BAJO EL LENTE DEL MUSEO

Nº 1

CARLOS CAAMAÑO PROYECTO FOTOGRÁFICO

MASM - 2018

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BAJO EL LENTE DEL MUSEOCARLOS CAAMAÑO PROYECTO FOTOGRÁFICO

24 de enero - 17 de febrero, 2018Sala Juan Acha, 2do piso del Patio de Ciencias

Museo de Arte - Centro Cultural de San Marcos

Solange Adum - Maricel Delgado - Sergio FernándezMarco Garro - Morfi JiménezSebastián Mejía - Hans Stoll y Sergio Urday

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Esta es una exposición que da una idea del trabajo de investigación y curaduría del MASM: se ha elegido un conjunto de obras de un proyecto

específico, que se dedica a la exhibición y circulación de fotografías. Este espacio existe desde 2006 y sigue activo a la fecha. El MASM, con el compromiso de hacer llegar, a un público no enterado, las tendencias recientes de la fotografía y asumir al arte como un servicio público, acoge a Carlos Caamaño Proyecto Fotográfico en sus salas. Bajo una concepción que privilegia la fotografía asociada al arte contemporáneo, dicha plataforma plantea un contrapunto entre el documento y las formas puras, pasando por la idea de una fotografía descentrada de sí misma y que busca intervenir en lo real. Las fotografías expuestas son una selección de ocho de los integrantes de la plataforma que representa a cerca de quince importantes fotógrafos peruanos. En la selección se ha privilegiado, sobre todo, imágenes que comuniquen situaciones y paisajes de las identidades tradicionales y urbanas, tanto en exteriores como en interiores. Con esta exposición, se apoya en la actividad de aquellos espacios que, como en este caso, se dedican a difundir desde la sociedad civil y el mercado del arte, la producción de un grupo notable de fotógrafos peruanos.

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Carlos Caamaño Proyecto Fotográfico

Carlos Caamaño Proyecto Fotográfico, en los últimos cinco años, ha par-ticipado en numerosas exposiciones colectivas para destacar claramen-te como una interesante propuesta en instituciones culturales, como el Centro Cultural Peruano Británico (Lima), Alianza Francesa (Lima), Museo de Arte Contemporáneo (Lima), Instituto Cervantes (Nueva York), Instituto Cultural Peruano Norteamericano (Lima). Así mismo, ha posicionado a sus artistas en el mercado del arte local e internacional por su participación en galerías de arte como Vértice (Lima), Espacio Titilaka (Lima) y Lima Mo-dern (Lima), entre otras. Otro tanto en ferias internacionales como ArtLima (Perú), Buenos Aires Photo (Argentina), Fotofever Paris (Francia), Este Arte (Chile), Photo Basel (Suiza) y Positions (Alemania).

Además, el proyecto ha tenido una presencia en todas las ediciones de Lima Photo entre 2010 y 2017. Allí, en 2015, recibió el premio Sura al mejor stand de la feria. En la década de 2010 Lima Photo se destacó es-pecialmente, en Lima, al convertirse en un fuerte indicador de la vitalidad del mercado de arte en lo que a fotografía se refiere. Esta vitalidad llegó a su máxima expresión en 2014, junto con la II Bienal de Fotografía de Lima, con la participación de Carlos Caamaño Proyecto Fotográfico que señaló hacia nuevas tendencias en el arte contemporáneo peruano.

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Fotógrafos participantes:

Hans Stoll (Lima, 1964)

Estudió ciencias de la comunicación y fotografía. Entre 1994 y 1996 ingresa al sistema del arte con dos interesantes exposiciones, pero se aleja de este al dedicarse a la moda y la publicidad, hasta el año 2005. Ha mostrado su trabajo, entre 2005 y 2017, en distintas capitales de América Latina, Estados Unidos y Europa, a través de exposiciones colectivas y ferias. Cuenta con ocho exposiciones de proyecto personal y ha consolidado un importante reconocimiento como fotógrafo. En sus imágenes, sobre todo de paisajes naturales y urbanos, despliega una estética que produce geometrías particulares, a través del hallazgo de hitos visuales en el encuadre. Así mismo señala, a veces, hacia diversas tipologías del mundo urbano.

