barroco 3, data 9

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BARROCO En la segunda mitad del siglo XVI el Renacimiento cayó en un rígido formalismo, tras dar paso al Manierismo, como una reacción anteclásica que cuestionaba la validez del ideal de belleza defendido en el Alto Renacimiento, surgió el Barroco. Siglos XVII y principios del XVIII

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BARROCO En la segunda mitad del siglo XVI el Renacimiento cayó en un rígido formalismo, tras dar paso al Manierismo, como una reacción anteclásica que cuestionaba la validez del ideal de belleza defendido en el Alto Renacimiento, surgió el Barroco.

Siglos XVII y principios del XVIII

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Sociedad: - Transformación de la mentalidad

por avances científicos. - Copérnico: la tierra no es el

centro del universo, ¡gira alrededor del sol!

- El mundo deja de ser el centro del universo.

- El hombre, centro del mundo, se convierte en insignificante y fugaz.

- Kepler: los planetas tienen un recorrido en elipse , no circular.

- Galileo, Newton… - La realidad se convierte en

apariencia y el mundo en un teatro.

- El siglo XVIII es el siglo de oro en España: L. de Vega, Calderón, Góngora; Quevedo; Cervantes.

- En Francia: Moliere y en Inglaterra Sakespeare.

Descartes: La ’duda metódica’ un gran cambio en la filosofía.

Ver si hay diferencias con un plano del siglo XVII

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Barroco, escultura

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Bernini, Rapto de Proserpina. 1662

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Captación del instante

Ropajes y cabellos ampulosos, quebrados

Composiciones abiertas y movidas

Virtuosismo técnico

Abandono del concepto del bloque único

Materiales nobles (bronce y mármol)

Línea serpenteante

Momentos dramáticos y expresivos, teatralidad

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Captación del instante

Ropajes y cabellos ampulosos, quebrados

Composiciones abiertas y movidas

Virtuosismo técnico

Abandono del concepto del bloque único

Materiales nobles (bronce y mármol)

Línea serpenteante

Momentos dramáticos y expresivos, teatralidad

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El rapto de Proserpina. Proserpina (Perséfone, en griego) era la hija de Júpiter y Ceres, la diosa de la agricultura, y fue raptada por Plutón, se la llevó al inframundo para hacerla su esposa. Ceres, desesperada de dolor, desatendió los cultivos y se lanzó a la búsqueda de su hija. Atendiendo a las quejas de los hombres y de los dioses, que no tenían la comida ni los sacrificios necesarios por el descuido de los campos, Júpiter permitió a Proserpina regresar al Monte Olimpo con la condición de que cada año se quedara junto a su esposo en el inframundo durante tres meses. Así, cuando Ceres y su hija estaban juntas, la tierra florecía y daba buenas cosechas, pero durante los tres meses que Proserpina permanecía en los infiernos, la tierra se convertía en un erial estéril. Esta historia simbólica servía a los antiguos griegos y romanos para explicar los cambios de estación y los ciclos naturales del campo. La interpretación que hace Bernini de este tema mitológico, no obstante, está muy alejada de la trascendencia y la ejemplaridad que se le suponen. Bernini ha convertido a Plutón en un vulgar secuestrador con la barba y el pelo revueltos, aunque esté coronado como rey de los infiernos, mientras que Proserpina intenta zafarse horrorizada de su abrazo. La agonía que expresa el rostro de la muchacha se contrapone a la procacidad apenas contenida del violador Plutón, que hunde sus dedos como poderosas tenazas sobre la sensual carne de Proserpina. Ello se completa con un estudio hiperrrealista de la anatomía humana en tensión y una composición basada en potentes diagonales, que expresan magistralmente el conflicto de atracción - repulsión sostenido por los personajes. Así, todo el conjunto acusa un fuerte dinamismo tanto físico como dramático.

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Mito (del griego μῦθος, mythos, «relato», «cuento») es un relato tradicional que se refiere a acontecimientos prodigiosos, protagonizados por seres sobrenaturales o extraordinarios, tales como dioses, semidioses, héroes, monstruos o personajes fantásticos.

Los mitos forman parte del sistema de creencias de una cultura o de una comunidad, la cual los considera historias verdaderas. Al conjunto de los mitos de una cultura se le

denomina mitología. Cuanto mayor número de mitos y mayor complejidad tiene una mitología, mayor es el desarrollo de las creencias de una comunidad. La mitología sustenta

la cosmovisión de un pueblo.

