Carlos Gil Zamora

Número: 205 - año 19 · Julio / Agosto 2015 | Depósito Legal: SS-1154/97

Edita: Artez Blai | Aretxaga 8 bajo, 48003 Bilbao | Tlf. 944795287 | email: artez@artezblai.com

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Portada | Fotografía de Quarteto de Heiner Müller por Teatro Nu

Una aclaración seguida de una explicación que acaba en una declaración

Por causas no justificadas por nadie, el Ministerio de Educación, Cultura y Deporte, a través de su Dirección Ge-neral del Libro no nos ha concedido la

ayuda que en los últimos años veníamos reci-biendo, ya que nos ha rebajado la valoración del interés cultural de esta revista. Como casi todos los atropellos se trata de algo que tiene toda la apariencia de legalidad, lo que pasa es que si se escarba se nota que se trata de deci-siones absolutamente aleatorias, no fundadas en nada objetivo, porque se nos rebaja el valor de lor contenidos de una manera escandalosa de un año para otro, sin que hayan existido cambios que no sean para mejorar.

El cuerpo pide montar el follón pero como son muy vengativos los actuales inquilinos del supuesto ministerio simplemente vamos a de-nunciar su falta de rigor y mostrarles nuestro más absoluto desprecio ya que han herido la dignidad no nuestra, sino de nuestro colaboradores internacionales. Solamente nos queda esperar y confiar que el año que viene, aunque sigan los mismos fun-cionarios, las consignas que reciban sean de otra índole. Por mucho que lo intenten, si algún día desaparecemos no será por estas actitu-des tan previsibles. No sabemos las razones por las que nos dan las ayudas ni por las que nos las quitan, eso simplemente demuestra la inseguridad en al que nos movemos.

Teníamos un plan, publicar los datos, el nombre del jurado, las clasificaciones, el nombre de a quienes les han dado las subvencio-nes. pero es algo público y cualquier interesado puede comprobar el nivel, la discriminación, lo que huele a castigo por mantener una línea crítica con el personaje más triste e ineficaz de la historia de la democracia en ese ministerio, el todavía Secretario de Estado de Cultura José María Lasalle que ha practicado el absentismo presencial con un ar te superior.

Ahora nos quejamos de esta falta de ayu-das, pero el INAEM, hace años que nos dejó en la estacada. A todos, menos a los gratui-tos de Madrid. Hasta hace dos o tres años, aún recibíamos publicidad de las unidades de producción y de los festivales que ellos patro-cinan. Pero han debido cursar alguna orden para ser excluidos de esas publicidades. Esto podría constituir también una decisión que rozase lo ilegal, pero tampoco nos importa. Hemos sobrevivido a esta oscura etapa y lo que venga tendrá, seguro, algo más de luz.

Tampoco es que estemos contentos con el Gobierno vasco, no, tenemos que pelear nú-mero a número la inserción de publicidad. Y hace dos legislaturas que no existe un lugar en el que podamos acudir para recibir ayu-das. O sea, no les importamos nada. Yo creo que si anunciáramos la desaparición les qui-

taríamos un peso de encima. Pues no toca ahora esa gracia, señores y señoras. Ahora toca apretarse los machos.

Porque vamos a seguir, y solamente estamos viendo la mejor mane-ra de servir a los interesases generales sin necesidad de arruinarnos mucho más. Pedimos, una vez más, vuestra complicidad. A quienes os parece que cumplimos con objetivos suficientemente importantes informando y, sobre todo, opinando, os rogamos que os suscribáis, desde vuestros ayuntamientos si sois recién llegados o han llegado políticos más sensibles a estas cuestiones o a cada uno de vosotros desde vuestra profesionalidad o afición. Vamos a buscar, todavía más, la independencia para poder dejar las huellas de un tiempo que se nos aventura muy sugerente ya que están llegando nuevos aires políticos que deben influir, y además lo deseamos con urgencia, en las estruc-turas de las artes escénicas, en todo cuanto sea la Cultura, asumida no como ahora desde el único punto de vista comercial y de obliga-ción, sino el de un bien para toda la ciudadanía que procura placeres

Editorial

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Opinión4 - 5 Editorial68 Luz Negra – Josu Montero69 Desde la Caverna – David Ladra70 - 71 Postales argentinas – Jorge Dubatti72 Cronicón de Villán y Corte – Javier Villán74 El lado oscuro – Jaume Colomer75 Rondas Escénicas – María-José Ragué-Arias76 El método griego – María Chatziemmanoui78 Noticias desde los Fiordos – Víctor Criado79 Las lejanías – Carlos Be80 Vivir para contarlo – Virginia Imaz

Festivales 8 - 11 Festivales de Artes de Calle12 - 14 Festival Internacional de Teatro Clásico de

Mérida16 - 20 Festivales de Teatro Clásico22 31 Mostra Internacional de Teatro de

Ribadavia24 - 25 32 Festival de Almada26 - 27 30 Festival Int. de Teatro Hispánico de Miami28 - 29 XVI Festival Int. de Teatro Cena

Contemporânea de Brasilia30 - 31 XVIII Feria de Teatro de Castilla y León32 Miscelánea de festivales

Suplemento35 - 50 46 Festival Internacional de Teatro, Música y

Danza de San Javier

Estrenos 52 - 53 Marat/Sade de Peter Weiss por Atalaya -

Restos/Fedra de Raúl Hernández por TNT54 Resto de estrenos

En gira56 - 59 Programaciones varias

Teatro amateur62 - 63 Escenamateur64 - 65 XV Festival Internacional de Teatre Amateur

de Girona

Zona abierta 81 Escaparate

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estéticos y felicidad. Por eso lucharemos. Como lo hemos viniendo haciendo hasta ahora.

Por lo tanto salen de nuestros papeles los logos de quienes de-biendo cumplir con su misión política, no lo hacen. Nos duele haberle regalado al ministerio tres inserciones gratis. Si no lo hubiéramos puesto, nos quitarían la ayuda, pero nosotros, no podemos reclamar-les lo insertado. Son así, y eso es lo que debe cambiar, la relación con esos monstruos varados, cargados de basura partidista que se quie-re hacer ver como política y que es solamente una grasa petrificada del cuerpo social. Transparencia.

Seguimos, y para demostrarlo vamos a abrir una nueva sección que seguro no va a dejar a nadie indiferente. Vamos a prestar aten-ción amplio movimiento de teatro aficionado existente en todo el Estado. Incluso internacional, porque hay mucho y muy bueno. Era algo que deseábamos hacer desde hace meses, pero ahora hemos encontrado la última motivación. Es un teatro real, de base, que tiene muchas graduaciones, pero que en su parte de mayor rigor resulta que se atreven a poner en pie el repertorio universal, que se mueven mucho, que tienen sus públicos y que deseamos recorrer con ellos un tramo, darles visibilidad. En su justo lugar. Intentaremos no confundir, sino, precisamente, aclarar.

Y, desde luego recordar a todos que estamos a favor del teatro, allá dónde se haga, sin olvidarnos de nuestra vocación iberoame-ricana. Mantendremos en la medida de nuestras posibilidades la editorial, que seguirá sin hacerles pagar a los autores las ediciones como hacen de manera demasiado habitual, otras. No es un negocio. Es una postura ética, una manera de acompañar al teatro que se escribe, al pensamiento que se elabora a partir, por y sobre las Artes Escénicas. Y todo confluirá en la Librería Yorick, un instrumento para todos, donde hemos descubierto la insistencia del teatro aficionado por descubrir textos, obras dramáticas o libros de formación.

Lo vamos a pasar un poco peor en el terreno económico, nos he-mos enterado de esta NO ayuda a medio camino. Lo intentaremos solventar, como siempre, a costa de los socios de esta aventura. Los colaboradores son nuestros mayores patrocinadores con su altruis-mo, pero sobre todo, con su calidad. A todos ellos les pido perdón por esta falta de respeto de un ministerio y un jurado que seguro, no saben ni quienes sois. No han leído nunca ARTEZ. Eso me consta.El contenido de este número vuelve a reflejar la estacionalidad de nuestras programaciones. Ahora toca calle, clásicos, festivales al aire libre. Es lo lógico. Pero hasta en esto deberíamos pensar. Los tiempos nuevos requieren que diseñemos otras estrategias, sin acabar con nada, buscarle otra perspectiva. La situación va a variar mucho, o al menso eso deseamos. Y si a muchos municipios han llegado formas e ideas nuevas, otra manera de entender la relación entre el poder y la ciudadanía, la cultura debe empezar a contaminarse de esas posibili-dades, cuando menos estudiando las alternativas existentes. Las Ar-tes Escénicas no pueden perpetuarse como el sector más inmovilista, más complaciente y menos activo. Claro que se puede cambiar.

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Festivales de artes de Calle

Las artes salen a la calle en forma de múltiples disciplinasLa XVI edición del Festival de Teatro y de las Artes de la Calle-Bilboko Kalealdia ha dado ya comienzo a la exten-sa oferta de festivales de artes de calle que se celebran durante la época estival. El Certamen Internacional de Teatro y Animación-Festival Al Carrer de Viladecans y el Festival de Teatro de Calle de Lekeitio celebrarán este año su edición número 26, donde se podrán ver espec-táculos como Kukuryku de la polaca Ola Muchin. Aguilar de Campoo será otra de las citas destacadas de este

verano, que alcanza ya su XXI Encuentro Internacional de Artistas Callejeros y que contará con la presencia de la compañía francesa de clown Leandre y su montaje Iceberg. Teatro, danza, títeres, circo, música y un sin fin de variedades de las artes escénicas estarán presentes en la programación de estos festivales., conformando un diverso cartel que buscará deleitar a todo tipo de públicos en diferentes espacios que tendrán un deno-minador común: la calle.

El Festival de Teatro y de las Artes de la Calle – Bilboko Ka-lealdia celebra su decimosexta edición del 29 de junio al 4

de julio, como adelantó ARTEZ en su edición pasada. El festival reúne a un total de 27 compañías que represen-tarán sus montajes de teatro de calle, circo contemporáneo, música, clown, acrobacias o títeres. La calle Arbieto, varias zonas del Casco Viejo y como novedad, una gran carpa y otros espa-cios en el Parque de Doña Casilda se-rán los espacios elegidos para acoger los 53 espectáculos programados.

Organizado por el Área de Cultura y Educación del Ayuntamiento de Bilbao, Bilboko Kalealdia ofrecerá los monta-jes de 7 compañías vascas, 6 del resto del Estado y otras 14 que proceden en su mayoría de Francia, además de Bélgica, Italia, Japón y Kenia. Como novedad, la programación de este año incluye espectáculos matutinos, como los de Cie Poc y Dromosofista, que funden tea-tro, circo, clown, música y marionetas.

Varias serán las compañías francesas que se acerquen a Bilbao en esta edición. Barosolo levantará en la plaza de Arriaga un quiosco inundado, lo que llevará a que

los protagonistas creen un espectáculo a caballo entre lo cómico y el absurdo. Por otro lado, Cie Bitonio mostrará su espec-táculo L´Home Fort, en el que un titiritero manipulará figuras de tamaño real desde unos andamios. Bazar Forain interpretará su Delirium Saga Circus, espectáculo que

propone al espectador un circo inquie-tante cargado de humor negro y una música sugerente. La banda callejera Les Traîne-Savates presentará dos números distintos: Aire 2 funk y Coup d´Savate.

Bilboko Kalealdia reservará también un hueco para producciones vascas de artes de calle, como el espectácu-lo Andante de la compañía Markeliñe. Deabru Beltzak & Les Commandos Percu ofrecerán el espectáculo de gran formato Danbor Talka – Le Choc des Tambours, que se presenta como un montaje nocturno, ruidoso y con fi-nal pirotécnico. También se podrá ver Itsas lapurrak, nuevo trabajo de calle de Haatik Dantza Konpainia.

Entre las propuestas de la presente edición de Bilboko Kalealdia destaca la de la compañía africana Afro Jungle Jeegs, que presentará el número de circo In total control. A ritmo de mú-sica africana, seis jóvenes de Kenia escenificarán un intenso espectáculo acrobático. Todos los ingresos de su

gira estarán destinados a recaudar fondos para la construcción y mejora de su escuela de artes y circo para niños y niñas en Nai-robi, Juhudi Urban Arts Centre.

Por otro lado, La compañía Zange de Japón ofrecerá un show que combina un estilo único de danza y malabarismo.

BILBOKO KALEALDIA

Barosolo

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El XXVI Certamen Internacional de Teatro y Animación-Festival Al Ca-rrer se celebrará del 3 al 5 de julio en Viladecans, presentando una

programación variada con propuestas de teatro, música, danza, circo, magia, clown, espectáculos pirotécnicos e instalaciones lúdicas. El público podrá disfrutar de un total de 80 espectáculos.

En la presente edición de Al Carrer des-taca la presencia de numerosas compa-ñías internacionales. La polaca Ola Muchin representará su espectáculo de títeres y magia Kukuryku, donde el reconocido mago Osvaldo Drevno sorprenderá a los asistentes con sus extravagantes ilusio-nes. En lugar de tener una asistente nor-mal, el ar tista desarrolla sus trucos con la ayuda de su gallina. La atmósfera de esta obra se enriquece por la naturaleza de los títeres hechos de fieltro y construidos a mano por la titiritera y actriz Ola Muchin.

La compañía Acrobarouf llegará a Vi-ladecans con su montaje Scratch, un con-junto que mezcla diferentes disciplinas acrobáticas dando pie a nuevas dinámi-

cas. Tras trabajar en el espectáculo ‘Ama-luna’ del Cirque du Soleil, el belga Antonio Terrones, el francés Raphaël Hérault y el griego Kritonas Anastasopoulos presenta-rán esta pieza que propone un mundo ab-surdo, clownesco y a la vez familiar en el que las acrobacias se suceden. Los inte-grantes de Acrobarouf ofrecen secuencias acrobáticas innovadoras que combinan el mástil chino con el teeterboard y otras

formas de acrobacia. Desde Kenia llegará la compañía Afro

Jungle Jeegs con su espectáculo En con-trol total, donde la energía y la técnica se unen para crear un intenso espectáculo acrobático. Los suecos Sirqus Alfon pre-sentarán un explosivo espectáculo con escenas de lucha, láseres, body-building y efectos especiales. Los tres excéntricos personajes de This is Sircus Alfon invitarán

AL CARRER DE vILADECAns

Scratch de Acrobarouf

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El Festival Internacional de Teatro de Calle de Lekeitio llega este año a su XXVI edición con una programación que reúne montajes de clown, ma-

rionetas, danza o nuevo circo. Todo ello se podrá ver en la localidad vizcaína del 9 al 12 de julio.

En esta edición, la experiencia pionera de Arragua se une al Festival de Lekeitio. Arro-paineko Arragua es un espacio para la crea-ción y la producción en Lekeitio. Su actividad crea un punto de encuentro para la creación y la transmisión (arte-pedagogía). Arragua ofrecerá cuatro propuestas artísticas que trabajan la experimentación, la improvisa-ción y la participación. El artista Antonio Remachado será el protagonista de la pri-mera de ellas, ofreciendo una actuación de

al público a esta aventura protagonizada por héroes de acción indefinidos, estrellas del pop y personajes de videojuegos.

En el apartado de teatro de calle, la compañía Efímer representará su espec-táculo Draps, protagonizado por tres dra-gones de trapo articulados e itinerantes, y Cia La Tal llegará con The Incredible Box. Cie Tac o Tac ofrecerá su primera crea-ción, La Conquete Speciale, un show que cuenta la historia de tres aventureros so-viéticos que intentan llegar a la Luna. Para ello, Karim Rande y Brice Durand utilizarán unos impresionantes zancos neumáticos. Una versión de Fuenteovejuna de Lope de Vega llegará a cargo de la compañía Obs-kené, mostrando una adaptación contem-poránea con siete actores que interpretan enérgicamente los conflictos entre el po-der tirano y la tiranía del pueblo.

Los italianos Teatro Necessario mos-trarán Nuova Barberia Carloni, con tres aspirantes a barbero como protagonis-tas. Daniel Sánchez Rodríguez y Roberto Carlos Rodrigues Ramalho presentarán Malabreikers, una creación dirigida por Rolando San Martín que surge del impulso de crear un espectáculo fresco y dinámico con formato callejero, en el que la técnica de malabares y acrobacia complemente un trabajo fundamental: la comedia. Otro espectáculo de artes de calle llegará de la mano de la compañía Martademarte. En Papanatas Band la magia del payaso lle-

gará al público a través de la música. Nacida de la unión de tres compañías

diferentes, The Funes Troup llevará a escena su espectáculo Funes Van, prota-gonizado por tres tipos de fiesta en una caravana. La compañía Impro Barcelona mostrará su Catch Boom Punch, un en-cuentro explosivo entre luchadores sobre un ring en el que se enfrentan mediante el ar te de la improvisación. The Chanclettes, por su parte, representarán #DPutuCooL, espectáculo de cabaret con el que cele-bran sus 20 años de carrera.

Géneros diversos

En cuanto a otras disciplinas, la com-pañía de danza experimental barcelonesa Iron Skulls ofrecerá su pieza Sinestesia, donde el hip hop, la acrobacia y la dan-za contemporánea se fusionan para crear un lenguaje donde el humano y el animal se unen. La Guilla Teatre representará su espectáculo de cuentacuentos Una carre-tada de contes. La música también estará presente en el festival, con compañías como Reggae Per Xics – The Penguins y su espectáculo Pugem al tren, o Sidral Brass Band y Red Red Wine. Representan-do al género de los títeres se encuentra Teatre Nu con Mrs. Brownie, donde el len-guaje actoral, la manipulación de objetos y la canción se combinan a través de los tres protagonistas del montaje. Un espec-

táculo de fuego de gran formato llegará de la mano de Karnavires, y un castillo de fuegos artificiales a cargo de La Compan-yia del Foc.

Diferentes espacios de la ciudad acoge-rán instalaciones lúdicas de carácter fami-liar, como la instalación de juegos El extra-ño viaje del señor Tonet de la compañía Tombs Creatius. Toni Tomàs es artesano y creador del proyecto que con material de desuso (maderas, palets, muebles an-tiguos) ofrece unos juegos con los que el público podrá conocer de primera mano retales de los viajes del Sr Tonet. La com-pañía Xtrarradio Xpectacles dará la opor-tunidad de disfrutar de una sesión de ma-quillaje personalizada en Makiar t. Otra de las instalaciones lúdicas será L’Animalada, compuesta de 25 juegos de gran formato donde la compañía Katakrak plasmará su primera línea de trabajo e investigación.

Al Carrer celebrará también una nueva jornada profesional, que tendrá lugar el 3 de julio en el espacio Cubic de Viladecans y estará dirigida a compañías, ar tistas, téc-nicos de cultura, programadores y todas las personas interesadas en el aspecto profesional de las artes de calle. La jor-nada se inaugurará con un taller práctico sobre el uso del fuego en los espectáculos de calle, impartido por Pep Fargas, direc-tor gerente de Lluèrnia, y Eduard Martin, coordinador de la compañía de espectácu-los de calle Pim Pam Pum Foc! de Olot.

fEstIvAL DE tEAtRO DE CALLE DE LEKEItIO

Kukuryku de Ola Muchin

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El XXI Encuentro Internacional de Ar-tistas Callejeros-ARCA tendrá lugar del 13 al 16 de agosto en Aguilar de Campoo. Este proyecto promovi-

do por la Concejalía de Cultura del Ayto de Aguilar de Campoo ha conseguido hacer de la calle un espacio comunicativo y creativo, un lugar de encuentro dentro de un marco en constante movimiento. La actividad se ha convertido en un acontecimiento que traspasa barreras internacionales median-

te un conjunto de representaciones en la calle que abarcan todo un gran abanico de especialidades artísticas. La selección de las compañías participantes se hace en función de buscar la diversidad de espe-cialidades artísticas (nuevo circo, títeres, danza, teatro de calle, instalaciones, mú-sica...). Aunque al cierre de esta edición la programación estaba por confirmar, se puede mencionar que será la compañía de clown Leandre la encargada de clausurar el festival con su espectáculo de calle Ice-berg, creado e interpretado por Leandre Ribera y Mireia Miracle.

su monólogo de humor. Turukutupa mostra-rá El paseo de Criku, formado por cuentos, imágenes y música. Archipiel representará una performance interactiva: Musiforum. Ce-rrando la programación de Arragua estará la pieza de danza y música contemporánea Ehundurak, de Izaskun Lapaza.

Otras ocho serán las compañías que se acerquen a Lekeitio para presentar sus montajes. Flujos es un espectáculo que se desarrolla sobre una alfombra roja, convir-tiendo la calle en un improvisado escena-rio. Los asistentes tomarán la escena y se convertirán en intérpretes de esta comedia de calle de la compañía Zanguango. Desde Astigarraga llegará el grupo de percusión callejera Zozongo. Sus músicos utilizan materiales reutilizables en Pshyco clown. La relación entre dos actores-clowns es el punto de partida de Ile O, espectáculo de la compañía francesa Barolosolo, que se

sitúa en el universo de las nuevas artes de circo. La música, el equilibrio y el humor son los elementos que crean una poética que intentará sorprender a los espectadores.

Una residencia de diez jornadas en Le-keitio posibilitará una nueva coproducción de Lekeitio y Kukai. En esos términos se presenta Kukaikaxa, una nueva experiencia que surge en Lekeitio y pone en el punto de mira a la “Kaxarranka” y el “aurresku de mujeres”. La pieza parte de la tradición para crear danza contemporánea, donde el trabajo de los dantzaris de Kukai y Lekeitio será la base creativa. De la dirección se en-cargan el director de Kukai, Jon Maya, y el coreógrafo Cesc Gelabert. Markeliñe será otra de las compañías vascas presentes en Lekeitio. Andante es su última producción, y su argumento tiene a las consecuencias de la Guerra como punto de partida.

Lekeitioko Deabruak y los catalanes Ball

de Diables Mussols de Sokarrats ofrecerán dos espectáculos de fuego. El primero dará comienzo en la playa de Isuntza, cerca del malecón. Los diablos lekeitiarras tomarán el puerto y darán por finalizada su propuesta pirotécnica en la Tala. A continuación comen-zará el segundo espectáculo, que se moverá del Tinglado a la plaza. En esta ocasión la tradición mediterránea llegará desde el pue-blo La Palme d’Ebre de Tarragona.

Los dos artistas que completan la progra-mación serán los encargados de estrenar el nuevo espacio del festival: el parque del Pa-lacio de Abaroa. Allí será donde estos clowns internacionales representen sus espectácu-los. Ola Muchin llevará Kukuryku desde Po-lonia, mostrando la magia de las pequeñas marionetas gallináceas. El italiano Mc Fois, partícipe de los movimientos renovadores del clown europeo, escenificará su comedia Amami, una historia de amor participativa.

ARCA

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La edición número sesenta y uno del Festival Internacional de Teatro de Mérida se celebra 1 al 27 de agosto con un claro protagonismo

de la mujer “la voz femenina sonará alta y clara en las propuestas escénicas” afir-man desde la organización y es que entre los nueve espectáculos que se presentan en el Teatro Romano –seis de ellos es-trenos absolutos– se encuentran títulos tan emblemáticos del teatro grecolatino como ‘Medea’, ‘Antígona’, ‘Cleopatra’ o ‘La asamblea de mujeres’.

El festival será inaugurado el día 1 de julio con el estreno de Medea –en cartel hasta el día 5–, una obra con dramaturgia de Vicente Molina Foix creada a partir de

los textos de Eurípides, Séneca y Apolonio de Rodas dirigida por José Carlos Plaza. Con un reparto encabezado por Ana Belén junto a los intérpretes Adolfo Fernández, Consuelo Trujillo, Luis Rall, Poika Matute, Alberto Berzal, Olga Rodríguez, Leticia Etala y Horacio Colomé esta producción del propio festival presenta a Medea como un mito, “el mito del desequilibrio” explica José Carlos Plaza para añadir que “en Me-dea se rompe el equilibrio que los valores occidentales plantean entre el mundo fe-menino y el masculino”.

Le sigue otro estreno, del 8 al 12 de julio, Sócrates. Juicio y muerte de un ciudadano, una coproducción del propio festival, Teatre Romea y Grec 2015 Festival de Barcelona

con dramaturgia y dirección de Mario Gas. Esta obra lleva al escenario el juicio a uno de los filósofos atenienses más conocidos e importantes, condenado a muerte por denunciar la corrupción y la superstición. José María Pou “se encarga de interpretar a un Sócrates que será juzgado y condena-do por sus conciudadanos tras haber de-nunciado la corrupción en Atenas y haber advertido sobre el papel supersticioso y manipulador de la religión oficial. Acusado de despreciar a los dioses y corromper a la juventud, se negó a huir, como le proponían sus discípulos, cuando fue condenado a in-gerir una copa de cicuta. Y su muerte acabó convertida en una de las más famosas de la historia” explica Gas. Carles Canut, Amparo

61 Festival internaCional de teatro ClásiCo de Mérida

Vuelve el arte escénico al milenario Teatro emeritense

La mujer y el teatro en su más pura esencia protagonizan esta edición que presenta seis estrenos en el Teatro Romano

Medea de Festival de Teatro Clásico de Mérida ©Luis castilla

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Pamplona, Borja Espinosa, Guillem Motos, Pep Molina y Ramón Pujol completan el reparto.

La asamblea de las mujeres de Aristófanes –del 29 de julio al 9 de agosto– en versión de Bernardo Sánchez y dirigida por Juan Echanove es la tercera producción del festival y por ende el tercer estreno absoluto de esta edición. Lolita, María Galiana, Pastora Vega, Pedro Mari Sánchez, Luis Fernando Alvés, Concha Delgado, Sergio Pazos, Bart Santana y Santiago Crespo forman el elenco de este espectáculo con iluminación de Juan Gómez Cornejo y vestuario de Lorenzo Caprile.

La cuarta producción del festival se estrena el 22 de agosto –en cartel hasta el día 26–, César & Cleopatra con dramaturgia de Emilio Hernández y dirección de Magüi Mira. Ángela Molina, Emilio Gutiérrez Caba, Lucía Jiménez y Marcial Álvarez dan vida a “dos de los mayores hitos del poder y la seducción, de la erótica del poder y del poder de la erótica” afirma la directo-ra del espectáculo, “una propuesta bella y salvaje, divertida y dramática” en la que “dos Césares, el eterno y el real, y dos Cleopatras, la eterna y la real, se entregan a un apasionante juego, a un combate a cuatro, donde lo que fue, lo que pudo ser y no fue, lo que hubieran hecho de volver a vivir y lo que de ninguna manera quisieran repetir genera un conflicto lleno de humor y emoción” añade.

CoproduCCión extremeña

Para esta edición el festival acoge el estreno de dos coproduc-ciones con compañías extremeñas. La primera, Hércules –del 12 al 16 de agosto– junto con Rodetacón, es una obra escrita por Miguel Murillo y dirigida por Ricard Reguant en la que se pone sobre el escenario a un Hércules en el ocaso de vida, un hombre que se gana la vida actuando en teatros romanos de provincias encuadrado en una troupe circense en la que va contando sus hazañas al tiempo que intenta reproducirlas sobre la pista. El reparto de este espectáculo esta formado por Pablo Abraira, Paco Arrojo, Victor Ullate Roche, Noemí Gallego, Javier Pascual, Clara Alvarado, Nuria Sánchez y Elena Gómez.

