CINE EN EL DORÉ

AVANCE 2019-2020

Septiembre – diciembre 2019 Manuel Gutiérrez Aragón (con su presencia) Constelación Tarantino Xie Fei (con su presencia) Lotte Reiniger Flores en la sombra Peter Weir (con su presencia) + Carta Blanca Roberto Gavaldón (con la presencia de Arturo Ripstein, Alicia Garciadiego y Paula Astorga) Chantal Akerman “El Decálogo” de Kieslowski (con la presencia de Krzysztof Piesiewicz) Franco Piavoli (con su presencia) Marlene Dietrich / Josef von Sternberg Paulo Rocha La Codorniz en cinta

Año 2020 (selección) Federico Fellini

Antonio Isasi-Isasmendi William Wyler

Musidora, el regreso Bertrand Bonello (con su presencia)

Pilar Miró Buster Keaton restaurado

Cine prohibido Hiroshi Teshigahara

Girls Bunch Kino – Cine griego

Felipe Vega (con su presencia) La muerte del cine

Derivas del post-cine Lino Brocka Cine-juego

Pioneras mexicanas Agnès Varda (con la presencia de Julie Fabry)

Hitchock frente al espejo contemporáneo Sidney Lumet

Jacques Rivette Joyas ocultas de la animación mundial

Cine mudo, música en vivo Films 59

Juan Mariné Revoluciones latinoamericanas restauradas

CICLOS Y RETROSPECTIVAS Ano 2019

Suenos y espectros de

Manuel Gutierrez Aragon

Con su presencia Septiembre / Octubre 2019

En el cine de Manuel Gutierrez Aragon son recurrentes las figuras humanas que se disuelven en la niebla, abriéndose paso en la bruma del relato o desapareciendo en sus margenes, entrando como fantasmas en el hogar de las leyendas, las cabañas en el bosque y las grutas oscuras, donde todo puede acontecer. Entre el costumbrismo y lo fantastico, desde la literatura feerica a la fascinacion por el cine silente, la filmografia del escritor y cineasta Gutierrez Aragon, miembro de la Real Academia de la Lengua Espanola y acaso el cineasta espanol mas letrado de cuantos estan en activo (como muestra sus diversas y fascinantes aproximaciones al Quijote de Cervantes), recorre medio siglo de nuestro cine a partir de las rupturas de la Transicion, con su musa Angela Molina en primer plano, donde cine, literatura y politica forman un triangulo equilatero. Transcurridos diez anos ya desde que decidio dejar de hacer cine, por primera vez Filmoteca Espanola arma una retrospectiva integral de su obra, para descubrir y revisitar filmes tan relevantes como Camada negra (1977), El corazon del bosque (1979), Demonios en el jardin (1982), La mitad del cielo (1986), Visionarios (2001), etc.

Mesa redonda: Vicente Molina Foix, Jose Carlos Mainer, Nuria Vidal y Manuel Hidalgo. Sesiones presentadas por Manuel Gutierrez Aragon, Angela Molina, Luis Megino y Carlos F. Heredero.

Fotografia: JOSE AYMA

Constelacion Tarantino Carta blanca de Quentin

Septiembre 2019

Cinefilo y cinefago, la pulsion del posmodernismo es la columna vertebral del apasionante y apasionado cine de Quentin Tarantino. A raiz del estreno de su ultimo trabajo, Erase una vez en... Hollywood (que

tuvo su preestreno y primer pase para publico espanol en el Cine Dore), donde culmina y destila su personal discurso de la cinefagia, el autor de Pulp Fiction (1994) ha seleccionado para Filmoteca

Espanola varios titulos que han inspirado, influido o definido sus nueve largometrajes. Desde material de derribo a grandes obras maestras, la mirada omnivora y heterodoxa de Tarantino, su concepcion del

cine como territorio ludico de ascendencia pulp, nos coloca frente a una programacion muy especial. Richard Fleischer, Antonio Isasi-Isasmendi, Ringo Lam, Joseph H. Lewis, Rene Clair, John Sturges, Bo Arne Bivenius, Russ Meyer y hasta Joaquin Romero Marchent forman parte de una larga nomina de cineastas que han conformado la genetica del cine de Quentin Tarantino. Una fiesta tarantiniana para sumergirse

en las raices de sus pasiones.

Thriller: A Cruel Picture (Bo Arne Bivenius, 1973)

Xie Fei Con su presencia Septiembre 2019

El cineasta Xie Fei es una de las figuras mas olvidadas del cine chino, a pesar de haber sido maestro de grandes autores, compatriotas suyos, como Chen Kaige, Zhang Yimou o Jia Zhang-ke, y de la calidad de los contados largometrajes que ha realizado desde los anos ochenta, premiado en el Festival de Berlin por Black Snow (1990, Oso de Plata) y por Women Sesame Oil Maker (1993, Oso de Oro). Filmoteca Espanola ofrece la primera retrospectiva en Espana de Xie Fei, en cuyo cine el publico podra descubrir la energia y singularidad de una obra que ha marcado en gran medida las expresiones esteticas de las ultimas decadas del cine chino. Ademas, Fei estara presente en el Dore para presentar sus peliculas y mantener coloquios con los espectadores.

Retrospectiva realizada en colaboracion con Lychee International Film Festival

Women Sesame Oil Maker (Xie Fei, 1993)

Lotte Reiniger (1899-1981) Septiembre 2019

Lotte Reiniger fue algo mas que el centro de un amplio grupo de animadores alemanes, autora de la primera pelicula de animacion que se conserva, esa maravilla de siluetas arabigas que es Las aventuras

del Principe Achmed (y que se proyectara en el Dore con musica en directo compuesta e interpretada por el britanico Chris Davies), sino que emerge con el tiempo como una figura unica y esencial, en su condicion de artista y pionera, del cine de entreguerras y sus derivas vanguardistas. La retrospectiva

reune varios de sus cortometrajes, fascinantes adaptaciones de cuentos y fabulas clasicos como Cenicienta o El gato con botas.

