado es un documento frágil, inacabado, con infinitas interconexiones. La punta de un iceberg que se hunde en las profundidades abismales de la memoria. Un cúmulo de fracturas, una huella en un camino que se diluye.

Imágenes, mapas y memoria como parte de un proceso de búsqueda que nunca termina.

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Nació en Caracas y creció en Madrid. Tras estudiar arte durante cuatro años en Londres, regresó a Madrid para encargarse del programa “los29enchufes” junto a Manuela Moscoso. En 2005 se marchó a México y luego a San Francisco para continuar estudiando gracias a una beca Fulbright. Desde ese año trabaja casi exclusivamente en vídeo. Ha expuesto sus trabajos en España (Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Galería Maisterravalbuena, CA2M, IVAM, La Panera), Francia (Jeu de Paume), Alemania (Frankfurter Kunstverein, V Berlin Biennale), Estados Unidos (Hammer Museum, White Columns, Murray Guy, New Museum, MOCAD) e Inglaterra (East International, Royal College of Art), entre otros lugares. Actualmente vive entre Guadalajara, México, y Madrid.

Folklore #3, 2011

Proyecto audiovisual. 13 min

Patricia Esquivias (Caracas, Venezuela, 1979)


Esta serie de vídeos informativos sobre España constituye un intento por comprender cómo se crea la imagen de un país, y por acercarse a la historia haciendo conexiones entre experiencias cotidianas propias.

Este nuevo capítulo de la serie Folklore trata de una posible maldición que relaciona a Juana la Loca con el desarrollo de Nueva Galicia, México. Patricia Esquivias comentaba que un par de veces ha estado de vacaciones en Galicia “la vieja”, y que en “la nueva” ha vivido un año. Al enterarse de que había sido Juana la Loca la que dio el nombre de Nueva Galicia a ese territorio mexicano, pensó que ésa podía ser la explicación para muchas cosas que le habían llamado la atención. La artista siempre intenta entender algo aprovechando cualquier dato que se le cruza en el camino. El resultado es querer explicar esas conexiones que parecen tener tanto sentido, y que dan pie a narraciones aparentemente educativas, aun teniendo mucho de surrealistas.

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Bandi Binder, 1998/2010

8 fotografías. Tintas pigmentadas sobre papel de algodón. 40 x 60 cm c/u

Francisca López (Buenos Aires, Argentina, 1974)


Éste es un proyecto de ensayo sobre la fotografía como modo de vida y su relación con el concepto de tiempo. Se enfoca hacia el húngaro Bandi Binder (1917-2006), que emigró a Argentina con dieciocho años y la certeza de que se dedicaría a la fotografía. Vivió en Montevideo (Uruguay) en la década de los cincuenta, en California (Estados Unidos) durante los años de la psicodelia, y finalmente se estableció en Buenos Aires (Argentina).

El inicio de mi trabajo en torno a Bandi Binder surgió en una cena en su casa. Como era frecuente, mirábamos fotografías, tanto las mías, que comenzaba a hacer entonces, como las suyas, que nos remitían a la Transilvania de los años treinta. Así fue como pude ver una serie de fotos que había hecho al mudarse allí en 1975.

Habían pasado veintitrés años. Les propuse, a él y a su mujer, la pintora estadounidense Sally Dietrich, repetir las tomas, y así lo hicimos con mucho entusiasmo. A partir de ese momento, fui consciente de que Bandi Binder reunía aspectos de mi interés, sobre todo por la fusión de diferentes tiempos y espacios: la fotografía post-pictorialista con influencia del pop de los sesenta; el origen europeo con modos sudamericanos y norteamericanos; el exilio obligado por la crisis de los treinta, que, sin embargo, le salvó del régimen nazi –ya que era judío–, y su flexibilidad al cambio pero con una constante, la pasión por la fotografía.

Utiliza la fotografía como medio de registrar el paso del tiempo y la desintegración que ello produce. Entre sus exposiciones individuales recientes se cuentan Immergrün (Pica Pica Gallery, Berlín, 2011 y Buenos Aires, 2012) y Puerto Madero. Construcción con despojos (Kowasa Gallery, Barcelona, 2009 y Alianza Francesa de Buenos Aires, 2002). Igualmente, puede destacarse su participación en las muestras colectivas Generación 2010 (ARCO, Madrid, 2010), Adaptaciones urbanas (Centro Cultural Recoleta, Buenos Aires, 2005), Colección Fotográfica Argentina II (Museo de Arte Moderno de Buenos Aires, 2004), La Re-Colección (Malba - Colección Costantini, Buenos Aires, 2004) y Fotografía argentina reciente. Ocho autores (FotoGalería del Teatro San Martín, Buenos Aires, 2001).

Entre los reconocimientos a su obra, resulta finalista (categoría obra) en el Premio Miquel Casablancas del Centro de Arte Contemporáneo Sant Andreu de Barcelona (2007), y recibe el Premio al Artista Iniciación del Año de la Asociación Argentina de Críticos de Arte (2002), así como una beca de la Fundación Antorchas de Buenos Aires para visitar la XXV Bienal de São Paulo (2002). Además de la Beca Generación 2010 de Caja Madrid, obtiene dos Becas Nacionales otorgadas por el Fondo Nacional de las Artes de Argentina (2001 y 2005).

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Ha publicado varios libros de ensayo, poesía y novela. Así mismo, ha traducido trabajos sobre el mundo islámico y el continente africano. Es fundador de “oozebap” (www.oozebap.org), proyecto dedicado a la difusión de experiencias y reflexiones culturales, políticas y espirituales en África y el ámbito del islam.

Tradicciones, 2005

Proyecto para Internet: música, vídeo, textos, bibliografía

Dídac P. Lagarriga (São Paulo, Brasil, 1976)


Mostrar y acercar al público las maneras de construir, desmembrar y rearmar la tradición a través de una de sus más evidentes manifestaciones: la música. Hablar sobre identidad, diversidad y “el otro” desde una posición activa y contemporánea, llamando a este proceso “traduccir” (tradición + traducción + traición; “traducir” la “tradición” aceptando la “traición” inevitable producida en cualquier traducción).

Instalación sonora como puesta en escena de teoría y práctica, indisociables como lo son el documento y la ficción. Música, entrevistas, citas, artículos e imágenes que construyen y ejemplifican el discurso tradiccional.

