artez209

Carlos Gil Zamora

Número: 209 - año 20 · Marzo / Abril 2016 | Depósito Legal: SS-1154/97

Edita: Artez Blai | Aretxaga 8 bajo, 48003 Bilbao | Tlf. 944795287 | email: [email protected]

Portada | Foto de la obra ‘Vai vem’ de Gato SA - Casa del Silencio

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Valoraciones populares, descalificaciones gratuitas y una mochila azul

En una de esas noticias que cada día aparecen en los medios de comunicación para distraernos, se nos informa de una encuesta

realizada en territorio español donde se reconoce de manera mayoritaria más valor creativo a los cocineros que a los músicos, pintores o pensadores. Según interpreta-ciones más ajustadas, es a los únicos que se les considera artistas creativos en lo suyo. Es decir la campaña de mercadotec-nia del gremio de restauradores merece un premio. O dos.

No hay programa televisivo, radiofónico, periódico de papel o digital, revista gene-ralista, del corazón, política o caza en la que no existen recetarios y opiniones de cocineros de toda ralea. Sin olvidarnos de los programas específicos de lanzamiento de restaurantes y sus cocineros, de todos los programas buscando talentos en los fogones además de un canal dedicado veinticuatro horas a la cocina universal.

Parece que existe más información, comentario y difusión de la cocina en abstracto que del fútbol. Se conocen a unos cuantos co-cineros, muy pocas cocineras, tanto como a las estrellas del fútbol y más que a las estrellas de la música popular o el baile clásico. Quizás compitan con algunos de los productos televisivos más re-calcitrantes que además, para abundar en mi desasosiego, se han convertido en autores, actores y productores teatrales.

Siempre he soñado en mis delirios de grandeza ludópata en que si me tocaba la lotería tendría un edificio teatral propio, con produc-ción propia, con espacios para la restauración, desde luego, pero que invertiría la mitad del presupuesto en mantenimiento y producción y la otra en publicidad y difusión. Y subido en ese trote cochinero abe-rrante me imaginaba un tiempo en el que se tratara a las creaciones culturales, pero específicamente a las artes escénicas con el mismo

tiempo, espacio y aporte crítico valorativo en todos los medios de comunicación. ¿Se imaginan que en cada noticiario televisivo estuvieran cinco, diez minutos hablando de estrenos, proyectos, y hasta críticas? Horas de debates, programas en todos los canales dedicados a la promoción. No hace tanto que en el periódico de papel en el que sigo publicando mis pequeñas disquisiciones había meses que inserta-ban veinte o más críticas. Sin limitación de espacio, es decir acomodando a las cir-cunstancias e importancia de lo criticado. En la radio pública vasca hablaba casi cada día de teatro, en forma crítica o coloquial, para incitar a ir. Hablo de mí, porque soy el soñador de antes, el que sabe que si se empieza por al escuela, con una plani-ficación pormenorizada, se pone en valor, se hace que la sociedad toda, primero se

entere de su existencia, después se sepa valorar y distinguir entre una pescadilla congelada refrita en aceites pasados y una merluza de anzuelo con hinojo, es decir del teatro comercial barato, de los productos de consumo de los que tienen el valor de alta cocina, per-dón alta cultura, los que tienen ambición artística, los que quieren todas las estrellas de valoraciones sin descalificaciones apriorísticas por ignorancia o por saña. Esas frases dañinas de “a mí el teatro no me gusta”. Y sus derivadas.

En estos tiempos de tantas ofertas y posibilidades de comunica-ción, de ese traslado de nuestras vías de contacto a los aparatos, a la tecnología, el simple hecho de congregar en un sala, a treinta o tres mil personas para asistir a ese acto de reafirmación humanista y de inteligencia como es una obra de teatro, una danza, un concierto en vivo, ya debería ser algo protegido por todos los organismos que defiendan la libertad y los derechos humanos sin ambigüedades.

Es por eso que se quiere recordar que hace unos años se utilizó

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Editorial

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Opinión4 - 5 Editorial6 Rondas Escénicas – María-José Ragué-Arias7 Desde la Caverna – David Ladra50 Luz Negra – Josu Montero83 Vivir para contarlo – Virginia Imaz84 - 85 Postales argentinas – Jorge Dubatti86 El método griego – María Chatziemmanoui87 El lado oscuro – Jaume Colomer88 Noticias desde los Fiordos – Víctor Criado89 Cronicón de Villán y Corte – Javier Villán91 Las lejanías – Carlos Be98 Enrique Atonal

Estrenos 10 - 11 El sueño de una noche de verano de William

Shakespeare por Teatro Arriaga Antzokia12 - 13 Tierra del Fuego de Mario Diament por

Producciones Teatrales Contemporáneas14 - 15 Proyecto Homero: Ilíada / Odisea por

La Joven Compañía16 Estrenos varios del CDN17 Neva de Guillermo Calderón por Nacho Vilar

Producciones18 - 20 Resto de estrenos

Festivales 22 - 23 III Festival Internacional de Teatro do Alentejo 24 - 25 XV FITB y FESTA en Bogotá26 - 27 VII Sismògraf - Festival de Dansa de Olot28 - 29 ALT.16 - Festival Alternativo das Artes

Escénicas de Vigo30 - 31 XXIX FitCarrer Vila-real32 XXXIX Jornadas de Teatro de Eibar33 XX Feria de las Artes Escénicas de Castilla-

La Mancha34 XXVII Fira de Titelles de Lleida35 - 36 Miscelánea de festivales

Suplementos 51 - 82 dFERIA99 -118 Donostia / San Sebastián 2016

En gira38 - 44 Programaciones varias

Teatro amateur46 - 47 Teatro48 Noticias y convocatorias

Zona abierta 92 - 93 Escaparate94 - 96 Nueva York

políticamente el término titiritero como una descalificación gratuita y agresiva para el mundo de los actores, de tal manera que dos de ellos han pasado cinco días en la cárcel y pesa sobre ellos grandes acusaciones por enaltecimiento del terrorismo en una agresión a la libertad de expresión incompatible con una democracia asentada por confundir la ficción con la realidad. Los personajes no delin-quen. Sí, Bertolt Brecht se compadecía de aquellos tiempos en los que había que reivindicar lo obvio. O sea, estos tiempos.

Por eso desde nuestra más absoluta independencia queremos agradecer a quienes desde la producción privada, la gestión públi-ca, el teatro amateur, lo alternativo o lo comercial siguen abriendo salas, levantando el telón, haciendo contrataciones, programacio-nes, festivales o ferias. Con todas las discrepancias ideológicas que podamos mantener, con toda la distancia ante algunas de sus propuestas, nosotros estaremos siempre ahí, compartiendo, acom-pañando, en la medida de nuestras posibilidades.

Este número es una muestra de ello. Volvemos después de mu-chos años a salir con lomos, pasando de las cien páginas, infor-mando primordialmente de Dferia y de la programación especial que se va a mostrar en Donostia con motivo de la Capitalidad Eu-ropea de la Cultura. Sí podemos discrepar, creemos que se ha im-provisado algo, pero debemos enamorarnos aunque sea a través de una alienación transitoria de la de la mochila azul en la que lleva la información que nos ayuda a saber de festivales en Portugal, Panamá, Colombia, Brasil, Bolivia, Argentina y muchas iniciativas en todo el Estado español que nos mantienen vivos, en tensión, con un hilo de esperanza, a la espera de tiempos mejores que segura-mente tardarán en llegar pero que deben contribuir a cambiar algo el paradigma, el estancamiento actual.

Se proponen elecciones por concurso de directores de teatros, mu-seos, festivales y es de esperar que por proyecto. Hay que aprovechar mucho mejor los presupuestos culturales, pero sobre todo hay que in-crementarlos, repartirlos de manera coherente y equitativa, pensando en que si necesario es mantener a los profesionales, más imprescin-dible es hacer llegar a la ciudadanía la información de su existencia. Y en todos los niveles, no solamente las maquinarias institucionales, sino que debe servir para promocionar el Teatro, la Danza, la Música, las Artes Visuales y Performativas, todo, de arriba a abajo y de izquierda a derecha. Porque ese dinero público es de la sociedad y debe revertir en la sociedad, no solamente en unos pocos.

Cuando repasamos el contenido de la revista, encontramos una pulsión de vida, de ilusiones, de búsquedas que nos parecen en ocasiones demasiado conservadoras. Es fruto de las circunstancias y penurias. Pero las instituciones, la acción de las políticas cultura-les debe servir para garantizar la biodiversidad creativa y el acceso de todas las capas sociales a esos bienes culturales.

Es decir, empezando por el principio, y entre todos, especialmen-te entre los profesionales de las artes escénicas valorarse más como artistas o como trabajadores de la cultura y no del entreteni-miento y la alienación. Como cocineros sin ir más lejos.

6w w w . a r t e z b l a i . c o m

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Rondas escénicasMaría-José Ragué-Arias

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Salvat diaris

eredé” de Ricard Salvat esta sección y, a su muer-te, en 2009, comencé a publicar aquí estas “rondes escéniques” cuyo nombre tiene reminiscencias para

mí de aquellas “Rondas....” de Espriu-Salvat. Hoy Salvat revive en la memoria de quienes le conocimos de cerca, al publicarse el primer volumen de sus memorias. Y he de decir que lo de conocerle “de cerca” se refiere a estar lo suficiente-mente cerca de su persona para darse cuenta de que en todo momento Salvat tenía en sus manos un cuaderno en el que constantemente tomaba notas. En las reuniones del Departamento de Historia del Arte de la Universidad de Barcelona de la que él formaba parte como Catedrático y yo como Profesora Titular, solía sentarme a su lado para no perderme sus comentarios y com-probar qué anotaba en su cuaderno, un cuaderno que siempre lo acom-pañaba. Ahora estas notas están comenzando a publicarse. El primer volumen-muy bien editado por Nuria Salvat- abarca de 1962 a l968. Son 538 páginas que recorren unos años significativos de nuestra historia y, por supuesto, no sólo la del teatro en nuestro país. La rica personalidad de Salvat y su insaciable curiosidad cultu-ral, política y humanista, nos ofrece un retrato valiosísimo de esos años desde la perspectiva de alguien que recorrió el mundo del teatro, de la cultura y de la política a partir de su realidad adscrita a Catalunya pero abierta al mundo de la época de la que él formó parte.No le voy a comparar a Stefan Zweig, pero el relato personal de Salvat nos informa desde su realidad de hombre de la cultura ca-talana de los años 60 de una realidad cultural y política catalana abier ta al mundo teatral, cultural y político que la condiciona y moldea. Comienza el volumen con una carta de Salvador Espriu y termina con una carta de Salvat, desde Coimbra a José María Valverde. Salvat viajó y entendió y nos lo deja ver en este valioso volumen, el primero de sus diarios que abarca de 1962 a 1968. Manuel Molins conoció de cerca a Salvat en sus últimos años, sien-do el responsable de la adaptación al teatro de “Mirall trencat” de Mercé Rodoreda. De Molins, junto a Francesc Foguet, profesor de la Universidad Autónoma, es el prólogo que trata de acercarnos al panorama que vive y narra Salvat en los años 60, de su compro-

miso histórico con el pacifismo internacional, de su participación en un catalanismo de izquierdas, de su carácter de catalanista independiente, crítico siempre con el poder establecido, con un proyecto de libertad, justicia y democracia que no tenía freno para él, con sus contactos tanto catalanes como internacionales que muestran la amplitud de las inquietudes de Salvat Y también su

ternura cuando habla de su reciente matrimonio con Nuria Golobardes o de la emoción sentida en el nacimien-to de Neus su primera hija. El teatro, la cultura, la política, las grandes figuras de la época, los gran-des problemas de la humanidad de estos años, las grandes corrientes cul-turales, los movimientos políticos eu-ropeos, todo forma parte de una vida rica en todos los aspectos, interesada en los personajes más relevantes de este entorno que partiendo del teatro adquiere poder universal.Ricard Salvat viaja constantemente y conoce a los personajes más significa-tivos y más enriquecedores del arte, la cultura y la política. Escribe, trabaja, crea y de todo deja constancia en sus diarios. La historia de Catalunya, de una Catalunya en contacto con Europa pasa por la historia personal de Ricard Salvat. Podríamos estar de acuerdo o no con sus opiniones y comentarios pero la riqueza de la información y del pensamiento que desprende son

incontestables y propician la reflexión para quienes hemos vivido los años que recoge este primer volumen de sus memorias. Y la información para quienes la edad no les ha permitido vivirlos. Por lo dicho hasta aquí ya podemos entender que no estamos ante un libro al uso, ni ante una autobiografía. No es la creación literaria de unas memorias o de un diario. Es auténticamente un diario que se escribe pensando en dejar constancia de unos hechos y de una épo-ca. Por lo tanto no se puede acotar temas ni establecer apartados temáticos. Sólo la fecha de los años figura en el índice. Es la historia teatral, cultural y también política de una época vivida en Catalunya o desde Catalunya con la intensidad y lucidez de Ricard Salvat. Es una información valiosísima redactada del modo próximo y personal de un diario cuya intimidad sólo puede ser la de Ricard Salvat, un hombre extraordinario y , permítaseme utilizar el tópico, un catalàn universal.

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Desde la caverna David Ladra

Tres versiones de Galileo

urioso arranque el de Vida de Galileo en el Valle-Inclán. Es el propio protagonista Ramón Fontserè quien, personifi-cando al mismísimo Brecht y en perfecto alemán, se dirige

a dos de los intérpretes interesándose por la compañía y el actor que hará de Galileo. Salen éstos en busca de su compañero mientras que, al reclamo de que “Brecht está aquí”, acude el resto del elenco. Se agolpa así un numeroso grupo que acoge al maestro con fervor y de pronto, sin más, convirtiéndose por fin en Galileo el Brecht de Fontserè, se inicia la función.Se establece así desde el principio un paralelismo entre los dos colo-sos, el uno de la ciencia y de la escena el otro (“el Galileo del teatro contemporáneo” dirá de Brecht el director Ernesto Caballero en su nota al programa de mano), que se va a mantener hasta el final como pivote principal del montaje en cuanto que, a la inversa, la figura del autor alemán nos va a servir para abordar, en su proporción justa, la del científico italiano. Y es que, vista desde hoy y a pesar de ser impo-nente, la imagen de Brecht nos es cercana, como si siguiera con no-sotros y consecuentemente, la que él se forjó de Galileo como hombre de su tiempo lo es también. Brecht no quiere gigantes en escena sino seres humanos que podamos juzgar sin que su talla nos lo impida. Por eso nos presenta un Galileo que es, sí, un gran astrónomo reconocido en toda Europa pero, ante todo, un semejante nuestro sometido al dinero y la fama. No dudará en copiar el telescopio inventado en Ho-landa para ofrecerle un ejemplar al Dogo y aumentar su retribución. Y serán también sus apetencias las que le llevarán a abandonar la segura república de Venecia para establecerse en el opulento ducado de Toscana infectado por la Inquisición. Cuando su amigo Sagredo le previene del riesgo en una corte como la de Florencia, el científico expone una larga lista de la compra: el ajuar de su hija, los libros que tiene que leer, el comer convenientemente (“Es durante una buena co-mida cuando me vienen las mejores ideas”)… Le pierde a Galileo su inquebrantable fe en la razón humana que, según él, debería rendirse a la evidencia que refleja el ocular de su telescopio. Y no termina de entender el pragmatismo de los príncipes de la Iglesia: si las cartas celestes resultantes de las nuevas hipótesis facilitan la navegación a los marinos, bien está que las usen siempre que no sirvan de pretexto para desmantelar las Escrituras. Pero nuestro científico ya ha sobre-pasado estas disputas y ha extrapolado sus teorías físicas del dogma religioso al campo social: empieza a escribir en lengua vernácula y se interesa por la miseria que ve a su alrededor. Es más, la cólera empieza a transfundirse al sector popular y las nuevas ideas invaden toda Italia en su carnaval. Un toque de atención para la Iglesia que decide actuar y convoca a Galileo a Roma. Lo que viene después es bien sabido: el proceso de la Inquisición, la retractación del científico y su retiro vigilado en una casa de campo de la Toscana hasta la fecha de su muerte en 1642. Pero aún nos preguntamos, como lo hicieron sus ayudantes Andrea, Federzoni y el pequeño monje renegado aquel 22 de junio de 1633, por qué se retractó: ¿se trató de una argucia para poder seguir investigando o, sencillamente, del pavor? Una pregunta para la que hay que volver al propio Brecht, quien se

la planteó de continuo. La primera versión, escrita en 1938 durante su exilio en Dinamarca y estrenada en el Schauspielhaus de Zürich en septiembre de 1943, presenta la retractación de Galileo como un medio estratégico para combatir la represión: el científico salvará su vida y seguirá trabajando a escondidas hasta terminar los Discorsi. Un optimismo que se concreta en el epílogo cuando Andrea traspasa la frontera con el manuscrito escondido en su jubón. Será en Esta-dos Unidos donde Brecht prepare, de 1945 a 1947 y junto al actor Charles Laughton, la versión llamada “americana” que, aparte de ali-gerar la trama eliminando escenas como dicho epílogo, incide en su contenido social e incluye, sobre todo, la llamada a la responsabilidad de los científicos tras el holocausto nuclear de Hiroshima y Nagasaki, una carnicería que ha contribuido a transformar el fin último del co-nocimiento de “disminuir las miserias de la vida humana” a provocar “un grito de terror universal”. Dirigida por Joseph Losey, el estreno de esta segunda versión tuvo lugar en el Coronet Theatre de Los Ángeles el 30 de julio de 1947 y en el Maxine Elliott´s Theatre de Nueva York el 7 de diciembre del mismo año. Ya instalado en la RDA, el autor ale-mán empieza a elaborar en 1953 una tercera versión, la “berlinesa”, que consiste esencialmente en una traducción de la “americana” pero haciendo aún más hincapié en los motivos para el pesimismo que ya figuraban en ésta (aunque vuelve a añadir el epílogo). El haberse retractado de sus ideas ante el Santo Oficio no es ya un acto propio de su astucia sino una muestra de su cobardía. Y es que “quien ignora la verdad es un imbécil, pero quien la conoce, y aún así la oculta, es un criminal”. El estreno de esta tercera versión se llevó a cabo en Colonia en abril de 1955. Brecht se puso a trabajar en su montaje poco des-pués, pero su fallecimiento en 1956 retrasó su estreno por el Berliner Ensemble hasta enero de 1957.El montaje dirigido por Ernesto Caballero en el Valle-Inclán responde a la versión “americana” y exceptuados dos fragmentos de su cose-cha propia (el comienzo del que ya hemos hablado y otro intermedio sobre las relaciones entre Brecht y la RDA que no viene a cuento) es excepcional. El director acierta plenamente al poner el énfasis en la “fá-bula”. Así, la vida del astrónomo italiano nos es presentada con una pasmosa fluidez que permite apreciar con todo detalle el discurso del autor alemán. Además, dentro de la austeridad general, siempre hay un movimiento, una figura, un gesto que realza el conjunto: ese hombre que se alza sobre los demás agitando la carraca que alejará la peste, esas estatuas propias de un Miguel Ángel que adornan los palacios romanos, el discreto estallido de la bomba atómica o ese sencillo gesto de un Galileo casi ciego, pero saciado por un guiso de oca, fumándose un pitillo bajo la noche clara… Excelente la interpretación a todos los niveles: Ramón Fontserè, Alfonso Torregrosa, Paco Déniz, Roberto Mori, Paco Ochoa, Tamar Novas, Ione Irazabal, Macarena Sanz… Relevantes también el vestuario de Felype de Lima, la iluminación de Ion Anibal y el espacio escénico de Paco Azorín con ese escenario circular que parece moverse al ritmo de los cielos. Aunque procede de la partitura incidental de Hanns Eisler, mejorable la parte musical y, sobre todo, el canto. En fin, con sus pequeñas cosas, un éxito total.

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El Teatro Arriaga se suma a las ac-tividades que durante todo el año conmemorarán el 400 aniversario de la muerte del dramaturgo Wi-

lliam Shakespeare y lleva a escena una versión en tres idiomas de El sueño de una noche verano/ Uda gau bateko amet-sa, que se estrenará el 6 de abril y ofre-cerá otras siete funciones hasta el día 16. Pablo Viar, autor y director de la versión, afirma que “no hay mejor homenaje que celebrar la poesía de Shakespeare en el mayor número de lenguas posible”.

El sueño de una noche verano se pre-senta como la producción propia más importante de la temporada del teatro bilbaíno, con un elenco que supera la veintena de intérpretes. En pasadas tem-poradas el teatro ha producido los mon-tajes ‘Los enamorados’ y ‘La gaviota’, dando paso ahora a una de las obras

maestras de Shakespeare, que será in-terpretada por un “elenco sensacional” de intérpretes vascos, según expresa su director. Viar es responsable de trabajos como el montaje que el Arriaga produjo de la zarzuela ‘El caserío’ en 2011. En esta ocasión, el director se encarga también de la traducción del texto al castellano. Y es que el público podrá disfrutar de una obra en tres idiomas; además de interpretarse en castellano y en euskera, se ofrecerán breves fragmentos del texto en la lengua original de Shakespeare.

En un principio, la idea era hacer dos versiones, una en euskera y otra en caste-llano, de manera que se realizarían cuatro funciones en cada idioma. Pero finalmen-te se apostó por una única versión, que pensaron resultaría más atractiva debido a la mezcla de los tres idiomas. Esto no supondrá, sin embargo, ninguna dificultad

de comprensión para los asistentes, que podrán seguir y entender la obra sin nin-gún problema, ya que el texto al comple-to estará sobre titulado, en euskera y en castellano. Según ha desvelado el director, serán las partes del texto conectadas con el mundo natural y mitológico las que sean recitadas en euskera, “aprovechando la riqueza y la belleza de la lengua”. Jon Kol-do Vázquez es el autor de la traducción de los fragmentos al euskera.

versión fiel

El Arriaga presentará una versión fiel de la pieza original del autor inglés. Para Viar, se trata de un texto “que explora los lími-tes entre lo real y lo simbólico, lo soñado”. Según él, supone una gran oportunidad de descubrir “cómo se fabrica la ficción para que se complete en la mente del especta-

El TEaTro arriaga EsTrEna El suEño dE una nochE dE vErano

El Arriaga recrea “un sueño” gestado en tres lenguas

©E. Moreno Esquibel

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dor”. El montaje ofrecerá una puesta en escena de estética actual. Josep Simón es el encargado de la escenografía y Carmen Martínez del diseño de iluminación. Jesús Ruiz, por su parte, es el autor del moder-no vestuario que lucirán los actores. Entre ellos, Gabriel Ocina interpretará a Teseo, Eneritz Artetxe será Hipólita, Chema Trujillo dará vida a Filóstrato y Antonio Rupérez a Egeo. Por su parte, Aritza Rodríguez, Jose-ba Apaolaza e Itziar Lazkano encarnarán a Puck, Oberón y Titania, respectivamente. Completan el reparto Mikel Losada (Li-sandro), Lander Otaola (Demetrio), Itxa-so Quintana (Hermia), Lucía Astigarraga (Helena), Gurutze Beitia (Trasero/Píramo), Iñaki Maruri (Membrillo/Prólogo), Jon Koldo Vázquez (Flauta/Tisbe), Jon Ariño (Hocico/Muro), Karmele Larrinaga (Acople/León) y Mitxel Santamarina (Famélico/Luz de Luna). Por último, las hadas serán interpretadas por las actrices Sara Barroeta, Olatz Gan-boa, María Urcelay y Aiora Sedano. Pablo Viar expresa que es “un lujo” contar con el trabajo de todos ellos.

la obra

William Shakespeare escribió esta co-media, cuyo título original es ‘A Midsum-mer Night’s Dream’, alrededor de 1595, con motivo, al parecer, de la conmemora-ción de la boda de Sir Thomas Berkeley y Elizabeth Carey, en febrero de 1596. Felix Mendelssohn escribió una obertura y otras piezas musicales inspirado en esta obra que se utilizaron como acompaña-miento musical de la obra a lo largo del siglo XIX. Ya en el siglo XX, en 1960, Ben-jamin Britten compuso una ópera sobre el

mismo tema con libreto del propio Britten y del tenor Peter Pears.

La historia acontece en la noche de San Juan y está ambientada en una imaginaria Atenas. Mientras el duque Teseo cuenta las horas que faltan para su boda con Hipólita, se descubren las desventuras amorosas de unos jóvenes, que aman a quien les desprecia, y des-precian a quien les ama. Para mayor em-brollo, Oberón, rey de las hadas, y Tita-nia, la reina, en sus disputas, siembran

de sor tilegios el bosque donde todos acuden a refugiarse y donde una com-pañía de cómicos aficionados prepara una representación. Todo está prepa-rado para que la noche haga extraños compañeros de cama y acaben todos anhelando abrazar un cuerpo que no es el que durante el día decían adorar.

Como diría Teseo: “Dejemos a los aman-tes y a esas imaginaciones ardientes, a esas extravagantes fantasías que van más allá de lo que la razón puede percibir”.

©E. Moreno Esquibel


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Producciones Teatrales Contempo-ráneas presenta el estreno de Tie-rra del Fuego, obra del argentino Mario Diament sobre la necesidad

del diálogo, de la comprensión entre cul-turas, para encontrar un camino que su-pere las diferencias y enemistades entre israelíes y palestinos. Dirigida por Claudio Tolcachir, la pieza se llevará a escena los días 11 y 12 de marzo en el Teatro Central de Sevilla. El 21 de abril el montaje llegará a las Naves del Español (Madrid), para re-presentarse hasta el 4 de junio.

Hacia 1999, Barenboim y Said (falleci-do en 2003) planificaron la creación de una orquesta integrada por músicos pro-

venientes de las dos zonas enfrentadas desde 1948, cuando se creó el Estado de Israel en tierras que los judíos considera-ban propias, aunque hacía casi 2000 años que no habitaban. La orquesta se llamó West-Eastern Divan y viene demostrando que la convivencia civilizada es posible. Con el mismo espíritu humanista y pare-cida voluntad de sumar esfuerzos a un acercamiento honesto a tan grave proble-mática, Mario Diament, argentino de as-cendencia judía, se anima a dar espacio a distintos puntos de vista, a reconocer que todos los personajes de su obra tienen sus razones.

Alicia Borrachero, Claudio Tolcachir,

Abdelatif Hwidar, Juan Calot, Malena Gu-tiérrez y Hamid Krim forman el elenco de Tierra del Fuego, obra inspirada en un he-cho real. El dramaturgo y periodista Mario Diament parte del encuentro y el diálogo entre una pacifista israelí y un palestino preso por terrorismo, para construir una ficción. La obra narra la historia de una ex azafata israelí víctima de un atentado en el que resultó herida y su mejor amiga muerta. Veintidós años después decide vi-sitar y encontrase con el terrorista autor del atentado, miembro del Frente Popular para la Liberación de Palestina, que está recluido en una prisión de Londres, con-denado a cadena perpetua. En ese en-

ProduccionEs TEaTralEs conTEmPoránEas EsTrEna TiErra dEl FuEgo

El diálogo como llave para superar las diferencias

© Álvaro Vicente

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cuentro, bucearán en la bús-queda de la comprensión de una realidad que va más allá de sus historias personales.

El relato se propone re-flexionar sobre la necesidad de escuchar la historia del otro, del enemigo, como con-dición necesaria para iniciar un diálogo. Y comenzar a es-bozar la paz y la convivencia pacífica como posibilidad. Se trata de una propuesta para reflexionar sobre las causas y consecuencias de la violen-cia política militar, en una de las zonas más calientes del planeta. Y sobre el lugar del diálogo y la palabra como medio para la convivencia pacífica y la justicia. “Al final, la relevancia de esta historia excede el li-mitado contorno del conflicto enquistado en Oriente Medio, porque ese conflicto tan testarudo como doloroso puede leerse desde la luminosidad de esta obra, des-de la mano tendida al entendimiento y al perdón para enterrar las desgracias”, ex-plican desde la productora.

David Serrano ha sido el encargado de realizar la versión española de un texto que se estrenó en el Teatro El Tinglado de Buenos Aires en el año 2013, con Alejandra Darín y Pepe Monje como pro-tagonistas. La obra ha sido escenificada en diversos países. En Broadway tuvo a Frances McDormand como protagonista. Tolcachir expresa que “ojalá al salir de ver esta obra alguna de las diferencias

que nos separan pudieran achicarse. Aunque sea un poco. Porque en definitiva todo se trata de personas de historias de vida. Y quizá sea el teatro el que nos permita borrar fronteras y volvernos más humanos”.

En esta nueva propuesta, es Elisa Sanz quien realiza las labores de escenografía y ves-tuario, mientras la iluminación cuenta con la autoría de Juan Gómez Cornejo. En palabras de Tolcachir, la obra “es una oportunidad de entrar en la Historia, una Historia absolu-tamente presente y contradic-

toria, llena de preguntas, de incómodas re-velaciones. La eterna esperanza de lograr el encuentro en medio de tantos años de dolor. Como cajas chinas desplegándose, intentando descubrir el origen de tantas injusticias. Cuando el teatro interpela, des-cubre, conmueve y nos permite pensar y tratar de comprender, se vuelve un ejercicio absolutamente necesario. Como es necesa-ria esta obra”.

© Jean Pierre Ledos


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José Luis Arellano dirige a La Joven Compañía en Proyecto Homero, pro-ducción que presenta los textos de los dramaturgos Guillem Clua y Alber-

to Conejero, que han adaptado los cantos de Homero ‘Ilíada’ y ‘Odisea’, respectiva-mente. La propuesta, concebida en dos espectáculos independientes, estará en cartel del 5 al 30 de abril en el Teatro Conde Duque de Madrid, donde reside la compañía.

“Nos planteamos un gran reto para cerrar la tercera temporada en el Teatro Conde Duque: hablar del origen de Europa a través de dos de las voces más poten-tes de la dramaturgia española como son Guillem Clua y Alberto Conejero. Dos en-cargos para revisar y acercar a nuestra

época y al teatro europeo las dos grandes epopeyas griegas en voz de Homero: la Ilíada y la Odisea. Los dos poemas épicos recogen los temas que luego han cons-tituido la civilización occidental”, afirman desde La Joven Compañía.

José Luis Arellano, Juanjo Llorens, Silvia de Marta, Álvaro Luna y Josep Vila lide-ran el equipo artístico de esta producción, que contará con un reparto formado por 15 jóvenes actores y actrices. Se trata de Javier Ariano, Cristina Bertol, Katia Bor-lado, Alejandro Chaparro, Juan Frendsa, Víctor de la Fuente, Cristina Gallego, Jota Haya, Carmen Ibeas, Samy Khalil, Jesús Lavi, Juan Carlos Pertusa, Álvaro Quinta-na, María Romero y Álex Villazán.

ilíada

Nueve años después del rapto de He-lena por parte de Paris, el ejército aqueo ha conseguido poner Troya bajo sitio. La guerra parece llegar a su fin, pero Aquiles se retira de la batalla tras una disputa con el rey Agamenón. Esa decisión cambiará el rumbo de la guerra y hará que la tragedia se desboque en ambos bandos.

Guillem Clua ha sido el encargado de realizar la versión de la Ilíada, quien ex-presa: “Al tomar el relevo de Homero (y de tantos autores que han bebido de esos cantos a lo largo de los siglos), he intenta-do tener esa humanidad siempre presen-te. Hay que contar las gestas, claro, los episodios que todos tenemos en mente:

la JovEn comPañía EsTrEna ProyEcTo homEro: ilíada/odisEa

Jóvenes actores de aventura con las poesías de Homero

© Paul Rodríguez

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Helena contemplando la lucha entre sus dos espo-sos desde la muralla de Troya, Patroclo saliendo a la batalla con las armas de Aquiles, la terrible vengan-za de éste sobre Héctor... pero allí, en las rendijas de lo heroico, Homero siempre encuentra un lugar para la belleza, para el amor, para la piedad. La guerra siem-pre ha estado presente en mis obras. Desde ‘La piel en llamas’, pasando por ‘El sabor de las cenizas, Marburg’ y, claro está, por la primera obra que escri-bí para La Joven Compañía, ‘Invasión’. En todo este tiempo me he dado cuenta de que escribir sobre la guerra consiste en rellenar los espacios que la destrucción ha dejado tras de sí; es una constante lucha contra el vacío, una búsqueda incansable de la cordura en medio del caos, del senti-miento en la oscuridad metálica que trata de enmudecerlo. Y eso es más verdad que nunca en la Ilíada, una obra sumergida en el dolor y la muerte hasta tal punto que la más ínfima muestra de humanidad brilla más que una galaxia entera”.

odisea

La guerra de Troya ha terminado y los combatientes se disponen a volver a sus hogares. Al ingenioso Ulises, el retorno le llevará otros diez años. Un viaje en el que deberá sortear todo tipo de dificulta-des causadas por seres mortales, sirenas,

cíclopes y dioses que buscan venganza. En Ítaca esperan Penélope y Telémaco, su esposa e hijo.

Alberto Conejero afirma, en una entre-vista realizada por El Cultural, que para la versión escénica de la Odisea ha tenido en cuenta tanto la juventud y fuerza de La Joven Compañía y de muchos de sus es-pectadores, como el hecho de que la obra debe acompañar a la Ilíada de Guillem Clua. “Los espectadores podrán ver una u otra pero también las dos seguidas. No son limitaciones sino reglas de juego que he asumido con fascinación”.

El autor cuenta que su propuesta ha-bla a nuestros jóvenes de la necesidad de amar el camino sin temer ni a sirenas ni a Cíclopes. “Ahora esos monstruos son otros, quizá más invisibles (los señores de los mercados, la falta de perspectiva labo-ral, etc.) pero no debemos temer el viaje. Ése es el sentido de las Ítacas: propor-

cionarnos el viaje, la expe-riencia, la aventura de estar vivo. Mi Odisea mira muy de cerca a Telémaco”.

la Joven Compañía

La Joven Compañía tiene el objetivo de contribuir a la creación de futuros profesio-nales, ar tísticos y técnicos, fomentando la investigación dramática, y buscando la in-corporación de los públicos jóvenes al teatro a través de un proyecto pedagógico. Hasta la fecha, ha realizado

producciones como ‘El señor de los mos-cas’ de William Golding, montaje finalista de los XVIII Premios Max a Mejor Espectá-culo Familiar. Cuenta además con proyec-tos como ‘Hey Boy Hey Girl’ sobre ‘Romeo y Julieta’, ‘Punk Rock’ de Simon Stephens, ‘Fuente Ovejuna’ de Lope de Vega e ‘Inva-sión’, también de Guillem Clua.

La compañía, que obtuvo el Premio El Ojo Crítico de Teatro 2014 que otorga Ra-dio Nacional de España, nació en 2012 a voluntad de David R. Peralto y José Luis Arellano. En la actualidad cuenta con al-rededor de una treintena de jóvenes de entre los 18 y 26 años. La agrupación está afincada en el Teatro Conde Duque de Madrid, donde representa más de 100 funciones al año, además de realizar giras nacionales. En tres temporadas más de 70.000 espectadores han disfrutado de sus producciones, número que presumi-blemente aumentará muy pronto.

© Paul Rodríguez


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El Centro Dramático Nacional pre-senta, en el Teatro María Guerrero y en el Teatro Valle-Inclán, cinco nuevos montajes durante los meses

de marzo y abril. Entre ellos se encuentra la coproducción con la compañía Atalaya, que recupera 30 años después la pieza Así que pasen cinco años de Federico García Lorca.

TeaTro maría Guerrero

El primero de los estrenos será …y la casa crecía, con texto, escenografía y di-rección de Jesús Campos García. En sus palabras: “... la casa crece de forma in-controlada; y crecer sin control puede ser cancerígeno. Es cancerígeno. Así es como ha crecido el mundo del dinero: sin control. Desde que es electrónico, hay más dinero que cosas que comprar. Y ahí andan los ri-cos, desesperados, buscando en qué gas-tarlo. Cuánta abundancia, cuánto poderío. Sí, el mundo es un disfrute para quien lo disfruta. No sé de qué se quejan los que lo tienen que limpiar. Y advierto que es una comedia. Quiero decir con esto que habrá quien se ría, aunque la cosa no sea para reírse”. La obra, que estará en cartel del 4 de marzo al de 10 abril, cuenta con el siguiente reparto: Fernando Albizu, José Ramón Arredondo, Ana Cerdeiriña, Luis Hostalot, Ana Marzoa, Juan Matute, Miguel Palenzuela, Juan Carlos Talavera, Marilyn Torres y Samuel Viyuela González.

Del 9 de marzo al 10 de abril llegará el turno de Los dramáticos orígenes de las ga-laxias espirales, texto escrito y dirigido por Denise Despeyroux, quien expresa: “Luz, agonizante o tal vez solo sugestionada, pide a su gemela Andrómeda que la suplante en las celebraciones familiares. La crisis de identidad de ésta se desata, en un ambiente cargado de interrogantes: ¿qué se puede esperar de una familia convencida de que Cumpleaños feliz es un clásico a la altura de La Marsellesa? ¿Tendrá futuro el pop la-

caniano en los congresos de psicoanálisis? ¿Qué es más insensato: escribir una carta íntima al director de El Corte Inglés, a Rilke o a tu hermana muerta? ¿Qué es más noble para el espíritu, ser uno mismo o tratar de ser otro mejor que uno?”. Cuatro son los intérpretes del montaje, Ester Bellver, Juan Ceacero, Cecilia Freire y Ascen López.

Por último, Carme Portaceli propone y dirige su versión de La rosa tatuada, obra de Tennessee Williams que narra la histo-ria de Serafina delle Rose, una viuda italo-americana afincada en el estado de Loui-siana que decide retirarse del mundo tras la muerte de su marido. En opinión de la directora, “la obra de Tennessee Williams, reflejo de su propia vida, estaba marcada por la caída de un mundo al que pertene-cía, siempre presente en sus atormentados, solitarios, reprimidos e incomprendidos personajes. Con esa sensibilidad, el autor construye unos seres que son víctimas de sí mismos viviendo en un mundo en el que los sueños no tienen lugar, en un mundo que les impide encontrar la felicidad”. Jordi Collet, Roberto Enríquez, David Fernández “Fabu”, Alba Flores, Gabriela Flores, Igna-cio Jiménez, Aitana Sánchez-Gijón, Paloma Tabasco y Ana Vélez protagonizan este montaje, que se podrá disfrutar del 29 de abril al 19 de junio.

TeaTro valle-inClán

Atalaya presentará, del 1 de abril al 15 de mayo, la obra Así que pasen cinco años de Federico García Lorca. Se trata de la primera vez que el CDN coproduce un montaje con una compañía andaluza. La primera puesta en escena de esta pieza se realizó en el Círculo de Bellas Artes de Madrid en 1986, y supuso el lanzamien-to de la compañía sevillana. Entonces, el elenco estaba formado por seis jóvenes actores que afrontaban teatro de texto, al igual que el propio director, por primera vez. Treinta años después, Ricardo Iniesta vuelve a llevar a escena este texto mágico, interpretado en esta ocasión por nueve actores.

Aquiles y Pentesilea, por su parte, es un proyecto de investigación del Laboratorio Rivas Cherif que se llevará a escena del 8 de abril al 15 mayo. La obra de Lourdes Ortiz contará con la dirección de Santiago Sánchez, que afirma que se trata de “una de las más bellas historias de amor de la mitología griega”. El reparto lo forman Maria Almudéver, Rubén Carballés, Dayana Contreras, Gorsy Edú, Astrid Jones, Víctor Massán, Didier Otaola, José J. Rodríguez, Verónica Ronda, Rodolfo Sacristán, Cecilia Solaguren y Camino Texeira.

El cEnTro dramáTico nacional EsTrEna 5 EsPEcTáculos

Lorca y Tennessee Williams, entre lo nuevo del CDN

©MarcosGpunto

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El Teatro Circo Murcia acoge dentro del “Ciclo escena de aquí” la obra Neva de Guillermo Calderón, produc-ción de Nacho Vilar dirigida por José

Bornás. Lola Martínez, Irene Verdú y Jesús Arribas “Risi” son los intérpretes del montaje que se estrenará el día 16 de marzo.

En San Petersburgo, durante una tarde de invierno en 1905, mientras las tropas reprimen salvajemente a los obreros que se manifiestan en las calles, dos actrices y un actor tratan de ensayar en un teatro de la ciudad frente al río Neva. Una de ellas es Olga Knipper, la famosa actriz del Teatro del Arte de Moscú, dirigida por Stanislavski y viuda de Antón Chejov. Olga se culpa de haber vivido lejos de su esposo durante los últimos años de su vida, mientras escribía aislado para curar su tuberculosis y ella estrenaba sus obras en Moscú. Los otros dos actores tratan de ayudarla a ensayar la obra ‘El jardín de los Cerezos’, soportando con admiración sus aires de diva y tratando de ignorar el terrible hecho de que el resto

de los actores no ha llegado. La situación se vuelve irónica e hilarante cuando los actores discuten acerca de la técnica de actuación y la belleza del teatro en el con-texto de la histórica matanza del Domingo Sangriento en las calles de la ciudad.

Neva se estrenó en octubre de 2006 en el Teatro Mori de Santiago de Chile, a cargo de la compañía Teatro en el Blanco y dirigida por el propio Guillermo Calderón. Basada en hechos y personajes reales, es una reflexión crítica y sarcástica acerca del teatro, la actuación y sus limitaciones para dar cuenta del drama privado de la muerte y del drama público de la violencia políti-ca. En palabras de Calderón: “En el caso de Neva, trato de hacer que la obra sea muy personal, aunque no necesariamente lo parezca, porque quizás para un ojo no demasiado incisivo pueda parecer que es una obra acerca de actores y política, pero lo que está ahí puesto es mi conflicto”. En su opinión, “sacar lo que pasa por dentro y ponerlo afuera es muy enriquecedor”.

CemenTerio ambulanTe

“Yo crecí con algo que me contaba mi mamá, que es muy simple: que después del golpe militar había cuerpos en el río, entonces son esas cosas que uno escucha banalmente cuando es niño, pero que se van quedando en la mente y nunca se me olvidó esa imagen. El río, en vez de ser fuente de vida o el paso del tiempo, como se usa en términos filosóficos, para mí ha sido una especie de cementerio ambulante o una cosa así. Siempre me quedó esta idea como fatal del río, entonces me ima-giné que en muchas ciudades europeas los ríos han figurado a veces como ideas de cementerios flotantes; por lo mismo, como quería hablar de Rusia, que tiene esa connotación de una tremenda canti-dad de muertes, de vidas desperdiciadas, de vidas aniquiladas, se me ocurrió que un buen punto de partida era esta idea de cementerio ambulante y del río Neva”, expresa el autor.

nacho vilar ProduccionEs EsTrEna nEva

El teatro y la política surcan el río Neva


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m i s c e l á n e a

Avanti Teatro estrena El Jurado bajo la dirección de Andrés Lima e inspirado en ‘Doce hombres sin pie-dad’ de Reginald Rose. El montaje se presenta como un retrato de la sociedad española y su posiciona-miento ante el sistema ju-dicial: un político sentado

en el banquillo de los acusados por un gran caso de corrupción. Un largo juicio sometido a una importante presión mediática. Llega la hora de la deliberación y un jurado popular tendrá que tomar una decisión: ¿culpa-ble o inocente?. “El desarrollo del texto responde a los principios del thriller, con varias vueltas de tuerca que aumentarán el suspense, jugando todo el tiempo con lo que el espectador sabe, lo que supone y lo que no se espera”, explica su autor, Luis Felipe Blasco Vilches. La obra cuenta con los intérpretes Josean Bengoetxea, Víctor Clavijo, Cuca Escribano, Pepón Nieto, Isabel Or-daz, Canco Rodríguez, Luz Valdenebro, Eduardo Velasco y Usun Yoon. Se presentará el 2 y 3 de abril en el Teatro Tomás y Valiente de Fuenlabrada (Madrid), para recalar después en las Naves de Matadero/Teatro Español.

Versión libre de ‘Caperucita roja’, se trata de una ópera en euskera para 5 músicos y 8 cantantes, fruto del con-venio de colaboración entre ABAO-OLBE y el Teatro Arriaga. Es precisamente el teatro bilbaíno el que acoge-rá el estreno de Txanozuri-txu, montaje con música de

Carlos Imaz que se podrá ver del 12 al 14 de marzo. Mitxel Santamarina, director de escena y dramaturgo, propone una adaptación donde personajes y escenarios se adaptan a una situación actual y moderna. Caperu-cita es una adolescente que intentando hacer amigos se acercará a Lobo, un chico enigmático de su clase. Según explican, la historia trata de la incomunicación entre las personas, destacando el estrés y las prisas que la sociedad de hoy en día vive. También se tratan temas como la inserción social, el “bullying” o la reali-zación de sueños y objetivos en la vida, “con muchas posibles moralejas que ayudan al espectador a enten-der a los personajes de la obra y les invitan a reflexio-nar sobre la sociedad que creamos entre todos, como la falta de valores y sus consecuencias”.

Txanozuritxu

E l Prisionero

E l Jurado

El bilbaíno Mikel del Valle presenta esta pieza dentro de los denominados ‘Cuar-titos del Arriaga’. El baila-rín terminó sus estudios en danza clásica y contemporá-nea en Madrid. Ha trabaja-do en diversas compañías y con más de un centenar de coreógrafos. La idea de esta

pieza nace tras su etapa en la capital hispalense, donde crea un solo que fue premiado en el certamen coreográ-fico de Andalucía y de Madrid, como mejor coreografía y mejor bailarín en 2014. Ahora, el montaje se ha creado con un cuerpo de baile de 7 intérpretes, con diferentes estilos de danza, como neoclásica, contemporánea y fla-menca, donde se estrenará en el Teatro Arriaga de Bil-bao el 16 de marzo. En palabras de Mikel del Valle: “La Felicidad es el sentimiento más íntimo de todos, pero cuando se plasma transparente enérgico y agradecido entre la osada muchedumbre, resalta el brillo del despo-jo. Independientemente los ojos de los labios y fieles al corazón, ensanchan para mostrarse, donde los canales fluyen sin fronteras de peajes. La flor de Ubre estalla, es apasionante, impuesta por los cánones cuela su aroma salvaje y es ahí el punto del movimiento. La Libertad. Sevilla tiene un vasco especial”.

El Prisionero es una copro-ducción de los Teatros del Canal y la Compañía Pri-sioneros, una obra de José Luis de Blas Correa creada a partir de una idea original de José Manuel Seda, quien se encarga de interpretar el monólogo, dirigido por Ma-riano de Paco Serrano. En la

historia, un hombre aguarda la muerte en su celda, mientras escucha cómo construyen el patíbulo donde será ejecutado. Sin embargo, tiene la oportunidad de sobrevivir si firma un documento en el que abjura pú-blicamente de sus “crímenes”. “El tema de la identidad halla en El prisionero un campo donde germinar a su antojo. Alguien quiere ser otro. En un juego de espejos, el escritor quiere ser actor, el actor quiere ser su perso-naje, y el mito, ignorante de sus mil muertes, lucha por su pervivencia desde el corazón del actor”, explican. El montaje se estrenará en los Teatros del Canal de Ma-drid, donde estará en cartel del 4 y el 24 de abril. “¿La cárcel está dentro o fuera? ¿En qué dirección empieza la celda? Si de este costado, ¿no es el mundo otra cel-da al otro lado, solo que de mayor tamaño? ¿No fue entrar en la celda pequeña, salir de una celda mucho más grande?”.

Un vasco en Sevilla


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José Luis Gómez dirige la obra de Fernando de Rojas en esta coproducción de la Compañía Nacional de Teatro Clásico y el Tea-tro de La Abadía. “La Ce-lestina encarna un mundo donde la moneda tiene dos caras: Pleberio y Celestina. Pleberio cree en el hombre

de virtud, ley y razón. Celestina apuesta por el instinto y el egoísmo humano. La modernidad escénica estriba en hacer visible este doble gesto. Celestina es una obra que acontece en movimiento: callejeando, susurrando, dudando, haciendo. Para mostrar su dimensión basta que el director de escena sepa tejer voluntades con un hilado hechizado; basta que ese director se haga Celestina”, afirma Gómez, que interpretará a Celestina. El espectáculo se llevará a escena del 6 de abril al 8 de mayo en el Teatro de la Comedia de Madrid, sede de la CNTC. El montaje, que cuenta con la música de Eduar-do Aguirre de Cárcer, pasará después por lugares como Logroño, Zaragoza, Valladolid y Cáceres.