Morfi Jiménez (Lima, 1975)

Estudió publicidad y cine a inicios de la década de 1990. En el campo de la fotografía es autodidacta. En 2008, ingresó al sistema del arte con su proyecto Luz de las entrañas, retratos fotográficos con los que ganó el premio Hasselblad Masters Award. En 2011, Jiménez obtuvo el primer premio del Concurso Latinoamericano de Fotografía y del Concurso Imágenes de Población del Fondo de Población de las Naciones Unidas. Su fotografía privilegia los detalles y, a través de estos, construye situaciones. Hace énfasis en los espacios de contrastes de luz con un uso del claroscuro que permite a sus retratados exhibir un conjunto dramatizado de la experiencia de la vida cotidiana.

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Sergio Fernández (Lima, 1979)

Estudió la carrera de arquitectura en Lima y ejerció como tal en Londres. Desde su mirada de arquitecto se interesó por la fotografía empezando una formación autodidacta. Ingresa al sistema del arte en el 2012 al participar activamente en diferentes proyectos individuales exhibidos en distintas ferias en capitales de América Latina y del mundo. Dirigió en 2012 la plataforma La Encomienda, proyecto de artistas peruanos vinculado al arte contemporáneo. Sus imágenes elaboran un tejido entre elementos del paisaje y de la arquitectura, a través de la presencia de ciertas estructuras geométricas. Estos elementos, asociados de identidad peruana, señalan hacia un sentido de lo histórico y lo antropológico de las distintas culturas que existen en el Perú.

Maricel Delgado (Lima, 1978)

Estudió, a mediados de la década de 1990, Fotografía profesional en el Instituto Antonio Gaudí, actual Centro de la Imagen. Así mismo, Gestión de industrias culturales en la Pontificia Universidad Católica del Perú. Ha expuesto su obra de manera individual y colectiva en distintas ciudades del Perú, América Latina, Europa y Estados Unidos. Entre 2003 y 2015 ha realizado residencias para artistas en Canadá, Francia, Lituania y España. Esta última en el marco de Photoespaña 2015. Sus fotografías oscilan entre aquella vertiente que encuentra geometrías en el paisaje urbano y natural —al fragmentar a veces lo real en tipologías y formatos más pequeños— y lo post-fotográfico, una de las tendencias más importantes en la fotografía contemporánea.

Sergio Urday (Lima, 1968)

En 1989 inicia su carrera como fotoperiodista, trabajando durante más de seis años en dicho sector. En 1998 realiza su exposición personal, Mundo Real, con la que ingresa al sistema del arte. En 2003, trabaja en su reconocido proyecto Retratos Callejeros. En ambas propuestas queda claro la importancia de la ciudad de Lima como referente para su producción. Entre 2003 y 2017, Urday ha participado de manera destacada en diversas exposiciones colectivas y ferias en distintas ciudades de América Latina. Como fotógrafo produce una interesante articulación entre su mirada formada en el fotoperiodismo y la posibilidad de producir proyectos artísticos. Ha desarrollado una estética que coloca su énfasis en el detalle, al identificar el objeto a retratar en sus elementos mínimos.

Solange Adum (Lima, 1980)

Fotógrafa egresada el 2006 del Centro de la Imagen. Realiza estudios en la Escuela de Artes Visuales Corriente Alterna y en la Facultad de Arte de la Pontificia Universidad Católica del Perú. En 2011, con su exposición Picture element, se hace conocida por la limpieza de sus imágenes. Entre 2011 y 2017 expone en colectivas en Lima y en distintas capitales del mundo. Se desempeña hace 10 años como docente del Centro de la Imagen en Lima. Adum es una artista sumamente cuidadosa con cada detalle técnico de la imagen, encontrando, sin embargo, espacio para un planteamiento en el que diferentes hitos de una imagen, brillan a simple vista, en una fuerte articulación con importantes tendencias del arte contemporáneo.

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Marco Garro (Lima, 1981)

Estudió, en la primera década del siglo XX, Ciencias de la Comunicación de la Universidad de Lima, con especialidad en cinematografía. Como fotógrafo ha realizado talleres de especialización en Nueva York y ha sido becario en El Salvador y Colombia, ambas becas orientadas a las prácticas actuales del fotoperiodismo. Ha trabajado en distintos diarios locales y es colaborador de agencias internacionales de prensa como AFP y DPA. Es miembro del colectivo Supayfotos. Sus trabajos fotográficos surgen en proyectos personales, en los que, mediante recursos visuales y conceptuales, le otorga un plus a lo real. Así, su mirada nos orienta en la lectura, por ejemplo, de los excesos de la explotación minera y otros fenómenos globales de actualidad.