¿Por qué escoger Brasil, Zimbabue e Indonesia para este proyecto de instalación? Si señalándolos en el mapa empiezan a existir en nuestra imaginación –y si nuestra imaginación es decisiva en el proceso de identidad–, marcar un punto en el mapa es hacerlo también en nosotros mismos, es desviarnos –o, como mínimo, movernos.

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Sunday Lovely, 2008

Videoinstalación. 6 min (bucle). 1/3

Carolina Silva (Madrid, España, 1975)


La videoinstalación Sunday Lovely de Carolina Silva tiene su origen en una experiencia propia que queda manifiesta en el mismo título, el cual se refiere al nombre de un triciclo que la autora encontró en una tienda de objetos usados de la ciudad japonesa de Kitakyushu, a donde la había llevado en 2006 su participación en un programa de residencia para artistas. El “encuentro fortuito” del modesto triciclo en el que paseaba por una inhóspita zona industrial de la ciudad con una suntuosa limusina negra es el componente vivencial del que parte el proyecto, y remite necesariamente al concepto de dépaysement, extrañamiento o descontextualización, tan querido de los surrealistas y que tiene su precedente en la conocida frase de Isidore Ducasse, Conde de Lautréamont, incluida en Los cantos de Maldoror: “Bello como el encuentro fortuito, sobre una mesa de disección, de una máquina de coser y de un paraguas”, así como en la obra del poeta Arthur Rimbaud, especialmente en Una temporada en el infierno.

Sometidos a una operación de descontextualización, los objetos pierden sus significados habituales y desvelan significaciones antes ocultas.

A partir de dicha experiencia que, aunque anecdótica, resulta reveladora de posibilidades de sentido, Carolina Silva, lejos de abordar la construcción de un relato de carácter autobiográfico, nos invita a dejar vagar nuestra imaginación, a poner en marcha nuestra fantasía y enrolarnos en un viaje imaginario, un viaje interior en el que todo puede suceder. Pero la artista también nos habla del peso de la realidad y de la imposibilidad a veces de escapar de ella, de la quimera que supone soñar con mundos felices. Lo real está ahí y se impone. Pronto nos despierta de nuestro sueño su reflejo en la superficie oscura de la limusina devolviéndonos el panorama desolador que nos rodea: las chimeneas de las fábricas, los pilares de hormigón, los cables eléctricos, el paisaje deshabitado. [Oliva María Rubio]

Vive y trabaja en Seattle. Ha expuesto recientemente en la galería de la Seattle University, donde ha sido artista en residencia; Gallery 4Culture, Seattle; Queens Nails Project, San Francisco; Lawrimore Project, Seattle; Travesía Cuatro, Madrid; La Conservera, Ceutí, Murcia, o La Casa Encendida, Madrid. En 2004 obtuvo una beca Fulbright para realizar un Máster en Bellas Artes en el San Francisco Art Institute y en 2007 participó en el programa de investigación artística del Center for Contemporary Art, CCA Kitakyushu, Japón.

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Se denomina migración a todo desplazamiento de población que se produce desde un lugar de origen a otro de destino. Desde el inicio de la humanidad, se ha registrado este fenómeno, motivado por múltiples razones, principalmente la búsqueda de alimento. Este proyecto hace referencia a esos seres que mantienen su condición de nómadas aun dentro de una misma ciudad, y que hacen del movimiento su modus vivendi. Es una mirada silenciosa a las particularidades de personajes cotidianos a los que no somos ajenos, pero que permanecen aislados por una barrera apenas tangible y que está hecha de indiferencia o de la simple individualidad con la que hacemos nuestros recorridos por el territorio urbano.

Se licencia en 2002 en Bellas Artes por la Universidad de los Andes de su ciudad natal, donde actualmente es Maestro en Artes Plásticas. Tras una reconocida trayectoria en su país de origen, se traslada a Madrid, donde continúa su formación y donde ha vivido y trabajado durante una etapa de su recorrido. Existe en Felipe Barragán una especial atracción por el dibujo, como si de una herramienta para traducir la realidad se tratara; le ayuda a interpretar imágenes, a trasladarlas a su propio lenguaje, a imaginarlas, entenderlas y así poder compartirlas con el espectador.

Dibujos migratorios, 2007

Grafito sobre papel. 11 piezas. 46 x 31 cm c/u

Felipe Barragán (Bogotá, Colombia, 1978)

Mención de Honor Generación 2008

El espectador ve una serie de dibujos –grafito sobre papel– que muestran, como naturalezas muertas, los elementos de interés aislados de su entorno, lo que le permite concentrarse sólo en los objetos. Estos aparatos, utilizados como recurso de subsistencia alternativa en la urbe (carros de músicos callejeros y de venta de comida, bebidas o ropa, todos ellos ambulantes), reflejan a su dueño, haciéndolo presente en la ausencia y dándole un valor al temperamento de cada nudo, a cada material empleado, a cada paso que se da en busca del vagón siguiente, la plaza concurrida o la vuelta a casa. Son imágenes de carros repletos de sueños, de arraigos y desarraigos que llevan consigo por las calles, cargados de esperanza.

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Desplazamientos (Tres Trampas y un Ratón), 2001

Técnica mixta. 4 módulos. 40 x 40 x 50 cm c/u

Fernando Rubio Ahumada (San Bernardo, Colombia, 1970)

Adquisición de Obra Generación 2002

Yo vengo de un país donde muchas de las viviendas aún se construyen de cartón, donde “la casa de tus sueños” se construye literalmente como un castillo de naipes: con papel y materiales efímeros, poco resistentes al clima y al paso del tiempo. Desplazamientos es parte de una serie de instalaciones, dibujos y esculturas en las que hago referencia no solamente al hecho físico, espacial o temporal del cambio de lugar, sino también al hecho mismo del cambio de nociones, conceptos, sentido y percepción de la vida.

Artista multidisciplinar, realizó sus estudios de Bellas Artes en la Universidad Jorge Tadeo Lozano de Bogotá y en 1998 se licenció en Artes Plásticas y Estética del Arte en la Universidad de París I, La Sorbona. Desde 1998 vive y trabaja en España, donde ha cursado estudios de doctorado en la facultad de Bellas Artes de la Universidad Complutense de Madrid, con la obtención en 2001 del Diploma de Estudios Avanzados.