Los antiguos griegos utilizaban los mitos cuando querían referirse a relatos ejemplarizantes que habían llegado a ellos de manera anónima, provenientes de una fuente remota y de una época muy lejana. Desde un punto de vista antropológico, los mitos no son sólo fábulas o supersticiones, son intentos imaginativos de resolver los misterios de la vida y del universo, a los que una sociedad recurre cuando no sabe explicar las cosas desde un punto de vista enteramente racional o científico. La mayoría de los mitos indoeuropeos se originaron en historias simbólicas o alegorías que personificaban determinados fenómenos naturales como el día, la noche, el paso del tiempo, la vida y la muerte, etc.

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Bernini, Apolo y Dafne. Escultura de mármol blanco , a tamaño real , realizada entre 1622 y 1625 .

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Búsqueda de la belleza ideal.

Líneas abiertas. Contraste entre la superficie pulida de la piel y las formas dispersas de las ramas.

Perfección técnica.

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Mito de Apolo y Dafne .

El dios Apolo , a sido hechizado por una flecha de Eros , Cupido. Se enamora y persigue locamente a la ninfa Dafne para que se enamore de él . Ésta no lo soporta .

La obra representa justo el momento en que Apolo toca a Dafne , y ésta se convierte en laurel . El joven Apolo, de facciones y proporciones clásicas , ve interrumpida su carrera por el movimiento ascendente de la joven, quien, elevando sus brazos al cielo, observa con horror como la transformación se va apoderando de su cuerpo . De los dedos y cabello brotan las ramas y hojas, de sus pies nacen las raíces mientras el cuerpo se va cubriendo de la corteza del tronco .

Cuenta el mito que Apolo quiso competir con Eros en el arte de lanzar flechas . Eros, enfadado por la arrogancia de Apolo , ideó vengarse de él y para ello le arrojó una flecha de oro , que causaba un amor inmediato a quien hiriese . También hirió a la ninfa Dafne con una flecha de plomo , que causaba el rechazo amoroso . Así que cuando Apolo vio un día a Dafne se sintió herido de amor y se lanzó en su persecución . Pero Dafne , que sufría el efecto contrario , huyó de él . Y la ninfa corrió y corrió hasta que agotada pidió ayuda a su padre , el río Peneo, el cual determinó convertir a Dafne en laurel . Cuando Apolo alcanzó a Dafne , ésta iniciaba la transformación : su cuerpo se cubrió de dura corteza , sus pies fueron raíces que se hincaban en el suelo y su cabello se llenó de hojas . Apolo se abrazó al árbol y se echó a llorar . Y dijo: 'Puesto que no puedes ser mi mujer , serás mi árbol predilecto y tus hojas , siempre verdes , coronarán las cabezas de las gentes en señal de victoria ' . La transformación la relata Ovidio en el poema 'Las metamorfosis '. Este mito ilustra el origen de uno de los símbolos típicos del dios, la corona de laurel .

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Barroco, pintura

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La pintura fue una de las expresiones característica del peso de la religión en los países católicos y del gusto burgués en los países protestantes.. El arte barroco se caracteriza por el realismo, los colores ricos e intensos, y fuertes luces y sombras. En oposición al arte renacentista, que normalmente mostraba el momento anterior a ocurrir cualquier acontecimiento, los artistas barrocos elegían el punto más dramático, el momento en que la acción estaba ocurriendo: Miguel Ángel, que trabajó durante el Alto Renacimiento, muestra a su David compuesto y quieto antes de luchar contra Goliat; el David barroco de Bernini es captado en el acto de lanzar la piedra contra el gigante. El arte barroco pretendía evocar la emoción y la pasión en lugar de la tranquila racionalidad que había sido apreciada durante el Renacimiento.

Los más altos exponentes son: Caravaggio, Rembrandt, Rubens, Velázquez, Poussin y Vermeer. Caravaggio es heredero de la pintura humanista del Alto Renacimiento. Su enfoque realista de la figura humana, pintada directamente del natural e iluminada dramáticamente contra un fondo oscuro, sorprendió a sus contemporáneos y abrió un nuevo capítulo en la historia de la pintura. La pintura barroca a menudo dramatiza las escenas usando los efectos lumínicos del claroscuro esto puede verse en obras de Rembrandt, Vermeer, Le Nain y La Tour. El pintor flamenco Antón Van Dyck desarrolló un estilo de retrato cortesano, con gracia, que influyó mucho, especialmente en Inglaterra.