Del 19 al 23 de agosto será el turno de la segunda coproduc-ción, en este caso con Verbo Producciones, El cerco de Numan-cia, de Miguel de Cervantes en una adaptación de Florán Recio dirigida por Paco Carrillo. “El interés de representar Numancia hoy, tiene el sentido de contar su historia mas allá del mito y su utilización partidista, y ahondar en la realidad del drama y sus protagonistas. Que sea el espectador quien reflexiones sobre el poder y sus abusos: cualquier forma de poder, en cualquier lugar

Antígona ©Luis Castilla

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y ante cualquier forma de abusos” afirma Carrillo para añadir que “Numancia para nosotros es, hoy, más analogía que mito”.

teatro de la Ciudad

Además de los estrenos ya mencionados el Teatro Romano incluye los tres espectá-culos de Teatro de la Ciudad en copro-ducción con Teatro de la Abadía Medea de Séneca dirigida por Andrés Lima –15 de julio–, Edipo Rey sobre los textos de Sófo-cles dirigido por Alfredo Sanzol –día 16– y Antígona, versión libre de la obra de Sófo-cles dirigida por Miguel del Arco –del 17 al 19 de julio–.

La Medea que dirige Andrés Lima “mete la mano entera en nuestras heridas y nos enfrenta a nuestros terrores, o mejor dicho a nuestros dolores, o mejor dicho: si el dolor es signo de vida, a nuestra vida. Por eso me da miedo Medea y sin embargo no puedo dejar de mirar. Medea, tan contraria a la idea de virtud de Séneca y sin embar-go tan atractiva para el autor” afirma Lima sobre esta obra protagonizada por Aitana Sánchez-Gijón, Laura Galán, Joana Gomila y el propio Lima.

Alfredo Sanzol afirma sobre la versión que ha realizado y dirige de Edipo Rey que “Edipo descubrirá que su grandeza tenía pies de miseria. Que su historia es la del hombre que lo era todo, y en realidad era menos que nada. La historia del hombre que por salvar a la ciudad, se hundió a sí mismo. La historia del hombre que al des-cubrir la verdad decidió no volver a ver la luz”. Una propuesta sobre la “necesidad de saber la verdad, el imposible control abso-luto del destino y la búsqueda del propio

origen, una obra que pone en cuestión los límites y las posibilidades del entendimien-to humano” interpretada por Paco Déniz, Elena González, Natalia Hernández, Juan Antonio Lumbreras y Eva Trancón.

Miguel del Arco es también el autor de esta versión libre de Antígona, que también dirige y se presenta en el festival del 17 al 19 de julio. Interpretada por Carmen Machi, Manuela Paso, Ángela Cremonte, Cristóbal Suárez, Raúl Prieto, José Luis Martínez, Silvia Álvarez y Santi Marín sobre esta pro-puesta su director afirma que “ni Antígo-na ni Creonte pueden ceder sin falsear su ser esencial. Ambos tienen razón... Ambos creen tenerla. Los dos obcecados en sus respectivos discursos. Sordos en los extre-mos... Los demás sobrecogidos, al compro-bar cuán horriblemente fácil es que el ser humano quede reducido a menos de lo que es o transportado a más de lo que es, pues ambos movimientos son igualmente fatales para su identidad y su progreso”.

Teatro de la Ciudad es un proyecto pro-movido por los tres directores junto a sus productores habituales concebido como una apuesta por la investigación, reflexión, producción y exhibición del teatro contem-poráneo.

proGramaCión off

La programación Off es un proyecto co-producido y dirigido por TAPTC? Teatro y el Festival de Mérida y la colaboración de di-versas entidades de Extremadura que tiene como objetivo divulgar la cultura clásica a través de acciones lúdicas y artríticas en espacios arqueológicos de la ciudad como el Templo de Diana, El Pórtico del Foro o las

Termas de la calle Pontezuelas. Del 14 de julio al 7 de agosto se pondrán en escena por el alumnado de la Escuela de Teatro Taptc? los espectáculos Mujeres de Roma, Andrómaca, Un sueño de una noche de ve-rano y El arca de Pandora dirigidas al pú-blico infantil y familiar. El programa también incluye proyecciones cinematográficas.

Además todos los sábados de julio y agosto (excepto el último) Kar lik Danza Teatro pondrá en escena El festival con-cluirá el 27 de agosto con la entre el pasa-calles Nueve Musas, todas ellas divinidades femeninas que presiden las artes y las cien-cias e inspiran a filósofos y poetas. Calíope, Clío, Erato, Euterpe, Melpómene, Polimnia, Talía, Terpsícore y Urania pasearán por Mérida fiel a la cuidada y particular estética de la compañía de Cáceres.

Y siguiendo la estela de la anterior edición, el festival colabora con la exposición ‘Lusita-nia romana. Origen de dos Pueblos/ Origem de dois povos’ que se podrá visitar hasta el 30 de abril en el Museo Nacional de Arte Romano. Esta edición incluye además tres extensiones del festival, la desarrollada en Madrid el pasado mes de marzo, y las que tendrán lugar en julio y agosto en los Teatros Romanos de Medellín y Regina. En el primero se pondrán en escena Coriolano, El Eunuco y Edipo Rey todas ellas coproducciones del festival de la pasada edición con las compa-ñías Aran Dramática, Mixtolobo, Labasca 64 y Ciclán y Teatro del Noctámbulo respectiva-mente y el pasacalles Nueve musas de Karlik Danza Teatro del 24 al 26 de julio y en Re-gina tendrá lugar la representación de Edipo Rey el 1de agosto. La edición 2015 concluirá el 27 de agosto con la entrega de la IV edi-ción de los Premios Ceres de Teatro.

Edipo Rey ©Luis Castilla

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La XXXI edición del Festival de Teatro y Danza Castillo de Niebla se celebrará del 11 de julio al 15 de agosto, y ofre-cerá seis espectáculos en el Patio del

Castillo de los Guzmán de Niebla: cuatro de teatro y dos de danza.

El montaje que inaugurará la presente edición será una versión de ‘La Celestina’ de Fernando de Rojas, a cargo de Ron LaLá y Galo Film. Charo López interpreta el monólo-go Ojos de agua, con dramaturgia de Álvaro Tato y bajo la dirección de Yayo Cáceres.

El sábado 18 de julio Rafael Álvarez El Bru-jo mostrará su particular visión de la mística Santa Teresa de Jesús con Teresa o el sol por dentro. “Mi proyecto para este espectáculo es un recital con sus composiciones poéti-cas más significativas (...) Pero no solo eso. Debería haber otra parte, o contraparte, tomada de la sustancia de la biografía pero pasada por el tamiz de la juglaría: los episo-dios escogidos de la biografía teatralizados e intercalados con los poemas. Para lograr el equilibrio entre estas dos fuerzas contamos con la inestimable ayuda del Espíritu Santo. Es decir, el humor, que como corriente eléc-trica vivifica, despoja, limpia y, puesto en su sitio, conduce hacía otros propósitos”.

El 25 de julio el Teatro Clásico de Sevilla escenificará la versión que Alfonso Zurro ha hecho del ‘Hamlet’ de Shakespeare. Se trata de un espectáculo coproducido por el Festi-val de Niebla y el de Almagro, que tras estre-narse allí recalará en la localidad onubense.

El actor Pablo Gómez-Pando será Hamlet en este montaje que, según la compañía, pro-pone “un microcosmos para mostrarnos el cosmos de la humanidad. Las relaciones, las conciencias, los miedos, las aspiraciones... Tan pequeño y condensado como en una cáscara de nuez. Un universo. Como los per-sonajes de nuestro Hamlet. Imposibilitados para escapar de un espacio, de un mundo donde siguen con su ser o no ser”.

Otros tres serán los montajes programa-dos para el mes de agosto. El día 1 el cartel teatral se cerrará con otro texto de Shakes-peare, El mercader de Venecia. Eduardo Vasco es el director de este espectáculo de la compañía Noviembre Teatro, que cuenta con la versión de Yolanda Pallín y la esceno-grafía de Carolina González. El 8 de agosto

la danza cobrará protagonismo en Niebla gracias a Aída Gómez y su espectáculo Al-mas, una recopilación de trabajos de la ex directora del Ballet Nacional de España que pretende recoger lo mejor de su carrera en lo que puede ser uno de sus últimos traba-jos sobre la escena. En palabras de la ar-tista, “hemos trabajado muy duro hurgando en la tradición, nos hemos apoyado en mis recuerdos, mi experiencia desde muy jo-ven junto a Antonio, Mariemma, los Pericet y otros grandes artistas de ayer. Y es por eso que, aunque a veces no les mencione, esta obra es un sincero homenaje a todos ellos, quienes nos han enseñado que para llegar con éxito al futuro debemos hacer una profunda reverencia al pasado”. Este espec-táculo ha sido el elegido por los socios del

Festivales de teatro ClásiCo

Varios festivales forjan un “clásico” verano teatralLos autores Teresa de Jesús y Miguel de Cervantes se-rán los protagonistas de los festivales de Teatro Clásico que se suceden a lo largo de los meses de julio y agosto. Al cumplirse este año 500 años del nacimiento de la es-critora, serán varias las piezas que le rendirán homenaje, como el montaje Teresa o el sol por dentro de El Brujo, que podrá verse en diversos escenarios. En cuanto al autor madrileño, se cumplen 400 años de la aparición de la segunda parte de su gran obra, Don Quijote de

la Mancha, de la que la compañía Ron Lalá ofrecerá una versión contemporánea titulada En un lugar del Quijote. Otro de los autores más representados será William Shakespeare, que tendrá en Hey boy, Hey girl una ver-sión de Romeo y Julieta en formato reality show a cargo de La Joven Compañía, montaje que girará por varios de los festivales durante el verano. Niebla, Alcalá de He-nares, Olmedo, Olite y Alcántara forman la parrilla de encuentros clásicos del estío.

Almas de Aída Gómez

Festival Castillo de Niebla

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Festival, que a través del programa Niebla 2.0 votan y seleccionan uno de los montajes que conforman desde 2011 el cartel de cada edición.

Otra pieza de danza será la encargada de cerrar esta XXXI edición del Festival de Teatro y Danza Castillo de Niebla el 15 de agosto. Cuando yo era..., de la bailaora Eva Yerbabuena, es un montaje que mediante la danza expresa nuevas historias y nuevos lenguajes, y con el que la artista obtuvo el Giraldillo a la Mejor Dirección Escénica y el Max al Mejor Espectáculo de Danza.

a esCena!

Una edición más, Niebla ha mantenido el programa A ESCENA!, con el que se pretende hacer del festival un lugar de referencia para jóvenes bailarines, talleres de teatro munici-pales y grupos aficionados de la provincia.

Así, son tres las actividades que han prece-dido al festival.

Como forma de apoyo al proyecto de ‘Los pequeños guías turísticos’ que de-sarrolla el Colegio Público San Walabonso de Niebla, los alumnos de este centro han llevado al Castillo el conjunto de actuacio-nes que han ido desarrollando durante la ejecución del programa. Por su parte, los grupos de teatro aficionado también han participado en este programa, haciendo del festival un lugar de encuentro para ellos. El ciclo previo al festival ha finaliza-do con un encuentro de escuelas de dan-za, en el que las de Niebla y Aljaraque han tenido un papel protagonista.

Otra de las actividades que propone el festival es la exposición de fotografía ‘La mu-jer en la escena andaluza’, que se podrá ver en la Casa de la Cultura de Niebla del 3 de julio al 21 de agosto.

El XV Festival de Artes Escénicas de Alcalá de Henares comenzó su pro-gramación el 11 de junio, extendién-dose la misma hasta el 5 de julio.

En lo que respecta a este mes, el Corral de Comedias de Alcalá abrirá su programa-ción con un estreno a cargo de la compa-ñía Nao d´amores. Triunfo de Amor es un espectáculo construido a partir de diversos tex-tos dramáticos y líricos de Juan del Enzina, con dra-maturgia y direc-ción de Ana Zamo-ra y coreografía de Javier García Ávila. Forman el reparto de la pie-za Sergio Adillo, Javier Carrami-ñana, Eva Jornet, Rodrigo Muñoz, Irene Serrano e Isabel Zamora. La otra obra que se podrá ver en el mismo espacio es El cielo que me tienes prometido, una de las pie-zas teatrales escenificadas con motivo del centenario de Teresa de Ávila en España. Con texto y dirección de Ana Diosdado, la representación corre a cargo de la Com-pañía Salvador Collado.

Cuatro obras más se podrán ver en el mes de julio en el Teatro Salón Cervantes. La Joven Compañía llevará a escena su Hey boy, Hey girl, de Jordi Casanovas con la dirección artística de David R. Peralto. El compositor e intérprete Amancio Prada mostrará La voz descalza, con textos de

Juan de la Cruz y Teresa de Ávila y guión de Juan Car-los Mestre. Por su parte, la Compañía Dei Furbi repre-sentará Trilogía MozArt. Così fan Dei Furbi, de Mo-zart y Da Ponte, con dirección de Gemma Beltran. La Compañía de Danza Flamenca Carmen Cortés presentará La Gi-tanilla de Miguel de Cervantes, con dirección de José Maya y Carmen Cortés y dirección

musical de Gerardo Núñez.Clásicos de Alcalá ofrece la oportunidad

de disfrutar de otras actividades, como las exposiciones “Entre albogues y clarines. Instrumentos musicales en la obra de Cer-vantes” y “ATEMPORALES”, Retratos de autores clásicos por ar tistas modernos.

Festival de Artes Escénicas de Alcalá de Henares

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El Festival de Teatro Clásico en la Villa del Caballero, Olmedo Clásico celebra su décima edición del 16 al 26 de julio. Serán 15 los mon-

tajes participantes en la presente edición, que coincide con los 500 años del naci-miento de Teresa de Jesús y los 400 de la aparición de la segunda parte del Quijote. Además de los espectáculos, formarán parte de la programación las X Jornadas sobre Teatro Clásicos, el X Curso de Análi-sis e Interpretación “Fer-nando Urdiales” y una ex-posición conmemorativa del décimo aniversario de Olmedo Clásico.

La inauguración de Ol-medo Clásico tendrá lu-gar el jueves 16 de julio en la corrala del Palacio del Caballero de Olmedo. Talycual Producciones presentará allí su es-pectáculo El príncipe. El príncipe de Maquiavelo se compone de fragmentos de las obras ‘El príncipe’, ‘Discursos sobre la prime-ra década de Tito Livio’ y ‘Del ar te de la guerra’, así como de la correspon-dencia personal de Nico-lás Maquiavelo. Fernando Cayo es el único intérpre-te de este montaje dirigido por Juan Carlos Rubio.

Por su parte, La Joven Compañía (Pre-mio El Ojo Crítico 2014) llevará a escena Hey boy, Hey girl, pieza dirigida por José Luis Arellano García que se basa en “Ro-meo y Julieta” de Wiliam Shakespeare, presentada en formato reality show. Otra obra del autor inglés llegará a cargo de Noviembre Teatro, que representará El mercader de Venecia, dirigida por Eduar-do Vasco. La tercera representación de Shakespeare llegará a cargo de la compa-ñía A Voadora con La Tempestad, dirigida por Marta Pazos.

El domingo será el turno de Rafael Ál-varez El Brujo y de su pieza Teresa o el sol por dentro, sobre Teresa de Jesús. Otro espectáculo propuesto dentro de los actos conmemorativos del centenario de Santa Teresa será Teresa, miserere gozo-so, de Teatro Corsario y dirigida por Luis Miguel García. La obra pretende resaltar aquellos pasajes de la vida de Teresa de

Jesús que descubren su persona, su opti-mismo y tenacidad.

El lunes la compañía Los otros pondrá en escena El caballero de Olmedo (el de Lope no, el otro), espectáculo que recibió la Mención especial de Almagro Off 2014. La obra, que es una revisión de la come-dia burlesca de Francisco de Monteser ‘El caballero de Olmedo’, cuenta don la dirección de Julián Ortega y la dramatur-gia de Félix Estaire. Venezia Teatro llegará

a Olmedo con La isla de los esclavos de Marivaux, con versión y dirección de José Gómez. El autor Fernando de Rojas y su obra ‘La Celestina’ tendrán su represen-tación gracias a las compañías Ron Lalá y Galo Film, que llevarán a escena Ojos de agua, bajo la dirección de Yayo Cáceres e interpretada por Charo López.

La Fundación Siglo de Oro representará Mujeres y Criados, la comedia de enredo recientemente incorporada al repertorio de Lope de Vega y dirigida por Lauren-ce Boswell (director asociado de la Royal Shakespeare Company) y Rodrigo Arribas. La obra, como indica su título, tiene como protagonistas a dos grupos de personas que en la sociedad del siglo XVII ocupaban una posición secundaria en las relaciones interpersonales: bien por cuestiones de sexo, bien por cuestiones de estamento. Cerrando la programación de la corrala del Palacio del Caballero de Olmedo, Ron Lalá presentará su visión contemporánea del gran clásico de Cervantes, ‘Don Quijote

de la Mancha’. Con dirección de Yayo Cá-ceres, En un lugar del Quijote se presenta como un espectáculo dinámico con música en directo “para aprender, reír, participar y, sobre todo, revivir el mito del Quijote repensando el presente”.

más propuestas

Como novedad, en esta décima edición se inaugurará la sección denominada “De

aperitivo un clásico”, que tie-ne como objetivo apostar por nuevas tendencias y lengua-jes escénicos y que acogerá dos montajes en el Centro de Artes Escénicas San Pedro: La cena del rey Baltasar de la compañía Los números imaginarios, con versión y dirección de Carlos Tuñón; y El caballero de Olmedo de Actually Theatre y Valquiria Teatro, con versión y direc-ción de Juan Carlos Sanz. Dentro de la sección ‘Clási-cos en familia’, orientada al público infantil y juvenil (sin límites de edad), la compañía Pie Izquierdo representará La dama boba de Lope de Vega, con versión y dirección de Esther Pérez Arribas. Por otra parte, la Compañía Na-

cional de Teatro Clásico ofrecerá La voz de nuestros Clásicos, con dirección de Helena Pimenta. El montaje mostrará algunos de los fragmentos más significativos de títu-los emblemáticos del Siglo de Oro español como ‘La vida es sueño’ y ‘El alcalde de Za-lamea’, de Calderón de la Barca, y ‘El perro del hortelano’ de Lope de Vega.

Las X Jornadas de Teatro Clásico ‘Lo que dicen de nosotros los clásicos’ se celebrarán del 20 al 22 de julio, don-de se debatirá sobre los espectáculos programados en el festival, además de presentar novedades como proyectos, libros, páginas web y discursos digitales. En el apartado educativo, se impartirá el X Curso de Análisis e Interpretación para Actores ‘Fernando Urdiales’, que utilizará como base escenas de ‘Entre bobos anda el juego’ de Rojas Zorrilla. Por último, se podrán visitar las exposiciones ‘Sembran-do a los clásicos’ (Corrala Palacio Caballe-ro de Olmedo) y ‘Una década de clásicos’ (Patios de la Merced).

Festival Olmedo Clásico

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Del 17 de julio al 2 de agosto la lo-calidad navarra de Olite acogerá el XVI Festival de Teatro Clásico, programando estrenos teatrales

de la temporada, tanto a nivel nacional como de compañías profesionales y ama-teur de Navarra.

La inauguración de la presente edición correrá a cargo del Teatro de la Abadía con Entremeses de Cervantes, obra con la que celebran su vigésimo aniversario, que coinci-de con el cuarto centenario de la publicación de los Entremeses. El montaje, dirigido por José Luis Gómez, incluye ‘La cueva de Sala-manca’, ‘El viejo celoso’ y ‘El retablo de las maravillas’.

El príncipe de TaLYCUaL Producciones, Mujeres y criados de la Fundación Siglo de Oro (rakatá) y Hey boy, hey girl de La Joven Compañía, se podrán ver también en el es-cenario de la Cava. Teatro de la Ciudad pre-sentará la trilogía que forma parte de este proyecto escénico de los directores Alfredo Sanzol, Andrés lima y Miguel del Arco: Edipo Rey (Sófocles), Medea (Séneca) y Antígona (Sófocles). Teatro de la Ciudad está conce-bido como una apuesta por la investigación, reflexión, producción y exhibición del teatro contemporáneo. Las obras cuentan con intérpretes como Carmen Machi y Aitana Sánchez Gijón, entre otros. Magüi Mira dirige César & Cleopatra, interpretados por Ángela Molina y Emilio Gutiérrez Caba en una pro-ducción del Festival Internacional de Teatro

Clásico de Mérida.Las compañías de teatro de Navarra

tendrán también su presencia en la progra-mación de Olite. El Grupo Alhama de Teatro representará El burgués gentilhombre de Molière, con versión y dirección de Rebeca Sanz Conde. Su propuesta busca la atempo-ralidad por medio de una música original que fusiona ritmos clásicos y contemporáneos y una marcada estética dieciochesca.

Tdiferencia y La Nave Teatro se unen para escenificar Las alegres casadas, una adap-tación de la comedia ‘Las alegres comadres de Windsor’ de William Shakespeare, donde con sentido del humor tratan temas que el autor desarrolla en ‘Othello’, ‘Romeo y Ju-lieta’ o ‘Enrique IV’. También forma parte de la programación el montaje Bancarrota de Acrónica Producciones, Premio Gayarre 2015 al proyecto escénico, patrocinado por el Teatro Gayarre y el Gobierno de Navarra. Esta versión de la obra de Carlo Goldoni está dirigida por Fabio Mangolini.

La compañía For the fun of it recreará con La crítica del amor una fiesta cantada del si-glo XVII, con danzas, música y textos de Cal-derón de la Barca de la mano de la versión y dirección de Antonio Castillo. La discreta enamorada de El Bucle Producciones será la encargada de clausurar esta edición del Fes-tival de Teatro Clásico de Olite. La obra de lope de Vega cuenta con la versión de Pedro Miguel Martínez, que se encarga también de la dirección de la pieza.

XVI Festival de Teatro Clásico de Olite

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cursos y talleres

La programación del XVI Festival de Teatro Clásico de Olite incluirá también espectáculos en la calle y en diversos lugares de la localidad, conferencias y actividades de formación organizadas en colaboración con las universidades nava-rras y otros colectivos culturales.

En cuanto a las actividades de forma-ción, las personas interesadas en el tra-bajo teatral podrán participar en las clases magistrales ‘Ver o no ver. Viaje a través de las Maravillas de Cervantes’, a cargo de Emi Ecay y Carmelo Gómez. Ana Muruga-rren y Joaquín Trincado ofrecerán el taller ‘¿Cómo se fabrica un largometraje?’. Por otra parte, Alfredo Sanzol, Andrés Lima y Ana Maestrojuan impartirán el ‘Taller de creación dramática en escena: Técnica del actor-narrador’. Las IV Jornadas Navarras de Teatro Clásico organizadas por el GRI-

SO se celebrarán bajo el lema ‘La mujer y el poder femenino en el teatro español del Siglo de Oro’, con la dirección de Ignacio Arellano.

El ciclo de conferencias de novela, bajo el título ‘El ayer y el hoy de la novela his-

tórica’, volverá a juntar en la casa de cul-tura a las figuras más relevantes de este género literario. También para el público general, el Ateneo Navarro ha organizado la jornada ‘conTRASTES. La música en la escena de la memoria’.

Del 5 al 9 de agosto el conventual de San Benito volverá a acoger las re-presentaciones del Festival de Teatro Clásico de Alcántara, que celebra su

XXXI edición rindiendo homenaje a la figura de Santa Teresa de Jesús. Además de los cinco espectáculos programados, se podrá disfrutar también de mercadillos, pasacalles, exposiciones, cursos, conciertos y muestras gastronómicas.

GG Producción y Distribución Escénica y Saga Producciones inaugurarán la progra-mación del festival con La Hermosa jarifa de Antonio de Villegas, con versión y dirección de Borja Rodríguez. Dos serán las obras que representen a Santa Teresa de Jesús. Por un lado, Rafael Álvarez El Brujo será el protago-nista de la obra basada en la vida y obra de la escritora: Teresa o el sol por dentro. Por otro lado, Juan Mayorga versiona y dirige La Lengua en Pedazos, que cuenta con la inter-pretación de Clara Sanchis y Daniel Albaladejo. “Como Francisco Brines sobre Juan de la Cruz, pienso sobre Teresa que un ateo, aunque no crea en su mística, puede sentirse fascinado por el ser humano que se apoya en ella. Y puede y debe sentirse interpelado por ese ser humano al fin, y siempre será menos impor-tante lo que nosotros podamos decir sobre Teresa que lo que Teresa pueda decir sobre nosotros”, explica Juan Mayorga.

Morboria Teatro llevará a escena la obra El Burgués Gentilhombre de Molière, monta-je que después de 20 años vuelven a poner

en marcha con motivo del trigésimo aniver-sario la compañía. Es este precisamente el primero de los textos clásicos que ha lleva-do a escena la compañía en estos 30 años de trayectoria, y por el que Eva del Palacio, su directora, obtuvo el premio Ágora a la Dirección Revelación en el Festival Interna-cional de Almagro de 1995. Morboria Teatro cuenta con cinco montajes de obras del au-tor francés. En un lugar del Quijote será el último espectáculo que se representará en la presente edición del Festival de Alcántara, una versión libre de la novela de Miguel de Cervantes de la mano de la compañía Ron Lalá y la dirección de Yayo Cáceres.

En palabras de la directora del festival, Olga Estecha, a la hora de confeccionar las

actividades que complementan la progra-mación oficial, “el objetivo es la interna-cionalización del festival y crear un vínculo entre los profesionales, los estudiantes del teatro y los amantes del mismo. Por este motivo, se han programado mesas redondas sobre las obras y un curso de interpretación que ha vuelto a llenar todas sus plazas en esta edición”.

Visitas nocturnas guiadas por la villa, talleres de teatro, de esgrima, activida-des para los más pequeños, exposicio-nes, concier tos, muestras gastronómicas y ar tesanales y representaciones teatra-les populares completan la programación del XXXI Festival de Teatro Clásico de Al-cántara.

Festival de Teatro Clásico de Alcántara

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La hibridación de géneros escénicos y de disciplinas artísticas para realzar las capacidades comunicativas de las artes escénicas. Esa es la idea central

de la 31ª edición de la Mostra Internacional de Teatro de Ribadavia, que se celebrará en la localidad gallega del 18 al 25 de julio.

Una de las principales señales de identidad del festival de Ribadavia es la convivencia de la creación gallega con la internacional. Bajo esa premisa, la compañía Il Maquinario re-presentará Perplexo, obra que consiguió 5 premios María Casares. Celebrando sus 30 años estará la compañía Teatro do Atlántico con su O principio de Arquímedes, produc-ción gallega del texto de Josep María Miró que lleva la reflexión a los teatros a partir del suceso de un beso de un monitor de nata-ción a uno de sus chicos. En el Club artístico, nuevo espacio de exhibición que se incorpo-ra este año al festival, la compañía gallega y reciente Premio Nacional de Teatro, Chévere, presentará As fillas bravas, un espectáculo musical con perspectiva de género.

Entre el resto de propuestas se encuen-tran la fusión del audiovisual, objetos, ma-quetas y audio de Sr. Serrano con A house in Asia; o la mezcla de pintura con el cine y la danza de La Veronal con Siena. También estarán presentes piezas como La Merda, dirigida por el italiano Cristian Ceresoli y protagonizada por Silvia Gallerano, o la obra Como si pasara un tren de la argentina Lore-na Romanín. Otros artistas participantes se-rán el francés Phillippe Quesne y la compañía chilena La Re-sentida, cuyo director, Marco

Layera, impartirá además un curso.Como novedad, la MIT pondrá en marcha

Los Foros de Ribadavia, foros de deba-te abiertos a toda la ciudadanía. También tendrán su espacio el debate político y los encuentros con los artistas. Por otro lado, las dramaturgas y dramaturgos gallegos y portugueses serán protagonistas en Riba-davia, coincidiendo con el 10º aniversario de la rescatada convocatoria de los Premios Abrente para textos teatrales que promueve la propia MIT.

