Carlos Gil Zamora

Número: 202 - año 19 · Enero / Febrero 2015 | Depósito Legal: SS-1154/97

Edita: Artez Blai | Aretxaga 8 bajo, 48003 Bilbao | Tlf. 944795287 | email: artez@artezblai.com

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Podría escribir las verdades más arrebatadas a la razón, aseverar desde la epifanía de este año de júbilo en el

que se convocarán a las urnas a la ciudadanía para decidir desde lo más cercano hasta lo global, se alumbra-rán las oscuridades con ingenio y solicitudes de ingreso en el parnaso de las más gloriosas dramaturgias del siglo en curso, o describir la situación como una gran tarta de despedida de soltería con un regalo sorpresa den-tro: la desaparición de todo lo que es-torba para el desarrollo de las artes escénicas. Pero las setas no dan para mucho más, ni el mate me mata, ni me caigo por un barranco y me agarro a una mata.

No, escribo una editorial delirante, entre la resurrección de las ilusiones y el coma crónico de las estructuras de plastilina que conforman el medio ambiente institucional, funcionarial, empresarial y laboral en el que se desnaturaliza el teatro y el periodismo. O esa fusión de ambos que se autoproclama periodismo cultural y no se sabe bien si estamos ante un oxímoron o un pleonasmo. Quizás todo desem-boque en el postureo seudoprogresista. Con coleta o sin coleta. Enfriaremos el ánimo, para que el amor descanse.

Un delirio con obsolescencia programada para no acostumbrar mal a los incondicionales del berreo protestón. Vamos a autodeter-minarnos como editores, comunicadores, comuneros teatrales libres de impuestos y de dependencias no alcaloides. Vamos a residenciar nuestra empresa en un paraíso teatral y, a ser posible, fiscal en donde llueva todas las noches a una hora justa para regar nuestras huertas creativas. Se acabaron las críticas a las instituciones y a los desmanes gremiales, ni siquiera nos vamos a fijar en los imposto-

res que suben a los escenarios tras haber bajado a los pilones donde se pastorea la miseria y el desconsuelo.

Se acabó el espíritu crítico, renun-ciamos a nuestras pompas de jabón tornasoladas, queremos ir directos al meollo, estar donde se cuecen las habas mal contadas, ser parte del sistema que se hunde por si acaso nos toca algo después del naufragio. Queremos dejar de ser marginales o distorsionadores de la bondad exqui-sita, pedimos el favor de los papas y mamas de la estulticia degenerada, la bendición de los que hacen cuentas con un ábaco trucado. Pedimos vez en la cola de los desharrapados cul-turales, no tenemos más reservas de integridad, proyecto, ideología y co-herencia. Entramos en el mercado y los mercadillos. No nos salva ni el Dúo

Dinámico con su maltratada “Resistiré”.Porque estamos inmersos en remodelaciones, recuentos, cierres,

ajustes, desencuentros y en viaje hacia la galaxia de la utopía de donde es difícil volver sin dejarse algún pelo en la escotilla. Todo lo que puede ir a peor, irá. La obcecación se macera en la biografía empalada por la propia historia, por lo que hemos sido y ya no volveremos a ser nunca más. Desabrigados de cualquier simulacro de esperanza infundada, enfrentamos este caminar hacia la gloriosa nada a lomos de una jaca enjaezada de orgullo, complicidades y provisionalidad. Somos un ejército fantasmal de zapadores provi-sionales de la cultura, de heridos por las artes escénicas que aba-rrotamos los hospitales de las letras y los telones, de las salas de sillas de plástico y los tablados adjuntos a los terciopelos. No hay otra solución que levantar la cabeza una vez más, soltar el verso con todas sus sinalefas, no tropezar con los legajos administrativos

Editorial alucinada escrita en luna llena con aromas de azahar y salsa arrabiata

Editorial

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Opinión4 - 5 Editorial8 Rondas Escénicas – María-José Ragué-Arias9 Desde la Caverna – David Ladra64 Luz Negra – Josu Montero65 Vivir para contarlo – Virginia Imaz66 - 67 Postales argentinas – Jorge Dubatti68 Piedra de sacrificio – Jaime Chabaud69 Noticias desde los Fiordos – Víctor Criado70 El lado oscuro – Jaume Colomer71 Cronicón de Villán y Corte – Javier Villán72 El método griego – María Chatziemmanoui73 Las lejanías – Carlos Be

Estrenos 12 Nosotras de Alberto Iglesias por El Bucle13 Yo maté a Pinochet de Cristian Flores por

Teatro Errante14 La piedra oscura de Alberto Conejero por

CDN - lazona16 1 DÍA por Cambaleo Teatro17 El rei Lear de W. Shakespeare por Teatre

Lliure18 - 20 Miscelánea de estrenos

Festivales 22 - 23 XXII Festival Internacional Santiago a Mil24 - 25 XI MADferia - Artes Escénicas de Madrid26 - 28 XXXVIII Jornadas Internacionales de Teatro

de Eibar29 XVI Festival Escena Abierta de Burgos30 XXXII Festival de Teatro de Málaga

Suplemento31 - 54 FETEN 2015 - Feria Europea de Artes

Escénicas para Niños y Niñas

En gira56 - 62 Programaciones varias

Zona abierta 74 - 75 Escaparate76 - 82 Crónicas de: - Festival Don Quijote de París - Experimenta 15 Teatro - Crónicas varias

Esta revista ha recibidouna ayuda a la edición delMinisterio de Educación,Cultura y Deporte

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ni resbalar con las cagadas de las aves gorjeantes. Aunque seamos uno y solo, y tuerto y cansado de soñar rodeare-

mos al enemigo agazapado en la desidia, el denigrante ‘ya lo decía yo’, el se veía venir, la desgana y la falta de coraje para cagarse en los muertos de quién haga falta. El tiempo de los florentinos y los chaqueteros se ha terminado. Volvemos a las mazas, al cuerpo a cuerpo, a la dialéctica y al trabajo constante. Sin esperar nada más que ese placer inconmensurable, la gratitud más cósmica, que es saber que se ha cumplido con el deber, con el compromiso, con el destino bordado en tu alma con el adhesivo más potente, la voluntad de hacer este mundo más vivible, de crear a través de la palabra, el gesto, la música, la luz y la magia mundos que conten-gan este mundo y lo mejore.

En esas seguimos, contamos con legiones se moradores invisi-bles de un continente imposible de definir, de tasar, de matricular. Cada vez que logremos que esta revista llegue a sus manos, que puedan consultar cada mañana, tarde o noche que quieran alguna noticia, leer alguna crítica, o debatir sin tapujos con un columnista en www.artezblai.com, que vean en los anaqueles de su salón un libro con nuestra zapatilla en el lomo, se habrá atrasado un poco el empobrecimiento al que parece dirigirse nuestra comunidad ibero-americana de las artes escénicas.

Nos sentimos formando parte de un cuerpo que tiene una vi-talidad desbordante pero que está preso por los amasijos de un derrumbe de décadas. Si sacamos todos, cada día, un poco de escombros, en un tiempo prudencial nos reconoceremos mejor y podremos construir un nuevo edificio útil, fecundo, solidario, cola-borador y que proponga unas artes escénicas que estén incardina-das con las partes más activas de las sociedades donde se hagan. No hay que olvidarse de donde venimos, pero hay que señalar bien alto hacía dónde queremos ir.

Nosotros acompañaremos incondicionalmente a todos cuantos transiten por esos caminos, vías, autopistas. Es nuestra labor, nues-tra vocación, pero que nadie espere reproches, ni lloriqueos ni más dudas que aquellas que nos ayuden a reflexionar sobre nuestra existencia, sobre el arte escénico y sobre quienes lo piensan, escri-ben, dirigen, interpretan, iluminan, transportan o crean espacios, producen, venden entradas, acomodan o distribuyen. Todos forman parte del mismo cuerpo, lo que sucede es que unos parecen unos parásitos y a otros se les piden demasiados esfuerzos.

Quizás una de las labores primeras sería acabar con las cas-tas teatrales, con los monopolios, las oligarquías, el amiguismo y enchufismo. En nuestro delirio pedimos ya una Ley de las Artes Escénicas. Veremos qué partido incorpora este asunto a su pro-grama electoral sin oportunismo. Porque, oigan ustedes, llega el tiempo de los oportunistas. Atentos todos a los movimientos en las sombras. Hay mucho arribista suelto. Brindo por todos cuantos hacen posible la existencia de las Artes Escénicas. Especialmente por los públicos, a los que tanto quere-mos y tan poco nos quieren. Que el año 2015 les sea propicio.

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Rondas escénicasMaría-José Ragué-Arias

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El Lliure, Lluis Pasqual… y yo ¿Una entrevista?

n el último número de Artez, hablaba de la programación de los teatros de Barcelona, y daba yo gran relevancia al Teatre Lliure que aunque siempre ha tenido una vida fértil,

ligada a un público fiel y muy representativo de la ciudad de Barce-lona (donde por cierto no hay un Teatro Municipal…), ahora, cada vez adquiere más protagonismo. No es ca-sualidad que Lluís Pasqual esté al frente del Lliure y que se le haya renovado el contrato como director para los próximos cuatro años. Porque el Lliure nació con Fabià Puigserver, obviamente, pero siempre desde los inicios, Lluís Pasqual estuvo ahí, junto a Fabià, en el Lliure. Yo soy nostálgica, qué duda cabe, como casi todas las gentes de mi generación. Y por eso, aunque el Lliure haya pasado por épocas diferentes, positivas como la de la dirección de Josep Muntanyés, o también la de Lluís Homar, o como la más reciente de Álex Rigola con grandes espectáculos extran-jeros,… la dirección de Lluís Pasqual me pa-rece… “¿orgánica?”… ligada a las esencias de un teatro que muchos sentimos como algo intrínsecamente nuestro, algo que es parte de la ciudad de Barcelona.

Económicamente, el Lliure hoy va bien con 14’5€ de promedio por entrada. Pero como dice Lluís, recordando a Peter Brook: el teatro es una lotería y no siempre te toca. Si Montoro bajase el IVA nos iría mejor, añade…

Lo primero que le pregunté a Lluís Pasqual fue cuáles eran sus proyectos para el Lliure y lo que me dijo es que todo el dinero que hubiese, quería gastarlo en producir espectáculos. Y lo que sobrara sería para contratar teatro internacional.

El punto de inicio de la vida personal y profesional de Lluís Pasqual fue “La Setmana Tràgica”,… Empezaba una etapa de unión con Fabià Puigserver.

L.P: “Como de padre e hijo. Fue un inicio personal y profesio-nal. Luego, ya años más tarde, viví la etapa del Odéon, en París. Fueron seis años. Ha habido muchas etapas. En el Odéon mi res-ponsabilidad aumenta mucho. En aquellos años hubo el ataque de la Comédie al Odéon, el paso de Mitterand a Chirac… Pero allí, en París, dejé el “Théâtre de l’Europe”… Luego vino la etapa de “La Ciutat del Teatre”…

Hay aquí un resumen de años y de trabajo. Se fue a Venecia. Le ofrecieron dirigir el Piccolo Teatro de Milan… pero acabó volviendo al Lliure, un Lliure que estaba en crisis.

L.P: “Hoy el Lliure vuelve a ser el teatro de esta ciudad. Rigola lo hizo ser de un grupo de gentes de esta ciudad. Pero yo pretendo a

toda la ciudad y quiero abrir un abanico profesional. No sólo hemos de tener en cuenta el centro de Europa, con grandes directores como Ostermeier, hay que tener en cuenta todo. Yo quiero un teatro solida-rio con la profesión y con el público. Hay corrupción, lo sabemos, pero el arte debe acompañar a la gente en momentos fáciles y también en

momentos difíciles. El público tiene curiosi-dad, es muy variado, son muchos y no todos tienen el mismo gusto.

Yo quisiera eliminar la rigidez de la institu-ción, hacer cosas como retomar espectáculos que ya habían terminado o prorrogar…, me gusta dar plasticidad a las programaciones.

El Lliure tiene para mí la ventaja de no per-tenecer a ninguna institución aunque en una concepción más moderna de la gestión esté el Patronato. Pero yo no soy sólo el director artístico del Lliure. Soy el director teatral, el de toda la institución. es lo que en otros paí-ses se llama “patrón”.

Sus apoyos son sólo dos mujeres: Clara Ro-dríguez Serrahima, la subdirectora, y Aurora Rosales, que se ocupa de los artistas y que proviene del CDN y de la época en que Lluís Homar dirigía el Lliure. Y también un hombre, David Bericat aunque en este caso su papel

está más relacionado con el público. De ahí, una característica especial del Lliure: la última mirada es la de un artista.

Lluís Pasqual tiene un contrato para cuatro años a partir de 2015. L.P: En Polonia aprendí a que cada diez años hay que abrir las ven-

tanas de los teatros y cambiarlo todo. Yo quisiera refundar el Lliure, hacerlo más poroso, acercarlo a la universidad, a los niños conseguir que estuviera más cerca de los ciudadanos.

Pero el teatro es una lotería y no siempre te toca.Hablaba yo con Lluís Pasqual a comienzos de diciembre cuando

habían comenzado ya los ensayos de “El rei Lear” que está en cartel este mes de enero. Me cuenta Lluís que hacer Lear es una ilusión propia y que, cuando estaba a punto de hacer un Eduardo Di Filippo cambió de idea y lo cambió todo en quince días.

L.P: Era un espectáculo que siempre quise hacer. Nuria también quería hacer Lear.

Ambos se dieron cuenta de que era necesaria una gran energía para hacer el Rey Lear. “Si no lo hago ahora ya no lo podré hacer” se dijo a sí mismo. Y la Espert también estuvo de acuerdo en la aprecia-ción. Ahora está lleno de energía hacia el proyecto y confía totalmente en Nuria Espert.

Volveremos a hablar del Lliure, de “Rei Lear” y de sus espectáculos y actividades.

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Desde la caverna David Ladra

El teatro en la encrucijada

ivimos una era de extravío. Como nos lo enseña la propia Europa, es como si el tiempo se hubiese detenido, como si hubiésemos ido demasiado deprisa (“por encima de

nuestras posibilidades” dice la casta afanando las migas) y llegara el momento de parar, cuando no de volver atrás. Ya no hay ni intelectua-les ni artistas ni filósofos que pudieran hablar y orientarnos al menos en interpretar la realidad; tan sólo economistas y mandados de los poderes públicos que, como los sofistas en la Hélade, nos confunden cada día más. Pocos son los resquicios que tiene el ciudadano para reflexionar: secuestrados los medios por la propaganda del Estado o la publicidad, que son los antifaces con los que se nos muestra el capital, queda la conversación con los amigos, la lectura de un libro, con los ojos abiertos pasear por la ciudad o –¿por qué no?– acodar-se a la barra de un bar. Claro que hay dos lugares que, entre mucho desbrozo, también nos ayudan a pensar, en cuanto sobre el resto de ficciones tienen la propiedad de calcarnos a nosotros mismos como si actuásemos de verdad. Me refiero al cine y al teatro, dos mirillas abiertas a la opinión del público que, aunque volcadas en el ocio, no pueden evitar en ocasiones la representación de lo real. Con la ventaja que le lleva la escena a la pantalla de estar viva, no ser repetitiva ni tener que depender de una industria con la servidumbre que ello trae. Son hombres y mujeres de nuestra misma especie quienes pueblan las tablas. A veces, como ocurre en el drama, mostrando sus acciones a través de la cuarta pared. Otras, como son la farsa y la comedia, convirtiendo la pared en espejo en el que se refleja la audiencia. Y unas terceras, propias del teatro contemporáneo, entablando una conversación con el público que le manda a su casa pensativo. Ahí re-side su fuerza y atractivo, esa lengua de fuego que perdura en noso-tros, inquietándonos, desde lo más remoto de los tiempos. A trancas y barrancas fue bregando con los legisladores, fueran éstos tiranos, plebeyos, reyes o emperadores. Y hasta contra su enemigo natural, la Iglesia, resistió en el medievo, reducido a farándula ambulante, duran-te el milenio en que se impuso. Puede que no haga la revolución, como se ha dicho, pero cambia la mentalidad de la gente. Los gobiernos demócratas aceptan el reto, viven con el teatro e incluso lo sostienen: más vale cohabitar que andar a la greña. Otros que lo simulan pero que no lo aman, quisieran suprimirlo de un plumazo (ya lo dijo en su tiempo Sánchez Bella cuando desalojó a Fraga Iribarne: “si él los llevaba ante el TOP con su ley de Prensa, yo me limitaré a sitiarlos por hambre”). ¿No pretende otra cosa el 21 por ciento?La respuesta de nuestro teatro alternativo a esta situación de emer-gencia no ha podido ser más positiva. Desprovisto de ayudas o total-mente jibarizadas éstas, ha usado toda clase de recursos, desde el “crowdfunding” a una más que ajustada “privatización” que le man-tiene prácticamente en la miseria. Y sin embargo, a pesar de muchos abandonos, los grupos y las salas siguen proliferando. Es como un ejército popular, cuantos más cuerpos caen más se levantan. Con la supresión de la subvención, desaparece la censura económica que las instituciones ejercían (aunque quede la otra, la de siempre). Pero sigue existiendo más que nunca un controlador esencial, se llame el público o, más prosaicamente, la taquilla, para los que habrá que

programar: un monstruo ambiguo y enigmático que, ocupando toda la sala, hay que mimar y alimentar de modo a predecir sus deseos, despertar su interés y, una vez prendido éste, dar satisfacción a sus expectativas. De ahí el auge obtenido en el país por uno de sus géne-ros más genuinos y castizos, el sainete costumbrista, tan apropiado al respetable que suele colmar sus temas preferidos, sean éstos dis-putas familiares, conflictos de pareja, rencillas vecinales o incluso la protesta, siempre que no se salga de madre.Claro que no basta esta afición al “género chico” para mantener nues-tro teatro al día y son muchos los dramaturgos, directores y progra-madores que buscan en lo novedoso y la modernidad los sujetos de sus espectáculos. Sujetos por lo general muy variados pero que sue-len coincidir en un muy detallado tratamiento formal de las relaciones humanas que se complementa con un texto que parece escrito a cincel de lo meticuloso y preciso que es. De donde resulta una dramaturgia de una inusitada calidad intrínseca pero cuyo producto suele ser un teatro que se enrosca en sí mismo como en una solitaria burbuja, midiéndose, cuando más, con las obras de sus competidores locales, y siempre encerrado en su peculiaridad. Y es que, a pesar de progra-mas como el de Escritos en la escena que desarrolla el CDN en sus teatros a través del Laboratorio Rivas Cheriff, nuestros dramaturgos suelen encerrarse en su despacho, atrancar las puertas y ventanas, y no mirar al exterior. De esta forma, movimientos como el del teatro-do-cumento o el del teatro “verbatim”, que tanta importancia han alcan-zado en el Reino Unido, son prácticamente desconocidos aquí, con la consiguiente pérdida de conocimiento del mundo real. ¿Cómo hablar de las privatizaciones que se van comiendo el patrimonio público sin conocer The Permanent Way de David Hare en donde, con testimonios de todos los participantes en la privatización de los ferrocarriles bri-tánicos, se comprende la magnitud de la catástrofe que significó para el Reino Unido? ¿O como criticar los desahucios sin una información objetiva y veraz de ese gran expolio nacional causado por los bancos con el beneplácito de los gobiernos? No será metidos en casa ni na-rrando casos particulares lastimosos sino yendo a buscar las causas del desastre y avanzando posibles soluciones. Como se decía al prin-cipio, el rol del teatro en nuestro mundo es de primera necesidad y así ha de comportarse a la hora de dar fe de nuestro desconcierto actual, con determinación y seriedad. Es igual que nuestra relación con el pa-sado: no se trata de tratarlo con nostalgia sino de recuperar nuestra memoria histórica y comprender que de aquellos polvos vienen ahora estos fangos. De donde se deduce que una mirada convenientemente dirigida hacia el pasado puede iluminar nuestro presente. Por último, un nuevo estilo, nacido en los países nórdicos, es el adscrito a la pos-modernidad más contemporánea, el de la neutralidad más absoluta y el de un ambiente cool que asemeja a una barra de hielo: lo que hay es lo que hay y nada se puede hacer para cambiarlo. Ahora bien, la denuncia de la situación real es radical y decididamente antisistema. Como si los autores que por ahora lo escriben –Martin Crimp, Simon Stephens, Falk Richter, Christoph Marthaler, Jon Fosse…– estuviesen esperando una catástrofe natural. Ahí es donde hay que estar, en la punta de la modernidad y en esa posición radical.

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El Teatro Gayarre de Pamplona aco-gerá el 5 de febrero la represen-tación de la obra Nosotras, espec-táculo que viene de la mano de la

productora El Bucle y que fue estrenado el 14 de noviembre en Zizur Mayor. “Nosotras nace con voluntad de hacer memoria de la situación de las mujeres al término de la Guerra Civil Española”, cuenta Alberto Igle-sias, autor del texto. La obra está dirigida por Pedro Miguel Martínez e interpretada por las actrices Maiken Beitia y Leire Ruiz.

Nosotras está ambientada en la España de 1942, seis años después del comienzo de la Guerra Civil. Según Iglesias, “el tea-tro se queda pequeño para dar cabida a los miles de sentimientos encontrados que afloraron después de la contienda, pero creo que la historia aporta su granito de arena en el análisis del conflicto y se afana en transmitir algo de justicia poética”.

La obra relata tres encuentros entre Isa-bel y Josefina, dos hermanas a las que las circunstancias (políticas, sociales, familia-res...) situaron en distintos bandos del con-flicto. Los dos primeros encuentros se desa-rrollan en situaciones límite, y el tercero, sin embargo, pone la vista en otro país y varios años después de la contienda, propiciando el abrazo que abrirá la puerta a la reconci-liación. “He querido mostrar tres realidades bien diferentes. Por un lado la lucha en la clandestinidad, el maquis, la montaña. Por otro lado la cárcel, donde tanto se luchó, se debatió y se sufrió. Y finalmente, dando un salto en el tiempo desde los años 40 hasta los primeros hervores de la democracia que ahora gozamos, nos encontramos en Xala-pa, la realidad del exilio, lejos de la tierra, a salvo de la represión”, explica el autor.

El texto reflexiona sobre el dolor que ge-nera el imponer las ideas por la fuerza, po-niendo sobre la mesa el conflicto de justificar los medios para llegar a un fin. Los persona-jes intentarán así reconocer que la violencia tan sólo genera más violencia y que no hay

mejor arma que las palabras para acabar con la crueldad. Sólo juntas y desprendién-dose de las caretas que marcaron su pasado podrán sobrevivir a una época plagada de atrocidades. Al autor, sin embargo, le gusta pensar que Nosotras no es una obra sobre la posguerra, ni siquiera sobre la ideología política y su peso en la vida de las personas. “Nosotras es una obra sobre el amor y los buenos sentimientos hacia el prójimo que la posguerra y la ideología trataron de fusilar y enterrar en alguna perdida cuneta de la

memoria. Una obra nacida de la necesidad de poner carne y voz a uno de los episodios más negros de la historia de este país”.

Como dice el personaje de Josefina, frase robada de una mujer real que vivió aquellos años: “En ocasiones callar es mentir. Por suerte el tiempo del silencio quedó atrás y ahora podemos revivir la crudeza y el dolor de lo ya pasado sin miedo y con la esperan-za de que mirar hacia atrás nos haga más conscientes del ahora y alumbre los pasos de nuestro futuro”.

El BuclE EstrEna ‘nosotras’

Dos mujeres ante las heridas que causó la guerra

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La compañía chilena Teatro Errante estrena en España la obra Yo Maté a Pinochet, que estará en cartel del 16 de enero al 28 de febrero (vier-

nes y sábados) en el Teatro de La Puerta Estrecha de Madrid. La dramaturgia es de Cristian Flores, que también protagoniza la obra y se encarga de la dirección junto con Alfredo Basaure.

La obra pone en escena la historia de Manolo, un ex combatiente de un grupo re-volucionario marginado del relato oficial. El personaje cuenta el reencuentro con per-sonas de su pasado a las que revela, em-pujado por la nostalgia y el deseo de darle sentido a sus pérdidas, a sus decisiones y a su lucha, que él mató a Pinochet. Esta declaración desencadena diferentes reac-ciones que el personaje no espera, recor-dando momentos de su praxis política, sus derrotas, el amor, la amistad o la muerte.

Según la compañía, Yo Maté a Pinochet “viene a profundizar sobre el aspecto

discursivo del sujeto popular, su praxis política desde la cotidianeidad y desde la militancia”. Este montaje pone en es-cena un texto (monólogo), que a través de un personaje “pondrá en relieve cómo la memoria permite un ejercicio crítico de

evaluación del presente, no siempre grato de aceptar y de escuchar”.

Teatro Errante nace en el año 2008 como una iniciativa de jóvenes actores formados principalmente en la Universidad de Chile. Los objetivos de la agrupación se centran en la realización de un proyecto so-cial desde las disciplinas artísticas, vincu-lando la participación comunitaria, la edu-cación popular y el rescate de la memoria histórica no oficial.

Yo Maté a Pinochet es el cuarto montaje de la compañía, que anteriormente había producido los siguientes espectáculos: Rap-sodia de un Roto Errante en 2008, que se centra en la recuperación de la memoria his-tórica del “Roto Chileno”; Trago Amargo con Malicia en 2009, que relata la historia de un grupo de pobladoras; y por último Huacho Style (2011), que narra las vivencias de un grupo de adolescentes de la población Las Araucarias que, en su tiempo libre, forman parte de la banda “Huacho Style”.

tEatro ErrantE EstrEna ‘Yo maté a PinochEt’

La memoria como diagnóstico del presente

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La piedra oscura de Alberto Conejero se estrenará el 14 de enero en la Sala de la Princesa del Teatro María Guerrero de Madrid y estará en cartel

hasta el 22 de febrero. Esta coproducción del Centro Dramático Nacional y lazona está inspirada en la vida de Rafael Rodríguez Rapún (estudiante de Ingeniería de Minas, secretario de la Barraca y compañero de Federico García Lorca en los últimos años de sus vidas). La pieza está dirigida por Pablo Messiez y cuenta con las interpretaciones de Nacho Sánchez y Daniel Grao.