Pau Carrió versiona y dirige la obra de Shakespeare, pro-ducción en catalán del Tea-tre Lliure interpretada por Eduard Farelo, Pol López, Xicu Masó, Rosa Renom, Marc Rius, Maria Rodríguez y Pau Vinyals. Según Carrió: “Somos, quizás hablo de mi generación, conscientes de

la putrefacción del reino, de la corrupción dominante, sabemos que se puede sonreír y ser un canalla al mismo tiempo. Como en una cárcel, no encontramos la salida, y todas estas cosas nos hacen sentir a su vez indignados y desconcertados. Nos preguntamos qué debemos hacer. Quisiéramos articular respuestas y acciones acertadas contra todo esto. Y cuando nos detenemos a estudiar cómo hacerlo, una y otra vez chocamos con contradic-ciones que no sabemos superar. No sabemos resolver nuestro papel con determinación, porque ya no nos creemos esta tragedia de venganza. Somos Hamlet”. La obra se podrá ver en el Lliure (Barcelona) del 17 de mar-zo al 17 de abril, con entradas ya agotadas.

CelestinaHamlet

La actriz Concha Velasco se mete en la piel de Juana de Castilla (Juana la Loca) en Reina Juana, una reina “caracterizada por la falta de adecuación a la realidad que hoy define a buen número de las patologías mentales, pero, también, por un temperamento indómito y transgresor obstinado en contravenir las pautas de comportamiento convencionales”, en opinión de Ernesto Caballero, autor del monólogo que dirige Gerardo Vera. “Mi principal pro-pósito como dramaturgo ha sido crear un personaje poliédrico, sensible y perspicaz decidido a sobrevivir al infortunio haciéndose fuerte en los infranqueables dominios de la irrealidad y la imaginación. Un sueño felizmente cumplido por obra y gracia de una artista excepcional, Concha Velasco, reina y señora de esa balsámica conmoción que conocemos como Teatro”, explica Caballero. En palabras de Gerardo Vera, “la leyenda popular y el morbo enfermizo de

este país acumulado durante años alrededor de su personaje, ha sido inspiración para obras de teatro, series de televi-sión y películas. De todos modos, siempre eché en falta un tratamiento más profundo y más justo con tan extraordinario personaje y cuando Ernesto Caballero me mandó este texto, vi, desde su primera lectura, que era el espectáculo teatral que había que hacer”. Se trata de una producción de Siempre Teatro y Grupo Marquina que se representará del 7 al 10 de abril en el Teatro Lope de Vega de Sevilla, y llegará después al Teatro de la Abadía de Madrid, donde estará en cartel del 28 de abril al 5 de junio. “Gracias Concha por haberte embarcado en este viaje tan apasionante y tan luminoso como la propia vida”, concluye el director.

Reina Juana

© Sergio Parra


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El Teatre Nacional de Ca-talunya y La Brutal pre-sentan Don Joan, espec-táculo que dirigirá David Selvas sobre la tragicome-dia de Molière, estrenada el 15 de enero de 1665. Sergi Pompermayer, Cristina Ge-nebat y el propio David Sel-vas realizan una adaptación

actualizada del personaje más libertino, infiel, seductor, hipócrita y vividor de la literatura universal. Una revi-sión contemporánea de la figura de Don Juan, uno de los mitos indiscutibles de la modernidad europea. Será Julio Manrique el encargado de meterse en la piel del personaje. En el reparto le acompañan Lluís Marco, Ma-nel Sans, Anna Azcona, Cristina Genebat, Xavi Ricart, Javier Beltrán y Nausicaa Bonnín. Forman parte tam-bién del equipo artístico Max Glaenzel (escenografía), Mingo Albir (iluminación) y Maria Armengol (vestuario). Cristina Genebat es la traductora del texto, que estará programado en la Sala Petita del TNC del 17 de marzo al 24 de abril. El espectáculo comenzará después una gira por diferentes puntos de Cataluña como Badalona, Mataró, Viladecans, Girona y Manresa, entre otros.

A teatro con Eduardo, producción del Teatre Lliu-re de Barcelona, está com-puesta por dos obras de Eduardo De Filippo: el pri-mer acto de ‘Uomo e galan-tuomo’ y, entera, ‘La grande magia’. Este espectáculo en catalán estará versionado y dirigido por Lluís Pasqual,

y contará con un elenco formado por los intérpretes Laura Aubert, Jordi Bosch, Robert González, Oriol Gui-nart, Teresa Lozano, Ramon Madaula, Francesca Piñón, Albert Ribalta, Marc Rodríguez y Mercè Sampietro. En palabras de Pasqual: “Eduardo de Filippo nunca se ha-brá encontrado tan cerca de Pirandello. La vida es como una función de teatro, sí, pero también como una caja china, o una muñeca rusa que en su interior contiene a otra, y a otra y a otra, como un infinito juego de ilu-sión... La hilaridad y la emoción se mezclan en manos de este genio del teatro napolitano que jugaba a hacer teatro para contarse la vida siempre con una sonrisa socarrona en los labios, muy parecida a la nuestra”. La pieza se podrá disfrutar en el Teatre Lliure del 30 de marzo al 1 de mayo.

A teatro con Eduardo

La estancia

Don Joan

Jordi Galcerán versiona la comedia negra Un dios sal-vaje de la dramaturga fran-cesa Yasmina Reza, pieza que fue estrenada en París en el año 2006 y que se alzó en Broadway con el Premio Tony a la Mejor Obra Teatral en 2009. Debido a su éxito, el director Roman Polanski

la llevó a la gran pantalla en el año 2011, obteniendo diversos galardones. En esta ocasión, será Paco Montes el encargado de diri-gir a Maia Sur, Fernando Ramallo, Lidia Navarro y Jaime Zataraín. El texto trata sobre dos parejas de padres que se reúnen a discutir sobre la violenta conducta del hijo de una, que golpeó con un palo al hijo de la otra. Lo que comienza como una conversación tranquila y civilizada, adquiere un tinte más violento a medida que los padres van revelando sus ridículas contradicciones y grotescos prejuicios sociales. “Ninguno de ellos esca-pará del brutal juicio final ante Un dios salvaje”, afir-man desde la producción. El espectáculo, en el que José Helguera realiza las labo-res de escenografía y diseño de iluminación, se esceni-ficará del 4 de marzo al 24 de abril en el Teatro Nuevo Apolo de Madrid.

Coproducción del Teatro Calderón de Valladolid y la Compañía Salvador Collado-Euroscena, Javier Collado es Marlowe y José Manuel Seda es Shakespea-re en esta obra de Chema Cerdeña, dirigidos por Jesús Castejón. Enmarcada en la Inglaterra Isabelina, La es-

tancia ha recibido el Premio de la Crítica Valenciana al Mejor Texto, ha sido Mejor texto por la Asociación de Espectadores de Alicante (AITA) y nominada al mejor texto para el premio “Premis de las arts escéniques” de la Generalitat Valenciana. Según Cerdeña, “es una histo-ria de pasión. De pasión por el teatro, por la vida, por el sexo, por la aventura, por la necesidad de vivir al límite y al mismo tiempo de permanecer para la posteridad. Es la historia de dos hombres iguales y muy diferentes. Dos hombres, a quienes uní en un destino, nada descabella-do, en un juego teatral que les conduce vertiginosamen-te hacia dos finales. ¿Quién es quién? ¿Y cuál es cuál? No importa. Quedan siempre las obras, y al fin y al cabo, la autoría, no es lo más importante, sino la vida que queda plasmada en un papel para que una y mil veces, unos personajes vuelvan a esa misma vida”.La obra estará en el Calderón del 11 al 13 de marzo.

Un dios salvaje

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El Festival Internacional de Teatro do Alentejo, FITA celebra su tercera edición entre el 1 y el 13 de marzo, edición esta que incluye tres ciuda-

des más: Santiago do Cacém, Elvas y Vila Nova Santo André, que se suman a Beja, Évora, Portalegre y Grândola, sedes del festival en las dos ediciones anteriores. En palabras de su director artístico, Antonio Revez, uno de los objetivos de la FITA es “crecer en territorio Alentejo”, además de ofrecer “una programación de alta calidad artística para contribuir a la creación y de-sarrollo de públicos”.

14 compañías conforman la programa-ción de esta edición, la mitad de ellas por-tuguesas. La anfitriona y encargada de la organización de FITA, Lendias d`Encantar

pondrá en escena No limite da Dor, espec-táculo basado en el libro del mismo título de Ana Aranha y Carlos Ademar en el que cuatro historias se entrelazan en una pieza que lleva a los espectadores de hoy a visio-nar la experiencia de muchos portugueses a manos de la PIDE durante los años de dictadura. Una profunda reflexión sobre la resistencia, el miedo, la humillación, el dolor y la dignidad del ser humano.

Teatromosca es una compañía formada en 1999 que tiene como objetivos artísti-cos la ruptura de los binomios realidad/re-presentación, actor/interventor, exhibición/interpretación, cultural/social... Quieren ex-presar nuevos conflictos y poner en juego cuestiones de identidad social, transgre-sión, tradición... optando por una drama-

turgia actual en lengua portuguesa. A FITA llegan con Fahrenheit 451, adaptación tea-tral de la novela de Ray Bradbury realizada por el director del montaje, Pedro Alves.

Guerra é Guerra de Teatro Extremo y con texto y puesta en escena de Horácio Manuel es un espectáculo lleno de música, ritmo y suspense que narra con humor la epopeya vivida por el pueblo portugués mientras se resistía a las tres invasiones de Napoleón. La guerra es también el tema central de 24A74-Salgueiro MAia, un monó-logo con texto e interpretación de Ricardo Simões creado a partir de la obra ‘Capitao de Abril-Memórias da Guerra do Ultramar e do 25 de Abril’ de Salgueiro Maia que pre-senta Teatro do Noroeste.

Vai Vem por su parte es un espectáculo

III FITA - FesTIvAl InTernAcIonAl de TeATro do AlenTejo

El teatro se expande por la región de Alentejo

La tercera edición de FITA presenta a catorce compañías llegadas de diversos puntos de Portugal, España y América

Otelo de Viajeinmóvil

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de teatro físico en el que Gato SA realiza un recorrido visual donde cuerpo y silencio son los protagonistas. Inspirado en la inmi-gración la obra presenta a los personajes como sombras fuera de tiempo para reco-rrer a través de sus historias, como si de un calidoscopio se trataran, sus ilusiones, vacíos, miedos, soledades, el amor...

AL Teatro presenta Os3 Érres, un es-pectáculo dirigido al público familiar que a través de la reutilización de residuos y con mucha imaginación camina hacia un mundo menos oscuro y más verde. Escuridão Bo-nita, por su parte, es una obra de Ondajki Umcoletivo, una historia contada como de-ben ser contadas las historias, con mucho amor. Una historia contada en la oscuridad por la luz y con la que podrán disfrutar grandes y pequeños.

De otras latituDes

Desde Brasil llegan a FITA dos compañías para reflexionar sobre las relaciones huma-nas desde perspectivas muy diferentes. Cia Afeta parte de un hecho real, el asesinato de la actriz de Belo-Horizonte, Cecília Biz-zotto en su casa para crear Talvez Eu Me Despeça sobre el final de las relaciones y la memoria y Teatro Por Que Não? hace lo propio sobre los nuevos contextos de co-municación en Say Hello Para o Futuro, una obra sobre las posibilidades de socializa-ción a través de las nuevas tecnologías.

Desde México Teatro de Babel acerca

Jacinto y Nicolasa, una obra de Camila Ville-gas que trasmite ideas mágicas y pone en cuestión aspectos de la realidad áspera de los Rarámuris, en la sierra de Chihuahua, compartiendo la visión de su mundo en contraposición con la civilización occiden-tal. De República Dominicana llegará A ve-ces grito de Freddy Ginebra, un monólogo de un personaje apresado en los límites de la locura que pone en escena Casa De Teatro, uue también presentará la obra El canto yo cuento.

El deseo de Macbeth de la compañía cubana Teatro D´Dos es una reescritu-ra realizada por el dramaturgo Agnieska Hernández de la obra de William Shakes-peare, que se presenta como en forma de teatro documental. Y otra versión de una obra de Shakespeare, Otelo, se podrá ver a cargo de los chilenos Viajeinmóvil. Se trata de una nueva mirada al clásico en la que utilizando diferentes lenguajes narra-tivos –teatro social, muñecos y televisión, entre otros– se pone el acento en el ca-rácter popular del texto original a través de la mezcla sobre el escenario de actores y marionetas, realidad y fantasía, humor y tragedia, lo antiguo y lo contemporáneo.

Y desde España llega Unahoramenos con la pieza Me llamo Suleimán, obra diri-gida al público familiar escrita por Antonio Lozano sobre la inmigración narrada por una actriz –Marta Viera– y las animaciones de Juan Carlos Cruz con dirección de Mario Vega.

Talvez Eu Me Despeça Teatro Por Que Não? ©Guto Muniz


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Con México como invitado de honor, la décima quinta edición del Festival Ibero-americano de Teatro de

Bogotá acoge una amplia repre-sentación de su creación escénica con la participación de ocho com-pañías. El folclore mexicano llega a Colombia de la mano del Ballet Folclórico de la Universidad de Guadalajara, compañía con 50 años de existencia y una de las más importantes del país que pre-senta coreografías muy coloristas acompañadas de música en vivo.

Uno de los dramaturgos y direc-tores mexicanos más reconocidos, Luis de Tavira, llega al festival al frente de la Compañía Nacional de Teatro para poner en escena El Círculo de Cal, adaptación de ‘El círculo de tiza caucasiano’ en la que Bertolt Brecht una reflexiona sobre la familia y la propiedad. El Grupo de Teatro de la Uni-versidad Autónoma de México, por su parte, pondrá en escena una obra de Eugene O´Neill, Una luna para los mal nacidos bajo la dirección de Mario Espinosa. Una obra sobre la redención del ser humano y con la que el dramatur-go estadounidense homenajeó a su hermano.

Teatro Línea de Sombra reali-

za una reflexión sobre la situación actual de violencia de la ciudad de Guadalajara como consecuencia de la lucha en contra del narcotrá-fico en Baños Roma, mientras que Los Colochos realizan una par-ticular versión de ‘Macbeth’ con Mendoza, que traslada el univer-sal de Shakespeare a la época de la Revolución Mexicana en la que el general José Mendoza, cegado por los vaticinios de una bruja e impulsado por la ambición de su esposa, asesina a su compadre por sentirlo como un obstáculo para convertirse en comandante supremo.

Otra versión, en este caso de la trágica historia de amor de Tristán e Isolda es a través de la que la compañía de Manuel Aguilar re-fleja las dificultades de las parejas contemporáneas. Con Misa Fronte-riza, las compañías Gorguz Teatro y Universiteatro ofrecen su visión del norte de México, de su música, sus modos, su acento y hasta su forma particular de vestir, todo ello siguiendo los diferentes momentos de la ceremonia religiosa católica. De México llegan también la compa-ñía de teatro de calle Zayco Circo y Carretera 45. Está última presenta Memorias de dos hijos caracol, obra para público familiar en la que se

Xv FesTIvAl IberoAmerIcAno de TeATro de bogoTá

Todo el teatro para la gran fiesta de la capital colombianaLa décima quinta edición del Festival Iberoamericano de Teatro de Bogotá se celebra del 11 al 27 de marzo bajo el lema ‘El Teatro está de fiesta ¡Celebremos!’. Con Méxi-co como país invitado de honor y una importante pre-sencia de compañías llegadas desde los países nórdicos, los números de esta edición hablan por sí solos, ya que se podrá disfrutar con 164 espectáculos de más de 100 directores llegados de 32 países. Un total de 855 funcio-nes que se llevarán a cabo en 40 salas de 22 localidades.

Y casi en las mismas fechas, del 12 al 27 y también en la capital colombiana, se celebra el Festival de Teatro Alternativo que desde su nacimiento en 1994, continúa con el objetivo de reafirmar el teatro colombiano. Esta edición de FESTA se presenta con una programación en la que participan más de 60 compañías nacionales e internacionales con diferentes narrativas, que ofrecerán más de 100 funciones, encuentros y talleres de forma-ción artística.

Mendoza de Los Colochos

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reflexiona sobre la diferencia y la tolerancia.Caben destacar a su vez dos coproduc-

ciones de esta edición del FITB, Pequeños territorios en reconstrucción a cargo de Línea de Sombra “un antiespectáculo teatral centrado en las preguntas que le suscitó a la compañía mexicana su encuen-tro con la Ciudad de las Mujeres, construida en Turbaco Bolívar, por mujeres desplaza-das en Colombia”, y Las 10 mil cosas, co-producción entre el Festival Cervantino de México, el Festival Santiago a Mil de Chile y el FITB, dirigida por Fabio Rubiano.

Destaca en esta edición la presencia de 9 espectáculos de compañías nórdicas, como The Tiger Lillies perform Hamlet a cargo de los daneses Theatre Republique; Los ba-jos fondos de Máximo Gorki con puesta en escena del Teatro Nacional de Finlandia; o la versión de Fanny y Alexander de Ingmar Bergman de los suecos Uppsala Stads-teater. Neander Theater de Dinamarca hará lo propio con Blam! y el célebre mago finalandés Janne Raudaskoski sorpren-derá con The Outsider. La compañía del coreógrafo, director de teatro y dramatur-go noruego Jo Strømgren presentará dos obras: The Writer y A Dance Tribute to Ping Pong. Y de danza son también los monta-jes Rose: Rite of Spring – extended 2 de la compañía danesa Granhøg y Rain de Det Ferösche Compagnie de las Islas Feroe.

La programación internacional de esta edición incluye además espectáculos de reconocidos creadores y directores como Slava Polunin con Slava`s SnowShow, To-maz Pandur con Fausto, Jan Fabre con Attends, Attends, Attends y Peter Stein con Boris Godunov, entre otros, o los de com-pañías como las alemanas Familie Flöz y

su Hotel Paradiso y Schaubühne Ber lín am Lehniener Platz y su versión del clási-co de Ibsen El enemigo del pueblo.

Festa

También en Bogotá y del 12 al 27 de marzo se celebra FESTA, el Festival Alter-nativo de Teatro de la capital colombiana organizado por la Corporación Colombiana de Teatro. La programación de esta edición la conforman 60 compañías tanto colombia-nas como llegadas de diversos países como Argentina, Canada, Cuba, Estados Unidos o España, una edición que rinde homenaje al Teatro La Candelaria que cumple 50 años de trayectoria, motivo por el que la progra-mación incluye tres de sus obras: Si el río hablara bajo la dirección de César Badillo y

Soma Mnemosine, el Cuerpo de la Memoria y Camilo con dirección de Patirica Ariza.

A su vez, y con el objetivo de home-najear a la legendaria compañía colom-biana, diversos grupos teatrales llevarán a escena la emblemática obra Guadalupe Años Sin Cuenta. “Este es un festival de encuentro entre los grupos teatrales y los habitantes espectadores y especta-doras de la ciudad. Lo hacemos como homenaje y reconocimiento al teatro co-lombiano, a los grupos, al público y fun-damentalmente a las personas de a pie, y a su vez dedicaremos este Festival de Teatro Alternativo a los 50 años del Tea-tro la Candelaria y a su ardua labor por relatar el país, el conflicto y la valentía de nuestro pueblo en las tablas”, resume Patricia Ariza, directora de FESTA.


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Sismògraf, ‘el festival que detecta el moviment’ nació hace siete años en Olot, Girona, alrededor del Día Internacional de la Danza con la

voluntad de crear un punto de encuentro entre creadores y programadores y de acercar la danza a nuevos públicos. Del 31 de marzo al 3 de abril celebra su sép-tima edición, una edición que “pretende ampliar el espectro tradicional de la danza y mostrar la utilidad que esta disciplina artística puede suponer para otros profe-sionales y colectivos”, tal y como destacan los responsables de su organización, el Ayuntamiento de Olot y el Departamento de Cultura de la Generalitat de Catalunya.

Una treintena de espectáculos confor-man la programación de este año, en la que destacan cinco estrenos, todos ellos coproducidos por el propio festival. Se trata de los espectáculos Bailamos, un collage coreográfico de historias con música en directo de Inés Boza/SenZa

TeMPo & Giulia Valle; Follow the leader, danza y humor sobre el fenómeno fan de XeviXaviXou; Si sabes lo que hay, dos propuestas –una pieza de danza y una exposición– diseñadas por Fundación Collado-Van Hoestenberghe con las que reflexionan sobre la idea de comunidad a través del cuerpo y el movimiento; Ether-feel fest un ritual colectivo de Strada Aerial Show de música electrónica, una coreografía aérea y un baño de polvo de colores inspirado en las fiestas creado y dirigido por Rober to Strada; y Espheres de Moviment Lantana, una simbiosis en-tre la danza, la música y la ciencia creada y dirigida por Marcel Bassachs.

La Veronal por su parte presenta dos propuestas, Siena –con texto y dramatur-gia de Pablo Gisbert-El Conde de Torrefiel y coreografía y dirección de Marcos Mo-rau–, una reflexión sobre la idea del cuer-po humano a través de un recorrido que va desde el Renacimiento hasta el mundo

contemporáneo, y Siena Site versión re-ducida y al aire libre de la citada pieza. Erre que Erre Danza celebra la danza y homenajea al cuerpo a sus posibilidades con Reset, mientras que La dona del sac de Labuena Compañía es una acción poé-tica y visual que de forma metafórica pone de manifiesto la carga que arrastran las mujeres en la sociedad actual.

Entre las compañías internacionales destaca la danesa Hello!earth, que presen-ta Life in the universe, un espectáculo que anima a la exploración sensorial y poética del colectivo humano. También se prevé una propuesta para bebés, Aupapa de Zig Zag Danza. Cabe destacar a su vez que GRUA, colectivo formado por Pere Faura, Claudia SolWat y Anna Rubirola, presen-tan Caravana de Tràilers, una muestra de ocho trailers escénicos, piezas de menos de cinco minutos de duración.

En esta edición, destaca como novedad la incursión de las “réplicas” que denomi-

vII sIsmògrAF.FesTIvAl de dAnsA A oloT

Danza y bienestar se funden en Olot

Treinta espectáculos conforman el programa de esta edición que une danza con salud, educación y comunidad

Siena de La Veronal

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nan los espectáculos que se pondrán en escena fuera de los cuatro días del festival y que complementan la programación ofi-cial. “Si el Sismògraf es el festival que de-tecta el movimiento, estas propuestas son las réplicas, siguiendo con la terminología que relaciona el festival con el movimiento característico de su entorno volcánico”, explican desde la organización.

Las dos primeras “réplicas” (18 y 19 de marzo) relacionan la danza con el fút-bol, Foot-Ball, en la que Cesc Gelaber t, coreografía los goles de Leo Messi y La Par tida, pieza de Vero Cendoya en la que se pone de relieve el parecido de ambas disciplinas. En abril se podrá disfrutar con El cinquè hivern de Mal Pelo (día 21), un poema coreográfico y vocal con una propuesta sobria y depurada que en la que ese reúnen los elementos más representativos de la compañía formada por Maria Muñoz y Pep Ramis.

El 29 de abril se podrá disfrutar de +45 de Cia. Sebastián García Ferro, una coreo-grafía creada por el propio García Ferro a partir de una cita de Schopenhauer: “Los primeros 40 años de la vida nos dan el texto, los segundos 30, el comentario” e interpretada por bailarines de más de

cuarenta y cinco años de edad. El día 30 de abril llega el turno de ‘SismÒFFgraf’, festival de danza local compuesto por di-versos espectáculos de artistas y grupos de danza local, amateur, emergente y ex-perimental y con el que Olot celebra el Día Internacional de la Dansa.

El festival también incluye jornadas profesionales como la ‘Jornada de Dan-za y salud’ (31 de marzo) y la ‘Jornada Professional’ (31 de marzo y 1 de abril), dirigida a los gestores y profesionales del mundo de la danza y las ar tes es-cénicas.


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ALT16. Festival Alternativo das Artes Escénicas de Vigo encara su déci-ma quinta edición en una situación económica muy delicada debida a

los recortes presupuestarios “de hasta el 50%”, según explican desde su organiza-ción, lo que hace “que tengamos un ALT. en los estertores de la desaparición y solo la fuerza del público, fiel al festival, y la generosidad de artistas y cómplices saca adelante este programa”, destacan.

Diez espectáculos de otras tantas com-pañías conforman esta edición en la que destacan las coproducciones del propio festival y el programa ALT. procrea Femeni-no, que comenzó en su día “como un guiño

necesario a la visibilización y apoyo a la creación en femenino y hoy es el programa que salva esta edición”, aclara la organiza-ción, para añadir que este programa tiene el apoyo “incondicional” de la Secretaria Xeral de Cultura y la Unidade de Igualdade de la Universidad de Vigo.

CoproDuCCiones

El programa general de este año se abre con la coproducción de ALT.15, el festival Temporada Alta de Girona y la compañía Societat Dr. Alonso. Con Andrei Rublev, una paniconografía la compañía catalana “quiere generar un repertorio de iconogra-

fías del cuerpo humano, y al mismo tiempo trabajar con el sonido y la escenografía como símbolos del paisaje”. Este montaje toma como título y punto de partida la pelí-cula de Andrei Tarkovsky rodada en 1966, y en la que el pintor iconoclasta Andrei Ru-blev (1360 - 1427) realiza un largo viaje en la Rusia medieval para pintar los frescos de la catedral de la Asunción del Kremlin. “La obra del singular pintor, con su estilo iconográfico único, provoca en el espec-tador un impacto y recogimiento interior debido al uso de la perspectiva invertida, que nos habla del arte no como un retrato de la realidad sino como una realidad entre las realidades”. Un espectáculo con drama-

AlT.16 - FesTIvAl AlTernATIvo dAs ArTes escénIcAs de vIgo

Alta calidad para luchar contra la precariedad

Diez espectáculos conforman esta edición en la que destaca el programa ALT.procrea en Femenino. La cita, del 9 al 13 de marzo

Matarile Teatro presenta El cuello de jirafa

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turgia y dirección de Tomàs Aragay y coreografía de Sofia Asencio.

Nazario Díaz es el autor e intérprete de Oro, montaje con el que Vértebro plantea la posibilidad de reactualizar el cuerpo, el pensamiento, la palabra y el deseo. Díaz despliega las formas de su cuerpo para ofrendarlas en un acto presente en el que las circuns-tancias condicionan la creación. Ante el público “la historia de un hombre que irá donde haga falta para encon-trar la manera más pura de relacio-narse con el mundo. Su cuerpo no actúa como metáfora; no representa a nadie, no habla del ser humano. El cuerpo trasciende su creación a tra-vés del ofer torio de una de sus par-tes, que insiste en ser quemada. El cuerpo es el oxígeno que permite que ardanlas pestes de la escena. Insistir. Arder. Trascender”.

Sonia Gómez & Javier Caro pre-sentan Bailarinas, un proyecto de transmisión creación en la que la coreógrafa invita a codificar el solo ‘Bai-larina’ a Caro. La pieza “codificada” es un recorrido detallado por la interpretación, la construcción de un espectáculo y la proxi-midad con el público, que tiene como re-sultado un unplugged escénico bailado y que se presenta ahora “acompañada” de los recursos, trucos escénicos, hallazgos y referentes de Caro, pero con los conceptos y las reglas del solo.

La danza es también el lenguaje de Ha-ppy Hour de los belgas Wooshing Machi-ne. Sobre el escenario un reencuentro. A Caterina Sagna, Mauro Paccagnella y Ales-sandro Bernardeschi les une una fuerte

amistad y complicidad que ha durado casi dos décadas y les ha reunidos para crear este dúo coreográfico realizado por dos or-ganismos que han vivido el mismo número de años. El reencuentro de dos bailarines emigrantes italianos, casi del mismo peso y con más o menos el mismo patrón de calvi-cie. Un proyecto itinerante que está siendo construido como parte del estudio de di-versas recepciones.

El programa general se completa con Que pasa cuando no pasa nada, una pro-puesta muy especial con la que Vicente Ar landis invitará al público a dormir en el museo de arte contemporáneo.

alt.proCrea en Femenino

Los cinco espectáculos restantes que conforman la programación de este año se enmarcan dentro del ya mencionado programa ALT.procrea Femenino, cuatro de ellos coproducidos con el propio festival.

Matarile Teatro presenta El cuello de jirafa, obra coproducida con ALT y FITO - Festival Internacional de Teatro de Ouren-se. Ana Vallés dirige a los intérpretes en un montaje teatral que gira en torno al tiempo, “inseparable de las repeticiones. Una figura en movimiento, sombra (...) La impermanencia supone la pérdida en unos segundos de algo que ha empleado mucho tiempo en construirse. Todo está cubierto de una capa de impermanencia. Un día de julio soleado, una mujer fuman-do, el bullicio de las tabernas. La sensa-ción de que va a pasar una banda”.

También es una coproducción de ALT junto en este caso con Escenas do Cam-bio (Cidade da Cultura) la nueva pieza coreográfica de Licenciada Sotelo, Amor

error. Coproducciones de ALT son además The Formerly Pilgrimage, un relato y a la vez un juego experiencial que dialoga con recuer-dos efímeros de personas mayores de Louisa Merino, y Lost & Dead in Thunderland de la artista coreográfica y visual Mercé de Rande. Ambas creadoras “desarrollarán un taller de acercamiento a la creación de piezas autobio-gráficas con un grupo de performers gallegas. Entre todas en base al trabajo aportado por las artistas crearán y presentaran una pieza en el festival”. El programa ALT.procrea en Fe-menino se completa con la propuesta invitada para esta edición, el solo Paula de Editta Braun Compay & Iris Heitzinger.

Paula de Editta Braun Compay & Iris Heitzinger


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La vigésima novena edición de FitCarrer Vila-real se celebra del 5 al 8 de mayo con una pro-gramación en la que además de

los veintitrés montajes que pondrán en escena otras tantas compañías, aco-ge las ‘IV Jornadas de Artes de Calle’, un espacio consolidado de debate y presentación de los proyectos impul-sados por FitCarrer. En esta edición se otorgará además el 5º Premi Ramón Batalla de Arts al Carrer, “creado para el reconocimiento y puesta en valor de personas y/o entidades que destacan por su dedicación y defensa de las Ar-tes de Calle” y que este año es para el Festival de Teatro Callejero de Matan-zas, Cuba.

FitCarrer continúa con su “política de barrios” que se refiere a la descen-tralización de la programación, exten-diéndola a todo el municipio con el ob-jetivo de que los espectáculos lleguen a toda la ciudadanía de Vila-real, y continúa también con los proyectos de coproducción y ayudas a la producción. La coproducción de esta edición realizada junto con el fes-tival Sismograf de Olot es el espectáculo Etherfeel de la compañía Strada. Un mon-taje de gran formato en forma de ritual colectivo de música electrónica, una coreo-grafía aérea y un baño de polvo de colores inspirado en las fiestas Holi hindúes. Dieci-séis artistas suspendidos de una torre de quince metros de altura crean esculturas y constelaciones de cuerpos; una experiencia que fusiona danza, música y circo creada y dirigida por Roberto Strada.

Las ayudas a la producción de esta edi-ción han sido para cuatro compañías, todas

ellas presentes en el FitCarrer. Scura Splats presenta Satsuma 3.0, espectáculo itine-rante protagonizado por unos exploradores siderales que llegan a la Tierra para salvar el planeta de una inminente destrucción. La Industrial Teatrera presenta Náufragos, un espectáculo en clave de clown en el que hablan el gesto, las miradas y las sonrisas sobre el ritual del viajero, del andante, del náufrago. “Un homenaje a todos los viajeros que alguna vez se sintieron náufragos. Un reírse con todo, con la fragilidad, con los naufragios cotidianos, con nosotros”.

De clown es también la propuesta de Mar-ta Sitjà, Ambicions, unipersonal que como su propio título indica versa sobre la ambición. Música en directo en un ambiente poético,

de clown en el que no falta lugar para la crítica. Y unipersonal es también la última creación de Claire Ducreaux, Si-lèncis, montaje en el que la poesía, la danza y el clown vuelven a ser los prin-cipales elementos de la artista.

En esta nueva edición de FitCarrer se podrá disfrutar con tres uniperso-nales más en clave de clown dos de ellos interpretados por mujeres. Se trata de Agente Singente, un show sobre lo absurda que puede llegar a ser a veces la represión ejercida por una autoridad a cargo de Aten Soria, y Sex o no sex, parodia clown protago-nizada por Pauxa –Virginia Imaz– que se pregunta sobre la vida, la muerte y el sexo. Un montaje de Oihulari Klown con el que Pauxa comparte sus dife-rentes iniciaciones en temas sexuales y nos confiesa sus inquietudes sobre las relaciones humanas en general y la dificultad de gestionar vínculos saluda-

bles. Mateo Galbusera por su parte trae con The loser la historia surrealista llena de humor absurdo de un hombre frustrado y solitario. En Iceberg, Leandre, acompaña-do por Mireia Miracle pone ante el público una oda a la felicidad, al optimismo y a la belleza a través de la historia de dos perso-najes que viajan hacia ninguna parte.

Danza y CirCo

La danza llega FitCarrer de la mano de Sharon Fridman que pondrá en escena Hasta dónde…?, extracto del montaje ‘Al menos dos caras’. Un dúo de danza con-temporánea basado en la técnica del contact interpretada por el propio Fridman junto con

XXIX FITcArrer vIlA-reAl

Espectáculos y jornadas en torno a las artes de calle

FitCarrer ofrece más de veinte espectáculos y colabora con los festivales Sismograf y Escena Poblenou

Sex o no sex de Oihulari Klown

El hombre que perdía los botones de Circ Panic

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Arthur Bernard Bazin. Danza, teatro, música y poesía audio-visual se funden en Inànimes de ESK Manifactures, mientras que la danza es una excusa para los dos protagonistas de The audition, obra de Xa! Teatre en la que se presentan a una audición de danza clásica para demostrar sus grandes habilida-des con el trapecio y para hacer visibles sus desavenencias. Zan-garia teatro acerca el circo y la danza, Tu vuelo, mi vuelo... es una reflexión sobre el viaje que se comparte y los vacíos que se generan entre dos personas que se proponen un trayecto común.

Las técnicas circenses son el lenguaje utilizado por un gran número de compañías como Colectivo Circo 9.8 en Split, Circ Panic en El hombre que perdía los boto-nes, fuerza, virtuosismo y equilibrio en un espectáculo en el que se funden el hombre, la música y el mástil de hierro, y Mumusic Circus en Merci Bien, mezcla acrobacia, mástil chino, las verticales, música en di-recto y muchas sorpresas.

El humor es el principal elemento de Ci-nema Pradiso, una pieza ecléctica de los japoneses to R mansion en la que cuatro personajes combinan mimo, danza, teatro, acrobacia, magia, dinámica corporal y buen humor. Al igual que los veteranos de Trapu Zaharra, que con su inconfundible humor llegan para presentar La conga, en la que el sindicato obrero “Virgen de los desam-parados” ofrece un coaching especializado

en “revitalizar a parados de larga duración”. Y el humor impregna de lado a lado De todas las bellas, las más bellotas, un espectáculo burles-co-musical de Cia. Aérea Teatro. La programación se completa con los espectáculos The Wolves de La Fam, Zattera de Colectivo La Balsa, Za! de Auditiva y el itinerante El clan de la nube de Animasur.

noveDaD

Por primera vez FitCarrer cola-bora con el Festival de Creación Contemporània Escena Poblenou y su proyecto ‘Embrions’ en el que previa selección participan diver-sas compañías para representar

un proyecto en proceso de creación que tras su presentación, público y creadores llevan a cabo un encuentro con el objetivo de enriquecer dicho proceso. Compañías de artes de calle participantes en ‘Embrions” presentarán en FitCarrer sus propuestas en unos encuentros que junto a los creado-res y público en general participará –como público especializado– el alumnado de las escuelas de danza y teatro de Vila-real.

Iceberg de Leandre


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La 39 edición de las Jornadas de Teatro continúa en marzo con la puesta en escena de un total de diez propuestas que darán comien-

zo el día 1 en el Teatro Coliseo con Teresa, miserere gozoso de Teatro Corsario. En esta ocasión la compañía pucelana vuelve a Eibar para presentar esta obra escrita y dirigida por Luis Miguel García con motivo del V Centenario del Nacimiento de Santa Teresa de Jesús. Teatro del Temple por su parte pondrá en escena Arte de las putas, (día 4) espectáculo basado en el poema de Nicolás de Moratín que dirige Carlos Martín en formato de opúsculo, ensayo-conferencia a partir de la dramaturgia creada por José Luis Esteban y que él mis-mo interpreta. “Una historia de amor con-tada con humor, ironía, sátira, arrebato y ternura en la que suena multitud de voces y la música”.

El día 5 y en el Complejo Educativo se podrá disfrutar con Cabaret Chihuahua, “un exorcismo desde el más allá para ahuyentar los malos rollos del más acá”, tal y como apuntan desde Teatro Mutante. Un musical con texto y dirección de Felipe Loza, “una enchilada de risas, baile y can-ción a pecho partido”.

Este año las Jornadas ofrecen la posibi-lidad de ver una misma obra en castellano y euskara y en dos producciones diferen-tes con las diferencias que ello ofrece. Se trata de Páncreas / Pankreas de Patxo Telleria. Concha Busto y el CDN se han en-cargado de la producción de la versión en castellano (día 8) que dirige Juan Carlos Rubio e interpretan José Pedro Carrión, Fernando Cayo y Alfonso Lara, mientras que la versión en euskara (día 10) es de Tartean Teatroa con dirección de Jokin Oregi e interpretada por Mikel Martinez, el propio Telleria y Joseba Apaolaza. Ambas obras se pondrán en escena los días 8 y 10 respectivamente en el Teatro Coliseo,

lugar en el que también se podrá disfrutar de otra producción en euskara, Etxekoak de Huts Teatroa-Artedrama. Escrita por Jon Gerediaga y dirigida por Ander Lipus, esta propuesta critica “las absurdas fron-teras y leyes que los estados y sociedades contemporáneas han ido construyendo” y que convier ten casi en imposible traer a nuestra casa a alguien de otro país. El espectáculo clausurará esta edición el 16 de marzo.

narruzko zezen

La compañía anfitriona Narruzko Zezen vuelve a participar en las Jornadas con “energías renovadas” para estrenar –el día 13 en el Teatro Complejo Educativo,– Objetos perdidos, una lectura escenifica-da de la obra de Antonio Muñoz de Mesa, “una hilarante comedia, sucesión de en-cuentros y desencuentros, con elementos

absurdos, de suspense e inesperado final” dirigida por Manolo Murillo y con la que se completa la programación de propuestas de compañías universitarias.

La danza llega a las Jornadas de la mano de Natxo Montero_Danza que el día 11 interpretará junto a Laia Cabrera Barbecho, una pieza de danza contempo-ránea que ofrece un amplio recorrido de movimientos y coreografías.

En esta edición también hay lugar para la magia con el espectáculo Conjuro del que el mago Yunke ofrecerá dos funciones el día 6, la primera dirigida especialmen-te al público infantil y una segunda para todos los públicos. Y dirigida al público infantil es también El niño erizo, –día 12– una historia basada en uno de los cuen-tos menos conocidos recopilados por los hermanos Grim que ha llevado a escena La Machina Teatro con dirección de Rita Cofiño y Francisco Valcarce.

XXXIX jornAdAs de TeATro de eIbAr

Segunda parte de las jornadas de teatro eibarresas

Arte de las putas de Teatro del Temple © Andrés de Gabriel

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La Feria de las Artes Escénicas de Castilla-La Mancha celebra del 11 al 14 de abril su 20ª edición, con una programa-

ción compuesta por 25 montajes, a disfrutar en cinco espacios diferentes de Albacete. Uno de los objetivos de la feria es mostrar un conjunto de espectáculos con gran posibilidad de programación en el circuito regional, y que a la vez sirvan de referente para otros tipos de programación. Por otro lado, pretende ser un escaparate de las produc-ciones castellano manchegas que en este momento pueden estar en giras por todo el territorio estatal.

Entre esas propuestas se encuentra Los últimos piratas, un texto para títeres de Alberto Cebreiro, que lleva a escena la conquense compañía Cacaramusa. En cuanto al teatro para niños, se podrá ver Cuenta conmigo de 300 Alas blancas, con texto y dirección de Borja Rodríguez.

Como proyecto múltiple encontramos a los albaceteños La Chica Charcos & The Ka-tiuskas band presentando Un elefante en mi lavadora con teatro, música y humor en directo a través de los textos de Patricia Charcos, acompañados de un libro-disco. Desde Alcázar de San Juan la joven autora María Gómez-Comino Mata mostrará con Teatro Kumato la comedia Pantone 361. Otra autora castellano-manchega, Llanos Campos, trae con su compañía Falsaria de Indias los Cuentos negros para noches en

blanco. Se cierra la presencia regio-nal con Teatro Thales, que presenta Malditas, y el musical Nueve cuarenta y tres.

Además, la feria contará con una selección de espectáculos llegados de diversos puntos del Estado. Entre ellos está la adaptación a teatro de la no-vela de Lorenzo Silva La flaqueza del bolchevique. L’Om Imprebís llevarán a escena La Crazy Class y Teatro de

Fondo y Vanesa Martínez presentarán Los Atroces. Además del teatro y con montajes aún por confirmar, se puede adelantar que la danza ocupará también un papel impor-tante en la feria, con espectáculos infantiles y conmemorando el 400 aniversario de la muerte de Cervantes. En este sentido la compañía Noviembre ofrecerá La ruta de Don Quijote, basada en la obra de Azorín que escribió a modo de artículos en el ABC de 1905, a modo de crónica de su viaje por los pueblos manchegos.

XX FerIA de lAs ArTes escénIcAs de cAsTIllA-lA mAnchA

Albacete vuelve a empaparse de artes escénicas

L’Om Imprebís de La Crazy Class


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La 27a edición de la Fira de Teatre de Titelles de Lleida se celebra los días 29 y 30 de abril y 1 de mayo, tres jornadas en las que público en general y profesio-

nales del sector podrán disfrutar con un amplio abanico de espectáculos, desde propuestas tradicionales hasta las más innovadoras tanto de sala como de calle y para diversas franjas de edad. 27 espacios acogerán la veintena de obras que conforman la programación de una edición de la que podemos avanzar que será inaugurada por el espectáculo I, Sisyphus de la compañía búlgara Puppet’s Lab.

La Fira de Teatre de Titelles de Lleida continúa con el proyecto iniciado el pasado año pasado de co-producir espectáculos de títeres, objetos o de teatro visual con el objetivo de ayudar y acompañar la creación de nuevas producciones. Este año la copro-ducción ha sido realizada con la compañía Onírica Mecánica que estrenará en la propia Fira El rumor del ruido. También estrenan en el marco de la Fira dos compañías más: Festuc que pondrá ante el público por vez primera la obra Mr. Parfum y los anfitriones Centre de Titelles de Lleida que presentarán El petit piano.

Desde Andalucía llegan los veteranos El Espejo Negro con su última producción, OSCAR, el niño dormido y desde Holanda, Electric Circus con el montaje-performance Headspace.

Entre las novedades de esta edición en-contramos un espectáculo que por su alto contenido erótico está dirigido únicamente al público adulto. Se trata de A Filosofia na Alcova de los brasileños Pigmalião Escultura Que Mexe, una adaptación del polémico Mar-qués de Sade, en el que el sexo, la violencia y todo tipo de cuestionamiento religioso y moral toman el protagonismo.

Siguiendo con su carácter de Fira profe-

sional, esta nueva edición también cuenta con el Espacio PRO como lugar de encuen-tro, reunión y negocio para los profesionales que participen en la feria convirtiéndola a su vez en una plataforma de mercado.

Además entre las actividades profesiona-les organizadas destaca la novena edición de las Jornadas Técnicas que incluyen dife-rentes actividades formativas, entre las que se puede avanzar una Master Class de dos días impartida por el actor, director y bailarín holandés Duda Paiva.

Un año más, un jurado especializado otor-gará entre las compañías participantes los Premios Drac d´Or en las diferentes catego-rías, y se llevará a cabo la Feria del Libro de las Artes Escénicas, así como otras activida-des como exposiciones, feria de artesanos etc. Entre las diversas actividades solidarias, destaca la vista que la Fira de Titelles reali-zará a la planta del de pediatría del Hospital Arnau de Vilanova, para que los niños que están ingresados puedan disfrutar también de los títeres.

XXvII FIrA de TeATre de TITelles de lleIdA

La Fira de los objetos, hilos y marionetas que toman vida

Por segundo año consecutivo la Fira co-produce un espectáculo, ‘El rumor del ruido’ de Onírica Mecánica

OSCAR, el niño dormido de El Espejo Negro


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La 2ª edición del FIDEBA, Festival Internacional de Danza Emergente de Bue-nos Aires, celebrará su se-gunda etapa del 24 de abril al 1 de mayo. Es un proyec-to de artistas y gestores cul-turales independientes de la ciudad de Buenos Aires que propone funciones escéni-

cas nacionales e internacionales, talleres y espacios de intercambio, reflexión y creación entre artistas emer-gentes de danza contemporánea. A su vez, acogerá por primera vez en Argentina el Encuentro Internacional de Artistas ETC, que tiene como propósito discutir, evaluar y elaborar estrategias asociativas y vinculares entre proyectos y festivales de la región. En la programación se encuentran las piezas Pardo de Vera Garat, San-tiago Turenne y Leticia Skrycky (Uruguay), Rendirse es lo más difícil de Luis Della Mea Deluchi (Noruega / Argentina), Persistir de Zoitsa Noriega (Colombia) y Trilogía coreográfica de Javier Contreras (México), además de varias obras nacionales aún por confirmar.

La MITsp – Mostra Inter-nacional de Teatro de São Paulo celebra su 3ª edición del 4 al 13 de marzo, pre-sentando diez espectáculos creados por algunos de los directores más importantes de Francia, Polonia, Sudáfri-ca, Grecia, Bélgica, El Con-go, Alemania y Brasil. Inau-

gura la programación de espectáculos la Cenicienta del Teatro Nacional de Bruxelas / Compagnie Louis Brouillard dirigida por el francés Joël Pomme-rat, quien también presentará la obra Ça Ira, inspira-da en el proceso revolucionario de 1789 para discutir las implicaciones del poder, los mecanismos que rigen las acciones de los individuos y la dimensión colectiva de la acción política. Destacan también dos estrenos brasileños: Cidade Vodu, dirigida por José Fernando de Azevedo de Teatro de Narradores, y A Tragédia Latino-Americana de Felipe Hirsch y los Ultralíricos. Se podrá ver también, entre otros, el montaje Still Life del griego Dimitris Papaioannou.

FIDEBA - Buenos AiresMIT - São Paulo

El 7° Festival Internacional de Artes Escénicas – Panamá (FAE 16) tendrá lugar del 3 al 9 de marzo bajo el lema “Una semana con lo mejor del teatro y la danza del mundo”. La progra-mación está compuesta por 16 agrupaciones, 9 internacionales y 7 colectivos nacionales, más 3 críticos y especialistas, con un total de 11 países representados: Argentina, Brasil, Chile, Colombia, Costa Rica, Cuba, Dinamarca, España, México, Panamá y Portugal, que ofrecerán sus representaciones en el Ateneo de la Ciudad del Saber, los teatros Balboa, Ani-ta Villaláz y Amador, los espacios Estudio Multiuso GECU, Tántalo, Las Clementinas el Arco Chato y la Cinta Costera. Entre los montajes se encuentra la obra argentina Tiempos de Paz, los brasileños Teatro Andante con Olympia, desde Colombia las propuestas Morir de Amor de La Maldita Vanidad y La Piñata de Gota de Mercurio, un Otelo desde Chile por

la Compañía Teatro Inmóvil y la española Distancia Siete Minutos de Titzina Teatro. La danza contemporánea extranjera estará representada por Dinamarca, que presentará Rose, Rito de Primavera de la Compañía Granhoj Danse; México con Taxdermia por Proyecto Sur Oeste Arte Escénico; y Portugal con Arena de Circolando. En cuanto al teatro nacional se podrá ver, entre otras, B612 VIAJE AL SOL, una adaptación libre que realiza el Teatro Rayuela de ‘El Principito’. Y en danza estará la Compañía Wa-taa, que presentará su recién estrenada coreografía Sin Ningún Orden. En lo relativo a los espacios al aire libre está prevista la participación del Teatro Carilimpia con su performance El Último Salto.