XXXI Mostra InternacIonal de teatro de rIbadavIa

Coexistencia entre la escena internacional y la gallega

Perplexo de Il Maquinario ©Aitor V

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Del 4 al 18 de Julio se celebrará la trigésima segunda edición del Festival Internacional de Teatro de Almada donde se concentra una

espléndida programación con directores del prestigio de Peter Stein, que dirigirá Il ritorno a casa de Harold Pinter para el Teatro Metastasio di Patro; Christoph Marthaler, con King size, para el Théâtre de Vidy Lausanne de Suiza; Katie Mitchell y Leo Warner que presentará una Fräulein Julie a partir de August Strindberg, con la Schaubühne am Lehniner Platz de Ber-lín y Matthias Langhoff con Cinéma Apollo para Théâtre de Vidy Lausanne.

Paolo Magnelli, dirigirá Hotel Belvedere de Odön von Horvàth para el Teatro Me-tastasio Stabile della Toscana; Paulo Moraes A dama do mar de Henrik Ibsen para los barsileños de Talu Produçoes mientras el Teatro Nacional de Cluj-Napoca de Rumania ofrecerá dos obras, O ginjal de Anton Chéjov con dirección de Roberto Bacci y O espectador condenado a morte de Matei Visniec con dirección de

Razvan Muresam. Del argentino Rafael Spregelburd se po-

drá ver Furia Avicola escrita y dirigida junto a Manuela Cherubini para el Teatro Stabile di Innovazione del Friuli Venezia Diulia, Iluminación de Joanna M. Smith con direc-ción de Aurora Cano es la presencia de los mexicanos de Dramafest y la creación co-lectiva Dévoration con dirección de Maxime Franzetti es la cuota francesa de Théâtre du Balèti.

La legendaria compañía alemana Ber li-ner Ensemble se presentará con Es wech-seln die Zeiten.. (Y los tiempos cambian...) una obra basada en poemas de Bertold Brecht musicados por Paul Dessau, Hans Eisler, Kurt Weill y Tobías Schwencke con dirección de Manferd Karge con un amplio rparto y músicos en directo que es otro de los puntos destacados en esta edición.

Diez años

Cuando se cumplen 10 años de la in-auguración del Teatro Municipal de Almada,

eje central de toda la actividad de la pro-pia compañía y del festival, se presentarán veintisiete espectáculos de sala y otros veintisiete de calle con un amplio programa de música, entre los que se incluyen cua-tro estrenos de producciones portuguesas, cuya presencia es amplia en la programa-ción con obras como Hamlet, de William Shakespeare, con dirección de Luis Miguel Cintra en una coproducción entre la Com-panhia de Teatro de Almada / Teatro da Cornucópia.

También se podrá ver un espectáculo de danza, Homenagem aos Ballets Gulbenkian, con coreografías de Hans van Manen, Ohad Naharin, Olga Roriz y Vasco Wellenkamp presentado por la Companhia Nacional de Bailado.

Además Al Pantalone, de Mário Bote-quilha, con dirección de Miguel Seabra por el Teatro Meridional; Britânico, de Jean Racine, dirección de Nuno Cardoso y pre-sentada por Ao Cabo Teatro; Um museu vivo de memórias pequenas e esquecidas, una investigación, texto y dirección de Joa-

XXXII FestIval de alMada

Las grandes firmas europeas y los novísimos españoles

Es wechseln die Zeiten.. (Y los tiempos cambian...) de Berliner Ensemble

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na Craveiro, un conjunto de conferencias peformatiovas presentado por Teatro do Vestido. Os acontecimentos, de David Greig, que reflexiona sobre los asesinatos ue perpetró en 2011 Anders Breivik en No-ruega, con la dirección de António Simão a cargo de Ar tistas Unidos.

Los estrenos son: Quatro santos em três actos, una dramaturgia de Luísa Costa Go-mes a partir de Virgil Thomson y Gertrude Stein, ‘un diálogo dramtúrgico, coreográfico y de interpretación sonoplástica’ con direc-ción de António Pires que presentará Tea-tro do Bairro; Your Best Guess, de Chris Thorpe, con dirección de Jorge Andrade por la compañía Mala voadora y por últi-mo Escrever, falar, de Jacinto Lucas Pires, y la dirección de Jorge Silva que presentará Teatro dos Aloés.

Como es habitual la programación de espectáculos se completa con una intensa actividad paralela a base de exposiciones, conferencias, debates públicos con pre-sencia de los creadores, talleres y cursos, entre ellos el ciclo ‘O sentido dos Mestres’ que contará con la presencia de Peter Stein durante tres sesiones en la Casa da Cer-ca, mientras será homenajeado en esta ocasión el director portugués Rogério de

Carvalho y el autor del cartel de este año, el artista plástico Rui Sanches, además de los actos conmemorativos de los diez años de inauguración del Teatro Municipal.

Novísimos

La novedad de este año es la presen-cia de un ciclo llamado ‘El novísimo teatro español’ que se realiza con el apoyo de Acción Cultural Española AC/E que consta de: Última transmision, de Enrique y Yeray Bazo, una espectáculo de ficción científica dirigido por Diego Palacio Enriquez, una producción de Es.Ar te de Valladolid; La Tempestad, una coproducción de la com-pañía de Santiado de Compostela Voadora con varias instituciones entre ellas el Centro Dramático Galego a partir de Shakespeare y con dirección de Marta Pazos.

También se podrá disfrutar de una pro-ducción del Centro Dramático Nacional, Kafka Enamorado de Luis Araújo, con dirección de José Pascual, donde se narran sus relaciones con Felice Bauer; Sé de un lugar, que narra desde un punto de vista muy especial las relaciones de pareja, con texto y dirección de Iván Morales para Pro-ducciones Prisamata de Barcelona; Mi

piedra roseta, de José Ramón Fernández, es una obra que se acerca a las dificultades de las personas con alguna limitación física o sicológica y sus relaciones con el mundo, con dirección de David Ojeda por Palmyra Teatro de Madrid y Los nadadores noctur-nos, de José Manuel Mora, con dirección de Carlota Ferrer a cargo de Draft.inn de Madrid que se ha convertido en uno de los espectáculos más reconocido por la crítica de la temporada anterior y que retrata un mundo enfermo y fragmentado sin lugar para la inocencia.

Dentro de este ciclo también se realiza-rán las lecturas dramatizadas de las obras: Münchausen de Lucía Vilanova con direc-ción de Cristina Carvalhal, NN12 de Gracia Morales con dirección de Luis Vicente, Atra Bilis de Laila Ripoll con dirección de Natália Luiza y Dentro da terra de Paco Bezerra con dirección de Elsa Valentim.

Como colofón a este programa se cele-brará un encuentro para para reflexionar sobre el momento de la actual dramatur-gia española coordinado por José Gabriel López Antuñano en el que participarán Carlota Ferrer, David Ojeda, Diego Palacio Enríquez, Iván Morales, José Manuel Mora y José Ramón Fernández.

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Del 9 al 26 de julio tendrá lugar la trigésima edición del Festival Internacional de Teatro Hispano de Mia-

mi organizado por Teatro Avante que dirige Mario Ernesto Sánchez, se presenta junto al Adrienne Ars-ht Center for the Performing Atrs, Miami-Dade-Country Auditorium y MDCulture con una selección de siete compañías de América Lati-na, España y Estados Unidos que ofrecerán sus doce espectáculos por diversas salas del Condado de Miami-Dade.

Por primera vez en la historia del FITH, se homenajeará a Brasil por la contribución de este país a la cultura iberoamericna. En esta ocasión el Premio a Una Vida de Dedicación a las Artes Escénicas se entregará al reconocido autor/director Antunes Filho el día de la inauguración. Siguiendo la cos-tumbre del festival, el cartel del mismo se encarga a un artista del país homenajeado y este año ha sido diseñado por la ar tista bra-sileña de fama internacional Naza, que firma también el correspondiente al Día Internacional de niño. También se podrá ver una exposición de fotografías de Asela Torres donde se repasa la presencia de obras brasileñas a lo largo de la historia del Festival.

Además de la programación d espectá-culos, el FITH organiza actividades es el Programa Educativo que dirige Beatiz J. Rizk con la colaboración del Teatro Pro-meteo de Miami Dade College coloquios

inmediatamente después de cada estreno, una conferencia dictada por la directora sobre ‘Paradigmas recientes en las artes escénicas latinas y latinoamericanas’, una exposición de fotografías y carteles y va-rios talleres.

Las representaciones propiamen-te dichas se inaugurarán el día 9 con la compañía de Los Ángeles compuesta por miembros de Estados Unidos y Brasil, Vi-ver Brasil que ofrecerán Peace Transcens/Ajê, cuatro piezas de danza-teatro afro-

brasileño que son un homenaje a Nacy de Souza e Silva (Dona Cici), sabia anciana de la cultura candomblé que celebran la paz, la ascendencia, las fuerzas de la na-turaleza y el poder de la mujer.

El Teatro Prometeo de Miami ofrecerá su producción Cena para seis de Cristina Rebull dirigida por la propia autora junto a Joann M. Yarrow, una obra con tintes de ab-surdo donde se juntan seis perso-nas deforma anónima a una cena y una de ellas anuncia la muerte del Gordo. Todos podrían ser autores del crimen. Una obra que mezcla comedia y suspense.

De El Salvador es Teatro del Azoro que presentará Los más solos, escrita y dirigida por Egly Larreynaga y Luis Felpeto donde cuatro enfermos mentales conde-nados a prisión y recludods en el pabellón psiquiátrico del penal de Soyapango van descubriendo que son víctimas de una cruda guerra civil en su juventud y reflejo de una sociedad violenta y desquiciada.

De las ciudades brasileñas de Fortaleza y Porto Alegre son el Colectivo Artístico as Travestidas, que presentarán Br-Trans de Silverio Pereira, dirigida por Jezebel De Carli, una obra sobre el papel de la fami-lia, la escuela, la política y el ar te en la situación de la comunidad trasngenérica. Muestra la vida de travestís y transformis-tas mediante el teatro documental.

La contribución mexicana llega a cargo de Teatro de Babel-Dramafest que ofre-cerá Simulacro de idilio, escrita y dirigida

XXX FestIval InternacIonal de teatro HIspano de MIaMI

Brasil es el país homenajeado en la edición de este año

Doce espectáculos correspondientes a grupos y compañías de siete países diferentes conforman la programación

Br-Trans del Colectivo Artístico as Travestidas ©Lina Sum

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por David Gaitán, que muestra a un maestro de preparatoria que parece tener como premisa en vida respetar a rajatabla los códigos morales de la sociedad en la que vive, Ante la difi-cultad de obtener una plaza laboral y el inminente colapso de su familia, el sistema le ofrece corromperse para salvarse.

Sinteatro Intimus de Nueva York, con integrantes de Estados Uni-dos y Venzuela, presentan Swallows (Golondrinas) escrita y dirigida por Aminta de Lara, que sucede en un ambiente de intenso enfrentamiento partidista y masivas manifestaciones callejeras, tanto a favor como en con-tra del gobierno y dos hermanas se ven forzadas a examinar a fondo su relación con su difunto padre. Un os-curo periodo de su infancia alimenta el conflicto entre ellas.

Nettles Artist Collective son de Nueva York y sus integrantes son de Esatdos Unidos y Brasil y presenta Apple of my eye (la niña de mis ojos) de Tathiana Piancastelli dirigida por Débora Balardini, obra escrita y represen-tada por una persona con el síndrome de Down, acompañada de un elenco de diez actores, Menina dos meus olhos, relata la historia de una joven en busca del amor y la aceptación social.

El entrañable títere Don Hilarión de la ‘Verbena de la Paloma’ y sus divertidos amigos nos llevarán a un mundo maravillo en Zarzuguiñol, zarzuela para niños, de Javier Ruiz Gaitán y Melisa de las Heras, que presentan los madrileños de Zargu-

guiñol, para que los niños vayan descu-briendo a los compositores y libretistas de las zarzuelas tradicionales a partir de las simpáticas historias que nos acercará al género chico.

Adriana Barraza Black Box & Nobarte de Miami, presentarán Príncipe Azul de Eugenio Griffero dirigida por Meher Jaque-line Briceño, donde se vean a dos seres que han realziado un pacto de reencuen-tro con cincuenta años de espera y una fecha, atrapados en el arrebato de saber-

se iguales cincuenta años después, cuando, inevitablemente han dejado de ser lo que alguna vez fueron.

Cuartoymitad Teatro de Madrid, ofrecerán Escriba su nombre aquí, escrita y dirigida por María Prado y Fernando de Retes, a partir de una creación colectiva, fruto de la inves-tigación en los territorios fronterizos, en formas de encuentro más allá de nacionalidad, géneros, sexualidades, religiones, filias y fobias.

Como es tradición, la compañía organizadora Teatro Avante ofrece el estreno de una producción, en esta ocasión se trata de Alguna cosita que alivie el sufrir de René R. Alomá, diri-gida por Mario Ernesto Sánchez. Aquí o allá, el exilio, ese plato agridulce aderezado por las nostalgias de los que se van y la añoranza de los que se quedan, lleva en sí los logros y las renuncias, los beneficios y los sacri-ficios, la ilusión y la resignación. Los que se van y los que se quedan vivi-rán para siempre en pos de alguna cosita que alivie el sufrir.

Cierra las actuaciones de esta edición la compañía uruguaya, Complot de Monte-video con Ex - que revientenelos ar tistas escrita y dirigida por Gabriel Calderón, La historia de una muchacha con un dolor que se hacía más fuer te con el tiempo, una necesidad que se profundizaba con el paso de los días y un problema que ex-plotaba en la cara de todos aquellos que no querían escucharla. Esta es la historia de una familia que se reencuentra en una Navidad después de mucho tiempo.

Príncipe Azul de Adriana Barraza Black Box & Nobarte

Peace Transcens/Ajê de Viver Brasil

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Del 18 al 30 de agosto, Brasilia celebrará la décima sexta edi-ción de su reconocida Cena Contemporânea, el festival

Internacional de Teatro de Brasilia que tuvo su primera edición hace ahora veinte años y sigue con su compro-miso de ofrecer espectáculos interna-cionales inéditos en Brasil combinados con los mejores trabajos brasileros y una selección de obras brasilienses.

Con su fundador Guilherme Reis desde hace unos meses al cargo de la Secretaria de Cultura del Distrito Fe-deral, la dirección general la asumen Michele Milaniesta y Alaôr Rosa quien junto a Francis Wilker se encargan de la curadoría de una edición que man-tiene el mismo espíritu de búsqueda de aquellos lenguajes más novedosos de todas las dramaturgias del mundo y en esta ocasión hallamos espectáculos de Portu-gal, España, Polonia, Australia, Argentina y Georgia que se medirán con los sucesos del teatro brasileño del año.

Cena asume la incorporación del Festi-val para la Primera Infancia que organiza el grupo español asentado en Brasilia La casa incier ta dedicado a los niños y niñas de cero a tres años. El festival mantiene la estructura de conferencias, talleres, en-cuentros y debates, además del apartado musical.

Cinco de los siete espectáculos interna-cionales se presentan por primera vez en Brasil, es el caso de Brickman Brando Bub-ble Boom, del grupo español Señor Serra-no, premiado como Espectáculo Más Inno-vador de la Feria Internacional de Teatro y Danza 2013 de Huesca. La obra mezcla

las vidas de dos mitos, el constructor John Brickman (que inspiró el primer sistema de hipotecas) y el actor Marlon Brando, en un montaje que utiliza gran variedad de dispo-sitivos audiovisuales.

Varias veces premiada como mejor actriz, la polaca Jolanta Juszkiewicz protagoniza The Mother, del grupo polacos-australiano Kropka Theatre. Un texto de una de las principales figuras de la vanguardia del tea-tro polaco, el dramaturgo Stanislaw Ignacy Witkiewicz – de nombre artístico Witkacy – defensor del llamado “teatro puro”.

Considerado por la crítica de Tiblisi como “uno de los mejores trabajos teatrales de Georgia en los últimos años”, 2 = 2 + 2’ es una colaboración del Akhmeteli Theatre, de Georgia, con el actor y director brasi-leño Rodrigo Fischer y se realiza el estre-no brasileño en Cena. Una reflexión sobre temas relevantes para la Georgia de hoy,

como son las cuestiones territoriales y las fronteras étnicas, religiosas y cul-turales.

Una de las compañías de danza-tea-tro más reconocidas, Matarile Teatro de Santiago de Compostela, llega por primera vez a Brasil y lo hace con dos trabajos que pueden dar una idea completa de la concepción del teatro de su creadora, Ana Vallés. Staying Alive un bello trabajo de danza teatro de medio formato y Teatro Invisible un unipersonal testimonial donde Ana Va-llés describe su pasión por el teatro a través de la historia de la compañía.

La Casa Verde de los portugueses de Teatro O Bando es un work in pro-gress, en coproducción con el Teatro do Instante de Brasilia, un monólogo

inspirado en ‘O Alienista’, de Machado de Assis, aborda temas como la locura, la política, la megalomanía con una única actriz, Sara de Castro, que da vida a varios personajes.

De Argentina llegará Los cuerpos, de Federico Fontán y Ramiro Cortez, un dúo de danza contemporánea donde dos hom-bres transitan un espacio despojado y en sus cuerpos convive lo terrible y lo bello, lo animal, lo caprichoso, la pulsión, la fuerza extrema o el abandono.

De Brasil se podrán ver montajes que fueron destacados con los más prestigio-sos premios como el Ricardo III, de Gustavo Gasparani en una versión con diálogos muy actuales donde se destaca la lucha por el poder y la hipocresía política en un montaje donde un actor da vida a todos los perso-najes de Shakespeare.

Salina – A Última Vértebra’, presentada

XvI FestIval InternacIonal de teatro de brasIlIa-cena conteMporânea

Veinte años de compromiso con el teatro contemporáneo

Cena Contemporànea acoge en su seno la edición pionera del Festival Primeiro Olhar, dedicado a la primera infancia

La Companhia Brasileira de Teatro ©Elenize Dezgeniski

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por los cariocas de Amok Tea-tro es una obra de Laurent Gaudé, escritor e dramaturgo francés, una mezcla de trage-dia griega y epopeya africana con tradiciones religiosas y musicales afro-brasileñas como la congada o el can-domblé e interpretada por un elenco de actores negros.

La Companhia Brasileira de Teatro presentará Isso te interessa?, adaptación del texto ‘Bon, Saint Cloud’, de la dramaturga francesa Noëlle Renaude, una pequeña epo-peya familiar con aconteci-mientos banales que envuel-ven a cuatro generaciones de una misma familia que sirve para reflexionar sobre el tiempo, la vida, la muerte y las relaciones humanas.

E se elas fossem para Moscou? de Chi-ristiane Jatahy que parte de ‘Las tres her-manas’ de Chéjov es un paso todavía más radical en la investigación de la directora sobre la interacción de los lenguajes del teatro y el cine, el espectáculo es al mismo tiempo representado en el teatro y filma-do, editado y proyectado en una sala para otros espectadores.

A geladeira de Antikatár tika Teatral es un espectáculo dirigido Por Nelson Basker-ville, un monólogo que parte de un texto de Copi donde se remarca que pone en cuestión la obligación de fijar un lugar, un rol social o sexual y la subjetividad en pleno tránsito.

Además se podrán ver los espectáculos Fotohamlet-proceso e revelaçao del Co-letivo Irmãos Guimarães donde un actor intenta reconstruir la narrativa del texto shakespeariano en diálogo directo con el público utilizando recursos de ‘performan-ce art’.

Jacy del Grupo Teatro Carmin que cuen-ta la vida de una mujer que atravesó la Segunda Guerra Mundial y la dictadura en Brasil, tuve un amor en el exterior y acabó sus días sola en Natal, mientras Teatro NU presenta Quarteto de Heiner Müller, con dirección de Gil Vicente Tavares; Grupo Lamira presentará el espectáculo infantil Gibi con dirección artística y coreografía

de João Vicente.La presencia del teatro brasi-

liense se sustancia en un show escénico-musical, Desbunde que está inspirado en el movimiento de los 70-80 del siglo pasado que contestó a la dictadura mi-litar brasileña ideado por Juliana Drumond.

Iara, O Encanto das Águas es un espectáculo de sombras que presenta la Cía Lumato, que busca sensibilizar al público infantil-juvenil sobre los saberes y la tradición oral de los pueblos originarios del Brasil.

La Agrupación Teatral Amaca, con dirección de Hugo Rodas, presentará Punaré e Braaúna Seguindo inspirado en el libro ‘Cansaço – A longa Es-tação’, del autor paulista Luiz Bernardo Pericás, para crear un

espectáculo dinámico, pautado en la musi-calidad de los cuerpos.

Quando o coração transborda es el resul-tado de una investigación iniciada en 2012, por la actriz Maíra Oliveira sobre el propio proceso de hacer teatro. Uma história sim-ples con texto de Marcos Pena, hecha con bonecos, los muñecos compactos, sitúa la acción en los Pirineos aragoneses y es la propuesta de Trapusteros Teatro; Vinil de Asfalto de Edson Beserra y Seu Composto de Ideias parte de una continuada inves-tigación sobre Brasília y toda su estructura geográfica; Nó na garganta de la Estupen-da Troupe con dirección de Tiago Nery con el bullyng como tema.

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Ciudad Rodrigo acoge del 25 al 29 de agosto la decimoctava edición de la Feria de Teatro de Castilla y León escaparate, que como bien

señalan sus organizadores, contribuye a la dinamización del mercado escénico priori-tariamente en el occidente peninsular. Una vez más la diversidad creativa de formatos y procedencias se convierte en uno de los elementos más representativos de esta cita, con una programación que este año incluye casi una docena de estrenos y aglu-tina más de cuarenta compañías, de las que un tercio escenificarán espectáculos al aire libre y donde tienen un especial protago-nismo las producciones de Castilla y León, Extremadura y Portugal casi una decena de estrenos.

Casi recién estrenada llegará a Ciudad Rodrigo Triunfo de amor de Nao D´amores, una obra que parte de diversos textos dra-máticos y líricos del patriarca del teatro español Juan del Enzina. Un espectáculo que refleja el paso del debate amoroso con base en las tradicionales disputas medieva-les el que será el gran tema de la literatura renacentista: el poder del amor.

Teatro Corsario llevará a escena Tere-sa, Miserere gozoso, propuesta producida con motivo del V Centenario del nacimiento de Santa Teresa de Jesús, que se centra en la lucha de una mujer para llevar a cabo una misión complicada. Luis Miguel García dirige este trabajo concebido en cuatro es-cenas que tiene como objetivo reflejar a un personaje creíble y humano.

Entre las compañías castellanoleonesas veteranas se encuentran tanto Teatro Mutis con La rebelión de los caracoles, propues-ta dirigida al público familiar que fusiona el

trabajo actoral y la manipulación de títeres y objetos en el que el núcleo argumental es la creación de la primera escuela en un pe-queño pueblo, así como los vallisoletanos Teloncillo que junto al Quinteto Respira mostrarán Respirando cuentos un concier-to teatralizado dirigido una vez más a los niños y niñas. La propuesta se compone de dos composiciones originales y exclusivas para quinteto de viento sobre dos cuentos clásicos de la narrativa universal.

Dirigido al público familiar también está Cuentos de Oro, obra escenificada íntegra-mente en verso para iniciar al joven espec-tador en su sonoridad teatral y continuar con la tradición oral de una selección de cuentos y leyendas que circulaban en el Si-glo de Oro Español de Escaramuza Teatro una de las compañías castellanoleonesas emergentes que comparte esta caracterís-tica con Soundspace Teatro que dará a conocer su propuesta musical La maldición de Bach, un trabajo en el que hacen re-

nacer al célebre compositor y músico para ajustar cuentas con la historia y contar de primera mano al espectador detalles de su existencia. Immaginario Teatro presenta Welcome montaje de teatro gestual, clown y circo protagonizado por dos persona-jes que viven en la calle y las compañías burgaleses Atópico Teatro y Cal y Canto estrenan sus obras. La primera presenta Des-graciados propuesta reflexiona sobre cómo influye el tiempo en nuestras vidas; la segunda Lost dog es un montaje de tí-teres y teatro de objetos que retrata el submundo que se escapa a nuestra mirada mostrándolo desde la perspectiva visual de un perro .

Desde Extremadura llegan tres compa-ñías. Teatro del Noctámbulo en copro-ducción con el Festival de Teatro Clásico de Mérida escenificará la tragedia Edipo Rey de Sófocles en una adaptación del drama-turgo Miguel Murillo dirigida por Denis Raf-ter, el montaje de nuevo circo Las Expertas

XvIII FerIa de teatro de castIlla y león - cIudad rodrIgo

Mayoría de edad de la Feria de Teatro de Castilla y León

La Feria de Ciudad Rodrigo continúa buscando complicidades entre el sector escénico y el territorio

Edipo Rey de Teatro del Noctámbulo

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de Albadulake y el de calle Ratones de La Escalera de Tijera. Desde Portugal acudirá una de sus compañías más célebres Chapitô con una particular versión de Macbeth así como la pro-puesta multidisciplinar para todos los públicos de artes de calle Banda Móvel de Radar 360º.

La compañía gallega Baobab estrena un espectáculo sensi-ble y comprometido para público infantil, Luppo y Producciones Teatráis Excéntricas dará a conocer su comedia para jóvenes y adultos Bobas gallegas.

La organización busca ofrecer una programación equilibrada y diversa en la que destaquen espectáculos con contenidos de clara implicación social.En este sentido se puede hablar de mon-tajes como Los desvaríos del veraneo de Venezia Teatro en el límite de la comedia del arte, Ana, el once de Marzo de El Muro Producciones o el trabajo Camisa de fuerza de la compañía Tres Balas. Otra de las líneas principales de la programación de este año es el conformar un conjunto de propuestas divertidas y estimulantes donde la comedia y el humor sean la seña de iden-tidad. El molinillo mágico es un montaje para público infantil de la compañía jerezana La gotera de lazotea, la compañía catalana Cascais presenta El pillo, los salmantinos Spasmo Teatro ha-cen lo propio con Galerías Tonterías, y desde Aragón The Feas Company dibertirán con Todoterapia, al igual que el alicantino Felix Albo con las historias de El pueblo de los mellados, Brujas de Lolita Corina o Pelmánec que recupera El Ávaro, un singular espectáculo de teatro de objetos.

La danza también estará presente con el estreno absoluto de Naftalina de Arrieritos Flamenco y la adaptación del clásico de Shakespeare Macbeth de manos del Ballet Contemporáneo de Burgos. Las propuestas para la primera infancia volverán a tener su lugar en el ‘Espacio en rosa’ donde actuará la compañía chilena Teatro de ocasión, así como los gallegos Magin Blanco con el estreno en castellano de Gatuxo y Rayue-la Producciones con El mirlo blanco que supone la primera introducción en esta franja de edad para compañía vallisole-tana. Por último, además de los ya citados montajes de calle se podrán disfrutar de tres espectáculos diarios entre los que se encuentran Cacharros de los burgaleses Bambalúa Tea-tro, la instalación Le petit studio cinema creada entre Títeres Errantes y Cachivache Producciones, Funeral natural de los italianos Teatro Autopor tante y la poética propuesta de nuevo circo Enfila S.A. de Estampades.

Des-graciados de Atópico Teatro y Cal y Canto

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El XIV Certamen Internacio-nal de Coreografía Burgos -Nueva York se celebrará en-tre los días 22 y 24 de julio. La programación del certa-men se compone de 4 seccio-nes: danza moderna y con-temporánea, danza vertical, hip-hop y grafiti. El certamen ha recibido 123 propuestas a

concurso, entre las que ya han sido seleccionadas Vacío, un solo de la coreógrafa e intérprete ilicitana Asun Noa-les, alma mater de la compañía Otra Danza; 1mm2, de la panameña Omaris Mariñas Quintero, recientemente galardonada en el Certamen SóLODOS en DANZA (Cos-ta Rica); o Ilusión de la noche, una coproducción del colectivo costarricense Clá y del coreógrafo esloveno An-ton Lachky, autor de diferentes piezas para Helsinki Ciry Theater o Iceland Dance Company. Asimismo, otras de las piezas internacionales llegarán de la mano del britá-nico Malcolm Sutherland o del húngaro Peter Agardi. Por otra parte, destacan las iniciativas vinculadas con la for-mación, como el International Summer Dance in Burgos o el IV Curso de Danza Vertical.