Combina su actividad artística con la didáctica del arte y con la creación y gestión de proyectos artísticos interactivos. Ha expuesto en varios países de Europa y América, donde ha recibido diversos premios y distinciones. Su obra forma parte de distintas colecciones, tanto privadas como públicas, de Latinoamérica y Europa.

Como principales características de su trabajo pueden señalarse la utilización de distintos elementos objetuales a los que reviste de nuevas posibilidades expresivas y semánticas, así como la diversidad de materiales, con predominio de los procedentes de la naturaleza. Igualmente, se observa en sus producciones una preocupación con respecto a la realidad política y social de su país como elemento referencial.

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Esta serie habla de los ciclos, de los actos repetidos día tras día, de los métodos. La referencia obvia son las píldoras anticonceptivas, pero ese aspecto no interesa tanto a la artista. De él rescata el contraste entre la “anticoncepción” biológica que supone esta medicación y la “concepción” de ideas, que se materializan como dibujos/objetos en este caso. Siguiendo la línea de trabajo que caracteriza sus proyectos, se trata de una serie, de una colección de pequeños objetos que funcionan juntos a la manera de rastros del paso del tiempo.

En Bogotá recibe su educación básica y cursa posteriormente Artes Plásticas en la Universidad de los Andes. Concluidos sus estudios, viaja a Madrid, donde cursa un módulo de Escenografía y un doctorado en Escultura en la Universidad Complutense. Desde entonces reside en España, donde desarrolla sus proyectos artísticos. Su obra ha sido seleccionada en convocatorias como el IV Certamen Nacional Trasformarte Fundación Caja Rioja (Arnedo, 2011), Generaciones 2009 (Premios y Becas de Arte Caja Madrid), BAC! 09 Festival Internacional de Arte Contemporáneo (CCCB, Barcelona, 2009), Premio Joven Artes Plásticas (Fundación General UCM Madrid, 2004). En 2010, gracias a una de las

El método, 2008

Técnica mixta sobre papel y plástico / objetos. 21 piezas. 50 x 154 x 3,3 cm

Pilar Barrios (Bogotá, Colombia, 1979)

Adquisición de obra Generación 2009

Ayudas para la Promoción del Arte Contemporáneo concedidas por el Ministerio de Cultura español, llevó a cabo la autoedición del libro artista Postales en tránsito.

Los viajes, los mapas, los objetos y las experiencias que va acumulando en sus desplazamientos son elementos que se insertan formal y conceptualmente en su obra, generalmente desarrollada en series.

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Juan Linares / Erika Arzt (Cambrils, España, 1972 / Scheibbs, Austria, 1969)


¿Pero cómo puede esta obra no pensar sobre nada?, 2007

Técnica mixta. Vídeo, 6 min. Fotografía en color, 34 x 25,7 cm. Póster, impresión digital en DIN A3

En la fase de desarrollo de un proyecto que debía tener lugar en Cali, nuestra investigación a menudo revelaba dos temas pre-dominantes: los conflictos políticos y la violencia. Pronto senti-mos la necesidad de pensar sobre algo diferente.

Un día, sentados en la cocina de nuestra casa en Berlín, nos fija-mos en la pantalla esférica de la lámpara. Comenzamos enton-ces a hablar acerca de su forma. Todo el mundo –se nos ocurrió– tiene algún tipo de relación con una bola. De esta situación surgió el sencillo plan de dejar rodar una bola por una colina de Cali.

A nuestra llegada a Cali, y tras un par de días de adaptación, empezamos la construcción de una bola inflable de plástico transparente. El plástico lo obtuvimos de un comerciante cuyo local estaba junto a los almacenes Washington, comercio que nos habían recomendado con frecuencia cada vez que necesi-tábamos algo.

Cortamos las diferentes partes de la bola de acuerdo con el patrón ampliado de una bola de playa, y las mandamos pegar en Carpas Oriental, un taller de fabricación de carpas para camión. Nosotros sólo tuvimos que añadirle la válvula de la bola-patrón. Cuando la bola estuvo lista, nos pusimos en marcha, junto con un amigo del lugar, para buscar en la ciudad una colina apropiada.

El 27 de febrero había llegado. Fuimos en taxi a Nápoles, un barrio de Cali, acompañados por algunas personas que habíamos conocido a través del centro de arte contemporáneo Lugar a Dudas. Cuando llegamos a la plataforma, en la cima de la colina, eran las tres de la tarde; todo estaba tranquilo y hacía calor.

[Cali, Colombia, febrero de 2007]

Realizan proyectos en colaboración desde el año 2005. En su trabajo exploran la idea de lugar como un proceso en constante transformación, influenciado por multitud de factores que hacen de los lugares complejas estructuras socioeconómicas y culturales imposibles de concluir. Asumiendo como punto de partida esta condición, investigan modos de relación tanto en el ámbito individual como colectivo, y proponen diferentes configuraciones desde las que potencialmente surjan narrativas inesperadas, las cuales den continuidad al proceso permanente de hacer, deshacer y rehacer las múltiples y superpuestas trayectorias que constituyen los diferentes escenarios en los que interpretamos nuestras vidas. En la actualidad, viven y trabajan en Berlín.

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Nacida en Chile, vive en la actualidad en Premià de Mar, Barcelona. Licenciada en Historia del Arte, se formó como fotógrafa en talleres y seminarios tanto en España como en México. Comenzó su andadura profesional en 1999, tras recibir la beca Fotopres de la Fundación La Caixa por un proyecto sobre el parto en casa realizado en Holanda. Ha presentado su obra en exposiciones tanto individuales como colectivas. Actualmente se dedica a generar estrategias de gestión y difusión del patrimonio fotográfico.

Acciones periféricas, 2005

Vídeo, 15 min. aprox., 1/1. 30 fotografías DIN A2

Tatiana Donoso Matthews (Concepción, Chile, 1970)


Acciones periféricas es una pieza de vídeo en la que documento tres acciones realizadas en zonas periféricas: Trinitat Vella (Barcelona), Vallecas (Madrid) Astrabudua (Bilbao).