Dos hombres se encuentran en una ha-bitación de un hospital militar cercano a Santander. A pesar de no conocerse, no les queda más remedio que compartir las horribles horas de un tiempo que quizá ter-mine con la muerte de alguno de ellos. Los remordimientos ocultan un secreto, y hay un nombre que resuena en las paredes de la habitación: Federico. “La piedra oscura es teatro puro porque es también poesía”, cuenta el director Pablo Messiez. Tan sólo queda la custodia de unos documentos y manuscritos como último gesto de amor.

La obra trata la memoria como espacio de justicia y habla también sobre la nece-sidad de redención. “El pasado no deja de

lanzar preguntas incómodas sobre nuestro presente y los débiles cimientos de esta democracia ahora asediada. He escrito so-bre el pasado también para cuestionar mis certidumbres sobre él y como brújula de un futuro incierto”, explica Alberto Conejero.

Juntando tensión dramática y pulso poético, se plantean interrogantes sobre la naturalización de nuestro pasado más reciente y el destino de los olvidados en las cunetas de la Historia. Según el autor, la obra es también “un canto de amor” a Federico García Lorca, “a su memoria como una luz siempre imprescindible y a su cuer-po ausente como una oscura herida de este país”. En opinión de Ian Gibson, conocido por su trabajo biográfico sobre Lorca, en-tre otros, “el desarrollo del diálogo entre los dos únicos personajes de la obra está orquestado con maestría, con una inmen-sa ternura contenida, y muy pocos podrán mantener los ojos secos hasta el final”. Para Gibson La piedra oscura difunde un mensaje necesario “en una España donde, vergonzosamente, todavía yacen en cune-tas más de 100.000 víctimas del fascismo, entre ellos el desaparecido más célebre de todos, por la recuperación de cuyos restos hace votos el personaje de Rapún”.

Por otro lado, Pablo Messiez alaba la calidad artística del texto de Conejero, en el que, según él, el acto de nombrar tiene un lugar fundamental: “Nombrar para re-cordar, para volver a saber, para no olvi-dar”. El deseo de Messiez es “crear una puesta en escena que le de a la palabra el protagonismo que en la obra tiene, y que sin perder su anclaje en la historia que le da origen, mantenga su riqueza conceptual que trasciende toda frontera. En este sen-tido, si bien el espacio escénico estará de-terminado (como siempre) por el espacio real de la sala, procuraremos que no pierda esta doble condición.”

El director también advierte de la impor-tancia del trabajo de creación del espacio sonoro, “ese afuera (como exterior y como pasado) tan condicionante del presente en el que los personajes se encuentran”. Este encuentro de los personajes dará pie a un diálogo sobre la memoria, que para el autor es “una indagación sobre los que queda-ron en los márgenes de la foto oficial de la Historia, detrás de las grandes fechas, de los grandes nombres. Nuestros padres, nuestros abuelos. Aquellos que fueron casi devorados por el tiempo y el olvido. Para que su memoria perdure”.

El cEntro Dramático nacional EstrEna ‘la PiEDra oscura’

Nombrar para mantenerel recuerdo de los olvidados

©Marcos GPunto

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Como un “planfeto poético-visual so-bre algunos aspectos que acontecen en estos oscuros días que vivimos” define Cambaleo Teatro su nuevo

espectáculo, 1 DÍA presentado en público el pasado 19 de noviembre, estrenado en La Nave de Cambaleo de Aranjuez los días 20 y 21 de diciembre y que estará en cartel en la citada sala los días 24 y 25 de enero, 14 y 15 de febrero y 7 y 8 de marzo.

Con textos de Eva Blanco, Antonio Sarrió, Begoña Crespo y Carlos Sarrió y dramatur-gia y dirección del propio Carlos Sarrió 1 DÍA se presenta en cinco imágenes que comienza con la titulada como el propio es-pectáculo ‘1 DÍA’ y en la que los intérpretes ponen sobre escena el juego “como for-

ma de relacionarnos, los humanos hemos nacido para el juego, tenemos un juguete estupendo: nuestro cerebro (aprender, inventar, imaginar…)”. La segunda de las imágenes lleva por título ‘Un día vi una pin-tada en una pared…’ y da pie a reflexionar “sobre las expectativas impuestas, las ma-neras de vivir, las cosas que te pasan, las cosas que te imponen…” apuntan desde Cambaleo Teatro.

La tercera imagen se denomina ‘Res-ponsabilidad de Estado’ y es con la que se abordan “las maneras de ejercer el po-der. Ocultar la realidad para perpetuarse”. ‘Todo tiene un comienzo’ es la frase de la cuarta imagen, y se refiere a que “todo tiene un comienzo, las cosas ocurren por

algo, se toman decisiones, todo es ideolo-gía, la crisis no apareció como una seta o un accidente cósmico…” para finalizar con la quinta y última imagen que ni siquiera tiene frase que la defina y indica que “todo tiene un final”.

Eva Blanco, Antonio Sarrió, Begoña Cres-po, Carlos Sarrió, Julio C. García interpretan sobre el escenario 1 DÍA, “Un día de tu vida. Un día más. Un día en la casa de dios, pero sin dios. Un día negro. Un día descansare-mos. Un día bebiendo sin parar. Un día de fiesta. Un día que es el último. Un día sin nú-mero. Un día en prisión. Un día epistolar. Un día sin dinero. Un día sin horas. Un día de palabras que me rodea. Un día de muerte. Un día sin tu mirada”.

camBalEo tEatro EstrEna 1 DÍa

Sucesos que acontecen en los oscuros días que vivimos

©David Ruiz

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El Teatro Lliure produce el es-pectáculo El rei Lear de William Shakespeare. Lluís Pasqual dirige esta obra que cuenta con la direc-

ción musical de Dani Espasa. Núria Espert será la encargada de dar vida al Rey Lear. La pieza estará en cartel del 15 de enero al 22 de febrero en Montjuïc, Barcelona. Según Lluís Pasqual, “cuando un teatro decide afrontar el reto y la responsabilidad artística de montar El rey Lear es un teatro (artistas y espectadores) que ha llegado a su mayoría de edad y que ha perdido, aun-que sea durante un breve periodo, el mie-do a enfrentarse a su verdadera imagen, reflejada sin compasión por el mayor de los poetas dramáticos de todos los tiempos, aquel al que regresamos cada vez para ver y comprobar de qué materia estamos hechos los humanos”.

Joan Sellent es el autor de la traducción del inglés en esta obra que también cuenta con el trabajo de Juan de la Rubia como or-ganista. Acompañarán a Núria Espert los si-guientes intérpretes: Aleix Albareda, Marcel Borràs, Jordi Bosch, Jordi Collet, Laura Co-nejero, Míriam Iscla, Teresa Lozano, Ramon Madaula, Julio Manrique, Òscar Rabadán, Andrea Ros y David Selvas, entre otros.

En palabras de Pasqual, “cada vez que, como espectadores, acompañamos las des-venturas del viejo rey, nos emocionamos y se nos encoge el corazón ante la miseria y la grandeza que pueden habitar al mismo tiempo en nuestras almas. Grandeza y mi-seria del arte, en este caso del teatro, que nos hace sensibles ante una representación e insensibles a las mismas escenas que la vida nos muestra diariamente tan de cerca que podemos sentir incluso su olor a mar-chito. Acostumbrados a vivir rodeados de tópicos y de lugares comunes que esconden las realidades más concretas y palpables de nuestra existencia, esta catedral del teatro y de la poesía nos coloca ante una verdad difícil de aceptar, pero tan cierta como te-rrible: el amor es un motor, tal vez el motor de nuestra vida, y sin él seríamos estériles, huérfanos. Es cierto. Pero el amor no hace desaparecer la crueldad ni la vileza ni la in-diferencia, que también se encuentran en la raíz más profunda de nuestro espíritu, ca-paz de provocar el dolor más insoportable a cualquier semejante nuestro, incluso de los más cercanos, padres, hijos, hermanos...”.

Los sábados a partir del 24 de enero, el espectáculo se podrá ver en catalán sobre-titulado en castellano e inglés.

El tEatrE lliurE EstrEna El rEi lEar

Nuria Espert encarna al Rey Lear

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Mario Gas dirige esta obra que Harold Pinter escribió en los años cincuenta, pero que finalmente fue estre-nada treinta años después. Invernadero cuenta con una versión a cargo del es-critor Eduardo Mendoza, y está protagonizada por Gonzalo de Castro y Tristán

Ulloa, entre otros. En el texto, Harold Pinter presenta una sátira del funcionamiento burocrático y el gobierno autoritario de un establecimiento cuya naturaleza exac-ta no se desvela. No está sometido a ningún control y al parecer cualquier comportamiento sobre los aloja-dos está permitido. En plena celebración navideña, el director y su equipo se enfrentan con un nacimiento y una muerte que han tenido lugar en el interior de este lugar. El Teatro del Invernadero coproduce este espectáculo junto con el Teatro de La Abadía. Las representaciones se realizarán del 26 febrero al 29 de marzo en la Sala Juan de la Cruz del mencionado teatro madrileño. Anteriormente la obra se podrá ver el 16 de enero en Teatro Palacio Valdés de Avilés y el 17 en el Teatro Jovellanos de Gijón.

La compañía Traspasos Kultur presenta la comedia Los huerfanitos, basada en la novela homónima de Santiago Lorenzo y adap-tada a teatro por José A. Pérez. La muerte de Ausias Susmozas reúne por prime-ra vez en mucho tiempo a sus tres hijos, dispuestos a

recoger algo de dinero que compense la falta de cariño de su padre. Pero en vez de con eso, se encuentran con una gran deuda: el banco se quedará el teatro de su padre si no consiguen saldarla. La única solución es se-guir produciendo y estrenar, en poco tiempo, una obra: ‘La vida es sueño’. Más allá de la propia sátira teatral, la obra dirigida por Mikel Gómez de Segura pretende satirizar también la crisis económica actual. Además de contar con un número de actores fijos, la compañía trabaja la posibilidad de que el espectáculo cuente con varios figurantes que se contratarán en el entorno de la localidad en la que se represente la función. La obra se podrá ver, entre otros, en el Social Antzokia de Basauri el 17 de enero, y en el Teatro Coliseo de Eibar el 23 de enero.

Los huerfanitos

La sesión final de Freud

Invernadero

La compañía Gloria López Producciones presenta esta obra de Donald Mar-gulies con versión y direc-ción de Daniel Veronese. La pieza trata el mundo de la pareja cuando aparece un conflicto, a través de la relación entre dos parejas amigas, Gaby y Karen y To-

mas y Bea, que se conocen desde jóvenes. La historia comienza con una cena entre amigos, como tantas, compartiendo anécdotas, recuerdos comunes y viajes. Pero en esta ocasión la noticia de la ruptura de una de las parejas empieza a resquebrajar la serenidad de las familias económicamente acomodadas. Los efectos de la disolución matrimonial producen que todo lo que pa-recía estar en su lugar y ser tranquilizador se resque-braje. A partir de ese momento se abren los abismos de la comunicación, se intenta recuperar un mundo en común que ya está perdido y la amistad tiembla. La traducción del texto la realiza Susana Groisman. En cuanto al reparto, está formado por May Pascual, Glo-ria López, José Olmo y Orencio Ortega. El espectáculo se podrá ver del 14 de enero al 1 de febrero en la sala BAIXOS22 del Teatre Tantarantana de Barcelona.

La Universidad Internacio-nal de La Rioja (UNIR) a través de UNIR Teatro, presenta esta obra del au-tor Mark St. Germain bajo la dirección de la británica Tamzin Townsend. La obra transcurre en Londres el 3 de septiembre de 1939, día en que Inglaterra declara la

guerra a Hitler, una jornada crucial para Occidente. En el número 20 de Maresfiled Gardens en Hampstead, Sigmund Freud, el padre del psicoanálisis, recibe a Cli-ve Staples Lewis, prometedor catedrático de la Univer-sidad de Oxford, autor de ‘Las crónicas de Narnia’ y amigo personal de J. R. R. Tolkien. Los actores Helio Pedregal y Eleazar Ortiz serán los encargados de dar vida a Sigmund Freud y C. S. Lewis, respectivamente. Los dos genios discreparán, de manera irónica, aguda y mordaz, sobre el amor, el sexo, el arte, la existencia de Dios y el sentido de la vida, todo ello veinte días antes de que Sigmund Freud se quite la vida. La traducción de la obra viene de la mano de Ignacio García May. La sesión final de Freud estará en cartel del 13 de enero al 22 de febrero de 2015 en la Sala Pequeña del Teatro Español de Madrid.

cena con amigos

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Espectáculo creado por el di-rector teatral Marc Montse-rrat Drukker y el dramatur-go Ignacio García May, La ola surge a partir del expe-rimento auténtico llevado a cabo por el profesor de ins-tituto Ron Jones en 1967 en California. Jones realizó un experimento psicológico con

sus alumnos de historia en torno al nacimiento del na-zismo, proponiéndoles seguir durante varias semanas unas reglas estrictas que les permitirían experimentar lo sencillo que es convertirse en parte de un aparato totalitario. Los pupilos aceptaron participar en este pro-yecto que poco a poco amenazó con escapársele de las manos al profesor. Así, los autores explican que el obje-tivo de la obra es seguir los hechos de la forma más fiel posible, tal y como fueron consignados en su momento por el propio Jones en diversos artículos y entrevistas y recopilados más tarde por diversos exalumnos parti-cipantes en el experimento. Esta producción del CDN estará en cartel del 30 de enero al 22 de marzo en el Teatro Valle-Inclán de Madrid.

Olga Margallo dirige la obra ¡Chimpón! Panfleto post-mórtem, una coproducción del Centro Dramático Na-cional y Uroc Teatro. Juan Margallo y Petra Martínez son los actores que dan vida a los personajes J. F. y Tita. “Hermano, primo, cuñado, suegro, nuero, yerna, ami-

go, congénere, desconocido, recuerda que ‘morir habe-mus’, pues de esto trata la obra”, explica Juan Margallo. Ambos personajes son presentados en sillas de ruedas, sentados a la orilla del río. Según Margallo, los prota-gonistas se encuentran repasando la película de la vida, “poco antes de dar el traspié final, viendo pasar, a veces muy despacio, a veces deprisita, las peripecias que han asolado nuestra existencia y que tanto nos han dado de reír y comer, porque aunque ustedes no se lo crean nosotros hemos vivido de la risa. Esperemos que este último salto mortal haga honor a tan ajetreada vida”. El espectáculo se podrá ver del 9 de enero al 8 de febrero de 2015 en la Sala Francisco Nieva del Teatro Valle-Inclán de Madrid.

¡Chimpón!

La pechuga de la sardina

La ola

El autor del texto, Fran-cisco Nieva, sitúa la trama de la obra en la ciudad de Nápoles en torno a 1640. El protagonista Salvator Rosa será quien se mueva por una escena propiciada por la revuelta de Nápoles, movi-miento popular liderado por

Masaniello. “Este texto de Nieva es lengua y lenguaje, ya que une la belleza del idioma a la acción de un tea-tro de siempre”, comenta su director Guillermo Heras. Otro tema tratado es el choque de dos concepciones artísticas: los seguidores del llamado realismo y los de la ficción poética. Será el Teatro María Guerrero de Ma-drid el que acoja esta producción del Centro Dramáti-co Nacional entre el 27 de febrero y el 5 de abril. Para dar vida a los personajes se cuenta con la participación de los siguientes intérpretes: Isabel Ayucar, Beatriz Bergamín, Alfonso Blanco, Javier Ferrer, Gabriel Garbi-su, Carlos Lorenzo, Ángeles Martín, Juan Matute, Juan Meseguer, Nancho Novo, Sergio Reques, Sara Sánchez, José Luis Sendarrubias y Alfonso Vallejo.

“La pechuga de la sardi-na no es ni más ni menos que un trozo de vida, de una vida que pesa inexo-rable, e inevitablemente, sobre los personajes”. Así describe la obra su director Manuel Canseco, que cita al ambiente como principal

protagonista de este drama de Lauro Olmo. “En esta obra he procurado que la fuerza de las situaciones dra-máticas surja de los contrastes y que el ritmo de éstos vaya creando el gran personaje que condiciona todo lo demás”, comenta su autor. Para Canseco, son los personajes femeninos quienes sirven para definir a los otros al tiempo que se definen a sí mismos. Confor-man el reparto de la obra los siguientes actores: Ma-nuel Brun, Marta Calvó, Víctor Elías, María Garralón, Nuria Herrero, Marisol Membrillo, Cristina Palomo, Am-paro Pamplona, Natalia Sánchez, Juan Carlos Talavera y Alejandra Torray. Esta producción del CDN será re-presentada del 25 de febrero al 29 de marzo en la Sala Francisco Nieva del Teatro Valle-Inclán de Madrid.

Salvator Rosa o El artista

©marcosGpunto

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Con el lema ‘Ahora es cuando’ se presenta la vigésima segunda edi-ción del Festival Internacional San-tiago a Mil que se celebra del 3 al

18 de enero en diversos teatros, salas y calles de Santiago de Chile. El lema, “es una invitación, una provocación y un llamado a actuar para que el público se haga parte del festival. Creemos que ahora es cuando debemos hacernos cargo de un Chile mul-ticultural, de un Chile que valora la diferen-cia, de un Chile inclusivo, que se atreve, que experimenta y que quiere que el arte sea parte fundamental del cotidiano de nues-tras vidas” explicó la directora general del Festival, Carmen Romero al presentar esta edición. Y para ello nada menos que una programación con 91 espectáculos tanto chilenos como llegados de diversas partes del mundo.

Por vez primera la selección de los mon-tajes chilenos se ha llevado a cabo a través de una postulación formal. Un jurado de 21 personas ha sido la encargada de elegir las 18 obras que se van a exhibir de un total de 108 solicitudes; “son obras que dan un énfasis a las nuevas dramaturgias y pro-puestas estéticas que descubren nuevas formas de contarnos la historia del país” explica Bosco Cayo, actor y dramaturgo miembro del jurado. Destacan por tanto va-rias obras que abordan temáticas sociales que han marcado la agenda política chilena, algunas con la problemática de la educa-ción como tema central como Silabario del propio Cayo, una obra escrita a partir de una investigación en torno a los discursos revolucionarios de manifestantes de la lu-cha de un país movilizado.

María Teresa y Danilo es una obra de corte realista escrita por Catherinne Bos-

sans con dirección de Sofía García que retrata la difícil realidad de los profesores en Chile ofreciendo otra mirada ante el pro-blema de la educación en el país mientras que Infantes a cargo de Gabriela Arroyo, ofrece una perspectiva crítica del contexto actual de miedos, presiones frustraciones y proyecciones de los adultos chilenos, todas ellas derivadas desde la infancia.

Los millonarios de Alexis Moreno es una comedia negra a cargo de Teatro La María que reflexiona sobre las relaciones de poder a través de la historia de unos abogados sin escrúpulos que deciden re-presentar la causa Mapuche mientras que en Leftraru, su autor, Bosco Cayo, se ha inspirado en la obra ‘Lautaro’ de Isidora Aguirre para intentar reflexionar sobre el histórico conflicto del estado chileno con el pueblo mapuche, develando las lógicas colonizadoras presentes hasta hoy.

Acceso monólogo de Pablo Larraín y Roberto Farías da voz a un vendedor am-bulante que relata su vida, la de un niño abusado, un gladiador urbano que revela señas profundas de un lugar de vida, dolor

y goce, acompañado de un lenguaje lumpen, coa, delictual, atroz y poético a la vez. Del dramaturgo Benjamín Galemiri es El coor-dinador dirigida por Raúl Rocco, una obra sobre la opresión, quizá el absolutismo. Destaca también La imaginación del futuro de la compañía La Resentida, una ficción libre a partir de unos hechos históricos que han marcado la identidad política del país, una reflexionar en torno al pasado, futuro, y presente de Chile a través del humor, la crueldad y el sarcasmo.

EscEna intErnacional

Desde México llega la aplaudida Baños Roma, de Teatro Línea de Sombra y des-de Bolivia la veterana Teatro de los Andes con Mar una creación colectiva junto con Arístides Vargas, una reflexión poética so-bre el mar, la guerra del Pacífico, la familia y la muerte. Desde la vecina Argentina es-pectáculos como El loco y la camisa dirigi-da por Nelson Valente, Spam, una ridícula fantasía apocalíptica con fondo de fin de fiesta escrita y dirigida por Rafael Spre-

XXII FestIval InternacIonal santIago a MIl

La realidad política del país y la escena internacional

91 espectáculos de la escena chilena e internacional conforman la programación de la edición de 2015

La imaginación del futuro de La Resentida

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gelburd, La fiera la historia de una mujer que asesina hombres, la historia de una vengadora, de una mujer tigre escrita y dirigida por Mariano Tenconi Blanco o Los cuerpos, coreografía de Ramiro Cortez y Federico Fontán sobre la animalidad, la brutalidad, lo visceral, la imposibilidad física y la ambigüedad entre la fuerza ex-trema y la belleza.

Desde Uruguay, la compañía Complot presenta Ex- que revienten los actores con texto y dirección de Gabriel Calderón, una obra que cuestiona la célebre frase “el tiempo lo cura todo” porque... ¿y si el tiem-po tuviese el efecto contrario?

Del otro lado del océano llegan creado-res de reconocimiento internacional como el belga Fabrice Murgia que estrena Chil-dren of nowhere (Ghost road 2) segun-da parte del proyecto indiciado en torno a la abandonada Ruta 66 y los pueblos fantasmas que la rodean. Esta obra está inspirada en el desier to de Chacabuco y sus personajes para crear un proyecto sobre la memoria, la vejez y la acción; Chacabuco como antigua mina salitrera y como campo de concentración de casi dos mil presos políticos entre 1973 y 1974. Desde Grecia, Iliada de Homero dirigida

por Stathis Livathinos; una gigantesca or-questa abier ta, un teatro de guerra, una versión contemporánea de más de tres horas de duración del gran clásico en una atmósfera dinámica y cambiante. La com-pañía New Riga Theatre pondrá en escena Black milk, sobre la identidad letona; la coreógrafa española Eva Yerbabuena hará lo propio con su último espectáculo, ¡Ay! y desde Portugal, Sara Carinhas pone en

escena el lenguaje poético de la novela de Virginia Woolf en As ondas.

Destaca también la performance del su-dafricano Brett Bailey, Exhibit B que escarba entre los archivos de algunos momentos de la historia que han sido convenientemente olvidados y ofrece una iconografía de las muchas formas en que los poderes de Oc-cidente han deshumanizado a quienes ellos han saqueado, controlado y excluido.

Spam ©Hernán Corera

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La sala Cuarta Pared y diversos es-pacios Matadero de Madrid son los espacios en lo que del 20 al 23 de enero se va a celebrar la XI edición

de MadFeria. Artes Escénicas de Madrid que organiza ARTEMAD (Asociación de Em-presas Productoras de Artes Escénicas de Madrid) desde el año 2004.

Eduardo Pérez-Rasilla continúa como di-rector artístico de esta edición para la que se han programado un total de veinte fun-ciones de diecisiete espectáculos de otras tantas compañías, tres de ellos estrenos como Humo, obra de Juan Carlos Rubio que sube a los escenarios Telón cor to bajo la dirección de Manuel Galiana, una historia sobre la verdad y la mentira con la adicción al tabaco como telón de fondo y el amor en-tre una pareja como tema principal. Otro de los estrenos programados es El canto de la rana de José Sanchis Sinisterra, monólogo interpretado por Yiyo Alonso quien da vida a Cosme Pérez, conocido actor del siglo XVII que tras su máscara de ‘Juan Rana’ repasa su vida en los tablados en la soledad de un teatro vacío; una obra de Sumsumcorda Teatro dirigida por Emilio del Valle.

El tercer estreno llega de la mano de José Torres Trío que presenta La Suite del re-loj, un espectáculo de flamenco contempo-ráneo en un espacio musical e íntimo, en un lugar donde el tiempo parece suspendido, La Suite. Y la danza es la protagonista de varias propuestas, disciplina escénica que se quiere seguir impulsando desde MadFe-ria. La Phármaco baila a Beckett en La voz del nunca, una pieza a partir de ‘Esperando a Godot’ que dirige Luz Arcas y en la que el sentimiento romántico se sustituye por el

mito de la nada y en la que los personajes de Beckett superan el solipsismo, solo son a través del otro.

Desconcierto Estudio 1. Nocturno de Ali-cia Soto-Hojarasca es el primer estudio del proyecto de investigación “Cartografía del Cuerpo en un espacio arquitectónico” que la propia Soto junto con Mario Rosado Hernán-dez al piano realiza sobre la arquitectura, la semiótica del cuerpo y el público y con los ‘Nocturnos’ de Chopin como hilo conductor. Laly Ayguadé y Nicolás Ricchini reflexionan sobre la complejidad del cuerpo en Incógnito + Saba en esta coreografía creada por la propia Ayguadé mientras que Carmen Wag-ner, al frente de Provisional Danza presenta Tell me, una pieza de danza contemporánea que se fija en todo aquello que se escapa del espacio y queda fuera para contribuir a la emoción y a la reflexión. Cuando se está ausente de acción, esas largas pausas son momentos de suspense en contraste a la

aparición de todo y es que observando la nada se crea incertidumbre pero si miramos dentro encontramos que es ahí donde pasan cosas reales.

Los espectáculos teatrales son mayoría en esta nueva edición de MadFeria y ade-más de los estrenos ya mencionados, du-rante los dos primeros días de la feria se podrá conocer la propuesta Punto muerto de la que la compañía Con R@stro reali-zará varios pases. Blanca Domenech es la autora de esta obra que dirige Rubén Cano e interpreta Jordi Buisán, una historia en la que un hombre se enfrenta a una pregunta crucial: ¿es hoy el día de acabar con todo?. Una pieza “de teatro invasivo que responde a la situación general de recortes, invitando a la reflexión” y “busca poner al individuo, con sus motivaciones, miedos, sentimien-tos y esperanzas, en el centro del debate” apuntan desde la compañía.

Carlos Sarrió es el autor y director de Nun-

XI MaDFerIa - artes escénIcas De MaDrID

Buena cosecha para comenzar la segunda década

Diecisiete espectáculos, tres de ellos estrenos, y veinte funciones en Matadero y Cuarta Pared

El canto de la rana de José Sanchis Sinisterra

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ca debimos empezar por ahí, una propuesta de Cambaleo Teatro en la que se habla del pasado y del presente y se sugiere que algo debimos hacer mal cuando hemos llegado a esta ruina económica y humana, una obra en la que sus intérpretes –Eva Blanco, Antonio Sarrió, Julio C. García, Begoña Crespo y el propio Carlos Sarrió– se hacen la siguiente pregunta: ¿Qué hubiera pasado si...?