La edición número 39 del Grec Festival de Barcelona ofrecerá del 1 al 31 de julio más de un centenar de pro-puestas que se realizarán a lo largo de 36 espacios de la ciudad. La programación del festival también incluye un extenso programa de acti-vidades paralelas, dirigidas

tanto a profesionales como a espectadores. En cuanto a los montajes, 9 serán de teatro, 8 de danza, 6 de forma-tos híbridos, 2 de circo, 2 de música y 1 de teatro infantil. Para esta edición, se incrementa el número de propuestas internacionales, que serán 17, y diez los montajes que el festival coproducirá internacionalmente. Entre ellos se encuentra el espectáculo que inaugurará la presente edi-ción en el Teatre Grec, Vorònia, de la compañía de danza La Veronal, que transportará al público al infierno con figuras e imágenes simbólicas. Un año más Montjuic será el epicentro artístico de un festival que ofrecerá un total de 36 estrenos, entre los que se encuentra el montaje de circo Pals de Leandro Mendoza, otra de las coproduccio-nes internacionales del Grec.

Grec

Palma del Río

Burgos-New York

Frinje Madrid estrena nom-bre en su 4ª edición, pasan-do de Fringe a Frinje, como un guiño a la particular y re-conocible pronunciación con que suele llamar al festival el público madrileño. Orga-nizado por el Teatro Espa-ñol, se celebrará del 3 al 25 de julio en distintos espacios

de Matadero Madrid. Con el cambio de nombre llega también un cambio de rumbo en el que los procesos creativos y la reflexión sobre la escena conviven y se entrelazan con la exhibición, reivindicando un diálogo activo entre creadores y espectadores, entre realidades y utopías (o distopías) y entre vanguardia y tradición. En la presente edición, se reduce el número de espectá-culos, apostando por la calidad y aumentando su impli-cación en los procesos creativos con laboratorios, semi-narios, talleres, lecturas dramatizadas, actividades para niños, vermús literarios y mesas redondas. Así, los 31 proyectos seleccionados recibirán este año un importe que duplica al de ediciones anteriores. El festival pro-pondrá este año nuevos enfoques artísticos en los que englobar a las propuestas de este año: La actualidad a escena, Creación en grupo, Cuerpos en movimiento, Otros enfoques y Experiencias singulares.

La Feria de Teatro en el Sur de Palma del Río (Córdoba, España), que se celebrará del 7 al 10 de julio, ofrecerá este año el estreno de seis espectáculos de compañías andaluzas en una progra-mación compuesta por casi una treintena de espectá-culos y otras tantas activi-

dades complementarias y de carácter profesional. El festival se rige bajo tres grandes líneas de actuación: Exhibición (programación de espectáculos), Mercado (negocio) y actividades profesionales (dinamización de la creación artística). La programación incluye espec-táculos de danza, teatro, cabaret, circo, flamenco, tea-tro de calle, clásicos revisados, música o espectáculos para niños y niñas. Los estrenos mencionados serán: Animales nocturnos de El Aedo, Reencuentro de Choni Compañía Flamenca, Libertino de Marcos Vargas & Chloé Brûlé, Un recuerdo de Avignon de Sínteis / La Fundición, Circusz Rupt de El Gran Di-mitri y Un viaje invisible de Baran Puppet. Tres son las propuestas de fuera de la comunidad andaluza: el recital de poesía y música Todo dice que sí, el espec-táculo Miguel de Molina al desnudo y Autorretrato de un joven capitalista español.

Frinje

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Este suplemento acompaña a la rev istaArtez 205 de Julio / Agosto 2015

3 - 5 | Entrevista a Inmaculada

García

6 | Club Windermere

7 | El alcalde de Zalamea

8 | Las criadas

9 | Sócrates. Juicio y muerte...

10 | Teresa o el sol por dentro

11 | Nuestras mujeres

12 | Mujeres y criados

13 | El mago de Oz / Sherlock

Holmes y...

14 | Giselle

15 | Ainhoa Arteta / Ana Belén y

Víctor Manuel

La voluntad de continuidad es fundamental para que cualquier evento pueda superar dé-cadas ofreciendo cada año una programación amplia y dedicada a todos los géneros, lo que viene a ser la manera de buscar a todos los posibles ciudadanos interesados en las artes escénicas. Esto es lo que reflejamos año tras año en San Javier. Y van cuarenta y seis edi-ciones. Es una constancia, que en esta oca-sión viene aderezada por un fin de ciclo, la di-rectora de las últimas ediciones, Inmaculada García parece que cede las riendas de este magno festival.En un festival hallamos obras, espectáculos, actividades, encuentros, curso, talleres, de-bates. Junto a lo efímero del propio hecho escénico, nos queda una actividad que se encarama al núcleo central, la función, la re-presentación, pero que deja constancia de su existencia. En la mente de cada espectador queda un perfume, un gesto, un verso, una nota musical, una situación, pero si por ahí pasa el ojo de Pepe H con su cámara fotográ-fica, ese instante puede ser una eternidad.Y si esa eternidad, esa constancia, se seleccio-na, se busca de cada obra, de cada ballet, de cada ocasión lo más bello o lo más artístico y se encadena en un espacio de papel, entre letras o entre colores, entones el libro se convierte en una joya, en un documento que guarda la memoria y que inspira la imaginación, el deseo de perdurar mucho más allá que su utilidad de libro de recuerdos de las últimas ediciones de este festival internacional de San Javier.Un libro que completa la historia y la sitúa en el terreno de lo vivido, de la creación, como un complemento que lo eleva a otra dimensión estética. Un lujo.

Carlos Gil Zamora

Constancia

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¿Cuáles son las líneas básicas que te han ins-pirado para hacer la edición de este 2015?

De alguna manera durante estos años hemos intentado mantener la misma línea que tra-dicionalmente ha caracterizado al festival, esto es, un festival para todos los públicos y para “casi” todos los gustos. La programa-ción de estrenos nacionales o de obras que habiéndose estrenado no se hayan visto aún en nuestra región es también una línea ca-racterística y por otra parte el apoyo al teatro regional en numerosas ocasiones en forma de coproducción -a través de un convenio fir-mado con la asociación Murciaaescena- con-tinua siendo prioritario. También en las últi-mas ediciones hemos aumentado el número de espectáculos destinados a los más peque-ños, de hecho los niños tienen su espacio en el festival y tenemos muy presente que ellos son el público potencial del futuro. Se trata de programar un festival que consolide y atraiga a nuevos públicos, sobretodo al público joven,

en cuanto al precio de las entradas que sea asequible para todos y por supuesto mante-niendo la calidad de las propuestas. Las coproducciones siguen siendo parte fundamental de la oferta, ¿cómo seleccio-náis las propuestas?

En esta edición hemos coproducido tres obras muy distintas, por un lado cada año gracias a la firma del convenio con Murciaaescena te-nemos la posibilidad de coproducir una obra de una compañía murciana de las que están adscritas a la asociación, las obras coprodu-cidas en estos años nos han dado grandes alegrías, “Abre el ojo” de Doble K teatro Dir. Javier Mateo, “La vida resuelta” de La Ruta Dir por Juan Pedro Campoy,”La Malquerida” de Alquibla Teatro Dir por Antonio Saura y este año es el turno de “Las Criadas” (Genet) de Laboratorio Experimental Tabatha Dir por Esther Ruiz.Vamos a coproducir también la última adap-

ENTREVISTA A INMACULADA GARCÍA

“San Javier es un municipio muy potente culturalmente hablando sobre todo en la época estival”

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tación del que será premio del festival 2016, Juan Carlos Rubio, una obra basada en El abanico de Lady Windermere dirigida por Ga-briel Olivares y por último una apuesta perso-nal en apoyo al grupo local que ha realizado una profunda transformación en sus formas y que nos va a presentar un Alcalde de Zalamea diferente a lo que nos tienen acostumbrados.Sinceramente no hay un protocolo que de-termine un “criterio” de selección defini-do, las realidades y características han sido cada año muy distintas en cuanto a propues-tas y circunstancias en general, se ha dado el caso de una sola propuesta por parte de Murciaaescena –ilusionante y prometedo-ra igualmente- y también repartir la partida presupuestaria destinada a la coproducción –previo consenso- entre dos propuestas pues la elección era verdaderamente difícil y hu-biese sido injusto obviar una de ellas.

¿Qué criterios utilizas para completar la programación final que debe interesar a pú-blicos muy diversos?

Pienso que los criterios que debe tener un programador siempre van a depender del tipo

de público que asista a su teatro, he intenta-do programar siempre en función del público que asiste al festival y además intentando in-novar de algún modo buscando un poco esos nuevos públicos jóvenes que en nuestro caso casi no asistían a nuestro festival.

¿Es imprescindible hacer una programación tan ecléctica para lograr unas audiencias que lo hagan sostenible?

Está claro que nuestra programación es muy variada y en 46 años de historia, nuestro fes-tival no ha virado hasta el momento hacia programaciones más específicas, cerradas o “elitistas” -culturalmente hablando- por los motivos que sean, lo que no es sostenible es que un auditorio de 1700 butacas -con toda la infraestructura que eso supone- esté ocu-pado una o varias noches por cien espectado-res, aún más cuando se trata de un espacio escénico de titularidad municipal que depen-de en gran medida del presupuesto munici-pal y de alguna subvención. El hecho de pro-gramar nuevas propuestas más arriesgadas o con menos público potencial –que en otro tiempo tuvo cabida en el festival- confiamos

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y trabajamos para recuperarlo en cuanto sea posible.Para nuestra desgracia sí, debemos buscar la sostenibilidad siempre y aún más cuando se trata de un espacio escénico de titularidad municipal que depende en gran medida de un presupuesto municipal y de alguna sub-vención, eso hace impensable poder pensar en los tiempos que corren para la cultura en probar nuevos retos que puedan suponer poco público una noche. ¿En qué parte de la variada oferta progra-mática responde más rápidamente la ciuda-danía de San Javier?

O somos “muchos” o nos interesa “casi todo” no puedo dar una respuesta clara a esta pre-gunta. Por citar a voz de pronto tres ejem-plos como Albert Vidal, Sergio Dalma o “El Eunuco” –que poco o nada tienen en común- llenaron la sala. Tal vez aquí ocurra como en otras muchas partes en los últimos años ,el público prefiera la comedia y pasar un buen rato a ser posible riendo en un intento de olvidar la cotidianidad –lamentablemente dura para muchas personas en los últimos tiempos-. Naturalmente y por el efecto “te-levisivo” las caras conocidas también tienen su tirón entre el público, y afortunadamente también lo hay que se consuela sumergién-dose en un drama o en una tragedia. ¿Cómo explicarías la importancia de un fes-tival de verano dentro de una oferta cultural global?

Desde el punto de vista local, San Javier es un municipio muy potente culturalmente ha-blando sobre todo en la época estival por lo tanto los festivales de verano son tremenda-mente importantes dado que se trata de un municipio eminentemente turístico, no po-demos olvidar que nuestra población en este momento del año se triplica y la oferta de cultura de calidad es indispensable, no es suficiente con la playa, la gastronomía y el deporte. Desde un punto de vista algo más amplio los festivales “de verano” obviamente contribuyen a satisfacer la demanda cultural y de espectáculos en estas fechas cuando la mayoría de espacios expositivos no progra-man. Algunos de ellos, de alguna manera “temáticos”, permiten concentrar determi-nados tipos de espectáculos en un periodo de tiempo, por ejemplo jazz o teatro clásico, destinado a un público determinado y otros

–como nuestro caso- orientado a un espec-tro mucho más amplio de públicos. Y desde la perspectiva económica no podemos olvidar la importantísima repercusión económica y oportunidades de trabajo para todos los pro-fesionales involucrados en el sector de forma directa e indirecta. ¿Qué lecciones sacas de la experiencia de dirigir un festival tan importante como el de San Javier?

Nunca tendré palabras suficientes de agra-decimiento a la persona que confió en mi para dirigir durante estos cuatro años el fes-tival, Juan Martínez Pastor, el alcalde de San Javier, pero también a las personas que me han ayudado en esta dura tarea, el personal municipal de cultura, el director técnico o el jefe de prensa, para mi ha sido muy impor-tante poder contar siempre con ellos y por supuesto a la Red Nacional de Teatros, tengo que darles las gracias a todos por su apoyo, ayuda y buenos consejos siempre.Me llevo muchas cosas de esta etapa y lo mejor muchos amigos dentro de la profesión, pero he de reconocer que ha sido muy duro, la cultura sigue estando muy poco valorada y tenemos que darle la importancia que me-rece en algún momento o nos pasará factura como ya lo está haciendo. ¿Dónde sitúas los puntos a reforzar en próxi-mas ediciones para un mejor desarrollo del festival?

Han quedado algunas cosas pendientes que deberían mejorarse o cambiar, el principal problema que me encontré fue un festival de primera línea con infraestructura de segunda y en eso es en lo que hemos trabajado estos años conforme las posibilidades nos lo han ido permitiendo.El próximo director encontrará un festival más moderno y eficaz, que ha logrado una mayor penetración en el público, con un gran personal al frente y debe seguir la línea de programación para mantener al público que hemos consolidado. ¿Vas a seguir dirigiendo el Festival?

En principio cambia la corporación municipal y no seguiré, pero estoy segura de que con buen criterio se sabrá escoger a la persona que sea capaz de mantener todo lo que he-mos conseguido hasta este momento.

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Oscar Wilde a ritmo de salsa

nombre el título de la obra y que es regentado por la pareja formada por Arturo y Margarita.La obra que dirige Gabriel Olivares tiene como epicentro una calurosa noche en el mencionado club de salsa, en el que las verdades y las mentiras de sus protagonistas se irán conocien-do, poco a poco, al son de algunos de los temas más conocidos del ritmo latino. Con Windermere Club el dramaturgo Juan Carlos Rubio y el director Gabriel Olivares vuelven a colaborar junto con EIN Pro-ducciones para “unir entretenimiento con textos de indudable calidad donde el espectador, además de risas, pueda llevarse a casa una hilarante radiografía de este loco mundo en el que nos ha tocado vivir”, afirman para añadir además que “contar en esta ocasión con la brillantez de Oscar Wilde como base para el espectáculo es toda una garantía para el éxito. Y si le añadimos el irresistible ritmo de la música de salsa ¿quién de-jará de caer en la tentación?”.En definitiva, Club Windemere es un espectáculo fresco que puede ser definido con dos célebres frases: “En este mundo hay dos tragedias. Una, no conseguir lo que deseas. La otra, conseguirlo. Esta última es la peor” tal y como afirman los im-pulsores de la misma o también con una conocida frase del gran escritor irlandés: “No hay nada mejor que el amor de una mujer casada. Es una cosa de la que ningún marido tiene la menor idea”. Estás son las ideas, ahora queda que el público disfrute con la puesta en escena que subirá a los escenarios, por vez primera en el Festival de Teatro de San Javier.

El Festival de Teatro, Música y Danza de San Javier presenta, en coproducción con Ein Producciones Club Windermere, obra escrita por Juan Carlos Rubio y basada en uno de los textos más celebrados de Oscar Wilde ‘El abanico de Lady Windermere’ . Estrenada en Londres en 1892, la obra de Wilde gira en torno al miedo a la difama-ción, sobre la importancia que de la imagen de cada cual tiene su entorno, una realidad que más de un siglo después sigue preocu-pando. Y es que aunque la obra de Wilde se sitúa en la puritana sociedad de la época victoriana, hoy día esa preocupación sigue teniendo gran relevancia. No hay más que ver la audiencia de ciertos programas de la televisión... En la actualidad las relacio-nes personales, el sexo etc son mucho más flexibles pero... todo esto no significa que la humanidad haya superado la sensación de vergüenza y la necesidad de aprobación de sus semejantes y este es precisamente el tema central de este espectáculo.El segundo gran tema de Club Windermere es el baile, y es que la trama de esta obra se si-túa en un club de salsa, un lugar de encuentro para los amantes de este género que le va por

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El Grupo de Teatro San Javier lleva a escena, en coproducción con el propio festival una de las obras más conocidas y representadas de Calderón de la Barca, El alcalde de Zalamea que es a su vez una de las obras más impor-tantes de la literatura barroca española. El amor, la justicia y el honor son los tres pi-lares sobre los que se fundamenta esta obra en la que el honor cobra una fuerza trágica y es que el concepto del honor era de vital importancia en la época que se escribió este obra, en torno a 1640. Basada según escri-bía el propio Calderón en hechos reales, esta obra teatral pone sobre las tablas el horrible drama que se vivió en Zalamea de la Serena al pasar las tropas por la localidad extreme-ña con motivo de la guerra con Portugal. Un capitán, Álvar de Ataide es alojado en la casa de un rico labrador, Pedro Crespo cuya hija es secuestrada y ultrajada por el capitán. A partir de este horrible hecho el padre debe restablecer el honor matando al capitán pero pone a Pedro ”en un callejón sin salida, ya que desde la perspectiva de la sociedad el

crimen es lógico, pero desde la perspectiva íntima del prota-gonista el crimen es monstruoso”. A partir de esta idea en la adaptación que pone en escena el Grupo de Teatro San Javier, escrita y dirigida por José Antonio Navas, “la mujer toma un papel relevante en la resolución de la trama. El conflicto de poder entre ejército-pueblo, hombre-mujer, la justicia universal, toma una perspectiva actual y atemporal” afirman sus miembros para añadir que “Calderón de la Barca es un hombre de su tiempo que escribe para el nuestro”.Una veintena de actrices y actores darán vida a los personajes de esta obra “personajes profundos y sinceros que hace que el espectador tenga una extraordinaria sensación de reali-dad” que el día del estreno contará con Curro Piñana (cante, percusión y palmas) como artista invitado.Desde que comenzara su andadura en 1989 bajo la dirección de Leonor Benítez Sepúlveda, el Grupo de Teatro San Javier ha presentado todos los años un nuevo espectáculo en el marco del festival obras de autores clásicos y contemporáneos. Los dos últimos espectáculos han sido ‘Locas de amor’ de Palo-ma Pedrero en 2014 y ‘Los Pelópidas’ en 2013, año en el que el grupo celebró su veinticinco aniversario con una exposición de una colección de trajes confeccionados por el propio grupo en el Museo de San Javier y coincidiendo con el festival.

Nueva visión de un clásico del barroco español

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zLas clases sociales frente a frente

libertad por falta de pruebas con lo que la tradición de ambas mujeres será descubierta... y deben tomar medidas con rela-ción a su señora, una dama de la alta burguesía francesa... y la decisión no es otra que asesinarla. Pero fracasan en su intento y esto conlleva a problemas entre ellas, que llegarán incluso a querer matarse mutuamente, a un suicidio y a un delirio de su-puesta gloria en la que una de ellas llegará incluso a creerse la propia señora ante el oscuro futuro que le depara el destino.“Esta obra nos coloca ante un juego de imitación entre las distintas clases sociales, porque cada hombre, cada mujer, cada clase social tiende a reconocerse en el texto” explican los miembros de Laboratorio Tábatha. La obra es “un juego de espejos con el que Genet describe la superficial relación entre criadas y señora, una relación paternalista y ficticia, enfrentada con la realidad que discurre bajo esa mascarada, todo esto sin que la señora llegue a sospechar lo apartada que puede en-contrarse de esa realidad” afirman desde la compañía.Las criadas de Jean Genet fue estrenada en París en 1947 y a pesar de que fue repudiada por la crítica y el público de la época, está considerada como uno de los textos básicos de la literatura dramática del siglo XX. Genet, galardonado en 1984 con el Premio Nacional de Literatura de la Academia Francesa, es autor de obras teatrales como ‘Severa vigilancia’, ‘El bal-cón’, o ‘Los negros’.

La genial obra Las criadas del también genial Jean Genet es la propuesta que Laboratorio Tábatha presenta en copro-ducción con el Festival de Teatro Música y Danza de San Ja-vier, la tercera y última obra coproducida por el festival este año y que Laboratorio Tábatha define como “una de las más fascinantes de la dramaturgia contemporánea”. Esther Ruiz es la encargada de la adaptación y de la direc-ción escénica de esta propuesta interpretada por Zaida Bra-vo, Laura Miralles y Eva Mataix que se acompaña en escena por la banda sonora original de Arantxa Ferre y Ana Belda. La obra de Genet presenta un mundo dividido por las clases sociales división que continúa siendo de absoluta actualidad, característica que hace de esta obra una propuesta atempo-ral y contemporánea al mismo tiempo. Dos sirvientas son las protagonistas de este espectáculo, dos mujeres que odian y aman a su señora, lo que les ha llevado a denunciar al amante de esta a través de cartas anónimas. Pero el acusado va a ser puesto en

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Juicio y condena a la sabiduría

El propio Pou se encarga de dar vida a Sócrates que sobre el escenario estará acompañado por los intérpretes Carles Canut, Amparo Pamplona, Borja Espinosa, Guillem Motos, Pep Molina y Ramón Pujol que darán vida al resto de personajes. Sócrates. Juicio y muerte de un ciudadano narra la última par-te de la vida de este filósofo que fue juzgado y condenado por sus conciudadanos por un doble motivo: haber denunciado la corrupción en Atenas y advertir sobre el papel supersticioso y manipulador de la religión oficial. Estas denuncias le llevaron a ser acusado de despreciar a los dioses y de corromper a la juventud y condenado por ambos hechos a ingerir una copa de cicuta. Ante su inminente muerte, sus discípulos le animaron a huir pero el se negó “y su muerte acabó convertida en una de las más famosas de la historia” aclara el autor y director de la obra, Mario Gas. La escenografía de este espectáculo ha sido realizada por Paco Azorín mientras que la iluminación es de Txema Orriols, el ves-tuario de Antonio Belart y el espacio sonoro lo firma Àex Polls. Sócrates. Juicio y muerte de un ciudadano llega a San Javier inmediatamente de ser estrenada en el Festival de Mérida y el Grec de Barcelona.

Sócrates. Juicio y muerte de un ciudadano es una obra escrita por Mario Gas y Alberto Iglesias y dirigida por el propio Gas que ha sido coproducida por el Teatre Romea, el Festival de Teatro Clásico de Mérida y el Grec 2015 Festival de Barcelona y con la colaboración del Teatre Auditori de Sant Cugat.Esta propuesta, interpretada por un reparto de actrices y actores encabezado por José María Pou pone sobre las tablas el juicio a un filósofo ateniense condenado a muerte por denunciar la corrupción y la superstición. El juzgado es Sócrates, uno de los grandes pensadores de la antigua Atenas, maestro de Platón y consi-derado padre del pensamiento occidental. De Sócrates es la célebre frase “sólo sé que no sé nada”, la irónica expresión con la que recono-cemos nuestra ignorancia, y es que este gran filósofo y sabio no quiso escribir sus pensa-mientos porque consideraba que todo el mun-do debía desarrollar los suyos.

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Recorriendo la obra de Santa Teresa

curiosamente, colgada en su cinto una concha del camino de Santiago. ¿Cómo es posible? Como hoy suele decirse, al am-bientador histórico que asesoró a este cantero “se le fue, sin duda, la pinza” ¿a dónde iba realmente el peregrino a Emaús o a Santiago de Compostela? Con este pequeño, “subversivo” detalle se abre una brecha en el tiempo y se muestra una luminosa sugerencia: un guiño que nos advierte que aquello que “fue” está “siendo” ahora”. Y es que tal y como señala Rafael Álvarez, la vida de Santa Teresa se asemeja o podría ser la aventura que se desarrolla en la conciencia de cualquier hombre o mujer de siglo XXI. “Y estas cosas ocurren” indica El Brujo, “como en el caso del peregrino por el efecto sencillo de un “gag”. Un desliz. El hu-mor como técnica expresiva al servicio de algo escondido en la forma. Un signo”. Con todo esto, El Brujo quiere hacer hincapié en que todos tenemos derecho a la mística y asemeja la vida moderna con la de los grandes místicos de la antigüedad y es que en sus palabras “ellos trascienden la naturaleza y a nosotros la vida moderna nos priva de ella” para concluir que “la predilección de los místicos por las metáforas amorosas no es casual. He ahí la llave maestra: un abrazo entre Semana Teresa y el pú-blico del S. XXI. Esta es mi propuesta para este recital-espec-táculo. El abrazo es un gesto que provee la energía ancestral del teatro” . Toda una declaración de intenciones que invita a disfrutar de este particular espectáculo.

Rafael Álvarez ‘El Brujo’ presenta Teresa o el sol por dentro, espectáculo unipersonal basado en la vida y obra de Santa Teresa de Jesús, un recital con las composiciones poé-ticas más significativas de esta mujer acom-pañadas por las notas de un único instru-mento, un violín que “predispone y desbroza el camino” ya que “la poesía hace el resto” afirma El Brujo. Pero además de todo esto, el espectáculo también habla de la vida de San-ta Teresa de Jesús, que “pasada por el tamiz de la juglaría” El Brujo va desgranando a tra-vés de “episodios escondidos de la biografía” que teatraliza y los intercala con los poemas, todo ello “con la inestimable ayuda del Es-píritu Santo, es decir, el humor, que como corriente eléctrica vivifica, despoja, limpia y puesto en su sitio, conduce hacía otros pro-pósitos” explica El Brujo. Para explicar el sentido de Teresa o el sol por dentro, su autor, director e intérprete hace uso de un ejemplo que explica el propósito de este espectáculo. “Hay en el claustro del Mo-nasterio de Silos un relieve en la piedra que muestra al peregrino de Emaús caminando junto a los apóstoles, pero el peregrino lleva,

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Vodevil con aroma francés

esta versión que dirige Gabriel Olivares tiene por protagonista a tres cuarentones e “incide en el aspecto más chispeante y juguetón de la obra teatral, en su esencia de vodevil, centrán-dose en una generación más dinámica, determinante en este momento social y político, aportando energía y vitalidad a la “mirada generacional” que subyace bajo el texto”. Nuestras mujeres en una obra en la que se subvierten las convicciones y creencias más íntimas y se va desenmasca-rando la falsa imagen que todos albergamos, pero con una sonrisa en la boca en todo momento ya que tal y como apun-tan desde Pentación “aquí la reflexión profunda se presenta de manera leve, sutil, casi irónica, en la más pura tradición del vodevil francés”. Y es que esta obra presenta la reacción de unos personajes que frente al “todo vale con tal de sal-varse” se mueven en un delicado equilibrio que va desde el cinismo a la falsa tolerancia, la comprensión sincera e inclu-so la venganza personal. Pero además de todo esto, la obra de Assous –galardonado con el Gran Premio del Teatro de la Academia Francesa por el conjunto de su obra dramática en 2014– sugiere un polémico pero necesario debate: “la posibi-lidad de que el machismo y la permisividad ante el maltrato a las mujeres no hayan desaparecido entre los individuos privi-legiados y cultos, las élites, ni siquiera en una de las regiones más civilizadas del mundo: Europa”.