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Rembrandt van Rijn, La ronda de noche o La compañía del Capitán Frans Banning Cocq, 1642, óleo sobre lienzo, 363 × 437 cm.

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“El filósofo” de Rembrant. En ella se observa el uso de perspectivas insólitas… una escalera sin fin.

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La lección de anatomía del Dr Nicoales Tulp, Rembrandt. Ejemplifica la fugacidad de la vida y la preocupación por ella.

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David y Goliat, Caravaggio.

Michelangelo Amerighi o Merisi da Caravaggio, (Lombardía, 1573 – Porto Ercole 1610)

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El dentista, Caravaggio.

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La incredulidad de Santo Tomás, Caravaggio.

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Pedro Pablo Rubens

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Niña lee una carta con la ventana abierta, 1657

Leitersblues

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Johannes Vermeer van Delft (1632 - 1675), llamado por sus contemporáneos Joannis ver Meer o Joannis van der Meer e incluso Jan ver Meer, forma parte de la Edad de Oro neerlandesa, período en el que las Provincias Unidas de los Países Bajos experimentaron un extraordinario florecimiento político, económico y cultural. Su obra es muy reducida, solamente se conocen 33 a 35 cuadros. Puede deberse a que pintaba por encargo, más que para el mercado de arte. Sus primeras obras fueron de tipo histórico, luego con la pintura costumbrista, formó la mayoría de su producción. Sus cuadros más conocidos son Vista de Delft y La joven de la perla.

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La Lechera, Jan Vermeer

Prácticamente olvidado durante dos siglos, se empezó a valorar partir de mediados del siglo XIX, y actualmente está considerado uno de los más grandes pintores de los Países Bajos, particularmente se le reconoce su maestría en el uso y tratamiento de la luz.

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Militar y muchacha riendo, 1658 Mujer joven con jarrón de agua,

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Conceptos generales

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El Barroco surgió entre fines del siglo XVI y principios del XVII en Italia. Llamado también Seicento, abarcó todo el siglo XVII y principios del XVIII. Se caracterizó por una nueva forma de concebir las artes (pintura, música, ópera, danza, teatro y arquitectura) que arrancó desde los diferentes contextos histórico culturales de occidente, tanto en Europa como en américa. Se sitúa entre el Manierismo y el Rococó. Fue una época de fuertes disputas religiosas entre países católicos y protestantes; y, marcadas diferencias políticas entre los Estados absolutistas y los parlamentarios, donde una incipiente burguesía empezaba a poner los cimientos del capitalismo. El término ‘barroco’ proviene de un vocablo de origen portugués barrôco, cuyo femenino denominaba a las perlas que tenían alguna deformidad, en castellano el vocablo barruecas. El concepto de arte ‘barroco’ tuvo en sus inicios un sentido peyorativo: garndilocuente, recargado, engañoso y caprichoso. A fines del siglo XIX Los historiadores Jacob Burckhardt (siclo XIX), Benedetto Croce y Eugeni d'Ors (Siglo XX), revaloran este movimiento y lo dividen en: - Período primitivo, entre 1580 y 1630 - maduro o pleno, entre 1630 y 1680, y - Tardío, entre 1680 y 1750

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El barroco surge del arte clásico, se vuelve cada vez más refinado y ornamentado, mantiene si un cierto racionalismo clasicista que paulatinamente va adoptando formas más dinámicas y efectistas; y, un gusto por lo sorprendente y anecdótico, por las ilusiones ópticas y los golpes de efecto. Tiene preponderancia la representación realista. En una época de penuria económica, el hombre se enfrenta de forma más cruda a la realidad, la que se somete a la mentalidad de una época turbada y desengañada, manifestada: - en una cierta distorsión de las formas, - en efectos forzados y violentos, - en fuertes contrastes de luces y sombras y - en cierta tendencia al desequilibrio y la exageración.

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Aunque se suele entender como un período artístico específico, estéticamente el término ‘barroco’ también indica cualquier estilo artístico contrapuesto al clasicismo, concepto introducido por Heinrich Wölfflin en 1915, historiador y crítico del arte suizo. Éste definió la historia del arte como una historia más bien independiente del contexto social, económico o religioso a través del Renacimiento y el Barroco. Prefiere hablar de una ‘historia de los estilos’ y de ‘la vida íntima del arte’ en estos dos períodos. Analizó las diferencias de estos dos estilos insistiendo en que a finales del siglo XVII se produjo un cambio semejante pero de sentido inverso, una "vuelta atrás". Caracterizó el Barroco por cinco rasgos: 1) La búsqueda del movimiento real, por el hecho de que se construyan edificaciones con paredes onduladas y

también la búsqueda del imaginario, por el hecho de que se pinten personajes capaces de acciones violentas. 2) Intento de sugerir el infinito. Este aspecto se muestra claro en el lago de Versalles. En este estilo el camino se

pierde en el horizonte. 3) La importancia de la luz y de sus efectos. 4) El gusto por la teatralidad, por lo escenográfico y fastuoso. 5) La tendencia a mezclar las disciplinas artísticas.