De leyes va la propuesta de Sudhum Teatro, Vagos y maleantes, obra escrita por Luis Andrés que realiza un recorrido histórico por la aplicación de leyes como Ley de Vagos y Maleantes (1933), Ley de Peligrosidad Social (1970) y la actual deno-minada como Ley de Seguridad Ciudadana y del Menor. Una historia sobre la vida de cinco personajes dominados por el poder la imagen, la política, el miedo a lo diferente, la represión y la lucha.

La veterana compañía Morboria Teatro sube a los escenarios una versión de Pic-Nic de Fernando Arrabal con versión y dirección de Eva del Palacio, un alegato contra la gue-rra en clave de humor en la que siguiendo el estilo de Arrabal proponen “un juego escé-nico enloquecido y naif, aparentemente ab-surdo disparatado y utópico, infantil, cruel, rebelde, apasionado y cómico”.

El humor también es el protagonista de Il-debrando Biribó. El último Cyrano, un monó-logo a varias voces dirigido por Iñaki Rikarte e interpretado por Alberto Castillo-Ferrer que va presentando sobre el escenario una treintena de personajes y recreando mun-dos evocadores, épocas pasadas y situacio-nes vitales con las que Ildebrando cuente su tragedia. Esta obra de la compañía El gato negro es una reflexión sobre el teatro desde uno de sus pilares: el Oficio Teatral, personi-ficado en la figura del apuntador.

La Pavana por su parte presenta El crimen de la hermana Bel, una comedia negra con música y canciones que muestra, sin tapujos, los entresijos del mundo de la televisión, las perversiones del poder y la manipulación de la vida ajena. Un texto de Frank Markus di-rigida por Rafael Calatayud que habla sobre el amor, la vida y los difusos límites entre lo real y lo ficticio que no deja indiferente. Las

propuestas para públicos adultos se comple-tan con El experimento segundo espectáculo del cuarteto vocal Primital Bros en el que a través de sus melódicas y coordinadas voces ofrecen una obra “con mucha música, buen rollo, algo de comedia, nada de palabras comprensibles y menos de instrumentos mu-sicales”. Dani Llull dirige sobre el escenario a Iñigo García, Pedro Herrero, Luismi Baladrón y Santi Ibarretxe.

La programación de este año también in-cluye espectáculos dirigidos al público infan-til y familiar. El sueño del pequeño guerrero de La Tar tana Teatro es un espectáculo de títeres y actores dirigido por Juan Muñoz en el que se narran las andanzas de Kika-ne, que quiere ser un gran guerrero pero para conseguirlo debe superar las pruebas a las que le someterá el chamán de su tribu; una obra llena de aventuras ambientada en la sabana africana. Segismundo, el príncipe prisionero es una adaptación para los más pequeños de ‘La vida es sueño’. Una obra de La Pitbull Teatro con dramaturgia de Diana Cristóbal y dirección de Dolores Ga-rayalde que tiene como objetivo, además de dar a conocer a Calderón, reflexionar

sobre la libertad “pero también acostum-brar a los niños a la sonoridad y belleza del verso, a ese uso barroco del lenguaje” apuntan desde la compañía.

Por último, El Chef chop chop y el Tik Tal de Fidelia de Kar lik Danza Teatro, una obra creada y dirigida por Cristina D. Sil-veira en la que el público se convierte en comensal de lujo, en intérpretes de esta ex-periencia tecno-emocional que alimenta los sentidos. En la obra se cocinarán: por kilos, 60 de música, 30 de danza teatro, y 20 de humor además de 800 gr de paciencia y belleza y una pizca de imperfecciones.

Y además dos actividades paralelas a la exhibición de obras, el taller ‘¿Cómo ven-derse en un ascensor?’ impartido por Mike Ribalta productor, gestor de proyectos y jefe del Área de Promoción Internacional de Fira Tàrrega y las jornadas ‘Las artes escénicas y la cualificación de sus profesionales’ que en coordinación con la Dirección General de Estrategia y Fomento de Empleo de la Comu-nidad de Madrid buscan abrir un espacio de debate y reflexión, con el objetivo de sentar las bases sobre las necesidades de forma-ción del sector de las artes escénicas.

El crimen de la hermana Bel de La Pavana

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Con la exhibición de estatuas huma-nas en el centro de la localidad gui-puzcoana y la conferencia inaugural a cargo de Miguel del Arco el 20 de

febrero se inauguran las Jornadas Interna-cionales de Teatro de Eibar de 2015 cuya programación comienza con el estreno de New Orleansko Cyrano (Cyrano de Nueva Orleans) de Vaivén Producciones, un espectáculo dirigido al público infantil y fa-miliar basado en el drama heroico ‘Cyrano de Bergerac’ de Edmond Rostand y del que han partido Olga Margallo y Antonio Mu-ñoz de Mesa, encargados de escribir esta adaptación de cuya dirección se encarga la propia Margallo. La historia de este Cyrano se sitúa en Nueva Orleans a finales del siglo XIX en una escuela de música de jazz y los conflictos de la obra son “sencillos y adap-tados al público al que va dirigido, pero mantienen el verso y el espíritu de la obra original. En esta versión, la nuestra, Cyrano y Roxana sí tienen la oportunidad de vivir su amor” indican desde la compañía.

“Queremos hablar a los pequeños y al público familiar de valores como el trabajo en equipo, el esfuerzo, la música como ge-nerador y transmisor de sentimientos, el va-lor de la coherencia, el pelear por un sueño, el respeto y la dignidad de una profesión no convencional y sobre todo el “atreverse a”, el arriesgarse por lo que uno cree y la compensación de hacerlo” explican desde Vaivén sobre este nuevo espectáculo lleno

de humor y un mensaje claro y optimista: “en la vida hay que atreverse”.

La compañía donostiarra también pre-senta en Eibar su último espectáculo para público adulto, HappyEnd, una comedia negra dirigida por Iñaki Rikarte sobre la crisis económica y “sus derivados” –ne-gocios que afloran alrededor de cualquier desgracia–, y sobre el derecho a morir, a suicidarse. El humor negro, “muy negro” como afirman desde la compañía es el tono utilizado en esta obra que pone en escena las andanzas de HappyEnd, una asociación clandestina encargada de proporcionar a los suicidas la ayuda necesaria para con-seguir su fin. A partir de esta idea, la obra

reflexiona sobre la condición humana y pone voz a las personas que sienten que “la crisis aprieta pero sí ahoga” además de abrir la puerta a un posible debate social sobre una decisión personal como es poner fin a la vida de cada cual.

autorEs y dirEctorEs

Miguel del Arco es el director de Misán-tropo, una adaptación libre del propio Del Arco de la célebre obra de Molière con la que Kamikaze Producciones lanza al pú-blico preguntas como: ¿Qué es la verdad?, ¿es rentable la verdad?, ¿merece la pena buscarla cuando su esencia áspera y dura

XXXvIII JornaDas InternacIonales De teatro De eIbar

Como es ya tradición, Eibar marca el paso teatralMiguel del Arco es el encargado de inaugurar las XXX-VIII Jornadas Internacionales de Teatro de Eibar que como es ya tradición comienzan con la conferencia impartida por alguna personalidad del mundo de la es-cena, este año, la cita es con el dramaturgo, director y fundador de la compañía Kamikaze Producciones, el 20 de febrero en el Teatro Coliseo. En la vasta programa-ción de esta edición que se desarrolla hasta el 25 de marzo se podrá disfrutar con un amplio abanico de 20

espectáculos para todos los públicos. Obras de teatro con actores de gran calado como Federico Luppi, la ver-sión del Misántropo del propio del Arco o de gran ac-tualidad como Ruz-Bárcenas; la última de Alfredo Sanzol tanto en euskera como en castellano, dos espectáculos de danza, otros tantos dirigidos al público infantil y fami-liar. Dos también son las obras de compañías de teatro universitario que visitarán Eibar en una edición que por vez primera incluye una gala de magia.

New Orleansko Cyrano de Vaivén Producciones

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puede desbaratar nuestra imperiosa necesidad de confort y pla-cer?, ¿Sigue siendo verdad una verdad fabulada aunque se haya asumido como la verdad, y nada más que la verdad?, ¿No con-siste la verdad íntima en la relación de lo que decimos y lo que hacemos? Siete intérpretes sobre el escenario, convertido en un callejón oscuro donde los cuerpos bailan, las manos brindan, las miradas se juzgan y las lenguas murmuran al ritmo de una música vibrante.

Autor y director es también Alfredo Sanzol, en este caso de La calma mágica y su versión en euskera (traducida por Harkaitz Cano), Barealdi magikoa ambas coproducidas por Tanttaka Teatroa junto con el CDN. La obra es un viaje iniciático que traslada al espectador “a África, a los elefantes rosas, al amor, a los sueños robados, a la obsesión y a los manantiales de los que surge el agua de la vida” en palabras de su director. Una historia que comienza con una situación concreta: Oliver, su protagonista es grabado dormido delante del ordenador por un cliente... a partir de ahí comienza una historia “de búsqueda de la dignidad y del sentido de la vida” apunta Sanzol sobre esta obra en la que la alucinación, la ficción y la realidad están en permanente conexión.

Además de la última obra de Tanttaka la edición de este año incluye dos espectáculos más en euskera. Markeliñe presenta Makinista una obra de humor y crítica social “una explicación histórica del ultraje de la dignidad, su posterior conquista y su si-tuación actual” explican desde la compañía, una obra que llama a la movilización social para evitar “dejar en manos de quienes nos dirigen trenes que conducen a caminos inciertos” añaden. Este espectáculo, en el que el tren se convierte en una metáfora so-cial, está basado en la propuesta de calle ‘Anomalía magnética’. Txalo Producciones por su parte presenta Erdibana versión en euskera de la comedia negra ‘Mitad y mitad’ de Jordi Sánchez y Pep Antón protagonizada por Anjel Alkain e Iker Galartza.

actualidad política

Jordi Casanovas es el autor de Ruz-Bárcenas coproducción de Teatre Lliure y Teatro del Barrio dirigida por Alberto San Juan. En escena la declaración de Luis Bárcenas (interpretado por Pe-

Ruz-Bárcenas coproducción de Teatre Lliure y Teatro del Barrio

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dro Casablanc) ante el juez Pablo Ruz (Ma-nolo Solo), “una gran farsa si no llega a ser real”. La dramaturgia de esta obra ha sido creada a partir de la transcripción de la de-claración que Bárcenas, “no se ha añadido ninguna información que no esté contenida en la transcripción (...) Todas y cada una de las palabras y de los nombres que se dicen y se pueden escuchar en este espectáculo, se dijeron y se pudieron escuchar el 15 de Julio de 2013 en la Audiencia Nacional”.

Federico Luppi protagoniza El reporta-je monólogo de Santiago Varela que pone en escena el momento de preparación de una entrevista televisiva a un general en la cárcel donde cumple condena por haber participado en la brutal dictadura genocida que asoló Argentina a partir de 1976. La entrevista busca que el militar cuente cómo participó en actividades de censura en el ámbito cultural y, más concretamente, en el incendio del teatro El Picadero de Buenos Aires en julio de 1981. Esta obra, produci-da por Ciclo Nuestro Teatro, es un home-naje al ciclo Teatro Abierto que en el mo-mento del incendio se estaba desarrollando en el citado teatro, creada en el marco del concurso ‘Nuestro Teatro’ impulsado por la Secretaría de Cultura de la Presidencia de la Nación en 2013.

ilMaquinario Teatro presenta El hom-bre almohada, del dramaturgo irlandés Martín McDonagh obra que profundiza en el influjo que la violencia juega en el de-sarrollo de la persona desde una perspec-tiva tierna y sarcástica y en la necesidad humana de imaginar ficciones, de contar historias como medio para la redención o la pura supervivencia en circunstancias límite. Con dramaturgia y dirección de Tito Asorey, la historia parte del interrogatorio de una escritora al haber aparecido en la ciudad varias personas asesinadas de la misma manera que ella describe en algunos de sus relatos.

Más tEatro

Con La puta enamorada las jornadas dan un salto al teatro clásico “desde punto de vista contemporáneo” tal y como apunta su autor, Chema Cardeña. Dirigida por Jesús Castejón, este espectáculo de Euroscena viaja al Madrid de los Austrias y tres per-sonajes, María Calderón, “La Calderona”, amante del rey y cómica de las corralas, el gran Diego Velázquez, maestro de maes-tros y el entrañable pícaro Lucio hablan de la libertad, la que esta mujer “porta por bandera frente a un mundo pensado y he-cho por hombres, donde ellas sólo son una triste mercancía” aclara su autor.

Y la comedia también tiene su lugar en esta edición con espectáculos como Taitan-tos en la que la protagonista, interpretada por la actriz Nuria González, es una blogue-ra de éxito y madre estresada-nerviosa-atacada que lleva una guerra invencible, la lucha contra el tiempo. Una obra llena de humor dirigida por Coté Soler. También comedia es De mutuo desacuerdo, escrita por Fernando J. López y dirigida por Quino Falero. Sobre el escenario una pareja (Iñaki Miramón y Toni Acosta) para abordar te-mas como la pareja, la paternidad y la fa-milia a través de un matrimonio que ya no lo es y siempre desde el prisma del humor; una obra sobre el problema de la identidad después de una ruptura de pareja pero con grandes dosis de humor. Y el humor es el principal protagonista de ¿Por qué los ma-yores construyen los columpios encima de un charco?, una recopilación de los textos más recientes de Luis Piedrahita destina-da a divertir al público.

Caben destacar además las propuestas de teatro universitario que no pueden faltar en la programación de las jornadas. Este año son dos, la adaptación de Ricardo III de William Shakespeare del Grupo Maricasta-ña de la Universidad de Vigo y Las bellas de Easo de Musikomeria y sus alumnos de Donostia.

danza y gala dE Magia

Dos son también los espectáculos de danza programados este año. Gelauziak fruto de la colaboración de Kukai con el co-reógrafo Cesc Gelabert bajo la dirección de Jon Maya; una unión que ofrece una nueva

mirada a la danza tradicional añadiendo un eslabón más en la cadena de interacciones entre la tradición y la contemporaneidad.

El flamenco es el lenguaje de La Gloria de mi madre espectáculo de Choni Cía Fla-menca, una obra inspirada en la cultura del café-cantante, mezclando el humor, el cante y baile flamenco más tradicional, la copla, la ironía y la improvisación para po-ner de manifiesto de forma divertida, las típicas situaciones que se dan entre una artista y su madre. Un homenaje a la madre de la artista, a todas las madres y a todas las artistas.

El público infantil y familiar también va a tener la posibilidad de disfrutar con otro espectáculo además del estreno ya mencio-nado. Se trata de El cascanueces de E.T.A. Hoffmann con dramaturgia de Alfonso Plou y dirección de Carlos Martín, una obra muy visual de Teatro del Temple que mezcla los títeres y la danza con el teatro y en la que se plasma un imaginativo mundo don-de los actores, los muñecos y la danza se convierten en el vehículo para acercar la magia y la fantasía a los escenarios.

Completa la programación de esta edi-ción una de sus novedades, la gala La Mejor Magia que presenta la Fábrica de Magos. Por vez primera, las jornadas ei-barresas acogen en su programación una gala de este tipo ya que se podrá disfrutar con los números de cuatro reconocidos magos ganadores todos ellos de diversos premios. Daniel Ka, Nuel Galán, Héctor Mancha y el Mago Valen ofrecerán núme-ros de grandes aparatos, magia con car-tas, objetos, magia de cerca, mentalismo... y mucho más.

El reportaje monólogo de Santiago Varela ©Augusto Starita

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Una nueva edición del Festival Esce-na Abierta de Burgos llega con el propósito de estimular la imagina-ción de los espectadores a través

de diferentes propuestas innovadoras. El festival propone una reflexión en torno a la ocupación del espacio, siendo precisamente la poética del espacio el hilo conductor de los siete trabajos que se representarán del 10 al 18 de enero. Aparte de los lugares utili-zados ya en anteriores ediciones del festival, serán dos los espacios que se unirán como continentes de espectáculos para el Escena Abierta: el Centro de Creación Musical El Hangar y la Sala de Vistas de lo Penal en el Palacio de Justicia.

Este último espacio será el que acoja el estreno en España de Por favor, continúe: (Hamlet), experiencia coproducida por el propio festival. El espectáculo de Roger Ber-nat y Yan Duyvendak se presenta como un proceso en el tribunal penal que se desarro-lla en un (verdadero) juzgado. El acusado es un joven que ha matado a su tío, después de que este hubiera matado a su padre. El pro-yecto desplaza la mirada puesta en el tribu-nal sustituyéndola por el espectáculo. Juez, fiscal, escribano y abogados se convierten en intérpretes: juegan con la estructura del caso manipulando los argumentos, la retóri-ca o el lenguaje. Esta performance pretende estimular el sentido cívico del espectador con relación a la idea de justicia.

Como espacio inédito se presenta también el Centro de Creación Musical El Hangar, que se convertirá en un burdel del siglo pasado con el Prostíbulo Poéti-co, un circo en el que confluyen la poesía, el cabaret y el happening. La escritora y performer Stephanie Berger es la gestora de la idea que cuenta con el magisterio de Madame Taxi (Sonia Barba).

Otros cinco serán los espectáculos que se podrán ver en espacios ya utilizados anteriormente: el Teatro Principal, el Fórum Evolución Burgos (Sala de Ensayos) y el Centro Cultural Casa del Cordón. El espa-cio sonoro tomará especial importancia en ULTRAinocencia, donde la compañía Loscorderos.sc indaga en el deseo del ser humano por buscar más allá del mundo

material. Ponten Pie presentará la pieza Ártica de Sergi Ots, espectáculo sin texto donde el público será recibido por unos personajes curiosos que los invitarán a en-trar en su hogar, una vieja casa de madera. Con Performance Municipal, la compañía Losquequedan pretende hacer una per-formance sobre la cuestión de entender o no una performance. Como un homenaje al objeto-carta y al correo postal se presenta La Máquina de la Soledad, primer proyec-to de la asociación de Shaday Larios, de la compañía mexicana Microscopía teatro, con Jomi Oligor, de la compañía española Hnos. Oligor. Para terminar, las actrices Tatiana Sánchez Garland y Cris Celada acompaña-rán al público en un recorrido vivencial con la representación de Sekvantaro.

XvI FestIval escena abIerta burgos

La ocupación del espacio a debate en Burgos

Performance Municipal de Losquequedan

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La XXXII edición del Festival de Teatro de Málaga bate récords con un total de 103 funciones que se representarán entre

el 8 de enero y el 16 de febrero. Espectáculos musicales e infantiles, comedias y tragedias, magia y mimo, performances e improvisaciones... se darán cita en los diferentes escena-rios que propone el festival. El Teatro Cervantes y el Teatro Echegaray se-rán testigo de la mayoría de las fun-ciones, dejando paso también a dos representaciones especiales: Oh Vino repe-tirá en el Museo del Vino y el experimento de Ximena Carnevale y Alessandra García se desarrollará en el Salón Romero Esteo (en la tercera planta del Cervantes). Dedo.Corazón es un ‘work in process’ donde el proceso creativo se transforma en una obra que dura 33 días.

El Festival se abrirá oficialmente en el Teatro Echegaray con el estreno de Trópi-co, primer capítulo de la segunda tempora-da de Nightshot. Los autores y directores Nacho Albert y Paco Bernal cuentan con los intérpretes Noelia Galdeano y Antonio Navarro para completar su teatro en ca-pítulos. Por otro lado, Indalecio Corugedo estrenará su segunda obra San Bernardo, en la que también dirige a Ángel Pardo, Cristina de Inza, Román Reyes y Fernando Alonso Garrido. La Tarumba Produccio-nes estará también en el Echegaray con el estreno de Las criadas, primera obra de teatro de Jean Genet. Belén Caballero dirige y también interpreta esta pieza junto con Elena Hernández y Tatiana Juliette Cohen. Molière también estará presente en el festi-val con cuatro montajes diferentes, dos de ellos estrenos. Por una parte, Nora Aguirre adapta y dirige el primer éxito del autor, Las preciosas ridículas. Y por otra, se podrá ver el estreno en castellano de Molière la baila, espectáculo dirigido por Ferran Ut-

zet que recupera algunos de los bailes del Barroco y los combina con fragmentos de sus obras. El dramaturgo francés estará también revisado por Miguel del Arco con Misántropo de Kamikaze Producciones, y por la compañía cubana Mephisto en una singular versión de El burgués gentilhom-bre interpretada solo por hombres.

Por otro lado, se podrá ver el estreno de Huis clos (A puerta cerrada), versión de Rafael Torán de la obra de Jean Paul Sartre que protagonizarán Antonio Salazar, Raúl Zajdner, María Bravo y Rocío Rubio. El Teatro Cervantes, por su parte, acogerá el estreno de Yo mimo de Ángel Baena, una pieza subtitulada ‘Un emocionante viaje al arte del silencio’ en la que homenajea a los maestros del género de la pantomima.

La danza también tendrá su representa-ción en Málaga. Otro estreno ofrecerá una reinterpretación danzada de las minotau-romaquias de Picasso. El espectáculo Ma jolie (El minotauro, Picasso y el flamenco) está concebido por un trío formado por el dramaturgo y director Antínoo Gázquez, el joven poeta Cristian Alcaraz y el gui-tarrista Tomás García. Teatro, flamenco y poesía cubista se unen así para mostrar el dolor de una de las épocas más infelices del ar tista: la crisis de su matrimonio con Olga Koklova y el embarazo de su musa Marie-Thérèse Walter. Otro estreno vendrá

de la mano de La Magra Compañía de Danza con el espectáculo Noise-less. La coreógrafa Ana Rando dirige el segundo proyecto de una compa-ñía que busca nuevos caminos en la danza contemporánea.

El XXXII Festival de Teatro recibe también a dos compañías públicas que llevaban tiempo sin pisar los teatros municipales de Málaga, la Compañía Nacional de Teatro Clásico, con Helena Pimenta al mando de una versión de Donde hay agravios no hay celos, y el

Centro Andaluz de Teatro, que traerá un Bre-cht, La evitable ascensión de Arturo Ui.

También se podrá disfrutar de espec-táculos recién estrenados como Olivia y Eugenio, protagonizado por Concha Velas-co; Ojos de Agua con Charo López como La Celestina; Arizona de Juan Carlos Rubio por Histrión Teatro; o El largo viaje del día hacia la noche de Eugene O’Neill con Vicky Peña y Mario Gas. Además estarán presentes otras obras como El zoo de cris-tal, protagonizado por Silvia Marsó; Conti-nuidad de los parques, dirigida por Sergio Peris-Mencheta; o Cuarteto. Bienvenido al pecado, donde Carmen Pardo dirige a Da-niel Acebes y Rosa Rocha. Destacan a su vez las adaptaciones literarias Caminando con Antonio Machado, lectura dramatizada protagonizada por José Sacristán; La plaza del Diamante de Mercè Rodoreda, monólo-go interpretado por Lolita; y la novela Inso-lación de Emilia Pardo Bazán.

Esta edición alternará también las obras para adultos con otras destinadas al públi-co infantil. Entre ellas está la premiada La vuelta al mundo de Gorakada, y otras pro-puestas como: Pulgarcito, la particular ver-sión del cuento clásico de Teatro Paraíso, El pato y el tulipán, Aladino, La isla o Can-terbury tales, obra representada en inglés en funciones familiares y otras concertadas con centros educativos.

XXXII FestIval De teatro De Málaga

Diez estrenos entre los 45 montajes que presenta Málaga

El burgués gentilhombre de Mephisto ©Liven Céspedes

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Este suplemento acompaña a la rev istaArtez 202 de Enero / Febrero 2015

Portada:‘¡A comer!’ de Peus de porc

www.artezblai.com

04-05 | Presentación

06-08 | Estrenos

09 | Teatro para bebés

10-12 | Teatro de títeresy objetos

13 | Danza

14 | Compañías internacionales

15 | Otras propuestas

16-19 | Todas las formas teatrales

20-22 | Artes de Calle

Si nos atenemos a los datos cuantifi cables, cre-ce de manera asombrosa el número de compa-ñías, grupos, producciones que se ofrecen para presentarse en FETEN esta Feria Europea de Artes Escénicas para Niños y Niñas que sirve anualmente para hacer el repaso más cabal a las tendencias en las artes escénicas específi -cas destinadas a la infancia y la juventud. Los datos pueden darnos una idea del merca-do, de las necesidades, de quienes encuentran en este terreno una posibilidad. Pero en Gijón lo que cuenta de verdad es lo cualitativo. Ese detalle que hace que un cuento clásico cien veces visto se convierta hoy en una experien-cia nueva, en un lenguaje teatral que, sea utili-zando técnicas circenses, de manipulación de objetos, de danza o de teatro en el sentido más laxo, vuelva a inventarse una cosmogonía par-ticular que nos atrape.Estamos, no lo olviden, en una ventana al mun-do, en un encuentro muy profesional donde se deciden programaciones de futuro. Atentos to-dos. Especialmente a los cientos de niños y ni-ñas que nos acompañan en muchas funciones. De sus reacciones debemos sacar conclusiones más allá de los gustos personales. Importan mucho estos detalles.