FAE - Panamá


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Teatralia, el Festival Inter-nacional de Artes Escéni-cas para Niños y Jóvenes de la Comunidad de Ma-drid, cumple en 2016 veinte años. Entre el 1 y el 24 de abril, veinticinco compañías nacionales e internacionales ofrecerán una veintena de espectáculos en cuarenta

y cinco escenarios de la Comunidad de Madrid. Entre ellas se podrá disfrutar de propuestas como Ballenas, historias de gigantes de Larumbe Danza, Péndulo Cero y Sneo Mestizaje Projects (galardonado con el Premio al Mejor Espectáculo de Danza en FETEN 2015); Pour la petite histoire (Para la pequeña historia) de Compagnie Sémaphore; Screen Man de El Teatre de l’Home Dibuixat; Flots, tout ce qui brille voit (Olas, todo lo que brilla puede ver) de Le Théâtre des Confettis; Quijote, el vértigo de Sancho de Mar-keliñe (ganador del Premio FETEN 2015 a la Crea-tividad, la Dramaturgia y el Espacio Escénico); y En busca de la Ciudad Subterránea de Teatro de los sentidos.

Organizada por San Agus-tin Kulturgunea y Ganso & Cía, la localidad de Durango (Bizkai) acogerá la cuarta edición de Topaklown del 23 al 27 de marzo. Concebido como un lugar de encuentro para aquellos que practican el Clown, la programación está compuesta por diver-

sos cursos y espectáculos. Los montajes que se po-drán disfrutar son, entre otros, Puestos en libertad de Hnos. Bolinga (Euskadi), Lullaby de Cão à Chuva (Portugal), Tortell Poltrona con Grimègies (Barcelona), Podemos conseguirlo de Teatro Indigesto (Zara-goza), Wendy Ramos con Cuerda (Perú) y la Compa-ñía Puntoclown con Vida clownyugal (Valencia). En cuanto a los cursos, se ofrecerán los siguientes: ‘Curso de Clown Hospitalario’, ‘El Clown en la pista’, ‘Las re-glas del juego, el personaje, la improvisación’, ‘Máscara cómica y expresiva’, ‘Clown, el placer de ser ridículo’, ‘Un lenguaje del Corazón’, ‘Klownak ez dira hiltzen se-kulan’, ‘Curso de Improvisación teatral’, ‘Mimo Cómico’ y ‘Humor físico’.

Topaklown

Cuenta con Agüimes

Teatralia

La Mostra d’Igualada – Feria de teatro infantil y juvenil (Cataluña) celebra su 27ª edición del 7 al 10 de abril. El público podrá asistir a representaciones como la de Loops, nuevo montaje de la compañía sabadellen-se Engruna Teatre, Dibi dubi dubà de Inspira

Teatre, La Rous que propone Hilos y las compañías valencianas El teatre de l’home dibuixat con Screen Man y Bambalina Teatre Practicable con Cubs. Las compañías italianas Touch Clown y Accademia Perduta presentarán también sus nuevas creaciones. Los primeros son un grupo compuesto por 12 clowns que jugarán a rugby por las calles de la ciudad en un espectáculo que terminará de ser creado en Igualada, donde se instalarán una semana antes de empezar La Mostra para hacer una residencia. Accademia Perdu-ta ofrecerá su espectáculo H+G, siglas de los prota-gonistas del cuento de los hermanos Grimm ‘Hansel y Gretel’. Una versión en la que todos los actores tienen alguna discapacidad, sea física o mental. El espacio de L’Escorxador ofrecerá obras para jóvenes (12-18 años) como Ragazzo de Teatre Tot Terreny y Amortal Combat de Los Moñekos.

El XXVI Festival Internacio-nal de Narración Oral-Cuen-ta con Agüimes tendrá lugar del 11 al 13 de marzo en Agüimes, municipio de Las Palmas que acogerá a narra-dores llegados de diversos lugares del mundo. La pro-gramación, además de las funciones en centros edu-

cativos, se compone de propuestas como Los cuentos que no me contaron de la gallega Paula Carballeira; la mexicana Martha Escudero que interpretará La Bella, la Bestia y toda su familia. Un culebrón de 1740 y la infantil ¡Qué asco de bichos!, sobre cuentos y versos de Roald Dahl; los canarios Taller de juglares llevarán a cabo Esencia de cuento (recordando a Eugenita); y el colombiano Nelson Calderón que presentará Cuentos de amor y mal amor. Además, se impartirán dos talle-res de narración: el primero, ‘Aprender a contar’, estará dirigido a participantes infantiles y llegará de la mano de Michelle Tanon-Lora (Costa de Marfil). El segundo, ‘Los caminos de las historias’, será para adultos e impartido por Paula Carballeira (Galicia). “Creemos en la palabra que crea lazos entre los pueblos frente a la que mani-pula y distorsiona la realidad”, afirma Óscar Hernández Suárez, Alcalde de la Villa de Agüimes.

Mostra d’Igualada

©Yoshi Hioki

©Pedro Anay

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El Teatro Arriaga es el escenario elegido para la presentación por vez primera ante el público de la versión en castellano de ¿Por qué

Jamil?, un espectáculo de suspense a partir de un drama social escrito por Patxo Te-lleria y dirigido por el propio Telleria junto con Jokin Oregi. Eneko Sagardoy y Mikel Martinez dan vida a los dos protagonis-tas de este montaje de Tar tean Teatroa que se pondrá en escena los días 4 y 5 de marzo. El día anterior, la compañía realiza-rá dos funciones de la versión en euskara, Zergatik, Jamil?, estrenada el pasado mes de octubre.

Estrenos son también la ópera para pú-blico familiar de ABAO-OLBE Txanozuritxu (12-14 de marzo), la producción propia del Teatro Arriaga de El sueño de una noche de Verano/Uda gau bateko ametsa de Shakes-peare que dirige Pablo Viar (del 6 al 16 de abril) o la pieza de danza Un vasco en Sevilla que dentro del programa Cuartitos del Arria-ga presenta Mikel del Valle el 16 de marzo. De todo ello se da cumplida información en páginas precedentes de este número.

Otro Shakespeare, Hamlet, con versión y dirección de Miguel del Arco y en una co-producción de la Compañía Nacional de Teatro Clásico y Kamilkaze Produccio-nes. “Un poema ilimitado habitado por un personaje ilimitado sobre un escenario que es puro espacio mental”, afirma del Arco sobre esta protagonizada por Israel Elejal-de –Hamlet–, Ana Wagener –Gertrudis– y Ángela Cremonte –Ofelia–, entre otros. Las funciones, los días 22, 23 y 24 de abril.

La cita con la danza será los días 18 y 19 de marzo de la mano de Eifman Ballet de San Petersburgo. Considerada como una de las mejores compañías de danza rusas de la actualidad, está dirigida por el coreógrafo Boris Eifman y pondrá en esce-na Rodin, un “ballet psicológico” con mú-sica de Maurice Ravel, Camille Saint-Saëns y Jules Massenet que expresa la pasión, la lucha interna y la desesperación que Rodin y Camille expresaron a través de sus obras de bronce y mármol. Varios días después, del 24 al 27, Laboratorio de la Voz pre-

senta Iba en serio, espectáculo musical protagonizado por Jorge Javier Vázquez y Kiti Manver; una adaptación teatral del li-bro escrito por el primero a cargo de Juan Carlos Rubio, quien también se encarga de la dirección.

El programa ‘Cuartitos’ del Teatro Arria-ga incluye además dos espectáculos tea-trales. Es mi fiesta y lloro si me da la gana es un experimento escénico dirigido por Maria Ibarretxe y basado en la puesta en escena de versiones de canciones pop que el Kombo vocal Bilbaomúsica lleva realizan-do durante los últimos años (9 de marzo). Lehergailuaren teoria, estupefacción y/o suspense a cargo de Horman Poster (19 y 20 de abril).

Y también habrá tiempo para la música con los conciertos de Silvia Pérez Cruz y Antonio Orozco (10 y 20 de marzo, respectivamente) y Jordi Savall & Pedro Estevan (17 de abril) y Anne Etchegoyen & Coro Biotz Alai (21 de abril).

La fundición

La sala La Fundición continúa con el ‘Taller de espectadores’ de creaciones contemporáneas en artes escénicas, cuya última cita de este primer trimestre tendrá lugar el 3 de marzo. Continúa a su vez el programa ‘Rock de Cámara’ iniciado a

primeros de año con el concierto de The Fakeband el día 17.

Abril comienza con un espectáculo en-marcado en la quinta edición del proyecto de internacionalización Biarritz-Bilbao-Burdeos-Limoges ‘Regards Croisés’, con la puesta en escena los días 8 y 9 de La nuit entre deux soleils de Origami - Cie. Gilles Baron, una coreografía del propio Baron que parte de preguntas como: “¿Qué pue-de decirnos una pareja que se quiere des-de hace ya mucho tiempo? y ¿Cómo reflejar las vibraciones de una relación cómplice y tranquila?”. Dentro del mismo programa pero los días 16 y 17 se podrá disfrutar con otra pieza de danza a cargo de la también francesa Cie. Pedro Pauwels.

El día 24, Miren Gaztañaga & Gabi Ocina pondrán en escena en La Fundación y dentro del festival ‘Loraldia’ que se ce-lebra en Bilbao, Solasean, un espectáculo interpretado en euskara en el que diserta-rán sobre la muerte, la amistad, la creación el devenir del tiempo... Los días 30 de abril y 1 de mayo será el turno de Taiat Dansa que llega con la pieza Still life (o naturaleza muerta) con coreografía e interpretación de Meritxell Barberá, Inma García, Jony Ló-pez y Ramón Vera. Una pieza que defiende que posiblemente en la “terminalidad del discurso es donde la danza encuentra su bodegón”.

Teatro Arriaga y La Fundición dos referentes en Bilbao

Hamlet de la Compañía Nacional de Teatro Clásico y Kamilkaze Producciones

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Lindsay Kemp Company llega al Teatro Ba-rakaldo el día 4 de marzo para presentar Kemp Dances, una serie de nuevas creaciones mez-cladas con algunas piezas clásicas recreadas y revisadas hoy por el propio Kemp, un “mons-truo sagrado” del teatro del siglo XX. Las niñas de las escuelas franquistas son las protagonis-tas de El florido pensil-niñas que Tanttaka Teatroa pondrá en escena al día siguiente,

mientras que el día 19 será el turno para Heroiak, conmovedora obra de Gerald Sibleyras con puesta en escena de Txalo que narra los últimos días de tres veteranos de guerra en un hospital militar. La programación para público adulto continúa el 15 de abril con el estreno de CARNE. El carni-cero y los pecados de los otros con texto y dirección de Fer Montoya, la obra es el trabajo de fin de curso del alumnado de BAI - Bizkaiko Antzerki Ikastegia. Al día siguiente se podrá disfrutar con La sesión final de Freud de Mark St. Germain y dirección de Tamzin Townsed en una producción de Fundación Unir que dará paso (23 de abril) al espectáculo de danza fla-menco FLA.CO.MEN. del premiado Israel Galván, para finalizar el día 30 con Reikiavik, una obra sobre el ajedrez, la guerra fría y el propio ser hu-mano escrita y dirigida por Juan Mayorga. Además el Teatro Barakaldo ofre-ce una variada programación dirigida al público familiar: Amour de Marie de Marie de Jongh-Tartean Teatroa (6 marzo), Laboratorio inocencia (8), y los títeres que son los protagonistas en Boab de los canadienses Theatre Motus (20) y El alma del pueblo de Etcétera (17 de abril).

La programación teatral del mes de marzo comienza en Kultur Leioa con la puesta en escena el día 11 del espectáculo El florido pensil - Niñas con el que Tanttaka Teatroa vuelve a abrir la puerta de aquella escuela nacional-católica, pero esta vez, la del aula de las chicas, lugar en el que la formación estaba dirigida a convertirlas en abnegadas madres y esposas sumisas. La danza llega a

Leioa de la mano de las compañías Natxo Montero_Danza y Cielo RasO. Los primeros presentan Barbecho (8 de abril) con coreografía y dirección de Montero, que también interpreta la pieza junto con Laia Cabrera, en la que reflexionan en torno al propio proceso de creación. La compañía del coreógrafo Igor Calonge presenta el día 22 Tormenta, pieza con la que continúa con su línea de trabajo basado en un lenguaje narrativo cercano al cine y una fisicalidad que destaca por su calidad técnica. También habrá lugar para el circo de la mano de la compañía francesa Blizzard Concept, que pondrán en escena el 16 de abril Opéra pour séche-Cheveux, un espectáculo en el que los malabares desafían a la gravedad y donde la magia se reinventa en cada función. El 13 de marzo la compañía de teatro de títeres Pee Green Boat pondrá en es-cena una deliciosa historia contada en inglés, The Shoe Tree. El 24 de abril, Cía. Entremans llegará con Xoga, un espectáculo para descubrir cómo eres y saber de qué estás hecho/a. En el apartado musical encon-tramos los conciertos de Martirio, Dom La Nena y Kalakan, programa-dos los días 4 y 18 de marzo y 30 de abril respectivamente.

Teatro Barakaldo

Kultur Leioa


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Los espectáculos dirigidos al públi-co familiar son los encargados de dar comienzo a la programación del mes de marzo en Donostia: Faboo, el

encanto de la imaginación, Futbolariak eta printzesak de Eidabe, los payasos Gari, Mon-tox eta Joselontxo con Kolore y Pinocchio de La Baldufa. Los cuatro montajes tendrán lu-gar en otros tantos espacios de la ciudad el día 5 y darán paso la extensa oferta escénica de dFeria que se concentra entre los días 7 y 10 de marzo y de la que se incluye un suple-mento especial en este número de ARTEZ.

El Teatro Principal retoma su “programa-ción general” los días 13 y 13 con El florido pensil - Niñas/ Neskak con el que Tanttaka Teatroa –bajo la dirección de Fernando Ber-nués y Mireia Gabilondo– lleva a escena el día a día de cinco muchachas sometidas a la absurda e ilógica brutalidad del sistema educativo que dominó la España de la post-guerra. En el mes de abril (días 16 y 17) la cita es con la obra No daré hijos, daré versos de la dramaturga y directora urugua-ya Marianella Morena. Una obra en la que seis actores-cantantes rotan roles, puntos de vista, sobre la poeta uruguaya Delmira Agustini, asesinada en 1914 por su ex ma-rido, cuando eran amantes. Una propuesta “con una polémica introducción obre el lugar

que ocupan en la sociedad nuestros artis-tas, qué valor tienen de acuerdo al gobierno de turno y la ideología imperante. Morena, como mujer artista dialoga con otra artista”. Un espectáculo en tres actos. Tres géneros. Tres lenguajes.

La programación del Teatro Victoria Eu-genia dará comienzo con Ballets Jazz de Montreal que el 12 de marzo presenta ante el público donostiarra las piezas Mona Lisa, Kosmos y Harry de tres coreográfos de re-nombre internacional: Itzik Galili, Andonis Fo-niadakis y Barak Marshall, respectivamente.

El día 20 será el turno de Altzoko Haundia, una ópera infantil para títeres, coro de niños, solistas y pequeña formación instrumental basada en el canto coral y la narrativa oral vasca, con aportaciones plásticas y escéni-cas contemporáneas. Una coproducción de TOPIC con DSS2016EU.

Abril comienza con Torobaka (días 1 y 2), espectáculo que ha unido a dos figuras de la danza, Akram Khan & Israel Galván. Un montaje que trata de “hacer conjunto de una manera de entender el baile –Khan viene de bailar kathak y y Galván flamenco–, que quie-re situarse en los principios de la voz y del gesto, antes de que empezaran a producir significados. Mímesis antes que mimetismo”, explican. Y el ballet y los malabares se funden

en 4X4 Smashed, espectáculo de Gandini (8 y 9 de abril) en el que cuatro malabaristas y cuatro bailarines comparten escenario en un viaje por el tiempo y el espacio en un diálogo único entre ambas disciplinas artísticas.

días MundiaLes

Otros espacios de la ciudad también ofrecerán diversas propuestas como el espectáculo de danza Vuelos de Aracala-danza (13 de marzo en Gazteszena) o el montaje teatral-musical Lapsus, descon-cier to acústico de Lapso Producciones (19 y 20 de marzo en Imanol Larzabal Aretoa), entre otros. Y un año más Do-nostia celebra de forma especial los días mundiales del Teatro y de la Danza. El primero, el 27 de marzo, con la represen-tación en del Teatro Victoria Eugenia del espectáculo galardonado con el ‘XVI Pre-mio Donostia de Teatro’ que se concede a la mejor obra en euskara representada en la ciudad el año anterior. El segundo se celebra con la Gala del Día Internacional de la Danza que este año cumple su vigé-sima edición y en la que se desplegará un amplio abanico de estilos y que vuelve a organizar la Asociación de Profesionales de la Danza de Gipuzkoa.

Tras dFeria más teatro y danza en Donostia

No daré hijos, daré versos de Marianella Morena © Mauro Martella

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© Sergio Parra

El Teatro Español acoge hasta el 27 de marzo el montaje Arte Nuevo (Un homenaje), pieza dirigida por José Luis Garci a partir de las obras ‘Car-

gamento de sueños’ de Alfonso Sastre y ‘El Hermano’ de Medardo Fraile. Miguel Ángel Muñoz, Gary Piquer, Ana Carlota Fernández, Ana Fernández e Irene Pozo forman el repar-to del espectáculo.

“Arte Nuevo es un espectáculo que consta de dos obras de un acto. Una de ellas, Carga-mento de sueños, podría encuadrarse dentro de un teatro experimental o de vanguardia, mientras que la otra, El hermano, es el más puro ejemplo del teatro costumbrista. Si hu-biera que buscar antecedentes para ambas piezas, estos serían Esperando a Godot e Historia de una escalera, las dos, curiosamen-te, posteriores a los textos de Sastre y Fraile. Con este programa, quiero rendir homenaje al movimiento Arte Nuevo, que a finales de

los años 40 del pasado siglo, dieron el primer grito existencial del teatro español de posgue-rra”, explica Garci, quien debuta con esta obra como director teatral.

Sobre las raíces culturales de Arte Nuevo, Alfonso Sastre expresa: “Como superviviente de aquel grupo de teatro, voy a aprovechar la posibilidad que me ofrecen estas líneas de de-cir algo sobre lo que fue, creo, su aportación más interesante al teatro español, el cual na-vegaba en los años cuarenta, como siempre, entre la mediocridad y la pobreza. Sobre la historia de sus componentes anterior a la for-mación del grupo, ya está ligeramente rese-ñada en mi libro Teatro de Vanguardia (Hiru, 1992), y queda acreditada en otro del mismo título y subtitulado 15 obras de Arte Nuevo, que fue publicado por la fugaz editorial Per-man (Madrid, 1949). Repasando ahora los acontecimientos, yo creo que la mejor apor-tación de Arte Nuevo fue la de un teatro libe-

rado de apriorismos formales, en el sentido, sobre todo, de ser narrativo, o sea épico en la terminología brechtiana, y ello en un tiempo en el que la admiración por Bertolt Brecht no era todavía un fetichismo, como lo fue bajo los auspicios de la crítica progresista francesa de la revista Théâtre Populaire. Nosotros cami-nábamos por nuestro propio camino, en el que habíamos tenido la fortuna de encontrar al gran escritor y persona de teatro que fue el norteamericano Thornton Wilder, autor del drama narrativo Nuestra ciudad -que tuvimos la fortuna de ver representado en el Teatro María Guerrero de Madrid-, y de marchar junto a él en Arte Nuevo, sintiéndonos muy distantes de todo el teatro español, que por otra parte tampoco dedicaba atención a ex-periencias interesantes como fueron los bellos esperpentos del gran don Ramón María del Valle Inclán, quien también se sentía muy aje-no a los escenarios españoles”.

José Luis Garci homenajea al movimiento Arte Nuevo


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De la extensa programación que ofrecen los dos grandes escenarios de Murcia, cabe destacar que el 3 de marzo en el Teatro Circo se presentan ante el público las montajes galardonados en las diferentes categorías de los Premios del Públi-co del Festival Decorrido 2015. El mismo día dará comienzo además la séptima edición del Festival Internacional de Magia Solidaria de Murcia, que se extende-rá hasta el día 5 y en la que participarán importantes figuras de este arte. En abril se podrá disfrutar con producciones de teatro y danza como Cuando deje de llover del Teatro Español (8), Smached circo y danza contemporánea protagonizada por virtuosos intérpretes de los británicos Gandini Juggling (14), Nora 1959 a partir del universal de Ibsen a cargo de Lazonakubik (16), La piedra oscura de Alberto Conejero en coproducción de Lazona y el CDN (21) y Bajo Terapia de PTC y con dirección de Daniel Veronese (28). El Teatro Romea acercará versiones de obras de grandes autores como Atchúusss!!!,

creada a partir de obras humorísticas de Chéjov (5 de marzo), Hay que deshacer la casa de Sebastián Junyent por Doble K Teatro (9), El mercader de Venecia (12) y Macbeth (20 y 30 de abril) de la mano de Noviembre Teatro y Alquibla Teatro, respectivamente, y Equus de Peter Shaffer con puesta de Ferroviaria.

Femenino singular de Inconstantes Teatro pone ante el público a cuatro mujeres que han dejado por un día sus responsabilidades diarias y suben al es-cenario para ser actrices. Esos quehaceres que no son otros que cuidar de sus hijos, hijas, madres, padres y parejas. Pero esta noche Carolina, Maria, Marta y Rosa han dejado todo en manos de ellos (maridos-parejas-exmaridos, expa-rejas-abuelos-amigos-canguros), abandonando sus roles, y aparentemente al menos, asumirán otros, los de sus compañeras. Esta noche se han liberado de todo ese trabajo que tanto tiempo les lleva día a día. Emilio del Valle dirige a Carolina Solas, María Vázquez, Marta Berenguer, Lucía Jiménez y Jorge Muñoz en esta obra que “pretende reflexionar sobre las mujeres hoy, desde sí mis-mas, con los hombres como telón de fondo (…) con todo lo que evidencia que los hombres son circunstancia necesaria, inevitable en esta propuesta, pero su presencia física es eludible: no necesariamente mala”. La obra está de gira y en

marzo se llevará a escena los días 5, 9, 10 y 12 de marzo en el Teatre Nuria Espert de Sant Andreu de la Barca (Barce-lona), Teatro Principal de Santiago de Compostela, Auditorio Municipal de Ourense y el Teatre Echegaray de Ontinyent en Valencia. En abril la cita es el día 8 en el Teatro Cortés de Almoradí, Alicante.

La Compañía Cuarta Pared vuelve a poner en escena Nada que perder, una pieza policíaca escrita por los hermanos Quique y Yeray Bazo, Juanma Romero y Javier G. Yagüe que estará en cartel del 17 de marzo al 9 de abril en la sala de la compañía, Cuarta Pared de Madrid. Estrenado el pasado mes de noviembre, vuelve a los escenarios este espectáculo dirigido por el propio Yagüe, una obra centrada en la situación social y económica actual que tiene un asesinato como punto de partida. A partir de ahí la obra se estructura en ocho interrogatorios sucesivos, pero no solo los realizados por parte de la policía a los sospechos, sino también entre abogados y empresarios, psiquiatras y pacientes, jefes y empleados, padres e hijos… Poco a poco el público irá conociendo a través de los interrogatorios “que el pasado siempre vuelve y que es peligro llevar a al-guien hasta un extremo en que ya no tiene nada que perder”, según explican los autores. Así, la investigación “llegará hasta las cloacas de una sociedad en

crisis, una crisis que no es sólo económica”, añaden. Marina Herranz, Javier Pérez-Acebron y Pedro Ángel Roca dan vida a los diversos personajes de este espectáculo de género negro que ha obtenido el reconocimiento tanto de la crítica como del público.

Escena murciana

Femenino singular

Nada que perder

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El Departamento de Cultura del Gobierno Vasco ha organizado la duodécima edición de Zirkuitua, circuito de danza contemporánea

que tiene como objetivos promover esta disciplina artística e impulsar la creación de públicos. La nueva edición de este pro-grama comenzó el pasado mes de enero y se desarrollará a lo largo de todo 2016 en los escenarios de la red de teatros públi-cos vascos que conforman SAREA.

Para la edición de este año han sido seleccionados un total de 40 espectácu-los de 35 compañías, ya que algunas de ellas presentarán varios montajes. Es el caso de Ertza, compañía dirigida por Asier Zabaleta que participa en el circuito con tres piezas: 4X4, El show del espectador y NAN, Kukai Dantza Konpainia con la premiada Gelauziak y su última creación Oskara, o Aukeran Danza Konpainia que acercará al público Geltokia y la aún no estrenada obra Maurizia&Aiziruam. La compañía dirigida por Igor Calonge, Cie-lo RasO, también presenta dos obras en Zirkuitua, Tormeta y la tampoco estrenada por el momento Jardín de invierno, al igual que Lasala, que participa con Hooked y Lauesku 22, o Dantzaz Konpainia con Aú-

reo, Txoriak y Launaka.Las coreógrafas Olatz de Andrés y Pau-

la Quintana pondrán en escena El cielo ahora y Latente, respectivamente. Nacho Montero_Danza hará lo propio con Bar-becho y Elirale con Kadira. Damián Muñoz y Virginia García o lo que es lo mismo La Intrusa Danza llegan con Mud Gallery, Cía Daniel Abreu estará con Venere y Araca-

ladanza con Vuelos. También hay lugar para el nuevo flamenco con Reencuentro de Choni Cia. Flamenca o el hip hop de Di-venire de Circle of Trust & Logela. Estas son solo algunas de las propuestas que conforman la programación de la edición 2006 de Zirkuitua, que como ya se ha in-dicado incluye espectáculos de una trein-tena de coreógrafos y compañías.

Circuito de danza en territorio Sarea

Venere de Cía Daniel Abreu ©Luis Antonio Barajas


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La compañía gallega formada por Ana Vallés y Baltasar Patiño, Matarile Tea-tro, cumple este año su 30 aniversa-rio, cuya primera celebración tendrá

lugar entre el 1 y el 5 de marzo en el Teatro Principal de Santiago de Compostela “donde queremos mostrar el teatro que hacemos ahora”, explican Vallés y Patiño. Para ello han preparado un programa con sus montajes en cartel y un encuentro-coloquio denomina-do ‘Ponencias Perras: apuntes irreverentes sobre la escena contemporánea’.

Tal y como apuntan los miembros de la compañía, los espectáculos que mostrarán “son adaptaciones específicamente pensa-das para este espacio. Los espectadores no ocuparán el patio de butacas: comparten con nosotros una gran mesa, se asoman a los pal-cos, entran hasta el escenario. Observaremos el teatro iluminado desde otros ángulos”.

Esta celebración dará comienzo el día 1 de marzo con la puesta en escena de Teatro Invisible con el público sobre el escenario.

Creado a partir del encuentro celebrado en-tre Ana Vallés y un grupo de alumnos de di-rección de la ESAD en 2012, en este montaje se muestran las principales claves del teatro de Matarile.

Los días 2 y 3 se podrá disfrutar con una versión especial de Staying Alive, cuyo visio-nado se realizará desde los palcos del tea-tro. Esta obra, protagonizada por un elenco formado por artistas procedentes del mundo de la danza, “surge de la necesidad de plan-tearnos cuál es nuestro lugar en el mundo”, indican los miembros de la compañía. El día 3 tendrá lugar una versión especial en for-ma de acción y también con el público sobre el escenario de Hombres Bisagra, montaje creado por Patiño y el percusionista Nacho Sanz que combina movimiento, electrónica en vivo y atmósferas de luz.

El cuarto montaje, El Cuello de la Jirafa, se pondrá en escena los días 4 y 5 y una vez más el público se acomodará sobre el escenario. “Una muestra del irremediable

aburrimiento producido por el continuo re-petir cíclico de rutinas en la naturaleza, en el universo entero, en nuestras relaciones, nuestras vidas y costumbres”, en palabras de Vallés.

Pero también habrá espacio para la re-flexión con las ‘Ponencias Perras: apuntes irreverentes sobre la escena contemporá-nea’, que tendrán lugar la mañana del día 5 y donde los temas a debate serán libres. Participarán entre otros Eduardo Pérez Rasilla, crítico y profesor de la Universidad Carlos III de Madrid, Alfonso Becerra, crítico y profesor de la ESAD de Vigo, y Antón Lopo, poeta, performer y periodista.

En sus 30 años de trayectoria, Matarile Teatro ha creado alrededor de treinta es-pectáculos y ha sido galardonada con más de veinte premios y menciones. Además creó y gestionó el Teatro Galán de 1993 a 2005 e impulsó durante doce años el Festival Inter-nacional de Danza En Pé de Pedra, ambos en Compostela.

Matarile Teatro celebra sus 30 años haciendo teatro

La primera celebración tendrá lugar en el Teatro Principal de San-tiago de Compostela del 1 al 5 de marzo

© Rubén Vilanova

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Empezaré por decir que no soy par-tidario de presentar amateur y pro-fesional como términos antagónicos, por eso los signos de interrogación.

Aún son muchos los que conciben ama-teur como antítesis de profesional. Me refiero a aquellos que prefieren juntar los términos amateur y profesional en un mismo enunciado en clave de oposición, deslizando sutilmente en nuestras mentes una cierta idea de confrontación, de conflicto o dispu-ta entre dos extremos opuestos. Estos dos polos, amateur y profesional, proceden de un etiquetaje economicista moderno de la actividad humana, que olvida lo esencial… al ser humano.

Pero no es mi caso. Solo quiero poner en valor a aquellos, que aspirando a prac-ticar una actividad sin vivir de ella, han elegido la opción amateur como modo de enfocar su proceso creativo dentro de las artes escénicas. Quiero defender que puedan hacerlo sin pedir disculpas o per-miso, sin creerse culpables, desleales o

intrusos, si sentirse acomplejados.Y para defender el amateurismo no es

necesario mostrarlo como oposición al profesionalismo. No acepto esa estructura binaria Bien/Mal, porque entre esos dos términos, entre esas dos formas de orga-nización o de afrontar una actividad, hay un basto universo plagado de experiencias complementarias y amigables.

Los que prefieren una escisión entre teatro amateur y profesional son los que defienden que la igualdad de acceso a la cultura y a la educación artística quede reservada a una aristocracia del arte y de la cultura (de ahí la terminología de escuelas y conservatorios profesionales), son los mismos que critican el movimiento asociativo como generador de cultura (característico de teatro amateur) para dar poder y entronizar a los creadores como productores de industria cultural, y son los que defienden los centros cultura-les como lugares de presentación al público de la excelencia cultural de escaparate y no como espacio de socialización y creación.

¿cóMo defender Lo aMateur sin Morir en eL intento?

Defender al teatro amateur, sin atraer la critica furibunda de aquellos que ven a los amateur como enemigos, resulta cuando menos incómodo. Pero es de justicia inten-tar reequilibrar la balanza llevando el fiel a la verticalidad. La frase que sigue a con-tinuación resumiría todos los tópicos que esgrimen los que, de una manera u otra descalifican al teatro amateur: Los amateur son grupos de amigos, desorganizados, que van a lo suyo, que adolecen de prepa-ración y de calidad, que hacen competencia desleal, fomentan la economía sumergida, practican el intrusismo, actúan en sitios que no reúnen las mínimas condiciones y por cuatro “duros”. En los próximos pá-rrafos me propongo aportar elementos de reflexión que ayuden a sacar conclusiones, sobre cada uno de los argumentos esgrimi-dos. Así que…vayamos por partes.

Amateur o profesional… ¿esa es la cuestión? (I)

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¿Los aMateur son grupos de aMigos,…

El teatro profesional y el ama-teur no se oponen aunque, en el estado más puro de ambos, si son antropológicamente diferen-tes. El teatro amateur, a diferen-cia del profesional, tiene una fun-ción esencial en los procesos de socialización, de reconocimiento recíproco, de uso de códigos co-munes no impuestos. Los grupos amateur son más homogéneos porque las expectativas e intereses de sus miembros son similares. Una homogeneidad que también se da con relación al público cercano al espacio geográfico donde se mueven. Es, esta convivialidad con el entor-no y la camaradería interna, la que les lleva, en algunos casos, a ser despectivamente calificados de “grupos de amigos” faltos de ambición expansiva. El teatro profesional es sin embargo más rupturista, sin solución de continuidad con relación a su entrono social y, en cierto modo, es itinerante pues los lazos internos y con el entorno son más coyuntu-rales y descansan sobre una base legítima de intereses económicos y no de estabilidad en el tiempo o pertenencia geográfica. Pero

no es esta característica lo que hace mejores a unos o a otros, solo diferentes y comple-mentarios.

En el teatro amateur hay jóvenes que, en fase de aprendizaje y búsqueda de proyec-tos de futuro, se sirven del teatro para sen-tirse aceptados como parte de una comuni-dad o grupo y buscan, desde refugio, apoyo y aprobación hasta amistad, afecto o com-pañerismo. Pero también hay personas que buscan autorreconocimeinto, autoestima o autorrealización y lo hacen en el teatro, y de forma amateur, porque teniendo cubiertas sus necesidades económicas, de protección y de seguridad material, necesitan recupe-rar proyectos en su día aparcados y recon-

quistar esas vivencias frustradas por las inexorables obligaciones impuestas por la subsistencia. Y es esta coincidencia en fines y objeti-vos, aunque por distintas causas, lo que da fuerza y cohesión al grupo, de amigos si se quiere, pero que no necesitan hacerse profesionales para seguir disfrutando de lo que hacen por amor al teatro. De ahí que la fórmula elegida, como espa-cio de encuentro, para desarrollar su actividad sea la de asociación

sin fines lucrativos. Porque una asociación aumenta las posibilidades para participar e incluso competir, en el mejor sentido de la palabra, sin que ello afecte a la individuali-dad de cada persona. Dentro de la asocia-ción pueden estar, y de hecho están, inte-grados tanto los intereses individuales con los comunes.

…desorganizados y que van a Lo suyo…

El hecho de que la práctica totalidad de los grupos amateur se hayan constituido como asociaciones sin fines lucrativos es demostrativo de que tal afirmación no se co-

rresponde con la realidad. La circunstancia de que un grupo de personas amantes del teatro decidan agruparse y organizarse, es sintomática de una elección contraria al im-pulso individualista.

El conformar el grupo como asociación sin fines de lucro, se ha convertido para el amateur en la mejor fórmula de combatir la soledad y el aislamiento entre sus componen-tes y para con otros grupos. En el grupo se produce una confluencia de conocimientos, vivencias, opiniones, formas de pensar, en suma de diversidad de criterios que obliga al ejercicio del diálogo y al logro de consensos fundamentales para diseñar estrategias co-munes de acción. Las convicciones de cada integrante del grupo se ven reforzadas cuan-do comprueban que hay un sentir común.

El empeño y la energía que pone cada uno, se multiplica con la suma de la energía de los demás. Dentro de las asociaciones los aficionados al teatro pueden compartir sensibilidades e intereses, lo que les permi-te profundizar en el análisis de la realidad y emprender acciones tendentes a alcanzar los objetivos que se hayan propuesto intra o extra muros del grupo.

Son muchos los grupos de teatro que se preocupan por la eficacia y eficiencia en la consecución de sus fines y objetivos. Se pre-ocupan por la formación de sus integrantes, por la calidad de sus montajes, por una me-jor distribución de sus espectáculos, etc.

Pero además cada vez son más los grupos que se agrupan, en federaciones de ámbito de comunidad autónoma y estas a su vez en confederaciones de ámbito estatal, para aunar esfuerzos en la consecución de obje-tivos comunes. El tejido asociativo amateur

ha tenido en nuestro país un desarrollo que ha multiplicado la capacidad de influencia y visibilidad del teatro amateur, no solo a nivel de nuestro país sino también internacional. Pero las cotas alcanzadas con ser impor-tantes, son aún modestas en comparación a las logradas en otros países, en los que la opción amateur goza de un mayor apoyo y protección de las instituciones y administra-ciones públicas.

…que adoLece de prepara-ción y de caLidad...

Otro de los lugares comunes a la hora de definir el teatro amateur es su falta de pre-paración, de calidad en incluso de falta de seriedad. Nada más lejos de la realidad. El que cultiva o practica, sin ser profesional, un arte, ciencia, oficio, deporte, etc., no lo hace por imposibilidad de dar el salto a la profe-sionalidad, porque se reconozca inexperto o considere su trabajo de menor entidad o ca-lidad. En la mayoría de los casos, la vía de la no profesionalidad, es más un planteamiento de principios, de independencia, de libertad creativa no sometida a las exigencias de los “mercados” artísticos.

En el teatro amateur, al igual que en el pro-fesional, puede haber personas novatas, sin experiencia, principiantes que aún no tiene ha-bilidad en la actividad que realizan y que están en fase de aprendizaje… pero también hay personas preparadas, experimentadas, y con talento. Los que militan en lo amateur lo ha-cen de forma consciente, elegida, porque no quieren verse prisioneros de unos objetivos económicos que primen sobre los artísticos o creativos. Y como los profesionales hacen

estudios de arte dramático, demandan cursos de formación en diversas disciplinas escéni-cas, reclaman asistencia técnica a expertos y se imponen ambiciosos retos estéticos, artís-ticos y de puesta en escena.

Para ser amateur hay que tener una enor-me curiosidad y carencia de miedo en probar y explorar cosas nuevas. Son amateur por-que en aquello que les gusta quieren ser los amos de su propia vida y, si fuera cierta aque-lla frase de que el que mucho abarca poco aprieta, prefieren abarcar más y apretar poco. Les gusta la variedad y en cierto modo el ries-go de lo desconocido. Hacen teatro desde el amor que sienten por él. No tienen miedo a arriesgarse porque lo máximo que pueden perder es el tiempo, dado que el sustento se lo aporta otra actividad. Suplen bisoñez por talento, entusiasmo y pasión por el teatro. Como espectadores asistiremos, en los es-pectáculos de teatro amateur, a algunos mo-mentos de duda, a dicciones balbucientes... pero sobre todo veremos creación pura, sin-ceridad expresiva, entrega absoluta al público y unas enormes ganas de abrirse camino en el mundo de las artes escénicas.

El que practica el amateurismo en cual-quier disciplina humana, valora en primer lu-gar la calidad de la experiencia y se mueven por una motivación de crecimiento personal. En la medida que se entregue a este objetivo con afán de superación obtendrá por añadi-dura la calidad, el reconocimiento y en mu-chos casos el éxito. Éxito que sin embargo se convierte en el objetivo primario para los profesionales por la rentabilidad económica que habitualmente conlleva.

Carlos Taberneiro


1616 marzoabril

marzoabril

Luz negraJosu Montero

Cien años no son casi nada

os primeros libros publicados por la añorada e insusti-tuible Hiru Argitaletxea dejaban bien claras sus audaces y necesarias intenciones: “Orgía” y “Fabulación” de Pa-

solini, “Muerte accidental de un anarquista” y “Tengamos el sexo en paz” de Fo, “Germania: Muerte en Berlín” de Müller, o “Holderlin”de Peter Weiss y “Una estética de la resistencia”, volumen coordinado por César de Vicente Hernando en torno a la gran novela “La estética de la resistencia” del propio Weiss; más tarde también publicaría esta editorial “El nuevo proceso” o la legendaria “Marat/Sade”, la obra más célebre de Weiss, cuyo título real es nada menos que “La persecución y asesinato de Jean Paul Marat representada por el grupo de teatro del hospicio de Charenton bajo la dirección del señor Sade”.

Weiss la estrenó en 1964, y cuatro años después, en pleno 68, fue estrenada en España por, claro, Alfonso Sastre. En esta obra entronca Weiss tanto con el teatro dialéctico y didáctico de Brecht -distanciamiento, teatro dentro del teatro, canciones- como con el Teatro de la crueldad de Artaud, y es que se trata de una represen-tación de locos para locos para otros locos -los especta-dores, nosotros. El marqués de Sade estuvo encerrado en el manicomio de Charenton y Weiss se imagina que allí dirige a una troupe de enajenados para representar el asesinato del revolucionario Marat, mártir de la revolución y adalid de la emancipación política colectiva; en frente un Sade decepcionado de la revolución representa el individualismo radical y transgresor. Por encima de esta dialéctica, la restauración ya imperante representada por el di-rector del manicomio que ordena la represión violenta de la sublevación final de los locos. Intento por tanto de reproducir en el escenario los mecanismos que llevaron al fracaso de la revolución. Weiss, claro, quiere hablar de revoluciones más recientes. Los avatares de la historia política de la primera mitad del siglo XX, el fracaso del socialismo, el movimiento obrero traicionado y la búsqueda de la propia identidad en ese laberinto a través del arte son constantes de su obra. En esa obra fascinante que es“Holderlin” el fracaso de esa ilusión de emancipación que supuso la revolución francesa está centrado en el gran poeta romántico que optó por desentenderse del mundo y por adentrarse en la ebriedad de la poesía y en la locura.

Este año celebramos cien años del nacimiento de Peter Weiss. Naci-do en Berlín en 1916, en el seno de una familia judía –de padre checo y madre actriz procedente de Estrasburgo– que hubo de emigrar a Praga en 1934 y a Estocolmo en 1939. Allí el joven Peter estudio Arte, y de hecho antes que a la literatura se dedicó a la pintura -ex-presionista- y al cine experimental y documental. Fijó en Estocolmo su residencia –allí falleció en 1982– e incluso en 1945 se nacionalizó sueco. “Yo nuna fui alemán”, afirmó rotundo; y es que el lugar con el

que se identifica es Auschwitz, “adonde estaba destinado”. En 1965 incursiona en el ámbito del teatro Documental Político con “La inda-gación. Oratorio en once cantos”, obra basada en el proceso sobre Auschwitz que tuvo lugar en Frankfurt entre 1963 y 1965 y para la que utiliza las actas de dicho proceso; las intervenciones corales de

las víctimas en su camino hacia el exterminio resultan escalofriantes. Con “Canto del ogro lusitano” Weiss da un paso hacia el Teatro de Agitación Política; la dicta-dura de Salazar como símbolo de toda opresión y de la explotación colonial capitalista. Igualmente polémicas e incómodas fueron “Discurso sobre el Vietnam”(1968) y, sobre todo, “Trotsky en el exilio” (1970).

Pero antes de dedicarse al teatro y después de su etapa de pintor y cineasta, Weiss escribió varias novelas igualmente experimentales y que a pesar de su radicali-dad formal le convirtieron ya en un autor reconocido y de éxito –¡Oh tiempos!–. Es el caso de “La sombra del cuer-po del cochero”, en la que la descripción minuciosísima se va transformando en falta de sentido: de la ordenada cotidianidad convencional al absurdo no va ni un paso, parece decirnos. Pero sin duda la obra magna de Peter Weiss es esa monumental novela en tres volúmenes titu-lada “La estética de la resistencia” y que escribió entre 1975 y 1981; ambicioso proyecto narrativo comparable

a otros titánicos empeños de la novela del siglo XX como “El hombre sin atributos” de Musil, “En busca del tiempo perdido” de Proust o el “Ulises” de Joyce. Gran friso del drama de Europa en la primera mitad del siglo XX; narrativa del yo, de la propia existencia; autobiografía ficticia y real, personal y colectiva. Novela de formación, de búsqueda de la propia identidad a través de la rebelión y del arte –voluntad de libertad a través del conocimiento de la realidad–: caminos que necesariamente han de confluir –plantea– en la lucha por una sociedad más justa. El arte es el único medio que en un proceso infinito e impredecible nos puede transmitir la profunda unidad entre el yo subjetivo y la realidad objetiva. Una propuesta dialéctica fascinante la que encierra esta novela.

Se afirma que la obra de Peter Weiss es excesivamente hija de su tiempo, que ha envejecido mal, y todo esto a mí me suena a otro intento más –logrado– de enmascarar las miserias del presente y de reivindicar una literatura, un arte, anémica, integrada y que no aparte sus ojos del mercado; esa sí que es hija de ningún tiempo o de un no tiempo. Lo mismo se afirma de la obra de otro dramaturgo, este español, del que también se cumple un siglo de su nacimiento, nos referimos a Anto-nio Buero Vallejo; pero tal vez las obras de Buero estén esperando un director audaz que se atreva a servirlas con libertad y sin esquemas prejuzgados, como se hace con cualquier clásico. Entre tanto lean con la mente abierta obras como “En la ardiente oscuridad”, “La Fundación”, “La doble historia del doctor Valmy”, “Caimán” o “Diálogo secreto”.

L

LA ESTÉTICA DE LA RESISTENCIAPETER WEISSHiru Argitaletxea

Berriz ere, arte eszenikoen agertoki handia izango da Donostia dFERIAri esker. Antzerkia, dantza… Hogeita hamar proposamen baino gehiago lau egunetan, mar-txoaren 7tik 10era, arte eszenikoak Donostiako hainbat gunetan dauden zortzi agertokietara hurbiltzeko. Jar-duera paraleloek eta profesionalen arteko bilerek abe-rastuko dute aurten ere dFERIAren programazioa. Hitzor- du honek egina du bere lekua Donostian, zine edo musikako beste jaialdi ezagun batzuen ondoan. Hala, bada, Donostia arte eszenikoen topagune izango da programatzaile, zuzendari, sortzaile, aktore eta ikus-entzuleentzat. dFERIA erreferente nabarmena da da-goeneko sektorearentzat. Zergatik? Sorkuntza-trukea dakarrelako, arte-berrikuntza dakarrelako, merkata-ritza-trukea ere bultzatzen duelako, plataforma ezin hobea gertatzen delako bertan parte hartzen duten antzerki- eta dantza-ikuskizunak ezagutarazteko.Aurtengo edizioaren ardatza Elkarrizketaren gaia da; hori da, halaber, Donostia 2016 egitasmoaren ardatz nagusietako bat, hau da, Europako Kultura Hiriburutzaren egitasmoarena. Aurten, ezin bestela izan, dFERIAren eta hiriburutzaren arteko lokarriak eta komunikazioa estutu egin dira, zertarako eta enpatia berriak, kidetasun berriak, konplizitate berriak aurkitzeko aukera eskaintzeko. Urkoa aurkitzeko, harekin enpatizatzeko. Urteak daramatzate elkarlanean dFERIAk eta DSS2016EUk; urtez urte, hainbat jarduera izan dira elkarlan horren emaitza: Mugalariak proiektua, laborategiak, tailerrak, dFERIAren Meeting Point-a 2016 Gunean kokatzea, gune hori ikuskizunen zabalkun- dea egiteko ere erabiltzea. Lankidetza horrek DSS2016EUren balioekin bat datorren ekarpena egiten dio dFERIAren programazioari.

Azkenik, azpimarratu nahi nuke TABAKALERA ere izango dela dFERIAren programaziorako guneetako bat, 2016ko edizio honetan; ikuskizunak, negozio-fo-roa, sentsibilizazio-jarduerak, besteak beste. 2015eko irailean inauguratu zen TABAKALERA, Kultura Garai-kidearen Nazioarteko Zentroa, pentsamendurako eta kultura garaikideaz gozatzeko leku bizia izan dadin Donostian.

On dagizuela feriak, profita eta goza dezazuela!