En dichas acciones, la vía pública se convierte en una galería donde se exponen, sin previo aviso, los retratos que días antes había ido tomando de los habitantes del barrio, etapa en la que, además, documentaba el lugar de origen de cada retratado y el tiempo que hacía que vivía allí.

Al ocupar la calle, di una nueva función a un lugar de tránsito, obligando a la gente a detenerse, a mirar, a preguntar, a encontrar sus propias respuestas y a reflexionar. En los retratos hay una mezcla de habitantes recién llegados a esos barrios con aquellos otros que se instalaron allí venidos desde distintos puntos de España durante los años sesenta. Esta redefinición del territorio y del sentido de pertenencia generó comentarios y emociones diversos; la invisibilidad, la integración o la xenofobia son algunas de las reacciones que estas acciones periféricas desvelan al espectador.

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Esta obra es la continuación de un trabajo anterior, Acciones en Mataró, para el que llevamos a cabo una serie de intervenciones de pequeño calibre en el espacio público de la ciudad catalana: haciendo un añadido a una escultura pública, dejando entre los matorrales de un parque un pit bull hecho de cartón, realizando un Richard Long dando vueltas en coche por una rotonda o tomando una pintada de banco (“José ama a Ana”) para colocarle una plaquita que formalizaba el evento. En aquel caso hacíamos una relectura del espacio público –como tema bien nutrido de referentes y precedentes– planteando nuestro imaginario particular.

Trabajan juntos desde 2002, año en el que inician una serie de trabajos que, bajo el título de “Acciones”, supone una investigación sobre el concepto de espacio público –”Acciones en Mataró” (2002)–, lo doméstico –”Acciones en casa” (2005)–, el cuerpo –”Acciones en el cuerpo” (2006)– y el espacio en general –”Acciones en el Universo” (2007)–. Entre sus exposiciones individuales destacan La confirmación, CASM, Barcelona, 2008; Cisnes y Ratas, CA2M, Móstoles, 2009, o Sabadell, Galeria Estrany-de la Mota, Barcelona, 2010. También han participado en diversas muestras colectivas, tanto nacionales como internacionales, entre las que se encuentran Generaciones 2006, La Casa Encendida, Madrid, 2006; Everstill, Casa Museo Federico García Lorca, Granada, 2007, y Fare Mondi, LIII Biennale di Venezia, 2009.

Acciones en casa, 2005

Vídeo. 33 min. 21 s. 1/10

David Bestué / Marc Vives (Barcelona, España, 1980 / 1978)


El caso de Acciones en casa no es muy diferente; el punto de partida es el resabido privado/público y el escenario no es una urbe, sino los límites de un piso del barrio de L’Eixample de Barcelona. Aquí nos jugamos la vida sobre pastillas de jabón, leemos a la lumbre de un microondas, construimos una fuente en el fregadero, camuflamos comida, montamos una fiesta seudodadaísta..., así hasta más de cien acciones presentadas en un vídeo de manera lineal, bajo una narrativa de baja intensidad, donde nosotros mismos somos los destinatarios y vehículos de las mismas. Se trata de un inventario de objetos y fantasías evocadas en un lugar común como es el de la casa.

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Estudió Bellas Artes en la Universidad de Sevilla. Miembro fundador de The Richard Channin Foundation, ha expuesto proyectos específicos en el Centro Andaluz de Arte Contemporáneo y en el Patio de Escuelas de la Universidad de Salamanca. Ganador del IV Premio de Fotografía Pilar Citoler, recibió la Beca de Fotografía de Cajasol, entre otros premios y becas.

Su trabajo, tras una etapa de personal indagación en la fotografía narrativa o escenificada, sufre una deriva clara hacia postulados más cercanos a la fotografía conceptual, con un acercamiento a los sistemas de representación propios de la ciencia, donde muestra especial predilección por las ciencias naturales y en concreto por la ornitología.

Sin título [de la serie “Haciéndome el sueco”], 2006

Lightjet Print. 125 x 150 cm. 1/3

Juan del Junco (Jerez de la Frontera, España, 1972)


Hace pocos días tuve un recuerdo de cuando era niño. Tenía yo apenas once años y mi padre me propuso hacer un estudio bastante curioso. Vivíamos en un chalé de Jerez y cada noche las paredes exteriores se poblaban de salamanquesas que se acercaban a los faroles del jardín para cazar insectos. Hicimos unas fichas en las cuales encontrabas sus siluetas y unos datos: fecha de captura, tamaño, observaciones, etc. También conseguimos un plano de la planta de la casa. Al final de una larga caña, colgamos un sedal con un nudo corredizo. La forma de atrapar a cada salamanquesa era bastante fácil: colocábamos el sedal justo delante de su cabeza y ella misma se introducía en la trampa. Una vez en nuestras manos, con laca de uñas le pintábamos en el dorso una combinación de puntos:

tres en hilera o dos paralelos y uno abajo, o cuatro en cruz, etc. Luego soltábamos al bicho y en el plano de la casa apuntábamos el lugar de captura. En la ficha dibujábamos la combinación de puntos y los detalles de cada ejemplar. Con el transcurrir de las semanas, obteníamos una idea de las migraciones de los animales por todo el perímetro del chalé. Lamentablemente, estos reptiles mudan su piel cada cierto tiempo.

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Mudar el paisaje, 2005

Instalación. 40 x 200 x 200 cm

Carolina Belén Martínez (Buenos Aires, Argentina, 1976)


Mudar el paisaje es un proyecto interactivo que se presenta como un nuevo modo recorrer el paisaje y de relacionarse con él. Está formado por una acción que se desarrolla en el paisaje y por una instalación que establece un diálogo con el proyecto, que permite conocerlo y descubrirlo. Mudar el paisaje nace de la necesidad de ordenar los fragmentos de historia, de percepciones, que la artista va recogiendo en sus viajes. No pretende modificar los distintos paisajes, sino mezclarlos, fusionarlos, hasta hacerlos propios, y así dibujar una especie de cartografía personal, que produzca empíricamente nuevos mapas, llenos de recorridos particulares.

Dado el carácter dinámico de la obra y del proyecto, para la presente exposición se ha actualizado la instalación en relación a las vivencias y experiencias de la artista durante los siete años transcurridos desde la realización de la misma.