Tres viejos amigos han quedado para jugar a su partida de cartas habitual pero uno de ellos se retrasa inexplicablemente aunque parece te-ner una buena razón: ha asesinado a su mujer. Así comienza Nuestras mujeres, traducción del original ‘Nous femmes’ del dramaturgo francés Eric Assous. Esta obra, tiene como ob-jetivo cuestionar la moralidad, las convicciones íntimas y la ética personal y para ello Assous propone una obra en la que tres personajes masculinos combaten contra tres mujeres –que nunca aparecen en escena– y discuten sobre lo que supone ser hombre hoy en día.Sobre el escenario tres amigos Paul, Max y Si-mon –interpretados por Gabino Diego, Antonio Garrido y Antonio Hortelano respectivamente– reflexionarán sobre el valor de la amistad, el compromiso ante el deber, la idea de justicia y sobre todo, la lucha entre lo correcto y lo inco-rrecto una serie de profundas cuestiones que les asaltan en el momento en el que uno de ellos comete un asesinato. ¿Deben delatarlo?, ¿Salvarlo? Aunque en la obra original los pro-tagonistas son hombres entrados ya en años,

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Inédito Lope de Vegauna solución al conflicto que deparará en un final feliz para las dos parejas protagonistas. El reparto de este espectáculo está compuesto por Lucía Quintana, Alejandra Mayo, Javier Colla-do, Julio Hidalgo, Pablo Vázquez, José Ramón Iglesias, Jesús Fuente, Mario Vedoya, Jorge Gurpegui, Emilio Buale y Jesús Teyssiere.Alejandro García Reidy es el responsable del hallazgo de esta obra inédita de Lope de Vega. Y es que “el único testimonio que se conserva de esta obra es un manuscrito copiado en 1631 por el director de la compañía teatral que estrenó la come-dia” explica García Reidy para añadir que “la ausencia de cual-quier indicación de su autoría hizo que pasara desapercibida (...)solamente al cruzar información proveniente de diferentes docuementos del siglo XVII (...) y analizar el texto manuscrito siguiendo criterios científicos me fue posible determinar su autoría”. Según García Reidy, Mujeres y Criados “se inserta sin dificultad en la etapa de esplendor del dramaturgo madrileño” y añade además que esta obra “tiene un poco de todo: su enre-do, sus triángulos amorosos, sus diálogos agudos, sus criados graciosos, su ritmo ágil...” Además en esta obra destaca el he-cho que son las hermanas protagonistas, Luciana y Violante, quienes llevan la voz cantante y es que tal y como afirma García Reidy “la defensa de la libertd del deseo femenino (...) es con diferencia uno de los aspectos más memorables que uno lleva consigo tras el final de la obra”.

Fundación Siglo de Oro, Teatro Español y Pen-tación ponen en escena Mujeres y Criados, una comedia urbana inédita de Lope de Vega escrita en la época de su mayor esplendor –los años en los que escribe ‘El perro del hortelano’ o ‘De cuando acá nos vino’–, en la que ofrece un juego de engaños donde se alteran las per-cepciones más tradicionales del honor. Este espectáculo, basado en la adaptación realizada por Alejandro García Reidy, Rodrigo Arribas y Jesús Fuente que dirigen Lurence Boswell y el propio Rodrigo Arribas, se localiza en Madrid y pone sobre el escenario la historia de dos hermanas y sus galanes, camarero y secretario de un conde. El amor de ambas pa-rejas es secreto hasta que el propio conde y un rico seños galantean con las hermanas y con el beneplácito de su padre. Esta situación dará lugar a un juego de enredos urdidos por am-bas hermanas para poder continuar con sus respectivos amados. Pero las situaciones de enredo, escenas de gran comicidad en muchos momentos, irán en aumento hasta llegar a un límite en el que se desvelará toda la verdad pero entre todos los personajes encontrarán

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Un mago de Oz murciano

El detective más famoso del mundo

con música en directo a cago de cuatro músicos.Destaca también de la puesta en escena de El mago de Oz la escenografía creada por los veteranos dibujantes Juan Álvarez y Jorge Gómez que han creado un espacio en el que a través de los dibujos el público recorre junto a Dorita el camino de bal-dosas amarillas que emocionará a los mayores al recordar su infancia y hará disfrutar a lo grande a los más pequeños... Sin olvidar los guiños al público que se irán intercalando a lo largo de todo el espectáculo. Un musical para disfrutar reviviendo en el caso de los mayores y descubriendo los más pequeños un entrañable mundo mágico lleno de ilusión.

Una antigua pintura, de la Condesa de Nata pierde sus co-lores de la noche a la mañana. Sherlock y Watson acuden al lugar de los hechos y tras analizar todas las pistas... no tardarán en descubrir que con la ayuda de unas misterio-sas gafas, pueden atravesar el lienzo y entrar en el paisaje que hasta ese momento, habían visto pintado en el cuadro. Dentro del cuadro todo será mágico... y la aventura no habrá hecho más que empezar. José Tomás Chàfer es el director de Sherlock Holmes y el cuadro mágico, musical escrito por Josep Mollà a partir de la idea original del propio Càfer y Víctor Lucas con música original de Francis. J producido por Trencadís Produccions e iDEA123.A través de las imágenes proyectadas se recrearán las ca-lles de Londres, los fantásticos paisajes del cuadro etc. y gracias al efecto 3D público descubrirá el poder de las gafas junto a Sherlock y Watson. A todo esto deben añadirse tur-bina de olores cañones d serpentina, cañón de CO2 y niebla artificial... tecnología a raudales que junto con una historia mágica y llena de misterio a ritmo de canciones creadas para la ocasión hacen que este espectáculo se convierta en una fiesta para todos los públicos.

César Oliva Bernal dirige la versión en forma-to musical de El mago de Oz que ha realizado Fulgencio L Max a partir del cuento de Lyman Frank Baum que se hizo mundialmente cono-cido a través de la película que dirigió Victor Fleming en 1939.¿Quién no conoce a Dorita?, ¿y a sus fieles compañeros de viaje? El espantapájaros sin cerebro, el Hombre de hojalata que desea un corazón para volver a poderse enamorar y el León cobarde... también son indispensables la Bruja Buena y el Mago, o la Bruja Mala... Todos ellos son los protagonistas de este espectáculo que sube a los escenarios en una producción 100% murciana a cargo de Nacho Vilar Pro-ducciones, Actividades Culturales Riga y Tea-tro Circo Murcia. Los diez intérpretes en escena dan vida a todos los personajes de esta bella historia que será acompañada por las canciones que popularizó la película de Fleming que serán interpretadas

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Vuelo de puntas con Giselle

Petersburgo como Nadezhda Schepaciova, Radamaria Dumi-nika, Konstantin Kuznetsov, Anatoliy Kazatskiy, Bogdan Cha-banyuk, Mariana Rusu, Cristina Tipirig, Mariya Ryazantseva e Irina Lapteva. El Ballet Clásico de St. Petersburgo es la compañía funda-da por el solista principal de Mariinskiy Ballet Andrey Batalov –Director Artístico y Coreógrafo– y por Andrey Scharaev –Di-rector General–. Además de Giselle, en su repertorio incluye versiones clásicas de los ballets ‘El Lago de los Cisnes’, ‘Don Quijote’, ‘El Cascanueces’, ‘Chopiniana’ junto a coreografías contemporáneas creadas por Alexey Miroshnichenko, o Emil Faski entre otros.En lo que a su director artístico se refiere, Batalov ha baila-do con las mejores bailarinas del Mariinskiy Ballet, ha sido galardonado con importantes premios como las Medallas de Oro en Nagoya (Japón 1996), París (1996), Segundo premio en el concurso “Nuriev” en Budapest (1996), Primer Premio y Premio Mikhail Baryshnikoven “Arabesk-1996”, Gran Prix en Moscú (1997). Como coreógrafo y director, Batalov sigue las mejores tradiciones del clásico cuidando al máximo las co-reografías de M. Petipa, L. Ivanov, A. Gorskiy, M. Fokine, etc.

Uno de los grandes clásicos del ballet univer-sal, Giselle, sube a los escenarios de la mano del Ballet Clásico de St. Petersburgo en una versión del coreógrafo y director artístico de la compañía rusa, Andrey Batalov. La versión de Batalov sobre la universal obra, ballet en dos actos con música de Adolphe Adam y coreo-grafía de Jules Perrot y Jean Coralli pone en escena la conocida tragedia de la joven campe-sina Giselle que muere por el engaño causado por su amado que en el segundo acto da paso a una locura de ballet de las willis –espectros de novias muertas antes de sus bodas– a la luz de la luna. Estos seres bailan con pasión y ra-pidez cuando salen de sus tumbas e intentarán matar al joven enamorado de Giselle que al no poder olvidarla acude a su tumba... pero el amor que la joven le profesa le protege de la furia de las willis y le salva la vida. Este gran espectáculo cuenta con un elenco en el que destacan las estrellas del Ballet de St

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Recital de primer nivel

Abren la puerta a nuevos temas

Concurso Internacional de piano “Pietro Montani”, segundo premio en el concurso internacional “Sergej Rachmaninov”, primer premio en el concurso internacional “Franz Liszt” y se-gundo premio en el concurso internacional “Johannes Brahms” para música de cámara en Portschach (Austria). Además Ni-colini ha colaborado con grandes intumentistas e intérpretes, cuenta con numerosas grabaciones discográficas y es docente en el Conservatorio de Trento.

Ana Belén y Víctor Manuel vuelven a los escenarios siete años después de su última gira y es que la pareja acaba de gra-bar un nuevo disco titulado ‘Canciones regaladas’, con doce canciones escritas por autores de la talla de Rubén Blades, Carlos Berlanga, Chico Buarque, Leonard Cohen, José Alfre-do Jiménez, Astor Piazzolla, Billy Joel o José Afonso. Treinta años después de la grabación de su último disco la veterana y conocida pareja comienza una gira en la que además de las doce nuevas composiciones incluidas en su nuevo trabajo in-terpretarán algunas tan conocidas como ‘La Puerta de Alcalá’ o ‘España camisa blanca de mi esperanza’. Tampoco faltarán en el concierto otras composiciones inolvidables como ‘Con-tamíname’, ‘El hombre del piano’, ‘Ahora’, ‘Rayo de sol’, ‘Lía’ o ‘No se porque te quiero’ junto a otras que probablemente el público entonará junto a los dos intérpretes: ‘Derroche’, ‘Peces de ciudad’, ‘A la sombra de un león’... sin olvidarnos de ‘Solo pienso en tí’, ‘Ay amor’, ‘Nada sabe tan dulce como su boca’ o la inolvidable ‘Sólo le pido a Dios’. Un concierto que hará vibrar no solo a su público más fiel sino a todas aquellas personas que tengan la oportunidad de acercarse hasta el festival.

La soprano Ainhoa Arteta acompañada al pia-no por el italiano Marino Nicolini ofrece un apa-sionado recorrido musical interpretando obras de Pergolesi, Scarlatti, Puccini, Albéniz, García Abril, Granados y Sorozabal. Nicolini por su parte interpretará solos de piano de Pespighi, Catalani o Verdi entre otros.La reconocida soprano vasca llega a San Javier tras los éxitos obtenidos con ‘Tosca’ en Brasil y Alice Ford de ‘Falstaff’ en el Covent Garden. En-tre los próximos compromisos de Arteta se in-cluyen Il Trovatore, Tosca, Adriana Lecouvreur, Eugene Onegin, Le Nozze de Figaro, I due Fos-cari, Andrea Chenier, Manon Lescaut y Thaïs en los más importantes teatros del mundo.Marino Nicolini por su parte ha sido galardona-do en más de veinte concursos internacionaes entre los que destacan el primer premio en el

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©La petite chambre

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Atalaya presenta el montaje Marat/Sade del alemán Peter Weiss, una coproducción con el Festival GREC de Barcelona que tras pasar por

los Clásicos de Alcalá se podrá ver del 17 al 19 de julio en el Teatre Lliure de Gràcia. La compañía tiene prevista una extensa gira con el espectáculo en 2016, coincidiendo con el centenario de la muerte de su au-tor. Este espectáculo es la séptima creación de Atalaya sobre dramaturgias alemanas del siglo XX en los últimos 25 años; Heiner

Müller en tres ocasiones, Brecht en dos y Hugo Von Hoffmansthal han sido los ante-riores autores llevados a escena.

Ricardo Iniesta es el autor de la direc-ción, adaptación y dramaturgia de esta ver-sión de Marat/Sade. El jienense reconoce que quizás este montaje haya supuesto la escenificación más compleja de la veintena que ha llevado a cabo con el grupo, dada la confluencia de lenguajes y la fragmentaria construcción de la obra.

‘Persecución y asesinato de Jean-Paul

Marat’, conocida como Marat/Sade, es una obra teatral de 1963, representada por el grupo teatral de la casa de salud mental de Charenton bajo la dirección del Marqués de Sade. Incorporando elementos dramáticos procedentes de Artaud y Bertolt Brecht, supone una representación sangrienta del sufrimiento del hombre que plantea la duda de si la verdadera revolución se produce cambiando la sociedad o cambiándose a uno mismo. El estreno en castellano de la obra se realizó en 1966 en Chile, participando como

AtAlAyA y tNt estreNAN MArAt/sAde y restos/FedrA

Música y coreografía definen los estrenos de Atalaya-TNT

Marat/Sade de Atalaya ©Félix Vázquez

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ayudante de dirección Víctor Jara.La obra se desarrolla en tres tiempos:

1793, año en que fue asesinado Marat, que es la época en que sitúan la acción los internos del hospital; 1808, el momento en el que acontece la representación en Charenton, y la época actual en que los actores reales la llevan a cabo. La versión de Atalaya aúna la épica brechtiana y el teatro de la crueldad artaudiano. Inter-pretada por nueve actores, en el montaje cobra especial importancia el carácter musi-cal, con más de veinte temas interpretados en directo. Je-rónimo Arenal, Manuel Asen-sio, Joaquín Galán, Carmen Gallardo, Silvia Garzón, Lidia Mauduit, María Sanz, Raúl Sirio y Raúl Vera son los in-térpretes de la pieza, quie-nes participan también en la creación de la coreogra-fía, junto con Juana Casado. Carmen Giles es la autora del vestuario, función que ha realizado desde hace treinta años para todos los montajes compañía. La composición y la dirección musical son de Luis Navarro, que cumple diez años como compositor musical de los espectáculos de Atalaya. Pepe Távora es el creador de la esceno-grafía de Marat/Sade, montaje que supone el 21º espectáculo de la compañía.

Restos/fedRa

El TNT, Centro Internacional de Investi-gación Teatral tiene previsto el estreno del espectáculo Restos/Fedra del autor Raúl Hernández Garrido. Juana Casado dirige esta obra que se llevará a escena del 16 al 18 de julio en el Teatro Romano de Málaga. A continuación, ofrecerá sus funciones en el teatro romano de Itálica del 30 de julio al 2 de agosto.

El texto de Raúl Hernández, escrito en 1997, renueva los procedimientos forma-les de la tragedia griega, mientras que su

temática acude al legado mitológico clásico. La pieza reduce los personajes del relato clásico a sus protagonistas, Fedra e Hipó-lito. La protagonista es interpretada por la actriz Marga Reyes, una de las actrices em-blemáticas de Atalaya, que ha encarnado entre otros personajes a las protagonistas de las tragedias de ‘Ariadna’ y ‘Medea’, así como el personaje de Clitemnestra en ‘Ele-ktra’, que componen la Trilogía de Heroínas

de la Tragedia Griega llevada a escena por la compañía. La intérprete forma parte del equipo pedagógico del Laboratorio de TNT, como responsable del Área de voz y canto.

En cuanto al personaje de Hipólito, David Montero es el actor que se encargará de su interpretación. Montero ha participado en cuatro montajes de la compañía, desde que se iniciara en 1998 en el Laboratorio de TNT. El personaje de Teseo se vive como ausente y el resto es incorporado por el coro, formado por Ángela G. Olivenza, Pa-qui Duque, Elisa Villalba, Elena Rebenaque y Sara Calvo, todas ellas actrices provenien-tes del XVIII laboratorio de TNT.

Para la dirección, la compañía ha conta-do con Juana Casado, quien ha realizado también la coreografía de la pieza. “Los elementos coreográficos forman parte de la propuesta escénica de la obra, el movi-miento actoral y el trabajo de cuerpo son

importantísimos dentro del lenguaje y estilo por el que apostamos. El carácter artístico de la obra se define por la apuesta expre-siva de los personajes a través del trabajo de acción física. La danza tiene un papel importante, así como el ejercicio coreográ-fico de movimiento de grupo e individual, fundamental para el equilibrio en el espacio escénico”, afirman desde la compañía.

Restos/Fedra supone el 16º espectáculo producido por TNT y el quinto llevado a escena por Juana Casado para TNT-Andanzas. Es la segunda ocasión que Casado dirige a los dos pro-tagonistas (Marga Reyes y David Montero), tras hacerlo en ‘La dama de las camelias’, montaje estrenado en el Tea-tro Lope de Vega de Sevilla. Juana Casado cuenta con el Premio del Certamen Nacional de Directoras de Escena, que recibió en el año 2006 por su trabajo en ‘Medea’.

Desde TNT explican que “el lenguaje que definirá el estilo de la obra es la poética y el simbolismo. Fusionar el texto y

el movimiento es una de las inquietudes que se persevera en la propuesta escénica. Nos alejamos del estilo naturalista y apostamos por la metáfora para unificar texto, cuerpo, voz, mediante la conformación del espacio, la estética, las atmósferas, la iluminación, y espacio sonoro. La propuesta escénica parte del concepto de intemporalidad pero dirigido a un público actual” .

Completando el equipo artístico estará Luis Navarro, habitual compositor de la banda sonora de los espectáculos de Atala-ya. En cuanto a la configuración del espacio sonoro y la grabación, el trabajo ha sido realizado por Emilio Morales. El diseño de luces cuenta con la autoría de Dominique You, diseñador y director técnico de la Com-pañía Gades. Carmen Giles (una vez más encargada del vestuario) y Manolo Cortés (caracterización) también han participado en la realización del espectáculo.

Restos/Fedra de TNT ©Félix Vázquez

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m i s c e l á n e a

Morfeo Teatro prepara el estreno de una cruel sátira basada en una selección de varias obras de Cervan-tes, teniendo como pieza principal El Retablo de las Maravillas. La compañía cuenta con el actor Manuel de Blas para protagonizar la obra, y ha invitado tam-

bién a Paco Plaza a colaborar en la dirección de la mis-ma. El elenco se completa con Francisco Negro, Mayte Bona, Felipe Santiago, Adolfo Pastor, Santiago Nogués y Mamen Godoy. El estreno está previsto para enero de 2016 en el Teatro Principal de Burgos.

Yerma

E l Retablo de las...

La Celestina

Pata Teatro presenta el estreno de la tragicome-dia clásica de Fernando de Rojas, con un elenco for-mado por 8 actores. Las funciones se podrán ver dentro de la 4ª edición del Ciclo Clásicos en Verano, que se celebra en el Patio

de Arcos del IES Vicente Espinel (Gaona, Málaga). Las representaciones del montaje dirigido por Josemi Ro-dríguez se realizarán del 1 de julio al 8 de agosto, dentro de este ciclo que surge a iniciativa de la propia compañía y de su interés por representar comedias de Teatro Clásico en espacios emblemáticos del patrimo-nio cultural de su ciudad.

La compañía Teatro del Norte celebra sus 30 años con un una revisión de un montaje que realizaron hace 25 años, volviendo a construir un lectura con-temporánea del texto de Federico García Lorca. “El ansia de vida de Yerma frente a la imposibilidad de

la vida de las personas que la rodean, el eterno con-flicto entre la realidad y el deseo. ¿Puede haber tema más actual y a la vez más eterno?”, expresa Etelvino Vázquez, autor de la dramaturgia y la dirección de la pieza. El estreno de Yerma será el 10 de julio, en la Muestra de Teatro de Pola de Siero (Asturias).

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Los días 3, 4 y 5 de julio Factoria Madre Constriktor pone punto y final a la gira de El Intérprete en el Teatro Victoria Eugenia de Donostia,

última cita para poder disfrutar con el viaje musical protagonizado por Asier Etxeandia con canciones de artistas como Kurt Weill, Héctor Lavoe, Lucho Gatica, Chavela Var-gas, La Lupe, Gardel, Talking Heads, David Bowie, Rolling Stones… la última oportu-nidad para conocer este espectáculo que desde su estreno en marzo de 2013 ha cosechado gran éxito de crítica y público.

La música tiene también un importante protagonismo en The Hole 2, segunda par-te del espectáculo del mismo nombre que se presenta con novedades pero dando continuidad a su esencia, la mezcla de circo, revista, burlesque, teatro, sensualidad, mú-sica, humor y... un ambiente canalla capita-neado por la vuelta al agujero del Maestro de Ceremonias. La cita, en el Teatro Victoria

Eugenia del 15 al 19 de julio.El mismo escenario acoge también el

humor en forma de monólogo con dos pro-puestas similares pero diferentes: 15 años no es nada de Carlos Latre del 9 al 12 de julio) y Evoluzión de Goyo Jiménez en agos-to, del 7 al 9.

sobRe todo, comedia

En la temporada estival. la comedia es el género que copa gran parte de la oferta escénica donostiarra. Belinda Washinton y Miriam Díaz Aroca dan vida a dos amigas aburridas de sus matrimonios en Insatisfe-chas (30 de julio 2 de agosto) Están hartas de sus vidas, han decidido hacer un viaje ellas solas decisión que puede cambiar ra-dicalmente sus vidas. También en el Antzoki Zaharra, las mujeres son las protagonistas pero sin estar presentes en escena. Y es que Nuestras mujeres (5-9 de agosto) del

autor francés Eric Assous Gabino Diego, An-tonio Garrido y Antonio Hortelano son tres viejos amigos que han quedado para jugar a su partida de cartas habitual aunque uno de ellos llega tarde porque... ha asesinado a su mujer.

La actriz María Castro protagoniza La no-via de papá (18-23 de agosto) una adap-tación de la novela de Paloma Bravo, una historia divertida y gamberra “donde se dicen las cosas que a menudo pensamos y no nos atrevemos a decir” mientras que La vida resuelta retrata a la generación de los treinta y tantos en el recorrido que sus pro-tagonistas realizan desde su infancia hasta llegar a lo que hoy son (26-30 de agosto).

El Teatro Principal o Antzoki Zaharra tam-bién acoge dos comedias en euskera, 100 metro karratu (9-12 de julio) versión en euskera de la conocida obra de Juan Carlos Rubio ‘100 m2’ que interpretan tres cono-cidos de la escena vasca, Iñake Irastorza,

Música, comedia y humor en los escenarios donostiarras

El Intéprete de Asier Etxeandia se despide de los escenarios en Donostia

El Intérprete de Factoria Madre Constriktor

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Ana Elordi y Ramon Agirre y Da-torren urtean hobea (13-16 de agosto) trozos de vida, monólo-gos, pensamientos y crónicas de nuestra realidad cotidiana.

VictoRia eugenia

En euskera son también las dos obras que se podrán ver en la Sala Club del Teatro Victoria Eugenia Zer duzu Amy? de Leire Ucha del 3 al 6 de julio y el es-pectáculo de clown Amets zirkoa salgai del 17 al 22 de agosto. En la sala grande del teatro por su parte la oferta es múltiple y muy variada durante el mes de agosto y en la que también destaca la comedia. El ministro (5-9) es un vodevil protagonizado por Carlos Sobera que da vida a un ministro de economía que trata de ligar con una joven... Verónica Forqué por su parte encabeza el reparto de Buena gente una obra que narra las historias de los hombres y las mujeres de un barrio, de su día a día, sus vicisitudes, ralaciones etc. y con un registro diferente los días 17 y 18 se presenta Lolita Flores que traslada al público a la Barcelona de posguerra dando vida a la protagonista de La plaza del diamante en una adaptación realizada por Juan Ollé de la novela de Mercè Rodoreda.

clásicos y humoR

Una versión contemporánea de un clá-sico, El eunuco (19-23) de Terencio una

adaptación libre cargada de humor prota-gonizada por Pepón Nieto, Anabel Alonso y Alejo Sauras dará paso a otro clásico, una adaptación realizada por Francisco Negro sobre El buscón de Francisco de Quevedo que pone en escena Morfeo Tea-tro Clásico. El propio Negro protagoniza esta obra junto a Mayte Bona, espectáculo que la compañía ha vuelto a re-estrenar en marzo de 2015, diez años después de su estreno en el Festival de Almagro. Esta obra, con la que Morfeo realizó más de 200 representaciones, reduce a lo fundamental la trama novelesca y saca con gran habilidad los mejores recursos

del lenguaje y del humor de Quevedo convir tiéndolo en un “gozoso espectáculo de la me-jor escuela del teatro clásico del Siglo de Oro”. La cita del 26 al 30 de agosto a las ocho de la tarde ya que los mismos días pero a las diez y media de la noche Santiago Nogués y Adolfo Pastor ofrecerán Gili-pollas sin fronteras, “un show que también es terapia, entre carcajadas que también son vacuna para cualquiera que sufra la triste enfermedad de tomarse la vida en serio”.

También parten de un clá-sico y también en el Teatro Victoria Eugenia pero en este caso de danza y a partir de la música de Tchaïkovski, Magifique,Tchaïkovski Suites de Malandain Ballet Biarritz un espectáculo en el que Thierry

Malandain asocia los ballets ‘Cascanue-ces’, ‘La bella Durmiente del Bosque’ y ‘El Lago de los Cisnes’ a diversos recuerdos personales.

Y más danza con el festival Loiolako Na-zioarteko XXVII Folklore Jaialdia que forma parte del programa ‘Antzerkia Kalean’ (Tea-tro en la calle) y que durante julio y sep-tiembre se desarrollará por toda la ciudad con espectáculos dirigidos en su mayoría al público familiar entre los que destacan los protagonizados por conocidos payasos vascos, el espectáculo de magia 1805 de Kidam Magoa Correfoc de Dracs I Dia-bles Can Sant Joan.

El buscón de Morfeo Teatro Clásico

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Coincidiendo con la Aste Nagu-sia de Bilbao el Teatro Arriaga acoge del 20 de agosto al 13 de septiembre Sister Act, el musical

espectáculo basado en la taquillera pe-lícula ‘Sister Act’ protagonizado por la actriz Whoopi Goldberg y del que afirma que es “el musical perfecto para dejar los problemas a un lado y entregarse al pecado más sano y necesario”.

Frescura, ritmo desbordante y una espectacular puesta en escena son las tres características de una propuesta que pone sobre el escenario la historia de la joven Deloris, una cantante aspi-rante a diva que tras ser testigo de un asesinato es escondida por la policía en un convento. En un primer momento, la re-beldía y el inconformismo de Deloris chocará con la tranquila vida de la comunidad religio-sa aunque pronto se ganará la admiración y el cariño de sus compañeras monjas y revo-lucionará la vida monacal.

El musical cuenta con una banda sonora inspirada en los estilos musicales que van desde la música Motown, el soul o el funk creada por Alan Menken, letras de Glenn Slater y libreto de Cheri Steinkellner y Bill Steinkellner; la traducción al español es de Xavier Cassadó. Desde su estreno hace cin-co años en Broadway, este musical ha sido traducido a siete idiomas y representado en más de doce países Tras la producción espa-ñola se encuentran la propia Goldberg, Joop Van Den Ende, Julia Gómez Cora y Andreu Buenafuente.

El Teatro Barakaldo por su parte presenta

para julio una programación que comienza los días 11 y 12 con El asno de oro, espec-táculo que llega por vez primera a los esce-narios vascos y en el que Rafael álvarez ‘el Brujo’ es Lucio que, convertido en un asno, muestra la corrupción y la crueldad, la su-perstición y las tensiones del mundo medite-rráneo de la época a través de un viaje que recuerda al Lazarillo de Tormes pasando calamidades.

Sol Maguna, Gemma Martínez y Maribel Salas dan vida a una galería de persona-jes a través de seos sketches en Tipos de tipas (del 15 al 19) mientras que Yllana hará disfrutar al público con su particular humor con The Gagfather (17 y 18). Completa la programación Repite conmigo, espectáculo que la Delrevés Compañía de Danza Vertical pondrá ante el público el día 18 en la facha-da del Teatro.

tinto de VeRano

Con la llegada del verano la sala La Fundición ha organizado el programa Tinto de Verano una iniciativa que ha ido “mutando” a lo largo de los años tal y como explica Luque Tagua, responsa-ble de la sala bilbaina. “Comenzó como una programación de teatro de humor y de ahí se dio paso a los ‘Accidentes artísticos’ impulsado la creación de una pieza original durante quince días con la dirección de artistas traídos ex pro-feso para ello. Luego llegó el programa ‘Original y copia’ y este año ‘Piezas cor-tas de 7 minutos’” explica Tagua.