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El Barroco: un concepto polisémico En el Dictionnaire de Trévoux, en 1771, se definió que ‘…en pintura, un cuadro o una figura de gusto barroco, donde las reglas y las proporciones no son respetadas y todo está representado siguiendo el capricho del artista.’ Otra teoría lo deriva del sustantivo baroco, un silogismo de origen aristotélico proveniente de la filosofía escolástica medieval, que señala una ambigüedad que, basada en un débil contenido lógico, hace confundir lo verdadero con lo falso. Así, esta figura señala un tipo de razonamiento pedante y artificioso, generalmente en tono sarcástico y no exento de polémica. En ese sentido lo aplicó Francesco Milizia en su Dizionario delle belle arti del disegno (1797), donde expresa que «barroco es el superlativo de bizarro, el exceso del ridículo».4 El término «barroco» fue usado a partir del siglo XVIII con un sentido despectivo, para subrayar el exceso de énfasis y abundancia de ornamentación, a diferencia de la racionalidad más clara y sobria de la Ilustración. En ese tiempo, barroco era sinónimo de otros adjetivos como «absurdo» o «grotesco».1 Los pensadores ilustrados vieron en las realizaciones artísticas del siglo anterior una manipulación de los preceptos clasicistas, tan cercanos a su concepto racionalista de la realidad, por lo que sus críticas al arte seiscentista convirtieron el término «barroco» en un concepto peyorativo: en su Dictionnaire d'Architecture (1792),Antoine Chrysostome Quatremère de Quincy define lo barroco como «un matiz de lo extravagante. Es, si se quiere, su refinamiento o si se pudiese decir, su abuso. Lo que la severidad es a la sabiduría del gusto, el barroco lo es a lo extraño, es decir, que es su superlativo. La idea de barroco entraña la del ridículo llevado al exceso».4

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Según este planteamiento el término ‘barroco’ se puede emplear tanto como sustantivo que como adjetivo, cualquier estilo artístico atraviesa por tres fases: arcaica, clásica y barroca. Lo ‘barroco’ es una fase recurrente de todos los estilos artísticos, que sucede a la fase clásica. Así, en el arte helenístico —al que pertenece el Laocoonte— sería la «fase barroca» del arte griego.

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El poder absoluto

Contexto histórico La contrarreforma

CRISIS DE LA ESTÉTICA RENACENTISTA

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Arquitectura Barroca - Se inicia como alternativa al renacimiento y al manierismo,

con Bernini y Borronini en Italia hacia 1630 y se extiende hasta 1750, dando paso al Rococó y Neoclasismo.

- Gran desarrollo en los países católicos. - Siguen los Papas siendo los mayores mecenas, tanto con

construcciones religiosas como obras urbanas.

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- Plantas y elevaciones en movimiento como búsqueda del movimiento real.

- Desarrollo de la visión del espacio, percepción de espacios mayores a lo que son. Intento de sugerir el infinito, la perspectiva ilusión que crea el espacio.

- Se busca la espectacularidad espacial y el lujo. - Interconexión entre espacio interior y exterior. - Se desarrollan las línea curvas, onduladas, formas

elípticas y ovales como alternativa a la línea recta. - En el siglo XVIII se acentúa el ornamento interior, lo

que dará origen al rococó. - Y, por otra parte la vuelta a la línea recta dará origen

al Neoclasicismo. - Importancia de la luz y de sus efectos. - Gusto por la teatralidad lo escenográfico y fastuoso. - Tendencia a mesclar las disciplinas artísticas. - En las iglesias las plantas son centralizadas y

longitudinales. - Se desarrolla la planta en cruz latina, con una única nave,

capillas laterales y crucero resaltado en el centro con la cúpula.

- Las fachadas se decoran llamativamente. - En el interior la grandiosidad se desarrolla principalmente

en los altares.