Estudia Bellas Artes en su ciudad natal, en la Escuela Nacional de Bellas Artes Manuel Belgrano. Reside y trabaja en Madrid desde el año 2002. En España ha participado en diversas exposiciones como Generación 2006, de Obra Social Caja Madrid; Fotología 2007, Madrid; Festival Internacional de Arte de Bogotá; Acá nomás. Muestra de Arte Latinoamericano, Jardín Botánico, Madrid; Por dentro y por fuera, Centro Hispano Colombiano, Madrid; Variaciones Cartográficas, Centro Cultural Montehermoso, Vitoria, y Cinco sentidos, Castillo de Oropesa, Toledo.

También ha realizado intervenciones en el paisaje en diferentes encuentros de arte, como Encuentra. III Encuentro de artistas, Fundación Norte, Uncastillo, Zaragoza, o Arte en la Tierra 09. Cinco artistas intervienen el paisaje, Santa Lucía de Ocón, La Rioja; así como en el marco de convocatorias celebradas en otros países: festival Isstjärnan, Hällefors, Suecia, o Arte y naturaleza itinerante, exposición en el Jardín Botánico de Bogotá, Colombia, ambas en 2011. Desde el año 2005 desarrolla el proyecto de intervenciones efímeras Mudar el paisaje, con el que ha participado en diversas exposiciones y publicaciones.

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Nuestro espacio se redefine en otro formato. Actualmente asistimos a importantes novedades dentro de la creación informática, como la aparición de Google Earth, un programa que permite visualizar imágenes en 3D del planeta, y SketchUp, otro programa gratuito para conceptualizar y modelar imágenes en 3D de edificios, coches, personas y cualquier objeto o artículo. Mediante el uso y desarrollo de estos programas, se produce una réplica del mundo, una maqueta virtual del entorno que habitamos.

Utilizando estas referencias como herramientas de trabajo ha surgido como resultado la obra Parkings, que consiste en una serie de dibujos digitales impresos en papel fotográfico.

Actualmente vive y trabaja en Ámsterdam. Se graduó en 2003 en la Academia de Bellas Artes San Alejando en La Habana, Cuba, donde cursó también estudios en el Instituto Superior de Arte. En su trabajo hay un interés por el concepto de actualización en general y concretamente por la velocidad con que el arte se actualiza. Utiliza diversos medios dependiendo de la idea o el contexto en el que se genera cada proyecto; entre los predominantes en sus trabajos se encuentran el dibujo y los nuevos medios digitales, como el uso de Internet y la creación de imágenes mediante programas informáticos. Sus obras han sido presentadas en diversas exposiciones, entre otras: Encuentro de Grabado, Centro Wifredo Lam, La Habana,

Parkings, 2007

Archivo digital impreso sobre papel fotográfico. Tríptico. 175 x 110 cm. c/u. 1/3 + 2 p. a.

Loidys Carnero Pineda (La Habana, Cuba, 1982)


Por su título, hacen referencia a la colectividad urbana y específicamente al parking como lugar impersonal recreado con una multiplicidad infinita de coches, satélites y helicópteros.

Los archivos originales de estos dibujos son generados digitalmente; las ediciones impresas funcionan como copias visibles de un original invisible constituido por códigos y datos.

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2004; Generación 2008, La Casa Encendida, Madrid, La Capella, Barcelona, 2008; Pieza Única, Delegación del Principado de Asturias, Madrid, 2010, y Touched-10, Liverpool Biennial, 2010.


Entre la mirada i la distància, 2004

Fotografía. 130 x 160 cm

Eva Miquel (Barcelona, España, 1970)


El pequeño paisaje está lejos, muy lejos... Los árboles y las montañas se balancean en una línea suspendida del aire, flotando sobre el mar. Nada es fijo. De repente, el paisaje cambia detrás de un filtro húmedo de verano. Las olas acunan los cuerpos, el agua se extiende.

Entre la mirada i la distància pertenece a una serie de fotografías que quieren capturar paisajes ingrávidos, de referencias lejanas e intangibles. Muestran la inquietante búsqueda de un norte, de un horizonte donde aferrarse, a menudo tan lejano como variable. Desiertos de agua, vacíos atrapados de materia navegable.

En la frontera de la tierra con el mar profundo se entrevén diminutos individuos, indiferentes a la presencia de alguien que traspasa la distancia necesaria para contemplar el conjunto.

Es licenciada en Bellas Artes por la Universidad de Barcelona (1996), formación que ha completado con la realización de diferentes seminarios y cursos relacionados con arte y espacio, así como en torno a técnicas diversas. Ha participado en diferentes acontecimientos artísticos, como FIBArt (Festival Internacional de Benicàssim, Castellón, 2007 y 2003), Loop: The Video Art Festival 05 (Barcelona, 2005) u Observatori (Valencia, 2003). Entre sus últimas exposiciones, destacan Desdendins (Galeria Palma Dotze, Barcelona, 2007), Hors d’ici. Las galerías catalanas en Paris Photo (Maison de la Catalogne, París, 2005), Generación 2005 (La Casa Encendida, Madrid; Mercado del Este, Santander; Reales Atarazanas, Valencia; Espai Cultural Caja Madrid, Barcelona, 2005), Mirador-a (Galería Senda, Barcelona, 2002) y Escena

(Galería Brita Prinz, Madrid, 2001). Con la Galeria Palma Dotze ha estado presente en diversas ediciones de las ferias ARCO (Madrid), Artissima (Turín) y DFoto (San Sebastián). Finalista en el concurso de videoarte Ingenio 400. IV Centenario del Quijote y Mención de Honor en el certamen Generación 2005 de Caja Madrid, suma a estos reconocimientos otros obtenidos anteriormente, como la beca de la Fundació Pilar i Joan Miró (Mallorca, 2001), la beca Casa de Velázquez (Ministerio de Cultura, Madrid, 2001), la beca-residencia en Viena (Ministerio de Cultura de Austria, Viena, 2001) o el Premio AECA (Asociación Española de Críticos de Arte) al mejor conjunto de obras presentado por un artista español en la feria ESTAMPA (Madrid, 2000).