Las aventuras del Principe Achmed (L. Reiniger, 1926)

Flores en la sombra A partir de septiembre

En 1998 apareció la Antología crítica del cine español (AEHC/Cátedra/Filmoteca Española), una obra colectiva coordinada por Julio Pérez Perucha que proponía una relectura de la historia de nuestro cine. Para la portada del libro Pérez Perucha eligió un fotograma de El Sur (Víctor Erice, 1983): en él vemos a los dos protagonistas, Agustín y Estrella, padre e hija, contemplando el cartel de la película (imaginaria) Flor en la sombra. Si Pérez Perucha reivindicaba así la condición de flores en la sombra de esos más de trescientos títulos que recopilaba el libro, veinte años después queremos recuperar la metáfora para aplicarla al archivo fílmico de Filmoteca Española. Así, si hasta el pasado mes de julio todos los jueves contabamos en la programacion del Cine Dore con unos pases agrupados como “CCR: Sesiones de archivo”, a partir de septiembre las sesiones de exploracion del archivo pasaran a llamarse “Flores en la sombra”. Pero no se trata unicamente de un cambio nominal de esas sesiones, sino que aspiramos a agitarlas y renovarlas. Queremos plantear otros acercamientos al archivo, formas distintas de presentar esas flores en la sombra de nuestras colecciones, de titularidad pública o privada, que se extienden por la producción de ficción, pero también por los noticiarios, las películas amateurs, el cine industrial, familiar, etnográfico o institucional (colonial, militar, industrial…). En un mundo invadido por imágenes, muchas veces banales o banalizadas, los archivos fílmicos (y por lo tanto las filmotecas) representan el lugar adecuado no solo para conservarlas, sino también para volver a pensarlas. La preservación solo se puede entender como el obligado paso previo al acceso, mientras que las políticas de acceso no son sostenibles sin un marco legal adecuado y unas políticas serias de preservación. Esa, y no otra, es la última frontera del archivo fílmico. El misterio de la Puerta del Sol (Francisco Elías, 1930)

Peter Weir. Realidades alternativas

+ Carta Blanca

Con su presencia Octubre / Noviembre 2019

A pesar de ser el firmante de algunos de los títulos más icónicos de las décadas de los 70, 80 y 90, el

australiano Peter Weir no goza de la popularidad de otros nombres de su generación. Weir es un agente libre, que tan pronto destaca con una de las obras maestras del cine onírico y atávico (Picnic en Hanging

Rock) como ofrece algunos de los más inteligentes éxitos populares de la historia de Hollywood (Único testigo, El club de los poetas muertos, El show de Truman, Master and Commander…), un camaleón capaz de pasar de la sátira a la comedia romántica o al relato de marinería, del drama académico al

thriller antropológico. La mirada clásica y serena de su cine parece ser una extensión de su propia paciencia y meticulosidad, cualidades que han llevado a su filmografía a estar jalonada de grandes

huecos entre cada título. Weir, como buen cazador de historias que es, espera pacientemente hasta que las condiciones son las perfectas, hasta que sabe exactamente qué quiere contar y cómo para crear las memorables “realidades alternativas” que pueblan su filmografia. Ademas, el director australiano hace

una selección de varios títulos que le han inspirado como cineasta, de autores como Luis Buñuel, Hiroshi Teshigahara, Francis Ford Coppola, Andrzej Wajda o Roman Polanski, entre otros.

Coloquio con el público del Doré tras Master and Commander y sesiones presentadas por Peter Weir, quien además impartirá una clase magistral en la ECAM y programa una “Carta blanca”.

Picnic at Hanging Rock (1975)

El show de Truman (1998)

Roberto Gavaldón (1909-1986) Con la presencia de Arturo Ripstein, Paz Alicia Garciadiego y Paula Astorga Octubre / Noviembre 2019

Tanto en su producción rural como en su cine urbano, consolidado desde finales de los cuarenta, fortísimo en los cincuenta y continuado hasta los setenta, Roberto Gavaldón se afirmó como parte de la sociedad inteligente de la Ciudad de México a lo largo de las cuatro décadas que duró su carrera. Cineasta con las preocupaciones de un hombre educado y moderno, dejó en su cine su visión de las contradicciones de las distintas épocas que le tocó vivir y, con mayor o menor sutileza, se ocupó de las denuncias pertinentes y los hechos relevantes de la historia mexicana del siglo XX. Desde su primera película, La barraca (1945), adaptación de la novela española de Vicente Blasco Ibáñez, publicada en 1898, y hasta su última película, Cuando tejen las arañas (1979), Gavaldón dio cuenta del momento que vivía. Aunque cultivó mayoritariamente el melodrama, tocó diversos géneros como el policíaco, el musical, el fantástico y el drama rural, y realizó un ciclo de western-ranchero con el actor Antonio Aguilar. La retrospectiva, que incluye 20 largometrajes, se proyectará en el Festival de San Sebastián en el mes de septiembre y en Filmoteca Española durante octubre y noviembre.

Retrospectiva realizada en conjunto con el Festival Internacional de Cine de San Sebastián. Sesiones especiales presentadas por Arturo Ripstein, Paz Alicia Garciadiego y Paula Astorga. Libro monográfico editado por Filmoteca Española y SSIFF, Roberto Gavaldón, de VVAA, coordinado por Ana Cristina Iriarte y Quim Casas.

La noche avanza (Roberto Gavaldón, 1952)

Francesc Betriu Con su presencia Octubre 2019 Con una amplia obra repartida entre el cine y la televisión, el director y productor Francesc Betriu es uno de los cineastas españoles de su generación que con mayor motivo merece la pena ser revisitado y descubierto. Junto con el Festival de Cine de Madrid (PNR), Filmoteca Española propone una retrospectiva casi integral de su trayectoria. La mayor parte de sus trabajos para la gran pantalla son adaptaciones literarias, en las que predomina el gusto por la comedia negra. Retrospectiva realizada en colaboración con Festival de Cine de Madrid - PNR

Furia española (Francisco Betriu, 1975)

“El Decálogo” de Kieslowski Con la presencia de Krzysztof Piesiewicz

Noviembre 2019

Treinta años se cumplen desde que el canal público TVP (Telewizja Polska) emitiera el primer capítulo de la serie Dekalog, del maestro Krzysztof Kieslowski. Tomando los diez mandamientos bíblicos como

premisa e inspiración para cada uno de los diez episodios, el cineasta polaco escribió junto a Krzysztof Piesiewicz una de las grandes obras maestras de la ficción televisiva, en la que el futuro autor de la

“Trilogia de Colores” volcaba su sensibilidad humanista para retratar el declive moral de su pais, en el mismo año en que se produjo la Caída del Muro y Juan Pablo II, de origen polaco, cumplía diez años

como soberano de la Ciudad del Vaticano. Con nuevas copias restauradas, el ciclo comprende los diez capítulos televisivos (de una hora de duración cada uno) y las versiones cinematográficas que

germinaron de dos de ellos: No amarás (1989) y No matarás (1989).