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ITALIA

FRANCESCO BORROMINI JUAN LORENZO BERNINI

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Francesco Borromini. Bissone, Suiza 1599 – Roma 1667

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Borromini. San Ivo alla Sapienza, Roma

Piso superior convexo Inferior Cóncavo Linterna helicoidal Borromini. San Ivo alla Sapienza, Roma

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Borromini. San Ivo alla Sapienza. Roma

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Borromini. San Ivo alla Sapienza. Roma

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Muros mixtilíneos Pilastras en aristas Compartimentación del muro.

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Borromini. San Carlos de las Cuatro Fuentes.

CÚPULA ovalada, decorada con casetones en forma de cruz, hexágono y octógonos decrecientes. Ilusionismo espacial: sensación de mayor espacio del que realmente es.

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FACHADA Dos pisos separados por una cornisa. Cada piso 3 vanos separados por columnas y hornacinas. Estatua de San Carlos Borromeo en el centro y los padres fundadores en los laterales en el inferior En la parte superior tres vanos y rematado por un medallón ovalado sostenido por ángeles. Columnas y vanos sensación de sostener el óvalo vacío.

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Fachada y planta Iglesia de San Carlo alle Quattro Fontane Roma, diseñada por Francesco Borromini en 1637.

Utilización de composiciones basadas en líneas curvas, elipses y espirales, así como figuras policéntricas complejas compuestas de motivos que se intersecaban unos con otros. La arquitectura se valió de la pintura, la escultura y los estucados para crear conjuntos artísticos teatrales.

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Juan Lorenzo Bernini. Nápoles 1598 - 1680

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Bernini. Baldaquino de la Iglesia de San Pedro,

Vaticano.

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Bernini. Plaza de San Pedro, Vaticano.

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Re-levantamiento del obelisco en 1586.

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Bernini. San Andrés del Quirinale, Roma. 1658 - 1670

Planta ovalada con capillas en rededor, fachada cóncava y pequeño pórtico convexo.

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Bernini. Santa Inés, Roma.

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Otros arquitectos del siglo XVIII.

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Urbanismo Barroco Época de poder absoluto, la ciudad es la imagen del poder gobernante, su importancia se mide en el número de habitantes y su tamaño. Los elementos buscan embellecer la ciudad, son puntos de referencia y reflejo simbólico del poder civil o religioso.

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La principal característica barroca es la nueva concepción del espacio, consecuencia de la influencia contra reformista. Se exige de la arquitectura su vinculación al espectador mediante la persuasión y la participación. Las fachadas de los edificios se van a concebir en función del espacio que le rodea, se construye en función de la plaza, de la calle o del paisaje que se sitúa. Aparece un nuevo concepto de ciudad como símbolo religioso que debe también persuadir al fiel de la supremacía indiscutible de la Iglesia. El ordenamiento urbano refleja la estructura social del absolutismo. Las perspectivas monumentales dan una amplitud indefinida a la imagen del poder, y permiten los desfiles militares y civiles y las masivas manifestaciones rituales religiosas. Las plazas se convierten en centros de referencia urbano, dominadas por un edificio principal (una iglesia, un palacio), serán decoradas con fuentes, obeliscos, estatuas y planificadas urbanísticamente para crear perspectivas impresionantes. Desaparece así la individualidad plástica de los edificios en favor de un conjunto superior: la ciudad como espectáculo, bien fuera espectáculo religioso (Roma), político (París) o ambas cosas en simbiosis como es el caso de las manifestaciones artísticas hispanas.

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Doménico Fontana. Plaza Navona, Roma.

Debajo de la Plaza, se encuentran los restos del Estadio de Domiciano, del siglo I.

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En la Piazza Navona, se encuentran: - La Fuente de los Cuatro Ríos. - La Iglesia de Sant’Agnese in

Agone (Santa Inés en Agonía), obra de Fancesco Borromini y Girolamo Rainaldi. Edificio de superficies cóncavas y convexas, ubicado enfrente de la Fuente de los Cuatro Ríos.

- El Palazzo Pamphili, alberga una galería, en la cual se encuentran pinturas de Pietro da Cortona. Y,

- Dos obras de Giacomo della Porta, La Fuente de Neptuno y la Fuente del Moro.

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En el lugar solo existía un pequeño edificio de la familia Pamphili. En 1644 el Papa Inocencio X, miembro de la familia, transformó el estadio en plaza, encargó: - la construcción de las tres fuentes,

incluido un abrevadero, al servicio del mercado y de los animales de transporte, y de su cuñada;

- la iglesia de Santa Inés en Agonía (antigua capilla de la familia), y,

- el palacio Pamphili, residencia de Doña Olimpia, cuñada del Papa.