Una vez más, Donostia se va a convertir en un gran escenario de las artes escénicas gracias a dFERIA. Tea-tro, danza... Más de una treintena de propuestas que durante cuatro días, del 7 al 10 de marzo, acercarán las artes escénicas a los ocho escenarios disemina-dos por todo la geografía donostiarra. Las actividades paralelas y las reuniones profesionales terminarán de enriquecer, un año más, la programación de dFERIA, cita que tiene su espacio en la ciudad al lado de reco-nocidos festivales donostiarras de cine o música. Así pues, San Sebastián va a ser punto de encuentro del mundo de las artes escénicas para programadores, di-rectores, creadores, actores y público. dFERIA es ya un referente indiscutible para el sector, por generar inter-cambio creativo, por aportar innovación artística y por impulsar el intercambio comercial, al constituirse como una inmejorable plataforma de lanzamiento para los es-pectáculos de teatro y de danza que participan en la misma.El eje de esta edición gira en torno al tema Conversa-ciones, en sintonía con uno de los ejes básicos del pro-yecto de Donostia / San Sebastián 2016, Capital Euro-pea de la Cultura. Este año, como no podía ser de otra manera, los lazos de unión y comunicación entre dFE-RIA y la capitalidad se han estrechado con el objetivo de ofrecer la posibilidad de descubrir nuevas empatías, nuevas pertenencias, nuevas complicidades. Descubrir al otro y empatizar con él. Son ya años de colaboración entre dFERIA y DSS2016EU, colaboración que cristali-za, año tras año, en diversas actividades: proyecto Mu-galariak, laboratorios, talleres, instalación del Meeting Point de dFERIA en el Espacio 2016, espacio también utilizado para la difusión de espectáculos. Colaboración que dota a la programación de dFERIA de una aporta-ción alineada con los valores de DSS2016EU.

Por último, me gustaría resaltar la incorporación de TA-BAKALERA como uno de los espacios en los que se desarrollará una parte importante de la programación de dFERIA durante esta edición 2016: espectáculos, foro de negocios, o actividades de sensibilización, entre otras. Centro Internacional de Cultura Contempóranea inaugurado en septiembre de 2015, TABAKALERA se erige en la ciudad como un lugar vivo de pensamiento y disfrute de la cultura contemporánea.

¡Que tengan una buena feria, que la aprovechen y la disfruten!

AGURRAK / SALUDOS

Miren Azkarate2016 Hiriburutza, Kultura, Euskara eta Hezkuntzako zinegotzi-ordezkaria

Concejala delegada de Capitalidad 2016, Cultura, Euskera y Educación

Hona hemen 2016ko dFERIAren XXII. edizioa. Elkarrizke-tak du goiburutzat. Elkarrizketen betekizun nagusia enpatia lortzea da, hots, bestearen lekuan jartzeko gaitasuna, esan nahi diguna ulertzeko. Komunikatzea, harremanetan jartzea, elkarrekin adiskidantza estua sortzea. Konfiantzaz hitz egi-tea, lagunartean. Elkarrizketan, esaten digutena ulertzeko borondate eta ahalegin bat dago. Garrantzitsua da solasean jardutea, ideiei afektuak eransten baitizkiegu: besteaz ardu-ratzen gara. Bestearen lekuan jartzen gara, eta, horretarako, gure lekutik irten behar dugu. Erraztu egiten du elkarbizitza. Hartara, elkarbizitzarako tresna nagusia, elkarrizketa, kultu-ra-aberastasunerako bide bihurtzen da. Arteen eta artearen kontzeptuen arteko elkarrizketa izango da dFERIAren osa-gai garrantzitsu bat, leit motiva.dFERIAk bere ezaugarriei eusten die antzerki- eta dantza-gertaera den aldetik, arte garaikidearen feria bat den aldetik. Euskal sorkuntzarekin konprometituta dago, baina gai da beste leku batzuetara begiratzeko, Latinoamerikarako leihoa zabalik izateko, Espainiako eta Europako eszenaren erreali-tatea ahaztu gabe. dFERIAk estreinaldien eta berrikuntzen aldeko apustua egiten du. Eztabaida eta gogoeta sortu nahi ditu sektorean, eta galderak ikus-entzuleen artean. dFERIAk arreta berezia eskainiz jarraitzen du euskal dantzari, ikusgai jartzeko, bai eta OARAri ere, Akitaniako gure auzoekin harre-manak estutzeko. Europara begira jarraitzen dugu, halaber –aurten, are indar handiagoz, bistan denez–, eta berriz ere in-gelesez eta frantsesez azpidatziko ditugu zenbait ikuskizun, erakargarriago gerta daitezen, eta dFERIA gertaera erakar-garria izan dadin espainieraz mintzo ez diren programatzaile eta kudeatzaileentzat. Eta garrantzitsuena: hori guztia egi-teko, instituzio, erakunde, konpainia eta norbanakoen bo-rondateak, babesa, laguntza eta parte-hartzeak batu ditugu; horiek guztiek gauzatzen dute dFERIA, beren ekarpenez eta lanaz, denen arteko ahaleginaz. Eskerrik asko den-denei. Eskerrik asko urtero-urtero dFERIAra etortzen zaretenoi, dFERIA bizi duzuenoi, aberasten duzuenoi, egitasmo izaten jarraitzeko behar duen indarra ematen diozuenoi. Baina dFERIA bada jaialdia ere, bada jendearentzako, za-learentzako dantza- eta antzerki-ikuskizunen oturuntza bat. Lau egunetan, errezela 30 aldiz baino gehiagotan jasoko da. Zenbait formatu, zortzi agertoki, askotariko ikuspegi eta kontzeptu artistikoak; Portugal, Frantzia, Mexiko Txile, Ekua-dor, Brasil, Dominikar Errepublikatik etorritako, ikuskizunak. Era guztietako edukiak, baina huskeriatik edo denbora-pasa hutsetik ihes eginez betiere. Ikuskizun horiekin batera, jar-duera paraleloen programazio bat izango da, gertaera esze-nikora beste ikuspuntu batzuetatik hurbiltzeko. Aukera ona, ezbairik gabe, Donostiak urtez urte bihurtu ohi den arte es-zenikoaren jai handia izaten jarrai dezan. Hala biz.

Presentamos la XXII Edición de dFERIA2016. Conversa-ciones, es su lema, cuya mayor expresión es la empatía o capacidad de ponernos en el lugar del otro para compren-der lo que quiere decirnos. Comunicar, relacionarse, trabar o estrechar amistad unas personas con otras. Hablar con confianza, familiarmente. Existe una voluntad y esfuerzo por comprender lo que nos dicen. Es importante conversar por-que unimos afectos a las ideas: nos preocupa el otro. Nos ponemos en lugar del otro, y para ello hemos de salir previa-mente del nuestro. Facilita la convivencia. La principal he-rramienta para la convivencia, la conversación, se convierte de este modo en una vía para el enriquecimiento cultural. El diálogo entre las distintas artes y conceptos del arte será parte importante también en el leit motiv de dFERIA.dFERIA mantiene sus signos de identidad como evento tanto de teatro como de danza, como una feria de arte contemporáneo. Comprometida con la creación vasca pero capaz de mirar a otros lugares y capaz de consolidar una ventana hacia Latinoamérica sin olvidar la realidad escénica española y europea. dFERIA apuesta por los estrenos y por la novedad. Pretende crear debate y reflexión en el sector y plantear interrogantes al público. dFERIA continúa mimando también la ventana de visibilidad a la danza vasca y la ventana OARA hacia nuestros vecinos de Aquitania. Se mantiene también la mirada hacia Europa, este año con mayor fuerza, repitiendo la apuesta de sobretitular al inglés y al francés algunos espectáculos de texto para incorporar alicientes y que dFERIA se convierta en un evento atractivo para programadores y gestores de habla no hispana. Y lo más importante, que para hacer todo esto se suman las voluntades, los apoyos y las participaciones activas de instituciones, entidades, organizaciones, compañías y personas individuales que aportan, trabajan y hacen de dFERIA una realidad fruto de un esfuerzo colectivo. Muchas gracias a cada uno de ellos y de ellas. Y gracias también a todos aquellos y aquellas que año tras año acudís a dFERIA, la vivís, la enriquecéis, le dais esa fuerza tan necesaria y esa energía fundamental para que siga siendo un proyecto. Pero dFERIA es también un festival, un festín de espectácu-los de danza y teatro para el público, para el aficionado. En cuatro días se levanta el telón más de 30 veces. Distintos formatos, ocho espacios distintos, visiones y conceptos ar-tísticos variopintos, espectáculos venidos desde Portugal, Francia, México, Chile, Ecuador, Brasil, República Domini-cana… Contenidos para todos los gustos pero escapando de la vanalidad o del entretenimiento puro y duro. Espectá-culos reforzados con una programación de actividades pa-ralelas que posibilitará acercarse al hecho escénico desde otros puntos de vista, con mayor cercanía e intimidad. Una buena oportunidad, sin duda que esperemos no defraude y siga siendo la gran fiesta de las artes escénicas en la que se convierte Donostia año tras año.

Norka ChiapussodFERIAko zuzendaria / Director de dFERIA

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AMARGA DULCEPaula Quintana Castellano Intxaurrondo K.E. 12:30 50 min

TIRANIA DAS CORESErtza konpainia Castellano Gazteszena (Egia) 16:00 60 min

PIM PAM FUERA!En2do Prod. – Karra Elejalde Castellano Victoria Eugenia Club 17:15

19:00 75 min

EROSKI PARAISOChévere Castellano / Galego Antzoki Zaharra – Teatro Principal 18:45 90 min

QUATRO SANTOS EM TRÊS ACTOSTeatro do Bairro / Ar de filmes Portugués Victoria Eugenia Antzokia 20:30 100 min

JOKOZ KANPOBorobil Teatroa Euskara Imanol Larzabal (Lugaritz) 20:30 75 min

WELCOME TO THE MONTGOMERY EXPERIENCEMontgomery

Testurik gabe / Sin Texto Tabakalera, Patioa 23:30 48 min

FUERA DE JUEGOBorobil Teatroa Castellano Imanol Larzabal (Lugaritz) 10:00 75 min

TAXIDERMIA DE UN GORRIÓNL’Atelier & Kulunka Teatro Castellano Intxaurrondo K.E. 11:30 80 min

TORMENTACielo Raso Castellano Gazteszena (Egia) 13:00 50 min

UN BESO Tanttaka Castellano Tabakalera, Sala Ruiz Balerdi Aretoa 16:00 60 min

À LA RENVERSECaroline Serres - Théâtre du Rivage Français Tabakalera, Patioa 17:30 70 min

MUXUATanttaka Euskara Tabakalera, Sala Ruiz Balerdi Aretoa 19:00 60 min

DANTZARIJesús Herrera Testurik gabe / Sin Texto Antzoki Zaharra – Teatro Principal 19:00 75 min

LLOPIS La Teta Calva Castellano Espacio 2016 Gunea 20:30

22:45 75 min

OSKARA Kukai Dantza-Marcos Morau/La Veronal Euskara Victoria Eugenia Antzokia 20:30 60 min

OVARIOS VERDES FRITOS Detritus Teatrus Castellano Espacio 2016 Gunea 24:00 75 min

ÉRASE UNA VEZ... (Oc ye Nechca)Carretera 45 Teatro AC Castellano Imanol Larzabal (Lugaritz) 10:00 70 min

IRRINTZIOrganik Dantza – Antzerki Testurik gabe / Sin Texto Intxaurrondo K.E. 11:30 65 min

TERESA (Ora al alma) Losdedae Testurik gabe / Sin Texto Gazteszena (Egia) 13:00 90 min

UN BESOTanttaka Castellano Tabakalera, Sala Ruiz Balerdi Aretoa 16:00 60 min

KASPAR HAUSER, EL HUÉRFANO DE EUROPALa Phármaco

Testurik gabe / Sin Texto Tabakalera, Patioa 17:30 60 min

MUXUATanttaka Euskara Tabakalera, Sala Ruiz Balerdi Aretoa 19:00 60 min

EL FLORIDO PÉNSIL “NIÑAS”Tanttaka Castellano Antzoki Zaharra – Teatro Principal 19:00 105 min

FOOT- BALLGelabert-Azzopardi Companyia de Dansa Testurik gabe / Sin Texto Victoria Eugenia Antzokia 20:30 60 min

ÑUCANCHIK ANTISUYU RIMAN (Habla nuestra selva)La Mestiza

Castellano Espacio 2016 Gunea 20:30 22:45 70 min

ZERGATIK, JAMIL?Tartean Teatroa Euskara Imanol Larzabal (Lugaritz) 20:30 75 min

HEY BRO! HIPSTER SHOWFabiolo Castellano Espacio 2016 Gunea 24:00 70 min

¿POR QUÉ, JAMIL? Tartean Teatroa Castellano Imanol Larzabal (Lugaritz) 10:00 75 min

OTELOViajeinmóvile Castellano Intxaurrondo K.E. 11:30 75 min

LIBERTINO Marco Vargas & Chloé Brùlé Castellano Gazteszena (Egia) 13:00 60 min

KITTO, yo lo dejo En2do Prod. Castellano Tabakalera, Sala Ruiz Balerdi Aretoa 16:00 45 min

ETHERCollectif a.a.O Testurik gabe / Sin Texto Tabakalera, Patioa 17:30 60 min

KITTO, nik utziko dut En2do Prod. Euskara Tabakalera, Sala Ruiz Balerdi Aretoa 19:00 45 min

LA MIRADA DEL OTRO Proyecto 43-2 Castellano Antzoki Zaharra – Teatro Principal 19:00 75 min

AIREBovoj Castellano Victoria Eugenia Antzokia 20:30 60 min

EL CANTA , YO CUENTOFreddy Ginebra, Víctor Víctor Juan Francisco Ordoñez

Musika / Música Espacio 2016 Gunea 22:00 -

PROGRAMAZIOA | PROGRAMACIÓN

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PROGRAMAK / PROGRAMAS

Akitania-Euskadi leihoa

Iazko edizioaren arrakastaren ondoren, Baionako Scène Nationale-ko lagunekin partekatzen dugun eta ESZENA T deritzon programari esker, leiho hau irekitzeko aukera sortu zen iaz.Akitaniako OARAk (hemengo SAREA Antzokien Euskal Sarearen baliokideak) dFERIArekin trukea egiteko konpro-misoa hartu du. Truke horren bidez, OARAk Akitaniako bi ikuskizun finantzatuko ditu (THEATRE DU RIVAGE eta LE COLLECTIF a.a.O). dFERIAk, berriz, bere sareko progra-matzaile batzuk gonbidatuko ditu bilera batera eta feria goitik behera ezagutzera, hau da, programazioa ez ezik, le-hen kontaktu batzuk izatera gure arteko harremanak gehia-go estutzeko eta etorkizunean proiektu gehiago sortzeko bidea emateko, denon mesedetan.

Iberoamerikar leihoa

“Iberescena”, iberoamerikar funtsaren laguntzari esker sor-tutako leihoa, 2006an sortu zen, eta honako helburu hauek ditu, besteak beste: - Ikuskizun iberoamerikarren banaketa, zirkulazioa eta sus-tapena bultzatzea.- Iberoamerikako espazio eszenikoak eta jaialdiak bultzatzea, beren programazioetan eskualde osoko produkzioei lehentasuna emateko.- Arte Eszenikoekin zerikusia duten beste programa eta instantzia batzuekiko lankidetza eta sinergiak sustatzea.

Aurten, dFERIA 2016n, zazpi ikuskizun izango ditugu, oso desberdinak, zazpi herrialdetakoak; tartean, gurea.Hona hemen hautaturiko proposamenak:1- TEATRO DO BAIRRO, AR DE FILMES, “Quatro santos

em trés actos” lanarekin (Portugal).2- CARRETERA 45 TEATRO AC, “Érase una vez... (oc ye

Nechca)” lanarekin (Mexiko).3- LA MESTIZA, “Ñucanchik Antisuyu Riman (Habla nues-

tra selva)” lanarekin (Ecuador/Kolonbia)4- VIAJEINMÓVIL, “Otelo” lanarekin (Txile).5- “El canta yo cuento” AFARI – IKUSKIZUNA (Dominikar

Errepublika).Leiho hau osatzeko, beste bi proposamen, hurbilagokoak, baina nazioartera begirakoak betiere.6- ERTZA Konpainia (egonaldian Núcleo Viladança-n, Brasi-

len), “Tirania das cores” lanarekin (Brasil/Euskadi).7- KUKAI DANTZA - MARCOS MORAU / LA VERONAL,

“Oskara” lanarekin (Euskadi/Valentzia).

dFERIA DANTZAN leihoa

dFERIAko leihorik zaharrena da. Jaurlaritzak bultzatzen eta finantzatzen duen “Dantza Bultzatuz” programari es-ker, Donostiako feriak lau dantza-ikuskizun izango ditu aurten ere, berriak, erakargarriak eta oso artista desber-dinenak: Asier Zabaleta, Igor Calonge, Natalia Monje eta Jon Maia.Ekinbide hori orain dela urte batzuk sortu zen, Jaurlaritzak sustatuta, dFERIAn euskal dantzaren plataforma bat bul-tzatzeko eta konpainiek beren erakusleihoa izan zezaten arte eszenikoen merkatura sartu ahal izateko, hala Euskal Herrikoan nola nazioartekoan.

Feriaren historian zehar, zenbait programa edota plata-forma bultzatu edo aurkeztu izan dira. dFERIAren XXII. edizio honetan, hiru, hain zuzen ere:

A lo largo de la historia de la feria, varios han sido los programas y/o plataformas que se han impulsado o bien han tenido cabida en la misma. En esta XXII edición de dFERIA, son tres:

Ventana Aquitania-Euskadi

Tras el éxito de la pasada edición y gracias al programa con-junto denominado ESZENA T, que compartimos con nuestros compañeros de la Escena Nacional de Baiona, surgió la posi-bilidad de abrir esta ventana el año pasado.La OARA en Aquitania (equivalente a la SAREA de aquí, Red Vasca de Teatros), ha adquirido el compromiso de realizar un intercambio con dFERIA, intercambio en el que la OARA financia 2 espectáculos de Aquitania, (THEATRE DU RIVAGE y LE COLLECTIF a.a.O). dFERIA por su parte, invita a varios programadores de su red a un encuentro y a conocer la feria en toda su extensión, es decir, no sólo la programación, sino que puedan realizarse los primeros contactos para incremen-tar las relaciones entre nosotros y puedan surgir nuevos pro-yectos de futuro, beneficiosos para todos.

Ventana Iberoamericana

Ventana impulsada gracias a la ayuda del fondo iberoame-ricano “Iberescena” creado en 2006, cuyos objetivos entre otros muchos, son: - Fomentar la distribución, circulación y promoción de es-pectáculos iberoamericanos.- Apoyar a los espacios escénicos y a los festivales de Ibero-américa para que prioricen en sus programaciones las pro-ducciones de la región.- Promover la colaboración y sinergias con otros programas e instancias relacionados con las Artes Escénicas...

Este año en dFERIA 2016, vamos a poder disfrutar de 7 es-pectáculos muy diversos de diferentes países, incluido el nuestro.Las propuestas seleccionadas son las siguientes:1- TEATRO DO BAIRRO, AR DE FILMES con “Quatro santos

em trés actos” (Portugal).2- CARRETERA 45 TEATRO AC con “Érase una vez... (oc ye

Nechca)” (México).3- LA MESTIZA con “Ñucanchik Antisuyu Riman (Habla

nuestra selva)” (Ecuador/Colombia).4- VIAJEINMÓVIL con “Otelo” (Chile).5- “El canta yo cuento” CENA - ESPECTÁCULO (República

Dominicana).Esta ventana la completan 2 propuestas más cercanas, pero con proyección internacional.6- CÍA ERTZA (en Residencia en Núcleo Viladança, Brasil)

con “Tirania das cores” (Brasil/Euskadi).7- KUKAI DANTZA - MARCOS MORAU / LA VERONAL con

“Oskara” (Euskadi/Valencia).

Ventana dFERIA DANTZAN

Es la ventana más antigua de dFERIA. Gracias al programa “Dantza Bultzatuz” impulsado y financiado por el Gobierno Vasco, la feria de San Sebastián un año más, vuelve a contar con 4 espectáculos de danza novedosos, atractivos y de ar-tístas muy diferentes entre sí: Asier Zabaleta, Igor Calonge, Natalia Monje y Jon Maia.Es una iniciativa que surgió hace unos años promovida por el Gobierno Vasco, para impulsar una plataforma de danza vasca en dFERIA y que las compañías, pudieran tener un es-caparate propicio, para su integración en el mercado de las artes escénicas, tanto vasco, estatal como internacional.

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ZUZENDARITZA / DIRECCIÓN: Paula Quintana ZUZENDARI LAGUNTZAI-LEA / AYTE.DIRECCIÓN: Carlos Pedrós DRAMATURGIA: Carlos Pedrós, Miguel de Cervantesen testuan oinarritua / Carlos Pedrós a partir del texto de Don Quijote de la Mancha de Miguel de Cervantes JATORRIZKO MU-SIKA / MÚSICA ORIGINAL: Juan Antonio Simarro KOREOGRAFIA ETA ANTZEZPENA / COREOGRAFÍA e INTERPRETACIÓN: Paula Quintana ARGIZTAPENA / ILUMINACIÓN: Grace Morales JANTZIAK / VESTUARIO: Raquel Rodríguez, Camaleoni-k DISEINU GRAFIKOA / DISEÑO GRÁFICO: Laura Ortega

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MARTXOA 07 08 09 10 MARZO

Espectáculo basado en la figura de Dulcinea del Toboso y su papel como impulsora de las hazañas de Don Quijote de La Mancha. Cuer-do el loco y loco el cuerdo… ¿qué fue de ella? ¿cómo sobrevive en el olvido? ¿dónde están los caballeros andantes? A través de los textos de Cervantes, la danza y la música, se establece un viaje emocional de la heroicidad al abandono y viceversa, abordando lo histórico des-de un modo de ser y sentir actual y contemporáneo. (...)Si los poetas y artistas crean sus ficciones, el hombre tiene derecho a hacer lo mismo en su vida propia; es decir, que si el arte es la obra del hombre, la vida misma, los hechos diarios, son o deberían ser también, obra del hombre.

Dultzinea Tobosokoaren pertsonaian oinarritutako ikuskizuna; hark Don Kijote Mantxakoaren balentrien bultzagile gisa jokatutako rolean. Zoroa zuhur, eta zuhurra zoro… Zer gertatu zitzaion emakume hari? Nola dirau bizirik ahanzturan? Non dira zaldun ibiltariak? Cervantesen testuetan, dantzan eta musikan oinarrituta, bidaia emozionala eskaint-zen zaigu, heroitasunetik bazterketara eta alderantziz, historiakoa de-nari gaur egungo izaera garaikidetik ekinez. (...)Poetek eta artistek fikzioak sortzen badituzte, gizakiak eskubidea du hori bera egiteko bere bizitzan; alegia, artea baldin bada gizakiaren obra, bizitza bera ere, eguneroko egintzak ere, gizakiaren obra dira edo izan behar lukete.

AMARGA DULCEPaula Quintana Estreinaldia Euskal Herrian / Estreno en Euskal Herria

Intxaurrondo K.E. | 12:30 Dantza / Danza [ 50 min ] Castellano

Tirania das Cores es un viaje cromático danzado. Un viaje en el que se pone de manifiesto la influencia que los colores tienen y han tenido siempre en nuestras vidas. Colores que muchas veces han servido para unir pero mu-chas otras para dividir y sembrar odio. Colores que se han usado para ma-nipular, insultar, o incluso matar a otras personas. Colores con los que se pintan las banderas que nos diferencian de nuestros vecinos. Colores que se divinizan o se satanizan como el blanco y el negro.

Tirania das Cores bidaia kromatiko dantzatua da. Bidaia horretan, agerian geratzen da koloreek gure bizitzan duten eta beti izan duten eragina. Kolo-reek batzeko balio izan dute sarri, baina baita zatitzeko eta gorrotoa zabal-tzeko ere, beste askotan. Koloreak beste pertsona batzuk manipulatzeko, iraintzeko edo are hiltzeko ere erabili izan dira. Koloreak erabiltzen dira au-zokoengandik bereizten gaituzten banderak margotzeko. Koloreak jainkotu edo deabrutu egiten dira, hala nola zuria edo beltza.

TIRANIA DAS CORESCía. Ertza Konpainia (Brasilgo Nucleo Viladançaren egonaldian / Residencia en Nucleo Viladança, Brasil)

Gazteszena (Egia K.E.) | 16:00 Estreinaldia Europan / Estreno en Europa

Dantza / Danza [ 60 min ] Castellano

ZUZENDARITZA / DIRECCIÓN: Asier Zabaleta DANTZARIAK / INTÉRPRETES: Ariel Oliveira, Carolina Miranda, Flávia Rodrigues, Guilherme Silva, Rafael Alexandre BIDEOA / VÍDEO: Rafael Grilo ARGITERIAREN DISEINUA / DISEÑO DE ILUMINACIÓN: Marcos Dedê ARGIEN TEKNIKOA / TÉCNICO DE LUCES: Jaime Gonzalez JANTZIAK / VESTUARIO: Colectivo JANTZIGINTZA / CONFECCIÓN DE VESTUARIO: Carolina Miranda MUSIKA / MÚSICA: Mark DwInell, Carrageenan, Lee Rosevere, Hank Hobson, CXLVIII, Circus Marcus, -ono-, Jose Ph Kony, There AUDIO EDIZIOA / EDICIÓN DE AUDIO: Caio Terra TESTUA / TEXTO: Ariel Ribeiro, Carolina Miranda, Flávia Rodrigues, Guilherme Silva, Rafael Alexandre, Asier Zabaleta.

©Guillermo Casas

© Luca Castro

TESTUA / TEXTO: Carlos Zabala ANTZEZLEAK / REPARTO: Ane Gabarain, Vito Rogado, Amagoia Lauzirika, Amaia Lizarralde ARGIZTAPENA / ILUMINA-CIÓN: Iñigo Letamendia JANTZIAK ETA ESZENOGRAFIA / VESTUARIO y ESZENOGRAFIA: Luis M. del Olmo GRABAZIOA eta SOINU MUNTAIA / GRA-BACION Y MONTAJE DE SONIDO: Jose Luis Rubio, REC estudio DISEINU GRAFIKOA / DISEÑO GRÁFICO: Javi Alonso MUNTAIA TEKNIKOA / MONTAJE TÉCNICO: Eragin GESTORIA / GESTORIA: Fiskade PRODUKZIOA / PRODUCCIÓN: Eneko Olasagasti ESPAZIO ESZENIKOA eta ZUZENDARITZA / ESPA-CIO ESCÉNICO y DIRECCIÓN: Carlos Zabala

Una vieja cárcel española. Dos celdas contiguas. Cuatro mujeres de entre 35 y 50 años cumplen sus condenas de forma muy diferente. Pim, pam, fuera! es la historia de estas supervivientes que han perdido la libertad víctimas de sus bajas pasiones, de la pobreza extrema, de su ambición desmedida o de la reciente Ley Mordaza. Pim, pam, fuera! es un retrato mordaz de nuestro país. Una cruel y divertida instantánea de la sociedad actual vislumbrada a través de los barrotes de una cárcel española. Que ustedes lo pasen bien, lloren poco y rían mucho.

Espainiako kartzela zahar bat. Bi ziega bata bestearen ondoan. Lau emakumek, denak ere 35 eta 50 urte artekoak, oso modu desberdinetan betetzen dituzte zigorrak. Pim, pam, fuera! bizirik irautea lortu duten horien historia da. Askatasuna galdu dute, beren grina gaiztoengatik, pobrezia handienagatik, askonahi neurrigabeagatik edo Mozal Lege eman berriagatik. Pim, pam, fuera! gure herrialdearen erretratu garratza da. Gaur egun-go gizartearen argazki anker eta jostaria, Espainiako kartzela bateko barratzarren artetik egina. Ondo pasa, negar pixka bat eta barre asko egin dezazuela.

PIM PAM FUERA!En2do Prod.- Karra Elejalde Estreinaldia / Estreno

Victoria Eugenia Club | 17:15 / 19:00Antzerkia / Teatro [ 75 min ] Castellano

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Primera producción de la compañía Chévere después de recibir el Premio Nacional de Teatro. Una obra construi-da sobre la promesa de un paraíso so-cial hecha por un Estado de Bienestar que ahora se desmorona. El paraíso prometido era en realidad un gran hi-permercado en el que debemos actuar como consumidores pasivos y felices para devolver con intereses el hecho de haber aceptado la promesa de un futuro mejor. Una comedia social que entra en la vida y las decisiones de una familia de esa inmensa y anónima clase media, para explorar las posibilidades de en-contrar un rastro de esperanza.

Chévere konpainiaren lehen produkzioa Antzerki Sari Nazionala irabazi eta gero. Ongizatearen Estatuak agindutako Pa-radisu sozialaren gainean eraikitako obra bat… Ongizatearen Estatua lur jotzen hasita dagoen honetan. Agindu-tako paradisua hipermerkatu handi bat izan zen; han, kontsumitzaile pasibo eta zoriontsuak bagina bezala jardun be-har dugu, interes eta guzti ordaintzeko etorkizun hobe baten promesa onartu izana. Komedia sozial bat, klase ertain mugagabe eta anonimo horretako fami-lia baten bizitzan eta erabakietan sartzen dena, itxaropen-izpi bat aurkitzeko dauden aukerak arakatzeko.

EROSKI PARAISOChévere Estreinaldia / Estreno

Antzoki Zaharra / Teatro Principal | 18:45Antzerkia / Teatro [ 90 min ] Castellano / Galego Azpitituluak / Subtítulos: euskara, castellano

ANTZEZLEAK / REPARTO: Patricia de Lorenzo, Miguel de Lira, Cristina Iglesias eta bertako komunitateko kide baten laguntzarekin. Con la colaboración especial de un miembro de la comunidad local DRAMATURGIA eta ZUZENDARITZA / DRAMATURGIA y DIRECCIÓN: Xron TESTUGINTZA / ESCRITURA: Manuel Cortés / ESZE-NOGRAFIA eta JANTZIAK / ESCENOGRAFIA y VESTUARIO: Chévere ARGIZTAPENAREN DISEINUA / DISEÑO DE ILUMINACIÓN: Fidel Vázquez SOINU ESPAZIOA / ESPACIO SONORO: Xacobe Martínez Antelo ZUZENDARI LAGUNTZAILEA / AYUDANTE DE DIRECCIÓN: Arantza Villar ARGAZKIAK / FOTOGRAFÍA: Matteo Bertolino PRODUKZIOA / PRODUCCIÓN: Inés Portela PRODUKZIO EXEKUTIBOA / PRODUCCIÓN EJECUTIVA: Patricia de Lorenzo BANATZAILEA / DISTRIBUCIÓN: CRÉMILO

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LIBRETOA / LIBRETO: Gertrude Stein MUSIKA / MÚSIC: Virgil Thompson ITZULPENA eta DRAMATURGIA / TRADUCCIÓN y DRAMATURGIA: Luísa Costa Gomes ZUZENDARITZA / DIRECCIÓN: António Pires AKTOREAK / REPARTO: Francisco Tavares, Leonor Keil, Pedro Sousa, Solange Santos, Tiago Careto ESZENOGRAFIA / ESCENOGRAFÍA: João Mendes Ribeiro JANTZIEN DISEINUA / DISEÑO DE VESTUARIO:Luís Mesquita PRODUKZIO ZUZENDARITZA / DIRECCIÓN DE PRODUCCIÓN: Manecos Vila-NovaKOPRODUKZIOA / COPRODUCCIÓN: Act – School PRODUKZIOA / PRO-DUCCIÓN: Ar de Filmes / Teatro do Bairro

Quatro santos em três actos es una ópera compuesta en 1927 por Virgil Thompson, con libreto de Gertrude Stein. Incluye alrededor de veinte santos, reales e imaginarios, Santa Teresa de Ávila y San Igna-cio de Loyola entre ellos, y al menos cuatro actos y un preludio. Esta ópera, que será escuchada como música de fondo durante la actua-ción, ha sido la base para la construcción de un diálogo dramatúrgico y coreográfico y del diseño del sonido. El texto ha sido reescrito en dos idiomas a partir del texto original; a veces traduce lo que ocurre en la obra operística, y otras veces recrea o parodia la acción y el texto original mediante acotaciones, interacción de voces, distorsión del sonido y el nuevo modo de actuación.

Quatro santos em três actos Virgil Thompson-ek 1927an Gertrude Stein-en libreto baten gainean konposatutako opera bat da. Hogei bat santu biltzen ditu, errealak zein irudimenezkoak, Avilako San Teresa eta Loiolako San Inazio tartean eta gutxienez lau ekitaldi eta preludio bat. Opera hau, aktoreek jokatu bitartean adituko dena, izan da oinarri elkarrizketa dramaturgiko eta koreografiko bat eraikitzeko eta soinua diseinatzeko. Testua bi hizkuntzatan berridatzi da jatorrizkotik abiatu-ta; batzuetan, operan gertatzen dena itzultzen du, eta beste batzuetan ekintza eta testu jatorrizkoak birsortzen eta parodiatzen ditu oharren bidez, ahotsen interakzioaren, soinu-distortsioen eta jokatzeko era berri baten bidez.

QUATRO SANTOS EM TRÊS ACTOSTeatro do Bairro, Ar de filmes Estreinaldia Estatuan / Estreno en el Estado

Victoria Eugenia Antzokia | 20:30 Antzerki koreografikoa / Teatro coreográfico [ 100 min ] Portugués Azpitituluak / Subtítulos: euskara, castellano

Bienvenidos a una fiesta muy exquisita.Una experiencia dancística y musical dibujada por lotes de energía, ritmo y buen ambiente, que encuentra parte de su inspiración en la estética de los 50 y 60 y cristaliza en un auténtico concierto bailado. Ideada por el músico Miguel Marín con la colaboración de las coreógrafas Teresa Navarrete y María M. Cabeza de Vaca, Welcome to the Montgomery Experience! se estrenó el 4 de diciembre de 2015 en el Teatro Central de Sevilla.

Ongi etorri jai guztiz fin honetara.Energia eta erritmo handiz, giro onez osatutako dantza- eta musika-esperien-tzia bat, partez 50 eta 60ko hamarkaden estetikan inspiratua, eta benetako dantza-kontzertu bat bihurtu dena. Miguel Marin musikariak asmatua, Teresa Navarrete eta María M. Cabeza de Vaca koreografoen laguntzaz, Welcome to the Montgomery Experience! 2015eko abenduaren 4an estreinatu zen, Sevi-llako Teatro Centralen.

WELCOME TO THE MONTGOMERY EXPERIENCE!Montgomery Estreinaldia Euskal Herrian / Estreno en Euskal Herria

Tabakalera, Patioa | 23:30 Dantza / Danza [ 48 min ]

JATORRIZKO IDEIA eta ZUZENDARITZA / IDEA ORIGINAL Y DIRECCIÓN: Miguel Marín KOZUZENDARI ESZENIKOA / CO-DIRECCIÓN ESCÉNICA: Teresa Navarrete, María M. Cabeza de Vaca MUSIKA KONPOSIZIOA, SOINU ESPAZIOA eta ZUZENEKOA / COMPOSICIÓN MUSICAL, ESPACIO SONORO y DIRECTO: Montgomery (Amanda Palma: bateria eta koruak / batería y coros; Miriam Blanch: baxua eta koruak / bajo y coros; Jesús Bascón: gitarra eta teklatuak / guitarra y teclados; Bjort Runarsdottir: biolontxeloa / violonchelo; Gustavo A. Domínguez Ojalvo: saxoa eta klarinetea / saxo y clarinete; Miguel Marín: ahotsa, perkusioa, teklatuak / voz, percusión y teclados)

EGILEAK / AUTORES: Mikel Pagadizabal, Nagore Aranburu, Anartz Zuazua AKTOREAK / REPARTO: Joseba Apaolaza, Asier Hormaza, Asier Sota MUSIKA / MÚSICA: Ignacio Pérez Marin VESTUARIO / JANTZIAK: Nagore Dendariarena ESZENOGRAFIA / ESCENOGRAFÍA: Josean Pérez, Iñaki Iriondo ARGITE-RIAREN DISEINUA / DISEÑO ILUMINACION: Carlos Salaberri ZUZENDARITZA / DIRECCIÓN: Anartz Zuazua

“El fútbol es grande, maravilloso, admirable. Gracias al fútbol, aprendemos lo importante que es el trabajo en equipo, el equi-librio entre valentía y humildad, a saber ganar y perder…”. Es increíble qué pasiones despierta y qué frustraciones al mismo tiempo. El fútbol consigue que miles de personas se emocionen o se hundan al mismo tiempo. Nos permite cambiar constantemen-te de opinión y provoca que una persona aparentemente normal, equilibrada y tranquila se vuelva un ser salvaje en pocos segun-dos… Manu y Martin se conocen desde hace tiempo. Han llegado a la final y lo único que desean es ganarla. La victoria es lo único que tienen para demostrar quienes son, demostrar que en la vida no están fuera de juego.

“Futbola haundia da, miresgarria. Futbolari esker ikasten dugu talde lana zeinen garrantzitsua den, ausardia eta umildadearen arteko orekaz, galtzen nola ikasi...”. Ikaragarria ze pasio pizten dituen, eta aldi berean ze frustazio sortzen duen. Futbolak mi-laka pertsona aldi berean hunki edo hondora daitezen lortzen du. Itxuraz normala, orekatua eta lasaia den pertsona segundo batzuetan basati bihurtzea ahalbidetzen du. Manuk eta Martinek aspalditik ezagutzen dute elkar. Manuk eta Martinek finala dute begien bistan. Eta finala irabazi egin nahi dute. Garaipena dute nor direla frogatzeko modu bakarra, bizitzan jokoz kanpo ez dau-dela erakusteko aukera bakarra.

JOKOZ KANPO FUERA DE JUEGOBorobil TeatroaImanol Larzabal (Lugaritz) | 7; EUS: 20:30 8; CAS: 10:00Antzerkia / Teatro [ 75 min ] Castellano / Euskara Azpitituluak / subtítulos: français, english

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DANTZARIAK / INTÉRPRETES: Marti Güell, Igor Calonge, Leire Otamendi. ZUZ. LAGUNTZAILEA / AYUDANTÍA DE DIRECCIÓN: Gabriel F. ARGITERIAREN DISEINUA / DISEÑO DE ILUMINACIÓN: Pedro Fresneda ARGIZTATZAILEA BIRAN / ILUMINADORA EN GIRA: Cristina Libertad Bolivar ZUZENDARITZA / DIRECCIÓN: Igor Calonge PRODUKZIOA / PRODUCCIÓN: Beatriz Churruca LAGUNTZAILE / COLABORA: Teatro Ensalle, DSS 2016 Mugalariak, Donostia Kultura C.C. Egia K.E. (Gazteszena), Dantzagunea (GFA / DFG) Eusko Jaurlaritzak diruz lagunduta / Subvenciona, Gobierno Vasco KOPRODUKZIOA / CO-PRODUCE: BAD Bilbao 2015

Del cielo cae energía desatada, cólera encendida, ascuas infla-madas que al tocar nuestras cabezas se convierten en caricias de agua, puras bondades, que nos riegan como macetas. Perdidos en el desierto, sedientos de todo lo que cae del cielo. Mirar hacia arriba y no poder llegar. No conseguimos alcanzar la infinitud que ante nuestros ojos se exhibe, la misma palabra desespera. No hay paz en nuestro espacio construido, y la naturaleza se mantiene, obsti-nada, potente, implacable.

Neurritasun gabeko energia, amorru-sua, txingar erreak erortzen ari zaizkigu zerutik, eta loreontziak bezala ureztatzen gaituzten ur-laztan, ontasun huts bihurtzen dira gure buruak ukitzean. Ba-samortuan galduta, zerutik erortzen denaren egarri. Gora begiratu eta ezin iritsi. Ezin gara gure begien aurrean dugun amaigabeta-sunera iritsi, hitzak berak etsiarazi egiten du, zure gorputzaren larrua bera, urez betea eta lastatua gogorarazten dizu, eta ez dizu uzten jauzi egiten, hurrengo ekaitza iragartzen duten hodeiez betetzen den zerua ukitzen.

TORMENTACielo RasoGazteszena (Egia) | 13:00Dantza / Danza [ 50 min ]

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AKTOREAK / REPARTO: Lola Casamayor, Garbiñe Insausti y Alberto Huici DRAMATURGIA / DRAMATURGIA: Ozkar Galán ESZENOGRAFIA ETA JANTZIAK / ES-CENOGRAFÍA Y VESTUARIO: Ikerne Giménez ARGITERIAREN DISEINUA / DISEÑO DE LUCES: The Blue Stage Family PRODUKZIOA / PRODUCCIÓN: L´atelier – Kulunka Teatro BANAKETA / DISTRIBUCIÓN: Proversus ZUZ.LAGUNTZAILEA / AYTE DIRECCIÓN: José Dault ZUZENDARITZA / DIRECCIÓN: Fernando Soto

Taxidermia de un Gorrión narra el encuentro ficticio entre Camile Schultz, una reportera especializada en fotografiar animales, y una gran diva, Edith Piaf. Una controvertida entrevista que se convertirá en una auténtica disección acerca del origen, la naturaleza y la necesidad de creer y crear Mitos. Un viaje emocional a través de los acontecimientos que han propiciado el nacimiento y ocaso de una estrella, de una Diosa, aunque sea con pies de barro.Kulunka Teatro produce con L´Atelier la puesta en escena del texto del dra-maturgo Ozkar Galán.

Fikziozko topaketa bat, Camile Schultz animaliak fotografiatzen espezializatu-tako erreportariaren eta Edith Piaf diva handiaren artean. Elkarrizketa eztabai-daz beteriko hori azterketa xehe bihurtuko da mitoen jatorriaz, mitoen izaeraz, mitoetan sinesteko eta mitoak sortzeko beharraz. Bidaia emozional bat, izar baten, jainkosa baten –buztinezko oinak dituen jainkosa baten– sorrera eta gainbehera ekarri duten gertaeretan barrena. Kulunka Teatrok Ozkar Galán dramaturgoaren testu baten eszenaratzea ekoitzi du L’Atélier-ekin batera.

TAXIDERMIA DE UN GORRIÓNL’ Atelier & Kulunka Teatro Estreinaldia Euskal Herrian / Estreno en Euskal Herria

Intxaurrondo K.E. | 11:30Antzerkia / Teatro [ 80 min ] Castellano

© Gabriel F.


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Sardine y Gabriel son dos jóvenes franceses que se conocen desde pe-queños. Ella vive en la Bretaña, y él al este. Cada verano y cada mes de febrero, coincidiendo con los carnavales, Gabriel viaja para reencontrase con Sabrina al borde del mar, allí donde todo es posible. Ella sueña con huir, él con reencontrarla. ¿Por qué se encuentran siempre en ese banco azul, frente al Océano?. Una obra magnífica de la mano de dos jóvenes actores.

En este espectáculo el artista quiere fu-sionar la música tradicional vasca con el flamenco. La tierra que le vio nacer con la tierra que le hizo crecer como artista. Dos culturas diferentes, dos estilos de música diferentes que las une con todo su respe-to para crear un espectáculo flamenco. El artista indaga en los bailes regionales vascos y lo lleva a su sentir flamenco. Ve-remos como dos culturas pueden unirse, entenderse y quererse. Todos estos adje-tivos se van a ver reflejados en una bonita historia de amor lleno de sentimientos, fuerza y talento.

Sabrina eta Gabriel bi gazte frantses dira, elkar txikitatik ezagutzen dute-nak. Neska Bretainian bizi da, eta mutila ekialdean. Udan eta otsailean, urtero, inauteriak direla eta, Gabriel Sabrina ikustera joan ohi da itsaser- tzera, hots, dena posible den leku hartara. Neskak ihesa du amets; muti-lak, neska berriz han aurkitzea. Zergatik egiten dute topo beti banku urdin horretan, itsasoaren aurrean? Bizitza oso bat, gertaeraz betea, patuak alderantzikatzen, dei indartsuei aurre egin ezinik, denbora aurrera doalarik alde guztietarantz.Obra bikaina, bi aktore gazteren eskutik.

Ikuskizun honetan, artistak bat egin nahi ditu euskal musika tradizionala eta fla-menkoa. Jaioleku duen lurra eta artista gisa hazi zeneko lurra.Errespetu osoz batzen ditu bi kultura desberdin, bi musika-estilo desberdin, flamenkoko ikuskizuna sortzeko. Artis-tak euskal dantzetan arakatu, eta bere sentimendu flamenkora eramaten ditu. Ikuskizun honetan, ikusiko dugu nola bi kulturak bat egin dezaketen, elkar uler-tu eta maita dezaketen. Ezaugarri horiek guztiak agertuko dira maitasun-historia polit, sentimenduz, indarrez eta talentuz bete batean.

À LA RENVERSEKarin Serres - Théâtre Du Rivage Estreinaldia Estatuan / Estreno en el Estado

Tabakalera Patioa | 17:30Dantza / Danza [ 70 min ] Francés Azpitituluak / Subtítulos: euskara, castellano

DANTZARIJesús Herrera Estreinaldia / Estreno

Antzoki Zaharra / Teatro Principal | 19:00Dantza / Danza [ 75 min ]

DANTZARIAK / INTÉRPRETES: Mathilde Panis (Sardine), Carol Cadilhac (Gabriel) TEKNIKARIAK / TÉCNIC@S: Peggy Marcatel, Kevin Grin, Cyril Babin PRODUKZIOA / PRODUCCIÓN: Teatro du Rivage, Office Artistiquita de la Región Aquitania (OARA), Trés Tôt Teatro (Quimper), CCAS France, Consejo departamental des Pyrenéos Atlánticos, Consejo Regional de Aquitania

ZUZENDARITZA eta KOREOGRAFIA / DIRECCIÓN y COREOGRAFíA: Jesus Herrera ZUZEN-DARI LAGUNTZAILEA ETA KOREOGRAFIA / ASISTENTE DE DIRECCIÓN Y COREOGRAFÍA: Lola Jaramillo MUSIKA ZUZENDARITZA / DIRECCIÓN MUSICAL: J.Manuel Tudela y Jesus Herrera ARTISTA GONBIDATUA / ARTISTA INVITADA: Lola Jaramillo GITARRA / GUITARRA: J.Manuel Tudela KANTUA / CANTE: Cristina Tovar y Rosario Amador PERKUSIOA / PERCU-SIÓN: Raul Botella BIOLINA / VIOLÍN: David Moñiz ARGIZTAPEN DISEINUA eta TEKNIKARIA / TÉCNICO y DISEÑO ILUMINACIÓN: Oscar Gomez SOINU TEKNIKARIA / TÉCNICO DE SO-NIDO: Pepe Carnacea JANTZIEN DISEINUA / DISEÑO DE VESTUARIO: Lopez de Santos

AKTOREA / ACTRIZ: Belen Nevado TESTUA / TEXTO: Belen Nevado ZUZENDARITZA / DIRECTORA: Belen Nevado ZUZENDARI LAGUNTZAILEA / ASISTENTE DE DIRECCIÓN: Javi Huete SOINU TEKNIKARIA / TÉCNICO DE SONIDO: Javi Huete ARGIEN TEKNIKARIA / TÉCNICO DE ILUMINACIÓN: Javi Huete

La doctora Mastur Batetu Cándida, experta en pérdidas de identidad y de orina, pone en práctica su programa Txumino Power Revolution partiendo de la base de que sobre un poderoso suelo pélvico se puede reconstruir un enérgico techo mental...

Mastur Batetu Candida doktorea identitate galera eta gernu isurietan aditua da eta Txumino Power Revolu-tion programa jarri du martxan; horren arabera, buru-sabai kementsua berre-raiki daiteke pelbisaren zoru indartsu bat oinarri izanda...

OVARIOS VERDES FRITOSDetritus Teatrus2016 Gunea / Espacio 2016 | 24:00Antzerkia / Teatro [ 75 min ] Castellano

¿Por qué nos suena mejor Alabama que Álava? ¿Por qué? Llopis se siente muy americano. Americano del norte. De los buenos. Come hamburguesas. Le gustan las hamburguesas al igual que las personas, poco hechas. Llopis vive la vida de otros. O vive la suya siendo otro. El cine, la publicidad, el falso sue-ño americano y el tragar basura desde la infancia han convertido a Llopis en un ser que dobla esquinas, que respi-ra como puede, que late al compás del vacío, que trepa en ese montón de los que son del montón. Un personaje ais-lado rodeado de ciudades aisladas, de vidas aisladas. Alguien que sueña con dejar este planeta en el que ahora está de paso. Llopis es el hombre lobo va-lenciano. Una luna enigmática y un ape-llido de tintes licántropos. Llopis es la historia de uno que quiso ser alguien.