Krzysztof Piesiewicz, co-guionista de El decálogo, presentará una de las sesiones y mantendrá un coloquio con el público.

Chantal Akerman (1950-2015) Noviembre / Diciembre 2019

Hasta su muerte en 2015, Chantal Akerman se negó a que la etiquetaran. A pesar de que Jeanne Dielman es una de las cumbres del feminismo cinematografico, Akerman siempre aseguro que “decir que hay lenguaje cinematográfico feminista es como decir que las mujeres solo tienen una forma de

expresarse”. A lo largo de cincuenta anos de carrera y mas de treinta peliculas, la cineasta belga mantuvo su independencia y libertad creativa de forma férrea, defendiendo la idea de que hay tantos

lenguajes cinematográficos como individuos con una filmografía que ha resultado una influencia fundamental en el cine de vanguardias pero también en autores como Kelly Reichardt, Gus Van Sant y

Sofia Coppola. Por todo ello, Filmoteca Española y el Museo Reina Sofía colaboran para proyectar en Madrid una retrospectiva completa de su obra, con la intención de ofrecer un tributo a la altura de una

de las grandes voces del arte europeo.

Retrospectiva realizada en conjunto con el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía

Jeanne Dielman, 23 quai du Commerce, 1080 Bruxelles (Chantal Akerman, 1975)

Franco Piavoli Con su presencia Noviembre 2019

Denominado por Andrei Tarkovski como uno de los cineastas más talentosos de su generación gracias a

su capacidad única de observar y retratar la naturaleza, Franco Piavoli –que renunció a su oficio como jurista para centrarse en la labor documental– se daba a conocer en el Festival de Cine de Venecia con

su primer largometraje, Il pianeta azzurro (1982). La apuesta visual del enfrentamiento entre hombre y naturaleza que supone el filme, sumada a la carencia de diálogos, marcarían las pautas de una

filmografía centrada principalmente en imágenes que muestran la abstracción de la naturaleza y hablan del amor, los mitos o la soledad humana. Para celebrar esta mirada única, Filmoteca Española ha

invitado a Piavoli a acudir en otoño al Cine Doré para presentar una retrospectiva completa de su obra.

Retrospectiva realizada en conjunto con el Festival Internacional de Cine de Gijón

Il pianeta azzurro (Franco Piavoli, 1982)

Paulo Rocha (1935-2012)

Diciembre 2019 Junto a Manoel de Oliviera, Antonio Reis o Joao Cesar Monteiro, el cineasta Paulo Rocha ocupa un lugar de honor en el olimpo del cine portugués, si bien las dificultades para acceder a su trabajo siempre han sido mayores. Desde su deslumbrante debut con Os Verdes Anos (1963), premiado en el Festival de Locarno, ha trazado una compleja reflexión sobre Portugal, sus raíces culturales y matrices identitarias. De su generación, es probablemente el cineasta que más audacia ha volcado en la experimentación formal de sus películas. De hecho, en tres décadas, entre su primer filme y A Ilha dos Amores (1982), su cine se transformó por completo: la narrativa se radicalizó y la puesta en escena se hizo mucho más exuberante. En sus últimos largometrajes, como A Raiz do Coração (2000) y Vanitas (2004), el cineasta optó finalmente por un tono alegórico que pretendía mezclar un análisis del tiempo presente con varias reflexiones sobre las raíces culturales y estéticas del pasado. Retrospectiva realizada en colaboración con el Festival Márgenes

Os Verdes Anos (Paulo Rocha, 1963) / Paulo Rocha

Josef von Sternberg / Marlene Dietrich Diciembre 2019

El vienés Josef Von Sternberg y la berlinesa Marlene Dietrich iniciaron su importante colaboración con El ángel azul (1930), la primera película sonora europea. Desde entonces, el vínculo profesional y personal,

como creadores y amantes, dio como fruto siete películas –entre ellas Marruecos, El expreso de Shangai, La venus rubia, Capricho imperial y El diablo era mujer, etc.– que se convirtieron en hitos de su

tiempo y a día de hoy siguen conservando un aura mítica desde la que reflexionar sobre las siempre complejas y turbulentas relaciones entre cineastas e intérpretes que recorren la historia del cine.

La Codorniz en cinta Diciembre 2019 Filmoteca Española retoma su política de publicaciones con la edición, en colaboración con Cátedra, de La Codorniz. De la revista a la pantalla (y viceversa), una investigación de Santiago Aguilar y Felipe Cabrerizo en torno al modo en que los humoristas más inquietos de los años veinte del pasado siglo —Edgar Neville, Enrique Jardiel Poncela, Enrique Herreros, Tono y Mihura…— dieron en cineastas en los treinta y los cuarenta, al tiempo que creaban “la revista mas audaz para el lector mas inteligente”. En su redacción se fraguó una nueva quinta de escritores y dibujantes —Rafael Azcona, Mingote, Chumy Chumez, Regueiro, Summers…— que, a su vez, pasaron tras las cámaras para realizar el cine más corrosivo de los sesenta y los setenta. Cincuenta años, en fin, de cintas que conjugaron todas las declinaciones del humor, de lo excéntrico al esperpento, pasando por la parodia y el sainete. Una risueña selección de las mismas dará cuenta de todos estos registros y poblará de carcajadas las salas del Doré durante el mes de diciembre.

Ciclo comisariado por Santiago Aguilar y Felipe Cabrerizo.