Este año Tinto de Verano tendrá lugar el 7 de julio con un programa compuesto por siete piezas, casi todas ellas de danza, de otros tantos creadores. Ana Capilla presenta Taupada 2.0 una pieza que “reflexiona sobre el pulso vital que nos da la vida y nos sostie-ne”. Para Atzerritarra (Extranjer@) Andrés Alarcón se ha inspirado en ‘The Tourits’ de la banda británica Radiohead mientras que Yo sólo quiero que me abraces de Los Man Ones –Eva Guerrero y Daniel Arranz– es una improvisación de danza contemporánea con el abrazo como punto de partida. Ma-ría Andrés presenta Taito-Ku una propuesta para intentar escapar a nuestro tiempo. Na-talia de Miguel ofrece en Exposure, aunque de manera abstracta, la mirada a la mujer en la sociedad y cultura japonesa. Cierra el programa Todo duerme, instalación sonora para un espacio escénico de la performer Sara Paniagua.

Programaciones estivales en las salas vizcaínas

Sister Act, el musical

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Jesús Arbués es el autor de Ligeros de equipaje una obra de Producciones Viridiana que se basa en un hecho histórico,

el éxodo de casi medio millón de personas que cruzaron la frontera francesa a través de los Pirineos en 1939.

Esta obra, galardonada con el Premio al mejor espectáculo de sala en la Feria de Teatro de Cas-tilla-León, Ciudad Rodrigo 2014 y candidata a los Premios Max 2015 en las categorías de mejor autor y mejor dirección, pone sobre el escenario una historia de ficción basada en multitud de crónicas y testimonios reales con el objetivo de recuperar unos he-chos casi olvidados y perdidos en el tiempo. “No es una obra sobre la guerra civil, sino un trabajo que trata sobre el olvido, el pa-sado, la ausencia, la muerte, la vida... y del hombre, capaz de lo mejor y lo peor” afir-man desde la compañía.

El propio Arbués se encarga de la direc-ción de esta obra interpretada por Javier

García y Pedro Rebollo que dan vida a casi cincuenta personajes a través de “un impac-tante trabajo actoral hecho desde la verdad y la sencillez, contando con la verdad del ac-tor, unos pocos elementos evocadores y la fuerza de las proyecciones”.

Ligeros de equipaje da voz a todas aque-llas personas –restos del ejercito republicano y población civil– que en su mayoría llegaron a pie por caminos colapsados al sur de Francia.

Se calcula que cruzaron la frontera treinta mil personas al día, un éxo-do de gran magnitud del que mu-chos de ellos jamás volvieron. Al-gunas personas murieron de frío y otras por los bombardeos o como consecuencia de las extremas con-diciones de vida en los campos de concentración franceses. Historias todas ellas extremas y olvidadas, una memoria que este espectáculo recupera uniendo “los fragmentos rotos de la memoria y, de una ma-nera sobria e impactante traslada al espectador más de cincuenta años atrás”.

Se podrá disfrutar con Ligeros de equipaje en el Festival Castillo de Ainsa el 23 de julio y en el FETAL de Urones de Castroponce el 22 de agosto. Durante los meses de octubre y noviembre Viridiana Producciones llevará esta obra a Donostia, Vigo, Montoro (Cór-doba), Formentera, La Puebla de Alfindén, Mallén y el Teatro Principal de Zaragoza, Es-cartín (Huesca) y participará en el Festival Quijote de París.

Crónica de la historia para recuperar la memoria

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En junio de 2009 con la idea de unir los esfuerzos de las Federación de Teatro Amateur de Asturias (FETEAS), Federación de Teatro Amateur de

Cantabria (FETEACAN) y la Federación de Teatro Amateur de Madrid (FETAM) y juntos promover la unión y creación de nuevas Fede-raciones Autonómicas desde donde trabajar para la dignificación y reconocimiento del tra-bajo que realizan los Grupos de Teatro Ama-teur, así como para ser el interlocutor válido entre las distintas administraciones públicas y privadas, tanto a nivel del Estado Español como del resto de Organismos Internacio-nales a través de nuestra presencia en AITA (Asociación Internacional de Teatro del Arte), nació Escenamateur.

motiVaciones

La Confederación de Teatro Amateur Esce-

namateur es una asociación sin ánimo de lucro (Inscrita en el registro Nacional de Asociacio-nes: Grupo 1/ Sección: 1 / Numero Nacional 593755) que se constituye con el objetivo de trabajar en colaboración con el Ministerio de Cultura, y la SGAE por un lado, pero también, quiere ser un referente para las Federaciones de Teatro Amateur, Compañías de Teatro Ama-teur de las distintas Comunidades Autónomas y para todas aquellas personas a titulo indivi-dual amantes del Teatro.

Nace con la intención de reivindicar un es-pacio natural para la alternativa no profesio-nal dotándolo de un discurso propio y de base “ideológica” sólida ya que debe valorar la práctica no profesional de las artes escénicas, alzar la voz y reivindicar su derecho a coexis-tir con lo profesional, debe en fin practicar el amateurismo consciente, deseado, orgulloso.

Las compañías Amateur llegan, a sitios que los profesionales no pueden o no quie-

ren llegar. Las compañías Amateur actúan en espacios que no aceptarían nunca las com-pañías profesionales (sus montajes no están pensados para estos espacios) y a salas con dotaciones técnicas claramente insuficientes. No obstante consiguen atraer la atención del público y sus aplausos. Las compañías Ama-teur crean públicos para las artes escénicas, unos públicos que luego acude a las salas co-merciales y contribuyen a los ingresos de las profesionales. Las Compañías Amateur tra-bajan por y para la Cultura sacándola de los grandes teatros para acercarla al ciudadano menos favorecido.

objetiVos

Escenamateur nace con los siguientes ob-jetivos:

–Proponer a los poderes públicos la defini-ción de un marco jurídico del teatro Amateur.

esceNAMAteur

El Teatro Aficionado es una realidad activa y significativa

La Confederación de Teatro Amateur Escenamateur tiene en es-tos momentos cuatrocientos sesenta y cinco grupos asociados

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–Promover la presencia o representación del teatro Amateur en las instituciones o foros institucionales locales, autonómicos, nacio-nales e internacionales.

–Proponer a los poderes públicos políticas específicas de ayuda a la producción y a la distribución.

–Favorecer la interlocución con los órganos nacionales de coordi-nación de Ayuntamientos.

–Promover una relación estrecha entre el teatro Amateur y las sociedades administradoras de los derechos de autor.

–Proponer y articular canales y circuitos de distribución del teatro Amateur.

–Establecimiento de estrategias para la creación y fidelización de nuevos públicos.

–Fomento de centros de documentación, recursos, asesoramien-to, orientación y espacios de encuentro y debate.

ciRcuito

Dentro de la confederación se realizan infinidad de actividades que se pueden constatar al día en la agenda de su página web. es-cenamateur.org, en las que destacan los encuentros, los diferentes cursos para formación permanente, y muy especialmente las re-presentaciones crecientes alrededor del Circuito Nacional de Teatro Amateur en el que pueden participar todas aquellas Compañías o Grupos de Teatro Amateur que sean socias de la Escenamateur bien a través de una Federación Asociada o como Compañía o Grupo a título individual y cumplan todos los requisitos reflejados en las bases aprobadas para cada edición.

sello de calidad

Son cada vez más las entidades y administraciones que dan cabida al Teatro Amateur dentro de sus programaciones y apoyan u organizan, de forma directa o delegada, eventos específicos de Teatro Amateur. En este maremágnum de ofertas con formatos dife-rente (Muestras, certámenes, ferias, etc.) podemos encontrar bases o condiciones de participación que recogen exigencias o requisitos muy variopintos.

Escenamateur designada por el Ministerio de Cultura, como miem-bro, del Consejo Estatal de Las Artes Escénicas y de la Música en representación del Teatro Amateur del estado español, y en el ejer-cicio de esa responsabilidad para con el Teatro Amateur, tras un período de exposición pública y aportaciones de diferentes grupos y asociaciones, redactó las Recomendaciones y propuestas para or-ganizadores, gestores y programadores de muestras, certámenes, festivales o programaciones de Teatro Amateur. Dicho documento viene a recoger una serie de sugerencias de buenas prácticas a te-ner en cuenta a la hora de la puesta en marcha de un evento vincu-lado al teatro amateur. Para reconocer a las entidades que cumplan las medias, se creó el Sello de Calidad Escenamateur.

PRemios

Con el propósito de lograr que el teatro, la Danza y las demás for-mas de las artes escénicas tengan su merecido lugar en la sociedad actual y para que sirva de estímulo al trabajo y el talento creador e interpretativo de todos los grupos Amateur, así como valorar a todos los que trabajan por las Artes Escénicas, se convocan cada año los Premios Esceamateur a las Artes Escénicas, con el deseo de que sean los propios autores, directores, coreógrafos, intérpretes, así como todos los que estén relacionados con las Artes Escénicas Ama-teur, quienes designen a los ganadores mediante un sistema

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Del 25 al 29 de agosto el FITAG, Festi-val Internacional de Teatre Amateur de Girona celebra su décima quin-ta edición que está dedicada “a la

casa de cultura de Girona, sede del festival y casa que nos acoge con mucha complicidad y amor” explica Martí Peraferrer, director artístico del festival quien destaca que este año es el del “nuevo impulso interno” pues tras muchos años con un equipo de produc-ción estable, y con el objetivo de “inyectar savia nueva, concentrar nuevas fuerzas y plantar nuevas semillas” se ha incorporado a la organización del festival la compañía gerundense Teatre de Contacte.

A las más de diez compañías gerunden-ses de teatro amateur se les unen en la pro-gramación de este año los espectáculos de otras tantas compañías llegadas de fuera de Catalunya una programación que presenta como novedad dos coproducciones impul-sadas desde el FITAG con dos compañías extranjeras conocidas ya por el festival junto con dos compañías de Girona. Los israelíes Teatro de la Costa presentan Mis mejores amigas una obra de Anat Gov con un equipo formado por seis actrices (tres israelíes y tres de Girona) que ponen en escena el pa-sado y el presente de la historia de amistad de tres mujeres. La segunda coproducción es fruto del hermanamiento entre el FITAG y el Festival Internacional de Teatro Susana Alexander de Puebla, México. El espectáculo que presenta la compañía C.C. Jalil Gibran, Mazatzin, el hombre venado es una obra de teatro antropocósmico que rescata las tradiciones de la cultura prehispánica y que será el encargado de clausurar esta edición. Dirigida por el mexicano Josué Cabrera esta obra será interpretada por 30 actores y ac-

trices la mitad mexicanos y la mitad restante gerundenses ya que las corproducciones del FITAG “deben revertir en el festival y en Giro-na” explica Peraferrer.

autoRía catalana

Las doce compañías catalanas que par-ticipan en esta edición pondrán en escena espectáculos tanto clásicos como contem-poráneos y de géneros muy diversos. Quan-tus Teatre sube a los escenarios la clásica Lisístrata y también un clásico aunque más cercano en el tiempo es en el que se ha ba-sado Cie Tequatre para crear Figuretes de Vidre ‘The Glass Menagerie’ de Tennessee Williams.

L´Home amb qui somien les dones quan somien amb homes de Companyia del Centre Cultural i Recreatiu es una comedia sobre el mundo de la pareja y del teatro, y aunque no es un musical la música el las canciones tienen gran protagonismo. Comedias son

también Homes y dones –con la que Cia Alba Nova realiza una crítica constructiva de la sociedad actual mirando desde otra pers-pectiva los tópicos sobre los diferentes gé-neros– Happy birthday Manolita, de Safareig Teatre o Infideliti de IncreiXendo en la que sus protagonistas son mujeres de diferentes edades y condiciones que, de alguna mane-ra, han engañado sus parejas.

Otra comedia Fuita de Toc de Teatre na-rra las vicisitudes de un consejero corrupto con tendencias suicidas que acaba de dimitir mientras que La Retrobada de La Cuca de Llum es una comedia que combina drama, comedia y romanticismo. Mai més per sem-pre de El Mirall pone sobre el escenario los moradores de un espacio en dos épocas diferentes; hoy un centro comercial, tiempo atrás un antiguo teatro y en el centro, los seres humanos que los habitan. El show xou es una parodia televisiva sin precedentes de Pic Pic; H6 Teatre pone en escena Art, ver-sión de la obra teatral del mismo nombre de

XV FestiVAl iNterNAcioNAl de teAtre AMAteur de GiroNA

La gran fiesta anual del teatro amateur internacional

El FITAG coproduce dos espectáculos con con una compañía mexicana y otra israelí junto con intérpretes gerundenses

Don Quixote Awaking

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Yasmina Reza; Cosàlde presenta Ingrid una obra que revela, como si el público fuera su fiel confidente, los secretos del interior de una mujer y la Cia Elenc Sant Perenc presen-ta Criatures.

de otRos lugaRes

Desde la ciudad colombiana de Cali llega Thelema Teatro con dos obras, la metateatral Los papeles del infierno y Cuentos del paisa, una serie de cuentos narrados por un campesino de Antio-quia. De Buenos Aires es la compañía 1r. Elenco de graduados de la U.N.A. que presenta Los quietos y los chilenos Teatropello llegan a Girona para poner en escena Las moscas sobre el río, una obra en la que se critica el consumo y el poder del mundo empresarial hoy. Los rumanos Osonó Theatre por su parte pondrán en escena As water reflects the face y desde Zabehlice, Repúbli-ca Checa, Spektakl Theatre presenta Don Quixote Awaking, una adaptación del Quijote en la que combina los principios del teatro clásico y los lenguajes del teatro físico.

También se podrá disfrutar en el festival de dos espectáculos en catalán aunque lle-gados de fuera de Catalunya. Es el caso de Ombres de dona de Associació EmbruixArt de Andratx, Illes Balears, una obra que narra la historia de tres mujeres diferentes pero con un deseo común: empezar de nuevo y Bruixes con la que los andorranos An-danda-ra ofrecen una teatralización de las leyendas tradicionales.

Desde Langreo, Asturias llega Kumen con Casanova, memorias de un libertino espec-

táculo basado en basada en la ‘Historia de mi vida’ de Giacomo Casanova. Pasaje a Íta-ca es un viaje al interior de nuestra propia vida de Eos Theatron de Cabezón de la Sal, Cantábria y Miedo me da se acerca al miedo desde el humor, en clave de Cabaret de la mano de la compañía castellano manchega

Demikó mientras que Bomb a Teatro de El-che presenta una historia de vivencias un programa de radio al estilo de los grandes consultorios titulado Tu vida es un carnaval.

más fitag

Además de los espectáculos señalados que se representarán en los diversos es-pacios de Girona –Teatre Municipal, Sala La Planeta, Casa de Cultura y el Pati de les Mag-nólies– esta edición también ha organizado el programa denominado FITAG que lleva el festival a otros municipios de la provincia. Este es un proyecto en paralelo que además de ofrecer la posibilidad de realizar una se-

gunda función a las compañías llegadas de fuera “propicia el intercambio y el diálogo entre compañías” destaca Peraferrer para añadir que “el grupo local hace las labores de anfitrión del visitante en un día de convi-vencia que fomenta la amistad, el diálogo y, dentro de lo posible, exporta el teatro fuera

de nuestro ámbito más cercano”.Como novedad, a los programas Es-

pai El Galliner-FITAG –vinculado con la escuela EL Galliner en el que el alumna-do muestra los trabajos realizados du-rante el curso–, y FITAG de Nits-Cabaret –con espectáculos desenfadados y más “gamberros”– se suma el Petit Fitag, un “mini festival” en el que las compañías participantes realizarán representacio-nes de obras cortas dirigidas al público infantil.

Con el objeto de celebrar las 15 ediciones este año se han organizado unas jornadas de trabajo denominadas Festival de Festivales en las que par-

ticiparán directores de festivales internacio-nales no profesionales y personalidades co-nocedoras de este tipo de festivales un total de 12 expertos que se van a reunir con el objetivo de “intentar elaborar un documento o declaración de intenciones con visiones que nos iluminen desde fuera” explica Pe-raferrer. Para celebrar esta efeméride el fes-tival cuenta también con el director argen-tino Pablo Pintor que en forma de “work in progres” grabará un cortometraje durante los días del festival una sorpresa que será visionada el último día del festival y que ofre-cerá “la visión del FITAG de alguien que viene de fuera y a través de imágenes” concluye Peraferrer.

Homes y dones de Cia Alba Nova

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Luz negraJosu Montero

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Extraños en un cochen “Auto” Ernesto Caballero aprovecha el accidente automovilístico de una familia para que desvelen sus pequeños inconfesables secretos en la sala de espera

del hospital que resulta finalmente ser la antesala del más allá. En su último drama, “El descenso del Monte Morgan”, Arthur Miller estrella el coche que conduce el protagonista de su obra al bajar un puerto de montaña para descubrir y enfrentar en la habitación del hospital su doble vida, sus dos familias. El accidente de coche resulta un efectivo recurso dramático en manos hábiles y mesura-das para poner encima de la mesa los conflictos de los persona-jes, para sacar afuera las propias trampas y contradicciones.

Mar ta Buchaca (Barcelona, 1979) es una ya exitosa dramaturga y direc-tora catalana formada, además de en el Centro de Estudios Teatrales de Lovaina (Bélgica), en el prestigioso Obrador de la Sala Beckett, como otras interesantes dramaturgas de su generación. De he-cho en 2012 colaboró con Carol López, Victoria Szpunberg y Mercé Sarrias para crear la premiada “El año que viene será mejor”, estrenada en el barcelonés Teatro Villarroel y en el Teatro de Bellas Ar tes de Madrid. Buchaca se estrenó en 2005 con “L´olor sota la pell” y continuó su tra-yectoria con “Emergència” (2006) y “En conserva y Plastilina” (2007); el texto que nos ocupa, y que ahora se publica, “Las niñas no deberían jugar al fútbol” fue estrenado en el Festival Grec y en la Sala Versus en 2010; de 2011 es la produc-ción del Teatre Nacional de Catalunya “A mi no em diguis amor”; de 2012 la obra en colaboración con las tres dramaturgas a que nos acabamos de referir. Pero sus obras más sólidas y exitosas son las dos últimas: “Litus” (Sala Flyhard – Teatre Lliure, 2012) y “Losers”, estrenada en el Teatro Villarroel el año pasado.

A la sala de espera de la Unidad de Cuidados Intensivos de un hospital público van llegando los tres personajes de este “Las niñas no deberían jugar al fútbol”. La Madre, de unos 45 años; Sara, de 25; y más tarde llegará Toni, de unos 30. Digamos que estos tres personajes son algo así como la parte visible de la his-toria, porque los verdaderos protagonistas, los parientes de estos tres, permanecen invisibles luchando dos de ellos entre la vida y la muerte. Pero la verdadera vuelta de tuerca de esta obra, lo que la confiere una especial tensión dramática basada en la intriga, estriba en el hecho de que los familiares de los tres accidentados no se conocen en absoluto y ni siquiera son capaces de encontrar un nexo entre los tres ausentes. ¿Qué hacían juntos en ese coche? ¿Se conocían? ¿Qué relación les unía? ¿Eran sólo tres extraños

viajando juntos en un coche? Sin pistas, bajo la presión de la gra-vedad del accidente, de la falta de noticias y de la interminable espera, los familiares elucubrarán buscando la explicación. Y poco a poco, sin querer, se irán mostrando a sí mismos, sus impulsos irrefrenables, sus palabras incontroladas, sus desequilibrios, sus trampas, sus mentiras, sus lados oscuros, ayudándonos así a que los lectores–espectadores vayamos atando cabos antes de que poco a poco se vaya desvelando, en parte al menos, la verdad, la siempre cruda y desarmante realidad. Y estos tres dolientes y apesadumbrados seres queridos de los accidentados se giran un

poco y nos muestran su lado monstruoso. “Sólo las personas más cercanas pueden hacerte daño”, afirma Jordi Galcerán en el breve prólogo de la obra.

Anna, una niña de 12 años y jugadora de fútbol, es la hija, la única que no está en coma y que en un momento dado despier-ta pero se niega a hablar, se niega a hablar con nadie, pero sobre todo no quiere ha-blar bajo ningún concepto con su Madre; sí habla con Sara por ser ésta la hija de José, un hombre de 50 años, otro de los acci-dentados. Una de las líneas de tensión de la obra es el convencimiento de la Madre de Anna de que José, el padre de Sara, no puede sino ser un pederasta que ha en-gatusado y abusado de su hija; y aunque Sara niega, en su fuero interno surge la duda. La tercera accidentada es Lidia, de unos 30 años y novia de Toni; pero éste en esa coyuntura va descubriendo que Li-dia le había mentido en casi todo, que es una desconocida para él. Aunque las cosas no son nunca lo que parecen. A la manera de “Llama un inspector” de Prestley, pero sin siquiera inspector que tire del hilo, los presentes se van desvelando culpables,

culpables en una u otra medida; en algún caso por simple omisión, por desinterés; en otros por algo más o por bastante más. El caso es que los tres accidentados, los tres desconocidos que viajaban juntos en un coche, eran tres personas solas, tres fugitivos que la necesidad y las circunstancias habían unido, una pequeña familia falsa que suplía secretamente a la auténtica, auténtica y terrible, ese páramo de soledad e incomunicación, de egoísmo y de violen-cia en que se convier ten muchas veces los seres queridos.

“Las niñas no deberían jugar al fútbol” ha sido editado por la madrileña editorial Antígona, cuyo catálogo contiene obras bien interesantes de autores españoles contemporáneos como Fernan-do Arrabal: “El improptu tórrido del Kremlin”; Miguel del Arco: “Misántropo”, “Juicio a una zorra”o “Deseo”; Jordi Galcerán: “El crédito”o “Cancún”; Jordi Casanovas, Javier de Dios, Ernesto Ca-ballero, Juan Carlos Rubio, Alberto de Casso y muchos más.

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LAS NIÑAS NO DEBERÍAN JUGAR AL FUTBOLMARTA BUCHACAEdiciones Antigona

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Desde la caverna David Ladra

Los visitanteson viejos conocidos, gentes de la familia, de los que se hicieron aquí. Después, algunos desaparecieron por un tiempo, buscando otros lugares en los que pudieran pro-

gresar. Permanecieron fuera alguna temporada mientras se afincaban en diversos países y se reconocía su valía. La ruptura no llegó a ser to-tal: siempre volvían por aquí, estrenaban alguno de sus espectáculos, concedían sus entrevistas y se hablaba de ellos en la prensa y en las revistas especializadas. Hasta que su cotización llegó a subir, alcanza-ron premios y honores importantes en el extranjero y su producción fue invitada a los principales festivales europeos e intercontinentales. No estoy diciendo que dejaran de venir o que nuestros teatros los relegaran. Muy al contrario, suelen ocupar los más grandes, el María Guerrero, naves del Español, el Festival de Otoño… pero parecie-ra que algo se hubiese roto entre nuestro público y aquellos grupos nuestros que, en tiempos, llegamos a tratar de tú a tú y que ahora, cuando vuelven de sus giras internacionales, nos producen un cierto respeto, de tantas distinciones y fama como traen. Sus nombres, to-dos los tenemos en la mente: Rodrigo García y La Carnicería, Angélica Liddell con su Atra Bilis, Óscar Gómez Mata y L´Alakran o el que abrió nuestro teatro al mundo y figura ya en otro universo, La Fura dels Baus. Ahora cuando vienen se nos aparecen casi como extranjeras. Son eso, visitantes, que aparecen por casa para echar un vistazo, ver que nada ha cambiado y luego se van.

Cuando en 1986, a sus veintidós años, Rodrigo García llega aquí para desarrollar una carrera de dramaturgo y director, no encuentra un ambiente propicio al teatro contemporáneo. Obras de esta pri-mera época son Acera derecha (1989), Prometeo (1992), Los tres cerditos (1993), El dinero (1994) o Notas de cocina (1995). En ellas, Rodrigo García intenta mostrarnos la realidad tal cual es, desnuda y cruda, sin libro de instrucciones que le diera un cierto sentido o avanzara alguna explicación. Como una enorme piedra que reposa en un prado y no se puede transportar, recrearla en el escenario va a necesitar de extraordinarias cualidades para llevar a cabo esta “su-plantación”: dominar la escritura y el lenguaje, conocer el valor de la “performance” y gozar del aliento poético que requiere cualquier acto de la vida ordinaria para no convertirse en una inmolación. Nuestro autor las posee de sobra pero sabe que, comparada con la piedra “real”, su representación es falsa y contrahecha y que el único modo de ponerla en relieve y de que nos atraiga como una puta vieja es su capacidad de provocar. Claro que el provocar precisa de un conjunto de ideas arraigadas en el imaginario del público y cierta libertad para atacarlas en el plano mental, sutilezas escasas, por lo que García se va alejando poco a poco de España al tiempo que presenta, en Fran-cia sobre todo, una serie de éxitos (y escándalos) fulminantes: After-sun (2001), La historia de Ronald el payaso de McDonalds (2003), Rey Lear (2004), Agamenón (2004) o Accidens (matar para comer) (2004). De hecho, cuando en 2009 recibe en Wroclaw el Premio Eu-ropa Nuevas Realidades Teatrales, auspiciado por la Unión Europea, el más importante del continente, ningún medio informativo de nuestro país se hace eco de ello.

Tampoco se interesaron los medios por la concesión a Angélica Liddell del León de Plata de la Bienal de Teatro de Venecia de 2013. Bien es verdad que ya había recibido el año anterior el Premio Na-

cional de Literatura Dramática que, como su nombre indica, viene a ser un reconocimiento por parte del Ministerio de Cultura que lo otorga de que, como dicen algunos eslóganes, “el teatro es para leer”. No es éste el caso de Liddell, escritora, directora de escena y gran actriz, quien entiende el teatro como un acto de comunicación casi carnal entre el creador y los espectadores. Su “sistema” ha sido siempre el mismo: presentarse como una víctima de género ante la audiencia y, una vez preparada ésta después de que la ac-triz se autolesionara, masturbara, gritara y moqueara, cantarle las cuarenta hasta no poder más. Una forma de provocación que ha tomado un tinte más social con una serie de tres obras –Y los peces salieron a combatir contra los hombres (2003), El año de Ricardo (2005), Perro muerto en tintorería: los fuertes (2007)– que se remata con su excelente La casa de la fuerza (2009). Es en 2010 cuando se presenta en Aviñón con esta última y El año de Ricardo, lo que asienta su fama internacional y la lleva incluso al Théâtre de l´Odéon de París, uno de los más prestigiosos del mundo, donde el público la ovaciona en pie. Una operación que se repite en el mismo teatro con motivo del Festival de Otoño del año 2013 al presentarse allí la tercera de sus obras “chinas”, Todo el cielo sobre la tierra (El síndrome de Wendy). La reacción de Angélica Liddell ante esta extraordinaria recepción de la escena francesa la ha llevado a me-ditar sobre las condiciones de exhibición de su obra en España. Su respuesta ha sido impetuosa: su obra sobre la violación de Lucrecia, You´re my destiny, clamorosamente acogida una vez más en diciem-bre del año pasado en l´Odéon, no se podrá ver en España a pesar de haber sido invitada al Festival de Otoño a Primavera 2015.

De mejor talante que la Liddell, pero muy comprometido con la situación, el autor, actor y director Óscar Gómez Mata nos visitó en 2013 con su compañía L´Alakran que lleva trabajando desde hace diez años en Ginebra concertada con su ayuntamiento y el cantón. Su obra, Kaïros, Sísifos y Zombis, presentada en el Festival de Aviñón en 2009, trataba de los problemas que hoy acucian a nuestra sociedad pero no de una manera teórica o abstracta sino estableciendo una relación de proximidad con el público que le hacía participar en la fun-ción. Claro que aquella convivialidad no era nada de extrañar cuando uno recordaba que, ya en 1986, Óscar Gómez Mata fue el fundador, junto con Esperanza López y Ana Pérez, del grupo teatral Legaleón-T, que recorrió todo nuestro país con montajes tan aclamados como su ¡Ubu! Después, viendo cómo estaba nuestro panorama teatral, se fue a Francia a estudiar.