Carlos Gil Zamora

Los detalles

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La vigésima cuarta edición de la Feria Europea de Artes Escénicas para Niños y Niñas más co-nocida como FETEN vuelve a engalanar Gijón del 22 al 27 de febrero. Organizada por Fundación Municipal de Cultura, Educación y Universidad Popular del Ayuntamiento de Gijón este año a los distintos escenarios ofi ciales de la Feria, ca-lles y plazas del centro de la ciudad se les suma el Centro Municipal Integrado de El Llano es-pacios en los que se podrá disfrutar de más de 150 representaciones de los espectáculos que

llevarán a escena un total de 71 compañías procedentes de China, Noruega, Canadá, República Checa, Rusia, Italia y de 14 comunidades autónomas seleccionadas entre las más de 580 solicitudes recibidas, un récord de participación en relación a ediciones anterioresOtra novedad de este año es la sección denominada ‘Nos visitan’ en la que se concentran los espectáculos de las

FETEN se inaugura con la Compañía Nacional de Teatro para Niños de China

Faboo de Escena Creativa

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compañías internacionales y es precisamente una de ellas, la Compañía Nacional de Teatro para Niños de China la encargada de inaugu-rar esta edición el día 22 con la puesta en es-cena en el Teatro Jovellanos del espectáculo Three Monks, en una edición en la que desta-ca, sobre todo, la gran calidad de las propues-tas recibidas que optarán a los diversos ga-lardones que otorga FETEN como los premios al Mejor Espectáculo, Mejor Dirección, Mejor Interpretación Masculina y Femenina, Mejor Texto, Mejor Escenografía y mejores Vestuario y Caracterización.Además de la extensa programación de es-pectáculos y caracterizándose FETEN como lugar de encuentro entre los profesionales de los distintos sectores de creación y distribu-ción de las artes escénicas, se han organizado una serie de actividades como es la presen-tación del Anuario de las Artes Escénicas en Asturias; un encuentro con los invitados inter-nacionales, directores todos ellos de ferias y festivales; un encuentro entre los miembros de COFAE, presentaciones varias y un Taller COFAE dirigido a la compañías. Además esta prevista una exposición abierta a todos los pú-blicos en colaboración con el Escalante Cen-tre Teatral de Valencia. Grandes y pequeños,

público en general y profesionales de las artes escénicas tie-nen una cita en Gijón con las últimas creaciones de teatro de actores, de títeres, de objetos, música, circo, clown, danza, obras de autores contemporáneos, de clásicos, adaptaciones de cuentos y mucho más. Una fi esta con espectáculos de calidad que se ha convertido en escaparate y referente de la creación dirigida a niños y niñas.

El elefante ha ocupado la catedral

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Ocho compañías han elegido FETEN para presentar sus últimas propuestas. El teatro de actores se funde con los títeres y los objetos animados, la danza con las sombras, las imágenes multimedia con los intérpretes... un inmenso abanico de posibilidades para hacer soñar a grandes y pequeños. La compañía A Sombras presenta Alas, obra inspirada en el cuento tradicional ‘La Oruga’ de Rudolf Steiner y el poema ‘La Metamorfosis de las Plantas’ de Goethe, dos tex-tos que hablan de la metamorfosis y de esa necesidad de hablar del anhelo de transformación y crecimiento surge este espectáculo, una obra visual que com-bina el trabajo gestual, las sombras corporales, la danza y los títeres en sombra. Una historia que es contada “a través de .imágenes poéticas, músicas delicadas y elementos sonoros expresivos con una pizca de humor, sorpresas y profun-didad” destacan sus creadores. Diversos recursos visuales como las sombras, el dibujo a tiempo real, los títeres, y los objetos junto con un universo sonoro compuesto de música, canciones, ruidos y texto conforman El mirlo blanco, de Rayuela Producciones, una cantata musical acompañada con onomatopeyas, ritmos y efectos sonoros creada por Nina Reglero y Carlos Nuevo con el objetivo de conseguir una comunicación directa con el público en un espacio poético y emocional.

Títeres y objetos toman protagonismo

Pablo Vergne es el autor y director de Giuseppe Peppina, espectáculo de teatro de títeres y actores de El Retablo que pone en escena una divertida historia llena de magia y poesía. Sus dos protagonistas, Giuseppe y Giuseppina (Peppina para los amigos) trabajaron en el circo de los hermanos Fratelli hasta que a causa de la guerra, tuvo que cerrar. Desde entonces, los dos artistas viajan de pueblo en pueblo presentando su espectáculo ambulante, único en el mundo ya que representan con objetos los números del circo donde habían trabajado. Los títeres son también lo protagonistas del nuevo espectáculo de Festuc Teatre, La habichuela mágica,

Grandes clásicos y cuentos inspiran las nuevas creaciones

Viaje al centro de la tierra de Roseland Musical

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una adaptación del cuento ‘Jack y la Habichuela Mágica’ realizada por Ingrid Teixidó. La obra, dirigida por Pere Pàmpols se presenta acompañada por música en directo y pone en escena la historia de Lina y su familia que por problemas económicos se ven obligado a abandonar su casa motivo por el que la pequeña Lina emprenderá un viaje en busca de una habichuela mágica que le ayude a trepar hasta el cielo donde vive un ogro y su tesoro que... tal vez les ayude a recuperar su hogar.Markeliñe también parte de una historia ya escrita, en este caso la universal novela de Cervantes para crear su nuevo trabajo, Quijote, un espectáculo sin texto, para dos actrices y una trapecista. La compañía se ha valido de los personajes arquetipos de la obra de Cervantes para ofrecer una historia sobre la amistad, una historia que enfrenta el sueño a la realidad. Una historia que presenta a Quijote con una ensoñación, la de volar; el universo en el que vive este personaje esta lleno de fantasía, ve moli-nos en las vueltas de las escobas, las señoras van empe-rifolladas con lechugas... Sancha mientras tanto intenta traer al mundo real a su compañera pero sin esa imagi-

Alas de A sombras

Giuseppe Peppina de El Retablo

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nación Quijote se desvanece... lo que hace que su amiga, dejando de lado su lado práctico construya las alas que les hagan volar.La magia es la gran protagonista de Lari Po-ppins nueva creación del reconocido mago que llegará volando con un paraguas... Y es que tal y como explican desde la compañía “este espectáculo no tiene nada que ver con la película y tampoco se le parece” pero Mag Lari confi esa que “Mary Poppins es mi ma-dre, ¡por eso hago magia!”. La magia visual y participativa vuelve a ser el medio para po-ner en escena un espectáculo en el que el humor es también un elemento principal; grandes ilusiones, juegos de manos imposi-ble, la multiplicación del agua, e incluso un número en el que participa todo el público, son algunos de los ingredientes que hacen este espectáculo “mágicamente diferente” explica el autor de espectáculos como ‘Se-

cretos’, ‘Splenda’ o ‘La Magia de Mag Lari’.Y la danza también toma protagonismo con el estreno de dos espectáculos. Roseland Musical ha contado con el artista audiovisual Franc Aleu para la creación de Viaje al centro de la tierra una versión libre de la novela de Jules Verne en la que la danza se funde con el audiovisual Tres personajes y diversos personajes virtuales que irán apare-ciendo en las pantallas son los protagonistas de una his-toria que les lleva a un viaje por Islandia en el que descen-derán a un volcán que les conducirá al centro de la tierra donde encontrarán residuos culturales que la humanidad ha dejado de lado. Krego-Martin Danza por su parte presenta Laboratorio Ino-cencia, coreografía creada por Bego Krego y Maria Martin di-rigida por Eguzki Zubia, que junto a Judit Ruiz protagonizan un espectáculo, con vestuario de Nati Ortiz de Zarate “donde más allá de la propia ciencia, se puede demostrar, que hay millones de fórmulas como seres existentes, donde destacar lo diferente como un regalo de la naturaleza y la naturaleza, es la mas alta de las tecnologías”.

La habichuela mágica de Festuc Teatre

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Dos de los espectáculos de esta edición es-tarán dirigidos a bebés. La compañía catala-na Únics Produccions representará la obra Pintamúsica, de Berta Ros, Gisela Juanet y Lorena Lliró. Un cuadro blanco con cuatro co-lores (rojo, azul, verde y amarillo) y música en directo se combinan en esta experiencia crea-tiva. La pieza propone un viaje sensorial por las cuatro estaciones del año de la mano de 3 pintamúsicos, interpretados por Berta Ros, Héctor Canós o Jose Aladid y Lorena Lliró. Las sensaciones inspiradas por la música, los co-lores, la creatividad, el juego y la participación describen este espectáculo que cuenta con la

dirección escénica de Gisela Juanet y Lluís Juanet.La segunda pieza se trata de Ploc, ploc… PLIK!, un espec-táculo musical sin texto creado y dirigido por Pasadas las 4. Un arpa (Francesca di Nicola), una fl auta (Hélène Billard) y la percusión (Txus Eguílaz) serán los encargados de interpretar una música clásica y popular que pretende conseguir un en-cuentro mágico entre intérpretes y público. Las actrices Be-lén Otxotorena e Inma Gurrea también forman parte de este proyecto en el que se colocarán baldes debajo de la ropa ten-dida con la intención de recoger los ritmos que esconden las gotas de agua que se desprenden de ella. Así, se pretende ha-cer un recorrido por la Tierra a través de los diferentes ritmos y de PLIK!, una gota silenciosa que se escapa de un babero y decide recorrer el mundo.

Inspirando a los más jóvenes

Pintamúsica de Únics Produccions

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Al igual que en ediciones anteriores el teatro de títeres y objetos vuelve a tener un gran pro-tagonismo con más de una docena de espec-táculos en los que técnicas diversas se fun-den también con otras disciplinas escénicas. ¡A comer! es el primer espectáculo de Peus de Porc, compañía del titiritero Xesco Qua-dras Roca que pone en escena la historia de un ogro cojo y hambriento. El particular per-sonaje se encuentra preparando una triste cena a base de verduras cuando un niño toca la puerta en busca de refugio. La alegría del ogro se dispara ¡menudo menú!... pero el niño tiene frío, hambre, hipo, sueño... Problemas.

El ogro no puede comerse un niño frío y hambriento, lo acer-ca a la lumbre, le alimenta, le abraza... y así comienza una gran amistad. También son marionetas las protagonistas de Martes, espectáculo de Baobab Teatro que a través de una historia ubicada en la galaxia Leo T ofrecen una historia de superación de los miedos en la que todo puede ser posible. El Centre de Titelles de Lleida presenta Kissu, escrita diri-gida por Joan-Andreu Vallvé es la historia de una cría de lobo que abandona la madriguera para conocer mundo pero... es encontrado por Duna y su abuelo que lo acogen creyendo que es un perrito abandonado ¿que pasará cuando descubran la verdadera naturaleza de Kissu? El árbol de las estaciones de Kamante Teatro por su parte es una parábola sobre la vida, el crecimiento y la sostenibilidad; un espectáculo sin palabras

Deliciosos títeres, marionetas y objetos con vida en escena

Habla, no estás sola de La Mar de Marionetas Pinocchio de La Baldufa

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donde se busca que el espectador observe en su interior donde predominan la animación y lo sensorial.Lo visual predomina en Faboo. El canto de la imaginación, espectáculo de Escena Creativa caracterizado por su simplicidad y expresivi-dad que estimula la imaginación y creatividad de niños y adultos. A través del lenguaje uni-versal de gestos y sonidos el personaje pro-tagonista es un niño que tiene un bidón como cabeza y que desde su nacimiento no para de investigar y descubrir impulsado por la cu-riosidad de conocer el entorno. Una obra de Oscar Vidal interpretada por Laura de Arcos García.Superhéroe es un espectáculo de máscaras y títeres con dramaturgia y dirección de Jorge Padín interpretada por el actor manipulador

Fernando Moreno quien da vida a cinco personajes. La pues-ta en escena de esta obra de El Perro Azul inspirada en el mundo del cómic y juega entre ilusión y realidad, provocando en el espectador la mágica sensación de haber atravesado el espejo.Eva Zapico, Àngels Fígols y Pau Gregori son los creadores de Mr. Kidd espectáculo de Bambalina Teatre Practicable cons-truido a partir de la estética del cómic, de la plástica de lo gráfi co y lo bidimensional, una obra de ritmo trepidante en la que todo parece construirse dentro de una viñeta. Los dos actores en escena, van dando vida a Kidd mientras de manera rápida y sorprendente construyen el mundo que rodea al pro-tagonista, un niño que al salir de la escuela, nadie le espera y decide superar el miedo utilizando su imaginación con la ayuda de sus personajes favoritos, un superhéroe, un robot y su mascota, Varios son también los espectáculos creados a partir de cuen-tos como El pequeño señor Paul de Baychimo Teatro basado

Superhéroe de El Perro Azul

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en el libro del mismo nombre del autor ale-mán Martin Baltscheit adaptado y dirigido por Paloma Leal. Una creación colectiva, un juego de imágenes, un títere, libros, mezcla de pa-labras... un collage para que el protagonista cuente historias cotidianas pero que el señor Paul resuelve de una forma particular porque, simplemente, hay otras maneras de relacio-

narnos con el mundo.Un cuento clásico entre los clásicos, El principito de Antoi-ne de Saint-Exupéry de la mano de N54 Produccions. Teatro, títeres, sombras y proyecciones para poner en escena esta poética historia dirigida por Florence de Andia. En un clásico se ha inspirado también La Baldufa que ha creado su particu-lar Pinocchio. Papel y madera se ponen a disposición de una historia que refl exiona sobre la educación, el esfuerzo la res-ponsabilidad y la sinceridad y sumerge al público en el imagi-nario de un niño-títere. Y la versión actualizada de un cuento clásico es también Juan Soldado de Carlos Alba “Cellero”.Tres cuentos clásicos, ‘Caperucita roja’, ‘Los tres cerditos’ y ‘Los siete cabritillos’ son los elegidos por el protagonista de La crónica del lobo, un viejo lobo cansado, el último de su especie que ha llegado a la ciudad para contar su versión. En esta obra de Elfo Teatro diferentes marionetas dan vida a los personajes de cada uno de los cuentos, historias que serán interrumpidas por el lobo narrador y acompañadas de música de cabaret y jazz interpretada en directo. Sheila Montes se ha basado en cuentos populares de distintos continentes para escribir Cuatro Hojas y la máquina fantabulosa de Produc-ciones Quiquilimón que cuenta con el teatro de títeres y las sombras chinescas para narrar los viajes que sus protagonis-tas realizarán a través de una máquina mágica.Habla, no estás sola de La Mar de Marionetas es un espec-táculo multidisciplinar con dramaturgia y dirección de Héctor López Girondo y Marta Bautista y en el que se interpretan en vivo músicas barrocas y africanas mientras diversas técnicas de marionetas, la danza y efectos audiovisuales complemen-tan la narrativa de una historia multicultural llena de colores y matices. Y multidisciplinar es también la propuesta de Titi-riguiri, Hay un gallo en tu tejado en el que teatro, títeres, ar-tes plásticas y nuevas tecnologías hacen que a través de tres lienzos los múltiples personajes reales interactúen con los animados creando un particular espacio escénico para contar la historia de un gallo que se ha perdido en la ciudad. Una creación de Sonia Muñoz basada en poemas de Pedro Mañas dirigida por Ignacio Yuste en clave de humor y verso.

La crónica del lobo de Elfo Teatro

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La disciplina de la danza también estará pre-sente en Gijón de la mano de diferentes com-pañías. Con creadores españoles, chilenos y mexicanos, Ballenas, historias de gigantes trata de borrar fronteras geográfi cas y tem-porales. La obra dirigida por Juan de Torres incorpora nuevas tecnologías, de manera que los bailarines interactúan con la escenografía virtual, que cambia continuamente gracias a las proyecciones sobre los objetos (mapping) y sobre sus propios cuerpos, así como con una pantalla sobre la que se proyectan imágenes 3D estereoscópicas. El público disfrutará de esta obra de Larumbe Danza con gafas 3D como si estuviera en el cine. La compañía ex-tremeña Karlik Danza-Teatro representará El Chef Chop Chop y el tik tak de Fidelia, con dirección y dramaturgia de Cristina D. Silvei-ra. Cristina Pérez y Javier Herrera serán los encargados de guiar este espectáculo que intentará alimentar los sentidos del público.

Da.Te Danza llevará a cabo el montaje de danza contemporá-nea ¿Cuál es mi nombre?, que planteará cuestiones como el crecimiento personal del niño y la búsqueda de la identidad. Rosa Díaz dirige a los bailarines Greta Jonsson e Iván Mon-tardit en esta obra. La Compañía de Danza Fernando Hurtado presenta Estrellados, un espectáculo de danza dirigido por Fernando Hurtado que está dedicado al circo. Así, cuenta la historia de un circo casi abandonado, donde los integrantes se unirán para levantar de nuevo la carpa. De esta manera, buscarán ponerse en forma, renovar los números e intentar ser lo que antes eran. La compañía Varuma Teatro llegará con su espectáculo Ns/Nc de Jorge Barroso “Bifu”, que también dirige esta historia en la que participan Yasaray Rodríguez y Rosa de Algeciras, entre otros. Por último, la compañía Pro-yecto Piloto llevará a cabo la representación de Danza para niños kinkis, donde contarán cuatro pequeñas historias a tra-vés de la música, la danza y las artes visuales. La creación e interpretación de esta pieza están a cargo de Mariate García, Rebeca Martín, Violeta Nureyev, Ángel Zotes, Patricia Vázquez y Carmen Vázquez, siendo también las dos últimas las encar-gadas de la dirección artística de este espectáculo.

Gafas 3D para disfrutar de la danza

El Chef Chop Chop y el tik tak de Fidelia¿Cuál es mi nombre? de Da.Te Danza

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Los montajes de compañías internaciona-les también tendrán su espacio en FETEN 2015. La compañía noruega Konstellasjonen ofrecerá Over Stokk og stein, segundo es-pectáculo de la trilogía ‘Gull og gråstein’. La historia se sitúa en un gran montículo donde habitan sus personajes. Será allí donde un día suceda algo inesperado que hará poner a prueba la cooperación. Jenny Hilmo Teig se encarga de la escenografía y vestuario de esta obra creada y dirigida por la propia com-pañía. Desde Moscú llegará Nikolai Zykov Theatre con el espectáculo de títeres Puppet Bach Concert. Nikolai Zykov es el autor y director de este montaje en el que también se encarga de la creación y manipulación de las marionetas que se mueven al ritmo de la música de Juan Sebastián Bach. Nikolai Zykov ha representado sus espectáculos de

títeres en más de 40 países repartidos por varios continen-tes. La compañía italiana Nuvole in tasca acercará la obra Nuvole e case, donde tratará el tema de la casa, ese espacio vital donde vivir en soledad o aprender a convivir con algún otro. Serena Cazzola y Monica Barbato son las actrices pro-tagonistas de este espectáculo que cuenta con la música en directo de Federico Timeus. Csaba Raduly y Pavla Mano son las creadoras e intérpretes de Plástico, de la compañía Théâtre Puzzle de Canadá. Las protagonistas de esta his-toria son unas bolsas de plástico que se llenan y se vacían a sí mismas, que vuelan, que se comen entre ellas... que se transforman como quieren revelando así su naturaleza. Petya Nedeva aporta la música en este montaje multicolor con inusuales marionetas, humor y situaciones inespera-das. Para cerrar la programación internacional de la feria se encuentra la compañía checa Konmo, que representará el espectáculo VyprávÐní starého vlka, que combina actores con marionetas y plantea una nueva historia sobre el lobo del cuento de Caperucita Roja.

Obras e historias venidas de lejos

Over Stokk og stein de Konstellasjonen

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El ilustrador Borja González, artista multidis-ciplinar integrante de la compañía Ytuquepin-tas, representará la pieza Sueños de arena, que cuenta con la presencia del teclista Roc Sala sobre el escenario. Este espectáculo combina arte con arena, circo, música en di-recto, marionetas de gran formato y pintura rápida. Borja González muestra diferentes historias que serán proyectadas en una gran pantalla. En palabras del artista, “el papel de una persona en manos de otros hombres, lo pequeño en un mundo para grandes, lo gran-de de una mueca dibujada en la cara de un niño, la comedia y el drama; el circo. Para refl ejar todo ello he empleado unos cuantos sacos de arena, algunos metros de telas al óleo, botes de acrílicos, muñecos y fi guras en el aire. Cada herramienta e imagen forma parte de un todo y me permite encontrar el cauce por donde nadan mis ideas. Sin embar-

go, ninguna pieza las defi ne por separado, y es que crear la forma defi nitiva requiere mucho más viento y pinturas. Hay fragmentos (del arte) que se entretienen en un baile de dis-fraces en el aire, como siempre lo ha hecho la arena, y como lo hacen a menudo mis ideas”.Por otra parte, la compañía Delikatessen acercará el espec-táculo Delikatessen concierto, mostrando una fi esta con unas normas curiosas. En este lugar se escucharán temas festivos como “Je ne veux pas travailler” o “Fever”, y otros más íntimos como “Amado mío” o “Samba one note”. Un concierto-cabaret que viaja por situaciones cómicas, historias de amor y des-amor, sketches inverosímiles y toques de percusión corporal, a partir del canto a cappella y del humor.

Dibujando otros espectáculos

Sueños de arena de Ytuquepintas

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La imaginación y la interpretación actoral es el denominador común de muchos de los espec-táculos que se podrán ver en FETEN. Cuentos clásicos, espectáculos de magia, de circo, de clown y obras de autores contemporáneos para disfrute de grandes y pequeños como la propuesta de Teatro Paraíso, Nómadas crea-da en colaboración con Taller de Arquitectu-ra Maushaus. Con texto de Rosa A. García y Charlotte Fallon, la obra está protagonizada por Saka y Tamán, dos mujeres nómadas con ganas de explorar nuevas tierras. Una obra llena de poesía en la que a través del juego, la manipulación y la experimentación, la escena

se convierte en un lugar donde la Arquitectura, la Geometría y las Matemáticas nacen de manera natural. Daniel Lovecchio es el autor y director de Ribat de Tyl Tyl Teatro, un trabajo desarrollado como un acontecimiento sensorial creado por la actriz Pury Estalayo el músico sudanés Wafi r Shaihkeddin Gibril.Otro autor contemporáneo, Juan Mayorga, es el autor de El elefante ha ocupado la catedral que pone en escena Zaena Producciones, un espectáculo con música en directo cargado de humor que ofrece una visión inocente y caricaturesca de la realidad de un pueblo cualquiera y de lo descabellado de sus situaciones. También con música interpretada en directo, a cargo de la Orquesta de Cámara Galega se presenta O Gato con Botas de Teatro Colón Producciones. Esta ópera infantil

Payasos, circo, teatro musical y magia, no falta nada

Ali Baba y los 40 ladrones de Borobil Teatroa Los viajes de Gulliver de Escenoteca

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está basada en una partitura inédita del com-positor gallego Rogelio Groba y une la tradi-ción oral, la música clásica y la escenografía por vídeo mapping.Musicado es también el cuentos clásico que ponen en escena Nacho Vilar Producciones y el Teatro Circo Murcia, una versión de El mago de Oz a cargo de Fulgencio M. Lax que logra un equilibrio entre el cuento tradicio-nal de Lyman Frank Baum manteniendo las canciones de la película en esta propuesta dirigida por César Oliva Bernal. Dos cuentos clásicos más, Ali Baba y los 40 ladrones, una adaptación de Borobil Teatroa dirigida por Anartz Zuzua en la que tres actores y una al-fombra de 3x3 son sufi cientes para viajar al

gran bazar de una enigmática ciudad de Persia y Los viajes de Gulliver de Escenoteca y otro cuento, Juan sin miedo contado a manos de tres comediantes de Anem Anant Una obra en la que teatro y cine se funden convirtiendo el espacio escénico en un estudio de Chromakey, una escenografía azul en la que un mar de actores viajarán a lugares remotos junto al público escrita y dirigida por Pepa Muriel. El árbol de mi vida de Pata Teatro narra en tono de comedia la vida en matrimonio. Una historia en la que a Ella, viuda de Él, le gusta sentarse bajo el árbol y recordar su vida; una obra sobre el ciclo de la vida es-crita por Macarena Pérez Bravo y Josemi Rodríguez. Recuer-dos e historias son las que se encuentran en la cartas que leen las tres protagonistas de Código Postal 00. Ruth, María y Mireia son tres singulares carteras que leen las cartas que llegan a esta ofi cina tan especial creada por Engruna Teatre. Teatro del Cuervo presenta En un lugar de la galaxia, un viaje

El mago de OZ

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lleno de aventuras por los diferentes planetas del sistema solar y ZumZum Teatre, La nena que vivía en una cana de zapatosLas técnicas circenses son las protagonistas de los espectáculos de La Trócola y Manolo Alcántara. Los primeros presentan Potted, una propuesta basada en la investigación de objeto, del movimiento y la creación de es-tructuras codirigido por Lucas Escobedo y Antonio Segura Lizán. El objetivo de la com-pañía es poner en escena un espectáculo de alto nivel técnico en el que destaca a su vez

la investigación del objeto, su versatilidad y la creatividad. El segundo presenta Rudo, espectáculo galardonado en su ver-sión de calle con el Premio al Mejor Espectáculo Callejero de Umore Azoka 2014. Una obra que trata sobre personas que han convivido con la rudeza, el esfuerzo físico y unos retos personales llevados hasta el extremo más absurdo. Ante el público el propio Alcántara y un montón de cajas para hablar del riesgo inherente a la existencia. Equilibrios imposibles so-bre estructuras que tiemblan. Todo se hunde al paso de este hombre que busca encontrar el equilibrio perfecto a la altura perfecta acompañado por el contrapeso lírico de la música de violín y violonchelo interpretados en directo.

Nómadas de Teatro Paraíso

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Y también hay espacio para el clown con los entrañables Piojo y Hula, protagonistas de Ya está espectáculo con el que la compañía P.T.V. Clowns despide de la escena a los conocidos payasos no sin antes enseñar a sumar de una forma muy par-ticular al público asistente. Homero, el antiguo clásico griego ha llegado a la escuela de la Seño. Allí están los payasos Hula y Piojo que van a vivir la última etapa de su particular odisea acompañados por tres títeres y por el recuerdo de sus anti-guos colegas organizando una fi esta llena de sorpresas en la que una vez más el público podrá comprobar que “la risa es la distancia más corta entre tú y nosotros”La magia llega a FETEN de la mano del asturiano Mago Na-cho que con su espectáculo Abracadabra, un espectáculo de grandes ilusiones, un género dentro de la magia de grandes aparatos engalanado con mucho humor y en el que aparece-rán y desaparecerán cosas y se verá incluso como corta a su ayudante por la mitad. Y también de magia es Dégá vu de la Cia. Mag Edgard, un espectáculo en el que se funden magia e ilusión, que insinúa y evoca cosas imposibles recreando un universo conocido y desconocido a la vez. Una propuesta que hace creer al público que ha vivido cosas que nunca ha visto, un evento que recuerda la elegancia de los antiguos espectá-culos de prestidigitación.