Mi adorado Juan (Jerónimo Mihura, 1960)

CICLOS Y RETROSPECTIVAS Año 2020

Los cien años de

Federico Fellini (1920-1993) Enero / Febrero 2020

En enero de 1920 nació en Rimini no sólo uno de los grandes cineastas italianos, sino uno de los más grandes artistas del cine mundial. El cine de Federico Felllini surgió en el neorrealismo para alejarse de él y acabar inventando un arte único, un imaginario indisociable del hombre y de la cultura que representa, tan personal e introspectivo como coral y extravagante, tan cómico como dramático, tan nostálgico como inventivo, donde fantasía y realidad se retroalimentan y se anulan mutuamente. La mítica y el misticismo que rodean su obra, construida a partir de la memoria, la sensualidad y la alucinación, han dejado una huella indeleble que, al cumplirse el centenario de su autor, el espectador podrá (re)descubrir al completo sumergiéndose en esta retrospectiva integral. Resulta inconcebible ignorar una figura tan crucial para el siglo XX, que a lo largo de más de medio siglo de creación cinematográfica cruzó diversos estadios creativos, todos de enorme relevancia. Tras una primera fase en la que las películas parecían modeladas bajo la sombra de grandes intérpretes como Alberto Sordi o Anthony Quinn, que culmina con el éxito de Las noches de Cabiria (1956), protagonizada por su musa y mujer Giuletta Massina, Fellini construyó desde la genuina pasión por el cine y la vida esa voz única e inconfundible que recorre obras como La dolce vita (1960), Ocho y medio (1963) –verdadero ‘aleph’ del cine de autor–, Giulleta de los espíritus (1965), Roma (1972), Amarcord (1973) o Ginger y Fred (1986), y que tanta influencia sigue ejerciendo en el cine contemporáneo.

Centenario Juan Mariné Iluminando el cine español

Con la presencia de Juan Mariné Todo el año

Nacido en la Nochevieja de 1920, Juan Mariné comenzó a trabajar en la industria del cine con solo 13 años y desde entonces no ha parado. Ha sido director de fotografía de más de 100 películas, entre las que se encuentran trabajos para José María Forqué, Ramón Torrado, Juan Piquer Simón, Antonio del

Amo, José Luis Sáenz de Heredia, Pedro Lazaga, Manuel Mur Oti y Eusebio Fernández Ardavin, pero también testigo de nuestra historia reciente (fue él quien grabó, con solo 16 años, el entierro de

Durruti). Por todo eso, pero también por el incalculable valor de su labor en tareas de restauración cinematográfica, Filmoteca Española propone una sesión mensual en la que se proyectará una película

elegida por el propio Mariné, empezando en diciembre de 2019 y terminando en diciembre de 2020, justo a tiempo para celebrar el cumpleaños de este Premio Nacional de Cinematografía que es,

literalmente, historia viva de nuestro cine.

Cine prohibido

Enero / Febrero 2020

El cine puede ser peligroso. Su capacidad para mover y conmover, para agitar el cuerpo y la mente, ha hecho que a lo largo de sus 120 años de historia gobiernos de todos los signos hayan sentido la

necesidad de prohibir aquellas películas que desafiaban, contradecían o, al menos, cuestionaban la visión imperante. En muchos casos, la prohibición ha pasado a formar parte de la leyenda de la película,

como puede ser el caso de Saló o los 120 días de Sodoma (Pier Paolo Pasolini, 1975), El acorazado Potemkin (Sergei Eisenstein, 1925) o La naranja mecánica (Stanley Kubrick, 1971), o incluso de la

identidad del creador, como podría ser el caso de Vera Chytilová, Luis Buñuel o Jafar Panahi. En otros, el veto supuso la caída en el olvido durante décadas. Con este ciclo, Filmoteca Española busca recuperar

varios títulos que se enfrentaron a las iras de un país y reflexionar sobre el contexto de esas prohibiciones. Porque la censura no destruye las ideas que nos incomodan, solo empobrece nuestra

propia capacidad crítica.

This is Not a Film (Jafar Panahi, 2011)

Antonio Isasi-Isasmendi (1927-2017)

Febrero 2020 Hace apenas dos años que nos dejó uno de los nombres más inusuales del cine español, Antonio Isasi-Isasmendi. Con una filmografía que apenas supera la docena de largometrajes durante los treinta años que estuvo en activo, Isasmendi logró convertirse en uno de nuestros directores más internacionales, capitaneando coproducciones internacionales que le llevaron a trabajar con estrellas como Karl Malden, Elke Sommer, Jack Palance, Maribel Verdú, Klaus Kinski o Paco Rabal. Adorado por Quentin Tarantino, el cine de Isasmendi combina el espíritu lúdico del género con una mirada en absoluto exenta de capacidad crítica, en obras de nuestro patrimonio fílmico como Rapsodia de sangre (1958), Estambul 65 (1965) o El aire de un crimen (1988).

Bertrand Bonello Con su presencia Febrero 2020 Con motivo de Zombi Child, Filmoteca Española ha vuelto a invitar a Bertrand Bonello a presentar su película en el Cine Doré (como hizo con la también inédita Nocturama), en la que será la segunda visita del director francés. Este pase será en noviembre de 2019 (en colaboración con el Festival de Gijón), pero unos meses más tarde el Doré acogerá una retrospectiva completa de su obra cinematográfica: nueve largometrajes y varios cortometrajes con los que Bonello lleva demostrando, desde su debut hace veinte años, que se trata de una de los directores más inimitables y sin prejuicios del cine galo.

Zombi Child (2019)

Kino / Cine griego

Febrero 2020

A pesar de los periodos de inestabilidad política y precariedad económica, la Cinemateca Griega ha desempeñado desde los años cincuenta un papel fundamental en la preservación de su patrimonio

fílmico, que todavía está por descubrir tanto en España como en el resto del mundo. En colaboración con los archivos griegos, el Doré mostrará una amplia retrospectiva que recorre hitos, rarezas y joyas de la historia del cine griego, desde el periodo mudo hasta la actualidad, pasando por las nuevas olas de los

sesenta y setenta, del surgimiento de una figura como Theo Angelopoulos (pero también Nikos Koundouros, Alexis Damianos, Michael Cacoyannis o Nikos Nikolaidis), de un cine muy centrado en lo

femenino (con la memorable interpretación de Irene Papas en la tragedia Electra), así como una muestra de la diversidad contemporánea, que no solo le pertenece a Yorgos Lanthimos.