Zergatik belarriratzen zaigu hobeto Ala-bama Araba baino? Zergatik? Llopis oso amerikar sentitzen da. Iparrame-rikar. Onenetarikoa. Hanburgesak jaten ditu. Hanburgesak pertsonak bezala gustatzen zaizkio, gutxi eginak. Llopisek besteen bizitza bizi du. Edo beste bat izanez bizi du berea. Zineak, amerikar amets ustelak eta haurtzarotik zaborra irensteak bihurtu dute Llopis kale-kan-toietako izaki, arnasa ahal bezala hartzen duena, hutsaren peskizan dabile-na, arruntak direnen pila arrunt horren gainera igotzen dena. Pertsonaia bakar-tu bat, hiri bakartuz eta bizitza bakartuz inguratua. Planeta honetatik alde egitea amesten duen norbait, orain iragaitzaz baita bertan. Llopis valentziar gizotso bat da. Ilargi enigmatiko bat, likantropo-kutsuko abizen bat. Llopis norbait izan nahi zuen baten historia da.

LLOPISLa Teta Calva Estreinaldia Euskal Herrian / Estreno en Euskal Herria

Espacio 2016 Gunea 20:30 / 22:45 (akreditatuentzat / para acreditadas-os) Antzerkia / Teatro [ 75 min ] Castellano

TESTUA, ZUZENDARITZA, ANTZEZPENA, ESZENOGRA-FIA eta ARGIZTAPENA / TEXTO, DIRECCIÓN, ACTOR, ESCENOGRAFÍA e ILUMINACIÓN: Xavo Giménez SOINU DISEINUA / DISEÑO SONORO: Lukas Lemann ARGAZ-KIAK eta KOMUNIKABIDEAK / FOTOGRAFÍA y PRENSA: Iaia Cárdenas ILUSTRAZIOA / ILUSTRACIÓN: Julia Valencia PRODUKZIOA / PRODUCCIÓN: La Teta Calva BANAKETA / DISTRIBUCIÓN: a+ Soluciones Culturales

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PROIEKTUAREN ZUZENDARIA / DIRECTOR DEL PROYECTO: Jon Maya KOREOGRAFIA / COREOGRAFÍA: Marcos Morau - La Veronal DRAMATURGIA: Pablo Gisbert - El Conde de Torrefiel PRODUKZIOA / PRODUCCIÓN : Kukai Dantza Konpainia DANTZARIAK / BAILARINES: Alain Maya, Eneko Gil, Urko Mitxelena, Ibon Huarte, eta Matxel Rodriguez ZUZENEKO ABESLARIA / CANTANTE EN DIRECTO: Erramun Martikorena

Oskara aúna dos universos coreográficos diferentes, dos miradas di-versas: se basa en la cultura vasca tradicional como punto de partida para la creación; al mismo tiempo, se trata de una obra creada des-de la perspectiva de artistas de vanguardia contemporáneos. Es una especie de instalación que recorre diversos aspectos de la cultura vasca y sus mitos desde su origen hasta la época contemporánea, dibujando un recorrido plástico y emocional a través de símbolos e iconografías plenos de fuerza y de encanto. Encierra en sí la expe-riencia humana de la manera más absoluta. El código dramático tiene por objeto un espectáculo articulado mediante un lenguaje de una abstracción profunda, casi violenta. Únicamente el orden de las com-posiciones le confiere un sentido sensorial.

Oskarak bi unibertso koreografiko ezberdin batzen ditu, bi begirada ezberdin: Euskal Herriko kultura tradizionalean du oinarria eta sorme-nerako abiapuntua; eta, era berean, gaur egungo abangoardiazko ar-tisten ikuspegitik sortutako artelana izango da. Instalazio moduko lan bat da, zeinak euskal kulturaren eta mitoen hainbat ataletatik igarotzen den, bere jatorritik aro garaikidera, eta indar bikoitz eta harri-duraz beteriko sinbolo eta ikonografien ibilbide plastiko zein emo-zionala marrazten duten. Modu absolutuenean, bere baitan giza es-perientziaren historia gordetzen du. Kodigo dramatikoa abstrakzio sakona duen, ia bortxazko, lengoai batean artikulatutako ikuskizun baterantz doa. Soilik konposizioen ordenak eman ahalko dio esanahi sentsorial bat.

OSKARAKukai Dantza – Marcos Morau / La VeronalVictoria Eugenia Antzokia | 20:30 Dantza / Danza [ 60 min ] Euskara Azpitituluak / Subtítulos: français, english

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EGILEA / AUTOR: Ivan Cotroneo ZUZENDARIA / DIRECTOR : Fernando Bernués ITZULPENA / TRADUCCIÓN: Ritxi Lizartza ESZENOGRAFIA / ESCENO-GRAFÍA: Fernando Bernués, Edi Naudo ARGIZTAPENA / ILUMINACIÓN: Xabier Lozano JANTZIAK / VESTUARIO: Ana Turrillas INTERPRETEAK / INTÉRPRE-TES: Ander Iruretagoiena, Mireia Gabilondo, Haritz Morrás ZUZENDARITZA TEKNIKOA / DIRECCIÓN TÉCNICA: Edi Naudo ZUZENDARI LAGUNTZAILEA / ASISTENTE DE DIRECCIÓN: Vito Rogado DISEINU GRAFIKOA / DISEÑO GRÁFICO:Javier Alonso EKOIZPEN EXEKUTIBOA / PRODUCCIÓN EJECUTIVA: Koro Etxeberria

Lorenzo tiene quince años, y tras dejar el orfanato se ha ido a vivir con una familia de acogida en una pequeña ciudad italiana. Allí se enamorará de Antonio. Antonio tiene problemas para demostrar sus sentimientos y no sabe cómo reaccionar al afecto demostrado por Lorenzo. Elena, la profesora que ansía transmitir a sus alumnos el valor que le falta a ella, será testigo de todo esto.Estos tres personajes, son los protagonistas de una excelente historia de amor, odio y violencia. Y en medio, un beso, un simple beso que puede desencadenar la locura....

Lorenzok hamabost urte ditu, eta umezurztegia utzi eta abegi-familia batekin bizitzera joan da, Italiako hiri txiki batera. Han, Antoniorekin maiteminduko da. Antoniok sentimenduak adierazteko zailtasunak ditu, eta ez daki nola erantzun Lorenzok erakutsitako afektuari. Elena, berari falta zaion adorea ikasleei emateko gogotsu dagoen irakaslea, horren testigu izango da. Hiru pertsonaia horiek dira maitasun. gorroto eta indarkeriari buruzko obra bikain baten protagonistak. Eta erdian, musu bat, eromena eragin dezakeen musu bakar eta sinple bat...

UN BESO MUXUATanttaka TeatroaTabakalera, Sala Ruiz Balerdi Aretoa | 8; CAS: 16:00 EUS: 19:00

9; CAS: 16:00 EUS: 19:00Antzerkia / Teatro [ 60 min ] Euskara / Castellano Azpitituluak / Subtítulos: français, english


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IDEIA / IDEA: Natalia Monge SORKUNTZA / CREACIÓN: Colectiva DANTZARIAK: Helena Golab, Natalia Monge MUSIKA KONPOSIZIOA / COMPOSICIÓN MUSICAL: Laurent Etxemendi JAN-TZIAK eta PRODUZKIOA / VESTUARIO y PRODUCCIÓN: Organik

IRRINTZI: grito estridente, sonoro y prolongado, de un solo aliento.

Su uso ha tenido varias funciones a lo largo de la historia, pero optamos por el poder comunicador del irrintzi que se lanza como explosión de alegría en fies-tas populares y otros eventos. Es un grito espontá-neo y liberador que genera empatía en el oyente y le emociona. Abstraemos su vibración y la exportamos al sonido y al cuerpo.

IRRINTZI: oihu zorrotz, ozen eta luzea, arnasaldi baka-rrekoa.

Hainbat eratan erabili izan da historian zehar, baina irrintziaren komunikazio-ahalmena aukeratuko dugu, alaitasun-adierazpen gisa jaurtitzen baita herri-jai eta halakoetan. Bat-bateko oihua da, askatzailea, eta en-patia eragiten du entzuleagan, emozionatu egiten du. Bibrazioa aterako diogu, eta soinura eta gorputzera eramango dugu.

IRRINTZIOrganik Dantza - Antzerki Estreinaldia / Estreno

Intxaurrondo K.E. | 11:30Dantza / Danza [ 65 min ]

Érase una vez… o esto ya lo está dicien-do alguien? de Jaime Chabaud, no es un ensayo social sobre el tema de la guerra o de la emigración. No es anecdótico, no presenta una estructura fabulada, no es un documento estadístico, es sobre todo, una provocación metalingüística y teatral que en sí misma, rompe una frontera para crear otra, como las ven-tanas que dejan ver el afuera sin olvidar los adentros de las casas. Una frontera a la que se llega por un camino, no sa-bemos cuál, pero que nos planta cada día como reto, descubrir y vivir, cada día, cada segundo como nuevo, como vivo, como real.Esperamos descubrir todos los días con ustedes este camino y lo deseamos compartir de buena gana, aunque sea con los ojos claros, avispados y alertas, como los ojos de un conejo, en medio del desierto.

Jaime Chabaud-en Érase una vez… o esto ya lo está diciendo alguien? ez da saiakera sozial bat gerraren edo emi-grazioaren gaiari buruz. Ez da pasadizo huts bat, ez du egitura fabulatua, ez da dokumentu estatistikoa; batik bat, antzerki-probokazio metalinguistikoa da, muga bat hautsi eta beste bat sortzen duena, hala nola leihoak, kanpokoa ikusten uzten baitute, bai, baina ba-rrukoa ahazten utzi gabe. Muga horre-tara bide batetik iristen da; ez dakigu zer bidetatik, baina erronka egiten digu egunero, nola aurkitu eta nola bizi egun bakoitza, segundo bakoitza, berria, bi-zia, erreala balitz bezala.Bide hori zuekin batera aurkitzea espe-ro dugu egunero, gogo onez partekatu nahi dugu, baita begi argiz, zoliz, ernez bada ere, untxi batenak diruditen be-giez, basamortuaren erdian.

ÉRASE UNA VEZ… (Oc ye Nechca)Carretera 45 Teatro AC Estreinaldia Europan / Estreno en Europa

Imanol Larzabal (Lugaritz) | 10:00 Antzerkia / Teatro [ 70 min ] Castellano

EGILEA / AUTOR: Jaime Chabaud ZUZENDARITZA / DI-RECCIÓN: Marco Vieyra AKTOREAK / ELENCO: Margarita Lozano, Christian Cortés, Leonardo Zamudio, Julian Perdo-mo, Hasam Díaz, Antonio Zuñiga KONPAINIA / COMPAÑÍA: CARRETERA 45 TEATRO AC KOPRODUKZIOA / CO-PRO-DUCCIÓN: TEATRO UNAM, CARRETERA 45, TEATRO ACESCENOGRAFIA eta ARGIZTAPENA / ESCENOGRAFÍA E ILUMINACIÓN: Philippe Amand JANTZIEN DISEINUA / DI-SEÑO DE VESTUARIO: Mario Marín del río JATORRIZKO MUSIKA eta ELEKTROAKUSTIKA / MÚSICA ORIGINAL y ELECTROACÚSTICA: Iker Arce ZUZENDARITZA eta PRO-DUKZIO LAGUNTZAILEAK / ASISTENTES DE DIRECCIÓN Y PRODUCCIÓN: Enrique Flores, Irma Hermoso luna ESZE-NAKO PINTURA / REALIZACIÓN DE PINTURA ESCÉNICA: Paso de Gato


Kaspar Hauser apareció en 1828 en una plaza de Nuremberg. No sabía hablar ni había visto nunca a nadie. Apenas podía mantenerse en pie. Había permanecido encerrado toda su vida en un calabozo.Kaspar Hauser o cómo se baila el primer encuentro con el mundo des-pués de 17 años de sombra y de silencio: mirarlo todo con los ojos de quien no esperaba ni necesitaba el mundo. Bailar la naturaleza poética y salvaje de lo humano.Solo de danza contemporánea acompañado de música original inter-pretada en directo por piano y percusión.

Kaspar Hauser 1828ko maiatzean agertu zen Nuremberg-eko pla-zan. Ez zekien hitz egiten, eta ia ezin zen zutik egon. Ziega batean giltzapetuta egona zen, ez zuen beste inor ikusi, eta ez zekien ezertxo ere kanpoko munduaz.Kaspar Hauser, edo nola dantzatu munduarekiko lehen elkartzea, 17 urtez itzalpean eta isiltasunean bizi ondoren: mundua espero eta behar ez zuen norbaiten begiez begiratu guztiari. Dantza garaikideko soloa; jatorrizko musika, pianoz eta perkutsioz zuzenean jota.

KASPAR HAUSER, EL HUÉRFANO DE EUROPALa Phármaco Estreinaldia / Estreno

Tabakalera, Patioa | 17:30Dantza / Danza [ 60 min ]

ZUZENDARITZA ARTISTIKOA eta KOREOGRAFIA / DIRECCIÓN ARTÍSTICA y COREOGRAFÍA: Chevi Muraday ESZENA ZUZENDARITZA eta DRAMATURGIA / DIRECCIÓN ESCENA y DRAMATURGIA: Da-vid Picazo ZUZ. LAGUNTZAILEA / ASISTENTE DIRECCIÓN: Manuela Barrero DANTZARIAK / INTÉR-PRETES: Carmen Angulo, Manuela Barrero, Chevi Muraday, Verónica Ronda, Paloma Sainz-Ajá, Silvia Marty MUSIKA ZUZENDARITZA / DIRECCIÓN MUSICAL: Pablo Salinas JATORRIZKO MUSIKA / MÚ-SICA ORIGINAL: Pablo Salinas y Mariano Marón JANTZIEN DISEINUA / DISEÑO DE VESTUARIO: Ana López Cobos JOSKINTZA / SASTRERÍA: Marisa Maggi BIDEO DISEINUA / DISEÑO DE VÍDEO: Emilio Valenzuela ESZENOGRAFIAREN DISEINUA eta ERAIKUNTZA / DISEÑO y CONSTRUCCIÓN ESCENO-GRAFÍA: David Cubells GIROTZEA / AMBIENTACIÓN: Alessio Meloni ARGIZTAPENA / ILUMINACIÓN: David Picazo ARGAZKIAK / FOTOGRAFÍA: Jacobo Medrano PRODUKZIO EXEKUTIBOA / PRODUC-CIÓN EJECUTIVA: Amanda R. García PRODUKZIOA / PRODUCE: LOSDEDAE, Fundación V Centenario del Nacimiento de Santa Teresa de Jesús

Santa Teresa es a la vez escritora y pro-tagonista de sus propias narraciones: vive, sufre, supera, y finalmente narra, con una voz inconfundible, las aven-turas que aparecen en sus escritos. A través del movimiento y la palabra nos adentraremos en el universo de Santa Teresa de Jesús. Viajar a través de la pasión de la fe de la Santa y entender su manera de ver la relación entre cuer-po y espíritu, dualidad que intentaremos comprender a través de los movimien-tos que como irán dibujando escenas que conformarán un espectáculo total.

Santa Teresa bere kontakizunen idazlea eta protagonista da aldi berean: bizi, sufritu, gainditu, eta azkenean kontatu egiten ditu, bere-berea duen ahotsez, idatzietan ageri diren abenturak. Mugi-menduaren eta hitzaren bitartez, Santa Teresa Jesusenaren unibertsoan sar-tuko gara. Santaren fedearen pasioan barrena bidaiatu, eta gorputzaren eta espirituaren artean den lotura ikusteko duen modua ulertu. Bitasun hori uler- tzen saiatuko gara mugimenduen bidez, eszenak marraztuz joango baitira, ikus-kizun osozkoa eratu arte.

TERESA (ORA AL ALMA)Losdedae Estreinaldia Euskal Herrian / Estreno en Euskal Herria

Gazteszena (Egia) | 13:00Dantza / Danza [ 90 min ]

EGILEA / AUTORA: Luz Arcas ANTZEZPENA / INTERPRETACIÓN: Luz Arcas KONPOSIZIOA eta MUSIKA INTERPRETAZIOA / COMPOSICIÓN e INTER-PRETACIÓN MUSICAL: Carlos Gónzalez, pianoa KOREOGRAFIA / COREOGRAFÍA: Luz Arcas JANTZIAK / VESTUARIO: Herida de Gato ESZENOGRAFIA / ESCENOGRAFÍA: Ana Montes de Miguel ARGITERIA / ILUMINACIÓN: Jorge Colomer ARGAZKIAK / FOTOGRAFÍA: Javier Suárez Gómez BIDEOA / VÍDEO: Virginia Rota PRODUKZIOA / PRODUCCIÓN: La Phármaco PRODUKZIO ZUZENDARIA / DIRECTORA DE PRODUCCIÓN: Sofía Manrique ZUZENDARITZA ARTISTIKOA eta DRAMATURGIA / DIRECCIÓN ARTÍSTICA y DRAMATURGIA : Luz Arcas, Abraham Gragera

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© Javier Suárez

ZUZENDARITZA / DIRECCIÓN Franklin Martínez (Colombia) DRAMATURGIA, ZUZENEKO MUSIKA, BIDEOA eta AKTOREAK: / DRAMATURGIA, MUSIKA EN DIRECTO, VÍDEO E INTERPRETACIÓN: Franklin Martínez (Colombia) Leonardo Santillán (Ecuador) PRODUKZIOA / REALIZACIÓN: “LA MESTIZA” Proyecto de experimentación escénica. (Colombia / Ecuador)

Amazoniako oihana, epikoa eta amaiezina, bertako ipuin, mito eta kantuen bidez uler daiteke. La Mestiza esperimen-tazio eszenikorako proiektuak ekoitzitako eszenaratze bat da ÑUCANCHIK ANTISUYU RIMAN. Willian Ospina idazlearen El país de la canela liburuko zenbait zatitan oinarritua –non Francisco Orellanak eta Gonzalo Pizarrok kanela irrikatuaren bila egindako bidaia mitikoa kontatzen baita–, eta Ecuado-rreko Napo probintzian bildutako soinu, ikus-entzunezko eta ahozko oroitzapenetan.

La selva amazónica, épica e inabarcable se deja entender desde sus cuentos, sus mitos y sus cantos. ÑUCANCHIK ANTISUYU RIMAN es una puesta en escena producida por el proyecto de experimentación escénica La Mestiza. Basada en extractos del libro El País de la Canela del escritor William Ospina, de aquel viaje mítico de Francisco de Orellana y Gon-zalo Pizarro en búsqueda de la codiciada canela y la recopi-lación sonora, audiovisual y de memoria oral en la provincia del Napo - Ecuador.

ÑUCANCHIK ANTISUYU RIMAN (Habla nuestra selva)La Mestiza Estreinaldia Europan / Estreno en Europa

Espacio 2016 Gunea | 20:30 / 22:45 (akreditatuentzat / para acreditados)

Antzerkia / Teatro [ 70 min ] Castellano

EGILEA / AUTOR: Andrés Sopeña ZUZENDARITZA / DI-RECCIÓN: Fernando Bernués, Mireia Gabilondo AKTO-REAK / REPARTO: Loli Astoreka, Gurutze Beitia, Teresa Calo, Elena Irureta, Itziar Lazkano EKOIZPENA / PRO-DUCCIÓN: Tanttaka Teatroa

Historia del día a día de 5 muchachas sometidas a la absurda e ilógica brutalidad del sistema educativo que dominó la España de la postguerra. La escuela es el reflejo de la sociedad y de su ideología dominante. Y esa ideología había decidido poner al día el más profundo patriarcado medieval, y llevarlo a sus últimas consecuencias. La mujer fue el principal objetivo de la empresa moralizadora pues resultaba que la mu-jer estaba naturalmente destinada para el matrimonio y para las labores domésticas. Su carrera profesional venía a ser formar una familia y tener prole. Y en eso se ponían de acuerdo prácticamente tod@s: la maestra, el cura, los padres, los moralistas, las cupletistas, las escritoras de novelas rosas, las profesoras de gimnasia... En todos los escenarios de la acción se verá reflejada, a veces a las claras, a veces mediante retorcidos rodeos, que sólo existían dos tipos de mujeres: las decentes y las otras.

Gerraondoko Espainiako hezkuntza sistemaren krudeltasun absurdu eta zentzuga-bea jasaten duten bost neskatoren egunerokoa kontatzen du. Eskola gizartearen eta horren ideologia menderatzailearen isla zen. Ideologia horrek Erdi Aroko patriarkatu-rik sakonena berreskuratu eta azken ondorioetaraino ezartzea erabaki zuen. Emaku-meak izan ziren ekintza moralizatzaile horren helburu; izan ere, ezkontzea eta etxeko lanak egitea zen beren berezko bidea. Eta beren ibilbide profesionala, familia osatzea eta seme-alabak edukitzea. Horretan bat zetozen ia guztiak, emakumeak zein gi-zonak: maistra, apaiza, gurasoak, moralistak, kupletistak, eleberri arrosen idazleak, gimnasia-irakasleak... Eszena guztietan ikusiko da, batzuetan argi, besteetan itzulin-guru korapilatsuen bidez, bi emakume mota baino ez zeudela: zintzoak eta besteak.

EL FLORIDO PÉNSIL “NIÑAS”TanttakaAntzoki Zaharra / Teatro Principal | 19:00Antzerkia / Teatro [ 105 min ] Castellano

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ZUZENDARITZA / DIRECCIÓN: Alberto Castrillo-Ferrer DRAMATURGIA: Alberto Gálvez ANTZEZLEA / INTÉRPRETE: Rafael Maza

El Hipster, ¿nace o se hace? ¿Es usted, sin saberlo, un Hips-ter? ¿Qué fue antes: el Hipster o la gallina? Todos estos interrogantes y muchos más serán resueltos por el célebre comediante Rafael Maza, que tras su glamuroso espectácu-lo Solo Fabiolo ataca ahora con el personaje más cool de nuestro tiempo: el “Homo Hipster”.Nuestro Hipster se presenta en el teatro, (transformado para la ocasión en un cool center) como un ángel de la modernidad, con el objetivo de apaciguar inquietudes sobre el desafío creativo actual a través del co-working con los espectadores.Nos desnudará su alma post, nos hablará de sus orígenes retro, nos enseñará su blog y conoceremos a sus más se-lectas amistades en la esfera del diseño, la moda, el cine indie y la arquitectura.

Hipsterra, jaio ala egin egiten da? Zu zeu, hipsterra ote zara, zarenik jakin gabe? Zer izan zen lehenago: Hipsterra ala oiloa? Galdera horiei eta beste askori erantzungo die Rafael Maza komediante ospetsuak. Solo Fabiolo ikuskizun glamourosoaren ondoren, hemen dator berriro gure garaiko pertsonaiarik coolenarekin: “Homo Histerra”.Gure Hipsterra antzokian agertu da (antzokia cool center bi-hurtu dugu horretarako) modernotasunaren aingeru bat bai-litzan, gaur egun sorkuntzak duen erronkari buruzko kezkak baretzeko helburuz, ikus-entzuleekiko coworkingaren bitar-tez.Bere arima post-a biluztuko digu, jatorri retroaz hitz egingo, bloga erakutsiko, eta haren adiskiderik hautenak ezagutuko ditugu, diseinuaren, modaren, indie zinemaren eta arkitektu-raren eremukoak.

HEY BRO! HIPSTER SHOWFabiolo Estreinaldia Euskal Herrian / Estreno en Euskal Herria

Espacio 2016 Gunea | 24:00Antzerkia / Teatro [ 70 min ] Castellano

ZUZENDARIAK / DIRECTOR y DIRECTORA: Cesc Gelabert, Lydia Azzopardi IDEIA eta ZUZENDARITZA / IDEA y DIRECCIÓN: Cesc Gelabert KOREOGRA-FIA / COREOGRAFÍA: Cesc Gelabert dantzarien laguntzarekin. Cesc Gelabert, con la colaboración de los bailarin@s IKUS ENTZUNEZKOA / AUDIOVISUAL: Jordi Morató, Cesc Gelabert JATORRIZKO MUSIKA / MUSICA ORIGINAL: Borja Ramos JANTZIAK / VESTUARIO: Lydia Azzopardi ARGIZTAPENA / ILUMINACIÓN: Conxita Pons, Cesc Gelabert DANTZARIAK / BAILARINES y BAILARINAS: Daniel Corrales, Lluc Fruitós, Cesc Gelabert, Virginia Gimeno, Anna Hierro, Lorena Nogal, Luis Pedraza, Alberto Pineda

Foot-ball es la ocasión de ver en juego a los bailarines de Gelabert Azzopardi descodificando, coreográficamente, algunas de las me-jores jugadas del FC Barcelona. Según Pasolini, el fútbol es un len-guaje en el cual los jugadores escriben los signos con su cuerpo y los espectadores los descifran. Observando los movimientos de fut-bolistas y de bailarines, podemos percibir similitudes y diferencias.La hibridación de lenguas –inglés y catalán- que forman el título de este espectáculo sirve al coreógrafo Cesc Gelabert para presentar de forma conjunta una hibridación del fútbol y la danza.

Foot-ballek aukera ematen digu Gelabert Azzopardiren dantzariak arian ikusteko, koreografikoki deskodetzen FC Barcelonaren jokal-dirik onenak. Pasolinik zioenez, futbola hizkuntza bat da: jokalariek zeinuak idazten dituzte beren gorputzaz, eta ikusleek zeinuok des-zifratzen dituzte. Jokalari eta dantzarien mugimenduei begiratuz, antzekotasun eta desberdintasunak ikus ditzakegu. Ikuskizun honen izenburua osatzen duten hizkuntzak –ingelesa eta katalana– nahas-teaz baliatzen da Cesc Gelabert koreografoa futbola eta dantza– hi-bridatzeko.

FOOT - BALLGelabert - Azzopardi Companyia de Dansa Estreinaldia Euskal Herrian / Estreno en Euskal Herria

Victoria Eugenia Antzokia | 20:30Dantza / Danza [ 60 min ]

© Ros Ribas

ZERGATIK, JAMIL? ¿POR QUÉ, JAMIL?Tartean Teatroa Estreinaldia / Estreno

Imanol Larzabal (Lugaritz) | 9; EUS: 20:30 10; CAS: 10:00

Antzerkia / Teatro [ 75 min ] Euskara / Castellano Azpitituluak / Subtítulos: français, english

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EGILEA / AUTOR: Patxo Telleria ZUZENDARITZA / DIRECCIÓN: Jokin Oregi, Patxo Telleria AKTOREAK / ACTORES: Mikel Martinez, Eneko Sagardoy AR-GIZTAPENA / ILUMINACIÓN: Xabier Lozano IKUS ENTZUNEZKOAK / AUDIOVISUALES: Acrónica Producciones MUSIKA / MÚSICA: Pascal Gaigne DISEI-NU GRAFIKOA / DISEÑO GRÁFICO: Hirudika ARGAZKIAK / FOTOGRAFÍA: Guillermo Casas ESZENOGRAFIA: Eskenitek

Tras un golpe acabas de perder la memoria. Lo único que sabes, y es porque así te lo ha contado la policía, es que has matado de un dispa-ro a un hombre indefenso y con discapacidad que yacía en su cama. El hombre al que cuidabas hasta hace poco, concretamente. Tú que te tenías por un hombre honesto, has cometido un crimen deleznable. Y te preguntas: “¿Por qué, Jamil?”.

Kolpe bat jaso eta memoria galdu berri duzu. Dakizun bakarra, poliziak esan dizulako, zera da, tiroz hil duzula ohean zegoen gizon babesgabe eta desgaitua. Duela gutxira arte zaintzen zenuena, hain zuzen. Zeure burua duina eta zintzotzat duzu eta hala ere krimenik gorrotagarriena burutu duzu. Eta zure buruari galdetzen diozu: “Zergatik, Jamil?”.


© Guillermo Casas

EGOKITZAPENA eta ZUZENDARITZA / ADAPTACIÓN y DIRECCIÓN: Jaime Lorca, Teresita Iacobelli ,Christian Ortega AKTOREAK / INTÉRPRETES: Nicole Espi-noza, Jaime Lorca DISEINU AHOLKULARITZA / ASESORIA DE DISEÑO INTEGRAL: Eduardo Jiménez JATORRIZKO MUSIKA / MÚSICA ORIGINAL: Juan Salinas JANTZIAK / VESTUARIO: Loreto monsalve ARGIZTAPEN DISEINUA / DISEÑO DE ILUMINACIÓN: Tito Velásquez SOINU DISEINUA / DISEÑO DE SONIDO: Gon-zalo Aylwin ARGAZKIAK / FOTOGRAFÍA: Rafael Arenas-Sandra Zea AFITXEA / AFICHE: Hugo Covarrubias PRODUKZIOA / PRODUCCIÓN: Viajeinmóvil

ZUZENDARITZA, KOREOGRAFIA eta DANTZA / DIRECCIÓN, COREOGRAFÍA y BAILE: Marco Vargas, Chloé Brûlé ZUZENDARIAREN ONDOKOA / DIREC-CIÓN ADJUNTA :Evaristo Romero TESTUA eta ANTZEZPENA / TEXTOS e INTERPRETACIÓN: Fernando Mansilla KANTUA / CANTE Juan José Amador MUSIKA KONPOSIZIOA / COMPOSICIÓN MUSICAL Gabriel Vargas TORMENTA BIKOTEA / DÚO TORMENTA Gabriel Vargas (Gitarra / Guitarra), Manuel Montenegro (Bateria / Batería) ARGIZTAPENAREN DISEINUA / DISEÑO DE ILUMINACIÓN: Carmen Mori ESZENOGRAFIA / ESCENOGRAFÍA Antonio Go-doy JANTZIAK / VESTUARIO La aguja en el dedo, Fondo de armario GUAJIRAREN KOREOGRAFIA / COREOGRAFÍA GUAJIRA David Romero, Chloé Brûlé EKOIZPENA / PRODUCCIÓN El Mandaito Producciones BANAKETA / DISTRIBUCIÓN: Elena Carrascal 8co80 gestión cultural

OTELOViajeinmóvil Estreinaldia Euskal Herrian / Estreno en Euskal Herria

Intxaurrondo K.E. | 11:30Antzerkia / Teatro [ 75 min ] Castellano

LIBERTINOMarco Vargas & Chloé Brùlé Estreinaldia Euskal Herrian / Estreno en Euskal Herria

Gazteszena ( Egia ) | 13:00Dantza / Danza [ 60 min ] Castellano

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Una historia de envidia, odio, racismo, celos y traiciones, escrita por Shakespeare en 1604. La relación amorosa entre Otelo y Desdémona es puesta en jaque cuando Yago decide vengarse de su Almirante y amigo Otelo, después de no haber sido ascendido a teniente. La compañía chilena Viajeinmóvil presenta una adaptación de la tragedia utilizando un elaborado juego de manipulación de objetos, con un actor y una actriz representando a los personajes principales. Basada en “Otelo, el moro de Venecia “de William Shakespeare.

Los recuerdos penetran el ámbito del poeta. Personas, situaciones, reflexiones y emociones invaden la penumbra de su refugio y celda. Encierro voluntario construido de placeres, excesos y miedos. Una omnipresente jaula deshabitada le sirve de asidero cual símbolo de ataduras mentales y sociales. Las invocaciones de la memoria se revelan como seres independientes que, con luminosa vitalidad, preguntan, provocan y desafían a tomar una decisión: continuar el dorado aislamiento o participar en el flujo de la vida.

Bekaizkeriaz, gorrotoz, arrazakeriaz, zeloz eta traizioz beteriko historia bat, Shakespearek 1604an idatzia. Oteloren eta Desdemonaren arteko maite-harremanak kolokan jartzen dira Yagok bere Almirante eta lagun Oteloz mendekatzea erabakitzen duenean, lotinant postua eman ez diola eta. Viajeinmóvil txiletar konpainiak tragediaren egokitzapen bat aurkezten du, objektuak manipulatzeko jolas landu bat erabiliz, eta bi aktorek pertsonaia nagusiak jokatzen dituztela. William Shakespeareren “Otelo, el moro de Venecia”-n oinarrituta.

Oroitzapenak poetaren baitan sartzen dira. Pertsonak, egoerak, gogoetak eta emozioak barneratzen zaizkio babesleku duen ziegan. Nahita dago giltzapean, plazer, gehiegikeria eta bel-dur artean. Kaiola orojakile huts bat du helduleku, buruko eta gizarte-loturen sinbolo. Oroimenak dakarzkionak izaki beregain ageri dira, eta, bizitasun argiz, galdetu, probokatu, eta xaxa egiten diote erabaki bat har dezan: bakartasun gozo horretan jarraitu, ala bizitzaren jarioan parte hartu.

© Luis Castilla

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KITTO, yo lo dejoKITTO, nik utziko dutEn2do Prod.Tabakalera, Sala Ruiz Balerdi Aretoa | CAS: 16:00 EUS: 19:00Antzerkia / Teatro [ 45 min ] Castellano / Euskara

TESTUAK / TEXTOS: Teresa Calo, Carlos Zabala, Dorleta Urretabizkaia, Eneko Olasagasti AKTOREA / ACTRIZ: Amagoia Lauzirika MUSIKA / MÚSICA: Joserra Senperena JANTZIAK / VESTUARIO: Arantxa Lauzirika MUNTAIA TEKNIKOA / MONTAJE TÉCNICO: Eragin EKOIZPENA / PRODUCCIÓN: EN2DO DRAMATURGIA eta ZUZENDARITZA / DRAMATURGIA y DIRECCIÓN: Eneko Olasagasti

¿Qué dejamos, en realidad, cuando decimos que dejamos algo? Amagoia ha sido, es y quiere seguir siendo actriz. Pero también es madre, trabajadora y esposa… en Euskadi. Y el día que cumple 40 años dice: yo lo dejo.

Zer uzten dugu, benetan, zerbait utziko dugula esaten dugunean? Ama-goia aktorea izan da, da eta izaten jarraitu nahi du. Baina ama da baita ere, langilea eta emaztea… Euskal Herrian. 40 urte betetzen dituen egu-nean zera esan du: Kitto, ni utziko dut.

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ETHERCollectif a.a.O Proiektuaren diseinua eta koreografia: Carole Verge / Diseño del proyecto y coreografía: Carole Verge Tabakalera, Patioa | 17:30 Estreinaldia Estatuan / Estreno en el Estado

Dantza / Danza [ 60 min ]

LA MIRADA DEL OTROProyecto 43-2 Estreinaldia Euskal Herrian / Estreno en Euskal Herria

Antzoki Zaharra – Teatro Principal | 19:00Antzerkia / Teatro [ 75 min ] Castellano

DANTZA, IRUDIA, BIDEOA eta ANTZEZPENA / DANZA, IMAGEN, VÍDEO e INTERPRETACIÓN: Carole Vergne LAGUNTZA ARTISTIKOA eta ANTZEZPENA / COLABORACIÓN ARTÍSTICA e INTERPRETACIÓN: Hugo Dayot ARGITERIAREN DISEINUA / DISEÑO DE ILUMINACIÓN: Maryse Gautier MUSIKA / MÚ-SICA: Laurent Sassi LAGUNTZA ARTISTIKO eta TEKNIKOA / COLABORACIÓN ARTÍSTICA y TÉCNICA: Bastien Capela ADMINISTRAZIOA, EKOIZPENA / ADMINISTRACIÓN, PRODUCCIÓN: Pascale Garbaye

AKTOREAK / REPARTO: Estibaliz Curiel, Pablo Rodríguez, María San Miguel ZUZENDARITZA / DIRECCIÓN: Chani Martín DRAMATURGIA: Maria San Miguel, Chani Martín MUSIKA KONPOSIZIOA / COMPOSICIÓN MUSICAL: Jorge Arribas ESPAZIO ESZENIKOAREN DISEINUA / DISEÑO ESPACIO ESCÉ-NICO: Karmen Abarca EKOIZPENA / PRODUCCIÓN: Preyecto 43-2 ZUZENDARI LAGUNTZAILEA / AYUDANTE DE DIRECCIÓN: Javier Galán

Una inmersión coreográfica y virtual que tiene su fuente en la explo-ración espacial de un territorio gráfico y onírico llamado Western. ETHER es el primer personaje de la serie Western. Un ser cuyo poten-cial de adaptación está a la escucha del entorno inestable, de un pai-saje en flujo inasible… Ether es una experiencia de un desequilibrio, de un diálogo flexible con el peso, de un ir y venir que se inscribe en la profundidad de campo...

Una sala en la cárcel. Tres personas: la mediadora, la víctima y el victimario. Sus ojos. Los ojos del otro. ¿Son más cosas las que nos unen a los demás o las que nos separan de ellos?A finales de 2010 sale una carta de la cárcel de Nanclares de la Oca (Álava) en la que un grupo de disidentes de ETA muestran su disposición para entrevistarse con las familias de sus víctimas La mirada del otro lleva a escena la historia de un encuentro. Desde su preparación hasta el momento en el que se produce.

Murgilaldi koreografiko eta birtuala, iturria Western deitzen zaion lurral-de grafiko eta ametsezko baten esplorazio espazialean duena. ETHER da Western serieko lehen pertsonaia. Izaki bat zeinaren egokitzeko ahalmena ingurune ez-egonkorrari adi baitago, jario atzemanezinean den paisaia bati... Ether desoreka baten esperientzia da, pisuarekiko solas malguaren esperientzia, eremu-sakontasunean den joan-etorri batena.

Gela bat kartzelan. Hiru lagun: bitartekaria, biktima eta kaltegilea. Haren begiak. Bestearen begiak. Zeintzuk dira gehiago: bestee-kin lotzen gaituzten gauzak ala besteengandik bereizten gaituz-tenak?2010aren azken aldera, gutun bat irten zen Langraiztik (Araba). Gutun hartan, ETAko disidente batzuek beren biktimen senideekin biltzeko prest zeudela adierazten zuten. La mirada del otro lanak elkartze baten historia eszenaratzen du. Hasi prestaketetatik eta elkartzea gertatzen den arte.

© Bastien Capela

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AIREBovoj Estreinaldia Euskal Herrian / Estreno en Euskal Herria

Victoria Eugenia Antzokia | 20:30Dantza, kantu flamenkoa, musika eta poesia / Danza, cante flamenco, música y poesía [ 60 min ] Castellano

EL CANTA, YO CUENTO , KONTZERTUA + AFARI DOMINIKARRAFreddy Ginebra, Víctor Víctor, Juan Francisco OrdoñezEspacio 2016 Gunea | 22:00 (akreditatuentzat / para acreditadas-os)

INTERPRETEAK / INTÉRPRETES: Compañía Bovoj, Alejandro Aragón, Alonso Aragón, Gonzalo Aragón, Rodrigo Aragón, Punch Domínguez Aragón EGI-LEAK / AUTORES: Paco Mir, Compañía Bovoj, Emilio Aragón ZUZENDARITZA / DIRECCIÓN: Paco Mir ZUZENDARIAREN LAGUNTZAILEA / AYUDANTE DE DIRECCIÓN: Edu Pericas JANTZIAK / VESTUARIO: Gabriela Salaberri MUSIKA / MÚSICA: Alarmantiks ARGIZTAPENA / ILUMINACIÓN: Adisar Media SOINUA / SONIDO: Juan Carlos Ramírez MUSIKA ZUZENDARITZA / DIRECCIÓN MUSICAL: Alonso Aragón ZUZENDARITZA TEKNIKOA / DIRECCIÓN TÉCNICA : Carlos Carmona EKOIZPEN LAGUNTZAILEA / ASISTENTE PRODUCCIÓN: Florencia Claes EKOIZPEN AHOLKULARITZA / ASESORAMIENTO DE PRODUCCIÓN: Anexa EKOIZPEN EXEKUTIBOA / PRODUCCIÓN EJECUTIVA: Itziar Puga EKOIZPENA / PRODUCCIÓN: Caribe Teatro

A través de la música, la percusión y de los efectos sonoros se des-cubre en clave de humor la historia de cuatro ‘entes’. Los veremos nacer y evolucionar con la ayuda de un viejo chamán. Se comunican a través de la música y de los sonidos que obtienen a partir de los más de 150 elementos, entre instrumentos de juguete y objetos, que utili-zarán durante la función. Un espectáculo para todos los públicos que utiliza la música como lenguaje universal. Con una estética cuidada y contemporánea, hace de la música y el ritmo su propuesta vital.

El canta yo cuento, es un divertimento íntimo entre canciones y cuentos. Víctor Víctor, laureado cantautor dominicano, Freddy Gi-nebra, promotor cultural y director de Casa de Teatro y Juan Fran-cisco Ordoñez guitarrista y director musical, se dan la mano, con sus más bellas y reconocidas canciones, el otro, narrando las his-torias que durante más de diez años ha estado publicando en la última página del periódico de mayor circulación del país.Se mezclan la risa, la nostalgia, alguna lágrima, con boleros, ba-chatas y canciones desgarradas en la guitarra de su autor.El Canta, yo cuento es un abrazo cálido de esa media isla que se llama República Dominicana a todos los donostiarras.

Musikaren, perkusioaren eta soinu-efektuen bitartez, umorearen bi-detik joango gara aurkituz lau “izaki” ren historia. Xaman zahar baten laguntzaz ikusiko ditugu jaiotzen eta hazten. Lau “izakiok” musikaren bidez eta funtzioan zehar –jostailuz eta bes-telako objektuz osatuta– erabiliko dituzten 150 elementu baino ge-hiagoren bitartez komunikatzen dira elkarrekin. Denentzako ikuskizun bat, musika hizkuntza unibertsaltzat darabilena. Estetika zaindu eta gaurkoa duelarik, musika eta erritmoa aurkezten dizkigu bizitzarako proposamentzat.

Abestien eta ipuinen arteko jolas barnekoi bat da. Víctor Víctor, domi-nikar kantautore saritua, Freddy Ginebra, kultur sustatzailea eta Casa de Teatroko zuzendaria, eta Juan Franciso Ordoñez gitarra jotzaile eta musika zuzendaria elkarri esku emanda datoz, bere abestirik ederren eta ezagunenekin, eta kontu-kontari, hamar urte baino gehiagoz he-rrialde hartako egunkaririk salduenaren azken orrialdean argitaratu dituen ipuinekin. Batetik, barreak, nostalgia, malkoren bat edo beste; bestetik, boleroak, bachatak eta kanta zirraragarriak egilearen gitarraz lagunduta; batzuk eta besteak nahasturik.El canta, yo cuento Dominikar Errepublika deritzon uharte erdi horrek donostiarroi eman nahi digun besarkada beroa da.

© Pedro Gato

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SARREREN SALNEURRIAKPRECIOS DE LAS ENTRADAS

SARRERA SALMENTAVENTA DE ENTRADAS

ANTZOKI ZAHARREKO LEIHATILATAQUILLA TEATRO PRINCIPALKale Nagusia 1Tel: 943 48 19 70De 17:00 hasta el inicio del espectáculo

VICTORIA EUGENIAKO LEIHATILATAQUILLA VICTORIA EUGENIAArgentinako Errepublika, 2Tel: 943 48 18 1811:30 –13:3017etatik ikuskizuna hasi arte / De 17:00 hasta el inicio del espectáculo

GAZTESZENA (EGIA K.E.)Baztan kalea / Calle Baztán, 21 Donostia / San Sebastián943 29 15 14

IMANOL LARZABAL ARETOA (LUGARITZ K.E.)Heriz, 20 Donostia / San Sebastián943 31 07 08

INTXAURRONDO K.E.Felix Gabilondo plaza, 1Donostia / San Sebastián943 27 93 43

Kultur Etxeen leihatilak, emanaldia hasi baino ordu bete lehenago zabaltzen dira.

Las taquillas de los Centros Culturales se abren una hora antes del inicio del espectáculo.

donostiakultura.com/sarrerak

Aldez aurretik / Venta anticipadaAntzoki Zaharra - Teatro Principal Gazteszena (Egia) Imanol Larzabal Aretoa (Lugaritz)Intxaurrondo K.E.Victoria Eugenia ClubOtsaila 11– 21 Febrero: 8ˆOtsaila 22 Febrero – Martxoa 6 Marzo: 10ˆ

Victoria Eugenia AntzokiaOtsaila 5 – 21 Febrero: 15ˆ / 8ˆOtsaila 22 Febrero – Martxoa 6 Marzo: 18ˆ / 10 ˆ

dFERIA bitartean / Durante dFERIAVictoria Eugenia Antzokia: 20 ˆ , 12 ˆ

Antzoki Zaharra-Teatro Principal Gazteszena (Egia)Imanol Larzabal Aretoa (Lugaritz)Intxaurrondo K.E. Victoria Eugenia Club: 12 ˆ

Deskontuak / Descuentos%10eko deskontua kolektibo hauentzat Descuento del 10% para los siguientes colectivos:Donostia Kultura Bazkideak / Socios Donostia KulturaLangabetuak / Personas en paro 30 urtetik beherako gazteak / Jóvenes menores de 30 Pentsiodunak eta 65 urtetik gorako pertsonak / Pensionistas y mayores de 65 Deskontu hau leihatiletan bakarrik gauzatuko da / Este descuento se llevará a cabo solo en las taquillas

Ordu gaztea30 urtetik beherakoek sarrerak 3 euroan erosteko eskaintza emanaldia hasi aurreko ordu erdian.Info+: Victoria Eugenia Antzokiko eta Antzoki Zaharreko leihatiletan.Entradas a 3 euros para menores de 30 años media hora antes del inicio del espectáculo.+ Info: en las taquillas del Teatro Victoria Eugenia y Teatro PrincipalDESKONTUAK EZ DIRA BATERAGARRIAK DESCUENTOS NO ACUMULABLESInformazio eguneratua Información actualizada: www.donostiakultura.com

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BANATZAILEAKDISTRIBUIDORESCÍA ERTZA Arantza Balentziaga / Asier Zabaleta688642736 / 663767699 | [email protected]

PAULA QUINTANA Carlos Martinez6784460559 | [email protected]

CHÉVERE Carlos Martinez6784460559 | [email protected]

TEATRO DO BAIRRO, AR DE FILMES Isabel Marques / Ana Barbosa Bordalo+35 1213420810 / +35 1915083210teatrodobairro.isabelmarques@[email protected]://www.teatrodobairro.org/

BOROBIL TEATRO Alberto Muyo Gracía630035923 | [email protected]

MONTGOMERY Fernando Pérez García607993766 | [email protected]://dancefromspain.feced.org/montgomery/

LA PHÁRMACO Sofía Sánchez Manrique687915108 | [email protected]

CIELO RASO Beatriz Churruca627336703 | [email protected]://www.ciacieloraso.com/

JESÚS HERRERA Jesús Herrera / Jesús Cañas600644038 / [email protected] / [email protected]

KUKAI DANTZA – MARCOS MORAU / LA VERONALDoltza Oararteta655739674 | [email protected]

LA TETA CALVA Mª Angeles Marchirant616533805 | [email protected]

DETRITUS TEATRUS Belén Nevado / Miguel Olmeda619946390 / [email protected] / [email protected]

CARRETERA 45 TEATRO AC Antonio Zúñiga+52 62721148 | [email protected]

ORGANIK DANTZA ANTZERKIA Rocío Pindado635708999 | [email protected]

EN2DO PROD. Eneko Olasagasti636472092 | [email protected]

TANTTAKA TEATROA Rocío Pindado635708999 | [email protected]

GELABERT-AZZOPARDI COMPAMYIA DE DANSAMaría Rosas934160068 / 637806820produccion@gelabertazzopardi.comwww.gelabertazzopardi.com

LA MESTIZA Franklin Martínez+593 (0)[email protected]

FABIOLO Isabel [email protected]://rfmaza.blogspot.com.es/

TARTEAN TEATROA María Goiricelaya / Ane Pikaza652946184 / 688617712 | [email protected]

VIAJEINMÓVIL Jaime [email protected]://viajeinmovil.cl/

LOSDEDAE Sergio Rubio667069744 | [email protected]

PROYECTO 43-2 Fran Ávila659462080 | [email protected]

MARCO VARGAS&CHLOÉ BRÛLÉ Elena [email protected] / [email protected]

BOVOJCaribe [email protected]

L’ATELIER&KULUNKA TEATRO Isis Abellán606608168 | [email protected]

LE COLLECTIF a.a.O Carole Vergne / Pascale Garbaye0033 (0)[email protected] / [email protected]

THEATRE DU RIVAGE Antonin Vulin0559236770 / [email protected]://theatredurivage.com/

FREDY [email protected]

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IKASTAROAK

ANTZERKIGINTZA BERRIAK

Victoria Eugenia Antzokia, Areto Balioaniztun bikoitiaMartxoaren 8a eta 9a | 10:00 – 17:30

Dramaturgia berrien programan parte hartzeko aukeratutako zortzi autoreak Donostiako Victoria Eugenia Antzokian bilduko dira taldean jarraitzeko beren proposamenak lantzen, Patxo Telleria eta Mireia Gabilondo arte eszenikoetako profesionalekin batera. Donostia 2016 Fundazioak, Victoria Eugenia Antzokiak eta Gasteizko Principal Antzokiak eta Bilboko Arriaga Antzokiak zortzi autoreren proposamenak aukeratu zituzten abenduan (Ozkar Galán, Olatz Gorrotxategi, Oier Guillan, Mikel Gurrea, Arantza Iturbe, Alejandro Prieto, Carmen San Es-teban eta María Velasco), deialdi ireki baten bidez. Otsailean Gasteizen bildu ondoren, martxoaren 8an eta 9an Victoria Eugenian izango da dramaturgiaren sorkuntzarako tailerra. Apirilean izango da hirugarren eta azken topaketa, Bilbon. Horren ondotik, hasierako zortzi lanetatik hiru hautatuko dira, eta horiek ekoitziko dituzte parte hartzen duten antzokiek, eta hiru hiriburuetan antzeztuko dira. Pro-dukziorako laguntzaz gainera, hautaturiko pertsonek 3.300 euroko diru-laguntza jasoko dute. Dramaturgia Berriak proiektuaren xedea idazketa dramatiko berezi bat sustatzea da, ahots eta testu berrien bidez. Baita sortzaile eta dramaturgoen sare bat sortzea ere, Norberaren ohiko lana eta talde lan ez hain ohikoa bateratze bidean jarriz, sare horrek antzerkirako materiala sortuko du, eta material hori erreferentziatzat erabili ahal izango dute antzerkikonpainiek.