Sebastián Mejía (Lima, 1982)

Sebastián Mejía vive y trabaja en Santiago de Chile. Estudió fotografía en el School of Visual Arts de New York. Con trayectoria en el medio artístico de Santiago, Chile, desde 2008. Ha participado en numerosas colectivas y ferias en distintas ciudades de América Latina, Estados Unidos y Europa. Las imágenes de su producción que le han interesado a Carlos Caamaño Proyecto Fotográfico son aquellas en las que, en el espacio urbano de la ciudad de Santiago, hacen su aparición un conjunto de elementos con cualidades antropomórficas que la mirada del fotógrafo encuentra a su paso. Uno podría decir que se trata de una suerte de memoria de un ciudadano peruano en el exilio y hablar, al mismo tiempo, de una deriva que busca documentar lo real, en algún sentido por aclarar.

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Entrevista a Carlos CaamañoMiércoles 17 de enero de 2018Miraflores, Lima

Augusto del Valle [AdV].- Cuéntanos acerca de la existencia de tu plataforma. En la página web se menciona que comienza a existir en 2008, pero tú me has comentado que esta se inicia más informal y coloquialmente en el 2006…

Carlos Caamaño [CC].- Empezamos el 2006, efectivamente, como un grupo muy reducido, con Ana de Orbegoso y Hans Stoll, solamente. Ellos son muy amigos míos y, se podría decir, que este emprendimiento arranca con ellos. Ninguno de ellos estaban representados por una galería, entonces nos juntamos con la idea de que los organice, los haga participar en algunas muestras y ferias para tener una participación algo más estructurada en el medio.

AdV.- Las estéticas de ambos son muy distintas. Por ejemplo, he visto la estética fotográfica de Stoll como una afirmación de la dispersión. Muchas de sus imágenes trabajan espacios que ofrecen puntos en donde uno puede focalizar la mirada. Y eso es más evidente cuando se contrasta esta producción con otras de tu plataforma cuyas miradas están más centradas en un objeto. Así, en una fotografía de Stoll de la selva, uno puede mirar en distintos puntos la imagen como en un rizoma. En cambio, las imágenes de Orbegoso están más situadas en la tradición de la religiosidad andina-barroca. En todo caso, quizá las imágenes de Orbegoso vienen de dicho mundo andino y van al encuentro de la identidad criolla. Son estéticas muy distintas, unas con un foco muy claro y otras por el contrario, abiertas a distintos focos…

CC.- Súper distintas. Ana de Orbegoso se considera una artista con base fotográfica. Mientras que Stoll se considera un fotógrafo. Él es muy

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dramática. Morfi recrea estas imágenes casi como un director de cine. Va con todo un equipo de iluminación y produce la situación. Así mismo, se podría decir que es más pictórico, con ese claroscuro a lo Caravaggio. Creo que las demás piezas, como las de Sergio Fernández, Stoll, Maricel Delgado, comprenden formas más sobrias y limpias.

AdV.- A Garro y a Fernández se les ha incluido porque portan una mirada que oscila desde el terreno del uso de la técnica fotográfica —en la medida que la fotografía es un dispositivo finalmente— hacia una mirada escultórica. Ellos hacen intervención en el espacio, con su propio trabajo, al menos en las piezas que se exhiben en esta exposición.

CC.- Sí. Lo que ustedes han seleccionado es una o dos series de cada uno de ellos. Por ejemplo Stoll tiene otras series en donde deja de lado la fotografía pura o la toma directa y también interviene. Trabaja mucho collage…pero quizá sea mejor concentrarse en lo que ustedes han seleccionado...Garro es uno de los más recientes dentro del proyecto. La serie que está exhibiendo con ustedes fue ganadora del último Salón de la Fotografía del ICPNA. El trabajo de Garro tiene un interés muy documental.

AdV.- Sí. Ahora quisiera regresar a una caracterización de la plataforma. Incluso, después de la aparición de algunos que vienen del fotoperiodismo, ¿Cómo evoluciona esto?, ¿Cómo cambia el rumbo tu participación primero en Mirafoto, luego en Lima-Photo y finalmente en la Feria de Art Lima3?