O Drakos (Nikos Koundouros, 1956)

Lino Brocka (1939-1991) Con la presencia de Nick Deocampo

Primavera 2020

La energía y singularidad autoral con la que el cine filipino ha despuntado en este tercer milenio –al calor de nombres como Lav Diaz o Raya Martin– no sería posible sin el más clásico (y al mismo tiempo el

más moderno) de los cineastas de Manila. Lino Brocka nunca ha sido objeto de una retrospectiva importante en España, principalmente por la dificultad de encontrar copias decentes de su prolífica

filmografía, a pesar de haber fallecido trágicamente con 51 años. Filmoteca Española, en colaboración con los archivos filipinos, ofrecerá un amplio ciclo entre los que se cuentan sus títulos más

emblemáticos: TInimbang ka Ngunit Kulang (1974), Insiang (1976) y Hello, Young Lovers (1981).

Retrospectiva realizada en colaboración con la Embajada de Filipinas y el Film Development Council of the Philippines / El historiador y cineasta filipino Nick Deocampo presentará varias sesiones del ciclo,

así como su película Cine-Sine, que explora los orígenes españoles del cine filipino.

Insiang (Lino Brocka, 1976)

Pilar Miró (1940-1997) Primavera 2020 Habría cumplido 80 años en abril de 2020, pero la directora madrileña nos dejó demasiado joven. Aún así, la relevancia de su figura en el cine español, no solo como creadora, también como gestora cultural (dirigió RTVE y el Instituto de Cine en periodos claves de su historia), no tienen parangón. A través de su cine y sus producciones televisivas, desde su debut con La petición (1975) hasta el éxito de El perro del hortelano (1996), Pilar Miró trazó una fiable radiografía social y política de su tiempo desde inéditos y controvertidos puntos de vista (fue procesada por un tribunal militar a partir de El crimen de cuenca, secuestrada tras su presentación en Berlín), aparte de alcanzar un gran dominio en la traslación a imágenes de textos literarios clásicos y contemporáneos.

El crimen de Cuenca (1980)

William Wyler (1902-1981) Territorio fronterizo Enero / Febrero / Marzo 2020 Nacido con el siglo XX en la frontera franco-alemana, su obra también pertenece a un territorio disputado, difícil de encasillar. Se ganó su lugar en el firmamento de Hollywood empezando desde nada, como chico de los recados en Universal Studios, y acabó por convertirse en uno de los realizadores más exitosos de su tiempo, creciendo desde los pequeños westerns a las grandes producciones de estudio, como Ben-Hur (1959). El número de obras memorables firmadas por William Wyler es apabullante, pero sobre todo lo es el eclecticismo de su mirada, la maestría transparente de su puesta en escena como exponente del cine clásico y la capacidad que siempre tuvo para adaptarse a sus propios tiempos a lo largo de cinco décadas, prácticamente hasta sus años finales, en los que entregó piezas tan esenciales como El coleccionista (1965) o Funny Girl (1968). Sea en melodramas como La loba (1941) y La heredera (1949), en comedias como Vacaciones en Roma (1953), en dramas judiciales como El abogado (1933), thrillers como Horas desesperadas (1955) o westerns como Horizontes de grandeza (1958), su cine responde con precisión a aquello que el cineasta David Cairns escribio: “Si el trabajo de un director es seleccionar y presentar material de alto calibre del modo más lúcido y eficaz posible, nunca nadie hizo ese trabajo mejor que William Wyler”.

William Wyler y Audrey Hepburn Bette Davis en La loba (1941)

La muerte del cine Historia y memoria cultural

Todo el año

A lo largo de todo el año, en sesiones mensuales, el Doré acogerá un ciclo inspirado en el provocador ensayo de Paolo

Cherchi Usai The Death of Cinema (2001), en el que el escritor y teórico italiano, con el cambio de siglo, reunió una serie de

reflexiones y aforismos en torno a las convulsiones y desapariciones de la imagen audiovisual. “Por cada pelicula

que se hace –sostiene–, desaparecen otras mil para siempre, sin dejar huella”. Una serie de titulos que recorren desde los

mismos orígenes fílmicos hasta nuestra contemporaneidad lanzarán al espectador las preguntas y grandes cuestiones en torno a la preservación fílmica que, no sin ironía, conforman

este extraordinario ensayo. De hecho, en sus páginas el autor concluye que “la preservacion de imagenes en movimiento es

un error necesario”. ¿Es que la muerte del cine está ocurriendo delante de nuestros ojos? El programa ofrecerá el escalofriante retrato de una cultura que, como sostiene Martin Scorsese, “ignora la perdida

de sus propias imagenes como si fuera un devastador cuento moral”.

Ciclo comisariado por Paolo Chierchi Usai

Derivas del post-cine ¿Dónde están las imágenes del siglo XXI?

Todo el año La transformación digital de los medios ha cambiado por completo el panorama de la cultura audiovisual. El móvil y el ordenador reemplazan las salas de cine tradicionales, el público es protagonista en videojuegos o redes como Instagram, y todos nos hemos convertido en coleccionistas de la imagen digital, hasta el punto de que la gran cuestión ontológica hoy en día no consiste tanto en dar respuesta a “¿que es el cine?” sino quizá a “¿donde esta el cine?”. Este programa se propone encontrar y mostrar esas imágenes que ya no son ni periferia ni centro, sino que conviven en un ecosistema líquido, y recorrer transversalmente los distintos ámbitos de la producción y creación audiovisual que refleja estos cambios: machinima, cine sensorial, remezclas, YouTube, la estética del videojuego, etc. Desde directores como Harmony Korine o Claire Denis hasta artistas como Jon Rafman o Jonas Mekas, este ciclo pretende evidenciar las distintas derivas del cine dentro de la cultura audiovisual contemporánea.