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Aparte de tres exposiciones individuales celebradas en la Galería Soledad Lorenzo de Madrid, ha expuesto su obra en instituciones como el MUSAC (Laboratorio 987), o el Centro de Arte Joven, Comunidad de Madrid. Así mismo, ha participado en exposiciones colectivas en el MMOMA, Moscú; el MUSAC, León; el Museo Patio Herreriano, Valladolid; la Fundación Coca-Cola, DA2, Salamanca; el Museo de Arte Moderno y Contemporáneo, Santander; la Colección Antonio Fernández Villalba; el Centro de Arte Dos de Mayo, Madrid, o Baluarte, Pamplona.

19, 2004

Témpera sobre lienzo. 146 x 195 cm

Philipp Fröhlich (Schweinfurt, Alemania, 1975)

Adquisición obra Generación 2005

Los radiantes bosques, acantilados, acuíferos o interiores que representa Philipp Fröhlich en sus témperas sobre lino –preparadas por él mismo como hicieran los antiguos maestros– surgen de un laborioso proceso de capas de color superpuestas, en pinceladas ligeras, como una trama fragmentada de elementos translúcidos. La inspiración de sus motivos procede de reflexiones sobre ciertos pasajes literarios, música experimental o noticias en medios que traslada con la imaginación a una maqueta o pequeño escenario efímero como modelo del cuadro, para así neutralizar el sentido verídico y humano del que procede. Fröhlich desplaza ese artificio al plano de la tela, hilvanando y yuxtaponiendo lentamente capas de color, entendiendo la pintura como el resultado estático de un proceso temporal y dinámico que se manifiesta visible y persigue hacia ese abismo la mirada del espectador. Como un ondulante océano, el cuadro resplandece como laberinto desvinculado de lo real y transfigurado sólo en

pintura, resaltando la descomposición de la trama pictórica en un auténtico conglomerado, en los límites entre abstracción y figuración, y en los márgenes entre realidad y ficción, visión e intuición. El pintor alienta ese efecto por medio de un enfoque diluido que nos ayuda a observar la entidad del conjunto con otros ojos, hechizando nuestra contemplación hacia el lugar mágico de la pintura. Fondo y figura quedan unificados en un mismo plano como una armonía de atmósfera y detalle donde sólo la forma, el color y el gesto son intérpretes de una realidad aislada tanto de su apariencia como de su significado, pero de contenido conmovedor. De este proceso de abstracción surge la mirada interior del artista en el cuadro, llevando a ese lugar intangible la esencia latente de su pensamiento, que permanece visible en cada cuadro. [Kristian Leahy]

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Terrain Vague, 9, 2005

Acrílico sobre madera. 140 x 200 cm

Regina de Miguel (Málaga, España, 1977)


El trabajo de Regina de Miguel hace referencia a conceptos que van desde el viaje y la memoria al vacío, el espacio, la arquitectura y el lugar, planteando una reflexión sobre la habitabilidad de los espacios que comprende el viaje y sus impresiones del lugar. Su obra está construida sobre sus propias experiencias y percepciones, como una especie de arquitectura de recuerdos que remiten al mundo de la memoria. En trabajos como Terrain Vague, fija su atención en la relación de la arquitectura con la memoria, manteniendo implícita la idea del viaje.

“La relación entre arquitectura y experiencia vital del individuo es, en buena medida, el vértice en el que se cruzan las líneas de fuga que componen y construyen el discurso que impulsa la investigación artística de Regina de Miguel. En su trabajo se aprecia una referencia al nomadismo que ha marcado

un amplio período de su vida, desde un estado de continua inestabilidad espacial, con sucesivos cambios de domicilio y un permanente redireccionamiento emocional. [...] Una de sus más conocidas series es Terrain Vague (2005/06), un término que, conforme a la definición de Ignasi de Solá Morales, apunta a un lugar expectante, potencialmente aprovechable y que se debate entre su estado vacante e improductivo a la vez que indefinido e ilimitado. El mencionado concepto enlaza con los ‘futuros abandonados’ descritos por Robert Smithson, espacios vacíos contenidos en la ciudad y que conforman un entramado de espacios nómadas.” [José Luis Pérez Pont, fragmento de “Notas para un futuro abandonado”, Exit Express, n.º 50, marzo 2010]

Artista y productora cultural, desarrolla su trabajo en torno a conexiones entre situaciones de análisis y percepción científica en cuanto conocimiento objetivo (escalas de verosimilitud), aprendizaje no experiencial derivado del imaginario tecnológico (extrañamiento y proyección) y grados de formación de consciencia ideal y crítica (nuevas formas de orientación). Parte de su producción ha abordado fundamentalmente las estrategias de las formaciones de deseo, crisis de sentido subjetivo, y su visualización como paisaje psicosocial en forma de cartografías. En el mismo sentido, también analiza la transferencia especulativa en los instrumentos de aprendizaje científicos y culturales.

Colabora periódicamente con el grupo de trabajo A user’s guide (http://ausersguide.tumblr.com), un proyecto dedicado al backstage del arte y la producción cultural. También forma parte de Correspondencias desde Eyjafjalla (http://eyjafjalla.org), proyecto de reflexión sobre la idea de Europa.

Su trabajo ha sido mostrado en instituciones como ARTIUM (Vitoria), La Panera (Lérida), MUSAC (León) o La Casa Encendida (Madrid), y se encuentra en las colecciones del Museo Vasco de Arte Contemporáneo, Fundación Arco, ABC y Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía.

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Growing up, 2009

8 fotografías C-Print. 100 x 70 cm c/u. 1/5

Juan Margolles (Mar del Plata, Argentina, 1975)


La serie fotográfica de Juan Margolles Growing up se compone de imágenes tomadas en Berlín en el año 2009 que presentan en su integridad una composición y una temática homogéneas. El protagonista de todas estas fotografías es una arquitectura que se recorta contra el cielo, y más que ser representativo de una ciudad o del lugar específico donde fue realizado, el proyecto ilustra un concepto de desarrollo urbano en constante fricción con la naturaleza y en el que los ciudadanos aparecen aislados, amenazados por una multitud con la que conviven pero que les resulta inaccesible.

Se graduó en el año 2000 en la Escuela Superior de Artes Visuales Martín A. Malharro de su ciudad natal, especializándose en fotografía. Ese mismo año se traslada a Valencia, España, donde continúa sus proyectos personales. En la actualidad vive y trabaja entre Valencia y Berlín.