Ya está de P.T.V. Clowns

El árbol de mi vida de Pata Teatro

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La calle un escenario natural que se transforma

Cada año durante FETEN los espectáculos de calle ocupan diversos espacios del centro de Gijón y este año los viandantes podrán conocer más de quince propuesta teatrales e instalaciones, algunas dirigidas especialmente a los más pequeños y otras para el disfrute del público en general. Las técnicas circenses son las protagonistas de Circo en el desván en el que Los Herrerita evocando los momentos de la infancia en el desván de la casa de los abuelos presentan, en forma de taller, diferentes técnicas de circo invitando a los más atrevidos a girar el plato, hacer malabares, subir al monociclo o al trapecio o incluso ca-minar por un cable. Artistas de circo son también los cuatro miembros de Ele-gants que combinando técnicas de circo como el trapecio, equilibrios, mástil chino, monociclo y malabares hacen de Cabaret Elegant un espectáculo lleno de humor, mucho glamour, elegancia y sobre todo mucho circo. En Txarlestrup, Zirika Zirkus se convierte en una banda que pasa de bailar y tocar charlestón a realizar difíciles acrobacias y deleitar con el claqué. Cinco artistas que son capaces de todo esto y mucho más en un espectáculo lleno de ritmo con música

Txarlestrup de Zirika Zirkus

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zen directo y mucho, mucho humor. El humor, el baile y la música son también los elementos principales de Dantza Kasting de Ameztu Produkzioak un espectáculo en forma de verbena participati-va en la que su protagonista necesita del público que se convertirá en el temido o aliado jurado que su protagonista necesita para poder conseguir su sueño: parti-cipar en un concurso de baile de la televisión. Como una delirante comedia gastronómica presenta Esencia Producciones Chef Mostachó, una animación teatral combinada con un taller de cocina para niñas y niños que se convierte en una fi esta en la que cantar y cocinar mientras los parti-cipantes van elaborando una sabrosa merienda.Producciones Teatrales Miguel Pino muestra al público el mundo del fl amenco de forma divertida con La guitarra voladora espectáculo de teatro de títeres y ac-tores al que se une el cante, el baile y el toque fl amenco. En escena, un grupo de amigos unidos por su pasión por el fl amenco. En una tarde de ensayo, recibirán la visita de un pequeño duende con su guitarra voladora. Pero una malvada bruja hace todo lo posible para que nada salga bien... aunque el público tendrá la opor-tunidad de que Peneque el Valiente solucione todos los problemas.La veterana compañía Panta Rhei pone ante el público una fábula sobre un bu-rro y su domador en Astokillo. Acaban de llegar el feriante Maese Zambullón y su burro Rigoletto con su circo de variedades, una comedia callejera con la que transitan por un país imaginario donde la gente una vez fue feliz y ahora campa la trampa, la verdad de cartón y la explotación. Una obra sobre la codicia, el egoís-

Astokillo de Panta Rhei

Osos del Pirineo de Tutatis

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mo, la lealtad y la generosidad en un mundo zurrador; ¡Pasen, vean y ríanse!, ¡Que la risa el camino alisa!Y como no puede ser de otra manera, en la calle se podrá disfrutar también con espec-táculos itinerantes como Llumeru de Facto-ría Norte en la que la música en vivo, la luz, el trabajo gestual y el humor de los cuatro personajes refl ejan un mundo onírico en el que la participación del público es esencial. Itinerante es también Osos del Pirineo es-pectáculo de Tutatis que toma como refe-rencia las fi estas del oso que se celebran en febrero en diversas zonas del Pirineo y que simbolizan la salida de la hibernación y la llegada de la nueva estación; el espectácu-

lo combina actores manipuladores de marionetas gigantes con un carro y un percusionista que trabaja la banda sonora acorde con las melodías tradicionales de montaña (Txala-parta, percusiones, gralla...). Tres dragones singulares pa-searán por Gijón, son Traps, de Efi mer, tres títeres gigantes de 4,5m de largo por 2,5m de alto hechos de trapo como si de un mundo fantástico hubieran llegado. Y de un lado para otro encontrará el público a Errabundo pelele protagonista de Paseando a Errabundo Pepele de la Compañía de Títe-res errantes. Errabundo pelele es un títere olvidado en su maleta errante. Un personaje que busca nuevos caminos y compañía, que necesita de la interacción con el público. Los juegos hechos con material reutilizado de Lila (el juego divi-no) y las instalaciones El Camerino de Maquillaje y El Jardín de los Peques de El Burro del Jocs completan el programa de las propuestas de calle.

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La programación teatral de Kultur Leioa comienza el año con mucho humor ya que para el 23 de enero se ha programado el espectáculo The Gagfather de Yllana, una obra en la que el particular lenguaje de la compañía se presenta a través de una historia que se adentra en los bajos fondos de la ciudad en la que un modesto ciudadano se ve envuelto en una rocambolesca trama de co-rrupción llena de personajes disparatados y situaciones delirantes. El día 25 la Cia. Roberto G. Alonso pondrá en escena Almazuela (bajo las sábanas) un espectáculo de danza poético, divertido, tierno y original dirigido al público familiar en el que pequeñas escenas se entrelazan en un mundo lleno de fanta-sía. El día 31 Alberto San Juan & Fernando Egozcue ponen en escena Todo dice que sí, un recital de música y poesía que da paso a la obra La cultura que Los Torreznos presentan el 1 de febrero, una descomposición de los elemen-

tos materiales y conceptuales que configuran una conferencia sobre la cultura. Markeliñe ofrecerá el día 15 la recién estrenada versión del clásico de Cervantes, Kixote.Del 26 de febrero al 1 de marzo se celebra en Kultur Leioa una nueva edición de Kultur Maratila, ciclo de artes escéni-cas basado en la creación artística en euskera que organiza el propio Kultur Leioa junto con la compañía Artedrama. El espectáculo Arren ganbara eta emeen sotoa de Atx Teatroa inaugura la edición de este año, una versión de la obra Luis Riaza dirigida por Iñaki Ziarrusta. Lauka Teatroa estrena el 27 Amodiaoaren ziega de Xabier Mendiguren Elizegi en la que se pone en escena el bis a bis de una pareja en una cárcel. Este espectáculo fue seleccionado para participar en el proyecto ZUbi que tiene como objetivo impulsar proyecto en euskera de nuevos creadores. El día 28 se presenta con un programa doble ya que además de la obra de teatro Zer duzu, Amy? de la compañía Oh my god! y la pre-sentación de Gosariak proyecto para el que el grupo musical Gose se ha contado con el escritor Joseba Sarrionandia y los artistas plásticos Iñigo Arregi & Juan Luis Goikolea. La edición 2015 de Kultur Maratila finaliza el 1 de marzo con Jokoz kanpo de Borobil Teatroa, una comedia a partir del tema del fútbol dirigida por Anartz Zuazua e intepretada por Joseba Apaolaza, Asier Hormaza y Asier Sota creada al alimón con Arantxa Iturbe.

Kultur Leioa

Asier Etxenadia y el equipo de Factoria Madre Constriktor continúa con la gira de El intérprete, espectáculo musical con el que se podrá disfrutar los días 3 y 4 de enero en el Teatro Barakaldo. El día 10 Laurentzi Producciones pondrá en escena Cuarteto del Alba, obra escrita por Carlos Gil con dirección de Lander Iglesias. ¡Quién va! Destino Hamlet de Sergio Peris-Mencheta se presenta el día 16 a cargo de la compañía La luciérnaga. Dirigida por Víctor Duplá pone en escena la historia de Víctor Grau, un actor en paro que quiere realizar su sueño: interpretar dirigir Hamlet. La Zaranda llega el día 24 con su último espectáculo, Un grito en el cielo de Euebio Calonge obra que al igual que la anterior de la compañía ‘El Régimen del pienso’ y dirigida también por Paco de La Zaranda conforma una crítica ácida a un mundo deshumanizado y sin trascendencia. En esta ocasión la historia se ubica en un geriátrico, y sus

personajes, seres enfermos inmersos en tratamientos paliativos, sesiones de rehabilitación y múltiples terapias, inten-tan sobrevivir emprendiendo un viaje hacia la libertad perdida. La zarzuela Marina de Francisco Camprodón a cargo de la compañía Ases Líricos de la Zarzuela el día 25 y la comedia negra HappyEnd también definida como sainete existencial y esperpento de nuestro tiempo dirigida por Iñaki Rikarte de Vaivén Producciones el día 31 completan la pro-gramación del mes de enero. El 1 de febero el público infantil y familiar tendrá la oportunidad de disfrutar con Una niña de La Rous, una bella propuesta sobre el viaje que una mujer emprende hacia la búsqueda de la niña que lleva dentro y el 27, BAI-Bizkaiko Antzerki Ikastegia pesenta BAI Match Impro, una muestra de trabajo conjunto de alumnos de interpretación de distintos niveles que improvisarán juntos a las órdenes del público asistente bajo la dirección de Fer Montoya. Además el Teatro Barakaldo continúa con las funciones de teatro escolar. En enero con el espectáculo en inglés Food for thought de Eat Drink Think y en febrero con Cyrano de Nueva Orleans, una adaptación musical del drama Cyrano de Bergerac de Edmond Rostand a cargo de Vaivén Producciones.

Teatro Barakaldo

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Cuatro espectáculos de danza bri-llan en la programación del Teatro Arriaga de los dos primeros meses de 2015. En enero, el veterano

grupo de danzas vascas Beti Jai Alai for-mado por más de 80 dantzaris presenta Euskal Herria Sokan que dará paso a BJM – Les Ballets Jazz de Montreal con el di-rector ar tístico Louis Robitaille al frente y que presenta ante el público bilbaíno tres piezas: Zero in on, Night box y Harry coreografías de Cayetano Soto, Wen Wei Wang y Barak Marshall respectivamen-te. En febrero la compañía donostiarra Aukeran presenta Geltokia, espectáculo dirigido por Edu Muruamendiaraz a par-tir del guión de Miren Agur Meabe en el que su propio título (estación en euskera), “resulta ser el comienzo de un exilio: una parada en la felicidad, la negación de la eternidad” explica Meabe. Danza tradicio-nal y contemporánea se funden en esta obra en la que la vida es entendida como un viaje, viajeros y maletas sobre el esce-nario para hablar sobre el exilio. Y el Ballet de Zürich llega con Woyzeck basada en un fragmento del drama de Georg Büchner, con música de Martin Donner, Philip Glass, György Kurtág y Alfred Schnittke; el coreó-grafo alemán Christian Spuck traduce el lenguaje lacónico y metafórico de Büchner en una coreografía de imágenes de gran intensidad.

La oferta teatral comienza el año con

Lluvia constante de Keith Hurff una adap-tación de David Serrano, quien también se encarga de la dirección. Roberto Álamo y Sergio Peris-Mencheta dan vida a los dos protagonistas de este drama policíaco so-bre la lealtad de dos amigos, una amistad que se verá trastocada por una situación extraordinaria. La calma mágica y Barealdi

magikoa son las versiones en castellano y euskera de la última obra escrita y dirigida por Alfredo Sanzol, una historia de búsque-da de la dignidad y del sentido de la vida coproducida por Tanttaka Teatroa y el CDN. Otro espectáculo en euskera, en este caso lleno de humor, Erdibana, de Txalo, escrito por Jordi Sánchez y Pep Antón Gómez con dirección de Begoña Bilbao y Jose Ramon Soroiz e Iker Galartza sobre el escenario.

Blanca Portillo protagoniza el uniperso-nal El testamento de María, obra escrita por el irlandés Colm Tóibín en la que la actriz pone en escena los últimos días de la vir-gen María bajo la dirección de Agustín Villa-ronga. Y Portillo repite en el Arriaga pero como directora de Don Juan Tenorio una adaptación que Juan Mayorga a realizado del clásico de José Zorrilla con catorce in-térpretes sobre el escenario.

La programación se completa con el ciclo Cuartitos del Arriaga en el que destacan la versión que Pako Revueltas ha realizado de Una casa de muñecas de Henrik Ibsen; un recorrido por las mujeres de las obras de Shakespeare realizada por la actriz Itziar Lazkano en Brujas, ninfas y reinas y Las Lisystratas un proyecto de Hortzmuga Teatroa en colaboración con La Federación Besarkada creada a partir de la comedia de Aristófanes. Y además los conciertos de Montserrat Caballé, con el que dará co-mienzo a su gira europea o Dulce Pontes entre otros.

Primeras figuras de la escena

Delicatessen escénica

L a sala La Fundición ha preparado un exquisito programa que comienza el último día de enero con la obra Adaptaçao de Teatro de Açúcar monólogo de Gabriel F. sobre el miedo de morir, transformarse, dejar de existir. Otro unipersonal, NOTnever on time de Khea Ziater con dramaturgia y dirección de Alex Gerediaga; un film escénico en el que Isabelle tras varios intentos de suicidio, ofrece al público la oportunidad de conocer sus pensamientos mientras prepara su próximo intento para quitarse la vida. Introducción a la introducción es la pieza de Societat Doctor Alonso con la que Tomás Aragay y Sofía Asencio hacen una investigación sobre el movimiento en construcción permanente, a partir de dos conceptos fundamentales de la metafísica de Aristóteles: la sustancia y el accidente como formas del ser. La programación se completa con la deliciosa Mi gran obra de David Espinosa, el espectáculo más grande del mundo que debido a la escasez de medios el artista catalán la ha realizado con un ligero pero importante matiz: a escala.

Woyzeck de Ballet de Zürich

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La programación teatral para adultos de enero y febrero comienza en el Teatro Victoria Eugenia de Donos-tia con las versiones en castellano

y euskera de la última obra de Alfredo Sanzol, La calma mágica y Barealdi ma-gikoa coproducción de Tanttaka Teatroa y el CDN dirigida por el propio autor. En el mismo escenario el público va a tener la oportunidad de reír al tiempo que reflexio-nar con el particular y personal humor inte-ligente de la pareja de cómicos Faemino y Cansado que pondrán en escena ¡Cómo en casa ni hablar! espacio también en el que se presenta Kathie y el hipopótamo obra de Mario Vargas Llosa en una producción de Pentación dirigida por Magüi Mira y con Ana Belén como protagonista.

El Teatro Principal por su parte ha pro-gramado dos espectáculos para el mes de febrero, Mejor viuda que mal casada monólogo de Beatriz Rico una comedia en donde se suceden los juegos de palabras, la picardía y las canciones de cabaret a partir de la historia de Patricia, una “de-vora hombres que ha decidido tomarse la justicia por su mano” y Erdibana versión en euskera de la comedia ‘Mitad y mitad’ de Jordi Sánchez y Pep Antón Gómez que protagonizada por Jose Ramon Soroiz e Iker Galar tza presenta Txalo.

El humor es también protagonista en la particular versión que Las Grotesqués han realizado de la obra de Shakespeare Mucho ruido y pocas nueces y que pon-drán en escena en Lugaritz Kultur Etxea. Dirigidas por Sonia Sebastián, las tres ac-trices dan vida a los 18 personajes de este clásico a su más puro estilo y a través de un lenguaje físico, clownesco y versá-til. En el mismo escenario Borobil Teatroa presenta Jokoz kanpo, una comedia sobre fútbol o más bien de quienes están fue-ra de juego dirigida por Anartz Zuazua y protagonizada por Joseba Apaolaza, Asier Hormaza y Asier Sota. Titzina por su parte llega a Egia K.E. el último día de febrero con Distancia siete minutos, una obra en

la que Diego Lorca y Paco Merino reflexio-nan sobre temas fundamentales como la justicia, felicidad o el destino a través de la relación de un padre y un hijo.

Gazteszena es el espacio donde disfrutar con dos espectáculos de danza. Txoriak, de Dantzaz konpainia & Iñaki Salvador, es una coreografía sobre el universo de Mikel Laboa con música en directo interpretada por Salvador; una obra en la que la pala-bra y la música de Laboa se convierten en poesía visual. Libertad y locura-cordura, en una creación llena de emoción y sensibili-dad. La compañía de danza contemporá-nea danesa Black Box Dance Company presentará Push espectáculo que reúne dos piezas: ‘Rush’ de Edhem Jesenkovic y ‘Eve´s dilemma’, coreografía de Tim Rus-hton y música de Vivaldi.

TeaTro infanTil y familiar

Los espectáculos dirigidos al público infantil y familiar ocupan gran parte de la programación de los dos primeros meses del año. Destacan entre las más de diez propuestas Erpurutxo, versión libre del clásico de Perrault, ‘Pulgarcito’ con el que

Teatro Paraíso aborda el tema del aban-dono contextualizándolo en una situación que reclama paralelismos con la sociedad actual. Otra versión, en este caso libre del clásico de los Hermanos Grimm, ‘Hansel y Gretel’ titulada On egin! a cargo de Borobil Teatroa en Okendo K.E. Tanttaka Teatroa por su parte presenta en el Victoria Eu-genia Club la adaptación al teatro de la novela de Jordi Sierra i Fabra Kafka eta panpina bidaiaria deliciosa obra dirigida por Fernando Bernués y Carles Alberola en la que Franz Kafka va leyendo a una desolada niña que ha perdido su muñeca, las cartas que el universal escritor escribe sobre el supuesto viaje de esta muñeca y paliar así el disgusto de la niña.

Deabru Beltzak ofrecerá dos funciones. en el Teatro Principal y en Egia K.E. de Opera abeslaria un espectáculo que tiene como fin acercar a los más pequeños a la ópera, disciplina de la que se podrá dis-frutar en Donostia por partida doble. Con Aida de Verdi a cargo de Compañía The Spectacular Stage Inc. en el Velódromo y El barbero de Sevilla de Rossini de la mano de Opus Lírica en el Teatro Victoria Eugenia.

Un elefante rosa, Pulgarcito, Kafka y mucho más

Barealdi magikoa de Tanttaka Teatroa y el CDN ©marcosGPunto

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El espectáculo El Mago con Botas llega al Teatro Cofidis Alcázar de Madrid el día 2 de enero, para representarse también durante

los sábados y domingos del mismo mes. El Mago con Botas se presenta como una apuesta innovadora dentro del género de teatro infantil. Daniel Pérez es el autor y director de esta obra que protagoniza el mago Miguelillo.

El espectáculo cuenta la historia de un mago con baja autoestima que tiene como objetivo prioritario conseguir Las botas rojas del Rey. Su mejor amigo, el loro parlanchín, será su acompañante en esta peculiar aventura. Él será quien le guíe a su antojo en esta carrera por lograr las botas. Pero lo que ninguno de los dos se esperaba es que el amor se cruzara en su vida, con la aparición en escena de un rey con una preciosa hija.

Con esta obra, el autor Daniel Pérez hace una inclusión en el mundo de la ma-gia, plasmando así aspectos de especial interés para los más pequeños, mediante las canciones, las video proyecciones y los propios personajes. El mago Migueli-llo, protagonista de esta pieza, cuenta ya con más de diez años de experiencia en la magia. Aun así, este es su primer trabajo de sala, ya que hasta ahora siempre se ha movido tanto por circuitos nacionales como internacionales de magia y de teatro

de calle, participando en festivales como Umore Azoka, Feria de Teatro de Ciudad Rodrigo o Enclave de Calle. Todos los efec-tos de magia que se muestran en la obra han sido preparados por el propio Miguel Romero. Las cinco canciones que compo-nen la obra son originales, con arreglos de Juan Poveda. Cuidando la dirección y la estética del espectáculo se pretende llevar al espectador a un viaje donde la decisión por las cosas importantes de la vida cobra la importancia que realmente debe tener. La pieza está dirigida a escolares de en-tre 4 y 12 años. Como complemento de la obra ha sido diseñada también una sencilla guía didáctica a modo de cuadernillo, con el objetivo de favorecer la creación de un espacio para que los profesores puedan trabajar diferentes valores. De esta manera se hace una apuesta por actividades creati-vas y entretenidas.

El mago Miguelillo en Madrid

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El 2015 llega cargado de repre-sentaciones al Teatro Circo Mur-cia, donde casi una treintena de espectáculos se podrán ver en sus

escenarios durante los meses de enero y febrero. Funciones de teatro y danza se en-cuentran entre una programación que tam-bién incluye los ciclos de ‘Microscena’ y de ‘Al Teatro en Familia’. Dos clási-cos de la literatura estrenarán la programación del nuevo año en el teatro. Alicia en el país de las maravillas ofrecerá sus últimas representaciones en la versión musical familiar que propone César Oliva Bernal. Lope de Vega tendrá también su repre-sentación con Fuenteovejuna, Breve tratado sobre las ovejas domésticas, obra en la que la Compañía Obskené cuenta la historia de Fuenteovejuna desde un punto de vista actual.

Febrero traerá dos estrenos al teatro. El Comedor de Aplau-sos presenta la obra Artes de-corativas, donde la autora Lola Mondejar propone un examen autobiográfi-co. Paco Macià dirige a las intérpretes Lola Escribano, Encarna Illán y Trini Gonzalez en este proyecto. En Lo que sé de Shakespea-re un doctorando cuenta ante un tribunal la historia sobre las razones del autor para ir en busca del sueño del teatro. Con textos de Luisma Soriano, ocurrencias de los ac-tores y textos de Shakespeare traducidos por Ángel Luis Pujalte, la obra pretende determinar qué sabemos de Shakespeare sin recurrir a la especulación. Otra adap-tación del autor inglés viene de la mano de Las Grotesqués con Mucho ruido y pocas nueces, dirigida por Sonia Sebastián e in-terpretada por Elena Lombao, Maribel Vitar y Tusti de las Heras.

Otros clásicos se encuentran también entre las propuestas teatrales del Teatro Circo Murcia. Por un lado estará Bramant Teatre con Casa de Muñecas, donde Je-rónimo Cornelles y Ximo Flores proponen una actualización del texto de Ibsen. Y por

otro lado se encuentra La Malquerida de Jacinto Benavente, en la que el director de Alquibla Teatro, Antonio Saura desarrolla una puesta en escena en equilibrio entre la tradición y la innovación. Titzina Teatro tratará temas fundamentales como la justi-cia, la felicidad o el destino en Distancia 7 minutos. Els Joglars llega con V.I.P para

reflexionar sobre la educación de los niños. Otro espectáculo destacado es Olivia y Eu-genio, en el que Jose Carlos Plaza dirige a Concha Velasco. Forman parte también de la programación teatral las obras Jugado-res de Pau Miró y ¿Qué hacemos con la abuela?, pieza de Lucía Miranda sobre el alzheimer. Por último, la Compañía Ferro-viaria en coproducción con el Teatro Circo Murcia presenta El sueño de la razón de Buero Vallejo, en la que Paco Maciá dirige la acción que se desarrolla en las últimas semanas de residencia de Goya en Madrid.

microscena y TeaTro en familia

Varias son las obras que forman parte del ciclo ‘Microscena’ del Teatro Circo Mur-cia. Escrita y dirigida por Maite González, A ciegas cuenta con la interpretación de Esperanza Candela y Fran Dávila. En Swin-gers, Mario Tardón, Bárbara Santa-Cruz,

Jorge Suquet y Cecilia Freire se pondrán a las órdenes de Paco Caballero para dar vida a unos textos de Eric Navarro. Otras obras de microteatro son América de Jose Manuel Carrasco y Ajuste de cuentas de Chiqui Carabante.

En cuanto al ciclo de ‘Al Teatro en Fami-lia’, se podrá disfrutar de Lurae, un cuen-

to sobre la naturaleza de Ika Producciones y con la dirección de Gala Ramón. Pepica y los Bi-chejos acercarán el espectáculo musical infantil Vamos a contar canciones, y la compañía Títeres Etcétera, junto con la Orquesta Sinfónica de la Región de Mur-cia, presentará la obra Pedro y el lobo, de Serguei Prokofiev. Otro musical para niños vendrá de la mano de Jácara Teatro con Gominolas de Juan Luis Mira. El mundo de Gael, interpretada por Carla Hidalgo, propone un recorrido sensorial por el de-sarrollo de la primera infancia a través de la metáfora. Tanxa-rina títeres representará Titiri-

circus, espectáculo de circo que cuenta ya con más de 1.200 representaciones. Varias disciplinas se unirán en Sueños de arena (arte con arena, títeres y música), por la compañía Borja Ytuquepintas.

En cuanto a la danza y con motivo de la celebración de su 20 aniversario, la com-pañía Sol Picó presenta One-Hit Wonders, un solo construido con piezas emblemáti-cas de las obras más representativas de su trayectoria. La Compañía Universitaria de Danza de la UCAM representará tam-bién una pieza: Fuerza y fragilidad. Otros espectáculos que se podrán ver también sobre el escenario del Teatro Circo Mur-cia durante estos primeros meses del año serán: Goat Airlines, cabaret portuario (espectáculo multidisciplinar de GoatAirli-nes Foundation), y El humor que nos pro-hibieron en la tele, un show de comedia en directo por Juan Ibáñez, Damián Mollá y Jorge Marrón del programa televisivo ‘El Hormiguero’.

Dos clásicos para empezar bien el año en Murcia

Distancia 7 minutos de Titzina Teatro ©Raul Lorenzo

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El País Vasco acoge por primera vez la Bienal de Teatro ONCE, que celebrará su edición nú-mero XV entre los días 14 y

17 de enero. Ocho grupos de teatro serán los participantes en esta acti-vidad cultural que tiene el objetivo de dar respuesta a las inquietudes artísti-cas de las personas con discapacidad visual. Muchos de estos grupos par-ticipan habitualmente en los circuitos de teatro de las comunidades autóno-mas y diputaciones provinciales de todo el Estado. Como reconocimiento a esta labor, los grupos de Teatro ONCE recibieron en 2013 el Premio Max Aficionado de las Artes Escénicas.

Con un total de 110 componentes, las ocho piezas se podrán ver en diferentes teatros del País Vasco, como el Teatro Arriaga de Bilbao, el Teatro Principal de Vi-toria-Gasteiz y el Teatro Victoria Eugenia de San Sebastián. Precisamente en estos tres

espacios se utilizará la Audiodescripción, un servicio de apoyo a la comunicación que consiste en la información sonora que se intercala en los huecos de mensaje en las producciones audiovisuales y que explica a las personas con discapacidad visual los aspectos más significativos de la imagen que no pueden percibir.