Por una u otra razón –porque les atrae el ambiente cultural de otro país, porque se les trata con mayor deferencia o, simplemente, porque tuvieron que emigrar para encontrar trabajo– nuestros “visitantes” no se dejan ver con frecuencia. Máxime cuando nuestras instituciones solo se interesan por el teatro si es que hay que organizar actos de relumbrón que les aporten beneficios políticos inmediatos. Si no, no sólo lo desprecian sino que le ponen la proa, como lo hace la actual administración. Eso sí, nuestro público los adora. Y es muy de agrade-cer que en un terreno tan compartimentado como es el teatro (¿qué sabemos en Madrid de lo que se hace en Barcelona, París o Berlín?) estos artistas nos abran un corredor con Europa que no sea tan solo el de los festivales.

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Jorge Dubatti

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Hacia las bases filosóficas del teatro

os espectáculos notables de la nueva cartelera de Bue-nos Aires evidencian que la Filosofía –entendida como un saber radical, necesario, ligado a la experiencia exis-

tencial y a la artística, como la producción de un pensamiento para la vida- está presente cada vez más en las raíces del teatro. La Filosofía entendida como una Filosofía de la Praxis Teatral, un pensamiento que se desprende del pensar las prácticas teatrales.

En Svaboda, de Bernardo Cappa (Teatro del Pueblo, Diagonal Norte 943, a metros del Obelisco porteño), hay materia dramática, hay ficción: se cuenta una historia, con personajes, situaciones, objetos, espacio y tiempo fic-cionales, imaginarios. A dos inmigrantes rusos, radicados en medio de la pampa, se les escapa una vaca, a la que atro-pella una camioneta. El dueño de la camioneta manda un abogado para que obtenga de los inmigrantes el compromiso de pago del arreglo del vehícu-lo. Deliberadamente la escena arranca in medias res (por la mitad de la historia), cuando el abogado regresa una vez más para retomar el diálogo con los inmigrantes, que no quieren saber nada con hacer-se cargo del pago. En el plano de la ficción, Cappa retoma la potente tradición argentina del drama rural, que llega hasta el día de hoy, y Svaboda puede leerse como una reescritura –con significativa vuelta de tuerca, desvío o fuga sorprendente del tra-yecto esperado– a partir de Barranca abajo de Florencio Sánchez o La inundación de Rodolfo González Pacheco.

Pero, como es característico en la poética de Cappa (uno de los directores-dramaturgos más valiosos de la Argentina), pronto el espectador advierte que el plano de la ficción no es el centro, ni el objetivo principal, sino un medio, un pretexto para llevar la atención hacia el acontecimiento teatral, hacia la actuación. Del enunciado a la enunciación, de la materia ficcional a la materia ac-toral y al efecto que ésta produce en la percepción y la existencia del espectador en el convivio. El actor como centro del espesor del acontecimiento teatral, en su liminalidad, en su umbralidad: entre la vida y la ficción, entre el acto humano ancestral de hacer teatro con/desde el cuerpo viviente (atravesado por lo real, por la vida) y la producción de metáforas. Liminalidad entre la presencia del

cuerpo vivo generando acontecimiento y la ausencia de la ficción. ¿O acaso hay campo, vacas, horizonte pampeano en el tercer sub-suelo de un teatro a media cuadra del Obelisco?

Esta poética sólo es posible en la práctica si el director cuenta con grandes actores para la “encarnación”, y es el caso de Sva-boda: tres actores excepcionales, Laura Nevole, Aníbal Gulluni (los rusos Abdoquia y Liev) y Pablo Chao (el abogado). Son tan buenos que sin esfuerzo instalan la gran maravilla del teatro: el mirador ontológico, el mirador de los planos del ser. ¿Cuántos planos? Incontables. Recurriendo a una metáfora gastronómica, el actor

se convierte en un “imperial ruso” (postre argentino que superpone muchas capas de ingredientes diferentes) entre lo material y lo metafísico, o en otra esfera comparativa un corte geológico que muestra un infinito espesor de capas de diverso tiempo y sustan-cia. Insistimos: la maravilla del teatro, que no tiene el cine ni la literatura, y cuyo punto de partida es el cuerpo vivo pro-duciendo acción. En el tercer subsuelo, como el hallazgo del “aleph” borgeano en el sótano de la casa de Beatriz Viterbo.

En Svaboda el espectador aplaude porque agradece el hallazgo del observatorio. Un hallazgo que deriva en co-

nexión existencial, estallido de múltiples preguntas. ¿Por qué hay tanta voluntad de ser del actor en la actuación? La rigurosidad, la precisión, el trabajo sobre el detalle del detalle del detalle, la crea-tividad, la instalación de múltiples perspectivas y especialmente la pasión son los atributos que encarnan las acciones de Nevole, Gulluni y Chao, condición de posibilidad de esta poética. ¿En qué consiste la pasión de existir en la actuación que lleva a estos ac-tores a trabajar de esta manera? Y la pregunta proyectada hacia el espectador: ¿qué hay en la cultura teatral de Buenos Aires que hace que los espectadores valoren la maestría del hacer de los actores con la misma intensidad con la que se valoran en el fútbol las jugadas de Messi?

Uno de los secretos de la poética de Cappa es mostrar el pro-cedimiento teatral, poner en evidencia el artificio. Abdoquia y el abogado tratan de retener al ternero de la vaca muerta, y vemos abiertamente la soga atada a una columna del edificio. No hay

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Fidel Fidel

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Postales argentinas

ternero y sí hay ternero. El observatorio ontológico conduce a la pregunta existencial: ¿dónde reside mi voluntad de colaboración, por qué estoy dispuesto a imaginar estimulado por el artificio tan deliberadamente burdo? Cappa propone una respuesta en su en-sayo “Buenos Aires: paraíso fiscal de verdades falsas” (incluido en el volumen Detras de escena, Editorial Excursiones, 2015), re-veladora poética explícita para entender su teatro. Hoy el sentido del teatro es dar una respuesta a la teatralidad social, saturada en la transteatralización mediática (observable en los políticos, los pastores, los periodistas y otras esferas de los discursos sociales, según Cappa en el vecindario mismo). “Se hace teatro para darle otro sentido a esa actuación –escribe Cappa-, se hace teatro para pensarla, para reaprenderla”. Filosofía del Teatro. Para entender-lo hay que ver Svaboda, gran acontecimiento teatral. Entre lo más importante de los estrenos de 2015.

El otro espectáculo es Fidel Fidel. Conflicto en la prensa, la nueva creación de el bachín teatro (así, con minúscula) que se presenta en el Centro Cultural de la Cooperación (a cuatro cuadras del Obe-lisco), con texto y dirección de Manuel Santos Iñurrieta. A través de estos quince años de historia (2001-2015), en coincidencia con los procesos sociales y culturales del post-neoliberalismo en la Argentina, el bachín teatro ha ido construyendo y afirmando una poética propia, singular, tan reconocible como, por muchas razo-nes, representativa de un nuevo período para la Postdictadura en el siglo XXI.

Fidel Fidel es a la vez una síntesis, una superación crítica y una coherente ratificación de todo lo que ya estaba inscripto, en germen, en El apoteótico final organizado, la primera obra de el bachín que pudimos ver en 2001. Fidel Fidel es síntesis poética, por la excelencia artística que ha alcanzado su lenguaje escénico, cada vez más efectivo; superación crítica, por el alto grado de conciencia que el bachín ha ganado en el dominio y resolución de sus procedimientos y en sus fundamentos ideológicos; coherencia, por la unidad política que adquieren sus espectáculos más allá de su variación temática. Consciente, programáticamente, de su identidad presente, de su pasado y de su futuro, el bachín es un caso poco frecuente de experimentalismo más en los temas que en las formas (lo mismo que se advierte en el drama de Brecht), justamente a la inversa de Claudio Tolcachir y Timbre 4 (grupo con un recorrido histórico coincidente, de la apertura de su sala de Boedo en 2001 hasta hoy), que en Dínamo sale a la busca de otras estructuras narrativas, temporales y espaciales para un tema ya antes indagado.

En Fidel Fidel el tema nuevo es el periodismo, su relación con la política, con el poder, con la verdad, y especialmente con el simulacro del “giro lingüístico” (Rorty, Derrida). En una Buenos

Aires que está a punto de festejar el comienzo del año 1959, un grupo de periodistas, estimulado por las noticias que llegan de Cuba sobre la inminencia de una revolución, se propone generar una revolución revolucionando internamente su profesión bajo la consigna: “Los periodistas nos negamos a mentir”. Hay que poner esta metáfora en correlación con el reciente libro de Víctor Hugo Morales Mentime que me gusta, que desnuda las manipulaciones mediáticas más insolentes e irresponsables en la Argentina con-temporánea. ¿No sería el simulacro, la muerte de la realidad, el fin del periodismo? Fidel Fidel redefine el concepto de periodismo “militante”: no se trata de un periodismo operador, sino de un pe-riodismo que vuelve a tomarle el pulso a la realidad y recupera la dimensión existencial de la verdad como acontecimiento histórico. No como mera construcción del simulacro, alentada por aquellos para los que el simulacro es negocio. El cruce entre periodismo y política encuentra así su fundamento en la Filosofía, contra el cinismo de quienes afirman que se puede decir cualquier cosa por-que vivimos en un mundo de representaciones sin realidad. Para el bachín el acontecimiento de la realidad no es sólo una construc-ción lingüística: también está fuera de las palabras. Es relevante que el bachín regresa simbólicamente a los albores de 1959, en los comienzos de los procesos de politización más radicales de Latinoamérica. ¿Metáfora de un nuevo comienzo? Y utiliza estra-tegias de teatro documental -imagen y audio de acontecimientos históricos- para recuperar la dimensión contundente, para bien y para mal, de la historia como acontecimiento. Los hechos confron-tados filosófica, ontológicamente con las palabras.

¿Cómo era el teatro de Brecht en escena? Muy probablemente el bachín haya conquistado en su hacer de estos quince años de investigación una memoria de la escena brechtiana, en particular la del Brecht de los orígenes, fascinado por el cabaret, el expre-sionismo y la teatralidad popular. En Fidel Fidel están todas las formas con que podemos pensar el distanciamiento: la convención consciente, el “mostrar que se está mostrando”, la narración cru-zada con la escena en lo épico, la permanente conceptualización mezclada con la intensidad del ritmo escénico, el realismo crítico, y especialmente el “gestus”, la conexión de los personajes con la máquina política social. Los actores de el bachín –Manuel Santos, Carolina Guevara, Jerónimo García, Julieta Grinspan, Marcos Peru-yero y Alfredo Aguirre– comprenden en profundidad esa poética política: el carácter transitivo del actor, que es un medio para de-jar ver la matrix del capitalismo. Parafraseando a Frederic Ewen cuando habla de Helene Weigel, la gran intérprete brechtiana: los “bachines” inducen al espectador a indagar más allá de lo que ven o escuchan, es decir, a encontrar el vínculo de la ficción con la estructura política del mundo en que vivimos.

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Cronicón de Villán... y corteJavier Villán

Podemos y el teatrol advenimiento de Podemos, en sus distintas marcas, al po-der municipal ha sido un terremoto. De menor grado que aquel lejano 14 de abril de 1931 que puso a Alfonso XIII en

la frontera; pero intenciones no han faltado ni faltan. No hay parto sin dolor ni convulsiones. Y escribió Marx que la violencia es la partera de la historia. Razones no le faltaban, pero posiblemente no sea del todo necesario invocar un aserto que, por otra parte, no es una formula-ción filosófica, sino una constatación histórica.

Las teas las enciende el diablo y a veces los antañones curas tra-bucaires, en un país tan confesional y católico como España. Los es-pañoles han de tener siempre cerca un cura delante; corriéndolo con una estaca o siguiéndole con una vela. Y frases como “arderéis igual que en el 36”, aunque sea en una ardiente manifestación nudista de chicas en pelota, en una Iglesia, no es manera de anunciar una forma de hacer política. Los curas en sus iglesias, nosotros en la casa del teatro y dios en la casa de todos.

Pero centrémonos en el área de cultura y más concretamente en el área de teatro. Madrid es hoy, en términos generales y estadísticos, la capital del teatro; o una de las capitales del teatro. Proliferan las salas alternativas, surge como hongos una generación de autores jóvenes y emergentes. El teatro en Madrid tiene un rostro bifronte: el circuito digamos convencional, y el circuito alternativo al que se suma el teatro institucional con sus pequeñas salas, tan en vanguardia como lo alter-nativo. La mayor parte de quienes rigen hoy el teatro público proceden del teatro independiente.

El pulso teatral de Madrid lo está dando una generación di-námica y subversiva. Mientras, siguen esperando la oportunidad que les negaba el viejo régimen y su censura represora y desce-rebrada los autores de los 50 y 60 a los que ni la transición ni la democracia les hizo hueco. Son elementos arqueológicos, memo-ria de estudiosos sin que de la mayor parte de ellos sepamos su verdadero alcance escénico, pues apenas fueron representados. En Madrid, en España, hay mucho teatro emergente, pero hay también mucho teatro sumergido.

¿Sería mucho pedir a Manuela Carmena, con un equipo muni-cipal desconyuntado, procedente de la agitación callejera, de una cultura tumultuosa, asamblearia y okupa, atención al teatro espa-ñol silenciado? Y atención, por supuesto a las mareas alternati-vas sujetas a vaivenes a desestabilizadores económicos. El teatro no es una profesión lucrativa sino de sobrevivientes. Y saltan las alarmas, claro, con un exconcejal de cultura, Guillermo Zapata, cuyo pasado tuitero y agitador ha descubierto cuando menos un subconsciente obscuro y chistoso.

¿Qué va a pasar con el teatro en el Madrid de Manuela Carmena y Pablo Iglesias?. Las cloacas tuiteras han empezado a vomitar afir-maciones de un pasado vergonzante. Tuiter no es nesariamente una cloaca; escribí hace tiempo que en tuiter hay grandeza, pensamiento, frivolidad, venganzas anónimas, soledades no compartidas, miserias de superegos fracasados. Como la vida misma. Pero quizá no com-pense ese patio de vecindad envenenado.

Tuiter se está convirtiendo en una Causa General recíproca de to-dos contra todos. Tuiter, el gran teatro del mundo. La cordidalidad y

la xenofobia, el odio y la venganza. No se puede hacer política a golpe de tuiter ni ser prisioneros eternamente de palabras inadecuadas y ofensivas.

Madrid está convulsa, España está convulsa, los Ayuntamientos de toda España están convulsos. Y dentro de los Ayuntamientos hay un apartado, minúsculo seguramente y poco atendido, que se llama cultura y dentro de ese apartado poco atendido hay una subespecie llamada teatro. Podemos tiene que definirse ante la cultura en general y ante el teatro en particular.

A no ser que prefieran que los ciudadanos nos quedemos con aque-lla ocurrencia de Pablo Iglesias, en animada fiesta con sus coleguis de farra, “dejemos estas mariconadas del teatro y vámonos de cacería a Segovia”. No explicó qué clase de cacería; pero este país román-tico en ocasiones, cafre con frecuencia e inventor de la guerrilla, es muy subceptible. Y está hasta los mismísimos güevos de revoluciones perdidas o de falsas revoluciones pendientes. Y el teatro está hasta las bambalinas de ser la hermana pobre o, peor aún, la chica de los recados de la cultura.

El gran movimiento teatral de Madrid no se debe al apoyo oficial, se debe a la capacidad de subversión de la esencia misma del teatro y de la historia de la farándula. Y a una juventud que ha visto en lo alternativo la válvula de escape de la olla a presión del circuito con-vencional; un factor de libertad y un elemento de diversión siguiendo la primera premisa del Organon de Bertol Brecht, que no será sujeto sospechoso, supongo, para los mandatarios nuevos; la primera obli-gación del teatro es divertir. Luego, como debe ser también precep-tivo, leña al mono hasta que hable inglés; el mono, o sea la parálisis intelectual, la falta de crítica, el discurso doctrinario, la cerrazón ante las vanguardias.

El teatro no puede ser sectario ni aburrido. Ni puede vivir asfixiado por los privaciones ni los impuestos; aún está vigente ese infame IVA del 21% que arruina a las empresas o retrae al público ante el precio de las entradas.

Una sociedad sin teatro es una sociedad muerta y de poco valen los principios de libertad política que la democracia reinstauró en España, si la censura se ejerce por el lado económico. El teatro es el termóme-tro de la salud cultural de una sociedad, el testimonio de un tiempo. El poder tolera el teatro, pero en el fondo lo detesta. Rajoy, por ejemplo, no creo que haya pisado nunca una sala. El movimiento teatral en España y en Madrid es imparable y crece. Iniciativas como las de Coca Cola y su certamen nacional de escolares y no escolares, con casi 400 grupos participantes contribuyen al amor por el teatro como factor de liberación. Y como vivero de especatadores, que es tan importante o más que vivero de actores/actrices.

En este sentido Podemos se encuentra con un panorama esti-mulante al que debe potenciar. Pero las relaciones con el poder no se normalizarán hasta que veamos a Carmena, a Zapata, a Rita Maestre frecuentando las salas, alternativas o comerciales. Pero es mejor no hacerse demasiadas ilusiones. Por su propia naturaleza el teatro, como el periodismo, ha de ser un contrapoder, un elemento agitador pero no adoctrinante. ¡Ánimo, Carmena, así se las ponían a Fernando VII!

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El lado oscuroJaume Colomer

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¿Guerra de precios? ¡La tarifa plana llega a los teatros!

ace pocos días el TNC (Teatre Nacional de Catalunya) anunció que ofertaba un sistema de tarifa plana para la próxima temporada: 18 espectáculos por sólo 99 euros

(69 para los jóvenes menores de 35 años). El hecho sorprendió a muchos porque era la primera vez que se aplicaba este sistema de precios por parte de un teatro público de referencia. Los medios consideraron que esta vez el titular de la noticia no eran los conte-nidos programados sino el nuevo sistema de precios.

Los precios generales del TNC para la próxima temporada van de los 12 a los 28 euros, y el coste unitario por obra en los abonos de 4 espectáculos es de 15 euros. Con la tarifa plana se reduce a 6,2 euros siempre que se asista a los 18 espectáculos.

No es nuevo que los teatros busquen fórmulas de incentivar el consumo, desde los clásicos abonos y los descuentos por sectores sociales o colectivos hasta fórmulas más experimentales como la taquilla inversa. Lo que es nuevo es el concepto de “tarifa plana”. que ha sido la gran arma que han usado las telefónicas para ganar Dicen los responsables del TNC que no se trata de aplicar reba-jas porque la propuesta tarifaria se basa en un estudio económico solvente y que su objetivo es eliminar la percepción social de que el teatro es caro. De estos argumentos se pueden deducir dos po-sibles objetivos:

a) Vender más entradas y conseguir mayores ingresos. En este supuesto se trataría sólo de una campaña de comunicación ba-sada en un estudio de marketing que indica que no hay riesgo de bulimia teatral y que, por tanto, serán pocos los especta-dores que se beneficien de la tarifa plana porque asistir a 18 espectáculos está al alcance de muy pocos porque supera en mucho las medias de frecuencia de consumo. Un dato curioso es que se mantienen los abonos a un precio unitario de 15 euros, más del doble del de la tarifa plana, porque seguramen-te el estudio ha proyectado que los espectadores habituales harán un consumo medio no superior al 40% de los espectá-culos ofertados (unos 7-8 en toda la temporada). No creo que los responsables del TNC quieran desertizar los abonos sino que con las tarifas planas buscan a espectadores con perfiles de consumo distintos.

b) Aumentar la tasa de penetración social del teatro eliminando el prejuicio de que es caro. La percepción de que el teatro es caro aleja del consumo teatral a ciudadanos con intereses tea-trales. Activar la demanda latente reduciendo el coste de ac-ceso es, desde hace tiempo, uno de los grandes objetivos del sector. En este supuesto, ¿por qué esta campaña de precios la hace el TNC en solitario? ¿No la podrían hacer conjuntamente todos los teatros públicos de Catalunya o el propio Departa-ment de Cultura?

Lo más probable es que el objetivo último de la tarifa plana del

TNC sea llamar la atención de los espectadores teatrales para au-mentar su cuota de mercado que, lamentablemente, se ha visto algo reducida en los últimos años a causa de diversos factores.

Según Roger Tomlinson, uno de los especialistas de referencia en marketing teatral, cuando las ventas no van bien lo peor que se puede hacer es reducir los precios de las entradas, porque esta de-cisión, que se toma en horas bajas, suele llevar a un mal resultado.

Es curioso que la estrategia para incrementar los espectadores del TNC sea la reducción de precios de las entradas cuando el factor más determinante para incrementar el consumo de teatro de texto es el interés o valor percibido de la programación (la garantía de calidad de las obras, de los intérpretes y de los directores de esce-na). En este sentido, el TNC no apuesta por aumentar la percepción de calidad de su programación sino por comunicar que reduce el coste de acceso.

¿Qué harán a partir de ahora los demás teatros públicos? ¿Y los privados? ¿Tendrán que aplicar la misma fórmula para no perder cuota de mercado? ¿Cuál será el impacto de esta medida en el sec-tor si se generaliza? ¿Una devaluación global de la oferta teatral? Si se puede ir al teatro por 6 euros ¿para qué pagar más? ¿Cuánto vale en realidad el teatro? La decisión del TNC me provoca muchas dudas. Me gustaría conocer el estudio en el que se ha basado la de-cisión. La encuentro una decisión valiente pero de ninguna manera temeraria porque ha sido fruto de la reflexión a partir de las proyec-ciones de un estudio. El ensayo-error es un método de innovación efectivo, aunque a veces sale un poco caro.

Lo que está claro es que el TNC nos proporciona una buena oca-sión para reflexionar sobre el coste de acceso a la cultura. En una sociedad desarrollada ¿debería ser gratis el acceso a la cultura como lo es el acceso a la sanidad o a la educación? ¿Nos creemos de verdad, como dice el Plan General del Teatro, que el teatro es un servicio público (o, como mínimo, de interés público? Tal vez son preguntas utópicas en una sociedad que mantiene el IVA cultural al 21%. Esperemos que el cambio político que se ha manifestado ar en las elecciones municipales y que probablemente seguirá haciéndolo en las generales, sirva para redefinir el valor social de la cultura.

Postdata: Dos días después de escribir este artículo, el TNC infor-mó que los abonos con tarifa plana se habían agotado en sólo una semana después de ponerlos a la venta, debido a que los aforos de algunos espectáculos habían quedado completos. Este hecho, que tal vez estaba previsto en el estudio y que ha sido considerado un éxito por sus responsables (y que en el ámbito mercantil lo sería sin lugar a dudas) da prioridad a los espectadores con alta frecuencia de consumo y me genera dudas sobre la forma de gestión de la igualdad de oportunidades de los ciudadanos en el acceso a un servicio público.

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i consideramos el teatro como texto y espectáculo, cabe decir que lo más innovador y actual en Catalun-ya es el teatro de Lluïsa Cunillé quien apareció en el

marco de la llamada generación Bradomín, en 1991 y que ha ido creando una trayectoria seria y coherente tanto desde su aspecto temático como desde el formal. Seguramente “Libración” estre-neado en la Beckett en 1994 marca un momento en la historia del teatro catalán.

Su último texto publicado por Arola Editors, como todos los textos teatrales catalanes contemporáneos, ha sido “El carrer Franklin”, estudiado ya también en tesis universitarias –entre ellas la de Ana Prieto– porque Lluïsa Cunillé es ya un clásico… muy contemporáneo… alguien que parece haber decidido que su lugar en el mundo es el de escribir teatro y desarrollar unas claves propias de su dramaturgia… el silencio a veces… unos princi-pios estéticos difíciles de determinar… un paseo por la vida de muchos de sus protagonistas, un empeño por comunicar lo inco-munidable (como en “Passatge Gutenberg” en que una muda dice a una escribiente lo que quiere que escriba…) una liminalidad de espacios marginales…taxis… paraguas… ruidos de la ciudad… relojes que contraponen el tiempo subjetivo al objetivo...

“El carrer Franklin” es según Albertí, uno de sus mejores textos, junto a otros todavía desconocidos como “Dinamarca”, “Islandia”, “Els subornats”… En su primera etapa yo había dicho que en su teatro había un exceso de frialdad que rayaba en la indiferencia y la ambigüedad de la percepción pero desde “Barcelona, mapa d’ombres” y sobre todo “Après moi, le déluge”, Cunillé nos ha ido iniciando cada vez con mayor fuerza en su teatro que nos habla con un lenguaje propio pero explícito. Y lo mismo puedo decir de “El carrer Franklin” que cuando este texto se lea en letra impresa, estará a punto de ser estrenado en el Grec2015 con dirección de Xavier Albertí.

El tema es la crisis, la depresión económica española, el au-mento del paro, los desahucios, el desempleo. La precariedad de la clase media y baja… la crisis inmobiliaria… ¿Existe la calle Franklin? Sí, Benjamin Franklin, inventor del pararrayos y políti-co en Pineda de Mar, Rosalind Franklin, escritora, en Cassà de la Selva…, John Franklin explorador del Ar tico y el Canada, Leonor Franklin, poetisa inglesa y primera esposa del ezplorador John Franklin, Gertrudis Franklin, novelista norteamericana… Cunillé hace aquí una sutil reivindicación feminista…

Los seis personajes de la obra son el travestido, pianista con conciencia de mujer, una Activista, una Cantante y un Banquero que es el Gobernador del Bco de España… Son Xavier Albertí, Montse Esteve, Oriol Genís, Lina Lamabert y Xavier Pujolràs…

Al inicio, el travestido toca el piano y enseguida baja una cómoda suspendida con cuerdas con un cajón abier to del que

cuelga una pieza de ropa. Esto provoca un cúmulo de insultos por par te del pianista quien ha sido desahuciado de su casa, se halla indefenso y a la intemperie y sólo le quedan los cuplés de su abuela y las cenizas de su tía Margaret a quien llamaban la dama de hierro.

“El carrer Franklin” es la vida como desahucio. Su ambiente es de ese onirismo anacrónico cercano que nos muestra una máqui-na de escribir (como se producía en Passatge Gutenberg) Este músico –que no se ha operado porque a su marido ya le gusta que sólo se vista así de vez en cuando, pretenderá que la Vecina traduzca la música en palabras… El nudo argumental se centra en impedir el desahucio de los vecinos de la calle Franklin. Pero el travestido avisa de que ya todos han sido desahuciados. No obs-tante, la activista le dice que ocupe una de las casas… ella quiere creer en la acción social colectiva y ordenada, algo que al pianis-ta le parece dodecafonía política…,otro personaje es el Marido, taxista los Sábados porque los otros días otros seis compañeros explotan el taxi… Él una vez atropelló a un hombre que ahora le da las gracias porque por haber estado en el hospital no murió cuando su casa se hundió por aluminosis… pero el hombre murió poco después y su hermana agradece al taxista que ella, gracias a la muerte de su hermano no había podido coger un avión que se estrelló. El Banquero, gobernador del Bco de España ha caído en la miseria porque no supo robar las llaves del banco. La Ve-cina no encuentra trabajo pese a sus tres licenciaturas, veintidós masters, sus cinco lenguas vivas y dos de muertas. Lo que tiene más valor en esta colectividad es la peluca de Margaret Thatcher. Les llevará a la muerte cuando preparen sin saberlo una poción con sus. Todos los personajes mueren asesinados por la fuerza magnética y los poderosos efectos secundarios de las cenizas de la Dama de Hierro.