ClíniCa de la obsesión: ARTISTA ETA SORTZAILEENTZAKO MINTEGIA Matías Umpierrez

Victoria Eugenia Antzokia Otsailaren 29tik martxoaren 5raArratsaldez (15:00 -20:00), astelehenean izan ezik (15:00 – 18:00) 10 lagun, 50 ̂ Gaztelania

Artistentzako klinika global bat Matías Umpierrezen eskutik. Nola zedarritu artista baten sorkuntza-unibertsoaren geografia? Hau klinika bat da, laborategi bat, go-goeta-leku bat, artista bat obsesionatzen duen eta sortzeko bulkada pizten dion indar etengabea arakatzeko. Obsesioaren Klinika® hiriz aldatzen da, hizkuntzaz, herrialdez, egoiliarren obraren gorputza zeharkatzen duen gezia argitzeko. To-paketak parte-hartzaileen soslaia eta obra analizatuz eta eztabaidatuz eratzen dira, haien bilaketa, zer-nolako eta problematiketatik abiatuta.Ikasleen kopurua eta soslaia: Guztira, 10 artista hautatuko dira. Antzerki-zuzendari, zine-zuzendari, artista bisual, koreografo eta edozein artegintzatako sortzaileentzat, baldin eta proiektu bat sortu nahi badute. Artista horiek gutxienez bi obra izan beharko dituzte sortuak.

1. eskola. Otsailaren 29an, astelehenarekin, 15:00 – 18:00Martxoaren 1ean, asteartearekin. Eguna libre2. eskola. Otsailaren 2an, asteazkenarekin, 15:00 – 20:003. eskola. Martxoaren 3an, ostegunarekin, 15:00 – 20:004. eskola. Martxoaren 4an, ostiralarekin, 15:00 – 20:005. eskola. Martxoaren 5ean, larunbatarekin, 15:00 – 20:00

LAN-MAHAIAK

AKITANIA-EUSKADI TOPAKETAEtxepare Institutua (Tabakalera) Martxoaren 8a16:00 - 17:15

Akitania-Euskadi euro-eskualdeko kultur eragileen arteko lokarriak sortzeko asmoz, topaketa bat egingo da lurralde horietako programatzaileen artean, ESZENA.T proiektua zabaltzen saiatzeko (duela urte batzuk sortu zuten Baio-nako Scène Nationale-k eta Victoria Eugenia Antzokiak) eta lankidetza-formulak bilatzeko sare eraginkor eta dinamikoa eraikitze aldera, produkzioak babestu eta konpainien birak bultzatuko dituen sarea, hala aretoetan nola kalean.

Ikuskizunen alboan, jarduera paraleloek gero eta indar handiagoa hartu dute dFERIAn. Zenbait eragilerekiko elkarlanean egiten dira; besteak beste, Donos-tia 2016, Fundación Autor, Kutxa, COFAE eta EABrekin. Jarduera paraleloak ez dira mugatzen feriaren egunetara. Batzuk feria baino lehen hasten dira, eta feriaren barruan amaitzen.

Junto a la exhibición de los espectáculos, las actividades paralelas han ido tomando cada vez más fuerza en dFERIA. Se realizan en colaboración con varios agentes, tales como Donostia 2016, Fundación Autor, Kutxa, COFAE y EAB. Las actividades paralelas no se circunscriben exclusivamente a los días de la feria. Algunas de ellas comienzan días antes de la feria y tienen su momento final en el marco de la misma.

JARDUERA PARALELOAKACTIVIDADES PARALELAS

CURSOS

NUEVAS DRAMATURIAS

Sala polivalente par, Teatro Victoria Eugenia8 y 9 de marzo | 10:00 – 17:30

Las y los ocho autores seleccionados para participar en el programa de Nuevas dramaturgias se reunirán en el Teatro Victoria Eugenia de Donostia para conti-nuar trabajando en sus propuestas de forma colectiva acompañados de los pro-fesionales de la artes escénicas Patxo Telleria y Mireia Gabilondo. La Fundación San Sebastián 2016, el Teatro Victoria Eugenia, el Teatro Principal de Vitoria y el Teatro Arriaga de Bilbao eligieron en diciembre las propuestas de ocho autores (Ozkar Galán, Olatz Gorrotxategi, Oier Guillán, Mikel Gurrea, Arantza iturbe, Ale-jandro Prieto, Carmen San Esteba y María Velasco), mediante una convocatoria abierta. Tras el encuentro de Vitoria en en febrero, los dias 8 y 9 de marzo el taller de creación dramatúrgica se desarrollará en el Victoria Eugenia. En abril tendrá lugar el tercer y último encuentro, en Bilbao. Tras ello, de las ocho obras iniciales, se seleccionarán tres, que producirán los teatros participantes y que se representarán en las tres capitales. Además de la ayuda para la producción, las personas seleccionadas reciben una subvención de 3.300 euros. El proyecto Nuevas Dramaturgias pretende promover una escritura dramática propia me-diante voces y textos nuevos. También tiene como objetivo crear una red de creadoras/es y dramaturgas/os: haciendo confluir el trabajo individual habitual y el trabajo en equipo no tan habitual, esta red creará material para el teatro que servirá de referencia para las compañías de teatro.

ClíniCa de la obsesión CLíNICA GLOBAL PARA ARTISTAS - CREADORESMatías Umpierrez

Victoria Eugenia Antzokia Del 29 al 5 de marzoHorario: tardes(15:00 a 20:00), excepto lunes (15:00 a 18:00) 10 personas, 50 ̂ Castellano

Una clínica global para artistas a cargo de Matías Umpierrez ¿Cómo se delimita la geografía del universo creativo de un artista? Esta es una clínica, un labora-torio, un espacio de reflexión que indaga sobre la tenaz persistencia que obse-siona y genera la pulsión creativa de un artista. La Clínica de la Obsesión® va cambiando de ciudades, idiomas, países con el fin de iluminar en los residentes la flecha que atraviesa el cuerpo de su obra. Los encuentros se formulan a partir del análisis, debate y discusión del perfil y obra de los participantes partiendo de sus búsquedas, circunstancias y problemáticas emergentes.Cupo y perfil: En total se seleccionarán 10 artistas. Destinado a directores/as de teatro, cine, artistas visuales, coreógrafos/as y creadores/as de cualquier disciplina del arte siempre y cuando su interés sea la creación de un proyecto. Dichos artistas deberán tener un mínimos de 2 obras como creadores/as.

Clase 1. Lunes 29 de febrero de 15:00 – 18:00Martes 1 de marzo. LibreClase 2. Miércoles 2 de marzo de 15:00 – 20:00Clase 3. Jueves 3 de marzo de 15:00 – 20:00Clase 4. Viernes 4 de marzo de 15:00 – 20:00Clase 5. Sábado 5 de marzo de 15:00 – 20:00

MESAS DE TRABAJO

enCUenTRo aQUiTania-eUsKadi

Instituto Etxepare (Tabakalera) 8 de marzo 16:00-17:15

Con el objetivo de crear vínculos entre los agentes culturales de la Euro-Región Aquitania Euskadi, se va a realizar un encuentro entre programadores del territo-rio, para intentar ampliar el proyecto ESZENA T(nacido hace ya varios años entre La Escena Nacional de Baiona y el Teatro Victoria Eugenia) y buscar fórmulas de colaboración para construir una red operativa y dinámica, que apoye produccio-nes y giras de compañías, tanto de sala como de calle.

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CONFERENCIAS

CHEVÉRE: PRÁCTICAS DE MEDIACIÓN EN EL CONTEXTO DE UNA COMPAÑÍA RESIDENTEXesús Ron (Director de la compañía Chévere, Premio Nacional de Teatro 2014)

Sala Club Victoria Eugenia Antzokia8 de marzo | 12:00 – 13:30 gratuito, Castellano

Después de 25 anos trabajando en Santiago de Compostela, en 2012 Chévere inició en Teo (localidad próxima a Santiago) un nuevo proyecto de residencia teatral único en Galicia. Se trata de un modelo experimental de relación público-privado, que tiene como objetivos fijar el funcionamiento de una compañía de teatro a un espacio estable implicándose en un contexto local para rentabilizar el uso de los espacios públicos, mejorar la estabilidad laboral de los profesionales del teatro y capitalizar el prestigio y el know how de una compañía como Ché-vere en beneficio de la comunidad que la acoge. En este sentido, Chévere ha desarrollado un intenso trabajo de mediación para conectar el hecho teatral con la población local, proponiendo un acompañamiento expandido de los espectá-culos programados por la compañía, incorporando prácticas de teatro comuni-tario o activando espacios situados fuera de los usos culturales. Os proponemos contaros algunas de las prácticas de mediación llevadas a cabo en estos años, tanto en Santiago de Compostela como en Teo, analizando las diferencias entre contextos tan distintos y señalando los aciertos y errores cometidos al tratar de adaptarse a ellos. En esta charla-conferencia se mostrarán vídeos de algunas experiencias llevadas a cabo, y se presentarán algunos datos de resultados ob-tenidos. Al final, abriremos un coloquio con las personas participantes.

PRESENTACIONES EN KUTXA KULTUR PLAZA DE TABAKALERA

Kutxa Kultur Plaza (Kutxa Kultur - Tabakalera)del 8 al 10 de marzo | 14:15 – 14:45

Del día 8 al 10 de marzo entre las 14:15 y 14:45 horas, se harán diferentespresentaciones de entidades, proyectos...para los acreditados a la feria.

EXPOSICIONES

TEATRO ESPAÑOL EN EL CARTEL POLACO

Colección: Krzysztof DydoLugar: Victoria Eugenia Antzokia (Foyer)Duración: Del 1 al 31 de MarzoHorario: La exposición se podrá visitar cuando haya función en el teatro durante los días indicados. Durante los días de dFERIA del 7 al 10 de marzo de 10:00 a 13:00 y de 17:00 a 19:30.

Teatro español en el cartel polaco presenta una selección de carteles exclusiva-mente teatrales, diseñados para grandes obras de la dramaturgia española pro-ducidas en territorio polaco, reuniendo proyectos creados entre 1966 y 2014. Los ejemplares aquí expuestos, cortesía de la magnífica colección de la Gale-ría Plakatu de Krzysztof Dydo de Cracovia, ofrecen la oportunidad de espejar nuestra literatura dramática en la mirada de grandes artistas plásticos polacos, representantes de una de las escuelas cartelísticas de mayor relevancia a escala mundial. La presente exposición exhibe obras de artistas del primer periodo de la Escuela polaca del cartel (Franciszek Starowieyski, Waldemar Świerzy, Tadeusz Grabowski), de artistas de la llamada “nueva ola” de los años 70 (Eu-geniusz Get Stankiewicz, Andrzej Klimowski, Grzegorz Marszałek, Mieczysław Górowski) y 80 (Wiktor Sadowski, Stasys Eidrigevicius, Marian Nowiński, Leszek Żebrowski, Wiesław Wałkuski), así como de algunos representantes del arte del cartel contemporáneo, desde los años 90 hasta la actualidad (Wiesław Grzegor-czyk, Mirosław Adamczyk, Ryszard Kaja, Monika Starowicz).

ESPACIOS IMAGINARIOS, EIDER IBARRONDOLugar: Lugaritz (Heriz 20)Duración: Del 4 de marzo al 22 de abrilHorario: De lunes a viernes de 16:00-20:30Una exposición para asomarse al proceso de creación de una escenógrafa, el arte de contar historias en espacios sugerentes.

BILERAK

Asemblea SAREA

Fecha: 7 de marzoLugar: Intxaurrondo K.E.Horario: 9:00 – 12:30Lunes 7 de marzo de 9:00 a 12:30. C.C. Intxaurrondo

HITZALDIAK

CHEVÉRE: PRÁCTICAS DE MEDIACIÓN EN EL CONTEXTO DE UNA COMPAÑÍA RESIDENTEXesús Ron (Chévere konpainiako zuzendaria, 2014ko Antzerki Sari Nazionala Espainian)

Victoria Eugenia Antzokiko Club aretoaMartxoaren 8a | 12:00 – 13:30 doan, Gaztelania

Santiago de Compostelan 25 urtez lan egin ondoren, 2012an Chéverek proiektu berri bati ekin zion Teon, Santiago ondoko herri batean, antzerki-egoitzaldiaren proiektu berri bat, bakarra Galizian. Eredu esperimental publiko-pribatu bat da, eta honako helburu hauek ditu: antzerki-konpainia bat leku jakin batean egonkor finkatzea, bertan inplikatuz espazio publikoen erabilera errentagarri egiteko; antzerki-profesionalen lan-egonkortasuna hobetzea; eta Chévere konpainiaren ospea eta know howa kapitalizatzea bera hartuko duen komunitatearen mese-detan. Alde horretatik, Chéverek bitartekaritza-lan handia egin du antzerkia eta tokiko populazioa lotzeko, konpainian programaturiko ikuskizunei lagun egitea proposatuz, antzerki komunitarioaren jardunbideak ezarriz edo kultur ohituretatik kanpo dauden espazioak erabiliz. Urteotan egindako bitartekaritza-jarduera batzuk kontatzea proposatzen dizuegu, hala Santiagon nola Teon egindakoak, eta haien arteko aldeak aztertzea. Solasaldi-hitzaldi honetan, egindako esperientzia batzuen bideoak erakutsiko dira, eta lortutako emaitzen datu batzuk aurkeztuko. Azkenean, elkarrizketa izango dugu parte hartzen dutenekin.

AURKEZPENAK TABAKALERAKO KUTXA KULTUR PLAZAN

Kutxa Kultur Plaza (Kutxa Kultur - Tabakalera)Martxoaren 8tik 10era | 14:15 – 14:45

Martxoaren 8tik 10era, 14:15 eta 14:45 artean, zenbait erakunde eta proiektu aurkeztuko zaizkie ferian akreditatutakoei.

ERAKUSKETAK

ESPAINIAR ANTZERKIA POLONIAR KARTELEAN

Bilduma: Krzysztof DydoLekua: Victoria Eugenia Antzokia (Foyerra)Iraupena: Martxoaren 1etik 31raOrdutegia: Erakusketa antzerki-funtzioa dagoen egunetan bisitatu ahal izango da.

dFERIAren egunetan, martxoaren 7tik 10era, 10:00etatik 13:00etara eta 17:00etatik 19:30era.

Espainiar antzerkia poloniar kartelean erakusketak antzerkiko kartel sorta bat aurkezten du. Polonian ekoitzitako espainiar dramaturgiako lan handientzat di-seinatuak dira, eta 1966 eta 2014 artean sortutako proiektuak jasotzen dituzte. Ale hauek Krakoviako Krzystof Dydoren Plakatu Galeriako bilduma bikainaren adeitasunez jarri dira ikusgai, eta aukera ematen dute ikusteko nola agertu den gure literatura dramatikoa poloniar artista plastiko handien begietara, Poloniakoa munduan den kartelgintza-eskola puntakoenetako bat izaki. Erakusketa hone-tan, Kartelaren poloniar eskolaren lehen aldiko artisten lanak ageri dira (Fran-ciszek Starowieyski, Waldemar Świerzy, Tadeusz Grabowski), 70eko urteetako “uhin berria” deritzoneko artistena (Eugeniusz Get Stankiewicz, Andrzej Kli-mowski, Grzegorz Marszałek, Mieczysław Górowski), eta 80ko urteetakoena (Wiktor Sadowski, Stasys Eidrigevicius, Marian Nowiński, Leszek Żebrowski, Wiesław Wałkuski), bai eta kartelgintza garaikideko ordezkari batzuena ere, hasi 90eko urteetatik eta gaur arte (Wiesław Grzegorczyk, Mirosław Adamczyk, Rys-zard Kaja, Monika Starowicz).

IRUDIMENEZKO ESPAZIOAK, EIDER IBARRONDOLekua: Lugaritz (Heriz 20)Iraupena: Martxoaren 4tik apirilaren 22raOrdutegia: Astelehenetik ostiralera, 16:00etatik 20:30eraEszenografo baten sorkuntza-prozesuari begiratu bat emateko erakusketa, his-toriak espazio iradokitzaileetan kontatzeko artea.

BILERAK

SAREAren batzarra

Eguna: Martxoaren 7aLekua: Intxaurrondo K.E.Ordutegia: 9:00 – 12:30Martxoaren 7a, astelehena, 9etatik 12,3oera, Intxaurrondo K. E.

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MADferia Artes EscénicasUrtarrila 19 - 22 Enero

FETEN. Feria Europea de Artes Escénicas para Niños y Niñas Otsaila 21 - 26 Febrero

dFERIA Donostia / San Sebastián Martxoa 7 - 10 Marzo

La Mostra d’igualada Fira de Teatre Infantil i JuvenilApirila 7 - 10 Abril

Feria de Artes Escénicas de Castilla La Mancha Apirila 12 - 14 Abril

Fira de Teatre de Titelles de Lleida Apirila 29, 30, Maiatza129,30 Abril, 1 de Mayo

Umore Azoka-Feria de Artistas Callejeros de Leioa Maiatza 19 - 22 Mayo

Mostra de Teatre d´Alcoi Maiatza 28 - Ekaina 328 Mayo - 3 Junio

Palma Feria de Teatro en el Sur Uztaila 5 - 8 Julio

Feria Teatro de Castilla León Ciudad Rodrigo Abuztua 23 - 27 Agosto

FiraTàrrega Teatre al Carrer Iraila 8 - 11 Septiembre

Feria Internacional de Teatro y Danza de Huesca Iraila 6 - 29 Septiembre

Fira Mediterrània de Manresa Urria 6 - 9 Octubre

Galicia Escena PRO Urria 13 - 16 Octubre

Fira de Teatre de Manacor

Urria 28 - Azaroa128 de Octubre 1 de noviembre

FIET, Fira de Teatre Infantil i Juvenil de les Illes Balears Azaroa 8 - 12 Noviembre

Estatuko Arte Eszenikoetako Ferien koordinakundeaCoordinadora de Ferias de Artes Escénicas del Estado

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VAIVÉN PRODUCCIONES Último tren a TreblinkaAntzerkia / Teatro 2016943433046 | www.vaivenproducciones.com

EN2DO PROD. Y KARRA ELEJALDE Pim Pam fuera!Antzerkia / Teatro 2016636472092 | www.en2do.com

EN2DO PROD. Kitto, nik utziko dut/Yo lo dejoAntzerkia / Teatro 2016636472092 | www.en2do.com

DISTOPIA ANTZERKI GALDARA MOLLY BLOOM lur eta haragiaAntzerkia / Teatro 2016647915592

LAURENTZI PRODUCCIONES KattalinAntzerkia / Teatro 2016600793251 | www.laurentziproducciones.com

TANTTAKA El florido Pénsil niñas/neskakAntzerkia / Teatro 2016635708999 | www.tanttaka.com

TARTEAN AmourAntzerkia / Teatro 2016688617712 | www.tartean.com

ADOS TEATROA Ladydi GracíaAntzerkia / Teatro 2015943278109 | www.adosteatroa.com

ERRE-ARTEKA-MASKARADA La guerra del sofáAntzerkia / Teatro 2016659131291 | www.erreprodukzioak.com

GLU GLU PRODUCCIONES La boda de Betty BlueAntzerkia / Teatro 2016944124801 | www.glugluproducciones.com

GLU GLU PRODUCCIONES Caperucita ferozAntzerkia / Teatro 2015944124801 | www.glugluproducciones.com

K PRODUCCIONES La flaqueza del BolcheviqueAntzerkia / Teatro 2015913340838 / 616431404 | www.kproducciones.com

KULUNKA TEATRO SolitudesMaskara antzerkia / Teatro de máscaras 2015655 701 388 | www.kulunkateatro.com

BOROBIL TEATROA Jokoz kanpo/Fuera de juegoAntzerkia / Teatro 2015656 759557 | www.borobilteatroa.com

ATEA TEATRO (eta Factory Logistica S.L.) Zu gabe

Antzerkia / Teatro 2015

61772059 / 943504480 | www.zugabeantzerkia.wordpress.

com

LA COCINA Una Casa de Muñecas


635708999 | www.portal71.com

MARKELIÑE Quijote

Andante (Calle) Antzerkia / Teatro 2015

946733257 / 605700284 | www.markeline.com

L’ATELIER&KULUNKA TEATRO Taxidermiade un gorrión


655 701 388 | www.kulunkateatro.com

LA BURLA TEATRO Valium


609 905 205 | http://valiumteatro.wix.com/valium

TXALO PRODUKZIOAK Magia Lapurra


943333788 | www.txalo.com

TXALO PRODUKZIOAK Heroiak


943333788 | www.txalo.com

ATX TEATROA El desván de los machos y el sótano de las

hembras / Arren ganbara eta emeen sotoa


638324105 | www.atxteatroa.com

IZAR Films Eskutitzak


603591221 | www.izarfilms.com

TARTEAN Zergaitik Jamil?/ ¿Por qué Jamil?


688617712 | www.tartean.com

CONTRAPUNTO TEATRO Zuritos. Unos cortos de teatro


635734618

JAVIER LIÑERA Barro Rojo


618953242 | https://javierlinera.wordpress.com/

BEHIBI´S Egunen batean

Haur antzerkia / Teatro Infantil 2015

629684140 | www.behibis.com

EUSKAL EKOIZPENAK / PRODUCCIONES VASCAS

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ANITA MARAVILLAS Pintto PinttoHaur antzerkia / Teatro Infantil 2015635708999 | www.portal71.com

HORTZMUGA TEATROA NolaAntzerkia / Teatro 2015946711353 | www.hortzmuga.com

PEZ LIMBO Almacenes La Parisienne SaltokiaAntzerkia / Teatro 2015699 363 336 | www.pezlimbo.com

ALEX TELLO Jendartean bidaideAntzerkia / Teatro 2015617720596

ALEX TELLO Zu gabeAntzerkia / Teatro 2015617720596

TANTTAKA Un beso/MuxuaAntzerkia / Teatro 2015635708999 | www.tanttaka.com

EROMEN PRODUKZIOAK Lukurreria, Lizunkeria, Heriotza-ren erretaulaAntzerkia / Teatro 2015630559584 | www.facebook.com/Eromen-Produkzioak

PRODUCCIONES MOHICANO Teatro MohicanoAntzerkia / Teatro 2015649419009 | www.produccionesmohicano.com

ADOS TEATROA El niño de las zapatillas rojasAntzerkia / Teatro 2015943278109 | www.adosteatroa.com

BÚFALO PRODUKZIOAK Síndrome de EstocolmoAntzerkia / Teatro 201594 668 25 95 | www.bufaloprodukzioak.com

ASTROLABIUM TEATRO ¡Eh, Petrel!Conversando con Julio VillarAntzerkia / Teatro 2015615787308 | www.astrolabiumteatroa.com

ARTEDRAMA EtxekoakAntzerkia / Teatro 2015946072572 / 615779511 | www.artedrama.com

GORAKADA Moby DickAntzerkia / Teatro familiar 2015609 611 667 | www.gorakada.com

GAITZERDI OutKale Antzerkia / Teatro Calle 2015619 415 537 | www.gaitzerdi.com

HORTZMUGA LisystratasAntzerkia / Teatro 2015660 278 782 | www.hortzmuga.com

DANTZA

AUKERAN DANTZA KONPAINIA MauriziaEuskal Dantza tradicional berria / Nueva danza 2016944124801 | www.glugluproducciones.com

LASALA NowDantza garaikidea / Danza Contemporánea 2016646929930 | http://www.lasala-lasala.com/

ERTZA Tiranía das coresDantza garaikidea / Danza Contemporánea 2016688642736 | http://www.ertza.com/

KUKAI DANTZA TALDEA&MARCOS MORAU/ LA VERO-NAL OskaraDantza garaikidea / Danza Contemporánea 2016655 739 674 | http://www.kukai.info/index.php/eu/

ORGANIK DANTZA IrrintziDantza garaikidea / Danza Contemporánea 2016627 93 78 75 | www.organikdantza.com

CIRCLE OF TRUST & LOGELA NagareDantza garaikidea / Danza Contemporánea 2016620610654 | www.logela.org

AI DO PROJECT Grooming Dantza garaikidea / Danza Contemporánea 2016605730547 | www.aidoproject.com

EVA GUERRERO Anotación nº 7. Anotaciones sobre el miedoDantza garaikidea / Danza Contemporánea 2016622790220 | www.evaguerrero.dooscolectivo.es

MUGMUS LABORATEGIA Esku harriak: Oteizaren (h)ariaDantza garaikidea / Danza Contemporánea 2016652720526

KttQA-Collective EightDantza garaikidea / Danza Contemporánea 2015635702482 | https://www.facebook.com/KpiQACollective/?ref=hl

MATXALEN BILBAO DANZA L’ autre/besteaDantza garaikidea / Danza Contemporánea 2015666839267 | www.matxalenbilbao.es

MATXALEN BILBAO DANZA GearDantza garaikidea / Danza Contemporánea 2015666839267 | www.matxalenbilbao.es

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EL LAGARTO BAILA 2X4Familiarra / familiar 2015675103668

LAURA COBO Señor SmithDantza garaikidea / Danza Contemporánea 2015636566327

IDURRE AZKUE Dantzagurea/Bailar por bailarDantza garaikidea / Danza Contemporánea 2015635143884 | www.idurreazkue.com

BLANCA ARRIETA SujetosDantza garaikidea / Danza Contemporánea 2015636770717 | http://blancaarrieta.wix.com/proyectos

Sra POLARIOSKA Lur AwayDantza garaikidea / Danza Contemporánea 2015610802931 | http://cargocollective.com/srapolaroiska

KUKAI - TANTTAKA Elkartze huí he rendez vous bctpeya...Dantza garaikidea / Danza Contemporánea 2015655 739 674 | http://www.kukai.info/index.php/eu/

KREGO_MARTIN DANZA La ciencia de inocenciaDantza garaikidea / Danza Contemporánea 2015944100798 / 635708999 | www.portal71.com

OIHANE VARELA AIZPURUA Zein da hemen ardi bellza?Dantza garaikidea / Danza Contemporánea 2015680127714

CIA ZIOMARA HORMAETXEA SymbiosisDantza garaikidea / Danza Contemporánea 2015669631744 | www.ziomarahormaetxe.wordpress.com

CIA. CIELO RASO tormentaDantza garaikidea / Danza Contemporánea 2015630290807 | www.ciacieloraso.com

DANTZAZ KONPAINIA Ni espioiDantza garaikidea / Danza Contemporánea 2015943 02 1136 / 629 889 826 | www.dantzaz.net

DANTZAZ KONPAINIA BarrockDantza garaikidea / Danza Contemporánea 2015943 02 1136 / 629 889 826 | www.dantzaz.net

DANTZAZ KONPAINIA AureoDantza garaikidea / Danza Contemporánea 2015943 02 1136 / 629 889 826 | www.dantzaz.net

LA INTRUSA DANZA Mud GalleryDantza garaikidea / Danza Contemporánea 2015692 157 395 | www.laintrusadanza.com

LOGELA MULTIMEDIA & EDSTEPS & PREDATORZ Bost 5Danza urbana 2015637462564 | www.logela.org

HAATIK DANTZA KONPAINIA Itsas LapurrakDantza garaikidea / Danza Contemporánea 2015943518299 / 609101075 | http://www.haatik.com

HAATIK DANTZA KONPAINIA Ilargiaren Malkoa /Lágrima de IunaEuskal Dantza tradicional berria / Nueva danza 2015943518299 / 609101075 | http://www.haatik.com

HELENA GOLAB In BET weenDanza-Performance-Mísica 2015944100798 / 635708999 | www.portal71.com

DISZIPLINA ANITZAK

MALAS COMPAÑÍAS LetterCirco 2016608025997 | www.malaskompanias.com

ANITA MARAVILLAS GuauOtros 2015944100798 / 635708999 | www.portal71.com

ERTZA Ikuslearen showa - El show del espectadorMultidisciplinar 2015688642736 | http://www.ertza.com/

MOARE DANZA & SOCIETAT DOCTOR ALONSO La Naturaleza y su temblor. Talla 8-13Multidisciplinar 2015657700739 | www.azala.es

AMEZTU PRODUKZIOAK Rock-Eroak!Circo 2015685149016 | www.ameztu.nat

CÍA.SAINETE Lo que nos dejaronCirco 2015655391685 | www.ciasainete.com

DIKOTHOMIA CIA Spazi...oCirco 2015667504177 | www.dikothomia.net

HORMAN POSTER La LeçonMultidisciplinar 2015695741514 | hormanposter.wordpress.com

NORABIDEKOLEKTIBOA Nagoen tokiraino noaMultidisciplinar 2015658704004 | www.norabideakolektiboa.blogspot.com

ANA CAPILLA Tránsito’s in WalkMultidisciplinar 2015617622054 | https://anacapilladanza.wordpress.com/


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marzoabril

Vivir para contarlo Virginia Imaz

Desde el imaginario colectivol lenguaje, la palabra, es una forma más de poder, una de las muchas que nos ha estado prohibida” Victoria Sau.

El 8 de marzo, Día Internacional de la Mujer Trabajado-ra, constituye un buen momento para reflexionar acerca de los avan-ces logrados en materia de igualdad de oportunidades entre hombres y mujeres, pedir más cambios y celebrar la valentía y la determinación de todas las personas que, en este aspecto, han jugado un papel clave en la historia de sus países y comunidades.

El lema de la ONU del año pasado era “Empoderando a las mujeres, empoderando a la humanidad: ¡imagínalo!”, y nos invitaba a recrear un mundo, en nuestro imaginario, en el que cada mujer y cada niña pudiera escoger sus decisiones, tales como participar en política, educarse, tener sus propios proyectos y vivir en sociedades sin violencia ni discriminación. Cualquier cambio en nuestras vidas ha de ser imaginado primero.

Si bien los logros en favor de los derechos de las mujeres han sido mu-chos, nos quedan todavía muchas asignaturas pendientes. Una de ellas es el empoderamiento en el imaginario colectivo. Dejar de estar como invitadas en los territorios de la metáfora: transitar por el humor y la poesía, Ni musas, ni espectadoras, ni objetos de las narratologías, sino creadoras. Artistas de pleno derecho: sin justificarnos, sin pedir permiso ni perdón por tomar la palabra.

Como cuentera, creo, que el lenguaje no es neutro. Las palabras están cargadas. Tiran a dar. Por eso es prioritario tomar conciencia, no sólo de lo que decimos, también de cómo lo decimos. El lenguaje importa. Indica cómo concebimos el mundo, determina cómo nos relacionamos y qué sociedades construimos. Muchas personas parecen percibir la xenofo-bia de algunas expresiones como “merienda de negros”, “cuento chino”, “moros en la costa”, etc., y están dispuestas a combatirla, sin embargo plantean muchas resistencias para dejar de utilizar el masculino universal a la hora de hablar. Apelan a la economía lingüística, a lo que es gramati-calmente correcto, a la pereza… No es fácil. Cambiar el propio lenguaje es cambiar el pensamiento y viceversa. Y precisa estar muy vigilante.

Al respecto, solo puedo decir, como escuchadora profesional de cuen-tos, que no siempre me siento incluida en lo que escucho y que he de hacer un esfuerzo para seguir un relato que me deja fuera como mujer. Y al revés, al utilizar un lenguaje inclusivo, nombrando lo ninguneado, lo invisibilizado, lo excluido..., invitamos a quien escucha a pensar de una manera más crítica y más solidaria. Históricamente ha habido y sigue habiendo muchos colectivos excluidos. Las mujeres seguimos siendo la “minoría” más mayoritaria de la humanidad. Y las exclusiones se acumu-lan, se amontonan. De manera que a algunas mujeres les da tiempo y cuerpo para ser además de mujeres, por ejemplo, pobres, negras, viejas, con alguna discapacidad o lesbianas… Solo nombrar lo que es, es ya mucho. Muchísimo. Es reconocer su existencia y su derecho a ser como es. Así que el lenguaje es una magnífica herramienta para prevenir todo tipo de exclusión social, porque refleja lo que somos y también lo que aspiramos a ser.

Para las mujeres que narramos profesionalmente, tomar la palabra constituye ya en sí un acto de empoderamiento. Además de que venimos con el fallo de fábrica y nuestro legado simbólico ha sido y es, no sólo eminentemente masculino sino también patriarcal, el espacio público nos sigue siendo tremendamente refractario. Compartimos con otras muje-

res de la escena una buena docena de vulnerabilidades gremiales: nos cuesta encontrar una voz propia, y valoramos menos y peor nuestras propias historias por un tema secular de falta de autoestima. En cuanto a la visibilización, estamos en los peores horarios y en los peores espacios y a menudo infrarrepresentadas en los Festivales de prestigio y en los circuitos de reconocimiento profesional. Defendemos peor las condiciones adecuadas para narrar bien, nos cuesta decir que no. Las que somos o hemos sido madres tenemos dificultades para conciliar y nos pensamos las giras y los viajes prolongados. Nos cuesta más reconocer nuestra pasión como un oficio y dar el salto de lo amateur a lo profesional, etc.

Y es que no podemos ir de incógnito. Narramos desde el cuerpo que somos. Y como narrar y escuchar cuentos es un acto de comunicación, ignorar el hecho de que soy una mujer contando y de que cualquier cosa que diga se va a descodificar desde el cuerpo con él que cuento o pese a él, sería cuando menos una torpeza profesional del mismo calibre que ignorar el sexo, la edad, la etnia, la religión o la cultura de quien escu-cha. Narrar significa también repentizar, actualizar la historia en función de las circunstancias en las que estoy narrando. No narro igual en una residencia de personas ancianas que en una escuela. La historia quizás es la misma y sin embargo es distinta en función del contexto. Narrar es también establecer puentes entre mundos distantes y diversos.

Somos guías de viaje. “Traducimos”, no ya idiomas, sino compren-siones diferentes del mundo. En esta aventura de narrar yo estoy muy agradecida a la mirada feminista, basada en la lectura de la sospecha de todo legado cultural, que me ha proporcionado una comprensión profun-da de cómo las fuerzas externas o estereotipos –los papeles a los que la sociedad espera que las mujeres y los hombres se adapten– refuerzan algunos patrones arquetípicos y reprimen otros.

Para quienes hemos hecho un oficio del arte de narrar es importante investigar y contrastar versiones, ya que algunas, muy tóxicas, conviven con otras, particularmente sanadoras, que nos proporcionan a las perso-nas revelaciones para entendernos a nosotras mismas y para entender nuestras relaciones con hombres y con mujeres, con padres y madres, con amantes, amistades y con nuestra progenie.

Pero más allá de lo explícito, el cuento narrado de viva voz, cuenta en nuestros silencios. Nuestras manos, nuestra mirada, nuestras pausas… Nuestro aliento es el contexto que ilumina el texto: cuestiona, acentúa o resignifica todo lo que decimos. Así el cuento cuenta lo que cuenta pero yo siempre me cuento al contar. Lo que soy, lo que voy siendo… se desparrama en lo no verbal. Consciente o inconscientemente, siem-pre hemos tomado partido y quien escucha lo percibe. En este sentido, podemos contar un cuento sexista de una forma no sexista y viceversa. Mi recomendación es no quedarnos en una interpretación simplista o re-duccionista, en la cáscara del cuento. Por ejemplo, no solo o no siempre en la consideración de si la o el protagonista de la historia es un hombre o una mujer. Mi experiencia como narradora, como escuchadora y como lectora es que quien lee o escucha un relato hace el viaje del héroe o de la heroína, sea un viejo, una niña o una cafetera.

Feliz 8 de marzo. Y ojalá todos los días del año sean 8 de marzo y las palabras sean permanentemente fiesta y celebración, una ocasión para que hombres y mujeres nos acompañemos en la construcción de un mun-do más igualitario y más justo.

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Jorge Dubatti

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Eduardo Pavlovsky, Primer Premio Nacional, póstumo

n diciembre de 2015, en el Centro Cultural Néstor Kir-chner, se entregaron los Premios Nacionales de Texto Dramático 2011-2014, que otorga el Ministerio de Cul-

tura de la Nación. El primer premio fue, póstumo, para Asuntos pendientes, de Eduardo “Tato” Pavlovsky. Fallecido el 4 de octu-bre anterior, el autor de Potestad está plenamente presente en su enorme legado a la cultura argentina. ¿De cuántas formas pensar ese legado? Destaca-das figuras de la escena ar-gentina reflexionan sobre la relevancia en el teatro, la cul-tura y la política del gran dra-maturgo y actor de El señor Galíndez y Rojos globos rojos.

El actor y director Pompeyo Audivert afirma: “Tato refe-rente absoluto, fuerza animal poética y política, territorial y desterritorial, punto de encaje singularísimo de multiplicida-des humanas e inhumanas. Tato actor, dramaturgo, ensa-yista, psicoanalista, Tato ético, político, boxeador, niño, cuerpo habitación y cuerpo deshabita-do, máquina de devenir. Y Tato también hoy como ayer: faro de tinieblas en esta intempe-rie acéfala en la que estamos nuevamente solos y juntos, como en una obra suya, que alumbra por contraste, donde la identidad patética y sinies-tra del mundo histórico es revelada poéticamente como la contracara de esos buenos modales de estilo suntuoso con los que el poder se viste para abducirnos. Compañe-ro Eduardo ‘Tato’ Pavlovsky, ¡Presente!”.

Para Bernardo Cappa, director y dramaturgo, “Tato es un cuer-po ya para siempre. Tato ofreció su cuerpo al horror y se hizo santo. Es nuestro santo. Se lanzó a las llamas del horror y salió iluminado, le robó al fuego del horror la luz. Tato está iluminando cada gesto de cada actor, su fantasma es infinito. Los cuerpitos

alcahuetes, mezquinos, esos cuerpitos que se esconden para ha-cernos doler de tristeza, de hambre, de crimen, de vergüenza, esos cuerpitos que no tienen alma, le temen, le temen a su cuerpo que es todos los cuerpos alegres apasionados, de alegría inteli-gente, atorranta porque está afuera del significado, y ahí estos cuerpitos que usan la razón de un mercado eternamente sediento

no saben qué hacer, porque hu-manizó el horror, se los comió, los mostró humanos, hizo del miedo poesía y después se mu-rió de viejo. Tato nos enseñó la vida y estos boludos que bailan como muñequitos de madera se creen que son eternos, no lo son, Tato se metió en la muerte para que nos demos cuenta de que estamos vivos y contra esa fugacidad de intensidad eter-na, contra eso, no tienen misi-les, manga de boludos, manga de hijos de puta, nos estamos riendo de ustedes en medio del diluvio del llanto”.

El director Enrique Dacal recuerda: “Al enterarme de la muerte de Pavlovsky, tuve ne-cesidad de dialogar con mi an-gustia escribiendo unas líneas que ahora reproduzco, de me-moria y más o menos así: ‘No fui demasiado amigo del Tato Pavlovsky..., me lo perdí y, sin embargo, siento que lo extraño como a un hermano mayor que me ha dejado...’. Empecé a ha-cer teatro en 1969, en el Teatro de la Fábula. Allí estaba Tato, muchacho grande que com-partía el grupo Yenesí con Julio Tahier. Tenía una ‘jeta’ imposible de dejar de mirar y de recordar. Recuerdo que, desde mi condi-

ción de niño insolente y soberbio que creía que estaba haciendo teatro, lo veía a ese grandote en el escenario como el ideal de lo que yo quería hacer ‘cuando realmente me sintiese actor’... Y ahora, ya tirando para jovato también, reconozco que cada vez que subí a un escenario, cada vez que me tocó actuar o dirigir, me la pasé

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Postales argentinas

queriendo hacer sus mismos gestos, queriendo manejar esos sus tiempos y ese su vocabulario... Creo que traté de robarme algo de su talento... Se me ocurrió sincerar esta sensación. Es para mí una manera de bancarme la tristeza..., la vida que pasa... Yo quería ser como él. Quiero ser como él. El Tato Pavlovsky, aunque el quizás nunca lo supo, fue mi compañero de ruta, el líder ético y estético que quise seguir, pretendiendo escribir algunos renglones de alguna página teatral..., a lo mejor.”

La dramaturga y teórica cubana Nara Mansur nos escribe: “Sí, es posible crecer y cambiar si hacemos psicodrama, aunque sea en La Habana, donde se organizan grupos de psicodrama des-de que era muy joven, de psicoterapia grupal adonde asistimos cualquiera de nosotros y somos cualquiera, una voz, una mueca, un llanto, un deseo. Sí, es posible leer lo que escribe un artista como él y que nos haga querer estudiar más y confirmar que el ar te es autoconocimiento, riesgo, sentido de pertenencia a cosas innombrables a veces. Sí, es posible pensar en la alegría como un compromiso y en la que no nos fue dada para cumplir nuestro sueño (‘Ser cultos para ser tristes’, ironizando a Martí que escri-bió ‘Ser cultos para ser libres’). Estudiamos a Pavlovsky en Cuba en las clases de teatro latinoamericano, leímos sus obras, lo vimos actuar, lo vimos envejecer y siempre fue y es una presencia y una fe que nos acompaña: ¿qué hacer?, ¿qué ser?, ¿qué cara, qué gesto?, ¿qué lengua para chupar? En la necesidad de los otros, por los otros, por el amor, en la idea de quién soy yo en el amor, en lo más subversivos que nos permitimos ser. Y en la mosca que a veces nos zumba y dejamos hacer lo que se le cante, porque quizá está a punto de morir”.

El dramaturgo Alejandro Finzi recuerda desde Neuquén: “Cono-cí a Pavlovsky como espectador y como lector. Un puñado de es-pectáculos; un puñado de obras. Escritura partera de personajes de las orillas, de los arrabales de la existencia, de los extremos y las desgracias. Pero, maravillosamente, personajes de una porfía neta, enamorados de la vida. Sus criaturas me mostraron ese ofi-cio prodigioso por el cual la tarea del teatro no consiste en cerrar heridas sino en abrirlas. Sus criaturas me muestran que con esa mentira de la escena construimos ese cachito de verdad que po-demos poseer o vislumbrar. Una verdad que no se impone, sino que construimos entre todos, como cuadrilla que abre un camino en medio de la tormenta”.

Christian Forteza dirigió varias de las obras de Pavlovsky, dice: “La ausencia de Tato se va a sentir en diferentes ámbitos, en el terapéutico, en el intelectual, el político y por supuesto, en el ar tístico. Un hombre múltiple, como a él le gustaba, multiplicar… multiplicar… devenir. Mi experiencia con sus textos me marcó y me impregnó de una forma de dirigir distinta, a veces muy difícil de transmitir a los actores. Entendí que su teatro no era de repre-sentación, ilustrativo de la palabra, sino un teatro de estados, de intensidades. En su dramaturgia, con influencia beckettiana, con humor y con aspectos existencialistas, la palabra se inscribe y a la vez atraviesa todo el cuerpo del actor, y la actuación puede cobrar nuevos sentidos latentes”.

Dramaturgo y psicoanalista, Jorge Palant reflexiona: “Pavlovsky fue un hombre de teatro, que es algo más que decir que lo escribía o lo actuaba. Y además era teatral: el relato de la escapada por aquella terraza cuando había ido a buscarlo la patota parapolicial, más el final del episodio, con él en una comisaría denunciando y fingiendo que hablaba con quien no hablaba, dan sobrada cuenta

de eso. Podría agregar que en esa teatralidad quedó incluida la agilidad que el deporte alguna vez le había conferido. Teatralidad entonces de un ex deportista cuyo teatro fue siempre ‘un cross a la mandíbula’. Así Telarañas, El señor Galíndez, Potestad, Paso de dos, pieza, esta última, de marcada creatividad formal. Como actor fue el mejor para actuar sus propias obras. El legado que nos deja es, a mi criterio, que no habría que andarse con vueltas cuando se quiere pegar fuerte. Tengo este recuerdo. A fines de los sesenta le digo que quiero leerle una obra mía, Las visitas. Des-pués de hacerlo y escuchar sus comentarios, le pregunto cómo se las ingeniaba él para juntar el psicoanálisis (práctica rayana en el ascetismo en lo que hace a la vida personal del analista) con su ser teatral, como autor y actor, ya que eso podría haberle traído dificultades con la Asociación de Psicoanalistas a la que pertene-cía. ‘Yo quiero ser Vittorio Gassman’, me contestó riendo.”

Manuel Santos Iñurrieta, director del grupo El Bachín, concluye: “Pavlovsky ha sido un gran autor y actor, un gran pensador del teatro, pero por sobre todas la cosas ha sido un ejemplo de co-herencia estética y política. Él nos ha invitado siempre a pensar y emocionarnos con sus obras y escritos, como también a entrar en los conflictos humanos y sociales con la vocación de un peleador, de un boxeador que resiste y se resiste a caer en la lona sin antes haberlo dejado todo. Este acto como enseñanza es disruptivo, rebelde, y cier tamente revolucionario. Y apela a la dignidad de re-conocernos tal cual somos, carentes e incompletos, pero conven-cidos que en el ‘ir’ a buscar las respuestas necesarias a través del ar te y la vida re-fundaremos en los márgenes nuestras utopías.”