El Teatro Arriaga acogerá la inauguración de la Bienal con La visita de la vieja dama, de Friedrich Dürrenmatt y de la mano del

Grupo Muxicas, de Orense. Con más de 50 montajes, el grupo Sa Boira de Palma de Mallorca representará Fedra, de Domingo Miras. Oroimenak de San Sebastián será el representante vasco de la edición, con la obra F. R. Una mujer en la sombra de J. Malanga. ¡Quién va! Destino Hamlet es una versión de ‘En lo más crudo del crudo invierno’, que será puesta en escena por La Luciérnaga de Madrid. Víctor Duplá dirige esta obra de Sergio Peris-Mencheta. Molière estará

también presente en la Bienal, con la pieza Las picardías de Scapin, a cargo del grupo La Ruina, de Albacete. Lino Braxe escribe y dirige Somos tan imbéciles, que será representada por Valacar, primer grupo de teatro de invi-dentes de Galicia. Arturo López dirige Amor de don Perlimplín con Belisa en su Jardín, de Fe-derico García Lorca, interpretado por el grupo Sarau de Barcelona. Los gaditanos Orozú se encargarán de clausurar la Bienal con ¡Bang! El vodevil, de Belén Pérez Daza.

XV Bienal de TeaTro onCe

110 personas participan en la Bienal de Teatro ONCE

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m i s c e l á n e a

La sala de teatro madrile-ña acogerá el estreno de la obra Árbol adentro del 8 al 24 de enero, segundo espectáculo de la tetralo-gía ‘Del yo al nosotros’. La compañía Proyecto Bufo es quien lleva a escena esta obra de Juanma Romero Gárriz, que cuenta con la

dirección de Artur Bernal. La pieza explica la historia de dos jóvenes que superan el duelo por la muerte de su padre a través de su árbol genealógico. El espectá-culo habla de recuperar la memoria como único camino para alcanzar la sanación, del derecho a recordar y de la responsabilidad de transmitir la historia familiar a los descendientes. También en la misma sala y del 28 al 31 de enero se podrá ver la obra Escenario ambu-lante, de la compañía granadina Laví e Bel. Con la di-rección, producción y dramaturgia de Emilio Goyanes, el espectáculo muestra una historia protagonizada por tres artistas de variedades: un actor, una actriz y un pianista. Antonio Laiva, Larisa Ramos y Walter Sábo-lo son los encargados de dar vida a estos particulares personajes.

Con la dirección de José Luis Arellano, La Joven Compa-ñía representa esta pieza de Simon Stephens, supo-niendo el primer estreno en España de una obra de este autor británico. Punk Rock cuenta la historia de siete jóvenes de Stockport (In-glaterra) que se enfrentan a

los exámenes que les abrirán las puertas de la universi-dad y les permitirán escapar del suburbio industrial en el que han crecido. La presión es máxima y cada uno deberá lidiar con ella de la manera que pueda. Aun así, no todos estarán preparados para soportarla. La Joven Compañía tiene su residencia en el Teatro Conde Du-que de Madrid, y ha sido reconocida con el Premio Ojo Crítico de Teatro 2014 que otorga Radio Nacional de España. Esta versión de José Luis Collado comenzará su gira el 20 de enero en el Auditorio El Batel de Car-tagena. Posteriormente se representará también en el Teatro Jaime Salom de Parla los días 22 y 23 de enero, pasando el 25 y 26 por el Teatro Cervantes de Linares, y llegando finalmente al Gran Teatro de Elche el día 28 de enero.

Punk Rock

Teatro Arbolé

Cuarta Pared

El Teatre La Seca de Barce-lona acogerá diferentes es-pectáculos en enero, aparte de las dos piezas que se re-presentaron ya en diciem-bre y continuarán en cartel: Trilogía MozArt de la com-pañía Dei Furbi y La Mas-carada Fantástica de Cia.

de la rosa. Del 8 al 25 de enero estará en cartel Cartas Portuguesas, dirigida por Carlos Murias e interpretada por Alicia González Laá. Pere Hosta protagoniza Pàja-ru, obra que cuenta con la dirección de Manel Trias y que se podrá ver del 14 de enero al 1 de febrero. De la mano de la Compañía Perlimplín y la directora Ge-noveva Pellicer llega Les Criades de Jean Genet, que será escenificada del 28 de enero al 15 de febrero y que cuenta con el trabajo de las actrices Elisenda Bautista y Meritxell Sabaté. Con dramaturgia de Joan Yago, Israel Solà dirige La nau de bojos, obra que se podrá disfru-tar del 5 al 22 de febrero en la sala Joan Brossa y que tiene como intérpretes a Xavi Francés, Aitor Galisteo-Rocher, Esther López, Marc Rius y Júlia Truyol. Por úl-timo la pieza Lucrècia, con Sergi Marí como director y dramaturgo, será puesta en escena en la sala Leopoldo Fregoli a partir del 18 de febrero.

En el espacio de Zaragoza finalizan el 5 de enero las representaciones que for-man parte del festival “Una Navidad de Cuento”. Ade-más, durante el mes de enero se ofrecerán otras cuatro funciones dirigidas al público infantil. El día 10 se

podrá ver Alicia en el país de las maravillas, de Ca-chirulo Teatro. El 17 de enero Jácara Teatro llevará a escena la comedia musical Gominolas. Guyi-Guyi es una versión del cuento ‘El Patito Feo’, representada por Periferia Teatro el día 24. Para terminar, Teatro del Andamio llevará a cabo la pieza Caperucita en el desván el 31 de enero. En cuanto al público adulto, el 22 y 23 de enero estará en cartel el espectáculo A solas con Marilyn de Alfonso Zurro, una producción de TNT. Sario Téllez protagoniza esta obra que cuenta la historia de una cajera de supermercado a la que un día abandona su marido. Ella le pregunta el nombre de la otra y él dice Marilyn. Sólo una palabra: Marilyn, un nombre que acciona un camino de destrucción en el que se adentra la protagonista de una historia común contada poéticamente. Así, revivirá en tiempo presente todos los mitos de la mujer abandonada.

La Seca

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Luz negra Josu Montero

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Parejas y desolaciónonseguir que te entiendan es imposible. No existe modo alguno. Sobre todo en el marco matrimonial, donde todo cobra visos de juicio criminal”. Es Ernest Blot quien habla,

tal vez el personaje más beckettiano de los 18 que toman la palabra en la última obra de la conocida escritora francesa Yasmina Reza (París, 1959). Por imperativos literarios y comerciales de la clasi-ficación, “Felices los felices” es una novela, y en efecto lo es; pero podría ser una peculiar colección de relatos, o una ácida, vitriólica pieza teatral. Y es que son 18 los personajes que nos hablan en estos 21 capítulos o escenas; 18 voces que como quien no quiere la cosa, a través de las pequeñas cotidianidades que nos cuentan, abren en canal sus vidas y sus almas. Y lo que vemos no nos gusta demasiado porque inevitablemente nos vemos reflejados. Poco a poco, escuchándoles, nos damos cuenta de que ya directa o ya tangencialmente los 18 están estrechamente relacionados. Y lo que uno nos cuenta puede quedar completado, relativi-zado o desmentido por lo que cuentan otros. Esas voces funcionan como una polifonía, con variaciones y contrapuntos. Los personajes van así perfilándose en toda su complejidad.

Diseccionar la naturaleza humana con ferocidad inclemente, rascar la capa de civilidad –más fina de lo que nos creemos- y mostrarnos la pequeña –y pa-tética- bestia que hay debajo. Ese es siempre el modo de actuar de Yasmina Reza, tanto en su teatro como en sus breves e intensas novelas: “Una desolación” o “En el trineo de Schopenhauer”.

Algún crítico ha afirmado que la especialidad de Reza es “narrar el horror con frivolidad”. En efecto es una sátira implacable pero también burlona, porque uno de sus ingredientes esenciales es el humor, la risa, a veces cínica y nihilista, otras liberadora, redentora. “Es maravilloso que tengamos la risa. Es como un comodín. Funciona en cualquier sentido”, dice Loula Moreno, otro de los personajes.

Toca aquí muchos palos la dramaturga, pero el eje de esta sátira inmisericorde es el matrimonio, la pareja. Son cuatro parejas las que vertebran la obra, aunque no toman la palabra los ocho; tres acomodados periodistas compañeros de redacción y sus esposas, y los padres de una de las mujeres. Familiares, amantes, amigos…tejen esa telaraña transversal de voces e interrelaciones, inespe-radas y sorprendentes algunas veces. Decíamos que es la pareja tradicional la diana de los punzantes dardos de la autora; el pano-rama que nos ofrecen los matrimonios es desolador. Y lo es desde esa escena inicial descacharrante contada por él, Robert Toscano, y en la que el matrimonio hace la compra en el super; una escena rebosante de mal rollo y de peor baba. Reflexiona Robert: “Siempre una constricción del ser para lograr ser dos” o “El secreto está en reducir al máximo la exigencia de felicidad”. Tremendo. Los padres de la esposa, Odile, Ernest Blot y Jeannette Blot nos hablan también en sendas escenas absolutamente demoledoras, casi más hirientes aun por el humor que las impregna. De Ernest Blot es la frase que abría esta reseña. “Todo es malentendido y embotamiento”, afirma; o, ya viejo y retirado, este antiguo preboste de la banca y de la ad-

ministración del estado, escupe: “Los objetos se amontonan sin la menor utilidad. Como nosotros”. Su escena nos deja sin respiración, como el Shakespeare más nihilista, o como Beckett.

Es igualmente ácida y desoladora la forma que tiene Reza de pre-sentarnos las relaciones extraconyugales. Un estupendo ejemplo es la escena de Paola Suares, amante del marido de una de las cuatro parejas, Luc Condamine. El relato que nos hace de la velada que pasa con él no tiene desperdicio; tras la cena y el periplo nocturno por París acaban en casa de él (la familia está de vacaciones), se van desnudando en la sala poco a poco, y cuando en el momento culminante él se saca el aparato, el pensamiento de la mujer, tras in-

formarnos de la acción de él –su polla sobre el sofá en el que está repantingado-, no es sino sobre el pésimo gusto de un hombre que es capaz de tapizar el sofá con una tela tan horrible. Y ahí acaba la escena. “La pareja es la cosa más impenetrable. Resulta imposible comprender lo que es una pareja, incluso cuando se forma parte de ella”, afirma otro personaje.

Frente a este panorama, donde encontramos algo de verdad, de vida, de plenitud, es en las parejas dis-funcionales, esas que serían calificadas por los bien-pensantes como patológicas. El oncólogo que trata a un par de personajes de la obra, Philip Chemla, y que él mismo toma la palabra para contarnos su caso de abuso sexual en la infancia por parte de su hermano mayor, y su búsqueda posterior de sexo pero también de algo más –de consuelo tal vez- con otros hom-bres y con chaperos. “Mi vida es bella. Hago lo que

me gusta”, afirma. O esa mujer casada, Hèléne Barneche, que se encuentra casualmente en el autobús con el hombre que en el pa-sado la trajo por la calle de amargura, en una relación ciertamente sadomasoquista, y que no es otro que Igor Lorraine, el psiquiatra del que son pacientes un par de personajes de la obra. Al principio casi ni lo reconoce, pero cuando tras la charla de rigor él llega a su parada y le pide a ella que se baje con él, contra todo pronóstico ella le sigue, le da la mano por las calles de París y su corazón vuelve a bombear con fuerza, a temer, a vivir; lo desconocido, lo doloroso, frente a la seguridad de lo estable y cómodo. “Treinta años de sosie-go barridos en diez minutos”, exclama. Y hay algún personaje más que aunque sea por unos momentos vibra y se entrega al vértigo.

Y la traca final. Un personaje fallece; y en el funeral, en la cere-monia de incineración se reúnen buena parte de los personajes. Aquí es donde la autora exprime al máximo y además de forma su-til y sibilina sus dotes para la sátira más punzante, sin renunciar además a un cierto patetismo que a veces cae del lado del humor liberador, pero que otras te pone el corazón en un puño. Y todo alcanza su culminación en el accidentado viaje final de los familiares para arrojar las cenizas al río del pueblo de su infancia, y que hoy es un extrarradio deprimente. No deja Reza pasar ningún detalle para exprimir una situación tan kafkiana, y lo hace con una puntería acongojante. A no perderse el episodio del ramo de flores lanzado al agua o el de la bolsa cutre en el que llevaban la urna. Sin duda una de las mejores obras de Reza. Caza mayor.

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FELICES LOS FELICESYASMINA REZAAnagrama, 2014

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Vivir para contarlo Virginia Imaz

Tomo la palabra (II)

n las I Jornadas Internacionales sobre Mujeres, Voz y Na-rración Oral, “Tomo la palabra” celebradas los días 20 y 21 de octubre en la UNED de Madrid, Carme Oriol nos ha-

bló del nivel textual del análisis de los cuentos narrados de viva voz, que focaliza la atención en el contenido de los relatos. En este sentido, los estudios se dirigen al análisis de los temas, los argumentos y los personajes que intervienen en las narraciones y se centran en aspec-tos, como por ejemplo, la relación que existe entre los temas tratados en los cuentos y el género de sus personajes principales. Según Holbek, a quien citaba, prácticamente todos los cuentos mara-villosos tienen dos figuras principales, un héroe y una heroína. Uno de ellos es el más activo en el episodio introductorio y en el central del cuento mientras que el otro se halla inmovilizado (embrujado, trans-formado en un animal, encarcelado, etc.). Los cuentos en los que el héroe juega un papel activo en estos episodios y en que la heroína es pasiva son cuentos masculinos, cuentos maravillosos de género masculino, mientras que los cuentos en que estos roles están inverti-dos son cuentos femeninos (Holbek 1998: 161). Holbek observa que prácticamente todos los cuentos maravillosos del catálogo interna-cional de Aarne/Thompson/Uther, The types of International Folktales (Uther 2004) pueden ser clasificados inequívocamente como masculi-nos o femeninos (Holbek 1998: 161). (ATU 366)

El nivel contextual focaliza, sin embargo, su atención en las per-sonas que participan en el acto comunicativo que es inherente al folclore, es decir, en las personas que hacen de colectoras o de informantes de materiales folclóricos. En este caso, los estudios centrados en el nivel contextual tratan aspectos como por ejemplo: las características de los repertorios que transmiten las mujeres y los hombres; las diferencias (temáticas y estilísticas) entre estos repertorios; el posible predominio de narradores o de narradoras en determinadas culturas; la mayor o menor accesibilidad a la infor-mación según sea una mujer o un hombre quien recoja los cuentos de la tradición oral y según sea una mujer o un hombre quien los explique; etc (Oriol 2013).

La investigación llevada a cabo por Holbek a partir de un corpus de cuentos recogidos de la tradición oral en las últimas décadas del siglo XIX y la primera del XX, demuestra que los hombres prefieren explicar cuentos masculinos mientras que los repertorios femeninos están más equilibrados. La explicación la encontraríamos en el hecho de que en la sociedad tradicional, los hombres tendrían una audiencia exclusivamente masculina (en el ejército, el trabajo, los viajes), mien-tras que las mujeres explicarían los cuentos a una audiencia mixta (en el ámbito doméstico) (Holbek 1998: 171, 405-406).

Finalmente, el nivel metatextual está en relación con las apor-taciones hechas por la crítica feminista. En este caso, los estudios van dirigidos a analizar, por ejemplo, como ha incidido la variable de género en las adaptaciones de cuentos o en la elaboración de versiones transgresoras que cambian los roles de los personajes situando, por ejemplo, protagonistas femeninas ejerciendo roles que tradicionalmente han sido típicamente masculinos. La crítica femi-nista, a menudo, ha propiciado la creación de nuevas versiones de

los cuentos que han rectificado el sexismo presente en algunos de estos relatos tradicionales (Oriol 2013).

Aparte de los estudios centrados en cada uno de estos niveles (textual, contextual y metatextual), también se deben tener en cuen-ta las posibilidades que surgen de la interacción entre ellos. Así, por ejemplo, el libro Enchanted Maidens, Gender Relations in Spanish Folktales of Courtship and Marriage de James M. Taggart (1990) ha puesto de manifiesto que el género de los informantes modu-la el argumento de la narración y el rol que tienen los personajes principales de estas narraciones. Así, las versiones de un mismo cuento popular pueden resultar más feminizadas o más masculini-zadas según sea el género de los narradores y de sus audiencias. En este caso, los niveles textual y contextual se entrecruzan y se condicionan (Oriol 2013).

La mañana de la primera jornada se completó con varias comuni-caciones, a cada cual más inspiradora, coordinadas por Eva Estebas: Victoria Marrero-Aguiar (UNED) habló de “La voz femenina en la narra-ción oral. Primera aproximación acústica y perceptiva”, Virginia Acuña (Universidade de Vigo): “Características de las historias de mujeres en la conversación coloquial”, Montserrat Palau (Universitat Rovira i Virgili): “Estrategias discursivas en las narraciones de vida orales de las mujeres”, Elisabetta Sarmati (Università degli Studi La Sapienza de Roma): “Vivir es disponer de la palabra”. Aportes para una lectura en clave de género de la narración oral en la obra de Carmen Martín Gaite” y María García Lorenzo (UNED): “El empoderamiento de las narradoras póstumas: el caso de “Mujeres Desesperadas”.

Mientras que por la tarde hubo un plantel de comunicaciones, a cada cual más interesante, coordinado por Helena Guzmán donde viví el extraño honor de ser el objeto de estudio de la investigadora Ma-ría Arantzazu Fernández Iglesias (UNED): “Las historias de Virginia Imaz”. Me sentí muy honrada y también me dio vértigo. ¿Cuándo he acumulado tantos años de oficio como para convertirme en objeto de investigación? En cualquier caso, la experiencia resultó muy interesan-te y permitió hablar del sexismo en los cuentos tradicionales.

Claudia Fonseca (Instituto de Estudos de Literatura Tradicional da Facultade de Ciencias Sociais e Humanas da Universidade Nova de Lisboa) realizó una magnífica exposición: “Mujeres que cuen-tan: la voz femenina en la narración portuguesa” ; Blanca Calvo (Fundadora del Maratón de cuentos de Guadalajara): dio cifras e interpretaciones sobre la participación de hombres y de mujeres tanto narrando como de público en su intervención: “Narradores y narradoras en el Maratón de cuentos de Guadalajara” y José Ma-nuel Pedrosa (Universidad de Alcalá de Henares) nos deleitó con su estudió: “Las hijas de Sherezade: vida y literatura en la narración oral de mujer”

Después de la pausa y coordinada por Marina Sanfilippo tuvo lu-gar una mesa redonda que llevaba por título: “Narradoras y cons-trucción del personaje escénico”. Intervinimos Magdalena Labarga, Cristina Mirinda y Alicia Mohíno y yo misma. Las aportaciones de mis colegas, narradoras profesionales de este calado, me conmovieron profundamente. Todo un lujo.

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Jorge Dubatti

En busca de nuevas formas teatrales

os espectáculos excepcionales: Las lágrimas de Mariano Tenconi Blanco (Centro Cultural de la Cooperación), y Un poyo rojo, dirigido por Hermes Gaido (Galpón de Guevara),

ratifican la voluntad del teatro argentino de investigar en busca de nuevas formas.

Hablar de Las lágrimas exige partir de la formulación de un con-junto de preguntas acuciantes para el teatro argentino actual. ¿Cómo representar en escena el dolor de la postdictadura? ¿Cómo construir hoy una poética teatral que dé cuenta del horror? ¿La elección de los procedimientos artísticos -con los que están compuestas las obras- encierra un sentido político y ético? ¿Hay alguno de esos procedimien-tos contraindicado, irreverente, ambiguo, del que el teatro anterior aconseje no valerse? ¿Cómo lograr que esas elecciones estéticas sean hoy un renovado homenaje a los muertos y, especialmente, a los desaparecidos, un homenaje que transforme su memoria proyectán-dola como legado y energía política hacia el futuro?

Los interrogantes se encadenan, llevan unos a otros, se implican y multiplican: ¿Existe hoy una crisis de la representación, o mejor di-cho, una crisis de la construcción poética que afecta específicamente a esa voluntad de “poner en teatro” el dolor? ¿Con qué formas es posible comunicar teatralmente un acto de la memoria para activar la memoria de los espectadores? ¿Cómo se relaciona la poética de un espectáculo, con reglas propias, internas, con los referentes externos de la sociedad, de la historia? En suma, ¿cómo habla la poética teatral sobre el mundo que está fuera del teatro?

Estas son algunas de las preguntas que están en la génesis de Las lágrimas, un espectáculo eminentemente conceptual de Mariano Tenconi Blanco. A diferencia de sus obras anteriores (Quiero decir te amo, La fiera, entre otras), en Las lágrimas está presente más que nunca la sensación de que cada escena, cada gesto, cada resolución están sostenidos por una red de ideas y tomas de posición frente a los interrogantes que enunciamos. La presencia, a la vez visible e invisible, leve y saturada, de esta red conceptual en la que Ten-coni ha reflexionado durante años, otorga a Las lágrimas un efecto de extrañamiento, que sin duda es uno de sus principales encantos estéticos. Se percibe nítidamente un “teatro experimental”, un “tea-tro laboratorio”, que quiere encarnar esas ideas en formas. Sabe-mos que Las lágrimas llevó muchos años de investigación, porque esto se desprende del complejo trabajo final (el laborioso resultado escénico, impecable, magníficamente interpretado por Ingrid Pelicori, Violeta Urtizberea, Iride Mockert, Martín Urbaneja y Fabio Aste, junto al músico Ian Shifres), del fechado de la obra (que en el cierre detalla las siete reescrituras, de la “1° versión: marzo-agosto de 2009” a la “7° versión: febrero-agosto 2014”), de los agradecimientos a los actores (que seguramente aceptaron colaborar en una búsqueda con sus múltiples laberintos) y porque esto se refleja, además, en un bri-llante texto teórico escrito por Tenconi: “Las lágrimas, un manual”, que

explicita la red conceptual y ojalá su autor acepte publicar en breve, para goce de sus espectadores. El “manual” conducirá a sus lectores a compartir preguntas y, probablemente, muchas afirmaciones.

Tenconi cuenta en Las lágrimas una historia de identidades robadas, de violencia, genocidio, miedo y castigo, pero que por su tratamiento lúdico y cómico no parece en primera instancia estar hablando del horror. Inexorablemente, Las lágrimas grita el horror, lo transparenta por debajo de las apariencias bizarras. Y ese dolor, que se abre cami-no contra toda resistencia o desvío de la representación, se descubre multiplicado. Tenconi toma la idea de que en la postdictadura, como consecuencia del quiebre inconmensurable que produjo la dictadura, el dolor y el horror siguen aconteciendo, y por lo tanto, se quiera o no, fatalmente, el teatro reaviva la memoria, aventa de todas formas la herida que no cicatriza. La idea no es nueva, es el principio que ya hemos destacado en Postales Argentinas del “teatro de los muertos”: todo en el teatro evoca, directa o indirectamente, la espectralidad de los que ya no están, y especialmente del trauma que implican las muertes sin duelo, la tragedia.

Pero si los ausentes se hacen presentes inexorablemente en la escena de la memoria, todas las poéticas pueden contribuir a esa vitalidad simbólica. Aquí aparece la originalidad de Tenconi: hace de esta idea una herramienta para cuestionar radicalmente el realismo. La representación ya no puede ser realista, porque, desde una mi-rada actual, el realismo es poética apropiada por el capitalismo, de-venida en “realismo mediático”, producto de la televisión manejada monopólicamente por los tanques del neoliberalismo, que ha anes-tesiado el realismo de ficción en una deriva falsamente costumbrista y que oculta bajo el supuesto “realismo” de noticieros, entrevista-dores y columnistas la labor de operadores políticos al servicio de los intereses de una minoría. Tenconi rechaza y desplaza el realismo apropiado mediáticamente como expresión de la “verdad”, ese pa-radójico “realismo” sin realidad, y reivindica para la poética de Las lágrimas otros “géneros” no realistas que, gracias a sus convencio-nes incluso estereotipadas, triviales o burdas, ponen en evidencia un camino estético contrario al ilusionismo realista, hacen presente el dolor con mayor potencia y sacuden de toda previsibilidad al es-pectador que espera realismo. Tenconi mezcla en Las lágrimas otras formas discursivas de la televisión: la telenovela, el melodrama, la tira publicitaria, el musical junto a formas de comicidad bizarra, con una inflexión lúdica de convención consciente, entre el respeto a los géneros, la parodia y el pastiche que desemboca en una crítica feroz al realismo televisivo, porque desnuda a la televisión como artificio y construcción. Un recurso homeopático: valerse de la televisión no realista para atacar el realismo de la televisión.

¿Todo esto para qué? Para celebración de los muertos y transfor-mación de su legado. Citemos un fragmento de su “manual”: “Profanar la estética es volver a pensar los 70. La militancia, la lucha armada,

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Postales argentinas

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los sueños. ¿Tenemos sueños ahora? ¿Que-remos cambiar el mundo? ¿Queremos hacer la Revolución? ¿Qué Revolución? (...) La for-ma es el contenido: si el sueño de los militan-tes asesinados en los 70 era cambiar este sistema, cambiar la realidad, sería un error entonces tomar como punto de partida una forma de expresión que tiene a ‘la realidad’ como materia prima”.

Creemos que Las lágrimas se introduce en una senda ya abierta por espectáculos ante-riores del teatro argentino (incluso muchos de la programación de Teatroxlaidentidad, que a través de los años fue abandonando un registro más conservador del realismo y ampliando el espectro de poéticas de representación). El mérito de Tenconi no radica tanto en iniciar un camino, sino en ensancharlo con potencia artística, intelec-tual e ideológica poco común. Retoma así para el teatro la consigna cortazariana de “la revolución de la literatura”, confrontada a una “literatura de la revolución”. Retome-mos entonces una de las preguntas inicia-les: ¿cómo habla la poética teatral sobre el mundo que está fuera del teatro? Contesta Tenconi: volviendo a producir una revolución alegre en el seno mismo de sus sistemas de representación.

Un poyo rojo cruza el teatro, la danza y el deporte en una poética no convencional que le otorga gran originalidad en la escena ar-gentina. Dirigido por Hermes Gaido, con co-reografía de Nicolás Poggi y Luciano Rosso (de allí el nombre del espectáculo, derivado de estos apellidos, “un Poggi Rosso”), es in-terpretado por el mismo Rosso y Alfonso Ba-rón, dos actores-bailarines-atletas notables, con una destreza, una capacidad expresiva y un dominio de la comicidad sobresalientes, dichosamente heterodoxos en la medida en que no responden a ninguna escuela ni esti-lo ortodoxo nacional o internacional.