CC:- Mirafoto fue una suerte de bienal que organizaba la Municipalidad de Miraflores en la década de los 2000 y la primera Feria Art-Lima data del 2013 y apunta hacia otra cosa. Son dos instituciones totalmente distintas. La bienal versus una feria. Por otro lado, la primera edición de Lima-Photo, en el Centro de la Imagen es de 2010. Y desde esa primera edición hemos estado presentes en todas. Somos unos de los pocos que hemos estado ininterrumpidamente en todas las ediciones. Desde que iniciamos nuestra presencia en Lima-Photo la plataforma se hace más conocida, se

3 Mirafoto fue un evento organizado por la Municipalidad de Miraflores, contó con siete versio-nes (2001-2005, 2007 y 2009). Lima-Photo es una feria organizada por el Centro de la Imagen y se han realizado ocho versiones (2010-2017). Así mismo, Feria Art Lima, es organizada por el grupo El Comercio y se han realizado cinco ediciones.

cauteloso con considerarse o no un artista. Él te dice siempre que, ante todo, es un fotógrafo. Entonces, el trabajo de Hans es mucho más arquitectónico. Incluso su fotografía de la selva, vista desde cierta perspectiva, puede ser una imagen arquitectónica también. Es fotografía más pura, más objetiva. Él tiene como uno de sus referentes importantes a la Nueva Objetividad1 alemana, mientras que lo de Ana, por ejemplo, el trabajo de las vírgenes, es muy diferente2. Ahora, habría que aclarar que Ana tiene dos cuerpos de trabajo. Lo que ustedes tienen en el MASM es lo más reciente. Es a lo que se está dedicando más en los últimos años. Pero tiene otro tipo de obra más limpia en términos formales y estéticos. Lo de Ana resulta ser más barroco, mientras que la obra de Hans tiene un carácter más austero.

AdV.- Sí. Pero ese gesto barroco corresponde a una inquietud que proviene de la cultura misma. Y de cómo esta se articula con una herencia del barroco andino. Mientras que lo de Stoll es una suerte de imagen trabajada desde el ámbito de la fotografía en sí misma. No digo ensimismada. Y esto porque, en germen, en las imágenes de Stoll están ya esas otras estéticas que después han aparecido en tu plataforma, más formalistas, por decirlo de algún modo; es decir, apuntan hacia la aparición de geometrías diversas, a formatos más pequeños, casi en serie. Pero, por el otro lado, van apareciendo también otros artistas fotógrafos que trabajan desde el ámbito del fotoperiodismo, como por ejemplo Sergio Urday que trabaja el documento casi en estado puro.

CC.- Bueno, Morfi Jiménez fue el tercero en entrar al grupo y luego entra Urday. Diría que, probablemente dentro de la selección que ha hecho el MASM, desde mi punto de vista, lo de Morfi se acercaría estéticamente más a lo de Orbegoso. Es decir por la manera como trata la imagen, porque él es también muy barroco. Hay mucho color y una iluminación muy

1 La Neue Schlichkeit (Nueva objetividad) fue una corriente artística que surgió en las primeras décadas del siglo XX. En fotografía su principal representante es Albert Renger-Patzsch. Junto a Karl Blossfeld, realizaron trabajos con una “mirada objetiva”, entendiendo a la fotografía como documento. Así, las tipologías visuales o las taxonomías realizadas desde una búsqueda cientí-fica, fueron retomados, en la década de 1960 por el trabajo en fotografía de los esposos Bernd e Hillda Becher, quienes iniciaron el uso de la seriación de imágenes. Dicha estética está en la base de la llamada Escuela de Düsseldorf, en Alemania.

2 La serie mencionada se titula Vírgenes Urbanas (2010). Lo característico en estas vírgenes es el montaje fotográfico sobre obras de origen virreinal, en su mayoría de estilo barroco.

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y Antonio Ramos6. Maricel Delgado pertenece a esa formación. Su mirada se forma en esas primeras generaciones del Gaudí. Ahora bien, Maricel tiene otras series que se acercan bastante a lo post-fotográfico. Lo que ha seleccionado el MASM para la muestra Bajo el lente del museo no lo es.

AdV.- Esto es importante. Quería preguntarte si en tu plataforma tienes series de Maricel Delgado que juzgas post-fotográficas, o, por el contrario, si has sido tú quien de manera involuntaria y sin darte cuenta has elegido series más “geometrizantes” que post-fotográficas…

CC.- Sí, probablemente sin darme cuenta. En realidad la obra que he ido seleccionando a lo largo de los años, no creo que obedezca a una línea conceptual planteada de manera intencional. Creo que mi selección siempre ha sido espontánea. Lo que me ha interesado, lo que me ha gustado lo he ido incluyendo en el proyecto. Definitivamente hay una estética que me interesa desarrollar y una línea conceptual enfocada en la documentación de autor. Si bien mi búsqueda estética es más austera y clara, hay fotógrafos en mi plataforma, tipo Ana De Orbegoso o Morfi Jiménez, quienes plantean estilos más desbordados. Lo de Sergio Fernández, lo de Stoll, lo que tengo de Maricel Delgado, la palmera de Sebastián Mejía, el museo de Solange Adum, creo que pueden agruparse en un tipo de mirada que es bastante más limpia y austera.