Desde comienzos de los sesenta, Eduardo “Tato” Pavlovsky (1933-2015) escribió algunos de los clásicos insoslayables de la dramaturgia nacional: La espera trágica, El Señor Galíndez, Potes-tad, Rojos globos rojos, Asuntos pendientes (publicada por la Edi-torial de la Universidad Nacional del Sur, EDIUNS). Los teatristas de la nueva generación valoran profundamente su obra, entre ellos el director y dramaturgo Mariano Tenconi Blanco, que piensa a Pavlo-vsky con estas palabras: “Todo lo hizo con un nivel de intensidad que es una auténtica inspiración. Hizo natación y fue campeón sud-americano, y desde este campeonato, no dejó nunca de ser el cam-peón de todo. Se recibió de médico a los 22 años pero se orientó a la psicoterapia y es una enorme referencia en la especialidad. Fue militante político y un grupo paramilitar quiso asesinarlo en 1978. Como autor y actor es una luz que nos iluminará siempre. Pero lo que yo quiero destacar, antes que su obra, es su vida: porque Pavlo-vsky borra ese límite. Todo en él fue obra. Pavlovsky se pliega sobre sí mismo y no sabemos qué es ficción y qué es realidad. Porque todo en Pavlovsky es político. Nombrarlo es político. Escribir su nombre. Pavlovsky. Lo hago y sé que tengo, entonces, una responsabilidad. Pavlovsky. Joven dramaturgo/a argentino/a, cuando pierdas el rum-bo, escribí este nombre en un papel: Pavlovsky.”

El joven director Sebastián Berenguer (que puso en escena ver-siones de La espera trágica, Tercero incluido, El Señor Galindez) es-cribe: “Qué persona maravillosa Pavlovsky. Su apellido podría ser el título de una obra. Sr. Pavlovsky. Nombre del hombre que es teatro. Su mirada de la realidad, la sensibilidad y el compromiso político-social de sus textos, y las inmejorables interpretaciones de sus per-sonajes, lo convierten en el máximo referente del teatro político del siglo XX, y en uno de los grandes ‘inspiradores’ para los teatristas. Doy gracias por haberlo conocido, de ahora en adelante poner en escena sus textos será una manera de resucitarlo”.


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El método griegoMaría Chatziemmanouil

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Jan Fabre: un herético al timón del Festival de Atenas

os meses después de la polémica expulsión de Yiorgos Lúkos desde la posición del director artístico del Festi-val de Atenas-Epidaúro (fue acusado de malgestión que

costó al Festival unos 2,7 millones de euros; la justicia aún no se pronunciado sobre el caso), llegó la noticia bomba: el nuevo director artístico del Festivcal es el flamenco Jan Fabre.

El polifacético artista belga (es escritor, director, coreógrafo, escenógrafo, artista plástico) ha gene-rado con su trabajo tanto entusiasmo como polémi-ca, y es conocido por todo el mundo por sus ideas subversivas. La asignación de Fabre como director artístico del Festival griego más importante se anunció el miércoles pasado con un simple comunicado de pren-sa del Ministerio de Cultura, y creó grandes expectati-vas. La noticia le encontró a él en Londres, junto con sus colaboradores, y su primera reacción fue expresar su entusiasmo por la nueva “aventura artística”.

Desde sus primeros momentos sobre la escena, el nombre de Jan Fabre fue siempre acompañado con adjetivos como provocativo, iconoclasta, o herético. En la década de los setenta, en su espec-táculo Money quemaba billetes de banco, que pedía de su público, para escribir luego con sus cenizas la palabra Money. Desde en-tonces ha sido considerado como una personalidad que rompe las convenciones del teatro contemporáneo mediante la introducción de la lógica de la “instalación en vivo” y explora posibilidades coreográ-ficas radicales con el fin de renovar la danza clásica. ¿Cómo define él mismo las palabras “desafío” y “escándalo”? En una entrevista más antigua a un periódico griego , Fabre responde: “Creo que la palabra “desafío” se utiliza de una manera incorrecta, es decir, en un sentido negativo. Para mí el desafío no es nada más que la reac-tivación de la mente”.

Aunque todavía queda mucho por aclarar por parte del Ministerio de Cultura griego, se espera con el máximo interés la conferencia de prensa, durante la cual Fabre dará a conocer sus primeros planes. Es probable que el festival griego vaya a dejar de ser un “principio de un solo hombre”, ya que en contraste con Yiorgos Lúcos, que tenía también la posición del presidente del consejo administrativo del Festival, Fabre se encarga solo con la “dirección artística”. ¿Ha-brá cambios en la estructura organizativa del Festival? Y si es así,

¿en qué medida? La reputación internacional de Fabre, junto con el impacto reconocido que tienen en el extranjero lugares emble-máticos del Festival (el Odeón de Herodes y, sobre todo, el teatro de Epidáuro), ¿podrían ser parámetros positivos para la atracción de patrocinadores privados, especialmente en un momento que las posibilidades para subvenciones estatales están dramáticamente

limitadas? ¿Qué será del plan de este año, dada además la presión de tiempo?

Nacido en Amberes en 1958, Fabre mantiene estrechos vín-culos con nuestro país: sus obras se han producido varias veces en diferentes lugares (en el Palacio de la Música de Ate-nas, en el Festival Internacional de Danza de Kalamata y en Te-salónica), mientras que también ha colaborado con varios artis-tas griegos.

La relación de Fabre con Gre-cia, como también la de la ma-yoría de artistas occidentales,

tiene que ver con Grecia antigua con sus mitos, su filosofía, su teatro y su arte inmortal. Su espectáculo Montaña Olympos, la apoteosis de la cultura de la tragedia que duró 24 horas, estrenado el otoño pasado en Tesalónica, en el marco de la celebración de los 50 años del Festival Dimitria, fue su última producción que vimos en Grecia, un “enfrentamiento” iconoclasta con los antiguos mitos griegos: los destinos de los héroes y heroínas de la guerra de Troya, y los de Medea, Antígona, Prometeo, Edipo y Electra, se entrelazan con histo-rias actuales y su significado se explora con el arma del psicoanálisis. Fabre mantiene deliberadamente la doctrina aristotélica de la unidad de tiempo y espacio. Según el filósofo griego, una tragedia puede te-ner lugar en un solo espacio y la acción debe ser presentada en un plazo no superior a un día, desde el amanecer hasta la puesta del sol. Siguiendo a Aristóteles, Fabre invitó a los espectadores perderse en un universo teatral candente durante 24 horas.

Con “Prometeo Paisaje II”, estrenado en 2011 en Atenas, Fabre buscó la dimensión trágica “de la misericordia y del miedo, las emociones fundamentales de la tragedia griega”, declarando al mismo tiempo que nuestra época “necesita desesperadamente a un héroe.”

Creemos que queda claro que el programa del Festival de Atenas-Epidáuro de este año, sin duda ninguna, es el evento cultural más esperado en Grecia. En cuanto se anuncie, pues, volveremos al tema con más información.

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El lado oscuro Jaume Colomer

Fomentar la formación de comunidades de espectadores

nos de los temas que en los últimos años es el conocimiento de los públicos. Conocer a los públicos objetivo de un proyecto es la clave del éxito. La cuestión es cómo conocerlos.

Hay que agradecer que en los últimos años se hayan eliminado los pre-juicios hacia el marketing y hayan surgido algunas iniciativas que aportan a los gestores escénicos instrumentos para el conocimiento de sus públicos habituales y potenciales. Quiero citar especialmente el trabajo que está ha-ciendo el equipo de Asimétrica para poner en nuestras manos experiencias y metodologías anglosajonas que han mostrado su eficacia en el conoci-miento y gestión de públicos, así como el servicio que presta el equipo de Teknecultura en el ámbito de la explotación de datos estadísticos generados por las aplicaciones de ticketing para obtener conocimiento que sea de gran utilidad en la toma de decisiones.

Ambas iniciativas han permitido que el sector haya dado un gran paso en el conocimiento objetivo de sus públicos y en la profesionalización de su gestión. Sin embargo, ambas iniciativas se enmarcan en una lógica de mer-cado que tiene como principal objetivo mejorar el resultado de explotación de un espacio escénico o de un festival. Ninguna duda en que la eficiencia en la gestión sea un factor clave de una buena práctica escénica tanto del sector público como privado. Pero así como en el sector privado conseguir unos ingresos de explotación satisfactorios sea un objetivo, en el sector pú-blico sólo es una condición de sostenibilidad del proyecto y de rentabilidad social de los fondos públicos invertidos.

Los espacios escénicos públicos, que representan un 75% de los 1.546 que había registrados en España en el año 2014, deben aplicar una doble lógica: una lógica de mercado (porque operan en él) y una lógica de servicio público (la que da sentido a su acción y a los fondos públicos que invierten en ella). En lógica de servicio público el objetivo es facilitar el desarrollo personal y social. Esto comporta promover el aprendizaje y el empoderamiento de los espectadores.

En varios países europeos se está desarrollando el proyecto Be Spec-tACTive! financiado por el fondo Europa Creativa en el que participan nueve partners de distintos países promoviendo experiencias de participación de los espectadores tanto en procesos creativos como en la decisión de los contenidos de programaciones de espacios escénicos. El objetivo es ver qué oportunidades hay para la implicación y empoderamiento de los espec-tadores en el desarrollo y gestión de propuestas escénicas. En este sentido aporto algunas consideraciones y propuestas.

a. Un espacio escénico debe ofrecer, más allá de la programación de contenidos artísticos de calidad, actividades complementarias que permitan a los espectadores la interiorización de las experiencias com-partidas y ciertos aprendizajes instrumentales. Las posfunciones son un recursos excelente para el análisis y la interiorización de la expe-riencia escénica compartida. También son de gran utilidad los talleres de espectadores, como los que promueve en Barcelona el equipo Agost Produccions (en la línea de las escuelas de espectadores de Jorge Dubatti en Buenos Aires), los encuentros con creadores, los talleres y cursos sobre técnicas escénicas, los debates y conferencias sobre

el patrimonio escénico local y universal, etc. El objetivo es facilitar la interiorización de la experiencia escénica y el conocimiento del patrimo-nio escénico y los lenguajes de las diversas disciplinas escénicas para desarrollar la capacidad de análisis crítico de la oferta y de elección autónoma de los contenidos que puedan aportarles más beneficios en su desarrollo personal.

b. Más allá de facilitar los aprendizajes descritos, un espacio escénico debe procurar formar comunidades de espectadores que aprendan a ser capaces de gestionar colectivamente las experiencias escénicas que disfrutan, pasando de la condición de consumidores a la de prosumi-dores. Para formar y desarrollar comunidades de espectadores es ne-cesario que el espacio escénico promueva la formación de plataformas asociativas y su empoderamiento (una palabra tal vez un poco bárba-ra) para facilitar que los espectadores sean cada vez más sujetos de su propia historia. Los equipos de gestión profesionales siguen siendo necesarios, pero el diálogo entre espectadores y profesionales escé-nicos puede enriquecer mucho la experiencia escénica, tanto por los procesos de análisis y reflexión como por los contenidos programados. La metodología para el desarrollo de comunidades de espectadores no la aporta el marketing (aunque en su última formulación apuesta por el marketing colaborativo con un discurso parecido al que propo-nemos pero sin abandonar la lógica de mercado) sino las propuestas de animación sociocultural o desarrollo comunitario que surgieron en Europa en los años sesenta y que son plenamente vigentes. Un caso de referencia que muestra las oportunidades de desarrollo comunitario a partir de un proyecto escénico es el del Teatro Kursaal de Manresa que impulsa la asociación El Galliner.

c. Considero que la implicación y empoderamiento de los espectadores puede ser un activo importante para desarrollar proyectos escénicos en el nuevo contexto social y económico. Nos ayudará a abandonar la comodidad de las políticas de democratización cultural que se han desarrollado en Es-paña en las décadas de vacas gordas y nos permitirá entrar en el terreno menos explorado y más complejo de las políticas de democracia cultural. La animación sociocultural y la dinamización comunitaria nos aportan me-todologías solventes. Tal vez la gran dificultad es la resistencia de los pro-gramadores y gestores escénicos a abandonar su monopolio en el proceso de toma de decisiones para compartirlas con sus públicos. Esta resistencia está motivada, en muchos casos, por el miedo que conlleva la pérdida del poder “absoluto”, aunque probablemente se darán cuenta que los especta-dores pueden ser sus principales aliados para evitar las arbitrariedades de muchos políticos locales que tienen ansias de intervenir en los contenidos.

Mientras desarrollamos las metodologías y herramientas anglosajo-nas para el desarrollo cuantitativo de los públicos que nos permitirá garantizar la sostenibilidad de los proyectos de los espacios escéni-cos de titularidad pública, deberíamos empezar a reflexionar sobre las oportunidades que ofrece la implicación y participación de los especta-dores en la gestión de un espacio escénico abandonando la comodidad de mirarlos sólo como clientes.

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Noticias desde los fiordos Víctor Criado

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Equilibrios

a se están poniendo creativos”. Lo dice un director de escena con cier ta ironía, al mismo tiempo que, como encargado de dirigirnos, nos induce a evitar

“ser creativos”. “He aprendido que esto de dirigir consiste en encontrar un equili-

brio entre evitar tensar demasiado la cuerda para no romperla y no dejarla demasiado suelta”. La cuerda, imagino yo, es la que nos man-tiene atados a los actores. Bien atados. Esto me lo cuenta un amigo director, que a su vez se lo escuchó decir, como aviso para navegan-tes, a un director de escena con mucho prestigio.

¿Quién ha dicho que el arte de actuar debe contemplar la existencia de una cuerda? Me pregunto yo. ¿Y si se nos ocurre dejar a los caba-llos sueltos, qué sucedería?

¿Dónde se encuentra el equilibrio en esta más que interesante dia-léctica creativa actor-director? Esa es la pregunta que me ocupa el artículo de este mes. Debo indicar que, como parte implicada (actor) mi objetividad es más que cuestionable, no obstante…

Sucede que aquí, en Suecia, y después de unos cuantos años de trabajo dentro de la profesión, la sensación que tengo es la de que el actor es “creativo”, quiero decir, hay una gran parte de las decisiones sobre el personaje y la forma de interpretarlo que son suyas, y que nadie cuestiona. El director es más un “tercer ojo” a nivel interpre-tativo. Evidentemente la “lectura” que hace del texto y de la puesta en escena es suya. Podemos también decir que, a nivel de dirección de actores, trabaja en “negativo”. Quiero decir, que puede expresar lo que “no funciona”, pero nunca “imponer” aquello que cree puede funcionar. Todo esto tomado con la distancia que las generalizaciones obligan, quede claro. Pero si es algo que, desde el primer momento, me llamó poderosamente la atención. En las escuelas de interpretación se incide mucho en la formación del actor como un artista “creativo” individual, alguien que no solo obedece directrices, sino que también es partícipe de su propia creación-interpretación. Capaz de construir su texto, su propia historia, desarrollarla y presentarla al público.

Todo tiene sus pros y sus contras, ya que si lo miro con distancia crítica, a veces echo de menos cierta disciplina en los actores suecos, encuentro en determinados momentos demasiada intervención por parte del actor, lo cual tiene como consecuencia, en determinados mo-mentos, la desaparición del “personaje” sobre la escena en beneficio del actor. En cambio se gana en organicidad, el texto fluye, es mucho más orgánico, desde el primer momento las palabras son suyas, del actor, lo cual evidentemente se agradece sobre la escena. No puedo evitar, sin embargo, añorar cierta tensión en su trabajo, cierta dificul-tad, cierta incomodidad que obligue.

Sucede allí que el actor está mucho más sometido a las órdenes del director. “Ser creativo” está considerado, y no solo por ese director del que antes hablé, un problema, no una solución. Lo cual implica una renuncia por parte del actor a sus propios impulsos, para dar cabido a los del otro. Sin embargo esto, que en un principio, no es una virtud (por lo menos desde mi punto de vista), si tiene algunos beneficios. Aquí si debo reconocer algunas virtudes, que no son pocas, en los actores de allí, de donde provengo.

Otro famoso y prestigioso director decía que algo que caracteriza a los actores de allí es la capacidad que tienen para “lanzarse a la pis-cina”, incluso sin haber comprobado previamente si hay agua. Y esto es, en sí mismo, una gran virtud, que a veces pasamos por alto, de-bido al síndrome de “que todo lo que viene de fuera es mejor”. Bien, yo que estoy fuera, con cierta distancia, puede reconocer el valor de esa “capacidad”. El personaje es un “traje” con el cual me debo vestir, solo que me corresponde a mí su propia confección. El director, como mucho, debe ayudar en el diseño del patrón, arrancar los trozos que sobran, sugerir quizás la eliminación de esa arruga… poco más

(Se nota la implicación subjetiva del autor, ya lo confesé al comienzo). Una vez hecha esta reflexión me puedo preguntar el porqué de

estas características, y puedo responderme que una democracia muy avanzada y que ha logrado unas altas de igualdad entre sus ciudadanos, tiene como consecuencia lógica la formación de acto-res “creativos” y con una enorme capacidad de influir en su propio trabajo, actores que cuestionan el rol del director o que la sitúan en otro contexto. En cambio un estado, hijo primogénito de una dic-tadura de casi cuarenta años (eso sin contar el pasado anterior), en el cual el concepto igualdad no era más que una palabra en el diccionario (y no la más hermosa), ha generado una dinámica en el actor en la cual las órdenes de la dirección están ahí para ser obedecidas. Se puede rechistar eso sí, pero al final la cuerda, o la sartén, la sujeto yo (el director).

Es evidente que en Suecia hay directores que aprietan (pueden hasta llegar a ahogarte, por lo que he podido saber), y que allí hay directores que generan una dinámica de creación en común donde todos aportan, pero lo apuntado antes es un ruido de fondo que se puede escuchar a nada que uno se mantenga a la escucha.

Equilibrio. Esa sería la combinación perfecta, y por ello imposible de alcanzar. Encontrar un equilibrio entre estás dos tendencias. El actor sueco dispuesto a lanzarse a la piscina sin comprobar si hay agua (una vez comprobado cualquiera se atreve, es esa cualidad de hacerlo sin saber, de asumir que te la puedes dar, lo que convierte la temeridad en cualidad, sobre todo en un escenario). El otro actor, el de allí, decidido a ser creativo, a romper la cuerda que sujeta el director para comenzar a conquistar su personaje. O arrebatársela de las manos para ser el quién la maneje. Algo que debe ser impulsado desde las escuelas de interpretación, fomentado por los directores. Trabajar de igual a igual, trabajar en equipo, de verdad, dispuesto a correr riesgos. En un equilibrio perfecto.

Pd: Uno de los directores que he nombrado antes me confesó que el ar te más perfecto que había, a su juicio, era la música. Yo me pregunté entonces que porqué hacía teatro, pero esa pregunta se quedo encerrada en mi cerebro. Lo que sí he descubierto con el paso de los años es que la perfección es un concepto abstracto, una idea, una construcción del ser humano. Y ese ser humano no lo es. Y de eso trata el teatro, de la lucha frente a la muerte, de la lucha frente a la imperfección, frente a lo desconocido. Por eso, a mi juicio, es la más perfecta de las artes, porque refleja la imperfección que somos.

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Cronicón de Villán... y corte Javier Villán

Arte Nuevo y Alfonso Sastre en el Español

uerido Alfonso: por Madrid hace un tiempo de perros, esta Siberia manchega que sigue siendo un poblachón, pese a los inventos de la modernidad. Madrid seguirá siendo

por siempre y para siempre el Madrid “absurdo, brillante y hambrien-to” tal como lo definió Valle Inclán en Luces de Bohemia. La gran trinidad adjetivadora de Valle, manco genial por una disputa de café. Tres niveles: el metafísico, el material y el sociológico. Respecto a la manquedad, prefiero la fantasía de Gómez de la Serna que se lo echó a un león, para que se entretuviera con esos pequeños despojos y no lo devorase entero. Hay muchos leones en la Metrópoli y cada día se pegan un festín. Por eso Madrid empieza a ser, como en los versos de Dámaso Alonso, una ciudad con millones de muertos. Tu barrio de Cuatro Caminos, ya no es castizo sino arábigo; hay más moros que cristianos y la calle de Bravo Murillo parece un zoco que de vez en cuando alborotan la razzias de la policía.

Deseché la idea de ver algún ensayo de Arte Nuevo, un homena-je que me habían ofrecido. Preferí quedarme en casa, cosa que mis piernas agradecieron. Tú y yo andamos mal de los pies, aunque pen-semos bien con la cabeza. Tú eres como Valle, pero renqueante con 90 años en cada pierna. Tampoco con él fue misericordioso el teatro español, ni falta que le hacía.

La rueda de prensa para presentar el montaje de Arte Nuevo ha sido multitudinaria y tumultuosa. No sé qué habrá recogido la prensa. La prensa de teatro no es mejor ni peor que la otra prensa. Está de-mostrado que, cuando el ciego visionario Max Estrella se preguntaba “qué dirá mañana esa prensa canalla” y don Latino le contestaba “lo que le manden” no se refería a la prensa de teatro.

Tampoco sé cómo serán las críticas del estreno de Cargamen-to de sueños unida a El hermano, de Medardo Fraile. Para mí la idea de hacer un homenaje a Arte Nuevo me parece un acierto y más en estos tiempos de tribulación. Otra cosa es poner al lado de Cargamento de sueños, que es un auto sacramental surrealista, El hermano de Medardo Fraile, que es un sainete duro y sentimental con un punto de misterio. Medardo pasará a la historia como un maestro del relato corto. Como autor dramático de vanguardia, a pesar de haber escrito en colaboración con Sastre pequeñas piezas, es un vanguardista menor.

El espectáculo dividido en dos actos se abrió con tus palabras de salutación desde tu refugio de Hondarribia, “el borrascoso Norte que decía Bergamín en sus querellas con Alberti. La gente las escu-chó con santa unción. A mi lado, Zutoya Alarcia, tu actriz fetiche, lloraba sin disimulo. Guiomar, su hija, actriz joven, guapa y recental, no creo que llorara. Pérez de la Fuente se removía en el asiento de delante, recordando quizá el calvario, felizmente resuelto, de Ulalu-me. Mientras, Xabi Puerta buscaba a José tu hermano, escondido en algún lugar discreto

Como tú sabes mejor que nadie, Cargamento de Sueños es un auto sacramental pasado por el surrealismo. Lo cual impone una estética escénica de narratividad sincopada que, a la vez, determina una

estilística visual e interpretativa. José Luis Garci ha reducido a tres - Manfred, Joschoua y Frau- los cinco personajes. El padre y la madre han sido disueltos en la musculatura de los otros tres. Hay momen-tos de rara y honda sensibilidad, fulguraciones plásticas que rozan la perfección. La iluminación de José Manuel Guerra es un magnífico ejercicio creador.

Cargamento es una pieza germinal y en cierto sentido de una poé-tica afín a un Lorca, oculto o muy poco conocido por entonces; el Federico del teatro bajo la arena, el de El Publico. Lorca era Bodas de Sangre, La casa de Bernarda Alba. Y poco más. No sé qué pensa-rás de esto y el grado de conocimiento que teníais vosotros del otro Lorca. En cualquier caso, una audacia mía; como la de atribuir a Arte Nuevo el origen de tu teatro imposible.

Tú no podías saberlo, pero en Cargamento de Sueños está también el vislumbre de Bekett y Esperando a Godot. En algún momento pare-ce que Garci va a decantarse por el marco de Vladimiro y Estragon, pero acaba respetando el otro absurdo, el existencialista de Camus. La presencia de Frau, la putilla de fuerte contextura moral con la ética sacramental de los suicidas, la interpreta Ana Carlota Fernández. Ojo a esta muchacha; puede llegar lejos. Posee una belleza nada espectacular, pero turbadora. Interioriza el personaje y luego lo proyecta sin pudor. Está mejor en El hermano; el enigma de una misteriosa y traumática relación amorosa, un hermano protector también enigmático. Y unos padres preocupados por la felicidad y las amarguras de la hija. También Gary Piquer está mejor en el Padre del hermano que en Jeschoua.

Ana Fernández ha hecho de la naturalidad, una seña de identidad con la que transita por los recovecos más enrevesados de sus per-sonajes. Interpretar sin dolor, ahí está la clave. Al menos, a mí me lo parece. Miguel Angel Muñoz es el hermano cómplice y a la vez severo, inaccesible a la exigencia indagatoria de los padres. El hermano es una pieza realista, un costumbrismo sin aspiraciones de vanguardia. A no ser que tomemos como tal el naturalismo bien construido y dialo-gado, frente a la mediocridad de los años de la autarquía.

Enorme gratitud a El Padre, que lee Marcial Lafuente Estefanía mi ídolo de la infancia. Hasta que llegué al Seminario y los curas me me-tieron el Siglo de Oro como asignatura obligada, Lafuente Estefanía era mi autor preferido. De su estilo literario no aprendí mucho. Pero me queda una pasión a machamartillo por el western, cine maldito para la progresía de los años 70, que flipaba por Antonioni y Mónica Viti. No les quito mérito a estos dos iconos, pero en mí perduran más los puñetazos de John Wayne y las piernas interminables de Angie Dickinson, un suponer. Entonces empecé a darme cuenta de que los progres, además de ser la negación de la izquierda, suelen ser unos imbéciles.

Resumiendo, el verdadero Arte Nuevo es Cargamento de Sueños; responde a este poema, verdadero canon del movimiento efímero y aniquilado no por la censura, sino por las deudas y las mezquindades económicas: “venimos a incendiar los viejos edificios, a romperle la crisma a este viejo teatro”.

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Las Lejanías Carlos Be

La falsedad de “lo políticamente correcto” y apoyos varios

a primera vez que descubrí el significado de “lo políticamente correcto” fue con el cuento de Ca-perucita Roja. Era yo muy pequeño y no entendía

lo que querían decirme con aquel cambio al final, además al final, ¡en el momento más impor tante de la narración, el deci-sivo! ¿Por qué aquel giro tan exabrupto? Sería que el cuento original estaría mal escrito, o querían mejorarlo, puede que quisieran remarcarnos algo muy impor tante para que supié-ramos lo que “no debía ser” (lo censurado) y lo que “sí debía ser” (el cambio), pero yo no veía las mejoras ni el mensaje por ningún lado, además me parecía lo más natural que un lobo se comiera a una abuela, a la nieta de la abuela, al leñador y a todo quisqui que se encontrara a su paso, a pesar de saber que suelen actuar en manada, y acercarse a los hombres les gusta tanto o más que a los hombres acercarnos a ellos. Esto lo sabía por mis raíces paternas, un revoltijo entre leoneses y gallegos, una familia muy sensibilizada con el tema de los lo-bos. Entonces entendí que la censura no corregía los errores, sino que ocultaba las verdades. Descubrir esto de niño, qué queréis que os diga: duele.

Muy naif, sí. Mis reflexiones eran muy naif, de niño yo era una criatura muy naif que no aplicaba más que la observación, el sentido común a todo lo que veía... y nada me cuadraba. Así des-cubrí que lo que nos enseñan no se corresponde a lo que vemos, y ya no hablemos de lo que “no debía ser” y “sí debía ser”. Y con las pocas verdades que hay en el mundo, pobrecitas.

Esto me dedicaba yo a pensar durante los largos paseos de mi casa en la calle Jazmines de Igualada hasta la biblioteca (cru-zaba media ciudad) y de la biblioteca a mi casa, único hogar, por cier to, del que he sentido que podía salir con los ojos cerrados y abrirlos ante las puer tas de cualquiera de las dos bibliotecas públicas que había en el centro, muy cerca de la rambla. De esta infancia feliz entre libros, bibliotecarias que me miraban ir y venir, llevarme y devolver libros casi el mismo día, proviene esa sensación de frustración y rabia que he sentido varias veces en los mostradores de las bibliotecas privadas cuando me negaban el paso y yo les sacudía en las narices la ficha del libro que quería leer sin entender por qué no me dejaban leer un libro, qué peligro había. Y entonces entendí que los libros, para mí tan buenos por muchos motivos, no solamente por mostrarnos tan-tas veces lo que “no debía ser”, lo que no era “lo políticamente correcto”, también eran peligrosos. Muy peligrosos. “Ése no lo leas” y a mí me faltaba tiempo para cogerlo.

Luego llegaron otros casos flagrantes de lo que “no debía ser”, qué ingente sucesión de aberraciones acumulada duran-te siglos en la biblia que ha dejado de ser una crónica de ciencia-ficción para conver tirse en una herramienta de control.

Lo de traducir “soltera” por “virgen”, a quién se lo podía ocu-rrir. Me daba la risa, mirad si era naif. Qué querían cambiar, no entendía nada. Y luego recordaba el peligro... Algo así sólo se le podía ocurrir a alguien que quisiera manipular la verdad.

Yo estoy a favor de la liber tad de expresión. Y me diréis que todos estamos a favor de la liber tad de expresión. También os diré que estoy en contra de la doble moral. Y todos volveréis a estar de acuerdo (y aquí ya habrá unos cuantos aplicando su do-ble moral). Yo estoy a favor y apoyo a Abel Azcona, a Leo Bassi, a Denuncia Colectiva 29M, a Rodrigo García, a El Jueves, a La Central del Museo de Historia de Barcelona, a Angélica Liddell, a Rita Maestre*, a Xavi Palos, a los padres de los niños violados en los Maristas Sants-Les Cor ts, niños que ahora “no son nadie” según los que apoyan a los pederastas, a Sergio Parra, a Javier Roca Sierra, a Títeres desde abajo... Muchos de los citados son ar tistas, sí, pero no todos; eso sí: todos ellos son personas (mu-cho más personas que otros) que han sufrido o están sufriendo la censura por sus actos, por sus ideales y principios, sean ar tís-ticos o no. Son los primeros nombres que me vienen a la cabeza, apenas una muestra de tantísimos más...

Me siento incapaz de ver lo que sucede a través de los ojos de aquel niño. Yo ya soy adulto y ya he entendido demasiado, puedo manifestar mi oposición a la censura y a los mecanismos de control. Pero a un niño, ya no se trata de lo que aprende, sino de lo que le enseñan. ¿Qué le estamos enseñando a un niño, además de a no identificar dónde se encuentra el peligro de verdad? Mientras creamos que los lobos se lo van a pensar dos veces antes de comerse a un niño y que siempre habrá un leñador dispuesto a sacarnos a nosotros y a nuestra abuela de sus tripas moribundas, pues qué queréis que os diga: vamos aviados. Cuánto se ríe la injusticia en nuestra cara cuando se cree con el poder para hacerlo.

* ¿“Presunto delito contra la liber tad de conciencia y los sentimientos religiosos”? “Liber tad de conciencia y sentimien-to religioso” debe ser lo que demuestran los miembros de la iglesia católica apostólica a los menores cuando les violan, de-claran que no saben que eso es un crimen y están exentos de denunciarse entre sí por per tenecer al mismo par tido político. Yo me encuentro trabajando en un teatro donde de repente se aprueba una ley interna por la cual no tengo obligación de acusar casos de pederastia que vea entre mis compañeros y no me quedo allí ni un segundo más, y no por ética, sino por la falta de ética de ustedes. Condénenme por “presunto delito contra su liber tad de conciencia y sus sentimientos religiosos” por decir lo que hacen y querer que paguen por ello. Paguen sus crímenes, porque si un niño no es intocable, ustedes tam-poco lo son.

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Estantería

Estantería

La Fundación Canaria de las Artes Escénicas y de la Música y la Fundación SGAE han coeditado ‘El teatro por dentro’ un libro dirigido a niños y jóvenes para que conozcan el teatro (el edificio, sus profesiones, como montar una obra, la historia del teatro, autores importan-tes...). Escrito por Gemma Quintana y con ilustraciones de Cristina Ramos.

Teoría TeatralTeoría Teatral

En ‘La audición. Una guía pensada para el actor’ Joan-na Merlin “enseña a actores (y no actores) a desdrama-tizar y despersonalizar tanto el triunfo como el fracaso en un proceso de selección, a ponerse en el lugar del otro y a ofrecer la mejor versión de sí mismos” y contribuye a la formación de todo la profe-sión teatral. Una publicación de editorial Fundamentos.

La editorial italiana Bulzoni Editore ha publicado ‘Il libro degli inventari. Odin Teatret Archives’ en el que Mirella Schino, realiza una descripción de los fondos y materiales el archivo creado por la compañía danesa en 2008. Un trabajo en el que los documentos no son un instrumento, sino el propio argumento del discurso del Odin Teatret.

Teoría Teatral

Ediciones Mahali ha publicado ‘Historia de la Danza. Volumen I’ en el que sus autoras, Georgina A. Cayuela Vera, Carmen Giménez Morte, María José Ruiz Mayordomo, María José Alemany Lázaro, Ana Isabel Elvira Esteban y Marta Carrasco Benítez investigan y reflexionan

sobre el periodo que va de la Prehistoria al siglo XIX. El objetivo de esta publicación es dar cabida a miradas diferentes y permitir “ibridaciones y desbordamientos” por lo que las autoras “han tratado de alejarse de gran-des relatos sobre la historia de la danza en occidente que se han ido sucediendo en los ámbitos anglosajón y francófono, entendidos como la autoridad intelectual en la danza, para tejer una historia desde un posiciona-miento propio”. Para ello cada autora habla desde un punto de vista muy personal respecto a la investigación histórica de la danza ofreciendo unos textos divulgativos desde diferentes interpretaciones pero sin perder el rigor de una investigación especializada.

Teoría Teatral

DanzaTeoría TeatralTeoría TeatralTeoría Teatral

‘Teatro, psicología y vida coti-diana’ es un manual de Isabel Pintor Maya y Manuel Pintor García publicado por Ñaque editora. En este volumen sus autores proponen una visión multidisciplinar a partir de la comprensión de la actuación teatral desde la psicología cognitiva, incorporando dentro de ésta la aportación de la psicología positiva y de la filosofía.

En ‘Deja de actuar. Empieza a vivir’ el actor y coach de acto-res Bernard Hiller propone un sistema de entrenamiento actoral que prepara también a los alumnos para destacar en la industria del espec-táculo. Para ello propone ejercicios y consejos para averiguar qué tiene cada cual de especial y para trabajar sobre esa autenticidad. Una publicación de Alba Editorial.

Óscar Cornago es el autor de ‘Ensayos de teoría escénica. Sobre teatralidad, público y democracia’’, un trabajo de investigación publicado por Abada Editores ‘. Cornago parte de la idea de que la acción ha sido el producto estrella del siglo XX en lo que a lenguaje estético se refiere y se pregunta en qué medida el arte puede transformar el mundo en que vivimos.

Las editoriales Artezblai y Paso de Gato han presentado su primera edición conjunta, ‘Acrobacias del espec-tador. Neurociencias y teatro, y viceversa’ de Gabriele Sofia, “una obra que aborda desde las neurociencias y las teorías de la percepción la comunicación que

tiene lugar en la experiencia teatral entre actores y espectadores”. Traducida del italiano por Juana Lor y acompañada de los prólogos de Eugenio Barba y Clelia Falletti junto con un epílogo de Borja Ruiz, en este libro su autor parte de las investigaciones científicas en neurociencias y de las llamadas neuronas espejo, investigaciones que han tenido gran repercusión pero que según Sofia, “están siendo malentendidas debido a una simplificación excesiva, si bien constituyen asombrosas puertas de oportunidad para el estudio del espectador desde perspectivas novedosas, perspectivas que han sido de algún modo ya exploradas mediante la investigación en escena por Stanislavski, Meyerhold y Eugenio Barba, por poner tres ejemplos”.


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Kiosko

Estantería

En el número 158 de la revista ‘ADE Teatro’ se publica el texto teatral ‘Escenas rasgadas’ de Guillermo Heras, una obra sobre “mis fanta-sías y mis fantasmas, pero si me dejan confe-sarles la verdad es una obra sobre mi propia frustración” explica Heras en el artículo que

precede al texto. Pero este número también incluye, tras las editoriales y varias crónicas sobre la Cuatrienal de Escenografía de Praga 2015, un monográfico titulado ‘La puesta en escena de los clásicos: procedimientos y estéticas dentro del cual encontramos: una ‘Crónica del V encuentro en Mariñán’ a cargo de Roberto Corte, ‘Alternativas estéticas a la puesta en escena de los clásicos’ por Juan Antonio Hormigón, ‘Conversaciones con las almas que la muerte ausenta’ de Luis de Tavira y ‘Leve acercamiento a los clásicos’ de Alfonso Zurro. La mirada internacional incluye sendas entrevistas con Dorota Barys, directora del Instituto Polaco de Madrid y con el dramaturgo australiano Andrew Bovell.

ADE Teatro

El número 30 de la revista de pensamiento y creación ‘El rapto de Europa’ se presenta con una monografía sobre La compañía de teatro en España. Un espacio de crea-ción colectiva coordinada por Miriam Gómez en la que se incluyen artículos de Eduardo Pérez-Rasilla, Ángel Murcia, Xesús Ron y Laila Ripoll. Esta revista está publicada por Calamar Ediciones.

El rapto de...

El Festival de Circo de Montecarlo celebra este año su 40 aniversario y es el tema de portada del número 47 de ‘Zirkolika’ que incluye diversos artículos sobre el mismo. Junto a las secciones habituales de esta publica-ción, el presente número incluye una entrevista con Vitaliy Motouzka, artista de élite y entrenador de circo en Murcia.

ZirkolikaFiestacultura

Correspondiente a invierno de 2015, el número 65 de ‘Fiestacultura’ incluye junto con varias crónicas de diversos eventos y festivales como FiraTàrrega, Mim de Sueca o el FIT de Cádiz, un artículo de opinión de Manuel M. Vilanova titulado ‘El neoliberalismo cultural’ o el firmado por Roser Mezquita sobre el proyecto Ara Pacis de Xarxa Teatre.

‘Tu palabra hágase en mí’ es un monólogo de Miguel Ángel Mañas que trata el tema de la prostitución y el tráfico de mujeres en primera persona. Publicada por Editorial Lastura, en esta segunda obra Mañas interpela desde un dolor intenso, físico y mental, desde el límite de la existencia, desde la huma-nidad dentro de un mundo inhumano y brutal.

Víctor Iriarte es el autor de ‘La chica junto al flexo’ una obra dirigida al público juvenil que narra las andanzas de un grupo musical, Los Soviets. Publicada por la editorial Algar dentro de la colección Joven Teatro de Pa-pel, esta obra habla sobre los amores no confesados que un día necesitan resolverse. Y es que todo cambia con la desaparición de una amiga...

Artezblai ha publicado en un mismo volumen dos obras del dramaturgo Hanoch Levin, ‘Yaacobi y Leidental’ y ‘Shitz’. Levin, (Tel Aviv 1943-1999) es conside-rado el gran dramaturgo israelí del siglo XX con una creación extremadamente personal protagonizada por personajes anónimos que no son más que caricaturas de su vecindario universal.

La editorial La Uña Rota recoge en ‘Mierda bonita’ todas las obras que Pablo Gisbert ha escrito hasta hoy para la compañía El Conde de Torrefiel. Las pági-nas de este volumen “ofrecen un un pensa-miento abiertamente crítico con el sistema y el orden establecidos.

En cada uno de los títulos Gisbert examina sin perder el sentido del humor asuntos incómodos y espinosos: el pasado fascista en España y en Europa, y el peso que aún ejerce en nuestras vidas; la relación entre la vida pública y la privada, el deseo individual frente al colectivo...” Las obras incluidas son: ‘Escenas para una conversación después del visionado de una película de Michael Haneke’, ‘La posibilidad que desaparece frente al paisaje’, ‘Observen cómo el cansancio derrota al pen-samiento’, ‘La historia del rey vencido por el aburrimien-to’, ‘La chica de la agencia de viajes nos dijo que había piscina en el apartamento’, ‘Morir nunca’, ‘Barcelona / Madrid’, ‘Guerrilla’ y ‘Orxata’.

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Quizás el director más comen-tado en la última temporada haya sido el belga Ivo van Hove, quien presentó sus

versiones de obras clásicas del re-pertorio mundial, tanto en Broadway como en otros teatros de la ciudad, con gran éxito de crítica y público. Si bien desde los años noventa pudimos apreciar la calidad de sus trabajos, en la Brooklyn Academy of Music (BAM) y el New York Theatre Workshop de Manhattan, desde el mes de octubre hasta hoy la cartelera ha contado con producciones dirigidas por Van Hove.

Antigone de Sófocles, con Juliette Binoche en el rol estelar y produc-ción del Barbican de Londres y Les Théâtres de la Ville de Luxemburgo, abrió en BAM la estación. La violencia enfrentada por Antígona en su odisea para enterrar al hermano asesinado, espejeó el dilema de las autoridades ucranianas para permitir la repatria-ción de las víctimas del desastre aé-reo, ocasionado cuando el avión de pasajeros en que viajaban fue derriba-do el pasado año por misiles rusos. En palabras de Van Hove: “Los muertos quedaron pudriéndose al sol, por más de una semana, a los ojos del mundo. Finalmente, un convoy del gobierno holandés repatrió sus restos en una procesión funeraria a lo largo de más de 100 kilómetros. Esta fue una res-puesta humana y civilizada de respeto ha-cia las víctimas”.

El ambiente de tensión, producido por tal insensible acto de violencia, fue tras-vasado en una puesta en escena donde un sol, feroz como un ojo de fuego, bañó a los personajes, calcinando las esperan-zas y los buenos oficios de Antígona, quien acabará siendo víctima de los odios de los otros. Juliette Binoche, mediante una sobria actuación, captó el abanico de matices del

personaje, yendo de la súplica a la cólera y posterior resignación, pero sin perder su individualidad ni doblegarse completa-mente a la intransigencia de Creón (Patrick O’Kane). Aquí el heroísmo de la debilidad de Antígona fue creciéndose, en tanto ne-gociaba con su tío la mejor ruta para lograr, ella también, enterrar dignamente a Polini-ces (Nathaniel Jackson).

A View From the Bridge de Arthur Miller, recientemente presentada en el Lyceum

Theater de Broadway, igualmente espejeó las dinámicas de la tragedia griega trasvasada a nuestra contem-poraneidad. En la dirección de Van Hove, esta obra del gran dramaturgo norteamericano, que recibió en Lon-dres el Premio Olivier, con un minima-lismo de recursos estremeció al pú-blico desde el ímpetu de las pasiones de personajes viviendo en situaciones límite. Eddie (Mark Strong) el patriarca de la familia irá desmoronándose a los ojos de Beatrice (Nicola Walker), la es-posa marginada, su sobrina Catherine (Phoebe Fox), oscuro objeto del de-seo, y Rodolpho (Russell Tovey), primo de Catherine, y quien encenderá los ardores de los protagonistas hasta el enfrentamiento mortal con Eddie por el amor de Catherine.

Aquí la tragedia griega se trasvasa a las vidas de una familia de inmi-grantes italianos viviendo del trabajo en los muelles neoyorkinos, y donde la llegada como ilegal de Rodolpho, denunciado a las autoridades por un celoso Eddie, le permitió a Van Hove transpolar la acción al drama de los cientos de miles de refugiados, que desde el verano pasado se amontonan a las puertas de Europa escapando de las guerras y fundamentalismos en Oriente Medio.

El escenario se diseñó como una escueta caja de metal, a la manera de

un ring de boxeo donde las peleas, reconci-liaciones y traiciones fueron orquestándose como duelos entre los protagonistas. Unos protagonistas, inmersos en contiendas en-tre el afecto y la hostilidad, el dominio y la sumisión, en un crescendo para el cual las exaltaciones del desenlace quedaron obli-teradas por el marco histórico contemporá-neo que la ropa de calle y la música puntua-ron, haciendo que la obra se suspendiera entre el momento actual y la eternidad.

Nueva York: Una temporada teatral de gran intensidad

King Charles III de Mike Bartlett

Tabac Rouge de James Thiérrée y la Compagnie du Hanneton

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La producción de otra obra de Miller, The Crucible, que esta primavera Ivo van Hove dirigirá en el Walter Kerr Theatre de Broad-way, y un nuevo musical, Lazarus, en cola-boración con David Bowie que, también en primavera, el director belga traerá a Nueva York, auguran nuevos e interesantes even-tos a estrenarse en la Gran Manzana de la mano de este sugerente artífice.

Por su parte, el artista franco-suizo Ja-mes Thiérrée y la Compagnie du Hanne-ton presentaron en el Harvey Theater su espectáculo Tabac Rouge donde, como es habitual en este director, actor y coreógra-fo, el espectáculo circense, el happening y la danza-teatro se combinaron en iguales dosis, seduciendo al público con la magia de la mise-en-scéne. Ensamblajes simulan-do muebles, contorsionistas desplazando mesas cubiertas por artefactos articulados a la par con fragmentos de objetos diver-sos, andamios que se transformaban en plataformas móviles sobre las cuales los actores realizaban acrobacias, conforma-ron un amplio crisol de elementos, puestos a enmarcar el humor y lo inventivo de las situaciones.

Aquí el sustrato teatral quedó supedi-tado a la improvisación y lo simbólico, si bien el hilo argumental evocó similarmente esta contemporaneidad, al traer a un pri-mer plano la figura del autócrata rigiendo, pero desde la irrisión, los destinos de unos súbditos rebelándose ante lo caricaturesco del personaje. Thiérrée creó diversas ca-

pas de sentido, que iban separándose en tanto avanzaba la acción a fin de despojar al dictador de sus atributos. Una operación altamente subversiva, cuando nos devolve-mos al terrible papel que las autocracias del nuevo milenio juegan hoy en el terroris-mo y la desestabilización global, llevando a numerosos contingentes a huir como parias de sus tierras o a unirse, a causa de la des-esperación y el resentimiento, a los grupos internacionales que operan a espaldas de la legalidad y la legitimidad territorial.

Refuse the Hour, otro espectáculo multi-media concebido y dirigido por el surafrica-no William Kentridge para su propio grupo de actores, músicos, compositores y coreó-grafos, también nos enfrentó a nuestras propias ansiedades, aprensiones y recelos, reflejados sobre una red de espejos, que aprisionaron la escena de BAM y con ella al público asistente. Aquí el colonialismo europeo y el apartheid fueron diseccio-nados mediante un libreto musical donde Kentridge combinó las composiciones, del también surafricano Phillip Miller, con pie-zas del repertorio clásico, a fin de generar un diálogo intercontinental dable de unir ambas culturas hoy, cuando el diálogo in-tercultural se ha vuelto fundamental para lograr la convivencia en un mundo cada vez más conectado virtualmente y aislado ana-lógicamente.

El uso de ingeniosos aparatos mecáni-cos, relojes, metrónomos y altavoces se asoció a la música y la danza para crear un

concierto de ritmos, voces e instrumentos puestos a ilustrar la idea de la cronología y el movimiento, cuya implosión espacio-temporal igualmente aliena al individuo contemporáneo, encerrándolo en concep-tos y creencias cada vez más restringidos. En este sentido, los monólogos del propio Kentridge, acerca de la importancia de exa-minar ideas y dogmas, con objeto de llegar a un consenso global donde se respeten las diferencias, aunaron poderosamente al público asistente, además de llevarnos a reflexionar acerca de la creciente impor-tancia de las artes escénicas en la lucha por lograr una existencia más armoniosa para nuestros pueblos.

You Us We All, ópera teatral neobarroca del norteamericano Andrew Ondrejcak para el ensamble belga Baroque Orchestration X, erigió, como su nombre lo indica, un es-pacio inclusivo donde tendencias, estilos, épocas y credos se asociaron para cons-tituir una serie de tableaux dedicados a cinco personajes alegóricos: Amor, Virtud, Esperanza, Tiempo y Muerte. En cada uno, actores, bailarines, cantantes y músicos tejieron diversas referencias a los distintos temas, extraídos del imaginario barroco, enlazándolos, en un irónico guiño, a reinas del pop contemporáneo como Beyoncé y Britney Spears. De este modo, low y high entrelazaron un tapiz de sentidos donde las citas a ciertas composiciones de Handel y Vivaldi también encontraron su lugar en la red significativa.

Refuse the Hour de William Kentridge


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Un arcoíris de luz, sonidos y trajes re-alzó el espectáculo de BAM que si apa-rentemente privilegió lo frívolo, su esen-cia ilustró la importancia de aceptar las diferencias, tanto sexuales como raciales y religiosas, en aras de alcanzar un acuer-do de concordia para todos los colectivos. Según Ondrejcak: “Mi espectáculo aborda sentimientos de soledad, muerte, separa-ción y pérdida, pero también de conexión. Aquí el aislamiento y la comunión con el otro deben compaginarse en todos noso-tros. Algo que para mí es absolutamente real y necesario”.

Una obra que también se constituyó en un ejercicio de referencias cruzadas a tra-vés de épocas y estilos, fue King Charles III del dramaturgo inglés Mike Bartlett, dirigi-da por Rupert Goold para el Music Box Tha-tre de Broadway, y Premio Olivier a la mejor obra. Este agudo retrato de una monarquía en crisis, mira hacia el futuro de la Casa de Windsor, una vez haya concluido el reinado de Elizabeth II, la soberana más longeva del Imperio Británico.