Nacido en su primera versión, mucho más breve, hacia 2008, Un poyo rojo se ha trans-formado en un gran acontecimiento. Si una de las funciones de la crítica es señalar, con-tra todo dictamen apocalíptico (del tipo “la muerte de la novela”, “la muerte de la histo-ria”, etc.), que lo genial está aconteciendo, lo decimos sin dudar: Un poyo rojo es genial. El Instituto Nacional del Teatro debería llevarlo en gira por todo el país. Generaría un incen-dio de inspiración teatral.

Uno de los atractivos centrales de Un poyo rojo radica en la potencia desclasificadora de su poética. ¿Cómo pensarla, cómo nombrar-la? Creemos que no le cuadran ni el término “teatro posdramático” (acuñado por Hans-

Thies Lehmann para otras expresiones más conceptuales y aburridas y mucho menos fascinantes que ésta), ni “teatro performati-vo” o “teatro performático” (taxonomías tan limitadas en su caracterización, ya que todo teatro posee una base de performance, de ejecución y acontecimiento: todo teatro es performativo).

Un poyo rojo es una muestra ejemplar de poética de la liminalidad, es decir, un teatro que se coloca en la frontera, en el límite, en los territorios compartidos, indetermi-nados, lábiles y borrosos, en permanente metamorfosis, de los “entre”: entre el arte y la vida, entre la danza y el teatro, entre el deporte y el teatro, entre el arte y la sexua-lidad. Un teatro físico de los devenires, de las circulaciones, en el que los cuerpos no muestran su hacer como poética o lenguaje sistemáticamente elaborados (el artificio como finalidad), sino ofrecen el “medio” hacia otra dimensión: un teatro del “acto” real, retomando la feliz expresión de An-tonin Artaud en su manifiesto del Théâtre Alfred Jarry (1928): “A partir del Théâtre Alfred Jarry, el teatro ya no será más esta cosa encerrada, clausurada en el espacio estrecho del escenario, sino que tendrá por objetivo transformarse verdaderamente en un acto, sometido a todas las demandas y a todas las deformaciones de las circuns-tancias y donde el azar encuentre sus derechos”. Una liminalidad donde lo real argentino –entre otras realidades, la de los artistas independientes nacionales-, con su precariedad y su potencia de deseo, se ma-nifiesta en su singularidad, en su margina-lidad cultural, en la riqueza que abren sus “limitaciones”. Con la potencia del teatro “tosco” –como lo llama Brook- que Hermes Gaido reivindica y reelabora.

Un poyo rojo propone el gran desa-fío teórico de repensar qué es un cuerpo natural-social-sexual argentino deviniendo cuerpo poético argentino y universal en el acontecimiento teatral, maravilloso mirador ontológico de representación, presentación y sentación. Contrafácticamente, nos gusta imaginarnos al autor de El teatro y su doble como espectador de una función de Un poyo rojo: aseguramos que aplaudiría de pie.

Entre los momentos notables de Un poyo rojo sobresalen las situaciones en las que se incorpora una vieja radio portátil: Barón y Rosso giran el dial e ingresan en el universo dramático de la obra las transmisiones ra-diales que se están realizando en ese mismo momento en Buenos Aires, en el presente de la realidad inmediata. Una dramaturgia del

azar, del accidente, en la que esas series no prefijadas (músicas diversas, sermones de pastores, entrevistas sobre temas sociales diversos…) estimulan al espectador para multiplicar conexiones y sentidos y construir el cuerpo poético en infinitas direcciones. En el observatorio ontológico de Un poyo rojo se siembra el asombro: ¿cómo un cuerpo humano deviene cuerpo poético?, ¿cómo un cuerpo poético absorbe, transforma en poe-sía escénica, los materiales de la realidad?

En el juego de devenires, circulaciones, metamorfosis e indeterminaciones, en Un poyo rojo se cuentan varias historias: la de los estados que atraviesan a los actores, la del acontecer teatral y la destreza física, la de un posible entrenamiento de dos actores-bailarines-atletas, la de la relación amorosa que surge entre los personajes. Hay drama-turgias (de director, de actor, de coreógrafo, de espectador), hay dramaticidad, en ten-sión liminal con la vida. Como siempre en el mejor teatro.

Una de las líneas dramáticas más celebra-bles es la que construye, entretejida con las otras, la historia de amor y sexo entre hom-bres, y en la que se devela plenamente el “alma física” del sentimiento amoroso-sexual entre varones. Búsqueda, huida y encuentro de violencia física, antagonismo y aproxima-ciones de intensidad corporal deportiva, como si en el enfrentamiento vertiginoso por el dominio de la pelota Messi y Ronal-do acabaran enlazados por un beso, como si una jugada histórica mutara en erotismo y apareamiento. Pero hay que aclararlo: no es una historia sólo física, sino una historia romántica, con la dimensión espiritual de la conquista romántica entre varones.

Como nadie es profeta en su tierra (y el dicho rige especialmente en la Argentina), vale apuntarlo: Un poyo rojo ha estado en el Festival de Avignon (uno de los más prestigiosos del teatro experimental en Francia y toda Europa) y acaba de realizar una exitosa presentación en Madrid. Ya han sido contratados para viajar por todo el mundo en 2015.

Para ver y volver a ver antes de la gira internacional. Memorable el homenaje fi-nal a Tita Merello, en el que Luciano Ros-so – a manera de “bis”- hace uno de sus sorprendentes playbacks (como los que están disponibles en youtube), en este caso sobre la grabación histórica de “Se dice de mí…”. Adenda, pero en plena uni-dad con Un poyo rojo: el playback como otra variante creativa de las poéticas de liminalidad.

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Piedra de sacrificioJaime Chabaud

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Movilización social en el México bárbaro

ace cosa de un mes y días, en una asamblea de la comunidad ar tística, una compañera teatrista que fue golpeada en la cabeza por granaderos (policías

de choque) en la marcha del 20 de noviembre en un contingente de ar tistas que apenas iba entrando a la plancha del Zócalo, me comentaba que llevaba dos crisis en las que se le entumecía la boca y le resultaba inútil levantar el brazo derecho. A esa mar-cha se decidió por no llevar a su niña de cinco años que ya la ha acompañado, junto con su marido, director escénico, a otras marchas. Muchos otros, ese día, fueron golpeados sin otra razón que la de manifestarse pacíficamente por los cuarenta y tres desapa-recidos de la Escuela Normal Rural de Ayotzinapa y los ciento ochenta mil muer tos y los treinta y cinco mil desaparecidos de los últimos ocho años. No se si se dará cuenta el señor Peña Nieto o sus asesores buscan encubrirle la verdad para no al-terar más sus nervios pero esa no fue una “contención” a los mal llamados anarcos que arrojan petardos e incendian puer tas históricas, eso fue una represión concer tada contra un contin-gente pacífico que por la calle de 5 de mayo del centro histórico de la capital mexicana aún no alcanzaba el corazón de la ciudad y del país.

En la protesta del día 1 de diciembre el encapsulamiento de otro grupo de teatristas por par te de los granaderos hizo evidente que no les interesan tanto los “anarcos” que podían pasearse sin ser aprehendidos mientras los colegas, con ros-tros descubier tos, eran intimidados. De no ser por un amplio grupo de representantes de la Comisión Nacional de Derechos Humanos que crearon un escudo humano, la resultante de ese encapsulamiento podría haber sido cualquiera.

Ha sido muy esclarecedora la lectura de algunos ar tículos de Lorenzo Meyer, Enrique Semo y Juan Villoro sobre el estado de cosas en el que nos tiene sumergidos la nula capacidad del señor Peña Nieto para dirigir nuestros destinos. El desempeño de la comunidad ar tística, y en específico la teatral, ha sido impecable en estas semanas de indignación por la barbarie generalizada en México. Desde pequeñas acciones de “teatro invisible” a la usanza de Augusto Boal, hasta los performances masivos y los cánticos en las marchas, apelan a un México sin violencia. Todas han sido expresiones no violentas. Nos han faltado zócalos (pla-za principal de cualquier capital) para llenarlos.

Ante el duelo por la par tida del gran dramaturgo Vicente Leñe-ro y el fotógrafo escénico Fernando Moguel, ambos por cáncer, la comunidad teatral y cultural debe sentirse gozosa al escuchar las enérgicas palabras del poeta y teatrero Hugo Gutiérrez Vega en la FIL de Guadalajara o al ver la camiseta que por tó ahí mis-mo el enorme novelista Fernando del Paso con la leyenda: “¡No

mames, Peña Nieto!” ¿Para qué el teatro aquí y ahora? Es la pregunta que nos

ronda las cabezas a muchos en los últimos meses y que ha reso-nado con enorme intensidad en las semanas recientes. La cele-bración por las cien funciones de la obra El hijo de mi padre de, por y con Adrián Vázquez -extraordinario retrato de los mundos de terror que puede haber en la infancia- se volvió un aconteci-miento doble al dar voz a uno de los padres y a un compañero de los cuarenta y tres desaparecidos de la Escuela Normal Rural de Ayotzinapa.

A la dureza de la obra, se incorporó el dolor de un padre que no se resigna a la ausencia de su hijo y que pide en una voz queda, cansina, que la sociedad y los ar tistas tampoco nos resignemos, que no seamos indiferentes. Y cada noche, en los teatros institucionales e independientes del país, multiplicados, eventos similares se desarrollan. Al final de cada función “algo” ocurre en torno a este ¡ya basta! que buena par te de la sociedad ha gritado.

En esta columna he escrito fragmentaria aunque prolijamente sobre experiencias de teatro social y comunitario; también en torno a aquel que se ha construido ante dictaduras como la ar-gentina, o bien sobre cómo ha respondido el teatro en el contex-to de la guerra en Colombia. Y supongo que muy pocos tendrán dudas respecto a la capacidad sanadora del teatro (y las ar tes). Sin embargo la pregunta inicial plantea un cuestionamiento más allá de la labor de las instituciones de cultura del país, a quienes siempre habremos de reclamar porque es la costumbre y porque es cómodo.

A pesar de los muchos compañeros de gremio que ya han tomado el camino de hacer un teatro para los públicos no con-sumidores habituales de cultura, estaría bueno que aquellos ins-talados en una zona de confor t nos preguntáramos qué tenemos que hacer por todos aquellos mexicanos que no tienen acceso a su derecho constitucional a la cultura. El campo es vastísimo porque el noventa por ciento de nuestros conciudadanos care-cen de servicios culturales. Es claro que las instituciones están rebasadas y no habrá presupuesto que alcance. Es por ello que nuestro papel no puede ser el de esperar su acompañamiento pasivamente en la alta tarea de construir una mejor patria por medio del ar te.

Durante otra asamblea de la comunidad teatral el 16 de di-ciembre, un representante de los egresados de la Escuela Normal Rural de Ayotzinapa fue invitado a intervenir. Y él nos convocó a sumarnos a las Brigadas Culturales por la Paz que consistirán en talleres y presentaciones de teatro y danza en distintas comunidades de Guerrero. Llamado urgente, llamado solidario, llamado por la paz. ¿Qué esperamos?

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Noticias desde los fiordos Víctor Criado

Consideraciones antes del cierreinkeby es uno de los barrios de la periferia de Estocolmo, crisol de culturas que diría un folleto turístico. En una de sus esquinas está ubicada la biblioteca. Allí hemos estado

representando, durante una semana, la última producción de Unga Klara “Precis som du föreställt dig...” (“Tal como te lo imaginas...”). Un trabajo dirigido a niños de entre 3-5 años. Un reto enorme al que nunca me había enfrentado como actor. También una enorme respon-sabilidad ya que para muchos de esos niños nuestro trabajo va a ser su primer contacto con el teatro, lo cual añade un poco de presión a mi trabajo. Un máximo de 30 niños, situados en un círculo, asisten a un espectáculo de 30 minutos que les introduce en el universo de las historias imaginadas, y contadas. Tres actores sobre un suelo de danza, donde al finalizar la representación esos niños podrán dibujar lo que imaginan o quieren junto a nosotros. Dibujar, hablar, compartir espacio y palabras e imágenes.Entre las actuaciones, dos durante el día, tenemos un rato de descan-so y uno aprovecha la ocasión, dado el lugar, para hojear libros. Es ahí, en una de esas rutinarias inspecciones cuando me topé con unos libros muy... curiosos. Hechos a mano, iban dirigidos a los premios Nobel de literatura, y estaban ordenados por años. Llenos de dibujos y pequeñas anotaciones hechas por los propios niños. La mayoría de las ocasiones habían tomado como referencia una de las obras del autor galardonado.

Busqué, otra vez por defecto profesional, el correspondiente a Da-rio Fo. Al finalizar mi rápido vistazo decidí comentar con mis compañe-ros el hallazgo, que fue tomado con una naturalidad excesiva. Como si aquello de que hubiese no un archivo, sino varios, repleto de revistas dedicadas, año tras año, al Nobel de literatura, fuese algo normal. Pregunté el porqué de tanta naturalidad. He aquí la respuesta.

Cada año, el autor galardonado con el Nobel de literatura cumple la tradición de, durante el día en que se celebra la ceremonia de los Nobel, visitar esta biblioteca situada en uno de los extrarradios más deprimidos de Estocolmo. Al lado del barrio que hace poco menos de un año fue portada en todos los periódicos europeos por los dis-turbios provocados por jóvenes más que descontentos de nombre Husby. Bien, Rinkeby está pegado a ese barrio, y sus problemas de integración y conflictividad no tienen nada que envidiar a los de sus vecinos. Pero es precisamente allí donde el premio Nobel de literatura recibe su “otro” premio. Una copia de ese libro confeccionado ma-nualmente por niños en edad escolar.

Patrick Modiano, el último en visitar esa biblioteca y recibir su libro acompañado de unas canciones en honor a Santa Lucía (tradición muy, pero que muy sueca), quedó encantado. Poco más tarde, rodea-do de periodistas y con una sonrisa que se le escapaba del rostro, afirmó que ese había sido uno de los días más felices de su vida.

Si digo esto es porque, al conocer el hecho, me quité el sombre-ro ante lo que considero una muestra de lo que es una democracia trasladada al terreno de la cultura. Una sencilla tradición que acerca la cumbre del éxito a los valles de la cotidianeidad, dando un poco de sentido a la vida, lo cual es más que necesario.

Hay un teatro, situado en el Stadsteatern de Göteborg y que se llama Backa Teatern, que recomiendo (aunque realmente no sé para qué, ¿quién se va acercar a verlo?). Yo no lo he podido visitar per-

sonalmente todavía, pero todas las referencias, tanto de compañeros como a través de la prensa escrita, me hablan de un trabajo fantásti-co, comprometido, lleno de interés y teatralmente intenso. Vamos, un lugar en el que uno trabajaría a gusto. Su director artístico, Mattias Andersson, como no podía ser de otro modo, recibió parte de su formación en Unga Klara, a las órdenes de Suzanne Osten. No es el único director con éxito y prestigio que ha pasado y se ha formado en Unga Klara. La propia directora del Göteborgs Stadsteatern, Anna Takanen, es otra prueba de ello. El trabajo de este director merece la pena ser seguido. Me acercaré a ver alguno de sus trabajos, aunque de momento el único teatro que puedo ver es el que yo hago en Unga Klara, más alguna de sus producciones que veo de pasada.

Hace poco Mats Ek presentó en el Dramaten su puesta en escena de Utvandrarna, adaptación para el teatro (con danza incluida) de una novela de Vilhelm Moberg, que es un clásico de la literatura sueca. Un gran trabajo que no pude ver. Un gran espectáculo a tenor de la crítica. Ahí queda, en la agenda teatral de deseos incumplidos

Durante estos últimos meses ha habido una cierta conmoción den-tro de la profesión en torno a la dirección artística de los grandes centros de producción nacional. Aparte de la salida sin tensión de ningún tipo, de Suzanne Osten de Unga Klara, que ya conté se han producido ciertos ceses y nombramientos que están suponiendo un cambio considerable en las líneas maestras de esos teatros.

No puedo cerrar la persiana de este artículo sin contar una pe-queña anécdota. Estábamos de gira en un teatro casi destartalado de Manresa. Sus camerinos y recovecos olían a teatro de provincias visitado por compañías en gira de la capital, a eso y a vedettes con plumas y brillantina hasta los tobillos. Trozos de carteles anunciando el último éxito de un tiempo pasado, con sus agotadas localidades, cubrían las paredes de ladrillos que una vez fueron rojos.

Allí estábamos montando nuestra escenografía, con los técnicos del teatro, que parecían haber nacido y crecido, para después envejecer, junto a él. Uno de ellos nos mostraba ufano como colocando un cla-vo, con la punta mirando hacia el techo, apoyado sobre la base de un martillo, y con un movimiento mas que ágil y veloz, era capaz de clavarlo en el suelo. Nos ayudaron con todo, les debíamos de resultar tiernos esos jóvenes con su espectáculo hecho esta vez en provincias, pero de éxito aunque sin plumas.

Surgió un problema con las telas negras que cubrían el antes men-cionado fondo de ladrillos lastimoso. Las telas en un teatro pueden ser rebeldes, y en este teatro se mostraban obstinadas, especialmente una arruga situada a unos 4m de altura. Nuestros intentos, y el de esos técnicos expertos eran vanos. A los pocos minutos un hombre ya muy mayor, jubilado con experiencia, se acercó a saludar a sus excompañeros. Yo creo que más bien necesitaba oler el sabor de esos ladrillos, el de esa madera húmeda y seca al mismo tiempo. Observó nuestros inútiles esfuerzos, caviló un poco, se acercó y pidiéndonos permiso se situó a unos metros para, cerca del suelo pegar un tirón a esa tozuda tela negra y hacer desaparecer la arruga que nos había tenido ocupados más de una hora.

Había arte en aquel mirar, cavilar y tirar de la tela. Arte y oficio, además de amor a su profesión, que son los elementos básicos con los que se construye el teatro.

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El lado oscuroJaume Colomer

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La pérdida de espectadores y posibles líneas de solución

egún algunos informes en los últimos tres años hemos te-nido una pérdida radical de espectadores: un 30% en las grandes ciudades y un 50% en el resto. Ningún otro sector

productivo soportaría una pérdida de mercado de esta dimensión, pero nuestro sector está acostumbrado a sortear dificultades o a re-sistir esperando vientos más favorables.

Más allá de la capacidad de resistencia hay que analizar los factores que han llevado a la pérdida de espectadores. ¿Cuáles han sido los principales impactos negativos de la crisis económica? El más obvio ha sido la pérdida de capacidad adquisitiva que ha llevado a la reducción del gasto optativo y, en nuestra sociedad, el consumo escénico es una necesidad relativa que se puede posponer o aminorar. La pérdida de demanda (que no de interés) por las prácticas escénicas ha ido acompañada por una reducción de la oferta en cantidad, calidad y diversidad. La reducción de oferta ha comportado también la pérdida de capacidad competitiva respecto a otras ofertas de ocio, especial-mente de ocio digital que, en términos económicos, está ganando la partida al ocio presencial y ocupan el tiempo que antes se dedicaba al consumo escénico y otras prácticas presenciales. Estos tres factores ya explicarían sobradamente la reducción de espectadores, pero hay un cuarto factor que considero determinante en consumo de artes es-cénicas: los efectos del modelo transaccional dominante en la gestión de los espacios escénicos.

Para recuperar a los espectadores perdidos y seguir desarrollan-do demanda seguramente hay que actuar en varios frentes de forma simultánea. Considero necesario intensificar la inversión pública para mantener la oferta. También considero necesario incrementar la capa-cidad competitiva de las prácticas escénicas presenciales respecto al ocio digital generando economías de escala para reducir los costes, priorizando la inversión en públicos familiares para desarrollar nueva demanda a medio plazo, incrementando el uso de las tecnologías digi-tales en la producción y explotación y fomentando la incorporación de especialistas en marketing y gestión de públicos, tal como Eskena está haciendo a través del programa piloto “Eszenarat”. Pero la acción más importante que podemos hacer es cambiar el modelo de gestión de públicos y de comunicación.

El modelo transaccional de gestión de públicos tiene como objetivo la venta de entradas a través de técnicas de marketing de impacto masivo, preferentemente a través de proveedores especializados en ticketing. En este modelo no importa el conocimiento personalizado de los espectadores ni la gestión directa de la relación con ellos, a diferencia del marketing relacional que quiere construir relaciones satisfactorias de largo recorrido en las que las transacciones son los nutrientes pero no el objetivo. Según algunos estudios el modelo tran-saccional no genera en los espectadores vínculos emotivos con sus proveedores, a diferencia del marketing relacional que facilita el de-sarrollo de una relación a través de tres estadios: el consumo basado en la satisfacción, el consumo basado en la confianza y el consumo

basado en la implicación y el compromiso. En el primer estadio (similar al del marketing transaccional) la continuidad del consumo depende de la satisfacción obtenida en cada experiencia y, por lo tanto, depen-de de factores contextuales. En el estadio de confianza y, aún más, en el estadio de implicación y compromiso, la continuidad no depende de factores contextuales como la crisis económica. Estoy convencido que si hubiéramos aplicado un modelo relacional en la gestión de los espa-cios escénicos, el impacto de la crisis económica hubiera sido mucho menor. El marketing relacional ha ido evolucionando hacia un nuevo modelo centrado en el tercer estadio, llamado marketing colaborativo que se basa en el concepto de comunidad de intereses.

Todos sabemos que el concepto de comunidad cultural surgió en las políticas culturales basadas en el paradigma de la demo-cracia cultural, y que la metodología de la animación sociocultural tiene como finalidad el desarrollo comunitario, o sea, la progresiva capacidad de una comunidad de intereses de satisfacer de forma autónoma sus necesidades individuales y colectivas. El marketing colaborativo considera que en una comunidad de intereses todas las partes son agentes activos que interaccionan y aportan valor. Los argumentos del marketing colaborativo llevan a considerar que los programadores deben dejar de ser solamente especialistas en producto escénico y deben empezar a gestionar una comunidad de espectadores en la que una parte de ellos están dispuestos a convertirse en prosumidores y aportar valor. La nueva tarea es más compleja, exige mayores competencias profesionales y puede incomodar a algunos, pero es una oportunidad de oro para su de-sarrollo profesional incorporando el knowhow de varias disciplinas: la comunicación, el marketing, la pedagogía, la emprendeduría, las ciencias sociales, la gestión cultural, etc.

Un espacio escénico que quiera desarrollar este modelo debe hacer una reflexión en profundidad sobre su modelo de gestión para poder cambiar la manera de relacionarse con sus espectadores. Debe invitar a los espectadores a participar en el desarrollo del proyecto escénico desde su condición de espectadores (sin confundir los papeles) pero también de agentes activos que aportan valor. Debe reflexionar con ellos sobre los valores que pueden aportar y sobre la manera de relacionarse y de participar en la toma de decisiones. En algunos ca-sos, los espectadores prosumidores se constituirán en una plataforma asociativa y formalizarán a través de un convenio sus derechos y obli-gaciones. Y el espacio escénico, gracias a su colaboración, conseguirá no sólo una mayor rentabilidad económica y social sino también la satisfacción de nuevos retos.

La gestión cultural participativa y el marketing colaborativo pro-ponen lo mismo con lenguajes distintos y han llegado a un punto de encuentro después de un largo recorrido desde sus respectivos orí-genes, el mercado y las políticas culturales, que antes nos parecían tan distantes y ahora nos damos cuenta que son dos miradas comple-mentarias de una misma realidad social.

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Cronicón de Villán... y corte Javier Villán

Panfleto: teatro y florecimiento de España

ada número de Artez es un milagro renovado; Carlos Gil remata sus peticiones de urgencia con un temor que se con-vierte en amenaza: daos prisa, acaso sea la última. Aquí es-

tamos contra el signo de los tiempos y pese a una política cultural que abomina de la cultura en general y del teatro en particular con un IVA del 21%. Menos la industria del porno, que también es cultura claro, se supone, y que solo paga el 4%. Por qué no vendemos teatro, libros y todo lo demás con envoltura porno? Total, un polvo en escena no escandaliza a nadie ni tiene por qué estropear el guión. Un polvo, algo, no sé qué, que nos permita sellar el producto con la equis estigmatiza-dora. O con advertencias antiguas, por ejemplo “exclusivamente para mayores de 18 años” o “gravemente peligroso para la salud moral de los ciudadanos”; si se están recuperando viejas prácticas políticas por qué no recuperar el cuidado moral de los ciudadanos; no sería tal, si no una estrategia para enmascarar el teatro y que nos salga más barato. El porno, medida de autoprotección y por lo tanto de la salud de la cultura en estado de coma.

El MinistErio dE Cultura sobra

El Ministro Wert anda desaparecido, no está ni se le espera. ¿Sigue en el Gobierno? Puede que sea mejor así; a Javier Lasalle, la gran esperanza, brillante orador, voluntarioso teórico, progre con pedigrí ni se le oye ni se le escucha. Se llegó a pensar que Javier Lasalle cambiaría las cosas desde dentro, las cosas de la cultura tan vilipendiada. Ni desde dentro ni desde fuera. Jamás lo he visto en un teatro, lo cual no quiere decir que no vaya; hay muchos días de representación y, aunque cada vez más a disgusto, yo voy a los estrenos rodeado de palmeros. Echo de menos los pateos, las furias de antiguos estrenos. Sobra comedimiento amistoso y falta la pasión que Valle Inclán, en don Friolera, atribuía a los espectadores de la llamada Fiesta Nacional. En fin que no parece que la Cultura, el teatro en concreto, preocupe a los mandarines del Gobierno. No les pedimos que se preocupen del teatro; les pedimos un poco de respeto, de caridad cristiana ya que son tan píos y algunos están en Camino de perfección: que no lo maltraten con impuestos caníbales, que rebajen o quiten el 19% de IVA asesino.