Ha exhibido su trabajo en la Hasköy Yün plik Fabrikası, Estambul; La Casa Encendida, Madrid; el MuVIM, Museo Valenciano de la Ilustración y la Modernidad, y el Museo de Artes Plásticas Faustino Jorge Bonadeo, Argentina, entre otros lugares. Fue seleccionado en el Sovereign European Art Prize 2011 y en el Premio Internacional de Artes Plásticas Obra Abierta 2011. Sus proyectos han recibido, entre otras distinciones, el premio

Generación 2011 de Caja Madrid, el Premio Asegurarte, la medalla de la Confederación Española de Fotografía y el tercer premio de la III Bienal Nacional de Arte Joven Mar del Plata, Argentina. Su obra se encuentra representada en colecciones públicas y privadas.

En sus últimos trabajos reflexiona sobre la manera de relacionarnos con nuestro entorno y sobre cómo el modelo de desarrollo contemporáneo puede modificar los patrones sociales y redefinir nuestra cotidianidad.

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La ciudad como espacio de confluencias y contradicciones, con una superación de los signos que han tejido su memoria histórica, y como lugar despojado de la presencia de sus propios habitantes, se erige en el leitmotiv fundamental del trabajo de Sergio Belinchón. Sus fotografías, a medio camino entre la vocación documental y taxonomizada, y una mirada más íntima, más subjetiva, retratan espacios arquitectónicos en los que se confrontan las dimensiones públicas con las propiamente privadas. En sus primeras series, como es el caso de Ciudades efímeras, buscaba reflejar la presencia de una ausencia, la huella, el signo ya deshabitado del hombre, sobre el tejido urbano.

El recorrido por su labor creadora constituye un ejercicio de inmersión en la personal mirada de este artista que nos traslada a los desolados espacios que el núcleo o la periferia urbana contemporánea llevan generando desde hace muchos años. Su trabajo se ha venido desarrollando en sucesivas series como Metrópolis –sobre París–, Roma, Ciudades efímeras o Desierto de Atacama. Su fotografía retrata todos los territorios que del hombre se han desarraigado. Ciudades fantasmas, desiertos; lugares sobrepasados, ajenos y vencidos por una especulación urbanística que toma continuamente nueva forma, una acumulación de las cosas, que conduce, en última instancia, a una precariedad visual y existencial.

Sin título (Ciudades efímeras 01/02/03), 2002

3 fotografías en color. 70 x 100 c/u

Sergio Belinchón (Valencia, España, 1971)


En este conjunto de fotografías incide en la apariencia fantasmagórica y desoladora que presentan muchos de los edificios y calles de las ciudades turísticas costeras, que permanecen prácticamente vacías excepto en los periodos vacacionales.

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Estudió en la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado “La Esmeralda” en Ciudad de México y ha realizado estudios de posgrado en la Universidad de Arte y Diseño de Kioto, Japón, en la Universidad de Barcelona y en la Universidad Complutense de Madrid.

Ha expuesto individualmente en la Galería de “La Esmeralda” (2002) y Garash Galería (2003), ambas en México D. F.; Mehr Gallery, Nueva York (2007); Instituto de México, en España y en París (2007); Galería Formato Cómodo, Madrid (2008 y 2009); Praxis International Art, Nueva York (2008 y 2011); Praxis Gallery, Miami (2009); La Casa Encendida, Madrid (2009); Matadero Madrid, “Abierto x Obras” (2011), y en la galería 3+1

Aislado 7, 2007

Páginas Blancas recortadas y pegadas. 30 x 37 x 6 cm. 7/10

Hisae Ikenaga (Ciudad de México, México, 1977)


Esta obra nace de la inquietud por plasmar la incomunicación que se apodera del habitante de toda gran ciudad, perdido en un mar de individuos que tratan de clasificarse y homogeneizarse mediante instrumentos como las Páginas Blancas.

Las montañas de papel de la guía telefónica que aquí se apilan sobre cientos, miles de nombres, direcciones y teléfonos de ciudadanos no hacen sino profundizar en la reflexión sobre la sobredosis contemporánea de individuos aislados en las grandes ciudades. Horadando profundos huecos sobre la materia prima empleada para Aislado se ha formado esta cordillera de detalles personales, montañas hechas a costa del individuo que dejan al descubierto las grietas y cavidades utilizadas para su creación.

“En manos de la artista, el tomo de Páginas Blancas, de guía telefónica, anónimo e impersonal, de Aislado (2007) pasa también de masa amorfa a isla preciosa excavada. El prodigioso trabajo artesano, hoja a hoja, no hace sino inquietarnos, por el tiempo dedicado encapsulado, por el descuadre de medidas y proporciones.” [Susana de Blas]

Arte Contemporánea, Lisboa (2011). Asimismo, ha disfrutado de diferentes becas y apoyos de instituciones como el FONCA y la Colección Jumex (México), Matadero y Fundación de Arte y Derecho / VEGAP (Madrid) o Hangar (Barcelona).

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Desde mi cama veo tu ventana, 2001

Fotografía troceada, somier y grapas. 79 x 180 cm

Ana Márcia Varela / Leonardo Villela (Belo Horizonte, Brasil, 1970 / 1974)


Fotografías de gran formato de viviendas de la periferia de Madrid incrustadas en la malla metálica de un objeto obsoleto y anticuado como el bastidor de dos camas. El carácter documental de la fotografía se atomiza en breves narraciones de vidas anónimas recortadas de un gran contexto urbano. La elección de un somier de cama como objeto superpuesto a la imagen exterior de un edificio es significativa por la ambigüedad que pone de relieve: lo privado y lo colectivo, el exterior y el interior, lo parcial y lo universal, el microcosmos y el macrocosmos. También el voyerismo inocente de los artistas cuestionando a través de su obra ¿quién soy yo en un contexto urbano sin identidad como la ciudad-dormitorio de las actuales periferias?