Ciclo comisariado por Andrew Michael Davies

Edgy Time with Mum (Twee Whistler, 2017)

Cine-juego

Marzo / Abril / Mayo 2020 Al igual que según Wittgenstein podría escribirse un trabajo filosófico hecho por entero de chistes, el cine puede recorrerse con un mapa compuesto al completo de juegos. O de cómo el espectador no sólo ve, sino también juega con la película, o más bien la película juega con él. Hablamos de juguetes y tableros, de rol y videojuegos, de laberintos y acertijos, de puzles y rompecabezas, de parques temáticos y realidades virtuales, pero también de surrealismos y juegos creativos, de disfraces y teatros improvisados, de relatos con senderos que se bifurcan. El cine-juego es, ante todo, un cine de libertades y creatividad, de giros y piruetas sobre unas normas que acepta solo como punto de partida sus propios experimentos. Algunos de los jugadores invitados son: Joseph L. Mankiewicz, John Huston, Jacques Rivette, Zack Snyder, Alejandro Jodorowsky, Lars Von Trier, etc.

La huella (Joseph L. Mankiewicz, 1972)

Hitchcock frente al espejo contemporáneo

Mayo / Junio 2020

Hay obras que lo transforman todo. En el caso de Alfred Hitchcock, esa obra es toda su carrera. A lo largo de 50 años, del cine mudo al sonoro, del blanco y negro al color, el director de Vértigo (1958) y

Psicosis (1960) fue dando forma a un corpus que no solo contó con la admiración del público y la crítica (esta, eso sí, tardía), sino que se convirtió en escuela para generaciones de cineastas que aprendieron

todo lo que se podía aprender sobre narrativa audiovisual en las imágenes que el maestro británico creaba. De hecho, esa escuela sigue hoy abierta, porque el cine de Hitchcock es una fuente inagotable

de inspiración. Para rendir homenaje y al mismo tiempo cartografiar ese impacto que, como los ecos del Big Bang, sigue pudiendo escucharse, este ciclo propone un juego de espejos entre varios clásicos de

Hitchcock y películas posteriores en las que su huella resulta evidente. Desde casos declarados, como los de Brian de Palma o Jonathan Demme, a influencias más sutiles pero igual de relevantes, se trata de una

oportunidad única de recuperar al mejor Hitchcock en pantalla grande al tiempo que reflexionamos sobre el peso de su obra en todo el audiovisual que hoy nos rodea.

Psicosis (Alfred Hitchcock, 1960) y El hilo invisible (P. T. Anderson, 2017)

Agnès Varda (1928-2019) Con la presencia de Julie Fabry

Marzo / Abril / Mayo 2020

El espíritu de Agnès Varda, presente en todas y cada una de sus películas, era el de una tormenta. Desde que iniciara su carrera como directora en 1955 con La Pointe Courte, la obra de Varda ha golpeado los

muros de la mediocridad con una mezcla de infecciosa vitalidad e irreprimible compromiso humano. Cleo de 5 a 7 (1962) la convirtió en una de las voces más importantes de la Rive Gauche, la Nouvelle

Vague y el feminismo cinematográfico, pero, igual que Chantal Akerman, Varda siempre se resistió a que la encasillaran, defendiendo que habia hecho “todo lo que he hecho –mis fotografías, mis películas, mi

vida– en base a mis terminos, mis propios terminos”. Convertida en icono de la cultura mundial, Cannes, la Academia de Hollywood y Locarno homenajearon su extensa carrera con sus premios honoríficos. En 2020, al cumplirse un año de su muerte, Filmoteca Española se une a la celebración de su obra y su vida

con una retrospectiva completa de esta figura clave del cine francés, una voz que exploró ficción y documental con absoluta libertad, rompiendo con todo lo establecido para conseguir

una filmografía que derrocha vida.

Sesiones presentadas por Julie Fabry, colaboradora cercana y directora de fotografía de Agnès Varda. Presentación del libro Agnès Varda. Espigadora de realidades y ensueños

(Colección Nosferatu), de Inma Merino. Ciclo organizado en colaboración con el Instituto de Cultura Francés de Madrid.

Felipe Vega Primavera 2020 Sin alzar la voz, casi secretamente, como todo su cine, el leonés Felipe Vega (1952) ha ido construyendo a lo largo del tiempo una escueta pero relevante filmografía desde su extraordinario debut con Mientras haya luz (1988), que consiguió el Premio de Nuevos Realizadores de San Sebastián. Con una sensibilidad especial para capturar los ritmos y esencias del mundo rural (El techo del mundo, 1995, escrita por Julio Llamazares), pero también las relaciones de pareja en la vida moderna (Nubes de verano, 2004; Mujeres en el parque, 2006), y con una mirada atenta para los trabajos documentales (Elogio de la distancia, 2008), Vega es uno de los cineastas españoles en activo –estrenó recientemente un filme sobre el fotógrafo Carlos Pérez Siquier– que mayor reivindicación merece.

Mujeres en el parque (Felipe Vega, 2006)

Hiroshi Teshigahara (1927-2001)

Primavera 2020

El primer asiático nominado a un Oscar a Mejor Dirección, un logro que consiguió en 1964 con su tercer largometraje, La mujer de la arena (1964), es a la vez uno de los grandes maestros del cine nipón y uno de sus nombres que más reivindicación necesitan. Artista multidisciplinar que destacó en la ficción y el

documental tanto como en la escultura, la caligrafía y el ikebana (el arte japonés de los arreglos florales), la obra de Teshigahara es breve pero de una fiera intensidad. Marcadas por su colaboración

con el novelista Kōbō Abe y el musico Toru Takemitsu, trabajando alrededor de la angustia existencial, la identidad y el cuerpo, las películas de Teshigahara son al tiempo sueño y pesadilla,

profundamente radicales y delicadamente bellas.