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El suelo original tenía forma cóncava y para el acto de inauguración cerraron todos los desagües, construyendo un lago artificial. La idea encantó tanto a nobles como al pueblo, se divirtieron jugando y chapoteando en el agua. Desde el día de la inundación de la Piazza Navona, ésta se convirtió en un espacio festivo y cada año se repetía la inundación durante los sábados y domingos del mes de agosto. Esta fiesta se mantuvo hasta que en 1866, cuando Pío IX la suspendió. Años más tarde, fue pavimentada en forma plana y se eliminó toda posibilidad de inundación. Pero mantiene el carácter lúdico, durante la Epifanía la plaza se sigue llenando de puestos de juguetes, Befanas (brujas típicas de la navidad italiana) y viejos pascueros. Así ha conseguido mantener hasta el presente sus orígenes como "mercado" iniciado en segunda mitad del siglo XV.

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Fuente de los Cuatro Ríos , (Fontana dei Quattro Fiumi) fue inaugurada en 1651. Obra de Gian Lorenzo Bernini, representa los cuatro ríos más grandes del mundo que se conocían a la época: el Danubio, el río de La Plata, el Nilo y el Ganges. En el centro se encuentra el obelisco, colocado allí para servir de adorno a la fuente. Es de granito, de 16,54 metros de alto. Procedía del Templo de Isis, donde formaba parte de otro monumento que según rezan las inscripciones jeroglíficas, estaba destinado a Dominiano. El obelisco fue separado del Templo de Isis y llevado hasta el Circo de Masencio (por el emperador de este mismo nombre), ubicado en la Vía Appia hasta que en 1647 el Papa Inocencio X lo trasladaría a su actual ubicación.

El obelisco descansa sobre una roca en la cual se puede ver una paloma con una rama de olivo, imágenes que pertenecen al escudo heráldico del papa, y que simboliza el poder divino que desciende, como un rayo solar, por los 4 lados del obelisco hasta la roca, que representa el caos. Además también encontramos la inscripción de Inocencio X, el monumento intenta ofrecer: "Saludable amenidad a quien pasea, bebida a quien tiene sed, aliciente a quien medita".

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La costumbre romana era construir una bella fuente al final de los acueductos que traían agua a la ciudad. Ésta tradición fue recuperada en el Renacimiento, en 1453, el papa Nicolás V terminó de reparar el acueducto Aqua Virgo y construyó una simple pila, diseñada por el arquitecto humanista León Battista Alberti, para anunciar la llegada del agua.

Doménico Fontana. Fontana di Trevi,

Roma.

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En 1629 el papa Urbano VIII, encontró la fuente anterior poco dramática o monumental, pidió a Bernini que esbozase posibles renovaciones… el proyecto fue abandonado cuando el papa murió. La contribución duradera de Bernini fue cambiar la situación de la fuente al otro lado de la plaza para que quedase frente al Palacio del Quirinal (de forma que el papa también pudiese verla y disfrutarla). Aunque el proyecto de Bernini fue desechado en favor del de Nicola Salvi, hay muchos toques del primero en la fuente tal como fue construida.

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Desaparecen las formas geométricas, definidas en el Renacimiento para dar paso a la riqueza decorativa y a la

variación óptica, conseguida esta última mediante la utilización de la luz que al incidir sobre superficies dinámicas altera su aspecto. Se convierte así la arquitectura barroca en aparente, abierta y expresiva. De nuevo la sensación viene a

suplir a la razón.

Síntesis

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Tarea Barroco - 1 lámina con planta, corte, elevaciones y croquis ,de un palacio barroco. Más un escrito con las

diferencias con el palacio Renacentista. - 1 lámina con una Iglesia barroca, planta corte, elevaciones , croquis y un escrito con las

diferencias con una iglesia renacentista. - 1 lámina con el dibujo de planta y elevaciones (edificaciones del entorno) de al menos 3

plazas barrocas italianas. Escritos sobre lo significante y los elementos que se incorporan en este espacio.

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TAREA BARROCO (general) - 1 lámina con arquitectura religiosa barroca: planta, corte, fachada y

antecedentes básicos - 1 lámina con los elementos arquitectónicos, constructivos y

espaciales, del barroco en general - 1 lámina - técnica libre - con elementos de ornamento, esculturas,

pintura, fuentes… del barroco.