AdV.- Tu plataforma ganó un premio…

CC.- Lima-Photo con apoyo de Sura, todos los años premia al mejor montaje de la feria. El 2015 nos dieron a nosotros el premio.

AdV.- ¿Cuáles fueron los últimos en entrar a tu plataforma?

CC.- El más reciente es Marco Garro. Eso hablando del grupo de fotógrafos seleccionados para esta muestra. Hay otros chicos más jóvenes que recién están entrando como Renzo Rebagliati pero no están en la selección. Creo que, si trato de buscar un punto en común, en todas las obras que

6 El Instituto Antonio Gaudí (1992-1999) fue fundado como escuela de fotografía por Billy Hare,

Roberto Huarcaya y Antonio Ramos. En 1999 se convierte en Centro de la Imagen pero sin la participación de Billy Hare.

visibiliza de una manera más fuerte. Desde ese momento me siento más comprometido con el proyecto. Puesto que ya no era un proyecto que se activaba de vez en cuando sino que ya queríamos desarrollar algo más serio y más consolidado en el tiempo y tener una presencia permanente. A pesar de que por muchos años no hemos tenido un espacio propio, nos hemos mantenido siempre activos a través de centros culturales y espacios que tomábamos temporalmente, casas que se iban a derribar, y, bueno, el grupo fue creciendo poco a poco.

AdV.- En el Centro de la Imagen hay una tendencia hacia lo que el crítico Jorge Villacorta4 , en la II Bienal de Fotografía del 2014 —a la sazón curador general de dicho acontecimiento— colocó bajo la categoría internacional de post-fotografía. Esta tendencia probablemente esté asociada al trabajo de Luz María Bedoya5, profesora de varias generaciones. Así como se hablaba, al principio de esta entrevista, cómo la cuestión de la cultura barroca de la religiosidad puede ser importante para una artista —Ana de Orbegoso— que utiliza la fotografía para poder expresar dicha cultura, igualmente, ocurre en este caso, con una sensibilidad poética que usa la fotografía. Es decir, usar elementos estéticos que no están ni en la técnica fotográfica ni en las fotografías mismas. Esto llamó fuertemente la atención de ciertos agentes culturales del periodismo local. Sin embargo, en tu plataforma no me parece que hubiera mucho lugar para la post-fotografía.

CC.- Bueno, creo que tiene que ver con una generación de fotógrafos, específicamente los primeros grupos egresados del Instituto Antonio Gaudí que fue, en la década de 1990, lo que hoy es el Centro de la Imagen. Aquella fue la escuela de fotografía que funda Billy Hare, Roberto Huarcaya

4 Jorge Villacorta (1958), es un crítico de arte y curador independiente. Su objeto de estudio es el

arte contemporáneo y la fotografía. Ha curado numerosas exposiciones a nivel nacional e inter-nacional. Es co-fundador de la organización cultural ATA (Alta Tecnología Andina) que promueve proyectos que conjugan el trinomio arte, tecnología y ciencia. 5 Luz María Bedoya (1969), egresó de la Pontificia Universidad Católica del Perú (PUCP) en la

década de 1990, con estudios en Lingüística y literatura. Ella combina su formación literaria con la práctica fotográfica pues fue alumna y luego profesora en el CEIF Instituto Antonio Gaudí, actual Centro de la Imagen. En el 2014, como parte de la II Bienal de Fotografía, ella realizó su muestra antológica Líneas, palabras, cosas, en el Instituto Cultural Peruano Norteamericano (ICPNA), que fue la muestra emblemática de aquella recordada bienal.

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las ferias han generado una recesión en el mercado. Y eso, por un lado, no nos permite crecer mucho más. Sin embargo, por otro lado, se están generando muchas oportunidades de hacer proyectos en centros culturales. El año pasado, el 2017, hicimos una muestra en el ICPNA, hicimos algo en la Universidad de Lima; ahora este año arrancamos con ustedes; en marzo haremos algo en la Alianza Francesa, también tenemos dos muestras más este 2018, en el Centro Cultural Ricardo Palma, que pertenece a la Municipalidad de Miraflores. Entonces, sin querer, se observa que se está desarrollando más la presencia del proyecto en centros culturales y quizá ha habido una recesión en el tema mercado.

forman parte de la plataforma, podría decir, que está vinculado al aprecio que le doy a su valor documental. Entonces busco, en la obra fotográfica seleccionada, que siempre haya algo de eso. Algo de documento. Igual aquí estoy hablando de una concepción general porque se podría decir que toda obra de arte es documento también.