La obra experimenta con el género de la farsa y el registro de lo grotesco pero parece haber en ella más referencias a la actua-lidad y mayor denuncia política que en otras obras de la autora aunque se da sin dudaa una ambigüedad en la percepción de la realidad y de su representación. Los barceloneses han sido derro-tados y se esfuerzan por sobrevivir. Es una denuncia en clave de farsa del punto de precariedad a que han conducido las políticas neoliberales de las últimas décadas agravando las diferencias so-ciales y condenando a una parte de la ciudadanía a la miseria y el estancamiento. Se me ocurre ahora mismo que podría estar en sintonía con las ideas de nuestra nueva alcaldesa en Barcelona, Ada Colau.

PS. Si el Sr. Director así lo considerase, podría suprimir el último

punto referido a las ideas de nuestra alcaldesa en Barcelona, Ada Colau… aunque a mí me parece oportuno…

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El último texto estrenado en la trayectoria de Lluïsa Cunillé

Rondas escénicas María-José Ragué-Arias

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El método griegoMaría Chatziemmanouil

El Teatro japonés Noh llega a Epidauro

l Festival de Atenas-Epidauro cumple este verano sus 60 años de vida. En el teatro de Epidauro, el teatro griego mejor conservado de la antigüedad, se estrenarán cada

fin de semana (viernes y sábado) a partir del 3 de julio y hasta el 29 de agosto, 9 montajes, bajo la dirección de sendos directores griegos. Entre las producciones figuran cinco tragedias (Las Tro-yanas, Ifigenia entre los Tauros y Orestes de Eurípides, Prometéo de Esquilo y Ajax de Sófocles) y tres comedias de Aristófanes (Los acarnienses, Las asembleístas y Las nubes). El noveno estreno, el más esperado de esta tem-porada estival, será una pre-sentación por parte del Teatro Japonés Noh del Canto XI de la Odisea de Homero. La drama-turgia del texto homérico corre a cargo del maestro Ghensho Umewaka y del destacado di-rector griego Mijaíl Marmarinós, quien, además, va a dirigir la compañía de Noh encabezada por G. Umewaka. El montaje se estrenará en Tokio a principios de julio, y llegará a Epidauro el 24 del mismo mes.

El canto XI de la Odisea, la Νέκυια (es decir el descenso a los infiernos ) es clave para el desarrollo de la epopeya homérica. Ulises se encuentra en la isla de Circe y siente una inmensa nos-talgia por su hogar. Sin embargo, el regreso a su casa en Ítaca, presupone el descenso al Hades para que el adivino Tiresias le aconseje sobre el viaje de su nostos. El héroe mítico toma el ca-mino al inframundo para obtener la información necesaria sobre la forma de llevar a cabo su añoranza. Su visita al mundo de los muertos se narra en el canto XI. En el Hades, Ulises se encuentra con amigos, con guerreros, con su madre ya muerta, y con el famoso adivino.

“El ar te del teatro japonés parece ser fundamentalmente ne-cesario y capaz de dar esencia al significado más profundo de la Νέκυια” dice el director griego, quien fue a Tokio para asistir a funciones del Teatro japonés. “El mundo occidental no dispone del lenguaje apropiado para abordar este canto. Cuando tuve la oportunidad de conocer al Noh y su lenguaje especial del silencio y de la abstracción, a saber el lenguaje de la poesía metafísica que ha ido evolucionando en los 800 años de constante tradición, creo que encontré las herramientas adecuadas. Si este encuentro de la tradición griega de Homero con la tradición de Noh logra su objetivo, se nos abrirán nuevos caminos para nuestra aproxima-

ción al antiguo drama”. Y el director griego concluye: “En lo que es la historia de la literatura universal, se trata de una de las más antiguas y más sorprendentes visitas de un mortal al mundo de los muertos,. Parece que el gran arte tiene siempre que ver, de una forma u otra, con el “otro” lado del Tiempo. El teatro Noh es uno de los mayores logros de la cultura en el campo de la poesía metafísica. La tradición sólida y la educación de los actores les dan la posibilidad de llegar al núcleo de las cosas. Con su especial vo-

cabulario corporal, el teatro Noh se encuentra por primera vez con nuestra Νέκυια en lo que va de su historia “.

El maestro Ghensho Umewaka, por otra parte, encantadocon el paisaje y el ambiente epidauria-no, comenta: “Antes de mi viaje a Epidauro, estaba reflexionando sobre el contenido de nuestra colaboración, pero a partir del momento en el que estuve en la orquestra del teatro, me sentí una enorme tranquilidad y una afinidad con este lugar tan her-moso. Entendí porque Epidauro hechiza a los actores y me ase-

guré de que allí puede revivir el alma verdadero del Teatro Noh”. Y luego añadió: “Quiero presentar al público griego la forma original de la que disfrutan los espectadores en Japón. Les voy a presen-tar el canto XI de la Odisea según las tradiciones antiguas y las técnicas de nuestro teatro. Los actores japoneses darán su mejor esfuerzo para conseguirlo. Es la primera vez en 800 años de tea-tro japonés que tratamos un texto que no es japonés, pero que por otra parte pertenece a la temática (el mundo de los muertos) empleada por Noh”.

En la producción participan cuatro protagonistas, un coro com-puesto por diez personas, cuatro músicos y dos ayudantes de escena que están presentes en el escenario durante toda la fun-ción, lo que constituye uno de los rasgos más típicos del Noh. La diseñadora Eva Manidaki trabaja sobre la escenografía del monta-je, teniendo en cuenta que las obras en el Noh se estrenan en una escenografía permanente, con un árbol al fondo de la escena. En este caso, los árboles serán reales…

Se celebrarán dos funciones en Epidauro, los días 24 y 25 de julio, en japonés, con sobretítulos en griego y en inglés. Si desean combinar sus vacaciones en Grecia con este evento teatral único, pueden re-servar sus entradas aquí, con precios a partir de 10 euros (en inglés) http://tickets.greekfestival.gr/theater/greekfestival/nekya-en/

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Noticias desde los fiordos Víctor Criado

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Sacar la lenguan el mundo teatral, una mayoría de hombres heterosexua-les de mediana edad realizan espectáculos para un público, habitualmente compuesto por mujeres de más de 50 años.

Estos, generalmente, hombres con una clara ambición por ascender en sus carreras, suelen dedicarse, para lograr sus objetivos, al montaje de clásicos. ¿Quién es capaz de hacer la lectura más conflictiva (o trans-gresora) de Hamlet?, ¿quién es capaz de reducir a la insignificancia una pieza de Ibsen, que sin embargo será ensalzada con adjetivos superla-tivos por toda una pléyade de críticos, dispuestos a remarcar la carga existencial de esa nueva versión?

Todos somos cómplices de esta realidad: los responsables de los tea-tros que eligen el repertorio, los directores de escena que deciden el es-tilo interpretativo, el equipo de actores que diligentemente obedece las instrucciones de dirección y el público que compra los billetes –además de los críticos que notan, o pasan por alto, la estructura reaccionaria y patriarcal que da lugar a esa “lectura”. ¿Es esa toda la realidad? ¿Se reduce todo a una cuestión de culpas repartidas?”

Estas son algunas de las preguntas que las tres actrices que forman el grupo de teatro Gruppen (Grupo) han puesto sobre el escenario de uno de los teatros públicos de Estocolmo. Esta información la he recogi-do de uno de los críticos de Stockholm, en una especie de crítica-artículo que llamó mi atención hace una semana. Mi primera reflexión fue la de cuestionarme si en algún lugar del estado español, por ejemplo Madrid, Barcelona, Valencia…, se podría hoy asistir a un espectáculo que to-mase como punto de partida una reflexión crítica similar. Mi respuesta, meditada, fue un no, no lo creo, seguida de un, es lo que hay. Pero, ¿por qué?, ¿qué es lo que hace que el teatro que se realiza allí no se cuestione su propia existencia… sobre un escenario? ¿Por qué no se le saca la lengua al teatro, como el crítico teatral titula en su artículo sobre ese “crítico” espectáculo?

Porque allí también es una mayoría de hombres de mediana edad heterosexuales (con evidentes y felices excepciones) los que crean es-pectáculos. No tengo tan claro que sea, en su mayoría, para mujeres de también mediana edad ya que el público allí, según mi subjetiva per-cepción es más variado (quizás haya alguna estadística que afirme o desmienta dicha circunstancia). Lo que si es seguro es que muchos de estos creadores ambiciosos se dedican a montar clásicos más o menos actualizados. De festivales de verano el calendario está repleto, el siglo de oro español es un filón que nunca se agota; se visitan, revisitan y agotan las lecturas de clásicos.

Imagino que en un mercado tan regulado (desde los presupuestos públicos) como el teatral, esto obedece a una manera de enfocar la cultura desde despachos y departamentos. Y no es algo que solo ocurre en Madrid, o Barcelona, o Mérida, o Almagro. También en Stockholm se montan clásicos, aunque aquí no se disponga de un siglo de oro tan prolífico, pero August Strindberg es una mina, Ibsen, vecino de al lado, también, y sino, pues un Beckett, o un Brecht (que también de un modo u otro se han convertido en clásicos, apuestas seguras para un teatro público).

Pero qué sucede con lo que ocurre hoy día (sé que esos clásicos se actualizan con una lectura contemporánea), qué ocurre con los drama-turgos que trabajan y viven el presente, qué sucede con el público que

no pertenece a la mediana edad. Preguntas que se discuten en mesas redondas, conferencias, barras de bar… pero que también pueden hacerse sobre un escenario, con una dramaturgia apropiada y ganas de provocar, cuestionar tu propio trabajo desde el lugar en el que es concebido. En esto si debo mostrar respeto por el teatro sueco, que permite una sana autocrítica sobre la marcha.

Un prócer de las artes escénicas en lengua castellana comentó que la dramaturgia europea, desde el inicio de sus tiempos con los griegos, es un excelente catálogo de la experiencia humana, en la cual, si bien varían las circunstancias, la condición humana sigue permaneciendo invariable en lo sustancial, sacudida por los mismos vientos. No puedo dejar de estar de acuerdo con dicha afirmación, lo que me pregunto es qué es lo que debemos hacer, lo que necesita el teatro para seguir siendo un lugar de encuentro, ¿revisar los tomos existentes o crear nuevos?

Ayer, cambiando completamente de tema, leí en una revista que edita el sindicato de actores, que el Inem sueco va a crear un departamento especial para tratar de ayudar a una gran cantidad de profesionales del teatro que provienen de países en conflicto (Irak, Siria, Afganistán…) a incorporarse al mundo del teatro sueco, para que su experiencia, su forma de hacer y su cultura teatral ayuden a enriquecer la que hacemos entre todos. Dado que estos profesionales, sin papeles para demostrar su experiencia, se pierden en la jungla burocrática del estado sueco, sin poder llegar al Inem (Arbetsförmedlingen Kultur, en sueco) especializa-do en trabajadores de la cultura, el objetivo es localizarlos y darles la oportunidad de entrar en el mercado laboral, para pertenecer a este departamento del “Inem cultural”, en el cual puedes ser orientado y ayudado de un modo más efectivo, pero en el cual, para entrar, hay que demostrar con papeles una sólida actividad profesional. Para mí no fue nada complicado, pero imagino que para alguien que ha huido de Irak con lo puesto resultará bastante más complejo. Una generosa iniciativa.

Hace aproximadamente una semana iba paseando por uno de los bosques que hay cerca de mi casa y me crucé con un grupo de niños de unos 11 años que venían de una excursión. Venían en grupos dis-persos y comenzaron a saludarme de un modo efusivo. Me costó un tiempo darme cuenta de que habían sido espectadores de uno de los espectáculos con los que hemos girado por muchas escuelas. Un grupo de cuatro chicos se paró a mi lado: “¿hola Víctor, qué tal?, exclamó sonriendo. “¿Puedes hacer algo de teatro ahora, para nosotros?, “No”, les contesté con cierta fatiga, en una mezcla de pudor y cierta molestia, como si lo de hacer teatro fuese un caramelo que se lanza al aire en una boda. Uno de ellos decidió entonces hacer una imitación de uno de los momentos del espectáculo, en el cual doy vida a una chica joven, de 22 años, mimando un cigarro en la boca. Hay que decir que su interpre-tación era muy buena, se acordaba perfectamente de la “energía” del personaje. Un buen intento. Sonreí, y seguí mi camino adelante, después de chocar nuestras manos con ese estilo urbano importado de USA, “give me five!!”. Otro grupo, esta vez de chicas, rezagado, agitaba sus manos antes de que nuestros caminos se separasen. Para estos chicos nuestra representación teatral había dejado una marca en su memoria, el teatro había entrado a formar parte de su realidad. Sonreí satisfecho mientras mis pies me introducían en el bosque, fresco a comienzos de Junio, con ganas de sacar la lengua.

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Las Lejanías Carlos Be

¿Es difícil matar un alma?

ambia lo superficial –canta Mercedes Sosa–, cambia tam-bién lo profundo, cambia el modo de pensar, cambia todo en este mundo. Cambia el clima con los años, cambia el

pastor su rebaño y así como todo cambia, que yo cambie no es extraño…”

La escuchábamos en silen-cio, como merece ser escucha-da Mercedes Sosa, en el Café del Kosako el fin de semana pasado a altas horas de la ma-drugada. En este café situado el corazón de La Latina fue donde nos reunimos para en-sayar Exhumación hace cuatro años, recién llegada la compa-ñía a Madrid, corría la tempo-rada 2011-2012 –qué dato más simple, sólo apto para catálogos–. Parece que fue ayer cuando leímos por prime-ra vez la obra en el escenario del Café, allí estábamos Fran Arráez, Carmen Mayordomo, Iván Ugalde y un servidor, y también parece que fue ayer cuando celebrábamos el décimo aniversario de la compañía, si ya vamos por los doce años

y seguimos corriendo, corriendo, corriendo,hacia esa meta que no existe y es elteatro, una vida entera,el alma.Aunque los últimos tiempos hayan arrasado con el panorama

teatral, la voz de la cantante trasciende cualquier devastación en su vuelo por el horizonte: “Cambia el rumbo el caminante, aunque esto le cause daño y así como todo cambia, que yo cambie no es extraño…”

El 18 de noviembre de 2003, estrenamos en el Teatro Artenbrut de Barcelona Eloísa y el domador de mariposas, obra escrita y di-rigida por un servidor e interpretada, entre otros, por Fran Arráez: los miembros fundadores de The Zombie Company que aún no ima-ginábamos el futuro que nos esperaba..

En todo este tiempo hemos intentado mantenernos fieles a nues-tro estilo y hacer llegar a un público exigente un lenguaje escénico elaborado, preciso y contundente. La acogida del público y la crítica, así como los reconocimientos obtenidos a lo largo de todos estos años, nos hacen creer que no lo hemos hecho del todo mal, y sabe-mos que aún nos queda mucho por recorrer.

Víctimas de la última tendencia en supervivencia escénica conoci-da como multiprogramación, hemos llegado a tener cuatro obras en

cartel sin renunciar a la independencia de nuestro proyecto. Echo cuentas y me salen un porrón de actores en escena durante esas semanas, una docena más o menos, si no me equivoco, qué locura, y eso sin contar con los que no dan la cara pero estuvieron o siguen ahí, y aquí sí que ya pierdo las cuentas.

¿Será verdad que el alma, además de ser inmortal, tampo-co puede cuantificarse?

A Esther Aira, Anna Alarcón, Víctor Algora, Pier Paolo Álva-ro, Javier Alonso, María Angulo, Jesús Antón, Esther Alejándrez, Marigel Arnaud, Graciela Artiga, Marc Artigau, Amalia Barbero, Marian Bermejo, Ibrahim Bray, Juan Ramón Bonet, Juan Caba-llero, Jorge Cabrera, Cristina Cle-mente, Gemma Charines, Javier Corral, Manuel Cortés, Gabriel Cuenca, Sol Curiel, Álex D. Capo, Francisco Dávila, Manuel De, Juan Alberto de Burgos, Tusti de

las Heras, Nacho del Río, Antoni Delgado, Marcel Dou, Esperanza Elipe, Déborah Espinosa, Jose Gamo, Reme Gómez, Jorge Gonzalo, David González, Hana Hegerová, Sara Hernando, Hibrid, Raúl Jimé-nez, Mirko Jumilla, Carlos López, Silma López, Sara Luesma, Alberto Manzano, Madame et moi, Miriam Marcet, Marina Marcos, Alba Mar-tí, Emi Martínez, Pablo M. Bravo, Gemma Martínez, José Martret, Carmen Mayordomo, Alexander Molero, Marta Montiel, Iván Morales, Elisa Morris, Yago Morera, Gabriel Moreno, Israel Muñoz, Víctor Mu-ñoz, Sandra Mur, Cécile Parra, Isabel Pastor, Jesús Pérez, Juanjo Pérez, Juan Pablo Pérez, Tristán Pérez, Montse Pin, Jan Písařík, Ja-vier Prieto, Alberto Puraenvidia, Mónica Regueiro, Alejandro Reme-seiro, José Ángel Rico, Esther Ríos, Rafa Romero, Mentxu Romero, Pepa Rus, David Ruiz, Irma Samayoa, Ana Sánchez, Patrícia Segú, Xavi Sert, Antonio Souto, Asier Tartás, Ludovic Tattevin, Blai Tomàs, Alfonso Torregrosa, José Ángel Trigo, Iván Ugalde, Arnaldo Utrera, Joan Vázquez, Flavio Villani, Ana Vivero, Petr Zelenka y a todos los que nos habéis apoyado y querido, ¡muchísimas gracias!

Prometo no volver a ponerme pesado con estas cosas. Ya sé que lo que cuenta es lo que le llega al público desde la escena, así que una y otra vez, como en carrusel, ¡vamos a por ello!

Y seguiremos gritando “Mucha mierda” antes de cada represen-tación porque “lo que cambió ayer tendrá que cambiar mañana, así como cambio yo en esta tierra lejana. Cambia, todo cambia, cambia, todo cambia, cambia, todo cambia, cambia, todo cambia, pero no cambia mi amor.”

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Vivir para contarloVirginia Imaz

Oralidad en estado puro: Guadalajara 2015

ntre los días 11 y 13 de junio del 2015 se celebró la edición número 24 de la Maratón de Cuentos de Gua-dalajara. Toda una experiencia que ocurre cada año,

gracias a más de 200 personas voluntarias y que constituye una verdadera Fiesta de la Palabra y un lugar de encuentro para multitud de narradores y de cuenteras que peregrinamos fielmente cada junio al Palacio del Infantado. En esta ocasión, el viernes de madrugada trajo una fabulosa novedad: la “Noche de Estrellas Estrelladas” con cuentos impro-visados a cargo de 13 narradores y cuenteras profesionales. Y, una celebración dentro dentro de una celebración: el Festival de Narración Oral regresó al teatro Moderno, un edificio emblemá-tico, cuyo cierre movilizó una amplia protesta popular con activi-dades reivindicativas como “Abrete Moderno” o “Cuentos en la puta calle” promovidas por la Asociación “Amigos del moderno”, reclamando su reaper tura.

El tema de la Maratón de este año era “El bosque”. 52 profesio-nales de la cuentería fueron convocados por la organización, aun-que estuvimos contando muchas más personas, cerca de 1400, de forma ininterrumpida durante 46 horas, desde las cinco de la tarde del viernes hasta las 15:00h. de la tarde del domingo. Para-lelamente se ponían en marcha las maratones de fotografía con la AFGU, de dibujo y radiofónica con Radio Arrebato.

No faltaron en esta edición algunos clásicos de la progra-mación como los narradores inauditos, nunca antes oídos en Guadalajara, que fueron seleccionados entre 27 solicitudes. Este año disfrutamos de Gisela Limona, Pilar Borrego, Begoña Pe-rera, El Wayqui, Israel Hergón, Gema Ventura, Erica González y Tania Muñoz, el viernes por la tarde en el Liceo Caracense.

La exposición de este año en la Sala Azul del Infantado pre-sentó los originales trabajos en papiroflexia de Javier Caboblan-co, con sus recreaciones de personajes y escenarios de cuentos tradicionales como los ratones del flautista de Hamelín, los ena-nitos de Blancanieves o la torre de Rapunzel.

Entre las actividades abier tas al público hubo también un ta-ller de serigrafía en la primera planta del Infantado, el sábado a las 19 horas, para niños y adultos con Marco Casetti, “La ciudad tenía un bosque repar tido en las casas de los vecinos”, para que cada cual pueda llevarse a casa su propio árbol. Marco Casetti par ticipó además el sábado por la mañana en el ciclo de confe-rencias que sigue manteniéndose, con entrada libre en el salón de actos del Palacio del Infantado. Nos habló de una belleza de proyecto: ‘¡Radici’, el primer libro que publicó su editorial Else, con 17 imágenes de árboles que nacen de 17 relatos de otros tantos inmigrantes en Roma, procedentes de Argelia, Afgananis-tán, Bangladesh, El Chad, Eritrea, India, Palestina y Rumanía, y

que invocan un árbol de su patria de procedencia, formando un libro-bosque en el que no faltan el árbol del remordimiento, el de los ventiladores, el de la duda o el árbol-madre.

Esa misma mañana, pero a las 12:30, el etnógrafo Gabriel Medrano de Luna habló sobre la cultura oral mexicana y nos presentó a quien para mí constituyo la joya de este maratón, Gumersindo España, apodado Sshinda, que actuó por la tarde en el Festival de Narración Oral. Este mexicano de ochenta años, jugueteo y cuentero, natural de Juventino Rosas, Guanajuato y que apenas ha salido de su pueblo, contó historias y leyendas de la tradición oral que él aprendió de su abuelo. Un contador en estado puro. Narrador tribal, comunitario. Alguien sin ar tificios ni afectación. Un cuentero que trajo la autenticidad de la tradicio-nal oral de siempre. Todo un regalo.

El Festival de Narración oral arrancó a las seis de la tarde con Showmancero, un espectáculo gaditano relacionado con el famo-so Carnaval andaluz en el que había rimas de contenido humo-rístico que hicieron las delicias del auditorio. El dúo formado por David Medina y Andrés Ramírez presentaron “Alma andaluza y almas de otros pueblos”. Su presencia en Guadalajara pretendía seguir la estela, ya iniciada con otras manifestaciones culturales presentes en ediciones anteriores, de “emparentar el Maratón con otras actividades de oralidad que hay en todo el país”. Con-tinuaba con el repentista cubano Alexis Díaz Pimienta y su hijo Axel, que demostraron su capacidad para improvisar versos en directo. Alexis Díaz Pimienta es autor de una treintena de libros entre otros el magnífico: “Teoría de la improvisación poética”.

El Festival contó también con una sesión a cargo de la ex-traordinaria narradora alcarreña, Estrella Or tiz, con treinta años de trayectoria y que junto con Blanca Calvo, presidenta del Se-minario de Literatura Infantil y Juvenil, es una de las “madres” del Maratón. Estrella Or tiz, siguiendo el tema de esta edición, ofreció un reper torio con cuentos y poemas sobre árboles de una belleza y encanto que me emocionó hasta las lágrimas.

El domingo, la organización proyectó a las once el documen-tal “Historias de cueva en cueva”, basado en el proyecto in-ternacional de la edición de hace dos años y del que ya el año pasado se ofreció un adelanto de diez minutos. Posteriormente hubo una mesa redonda en la que par ticiparon los directores de festivales de Cuentacuentos nacidos durante –y a pesar– de la crisis: el avilés CuentaCuarenta, el compostolano Atlántica, el sevillano Finos y el barcelonés Munt de Mots, con la asisten-cia también de Marina Navarro, en su caso desde la óptica del festival desaparecido que dirigía, Un Madrid de Cuento. Y más, mucho más. Nuevamente, la Maratón de Guadalajara fue mucho más que palabras.

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Kiosko

Estantería

Texto TeatralTexto TeatralTexto TeatralTexto Teatral

‘Adentro’ de Carolina Román es la historia de una familia argentina con raíces españo-las. Una obra que maneja un continuo juego de contrastes entre la violencia y la ternura; situaciones dramáticas pero con momentos de humor; el tercer mundo versus el primer mundo, América latina versus Europa. Una edición del CDN, encargado también de su producción escénica.

Con ‘¡Nunca más!’ Julián Pa-vón Fuentes cuenta la historia de Jesús Sierra, superviviente de Mauthausen. Un profesor anarquista que cree que el mejor campo de batalla es el de las ideas y la mejor arma la razón. Una obra que narra la historia de un combatiente. La historia de un hombre que empuñó las armas para defender la libertad. Una pu-blicación de Eirene Editorial.

Ana Martín Puigpelat es la autora de ‘Amortal’, una historia de amor en la que el enemigo es la medida, tal y como explica en el prólogo de esta edición de la colección Apuntador de la editorial Lastura, el dramaturgo José Ramón Fernández. La obra, una historia sobre la vida de las personas, fue estrenada en Madrid en 2009 por la compañía Proyecto Amortal.

‘Retablo Incompleto de la Pureza’ es el título de la última obra de Raúl Cortés, drama-turgo y director de la compañía andaluza Trastro Teatro. La obra “es el silencio que su-cede al grito de horror, ese silencio que es se-pulcro donde enterrar la culpa y el espanto.

Un páramo habitado por un puñado de sombras que, asustadizas, ocultan el rostro y se esconden, avergon-zadas de ser lo que son, mortificadas por la certeza de no poder ser jamás otra cosa. Dos autos profanos, dos cuerpos, forman este retablo: Muerte, resurrección y muerte y La mujer barbuda. Dos cuerpos anormales, deformes, monstruosos, geografía del castigo y los da-ños. Dos almas retorcidas por un infierno, condenadas por descubrir el espejo que otros taparon justo a tiempo para conjurar el miedo. Otros: los hombres que, des-pojados de toda paz, toda gloria y todo lo sagrado, le construyeron un altar a la superstición y sus artefactos. Una coedición de Pepitas de Calabaza y Llaüt.

El número 174 de la revista de teatro lati-noamericano ‘Conjunto’ que edita la Casa de las Américas de La Habana abre con un artículo sobre la escena puertorriqueña firmado por Vivian Martínez Tabares, directora de la publicación. Nelson Rivera diserta sobre

el Teatro Político artículo al que le sigue una amplia entrevista con las dos componentes del grupo teatral Las Nietas de Nonó, Michele y Lydela Rodríguez. Otra entrevista, realizada también por Vivian Martínez, con el grupo teatral Y no había luz. Crónicas de diversos eventos como el FIT de Cádiz, el testimonio de una acción performativa realizada en Chile ‘#quererNOver’ en memoria de los detenidos desaparecidos a cuarenta años del golpe de estado en Chile en un artículo firmado por María José Contreras o el análisis de la obra ‘Edipo en Tebas Land’ a cargo José Luis García Barrientos. El presente número se completa con la obra ‘El mediocre’ del dramaturgo puertorriqueño Jorge González.

Conjunto

La Revista Galega de Teatro ha publicado en su número 82 el texto teatral ‘Albertine, o continente celeste’ del dra-maturgo portugués Gonçalo Waddington, un número que incluye además una entrevis-ta con Luciano Fernández y Paulo Rodríguez, directores del Padroado Municipal de Cultura de Narón y del Teatro Rosalía de A Coruña respectivamente.

RGT

El número 155 de ‘ADE Teatro’ incluye el texto teatral ‘La función del orgasmo’ de Javier Maqua además de un extenso apartado sobre los Premios ADE 2014. En sus más de doscientas páginas encontramos también varios artículos en torno al tema “Plástica teatral: escenogra-fía, vestuario, iluminación” y dos artículos sobre Lukas Bärfuss en Madrid.

ADE TeatroArtescénicas

‘Artescénicas’ es la publica-ción de la Academia de las Artes Escénicas de España. Esta revista semestral dirigi-da por Rodolf Sirera incluye en su primer número artícu-los sobre el nacimiento de la propia academia y sobre los académicos de honor junto con otros de diversa índole firmados por César Oliva, Pedro Álvarez-Ossorio o Juan Ruesga entre otros.