La mujer de la arena (Hiroshi Teshigahara, 1964)

Sidney Lumet (1924-2011) La tensión perpetua

Verano 2020

Todos los que han leído su ya clásico libro, Así se hacen las películas, saben que una de las cualidades principales de Sidney Lumet es la claridad. Su filmografía, casi 60 años de historia del cine y la televisión estadounidenses, es el paradigma de la sencillez, una sencillez entendida como un acto de honestidad,

de búsqueda de la dignidad de sus protagonistas. Entrenado en la imparable cadena de producción de la televisión, acostumbrado a conseguir mucho con muy poco y a evitar los gestos de exhibicionismo, la obra de Lumet retrata las tensiones del mundo moderno en el ciudadano común con una mirada más cercana y cálida que la de ningún otro cineasta estadounidense. Sin hacer alardes de rebeldía pero sin

ceder un solo ápice en sus convicciones, el cine de Lumet, desde 12 hombres sin piedad (1957) a Serpico (1973), Tarde de perros (1975), Network, un mundo implacable (1976), Veredicto final (1982) o Antes que el diablo sepa que has muerto (2007), ha mostrado lo que todos decían que no se podía mostrar,

siempre manteniendo lo más importante en el centro: al ser humano.

12 hombres sin piedad (Sidney Lumet, 1957)

Serpico (Sidney Lumet, 1973)

Musidora (1889-1957) El regreso de la musa Primavera / Verano 2020 André Breton y Louis Aragon dijeron que Irma Vep era “cine total”. La mujer en mallas negras que recorre los techos de París en el serial Los vampiros (1915) de Louis Feullide sigue ejerciendo una enorme fascinación más de un siglo después. Ha llegado el momento de llenar los vacíos de nuestra percepción de su rol como una mujer-araña. Ningún pretexto, ninguna efeméride es necesaria para justificar la celebración de Musidora. Al reescribir la historia del cine desde la perspectiva femenina, este icono francés emerge con una relevancia extraordinaria. Incluso dirigió una trilogía en España cuyos títulos fueron celebrados por el propio monarca Alfonso XIII. Actriz, directora, productora, archivista (fue la primera mujer que trabajó en los archivos de la Cinemateca Francesa, donde Henri Langlois la contrató además para entrevistar a estrellas del cine mudo), el poder turbador y la libertad artística de Musidora nos llegarán, en copias restauradas, con una fuerza extraordinaria.

Girls Bunch Verano 2020

Convertido en prácticamente un subgénero, las buddy movies solo han trascendido en cuanto a su construcción de la camaradería en el sexo masculino, relegando las relaciones entre mujeres a una

posición secundaria. Son muchas y relevantes las películas que han centrado su energía en un grupo de actores / personajes (generalmente dos) unidos por un mismo objetivo, por su amistad o sus

enemistades. ¿Y los grupos de mujeres? ¿Cómo ha retratado el cine sus batallas comunes y colectivas? Títulos recientes como Girlhood o Booksmart nos recuerdan que no es algo nuevo, que George Cukor,

John Ford, Max Ophüls, Kenkji Mizoguchi, Howard Hawks o y muchos otros maestros también pusieron el foco en la camaradería femenina. Hagamos repaso.

Cómo casarse con un millonario (H. Hawks, 1973) La calle de la vergüenza (K. Mizoguchi, 1956)

Homenaje a Films 59 Con la presencia de Pere Portabella Otoño 2020

Films 59 no es solo la productora desde la que el cineasta Pere Portabella ha construido una obra que es tanto referente de compromiso político como hito de la vanguardia cinematográfica europea. Desde las oficinas de Films 59 se han levantado películas que son hoy parte indispensable de nuestra historia del cine, ya sean títulos clave del Nuevo Cine Español como Los golfos (Carlos Saura, 1960), obras maestras

que enfrentaron la censura franquista como Viridiana (Luis Buñuel, 1961) o El cochecito (Marco Ferreri, 1960), y películas fundamentales de la vanguardia como Tren de sombras (José Luis Guerín, 1997). Para celebrar la labor de esta productora, en la que calidad está siempre por encima de la cantidad, el Doré acogerá una selección de su producción.

Viridiana (Luis Buñuel, 1961)

Revoluciones restauradas Gritos de libertad en Latinoamérica

Otoño 2020

La historia de Latinoamérica a lo largo del siglo XX es la historia de múltiples revoluciones y otras tantas

represiones. Durante décadas, el silencio de las dictaduras se enfrentó con los gritos de libertad, un conflicto ante el que el cine nunca ha permanecido impasible y que en un año tan insigne como 1968

ofreció tres títulos clave del cine revolucionario latinoamericano. Con la intención de destacar los recientes trabajos de restauración llevados a cabo, Filmoteca Española ofrece en 2020 la oportunidad de

ver en pantalla grande La hora de los hornos, la monumental película clandestina de Octavio Getino y Fernando Solanas sobre el dominio colonial de América Latina; Memorias del subdesarrollo (Tomás Gutiérrez Alea), considerada una de las películas más importantes de la historia del cine cubano así como uno de los mejores retratos de la isla tras la revolución; y El grito (Leobardo López Arretche),

testimonio único del movimiento estudiantil en México en el año 68, una serie de protestas contra el autoritarismo gubernamental que culminaron con la brutal masacre de Tlateloco.

La hora de los hornos (Getino y Solanas, 1968)

Joyas animadas Secretos de la animación mundial

Otoño / Invierno 2020

Relegadas durante décadas al cajón del entretenimiento para niños, multitud de películas de animación que se atrevieron a enfrentarse a ese prejuicio han quedado olvidadas o han sido injustamente

valoradas. Por ello, Filmoteca Española ha reunido en este ciclo una selección de títulos que no solo están pensados para adultos (o, al menos, no solo para niños) sino que demuestran que la animación es

una herramienta creativa de potencial ilimitado, perfecta para transgredir normas, romper fronteras y abrir mentes. De ello darán fe obras maestras como Belladonna of Sadness (Eiichi Yamamoto, 1973),

Le roi et l’oiseau (Paul Grimault, 1952) o Fritz el gato (Ralph Bakshi, 1972).