Viven y trabajan en Madrid. Han realizado numerosas exposiciones individuales, entre ellas en Leo Bahia Arte Contemporanea, Brasil, 2009; A hora do jantar, PHotoEspaña 08, Galería Travesía Cuatro, Madrid, Galería Bacelos, Vigo, 2008; Vejo homens como arvores que sonham, Galleria Project B, Milán, 2007; Entao, foi quando eu vi o seu feflexo, PHotoEspaña 04, Galería Travesía Cuatro, Madrid, 2004; Palavras de amor ao vento, Galería Travesía Cuatro, Madrid, 2002, y Os quintais do mundo (performance), PHotoGaleria, La Fábrica, Madrid, 2002.Así mismo, han participado en diversas muestras colectivas y

ferias como ARCO, Madrid (2005-2008, con la Galería Travesía Cuatro; 2002, en el stand Caja Madrid); MACO 06, México D. F.; Valencia.Art, Valencia (con la Galería Travesía Cuatro, 2005); MAD 01, Madrid, y Generación 2001, Casa de América, Madrid, entre otras.

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Servicio a domicilio es una propuesta que reflexiona sobre las condiciones de soledad y aislamiento en las que desempeñan su trabajo los inmigrantes en España. Condiciones de explotación, precariedad y sometimiento se camuflan en las actividades de las grandes ciudades. Una crítica hacia un sistema que, para sostenerse, necesita diferencias, donde conviven los incluidos y los excluidos, donde la identidad colectiva de un sector sólo lleva a formar espacios guetificados.

El enlace entre la presencia visual, dada en los dibujos, y el acontecer de lo que se narra en el vídeo crea un diálogo de intensidad dramática que nos ayuda a comprender cómo el fluir de las reacciones, ante esos niveles de la realidad, es el que tiene el protagonismo. El dibujo es para Bagnat, en este caso, algo más que una forma de expresión o una manera de plasmar sus propias intuiciones; es también un ejercicio

Su práctica artística se construye en torno al dibujo, desplegando en grandes papeles complejos diagramas que hacen referencia a ideas sociales, económicas y políticas.

En los últimos años se ha dedicado al cine de animación, creando cuatro cortometrajes: Darwin Corp (2007), Los Empleados de Kaufmann (2009), Los Ángeles (2011) y Debajo de la cama entre la pata y la pared (2012). Estos trabajos, realizados en programas de residencia en Estados Unidos (ISCP, Nueva York, y Los Ángeles), muestran estrategias capaces de modificar una realidad determinada.

Servicio a domicilio, 2002

Videoproyección sobre dibujo a lápiz. 270 x 550 cm

Christian Bagnat (Cipolletti, Argentina, 1971)


intelectual, de reflexión, de pensamiento y de debate, por ejemplo, en torno al llamado estado de bienestar. Se configura, así, “un proyecto abierto –como lo define el propio artista–, que intenta cuestionar aspectos sociales y políticos dentro de un contexto urbano”. Entre las combinaciones que se producen en ese ámbito, sobresale la relación entre la arquitectura, “modelo formador de conductas y hábitos”, y el hombre como “receptor de esa peligrosa combinación”.

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Actualmente vive y trabaja en Cuenca, y su investigación se centra en los conceptos de cuerpo/sujeto y su relación con la arquitectura, así como en las correspondencias entre lenguaje y espacio.


Frame 2 [de la serie “Frames”], 2006

Fotografía digital C-Print. 80 x 120 cm. 2/7

Manuel Vázquez Fernández (Bucaramanga, Colombia, 1976)


Esta obra pertenece al proyecto “Frames”, una serie de doce imágenes (de 80 x 120 cm cada una) que reflexiona sobre el tiempo, los flujos urbanos y el espacio. Cada una de las piezas está formada por 54 fotografías tomadas desde una misma perspectiva y organizadas cronológicamente en una plantilla de 9 x 6. Las capturas fueron realizadas en un lapso de 5 a 10 minutos, según la intensidad del movimiento y de los patrones encontrados en cada localización. Su organización da una sensación de narración cinemática donde cada frame nos cuenta una o varias historias.

Después de terminar sus estudios de economía en su país natal, se trasladó a España en 2001 y comenzó su formación en fotografía. Ha asistido a talleres en el International Center of Photography y la School of Visual Arts de Nueva York.

Realizó una maestría en Fotografía y Cultura Urbana en la Universidad de Goldsmiths, Londres, donde reside actualmente. Ha participado en exposiciones colectivas en Nueva York, Reino Unido, España, Canadá, Italia, Colombia y Chile. Fue seleccionado como Flash Forward - Emerging Photographer (Magenta Foundation) en 2009, así como en el Bloomberg New Contemporaries en 2008, ocasión en la que exhibió piezas de la serie “Traces”, en la Bienal de Liverpool.

En su obra manifiesta un interés constante por la teatralidad de la vida en los espacios urbanos. Sus imágenes, en la frontera entre la realidad y la ficción, buscan resonancia en la memoria y la imaginación del espectador.

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Christian Bagnat (Argentina, 1971) p. 114

Felipe Barragán (Colombia, 1978) p. 50

Pilar Barrios (Colombia, 1979) p. 58

Sergio Belinchón (España, 1971) p. 102

David Bestué / Marc Vives (España, 1980 / 1978) p. 70

Loidys Carnero Pineda (Cuba, 1982) p. 82

Matías Costa (Argentina, 1973) p. 30

Tatiana Donoso Matthews (Chile, 1970) p. 66

Patricia Esquivias (Venezuela, 1979) p. 34

Philipp Fröhlich (Alemania, 1975) p. 90

Hisae Ikenaga (México, 1977) p. 106

Juan del Junco (España, 1972) p. 74

Dídac P. Lagarriga (Brasil, 1976) p. 42

Juan Linares / Erika Arzt (España, 1972 / Austria, 1969) p. 62

Francisca López (Argentina, 1974) p. 38

Juan Margolles (Argentina, 1975) p. 98

Carolina Belén Martínez (Argentina, 1976) p. 78

Regina de Miguel (España, 1977) p. 94

Eva Miquel (España, 1970) p. 86

Fernando Rubio Ahumada (Colombia, 1970) p. 54

María Ruido (España, 1967) p. 26

Carolina Silva (España, 1975) p. 46

Ana Márcia Varela / Leonardo Villela (Brasil, 1970 / 1974) p. 110

Manuel Vázquez Fernández (Colombia, 1976) p. 118

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