AdV.- Toda obra de arte primero es documento de algo y después es obra de arte…

CC.- Pero en el caso de la fotografía ese valor documental se hace más evidente frente a otras disciplinas artísticas de las artes visuales. En la fotografía el valor documental debe ser más tangible. E incluso en las vírgenes de Ana de Orbegoso que uno podría decir que es lo menos documental que hay, creo que aún allí hay un valor documental también.

AdV.- Y ahora, ¿qué sigue? ¿Sientes que has estado en un proceso de crecimiento de tu plataforma? Quizá a un buen ritmo, ni muy rápido ni muy lento, pero a un ritmo seguro. Tu participación en las ferias te ha ofrecido un conjunto de posibilidades para hacer que los artistas que están en tu plataforma se expandan hacia otras y de esa manera eso contribuya a que la imagen de esta aparezca en otros lados. ¿Cómo ves esa situación? ¿Ferias internacionales? CC.- Sí. Estamos teniendo presencia en ferias internacionales, desde hace algunos años. Lo cual es difícil porque abrir mercados afuera es lento y los costos son altos. Pero estamos en el esfuerzo de abrir caminos afuera. Creo que este tipo de dinámica que estamos generando ahora con el MASM, es finalmente una colaboración. Y, de esa misma manera, se están generando algunas colaboraciones afuera. Porque la idea del proyecto es que los fotógrafos que lo conforman puedan abrirse a nuevos públicos internacionales. Y en cuanto al crecimiento, es un poco irónico, porque si bien el proyecto ha ido creciendo de una manera natural y orgánica como tu decías, a su ritmo, sin precipitarse mucho, ni tampoco ha sido lento; creo que en este momento el sector de las artes visuales y, más precisamente, el mercado de las artes en Lima, está muy resentido. Si bien las ferias han sido muy positivas, desde distintos aspectos, las ferias también han sido contraproducentes a las galerías locales. Porque antes teníamos un mercado, el cual era compartido por seis u ocho galerías, ahora, si sumamos las tres ferias de arte que se hacen a lo largo del año, el mercado se divide entre muchísimos actores que vienen de afuera. Entonces, definitivamente

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Museo de Arte de San Marcos

Rector de la Universidad Nacional Mayor de San MarcosDr. Orestes Cachay Boza

Director General del Centro Cultural de San MarcosIng. César Augusto Franco Torres

Director del Museo de Arte de San MarcosLic. Augusto del Valle Cárdenas

Asistente AdministrativaGabriela Portillo Espinoza

Conservación, Restauración y ArchivoVictoria Morales GaitanIvet Carrión Milla

Gestión CulturalSadid Reátegui Díaz

InvestigaciónAugusto del Valle CárdenasKarina Curillo MenaVictoria Morales GaitanGabriela Portillo Espinoza

Museografía y Diseño de ExposicionesEdwin Huancachoque SonccoLuis Sovero Vásquez

Planificación Administrativa y ProducciónAbraham Tinoco Delgado

Programas Educativos, Comunicaciones y EventosAna Chambi Ochoa

Equipo de apoyo: Carla Salas Vásquez, Eduardo Delgadillo Gonzales, Mayra Saavedra Sauñe, Milagros Palomino Jáuregui, Patricia Calvay Olivera, Rosa Huasasquiche Sarmiento.

Agradecimientos:Génesis Portillo EspinozaMaría María Acha-KutscherCarlos García García, Director de Cine y Producción Audiovisual de San Marcos

De la publicación:

Textos y entrevista:Karina Curillo MenaAugusto del Valle CárdenasCarlos Caamaño Aguilar

Corrección de estilo:Sadid Reátegui Díaz

Diseño y diagramación:Karina Curillo Mena

Fotos:Sergio FernándezLima. De la serie Inversiones. 2014. 100 x 120 cm.Propiedad. De la serie Inversiones. 2014. 100 x 120 cm.

Museo de Arte de San Marcos: Av. Nicolás de Piérola 1222, Parque Universitario, Centro Histórico de Lima.Telf: 6197000 anexo 5214E-mail: museoarte.ccsm@unmsm.edu.peFacebook: Museo de Arte UNMSM

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