Barlett aludió a la métrica shakespe-riana para desarrollar el texto, trayendo a un primer plano los altibajos de la fami-lia real, continuamente ridiculizada por la prensa amarillista. Ello le permitió al dra-maturgo moverse entre la seriedad y la comicidad, caricaturizando por momentos a sus miembros, pero sin perder el norte ni caer en la irrisión desmedida. De hecho, el futuro monarca emerge aquí como un individuo sumamente articulado, si bien

inseguro, quizás por la fuerza del carácter de las dos mujeres orbitando en torno a él: su madre y su actual esposa.

El fantasma de la princesa Diana pla-neó igualmente sobre la obra, dándole a la pieza un aire nostálgico no solo por lo que icónicamente ella representó, sino por la evocación de la época cuando reinó, sin corona, sobre una nación y un mundo muy distintos al actual, es decir, las dos últimas décadas del siglo XX, cuando parecía que muchos de los cataclismos de las décadas anteriores habían quedado atrás, al menos para los países occidentales.

Tim Pigott-Smith en el rol de Charles, captó los distintos matices de una figura oscilando entre la trivialidad y la gloria, pero sin atajar ninguna. Tal vez haya sido esa ambigüedad lo que ha contribuido a presentarlo, ante la opinión pública britá-nica, como un individuo a quien no debe tomarse muy en serio, y sería mejor que la reina abdicara a favor de su nieto, muchos más a tono con la imagen de las celebrida-des del siglo XXI.

En tal sentido debe destacarse el mu-sical Hamilton, del nuyorican Lin-Manuel Miranda, que ha llevado la vida del prócer Alexander Hamilton al hip-hop latino, con gran éxito de crítica y público. Paralelismos entre la vida de Hamilton y Miranda sirvie-ron para delinear el argumento, trayendo a un primer plano la experiencia del inmigran-te y el desclasado. De hecho, casi todos los actores son hispanos o afroamericanos y actúan la vida del héroe, nacido fuera del

matrimonio en St. Croix y criado en un or-fanato, con gran conocimiento de causa, trasladando al Richard Rodgers Theatre de Broadway el vigor de un mestizaje cultural similar al de In the Heights, primer gran éxi-to de Miranda.

El fermento político de Estados Unidos en el siglo XVIII y la música nacida en los gue-tos urbanos, se entremezclaron en el argu-mento actualizando y revisitando, no solo el pasado del país sino el presente de unas comunidades, históricamente marginadas del discurso sociocultural anglosajón que este actor, director, compositor y dramatur-go representa. De hecho, Miranda protago-nizó el rol estelar, dándole a Hamilton una lectura mucho más afín a las problemáticas contemporáneas, poco interesadas en la Historia per se.

Una meticulosa reconstrucción de la épo-ca, presente en la escenografía y vestua-rio contrastó, no obstante, con el rap del libreto y el hip-hop de la música, si bien no llegó a darse una colisión de estilos, pues la agudeza del autor se sobrepone a las diferencias. En sus palabras: “El show re-fleja a la sociedad estadounidense actual”. Una sociedad que, si bien no ha superado los atavismos concernientes al racismo y el sexismo, muestra una voluntad de confron-tarlos y discutirlos abiertamente, impres-cindible para lograr la consecución de un mundo más justo para todos.

Alejandro Varderi

Hamilton de Lin-Manuel Miranda

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Vindicación de los guiñoles

No vamos a dejar títere con cabe-za, reza el adagio y al parecer se aplica en España, en donde de acuerdo con el periódico satírico

El Mundo Today se llevaron a unos títeres a la cárcel acompañados por sus manipula-dores, acusados de incitación al terrorismo. Añade la información que como era de es-perarse los títeres se niegan a colaborar. El delito de los muñecos es el de siempre, ser impertinentes, deslenguados y el de fo-mentar el vicio. A lo que se añade en este caso una nueva tendencia para la Cachipo-rra: Apología del Terrorismo.

Tremenda acusación de la Tremenda Au-diencia.

Voy a utilizar como pieza de convicción para comprobar la perversión innata de los muñecos, la obra El Retablo de don Cristó-bal de Federico García Lorca.

Pero antes recuerdo algunos datos del autor. Ya sabemos que Federico fue asesi-nado un 19 de agosto de 1936 en Granada (a los títeres y sus titiriteros les fue mejor pues aún siguen vivos). Y también sabemos que para salud de los españoles sus obras fueron prohibidas hasta la muerte del gene-ralísimo. A los integrantes del grupo Títeres desde abajo (que por cierto tienen su sede en Granada) ya los soltaron, pero no deben perder el miedo pues han logrado concen-trar las diatribas de políticos de izquierda y de derecha y hasta la muy liberal alcaldesa de Madrid, los ha denunciado con energía y promete tomar medidas en su contra. To-dos esperan que se termine esta marejada mediática para volver a la carga.

Ninguno de los que hemos escrito sobre este asunto vimos la representación de La bruja y don Cristóbal, la obra incriminada. Yo quiero imaginar que en esa tarde de in-vierno del 5 de febrero, en una plaza del barrio de Tetuán en Madrid, no había más de 30 espectadores. Quiero imaginar que algunos padres de familia se sintieron las-timados por la obra que presenciaban en el espacio público. Lo normal es que se hubieran retirado con sus niños y tal vez después formular sus reservas. No, tenían que dar una lección a sus hijos, explicar por qué habían intervenido para suspender a los peligrosos muñecos e iniciarlos en la intolerancia activa.

Pero regresemos a este autor, a García Lorca, ahora celebrado, pero que fue eje-cutado y enterrado de manera clandestina por sus coterráneos. Él nos habla en la introducción de la farsa El Retablo de don Cristóbal del habla popular y de… el deli-cioso y duro lenguaje de los muñecos.

Y nos dice más adelante, el guiñol es la expresión de la fantasía del pueblo (…) el poeta sabe que el público oirá con alegría y sencillez las expresiones y vocablos que nacen de la tierra y que servirán de limpie-za en una época en que maldades, errores y sentimientos turbios llegan hasta lo más hondo de los hogares.

Como si hubiera sido escrito hoy. Es lo bueno de tratar con clásicos, sus palabras alcanzan para diferentes épocas, aunque ellos hayan pagado con su vida la osadía de decir verdades. Poeta – Profeta.

Y Federico abusa de esta libertad, di-ciendo por ejemplo, te maté puñetero, te maté… un doctor, don Cristóbal, que eje-cuta a un enfermo para robarle el dinero. Habla de los billetes que trae metidos en su culito. Y después paga por una señorita vendida por su madre y presenta a cinco bebes a los que ejecuta por parecerle que son de padres desconocidos. Seguramente si los censores madrileños que protegen la conciencia de los niños hubieran visto esta farsa, pondrían en la cárcel a don Cristóbal, a los titiriteros y al autor. Bueno, a ese últi-mo ya sabemos lo que le pasó.

Pero hay que darles las gracias a Alfonso Lázaro y Raúl García ya que con su modes-ta obra de títeres han logrado reivindicar el lugar de la marioneta. Su gesto escénico ha

tenido más repercusiones que las mejores obras representadas en Madrid. De todo el mundo han surgido críticas y apoyos para estos nuevos mártires de la escena. Una modesta obra que logra lo imposible: De-volverle a los guiñoles su poder subversivo. La que debió ser una función de rutina se ha convertido en un emblema de la fuerza de la escena, nos recuerda que el teatro y en especial el teatro de títeres está hecho para subvertir el orden.

No puedo hablar del espectáculo incrimi-nado, porque como ya dije no lo he visto y no sé que tan profundamente ofensivo, subversivo, estimulador del terrorismo pue-da ser. Pero creo que meter a la cárcel a sus integrantes nos habla del momento de suprema represión en la que vivimos, y en la que podemos decir que los terroristas han ganado la batalla, pues nos obligan a los ciudadanos de a pie a tener que demos-trar a cada paso de nuestra vida cotidiana que somos inocentes.

Termino con esta cita del diario Libération: C’est l’incroyable enchaînement de faits

provoqué par un spectacle de guignols don-né dans le cadre du carnaval (de Madrid).

Es increíble la cadena de hechos provo-cados por un espectáculo de guiñol presen-tado durante el carnaval (de Madrid).

Añado que todos los diarios en Francia dedicaron una nota a este nuevo episodio de los esperpentos españoles.

Gracias sean dadas a Alfonso Lázaro y Raúl García.

Enrique Atonal

Donostia Kultura & Dss2016Eu 2

Europako Kultura Hiriburu izateak erronka garrantzitsu horri behar bezala erantzutea eskatzen die Victoria Eugenia An- tzokiari eta Hiriburutzari berari, eta antzerki-programazio bat eta dantzako beste bat diseinatzea elkarlan estuan, biak ere “2016ko markakoak”. Programazio espezifikoak eta bereziak, beraz, ikuspegi berritzailea, garaikidea, nazioartekoa eta edu-kiz konprometitua izango dutenak. Antzerki –eta dantza– pro-gramazioak desberdinak dira bata bestetik, eta bi leitmotiv des-berdini erantzuten diete. Victoria Eugenia Antzokia da eremu eszenikoko ardatz nagusia.

Antzerki-programazioa ‘Zertarako balio du antzerkiak?’ leitmotivaren inguruan ibiliko da, hots, gizarte honen errealitate soziokultural eta ekonomikoaren aurrean sentibera den antzerkia eskainiko du, bere ingurunean gertatzen denetik urrun ez dagoena. Erantzunak emateko edo ikus-entzule eta herritarrei ekarpena egiten dieten ikuspuntuak proposatzeko gaitasuna du antzerki horrek. Zertarako balio du gizarte-bidegabekeriak salatzen ez dituen antzerki batek? Edo sexu-aukeragatiko diskriminazioak salatzen ez dituenak? Edo emakumeen kontrako erasoak? Zertarako balio du antzerkiak, gizartean gertatzen dena kontatzen ez badu? Zertarako balio du antzerkiak, benetako arazoak ukitu gabe pasatzen bada? Edo informatzen ez badu? Edo argudioak ematen ez baditu? Zertarako balio du antzerkiak, askatasunaren alde egiten ez badu? Edo Kulturaren alde? Antzerki konprometituko ziklo bat aurkezten dugu, ez ikusia egiten ez duena, eta gaurko eta betiko gaien ikuspegi garaikidea ematen duena.

Dantza-programazioari dagokionez, leitmotiva ‘Desberdinen arteko topaketa’ da, hots, mugimendua, gorputz bakoitzaren hizkuntza unibertsala. Mugarik, itzulpenik gabe. Ardatz bat markatuz, non ideiak, edukiak garatzen diren, eta desberdi-nen arteko zubiak eraikitzen diren. Bila. Solasean. Antagonia geografiko eta kronologikoen artean..., arraza, jatorri, dantza-

estiloen artean gune komunak aurkituz. Errealitate desberdi-nak aurkituz, aberastuz eta inplementatuz, denon lekuetarantz bideratzeko, eta han norbanakoa, lurraldea, erkidegoa, kultura, artea... eraikitzeko.

‘Dantza-topaketek’ ikuskizun multzo bat aurkezten dute, kontzeptu-ardaztzat horixe dutena: desberdinen arteko topaketa. Ikuskizun horietan, bat egiten dute kultura tradizionalak eta abangoardiak, arte-adierazpen desberdinek, jatorri desber-dineko artistek eta kulturek... Denek ere gauza bat eta bera dutelarik: solasean jardutea, lurraldeak bilatzea eta aurkitzea arte-sorkuntzarako eta elkar ulertzeko testuinguru berriak eraikitzeko, aurrez elkar ezagututa.

Bi kasuetan, helburua eskaintza eszenikoari tamaina eta trans- zendentzia sozial eta kultural handiagoa ematea da, kalitatea zainduz eta diziplina-aniztasuna, garaikidetasuna, artearen agerpena bilatuz. Autore-proposamenek eta Artearekin, gi-zartearekin, herritarren dituzten arazo sozial eta politikoekin konprometituriko edukiek toki garrantzitsua izango dute 2016 honetan. Amaitzeko, nazioartean den aniztasuna ere bilatuko dugu; leiho bat irekiko dugu hirian, munduan den sorkuntzari begiratzeko.

Ikuskizun hauekin batera, jarduera osagarriak ere proposatuko dira, herritarrak eta artistak elkarrekin harremanetan jar dai-tezen topaketetan, solasaldietan, tailerretan... Sentsibilizazio-, prestakuntza- eta parte-hartzeko markoak, non komunikazio aktiboan lotuko baitira artistak eta herritarrak, jardunbideei, bilaketei, ezagutzari begira.

Norka ChiapussoDonostia Kulturako Antzerki eta Dantza

programazio zuzendaria

Donostia Kultura & Dss2016Eu3

El ser Capital Cultural europea exige al Teatro Victoria Eugenia y a la propia Capitalidad estar a la altura de un reto tan importante y diseñar una programación de Teatro y otra de Danza que sean “marca 2016” elaboradas en estrecha colaboración. Unas progra-maciones específicas y especiales, que ofrezcan una visión innova-dora, contemporánea, internacional y con contenidos comprome-tidos. Las programaciones de teatro y danza son distintas entre sí y responden a dos leitmotiv también diferentes. El Teatro Victoria Eugenia es el eje principal del campo de juego escénico.

La programación de teatro versará en torno al leitmotiv ¿Para qué sirve el teatro?, es decir, planteará un teatro que es sensible a la realidad sociocultural y económica de su sociedad, que no es ajeno a lo que ocurre en su entorno. Es un teatro que tiene la capacidad de dar respuestas o proponer puntos de vistas que aportan cuali-dad en el público y en el ciudadano. ¿Para qué sirve un teatro que no denuncia las injusticias sociales? ¿O las discriminaciones por opción sexual? ¿O las agresiones a las mujeres? ¿Para qué sirve un teatro si no cuenta lo que sucede en su sociedad? ¿Para qué sirve un teatro que pasa de puntillas sobre los problemas reales? ¿O no informa? ¿O no argumenta? ¿Para qué sirve un teatro si no defien-de la libertad? ¿O no defiende su Cultura?. Presentamos un ciclo de teatro comprometido, que no mira hacia otro lado y que aporta una visión contemporánea de los temas de hoy y de siempre.

En lo referente a la programación de Danza, el leitmotiv es Encuen-tro entre diferentes, es decir, el movimiento, el lenguaje universal de cada cuerpo. Sin fronteras, ni traducciones... Marcando un eje donde se desarrollan las ideas, los contenidos y se tienden puentes entre diferentes. Buscando. Conversando. Encontrando espacios comunes entre antagonismos geográficos y cronológicos... Entre ra-zas, orígenes, estilos de danza... Encontrando diferentes realidades, enriqueciéndose e implementándose para avanzar hacia lugares comunes donde construir individuo, territorio, comunidad... cultu-ra... Arte.

Encuentros de Danza que presentan una madeja de espectáculos que cultivan como eje conceptual el encuentro entre diferentes. Es-pectáculos donde convergen la cultura tradicional y la vanguardia, diferentes expresiones artísticas, artistas y culturas de diferente procedencia... Todos con un signo común: conversar, buscar y en-contrar territorios donde construir nuevos contextos de creación artística y entendimiento, a partir del conocimiento mutuo.

En ambos casos, el objetivo es dotar de mayor dimensión y tras-cendencia social y cultural a la oferta escénica cuidando la calidad, buscando multidisciplinariedad, contemporaneidad, emergencia artística. Las propuestas de autor, y los contenidos comprometidos con el Arte, con la creación, con los problemas sociales o políticos que afectan a los ciudadanos, tendrán un espacio importante du-rante este año 2016. Como último, se buscará también la diver-sidad internacional que abra en la ciudad una ventana hacia la creación en el mundo.

Junto a estos espectáculos, se propondrán además actividades complementarias donde la ciudadanía y los/las artistas tomarán relación en encuentros, coloquios, talleres... Marcos de sensibiliza-ción, formación y participación donde se establecerá una comuni-cación activa entre artistas y ciudadanos, enfocado a sus prácticas, su búsqueda... su conocimiento.

Norka ChiapussoDirector de programación de Teatro y

Danza de Donostia Kultura


OskaraKukai Dantza & La Veronal

Victoria Eugenia Antzokia

Martxoa 8 Marzo*

20:30

Eneko Gil, Alain Maya, Urko Mitxelena, Ibon Huarte eta Martxel Rodriguez arituko dira Marcos Morau koreografoaren lan honetan, Jon Mayaren zuzendaritzapean eta Erramun Martikorena kantariaren parte hartzearekin.

Eneko Gil, Alain Maya, Urko Mitxelena, Ibon Huarte y Martxel Rodriguez interpretan esta obra del coreógrafo Marcos Morau, bajo la dirección de Jon Maya y con la participación del cantante Erramun Martikorena.

‘Oskara’-k bi unibertso koreografiko ezberdin batzen ditu, bi begirada ezberdin: Euskal Herriko kultura tradizionalean du oinarria eta sormenerako abiapuntua; eta, era berean, gaur egungo abangoardiazko artisten ikuspegitik sortutako artelana izango da. Instalazio moduko lan bat da, zeinak euskal kulturaren eta mitoen hainbat ataletatik igarotzen den, bere jatorritik aro garaikidera, eta indar bikoitz eta harriduraz beteriko sinbolo eta ikonografien ibilbide plastiko zein emozionala marrazten duten. Modu absolutuenean, bere baitan giza esperientziaren historia gordetzen du. Kodigo dramatikoa abstrakzio sakona duen, ia bortxazko, lengoai batean artikulatutako ikuskizun baterantz doa. Soilik konposizioen ordenak eman ahalko dio zentzu sentsorial bat.‘Oskara’ ESZENA Tkin ekoiztutako ikuskizuna da. (Victoria Eugenia Antzokia eta Escene National de Baiona).Ikuskizuna Mugalariak proiektuaren barruan kokatzen da.

‘Oskara’ aúna dos universos coreográficos diferentes, dos miradas diversas: Se basa en la cultura vasca tradicional como punto de partida para la creación; al mismo tiempo, se trata de una obra creada desde la perspectiva de artistas de vanguardia contemporáneos. Es una especie de instalación que recorre diversos aspectos de la cultura vasca y sus mitos desde su origen hasta la época contemporánea, dibujando un recorrido plástico y emocional a través de símbolos e iconografías plenos de fuerza y de encanto. Encierra en sí la experiencia humana de la manera más absoluta. El código dramático tiene por objeto un espectáculo articulado mediante un lenguaje de una abstracción profunda, casi violenta. Únicamente el orden de las composiciones le confiere un sentido sensorial.‘Oskara’ es un espectáculo coproducido con ESZENA T (Teatro Victoria Eugenia y Escene National de Baiona).El espectáculo se enmarca dentro del proyecto Mugalariak.

DANTZA

* Donostia 2016rekin elkarlanean obra hau urtarrilaren 30ean eta 31n estreinatu zen Victoria Eugenia Antzokian. Martxoako emanaldia dFeria jaialdi barruan izango da.

Esta obra se estrenó el 30 y 31 de enero en el Victoria Eugenia en colaboración con San Sebastian 2016. La representación de marzo se realizará dentro de la programación de dFeria.

Euskara


Hotel SplendidCho In Theatre


Otsaila 19 – 20 Febrero

20:00

Zuzendaria / Director: Chung-euy Park Zuzendariaren laguntzailea / Ayudante del director: Joo-yeon Kim Idazlea / Escritor: Lavonne Mueller Antzezleak / Actores: Yi-soon Jung , Sang-hee Lee, Gi-jun Kim, Kwonnim Ahn, Jung-won Shin, Jong-hoon Lee, Eun-sung Lee, Sung-jae Lee, Dong-hun Ryu

II. Mundu Gerran, 200.000 “emakume kontsolagarri”, gehienak korearrak, morroi sexualak izateko bahitu zituen armada japoniarrak. Lan hau oso ezagun egin ez zen ankerkeri hura pairatu zuten emakumeen omenez atera da argitara. Maltzurki ‘Hotel Splendid’ deituriko “kontsolamendu geltoki” batean girotua, lau emakume eta hauetako batez maitemintzen den pilotu kamikaze bat aurkitzen ditugu. Bizitzen dituzten izugarrikerien eta horiei aurre egiteko duten indar, duintasun eta baita umorearen lekukotzarekin, aparteko edertasun eta esperantza harrigarria erakusten duen ekoizpen indartsua dugu. Jatorrizko bertsioa azpitituluekin.

Durante la Segunda Guerra Mundial, 200.000 “mujeres consuelo”, mayoritariamente coreanas, fueron raptadas por el ejército japonés para ser esclavas sexuales. Esta producción brinda homenaje a las mujeres que sufrieron esta atrocidad poco conocida. Ambientada en una ‘estación de consuelo’ siniestramente denominada ‘Hotel Splendid’, nos encontramos con cuatro mujeres y un piloto kamikaze que se enamora de una de ellas. Somos testigos de los horrores que las visitan y la fuerza, dignidad e incluso el humor con que los enfrentan. Es una poderosa producción de belleza extraordinaria y sorpresiva esperanza. Versión original subtitulada.

ANTZerkiA - TeATrO

Koreera / Coreano Subtítulos: Eusk / Cast


ReturnMarta Etura & Chevi Muraday

Antzoki Zaharra – Teatro Principal

Otsaila 26 – 27 Febrero

20:00

Interpreteak / Intérpretes: Marta Etura, Chevi Muraday Testuak / Textos: Pablo Messiez Musika orijinala / Música original: Ricardo Miluy, Mariano Marín Soinu espazioa / Espacio sonoro: Ricardo Miluy / inscene

Marta Etura eta Chevi Muraday egitasmo honetan elkartu dira beren kezkak partekatzeko, dantza eta hitza plano berean hizketan jarriz. Bikote-harremanetan arakatzen dute; norberak espero duenak eta gizarteak agintzen digunak eragiten dituzten frustrazioetan. Abiapuntua harremanen zailtasunak ulertzeko era berriak izango dira, eta maitasunaren berezko izaeraren eta gizarteak hartaz eratzen duen irudiaren arteko talka. Benetako maitasuna errealitatean oinarritutako zerbait da, ala irudimenezko eta irreal den zerbaitetan oinarritzen da? “Zuregan, neure burua ere maite dut”. Nork bere burua maitatzea, beste bat maitatzetik abiatuta. Bi pertsonaren arteko konplizitatea unibertso bat sortuz doa, non elkarrekin bizi baitira, elkarrekin amesten, arnasten baitute, azkenean ulertzeko hori ez dela ispilukeria bat baizik, gaztetatik ikasten dugun fikzio baten ispilukeria. Egitura hori hautsi egiten da bat-batean, eta elbarri uzten ditu. Ingurunea eraldatu egiten da, eta elkarrekin duten espazioa itogarri bihurtzen zaie.

Marta Etura y Chevi Muraday se unen en un nuevo proyecto para compartir inquietudes, donde la danza y la palabra dialogan en un mismo plano. Indagan en las relaciones de pareja y las frustraciones que se originan ante las expectativas propias y las generadas por la sociedad. El punto de partida será las nuevas formas de entender las dificultades de las relaciones y el choque entre la naturaleza propia del amor y la imagen que la sociedad genera del mismo. ¿El verdadero amor es una sustancia basada en la realidad, o en algo imaginario e irreal? “En ti , me amo también a mí mismo”. Amarse a uno mismo a partir de amar a otra persona. Dos personas cuya complicidad va creando un universo en el que conviven, sueñan, respiran, para finalmente entender que no es más que el espejismo de una realidad ficticia que es aprendida desde la juventud. Esta estructura, de repente, se rompe y eso les deja mutilados. El entorno se transforma y el espacio que comparten empieza a asfixiarles.

DANTZA


TorobakaAkram Khan & Israel Galván


Apirila 1 – 2 Abril

20:00

Musika egokitzapenak eta interpretazioa / Arreglos musicales e interpretación: David Azurza, Bobote, Christine Leboutte, Bernhard Schimpelsberger Argi diseinua / Diseño iluminación: Michael Hulls Jantzien diseinua / Diseño vestuario: Kimie Nakano Soinu-diseinua / Diseño sonido: Pedro León

Akram Khan; Israel Galván; Khan; Galván; izenon eufoniak berak jartzen gaitu bidean. Dantza, dantza izan aurretik. Erdibide horretan, tarte horretan mugitzen dira. Ez da, inola ere, tradizioen arteko truke etniko bat, ez da dantza globalaren ariketa bat. Dantza ulertzeko modu batetik abiatuta elkar hartzea da kontua: kathak eta flamenkoa dantzatuz, noski, baina ahotsaren eta keinuaren hasieretan kokatu, esanahiak sortzen hasi aurreko hartan. Mimesia, mimetismoa baino lehen.

Akram Khan; Israel Galván; Khan; Galván; La propia eufonía de los nombres nos pone en el camino. El baile antes de que fuera danza. En ese paso, en ese intermedio, en ese intersticio se mueven. No se trata, desde luego, de un intercambio étnico entre tradiciones, de ningún ejercicio de danza global. Se trata de hacer conjunto de una manera de entender el baile –sí, claro, viene de bailar kathak y flamenco–, que quiere situarse en los principios de la voz y del gesto, antes de que empezaran a producir significados. Mímesis antes que mimetismo. Israel Galván y Akram Khan. Se trata de eso, de bailar sin concesiones y que el público siga pensando qué es danza.

DANTZA


No daré hijos, daré versosMarianella Morena


Apirila 16 – 17 Abril

16 20:00 17 19:30

Marianella Morenak sortu eta zuzendua, eta Lucía Trentini, Agustín Urrutia, Mané Pérez, Christian Amacoria, Laura Báez eta Domingo Milesi aktoreek jokatua.

Creado y dirigido por Marianella Morena, Lucía Trentini, Agustín Urrutia, Mané Pérez, Christian Amacoria, Laura Báez y Domingo Milesi componen el reparto de este espectáculo.

Hiru ekitaldi. Hiru genero, Hiru hizkuntza. Sei aktore-abeslari gazte rolak eta ikuspuntuak aldatuz doaz Delmira Agustini poeta uruguaiarrari buruz, zeina senar ohiak hil baitzuen 1914an, maitale zirelarik. Sarrera polemikoa du gure artistek gizartean duten lekuari buruz, unean uneko gobernuak eta ideologia menderatzaileak ematen dien balioari buruz. Marianella Morena emakume eta artista den aldetik arituko da solasean beste artista batekin.

Tres actos. Tres géneros.Tres lenguajes. Seis actores-cantantes jóvenes rotan roles, puntos de vista, sobre la poeta uruguaya Delmira Agustini, asesinada en 1914 por su ex marido, cuando eran amantes. Con una introducción polémica sobre el lugar que ocupan en la sociedad nuestros artistas, qué valor tienen de acuerdo al gobierno de turno y la ideología imperante. Morena, como mujer artista dialoga con otra artista.

ANTZerkiA - TeATrO

Castellano


NoeticGöteborgsOperans Danskompani


Maiatza 12 – 13 Mayo

20:00

Koreografia / Coreografía: Sidi Larbi Cherkaoui Dantzariak / Bailarines: GöteborgsOperans Danskompani Musika konposizioa / Composición musical: Szymon Brzóska Zuzeneko musikaren interpretazioa / Interpretación musical en directo: Miriam Andersén, Shogo Yoshii

Gogokoenen arteko hiru dantza, pasioari, senari eta kontsolamenduari buruz. ‘Interfacial Scale’, ‘Your Passion is Pure Joy to Me’ eta ‘Noetic’: arrakasta handiko hiru dantza-emankizun, testuinguru berri batean aurkeztuak. Gure gogokoenen artean hautatu ditugu hiru lanak, konpainiak dantza garaikidearen eremuan izan duen garapen bizkorraren adibide baitira. Hirurak dira berariaz Göteborgs Operans Danskompani-rentzat sortuak.

Tres danzas favoritas sobre la pasión, el instinto y la consolación. ‘Interfacial Scale’, ‘Your Passion is Pure Joy to Me’ y ‘Noetic’: tres espectáculos de baile de entre los más aclamados, presentados en un nuevo contexto. Estos tres trabajos son una selección de nuestros favoritos y ejemplifican el rápido desarrollo de la compañía en el campo de la danza contemporánea. Los tres fueron creados en exclusiva para Göteborgs Operans Danskompani.

DANTZA


Labio de liebreTeatro Petra


Maiatza 21 – 22 Mayo

21 20:00 22 19:30

Interpreteak / Intérpretes: Marcela Valencia, Liliana Escobar, Jacques Toukhmanian, Ana María Cuéllar, Biassini Segura, Fabio Rubiano Arte zuzendaritza / Dirección de arte: Laura Villegas Musika konposizioa eta soinu-diseinua / Composición musical y diseño sonoro: Camilo Sanabria Bideoaren diseinua / Diseño de video: Carlos Pérez, Diego Andrés Forero Argi diseinua / Diseño de iluminación: Adelio Leiva, Leonardo Murcia

‘Labio de liebre’ narrazio dramatikoan falta ezin den pasio bati buruzko lan bat da: mendekua du gaitzat. Baina baita eginkizun zailenetako bati buruzkoa ere: barkamena. Salvo Castellok, langile eraginkor batek, irmo parte hartu du izugarrikeria handiak egiten. Sinesmen osoz jardun du, amorruz, oinazez, baina baita mendekuz ere. Damututa dago. Baina zorretan da. Zorra kitatzeko, bere etxean egin behar die aurre iraganeko gertaerei; nahita ahaztutako zatiak dira, ahaztu beharragatik edo inertziaz ahaztutakoak. Sosa familiak, duela zenbait urte kalteak jaso zituenak, uko egiten dio iraganeko kalteak don Salvori kobratzeari. Ez denak, ordea. Badira batzuk oroimenean galdu ezin direnak, barkamenaren lurretan ehortzi ezin direnak. Mendekuari uko egiteak, justizia modu gisa, ez du esan nahi kaltetuek ez dutenik ezer erreklamatzen. Eskatu, exijitu egiten dute. Hainbesteraino, non, batzuetan, exijentzia hori hain baita tematia eta aldaezina, non ankerra baitirudi, mendekuaren hurbilekoa.

‘Labio de liebre’ es una obra sobre una de las pasiones infalibles en la narración dramática: la venganza. Pero también sobre una de las acciones más difíciles: el perdón. Salvo Castello, un empleado eficiente ha colaborado con firmeza en la ejecución de hechos atroces. Ha obrado por convicción, por rabia, por dolor; pero también por venganza. Se arrepiente. Pero queda en deuda. Para saldar su deuda debe enfrentarse en su propia casa con hechos del pasado; fragmentos olvidados por voluntad, por obligación o por inercia. La familia Sosa, afectada años atrás, renuncia a cobrarle a don Salvo los daños del pasado. No todos. Hay algunos que no se pueden perder en la memoria, ni sepultar en los terrenos del perdón. Renunciar a la venganza como forma de justicia, no significa que los afectados no reclamen otras cosas. Piden, exigen. Tanto, que a veces la exigencia es tan insistente e inalterable que parece cruel, cercana a la venganza.

ANTZerkiA - TeATrO

Castellano


SolitudesKulunka Teatro


Ekaina 11 Junio

20:00

Interpreteak / Intérpretes: Garbiñe Insausti, José Dault, Edu Cárcamo Dramaturgia: Garbiñe Insausti, José Dault, Iñaki Rikarte, Rolando San Martín, Edu Cárcamo Musika orijinala / Música original: Luis Miguel Cobos Eszenografia eta jantzien diseinua / Diseño de escenografía y vestuario: Ikerne Giménez Argi diseinua / Diseño de iluminación: Carlos Samaniego “sama”

Kartetan egin besterik nahi ez duen agure bat. Alargundu den agure bat. Norekin jokatu ez duen agure bat. Burutu ezinik dabilen seme bat, biloba nerabe bat. Etsitzen ez duen agure bat. Gizarte itsu bat. Puta hasiberri bat. Gaizkiulertu bat. Euli bat.Eta denbora, kontrajokoan. ‘Solitudes’ ESZENA Tkin ekoiztutako ikuskizuna da. (Victoria Eugenia Antzokia eta Scène Nationale du Sud-Aquitaine)

Un anciano que ya sólo quiere jugar a las cartas. Un anciano que se queda viudo. Un anciano que no tiene con quién compartir el juego. Un hijo superado, una nieta adolescente. Un anciano que no se resigna. Una sociedad ciega. Una puta primeriza. Un equívoco. Una mosca. Y el tiempo jugando en contra. ‘Solitudes’ es un espectáculo coproducido con ESZENA T. (Teatro Victoria Eugenia y Scène Nationale du Sud-Aquitaine)

ANTZerkiA - TeATrO

Testurik gabe / Sin texto


Hybrid rythm & danceOreka Tx


Urria 21 – 22 – 23 Octubre

21 – 22 20:00 23 19:30

Zuzendaritza eta koreografia / Dirección y coreografía: Hirayama Motoko Musikaren interpretazioa / Interpretación musical: Oreka TX Abeslaria / Cantante: Toko Emi Interpreteak / Intérpretes: Kojiri Kenta, Oba, Suzuki Ryu, Minakawa Mayumu, Nishiyama Yuki

Txalaparta, Ainu indigena japoniarren kantua eta dantza garaikidea Euskal Herria eta Japoniaren arteko zubi bat eraikitzeko balio izango dute. Donostian eta Tokion egindako egonaldi artistikoetatik sortutako ikuskizun honek antzinako bi tradizio elkartuko ditu dantza garaikide fin batekin.

La txalaparta euskaldun, el canto de los indígenas japoneses Ainu y la danza contemporánea sirven para tender un puente entre Euskal Herria y Japón. Este espectáculo será fruto de sendas residencias artísticas realizadas en Donostia y Tokyo, que fundirá dos tradiciones ancestrales con una danza contemporánea delicada.

DANTZA


IncendiosYsarca


Azaroa 11 – 12 Noviembre

20:00

Mario Gas zuzendari eta Nuria Espert protagonista Wajdi Mouawad autore libanoarraren obra honetan.

Mario Gas dirige a Nuria Espert en esta obra del autor libanés Wadji Mouawad.

Waidi Mouawad su-emailea da. Baina hark eragindako errautsetatik fenix hegazti sekulakoak berpizten dira. Incendios berpizte horretaz ari da, batzuetan egin beharreko suteez, maiz norberaren baitara iristeko ibili behar den bide izugarriaz. Emakume bat hil da oraintxe, eta gaur atea ireki die bere isiltasunari eta bere sekretuei. Oihal berdezko jantzi bat utzi die bere seme-alaba bikiei, koaderno gorri bat eta bi kartazal, Pandoraren bi kutxa balira bezala, nondik gaitzak eta mirariak sortzen baitira. Koadernoak eta kartazalek barruan dutenak egundoko odiseara eramango ditu, urruneko kontinente batera, iragan ezezagun batera, bigarren jaiotza batera.

Wajdi Mouawad es un incendiario. Pero de las fabulosas aves fénix que renacen de sus cenizas. Incendios habla de ese renacer, de fuegos que a veces hay que sembrar, del terrible camino que a menudo hace falta recorrer para llegar a uno mismo. Una mujer acaba de morir y hoy abre la puerta a su silencio y a sus secretos. Deja a sus gemelos un traje de tela verde, un cuaderno rojo y dos sobres que son como dos cajas de Pandora de las que surgen males y maravillas, y cuyo contenido les va a arrastrar a una fabulosa odisea, hacia un continente lejano, hacia un pasado desconocido, hacia un segundo nacer.

ANTZerkiA - TeATrO

Castellano


The naked clownRecirquel



20:00

Idazlea, koreografoa, zuzendaria, kontzeptu bisuala / Escritor, coreógrafo, director, concepto visual: Bence Vági Konpositorea / Compositor: Péter Sárik Jantziak / Vestuario: Kriszta Berzsenyi Argi diseinua / Diseño iluminación: József Pet Dramaturgia: Dorka Gergely Koreografoa / Coreógrafo: Gábor Zsíros Clown: Brigitta Egyed Piano: Zoltán Lengyel Dantzariak / Bailarines: Zita Horváth, Andrea Orbán, Gabriella Pálfi, Márk Csörögi, Gábor Zsíros

Pailazoari amaitzen ari zaio bizia. Ezezagunean sartzear da, baina azken oihala erori baino lehen, oroz gabetu beharra du, bere arima erabat biluzturik egin nahi ditu azken urratsak. Zer dago pailazoaren mozorroaren irribarre etengabearen atzean? Produkzio honetan, aktoreek literalki eta irudimenez erantziko dute mozorroa, ikus-entzuleei barne-bidaia ez ohiko batera abiatzeko gonbita egiten dietenean, irudimenaren eremuetan barrena, non errealitatea babesten duten geruzak desagertu egiten baitira.

La vida del payaso llega a su fin. Está a punto de entrar en lo desconocido, pero antes de que caiga el telón necesita despojarse de todo para dar sus últimos pasos con el alma desnuda. ¿Qué hay detrás de la máscara siempre sonriente del payaso? En esta producción, los actores se despojan literal y figurativamente del disfraz, cuando invitan a la audiencia a un inusual viaje interior por ámbitos imaginarios donde las barreras protectoras de la realidad desaparecen.

DANTZA


She poemsAïda Colmenero Dïaz



26 20:00 27 19:30

Aïda Colmenero Dïazen proiektua, Afrikako emakume artista ezberdinen laguntzarekin sortua.

Proyecto de Aïda Colmenero Dïaz, creado con la ayuda de diferentes mujeres artistas de África.

‘She poems’ egitasmo original eta berritzailea da, Aïda Colmenero Dïazek sortua, eta bi dantza aurkezten ditu, Senegalen, Nigerian, Tanzanian eta Kamerunen osatutako bideo-dantzetatik eraikiak. Dantza garaikideko ikus-entzunezko lan hau emakumeek emakumeentzat egina da, emakumeen identitatea eta haien eskubideen babesa ditu gaitzat, eta poesiaren bidez jorratzen ditu.‘She poems’ afrikar dantzako aukera-berdintasunari buruzko proiektu bat da, dantza hori gizonezkoek egin baitute eskuarki; profesionaltasunari eta gaitasunari buruzkoa, sorkuntzazko interpretazioari buruzkoa, afrikar emakumea artista gisa han eta handik kanpo ahalduntzeari eta ikusgai jartzeari buruzkoa.

‘She poems’ es un proyecto original e innovador creado por Aïda Colmenero Dïaz que presenta dos piezas de danza creadas a partir de video-danzas construidas en Senegal, Nigeria, Tanzania y Camerún. Este trabajo audiovisual de danza contemporánea realizado por y para las mujeres trata, a través de la poesía, el tema de la identidad de las mujeres y la protección de sus derechos. ‘She poems’ es un proyecto sobre la igualdad de oportunidades en la danza africana - tradicionalmente interpretada por hombres-, la profesionalización y la capacidad en la composición coreográfica y la interpretación creativa, el empoderamiento y la visualización de la mujer africana como artista, dentro y fuera de sus fronteras.

©Siaka S. Traoré

DANTZA


El retablo de las maravillasMorfeo Teatro


Abenduak 10 Diciembre

20:00

Morfeo Teatroren produkzio bat, Francisco Negrok egokitu eta zuzendua, eta honako aktore hauek jokatua: Francisco Negro bera, Mayte Bona, Felipe Santiago, Adolfo Pastor, Santiago Nogués, Mamen Godoy eta Joan Llaneras.

Una producción de Morfeo Teatro, bajo dramaturgia y dirección de Francisco Negro, con el propio Francisco Negro, Mayte Bona, Felipe Santiago, Adolfo Pastor, Santiago Nogués, Mamen Godoy y Joan Llaneras en el reparto.

Cervantesek duela lau mende idatzi zuen ‘El retablo de las maravillas’ lanak satira jostagarri bat aurkezten du garai hartako Espainiako hipokresiei buruz. Herri bateko agintariek, komediante batzuek erakusten dieten erretaula huts baten aurrean, pentsatuz magikoa dela ez dielako ezer erakusten odol garbikoak ez direnei, sasikoei, plantak egiten dituzte, ikusten ez dutena ikusiko balute bezala, frogatzeko “jatorri oneko jendea” direla. Satira itxuragabeko horrek dramatismoa hartzen du, Cervantesen kontakizunaren mikaztasuna areagotu egiten da amaiera harrigarrian. Morfeok aurkezten du satira krudel hau, Cervantesen zenbait lan hautatutan oinarritua, pieza nagusitzat Cervantesen entremes ospetsua duelarik.

‘El retablo de las maravillas’ que escribió Cervantes hace cuatro siglos, presenta una divertida sátira sobre las hipocresías de la España de la época. Los mandatarios de un pueblo, ante un retablo vacío mostrado por unos cómicos, y aparentemente mágico por no enseñar nada a sucios de sangre o bastardos, simulan ver lo que no ven para demostrar que son “gentes de bien nacer”. La disparatada sátira cobra dramatismo y se acentúa la acidez del discurso cervantino en un sorprendente final. Morfeo presenta esta cruel sátira basada en una selección de varias obras de Cervantes y teniendo como pieza principal el famoso entremés cervantino.

ANTZerkiA - TeATrO

Castellano


Caída libre Free fall Sharon Fridman


Abenduak 16 – 17 Diciembre

20:00

Zuzendaritza artistikoa / Dirección artística: Sharon Fridman Koreografia / Coreografía: Sharon Fridman eta dantzariak / Sharon Fridman y bailarines Koreografia laguntzaileak / Asistentes coreográficos: Arthur Bernard-Bazin, Carlos Fernández Dantzariak / Bailarines: Pau Cólera, Jonathan Foussadier, Maite Larrañeta, Richard Martin Mascherin, Melania Olcina, Léonore Zurfluh, Donostiako dantzarien parte-hartzearekin / con la participación de bailarines de Donostia Dramaturgia: Antonio Ramírez-Stabivo Konposizio musikal orijinala / Composición musical original: Luis Miguel Cobo

Gure biziraupena bertikaltasun-auzi bat da: erori ondoren jaikitzea amaierarik gabeko zikloa da, egunero berregiten dena. Denok gaude sartuta dinamika simetriko horretan, baina bakoitzak berea eta ez beste inorena balitz bezala sentitzen du. Beti taldeetan sartuta, saiatzen gara zentzua eta askatasuna aurkitzen, ikusiz ea posible den “erorketa librea”. “Erortzeko” erresistentziek, bizi-egitura defentsibo eta itogarriak alde batera uzteko erresistentziek, ez aurrera ez atzera uzten gaituzte batzuetan, etsita, dena errepikatu beharko balitz bezala, norbanakoak bide berritzerik aurkituko ez balu bezala, harrapatuta bizi delarik. Galdetzen diogu geure buruari nola erraz lezakeen talde batek “erorketa” hori, nola izan daitekeen adore-emaile eta lagungarri norbanakoak irtenbidea aurki dezan, bere izatea onartu eta bidean aurrera segi dezan. Ur-jauzitik erori nahi ez duen ur geldi hori bezala, azkenean korrontearen bultzadaz libre erortzen den arte.

Nuestra supervivencia es una cuestión vertical: levantarse tras caerse constituye un ciclo infinito que se reproduce cada día. Todos somos partícipes de esta simétrica dinámica, pero cada uno la siente única e intransferible. Siempre inmersos en grupos procuramos encontrar el sentido, la libertad, comprobando si es posible la `caída libre ´ . Las resistencias a `caer ´ , a abandonar estructuras vitales defensivas y asfixiantes pueden, en ocasiones, conducir a un estancamiento desalentador, a un estado redundante de la existencia en el que el individuo no encuentra una posible bifurcación y vive en el atrapamiento. Nos preguntamos cómo un grupo puede facilitar esa “caída”, cómo puede servir de aliento y soporte para que el individuo pueda redimirse, entregarse a su naturaleza y continuar con su camino. Como ese remanso de agua que se resiste a precipitarse por la cascada y finalmente recibe el empuje de la corriente realizando una caída libre.

©Andrea Macchia

DANTZA


Último tren a TreblinkaVaivén Producciones


Abenduak 29 Diciembre

20:00

Zuzendaritza / Dirección: Mireia Gabilondo Testua / Texto: Patxo Telleria Espazio eszenikoa / Espacio escénico: Fernando Bernués Eszenografia / Escenografía: Iñigo Lacasa Atrezzo: Julia Gysling Jantziak / Vestuario: Anselmo Gervoles Musika / Música: Iñaki Salvador Argi diseinua / Diseño iluminación: Xabier Lozano Argazkiak / Fotografía: Manix Diaz de Rada

1942ko abuztuaren 5a, asteazkena, Varsovia. Umezurztegi bat, 200 haur judutarren bizilekua. Janusz Kòrczak mediku eta pedagogoak, hango buru zelarik, haur-errepublika zinezko bat sortu zuen bere laguntzaile min Stefania Wilzynskarekin batera. Haurrekin eskuz esku jardunez, konstituzio bat sortu zuen, bere lege, araudiekin, bai eta bere zigor-kodearekin ere. Ikus-entzuleek parte hartuko dute horretan, beren ohe-literetan egongo baitira, umezurztegiaren azken egunean, eta hartara parte hartuko dute barne-antolamenduan, eguneroko errutinan, hango beldur eta alaitasunetan... Ikus-entzuleak epaiketa baten lekuko izango dira, non jakinarazpen izugarri batek amaiera emango baitie hango ametsei, bizitzari: umezurztegitik alde egin behar dute, eta tren bat hartu, Treblinkako kontzentrazio-esparrura eramango dituen trena.

Miércoles 5 de agosto de 1942, Varsovia. Un orfanato con 200 niños judíos, l iderado por el doctor y pedagogo Janusz Kòrczak, junto con su inseparable colaboradora Stefania Wilczynska, formó allí una verdadera república infantil . Trabajando mano a mano con los niños creó una constitución con sus leyes, reglamentos y también un código penal. Los espectadores serán parte de ellos, ya que estarán aposentados en sus camas-litera, el último día de este orfanato, siendo así, partícipes de su organización interna, de su rutina diaria, de sus miedos y alegrías.. . El público será testigo de uno de sus juicios donde una terrible notificación acabará con sus sueños y su existencia: deben abandonar el orfanato y dirigirse al tren que les llevará al campo de concentración de Treblinka.

ANTZerkiA - TeATrO

Castellano

Donostia Kultura & Dss2016Eu19ELKA

RRIZKETA

K CO

NV

ERSACIO

NES 2016

Ekitaldi mota

Tipo de espectáculo

Hilabetea / M

esH

asiera eguna D

ía de comienzo

Gainerako egunak Resto de días

Ordua / H

oraTokia / Lugar

Oskara

Dantza

38

20: 30V

ictoria Eugenia Antzokia

Hotel Splendid

Antzerkia /Teatro

219

2020:00

Victoria Eugenia A

ntzokia

ReturnD

antza2

2627

20:00 A

ntzoki Zaharra

Teatro Principal

TorobakaD

antza4

1 2

20:00 V


No pariré hijos,

pariré versosA

ntzerkia / Teatro4

1617

20:00 / 19:30 A

ntzoki Zaharra

Teatro Principal

Noetic

Dantza

512

1320:00

Victoria Eugenia A

ntzokia

Labio de LiebreA

ntzerkia / Teatro5

21 22

20:00 / 19:30 V


SolitudesA

ntzerkia / Teatro6

1120:00

Victoria Eugenia A

ntzokia

Hybrid Rythm

& D

anceD

antza10

2122, 23

20:00/20:00/19:30 V


IncendiosA

ntzerkia / Teatro11

1112

20:00 V


The naked clow

nA

ntzerkia / Teatro11

2425

20:00V


She poems

Dantza

1126

2720:00 / 19:30

Antzoki Z

aharra Teatro Principal

El Retablo de las Maravillas

Antzerkia / Teatro

1210

20:00

Victoria Eugenia A

ntzokia

Free Fall (Caída libre)

Dantza

1216

1720:00

Victoria Eugenia A

ntzokia

Últim

o tren a TreblinkaA

ntzerkia / Teatro12

29

20:00 V


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