Belladonna of Sadness (Eiichi Yamamoto, 1973)

Edward Yang (1947-2007) Identidad taiwanesa

Otoño 2020 Uno de los principales exponentes de la Nueva Ola del cine de Taiwán junto a Hou Hsiao-hsien y Tsai Ming-liang, Edward Yang se ha convertido en autor de referencia del cine de su país. Influida por los trabajos de directores como Werner Herzog y Michelangelo Antonioni, la obra de Yang se vale de un ritmo deliberado, la cámara fija, los espacios vacíos y los paisajes urbanos para articular un análisis profundo y lleno de matices de una sociedad tan convulsa como la taiwanesa y, en concreto, su clase media. La lucha entre lo moderno y la tradición, la construcción de la identidad individual y colectiva y las relaciones familiares son temas que destacan en una filmografía que, en apenas siete largometrajes, ofrece una de las miradas más hermosas y poderosas del sudeste asiático.

Yiyi (Edward Yang, 2000)

Buster Keaton restaurado Primavera / Verano 2020 Poco más se puede añadir a lo ya dicho sobre Buster Keaton y su importancia en la historia del cine. Cineasta capaz de equilibrar un desbordante ingenio a la hora de construir situaciones cómicas, un impecable dominio de la imagen y un control absoluto de su propio cuerpo, hasta el punto que su expresiva inexpresividad forma parte del imaginario colectivo. Autor de numerosas obras maestras, este ciclo ofrece la oportunidad de recuperar todas las que han sido restauradas en los últimos tiempos, incluyendo algunas de sus obras menos conocidas, como El colegial (1927). Oportunidad doble, por tanto, de volver a Keaton en la mejor de las condiciones pero también de destacar el fundamental trabajo de conservación y restauración de filmotecas e instituciones de todo el mundo. Sin su esfuerzo, clásicos como El maquinista de la General (1926) podrían estar hoy desaparecidos.

Nicolas Roeg (1928-2018) Otoño 2020

Famoso por un cine en que la narrativa ignora la temporalidad y se presenta de forma críptica,

impredecible y desordenada, Nicolas Roeg ejerció como director de fotografía en películas como Lawrence de Arabia (1962) y Doctor Zhivago (1965) de David Lean, Fahrenheit 451 (François Truffaut,

1966) o Petulia (Richard Lester, 1968), hasta que finalmente debutó como director en 1970 con Performance, protagonizada por Mick Jagger. Famoso por títulos como Amenaza en la sombra (1973) y

Contratiempo (1980), reconocido por el British Film Institute como uno de los directores más influyentes de la cinematografía británica y citado por cineastas como Christopher Nolan, Steven Soderbergh o

Danny Boyle, Roeg es un autor único que nunca deja indiferente.

Amenaza en la sombra (Nicolas Roeg, 1973)

Jacques Rivette (1928-2016) Otoño / Invierno 2020

El más carrolliano de los cineastas de la Nouvelle Vague, Jacques Rivette armó un extravagante y monumental cuerpo fílmico que pide a gritos desde hace un tiempo (no sólo desde que falleció, hace cuatro años) ser revisado bajo la lente contemporánea, desde un contexto crítico y reflexivo. La mayor parte de sus trabajos, incluyendo títulos muy importantes –como la obra maestra de trece horas Out 1 (1971-1972)–, sigue siendo casi inaccesible para el espectador, y ningún otro de sus coetáneos exploró las tensiones entre el realismo y la fantasía (de naturaleza mágica) como lo hizo él, en filmes tan memorables como Céline y Julie van en barco (1974) o Duelle (une quarantaine) (1976). A diferencia de sus compañeros de fatigas en “Cahiers du cinema” –François Truffaut, Claude Chabrol, Alain Resnais, Eric Rohmer–, más cercano a Jean-Luc Godard en su espíritu experimental, Rivette se refirió a todo su trabajo desde L’Amour fou como un ‘work in progress’, y de hecho es el mismo proceso de creacion lo que le interesa en mayor medida que la obra terminada. Esta circunstancia coloca invariablemente al espectador en un lugar en el que nada puede ser asumido, un estado de perpetua suspensión de expectativas que desafía sus propias certezas. Toda su obra puede leerse, de hecho, como una serie de reflejos sobre la evolución del arte del cine. Será la primera retrospectiva integral que tiene lugar en España de un autor realmente esencial para comprender las derivas de la modernidad y del cine contemporáneo. ¿Existiría David Lynch sin Jacques Rivette?

Retrospectiva organizada en conjunto con el Círculo de Bellas Artes de Madrid y con la colaboración del Instituto de Cultura Francés en Madrid.

La bella mentirosa (Jacques Rivette, 1991)

Conciertos silentes Cine mudo con música en vivo

Todo el año

Forma parte de la propia experiencia del cine mudo desde sus mismos orígenes. Con frecuencia, los pioneros cinematográficos mostraban sus filmes con música en directo para representar o comentar los

sucesos en la pantalla. Generalmente eran improvisaciones de un pianista o un organista, si bien también se interpretaba con orquestas música clásica, repertorio teatral o incluso partituras originales,

que surgieron a partir de El nacimiento de una nación de D. W. Griffith. Filmoteca Española, a lo largo de todo el año, programará varias sesiones especiales de cine mudo con música en vivo, interpretada tanto

por músicos españoles como extranjeros. En ocasiones, serán las partituras originales, en otras serán composiciones contemporáneas con la capacidad de ofrecer un nuevo prisma para experimentar hitos del cine silente, procedente de diversas latitudes, y ajustándose a distintos formatos, culturas y estilos

musicales: clásica, jazz, electrónica, etc. Así, Nana (1926) de Renoir, por ejemplo, será musicalizada por una pianista y un cuarteto de cuerda parisino; y tendremos la ocasión de escuchar con piano y barítono

la música de Ravel, de Falla o de Dellanoy en la proyección de Don Quixote (1933) de G. W. Pabst; así como una composición original con una mesa de sampleado electrónico para acompañar Menschen am

Sonntag (1930), documental sobre un domingo en el Berlín de entreguerras que lanzó la carrera de jóvenes cineastas como Billy Wilder, Robert Siodmak, Edgar G. Ulmer o Fred Zinnemann. Un largo ciclo

llamado a convertirse en una cita ineludible para el espectador de Filmoteca Española.

Menshen am Sonntag (1930)

ENTIDADES COLABORADORAS

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Departamento de Programación de Filmoteca Española

+ 34 910 505 859 / programacion4@cultura.gob.es