El tEatro rEsistE

Pese a todas las dificultades, el teatro resiste. Y Madrid es hoy, si no el centro del teatro mundial, sí una ciudad con muchas salas y el teatro off, alternativo, pequeño formato o como lo queramos llamar, es un movimiento en expansión que revoluciona los fines de semana desde el jueves. Ahí está el porvenir del teatro insumiso y agitador; ahí esta una ética y una estética: Teatro de Barrio, antes Triángulo, la Casa de la Portera, la Pensión de las Pulgas, Mirador, Kubick Fabrik, Sala Tú, Off la Latina, Madrid Activa en los distritos. Y las más históricas, ya un

peldaño más arriba, Cuarta Pared, Tribueñe o Guindalera. La cartelera de Madrid es un hervidero en constante ebullición

y es imposible acudir a toda la oferta. Si al teatro nos atenemos, Madrid vive, frente a la oficialidad y el desamparo, una vitalidad ex-pansiva retadora de todas las dificultades. Falta visión de la cultura como instrumento de liberación, pero hay movimientos potentes y liberadores de una juventud que, acaso, lo único que ve claro, es el teatro. Con una izquierda inexistente y una derecha conservadora, ambas corruptas, el teatro es el único horizonte de vida de una juventud con poco futuro.

ilustrados y progrEs

Puede que desde los tiempos de Fernando VII, salvo la posguerra cruenta del franquismo, no haya habido en España gobernantes tan ineptos como los de ahora. Y al decir los de ahora, quiero decir los de hoy y los de un poco antes. Los ilustrados, de los cuales Larra era el máximo ejemplo, apoyaban el teatro; Larra era un mal autor pero un crítico excepcional. Por entonces había ilustrados, ahora hay progres, o sea una izquierda degenerada que apenas sabe qué es el teatro. En el marco histórico del reinado de Carlos IV, León del Arroyal escribió Pan y toros, contra la corrida, pero consciente de que en España había muchas cosas peor que los toros. El irónico y radical panfleto se subtitulaba, Oración apologética en defensa del estado floreciente de España. En muchos aspectos valdría para hoy.

Que yo sepa, Podemos aún no se ha pronunciado sobre la cultura en general ni sobre el teatro en particular. Podemos es un fenómeno raro. Ilusionante para muchos, pero raro. Ha nacido de un estado de emergencia nacional, de una necesidad propiciada por el paro brutal, la corrupción salvaje de los partidos; es el grano por el que supura y estalla, la peste del malgobierno; podría purificar una so-ciedad, justo lo que Antonín Artaud atribuía al teatro; una estallido general, un abceso que estalla cuando la infección empieza a dañar todos los miembros. Queremos que Podemos se pronuncie sobre la cultura, sobre el teatro. Empezaron ilusionando a unos y asustando a otros. Han suavizado su discurso económico. Parecían marxistas radicales y revolucionarios, y hoy derivan a socialdemócratas y arbi-tristas. Venían de comecuras y aplauden los discursos del Papa so-bre los ricos y los pobres. Bien. ¿Qué piensan del Teatro si, además de su proyecto económico, han pensado algo?. No hablamos de una teoría de la escena de Brecht, Piscator, Meyerhold. Hablamos del teatro de ahora, del que acontece en estos momentos y de sus ne-cesidades; como decía el castizo, “de los eventos consuetudinarios que acontecen en la rúa”. Sin teatro vivo y libre, no es posible una sociedad civil avanzada. Atentos Pablo Iglesias, Errejón, Monedero. Todo es economía por supuesto; y el 21% de IVA, también. Y como decía Blanco White los males de España son religión y mal gobierno. Misión del teatro es denunciarlo.

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El método griegoMaría Chatziemmanouil

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Festival Transiciones II, dedicado a América Latina

naugurado en noviembre de 2010, en un edificio que ocupa toda una manzana y con unos espacios de una superficie de aproximadamente 18000 metros cuadra-

dos, el “Hogar de Letras y Artes” de la Fundación Onasis (www.sgt.gr), conocido en Grecia como “Stegi” (Techo) es el centro cultural más vibrante de Atenas y sus actividades cubren todos los campos artísticos: el teatro, la danza, la música, las artes visuales y las letras. Su objetivo es “la promoción de la cultura con-temporánea, el apoyo a los au-tores griegos, el desarrollo de la cooperación internacional, la educación para los niños y el aprendizaje permanente de personas de todas las eda-des, en un espacio accesible y abierto para todos”.

En sus dos salas (de 880 y 220 butacas respectivamente) se han estrenado durante los cuatro años de su vida unas de las propuestas teatrales más in-teresantes, tanto griegas como internacionales, con participa-ción de grandes nombres del teatro internacional contemporáneo.

La “Stegi” organizó la temporada pasada un nuevo festival “geopolítico” bajo el título Transitions (Transiciones), dedicado al teatro, a la danza y al cine de los Balcanes, con participación de las compañías más interesantes de la península y con muy buena acogi-da por parte del público. Bajo la dirección artística de la incansable teatróloga y doctora en Historia del Arte Katia Arfará, el alma del proyecto, la segunda edición del Festival Transitions fue dedicada a América Latina.

Las compañías y los artistas invitados (de Bogotá, Sao Paulo, San-tiago, Buenos Aires y Rio de Janeiro) han sido seleccionados con un criterio concreto, a saber su manera de encontrar en el teatro y la danza un medio de gestión del trauma colectivo que han dejado a los pueblos de América Latina los acontecimientos políticos de los últimos 50 años: las dictaduras, el proceso paulatino de transición hacia la democracia frágil a partir de los años 80, la urgente reivindicación de la justicia social por los pueblos, el estancamiento político, la crisis económica que llevó a los argentinos desesperados a las calles de Buenos Aires en diciembre de 2001, y sobre todo la falta de justicia y la negligencia de atribuir la responsabilidad por los miles de muertos y desaparecidos de las dictaduras. Las producciones invitadas, “que están a caballo entre el teatro y el cine, la danza y la instalación artís-

tica, con escrituras poéticas que no le tienen miedo a la emoción, con un teatro documental radical que trata temas-tabú como la guerrilla y la sumisión de la gente indígena, formas naturalistas filosas que abor-dan temas contemporáneos como la violencia política, la corrupción y las contradicciones sociales” presentaron al público ateniense una muestra representativa de la cultura latina de hoy.

Las producciones teatrales invitadas fueron las siguien-tes: Teatro:

Mi vida después de Lola Arias (Argentina), Todo lo que está a mi lado de Fernando Rubio (Argentina) –estrena-da con actrices griegas–, La escuela de Guillermo Calderón (Chile), O jardim de Leonar-do Moreira - Compañía Hia-to (Brasil), El pasado es un animal grotesco de Mariano Pensotti (Argentina), El autor intelectual y Los autores ma-teriales de Jorge Hugo Marín/La maldita vanidad (Colom-bia). Producciones de danza: LOOP3 de José Vidal (Chile) y

Pindorama de Lia Rodrigues Companhia de Danças. Las compañías han tenido encuentros con el público al finalizar una de sus funciones para hablar sobre su trabajo y responder a preguntas y comentarios.

Del cine latino, se proyectó la película Estrellas, dirigida por Fe-derico León (Argentina). Las artes plásticas fueron representadas por Dan Perjovschi y su exposición en el foyer de la planta baja de la Stegi (4-30 de noviembre). Cabe mencionar también el debate sobre el tema: América Latina después de los ´80: transición ¿hacia qué tipo de democracia? con la socióloga Nancy Nicholis Lopeandia y el historiador Daniel Aarão Reis, moderado por el profesor de His-toria en la Universidad Paris III, Olivier Compagnon.

La acogida del Festival por parte del público griego fue un año más muy buena y las críticas sobre la calidad de los espectáculos invitados muy positivas, tanto por parte de la crítica oficial, como por parte de los espectadores.

Esperemos que el intercambio cultural que empezó este año con Transiciones II sea recíproco y fructífero y que se entable así un diálogo permanente entre Grecia y América Latina en el terreno cul-tural. Grecia no tiene solo un pasado grandioso que todo el mundo conoce, sino también un presente cultural importante que casi todo el mundo ignora. Y ya es hora de descubrirlo. Sería una sorpresa muy agradable.

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La maldita vanidad

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Las Lejanías Carlos Be

Crónica de un catalán residente en Madrid procedente de Praga

l lunes 15 de diciembre tuvo lugar un encuentro de artistas catalanes en el Centro Cultural Blanquerna en Madrid. Quienes no hayáis oído hablar de este Centro,

se trata de una entidad homóloga al Instituto Cervantes para la lengua y literatura catalana.

En la sala de actos, bajo el abrigo de las letras de miles de auto-res catalanes que pueblan la librería del piso superior, nos recibió con extrema gentileza el delegado del gobierno de la Generalitat de Catalunya, Josep Maria Bosch. El ambiente era muy distendido y afable, y coincidimos con muchos compañeros que hacía tiempo que no veíamos, una alegría.

Al día siguiente, el periodista Juan Fernández narrará en El Pe-riódico de Catalunya que “la escena catalana destinada en Madrid añora volver y se apunta a ‘tender puentes’”. No voy a apostillar nada respecto a quién me ha destinado en Madrid y en qué o quienes se depositan mis añoranzas, pero sí quiero apuntar que nunca ha formado parte de ningún propósito artístico el no tender puentes, algo que por desgracia no puede extrapolarse a otros profesionales, porque hay muchos que mantienen sin pudor algu-no sus cargos y su cachito de paraíso a costa de la población que se sacude a sus pies gracias al divide et impera, dicho que se re-fleja en los libros blancos más elementales de economía y política, materias que a estas alturas de la civilización, poco les falta para convertirse en sinónimas.

Llegué a Madrid a mediados del año 2011, y puedo decir, con todas las letras y el resguardo de la tarjeta de embarque, que llegué desde Praga y no desde Barcelona. Desde entonces, y con una frecuencia cada vez más significativa, muchos otros autores y directores teatrales se han acercado a la capital e incluso residen debido al impulso teatral y ar tístico vivido es-tos últimos años en Madrid. Algunos de ellos ya habían vivido aquí anteriormente y ahora vuelven, siguiendo esa marea por décadas que, se dice, sacude el auge de la escena española: una década en Madrid, la siguiente en Barcelona. Yo no creo en las mareas ni me entretengo demasiado con ellas porque no se trata más que de un análisis que pretende comprender desde fuera algo que en su momento de gestación no impor ta dónde uno se encuentre. Quiero decir: los ar tistas no están ocupa-dos en lo que dirá la historia de ellos, al menos como primer motor creativo. Es por necesidad interior, tal como respondería Angélica Liddell, parafraseando a Vasili Kandinski, a la pregunta “¿Por qué haces teatro?” que le formuló un miembro del jura-do de las pruebas de acceso a la RESAD y que le valdría la no admisión ese año. Pero el tema de las pruebas de acceso a la RESAD, como cualquier otra institución con la potestad fáctica de determinar el valor ar tístico de alguien, es otra historia que dejaremos para más adelante.

Volvamos al Centro Cultural Blanquerna. Muchos autores y di-rectores catalanes reunidos, decía, pero sobre todo muchos ac-tores, algo muy habitual en cualquier ámbito teatral, no por nada tienen una ocupación del paro del 80%, aunque me gustaría saber qué porcentaje de ocupación tienen los autores, ya no digamos teatrales, sino de ficción en general. Por suerte, contamos con los derechos de autor que, si todo va bien, nos procurará una ju-bilación bastante correcta, siempre y cuando nos convir tamos en unos viejos plastas que, acicateados por el estado del bienestar, véase capitalismo, no hacen más que atosigar a sus predecesores en la escena con peroratas acerca de la relevancia universal y la vigencia de sus textos.

Otro volantazo hacia el número 44 de la calle de Alcalá. Según el periodista de El Periódico, entre los VIPs catalanes que se congregaron destaca a los actores Francesc Albiol, Anna Ma-ria Barbany, Carme Conesa, Esteve Ferrer, Sílvia Marsó, Jordi Rebellón, Sílvia Tor tosa y también Quim Capdevila, quien lucien-do bigote declara muy acer tadamente: “Qué le vamos a hacer, el trabajo está aquí”. También cita a los dramaturgos Ricard Reguant y Mercedes Lezcano (zaragozana de nacimiento pero catalana de adopción; tal como ocurrió con Calixto Bieito, catalán nacido en Miranda de Ebro; o Rodrigo García, español nacido en Buenos Aires), lo cual reafirma que el teatro no tiene fronteras para los ar tistas.

El encuentro contó sus ausencias, la mayoría porque trabajaban ese lunes a la una del mediodía. Yo me reuní allí con los actores zombies Mentxu Romero y Jorge Cabrera, y terminamos de cañas en el bar a la vuelta de la esquina con Carolina Clemente, Rafa Delgado, Ana Mayo y Jorge-Yamam Serrano, montando, como se comentó, un encuentro catalán off con unas buenas tapitas, por-que si hay algo que nos va a los artistas tanto como el salto de fronteras es el mestizaje.

Mientras tanto, en la cúspide internacional de los artistas cata-lanes y españoles, ese lugar desde donde nos gustaría contemplar el mundo a todos, Angélica Liddell, nacida en Figueres, asegura en su última entrevista a El País que no actuará en España. Comenta que después de ser programada en el Centro Dramático Nacional, se marchó a trabajar a Sudamérica porque “como compañía, nos resultaba imposible sobrevivir”. Desde entonces se ha prodigado por festivales nacionales e internacionales, pero parece ser que su presencia en estos primeros se ha cancelado. “¿Para siem-pre?”, le pregunta el periodista Álex Vicente. “No quiero decir eso, pero ahora no es el momento”, concluye ella. “Tal vez volveré cuando sea vieja”.

Para bien o para mal, en última instancia el ar tista puro siempre es siervo de sus propias decisiones, aunque la pureza sea un valor en vías de extinción, tan fácilmente exterminable.

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La editorial Continta me tienes ha publicado tras ‘El sacrificio como acto poético’ una serie de textos en los que su autora, Angélica Liddell, desentraña tal y como apunta el título del libro la relación entre el sacrificio y lo poético. En diálogo con Diderot, Pasolini

y el mito de Abraham, abre una brecha desde la que observar el mecanismo que transforma el acto indivi-dual del sacrificio en acontecimiento político. La libertad se alcanza así a través de la exposición del cuerpo en escena en su máxima vulnerabilidad y desprotección. La presente edición, a cargo de Óscar Cornago y Sandra Cendal, se presenta con un prólogo de Christilla Vas-serot, profesora de la universidad Paris 3- Sorbonne Nouvelle (Francia), traductora y especialista del teatro de Angélica Liddell. Este libro es la primera publicación en la que se recogen los ensayos de la controvertida dramaturga, directora y actriz autora de obras como ‘El año de Ricardo’, ‘Belgrado’ o ‘La casa de la fuerza’.

‘El cuerpo elocuente-La formación física del actor’ de Anne Dennis es una reciente publicación de la editorial Funda-mentos, un instructivo e inspirador libro en el que se muestra cómo pueden los actores uti-lizar su cuerpo para ser tan expresivos como lo son con las palabras. En

este trabajo Davis, jefa del Departamento de Movimiento del Rose Bruford College of Speech and Drama de Londres durante largos años, trata de volver a pensar y analizar las necesidades físicas del actor. Para ello ofrece una serie de ejercicios con el objetivo de satisfacer dichas necesida-des y de crear un cuerpo totalmente elocuente como medio de expresión. Mediante el proceso de formación expuesto, el actor conseguirá la habilidad, la imaginación y la confianza físicas necesarias para hacer de su cuerpo un medio expresivo. Además de a actores, este libro está dirigido a profesores, directores, directores de movimiento y coreógrafos como un punto de partida para aplicar los conceptos y principios de Davis a su propio trabajo.

‘De teatro. La preparación del espectador’ de Emilio de Miguel Martínez es una publicación de Edition Reichenberger mezcla de manera original la admiración del autor por el teatro con la reapertura de los principa-les debates que el género provoca, huyendo del tono académico y apostando por lo ensayístico y por aportar provocación y polémica.

Julián Herrero Muñoz es el autor de ‘Las raíces históricas del teatro físico en el siglo XX’ un libro publicado por Diego Marín Libreros en el que el autor realiza un viaje por las raíces, hojas y frutos del teatro físico, es decir co-mienza por la corriente rusa, para llegar a los inicios de la performance... de ahí pasa a la Bauhaus y los Ballets mecánicos... hasta hoy.

Con ‘Filosofía del Teatro III’ Atuel ha publicado la tercera y última entrega de la trilogía escrita por Jorge Dubatti. Esta tercera parte completa los contenidos de los dos volúmenes anteriores, publicados también por la editorial argentina y avanza sobre la cuestión epistemoló-gica y el replanteamiento de núcleos fundamentales de la discusión teatral.

‘Mes de Danza. 20 años’ es una bella publicación que retrata las dos décadas del festival de danza sevillano a través de la palabra y la imagen. Un libro que a través de la historia el festival Mes de la Danza se acerca a la historia de la danza contem-poránea en Andalucía. Un tributo a todos los creadores coreográficos andaluces y al propio festival.

‘En busca de la verdad’ es una recopilación cronológica de los artículos periodísticos, cartas, intervenciones públi-cas y entrevistas de Thomas Bernhard. Más de sesenta escritos que comienzan con una conferencia que impartió en Rimbaud en 1954 y finali-za con las últimas líneas que escribió, una carta publicada tres días después de su muerte. Editado por Alianza.

‘Gene Yurre bidegilea’ de Faustino Aranzabal ofrece, a través del acercamiento a la figura de Yurre, bailarín y coreógrafo vasco exiliado de la Guerra Civil, una pequeña reseña a la incipiente y escasa bibliografía sobre la danza vasca en el siglo XX. El volumen ha sido publicado por Kresala Dantza Taldea con el apoyo de Dantza-Hirian y Donostia Kultura.

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La editorial Continta me tienes ha publicado tras ‘El sacrificio como acto poético’ una serie de textos en los que su autora, Angélica Liddell, desentraña tal y como apunta el título del libro la relación entre el sacrificio y lo poético. En diálogo con Diderot, Pasolini

‘El cuerpo elocuente-La formación física del actor’ de Anne Dennis es una reciente publicación de la editorial Funda-mentos, un instructivo e inspirador libro en el que se muestra cómo pueden los actores uti-lizar su cuerpo para ser tan expresivos como lo son con las palabras. En

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Antonio Morcillo es el autor de ‘Bangkok’ obra galardo-nada con el XXII Premio SGAE de Teatro y publicada por Fundación SGAE. En clave de tragicomedia Morcillo narra la relación de un guarda de seguridad de un aeropuerto abandonado en algún lugar de España y un viajero que aparece en ese inhóspito lugar con un billete para volar a Bangkok.

‘Lumen, el guerrero de la luz’ de Mariano Lloret es una obra de teatro para niños y niñas que a través de las grandes aventuras de ten-drán que vivir sus protago-nistas recuerda a los lectores más jóvenes que el destino no está escrito y confirma la importancia de creer en uno mismo. Una publicación de la editorial Anaya Infantil y Juvenil.

‘La calma mágica’ es la última obra escrita por Alfredo Sanzol que además ha sido llevada a escena reciente-mente por Tanttaka Teatroa en coproducción con el Cen-tro Dramático Nacional bajo la dirección del propio autor. Una obra protagonizada por Oliver sobre la búsqueda de la dignidad y el sentido de la vida, sobre el amor, la obsesión, etc.

¿Cómo se sobrevive al acoso escolar? ¿Qué secuelas deja, incluso mucho tiempo después de experimentado? Estas son algunas de las preguntas que plantea ‘El club de la escalera’ una obra de Sergio Vila-Sanjuán en la que sus protagonistas son un grupo de personas que se reencuentran tras haber sufrido bullying en su adolescencia.

La editorial mexicana Paso de Gato es la encargada de la publicación de las obras ‘Reporte metereológico’ y ‘Bailando una pieza sin mú-sica’ ambas, del dramaturgo mexicano Pablo Mandoki. Dos obras generacionales que versan sobre la eterna his-toria del deseo la primera, y nada más y nada menos que sobre el eterno conflicto de la humanidad la segunda.

Bajo el título ‘Textos reunidos’ la editorial Biblos ha publicado diversas obras del dramaturgo argentino Santiago Loza. Son “voces de tal carnadura, imágenes de tal poderosa densidad que evocan, convocan, ya desde su lectura, a esos cuerpos ausentes, los ponen en car-ne, en soporte frente a los ojos. Y una vez allí significan” afirma Mauricio Kartun.

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De la uruguaya Marianella Morena son las tres obras que ha publicado la editorial Artezblai dentro de su colección Textos Teatrales: ‘No daré hijos, daré versos’, ‘Trinidad Guevara’ y ‘Yo soy Fedra’. Morena, dramaturga, directora y docente “pone en crisis

el pensamiento correcto de su tiempo y de su espacio ideológico” tal y como señala José Miguel Onaindia, autor del prólogo que acompaña a esta edición. ‘No daré hijos, daré versos’, estrenada en el Teatro Solís de Montevideo el pasado mes de octubre, esta obra sobre Delmira Agustini e un relato escénico musical contempo-ráneo que transita por procedimientos sobre la Historia, el teatro y la academia en la que la autora devuelve un pasado estallado mientras que ‘Trinidad Guevara’ y ‘Yo soy Fedra’ son dos monólogos. Tres obras para poder constatar lo que afirma Onaindia al final de su prólogo: “Marianella Morena es singular en un mundo donde los seres tienen a ser genéricos”.

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De la uruguaya Marianella Morena son las tres obras que ha publicado la editorial Artezblai dentro de su colección Textos Teatrales: ‘No daré hijos, daré versos’, ‘Trinidad Guevara’ y ‘Yo soy Fedra’. Morena, dramaturga, directora y docente “

La editorial argentina Ediciones de la Flor ha publicado las obras de uno de los dramaturgos argentinos más impor-tantes y reconocidos, Roberto Cossa. En el primer volumen ‘Teatro reunido vol. 1 (1964-1979) se recogen los textos ‘Nuestro fin de semana’, ‘Los días de

Julián Bisbal’, ‘La ñata contra el libro’, ‘La pata de la sota’, ‘El avión negro’, ‘La Nona’ y ‘No hay que llorar’. En ‘Teatro reunido vol. 2 (1980-1991) encontramos las obras ‘El viejo criado’, ‘Tute cabrero’, ‘Gris de ausencia’, ‘Ya nadie recuerda a Frédéric Chopin’, ‘El tío loco’, ‘De pies y manos’, ‘Los compadritos’, ‘Yepeto’, ‘El sur y después’ y ‘Angelito’. En ‘Teatro reunido vol. 3 (1996-2003) se incluyen las obras: ‘Don Pedro dijo no’, ‘Lejos de aquí’, ‘Viejos conocidos’, ‘Años difíciles’, ‘El saludador’, ‘Pingüinos’, ‘El caso cien’, ‘Cuestión de prin-cipios’, ‘Definitivamente, adiós’, ‘Daños colaterales’ y las adaptaciones de ‘Tartufo’, ‘La novia de los forasteros’ y ‘María Estuardo’.

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La editorial argentina Ediciones de la Flor ha publicado las obras de uno de los dramaturgos argentinos más impor-tantes y reconocidos, Roberto Cossa. En el primer volumen ‘Teatro reunido vol. 1 (1964-1979) se recogen los textos ‘Nuestro fin de semana’, ‘Los días de

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El Festival Don Quijote nos sor-prende cada año, pues a pesar de

las dificultades económi-cas actuales ofrece una programación variada y rica, este año con la pre-sencia de cuatro países: España, Portugal, Bolivia y Francia.

En 2014 podemos dis-tinguir dos tendencias: una recreación de obras del repertorio clásico, así como la proliferación de One Man Show.

Tal vez sea debido a la crisis o a las dificultades para formar una gran compañía, pero el caso que en esta edición del Festival Don Quijote se han presentado muchos One Man Show.

De este riesgoso ejercicio la mejor libra-da es la compañía Nao d’Amores que pre-sentó El Penal de Ocaña de Josefa Cane-llada, adaptada y dirigida por Ana Zamora, interpretada por Eva Rufo.

El Penal de Ocaña está basada en el diario de una estudiante de filología que durante la Guerra Civil se convier te en enfermera. Un texto que narra los horro-res de la guerra sin impor tar el bando de la trinchera. Una reflexión que por su hu-manismo y sinceridad iba a dejar insatis-fechos a vencedores y a vencidos cuando trató de publicarse por primera vez.

La puesta en escena rescata este huma-nismo, aquí no hay buenos ni malos, no hay vencidos ni vencedores, hay una humani-dad ultrajada, humillada, violentada en el cuerpo de cada soldado herido o mutilado o asesinado. Y la intimidad de un diario es-crito en campaña justifica el soliloquio de la actriz Eva Rufo, que cuenta con la complici-dad de la pianista Isabel Zamora.

auto rEtrato dE un jovEn Capitalista Español

Monólogo de y por Alberto San JuanSan Juan es un actor de la inolvidable

compañía española Animalario que marcó una época y un estilo, grupo que conoci-mos en París gracias al Don Quijote.

En el ‘Auto Retrato’ Alberto San Juan es como un predicador que quiere aler tarnos sobre la persistencia del franquismo en España. Nos dice que al final de cuentas la monarquía ha sido la secuela lógica de un régimen dictatorial, denuncia el acuerdo tácito entre socialistas y conservadores, con la bendición de instituciones (finanza, milicia, clero) afines al franquismo y que supieron adecuarse a la nueva situación. La obra tiene la vir tud de tratar una época a la cual debería prestársele más atención: La transición democrática en España, y sus consecuencias culturales: La Movida.

La tendencia de monólogos siguió con Parole d’acteur (Palabras de actor), texto e interpretación de Maurice Durozier (In-tegrante del Théâtre du Soleil).

En este caso estamos frente a una

conferencia en movimiento: Maurice Durozier nos lleva por las dificultades, alegrías y sinsabores de un actor ya en-trado en años, que hace una pausa para repasar su vida. Lo acompaña en escena su hija Aline Bosari que lo interroga para dar continuidad a su in-terpretación.

Fue excitante la confronta-ción que se dio en el Café de la Danza (sede principal del Festival Don Quijote): en dos días escuchamos a dos acto-res diferentes: uno, Alberto San Juan, llegado de España con un discurso más políti-co, comprometido, indignado;

otro, francés, Durozier con una búsque-da más espiritual y una pregunta: ¿qué significa actuar? Tal vez el espejo de dos realidades.

Peregrinaçao, teatro de marionetas, in-terpretación y dirección de Marcelo Lafon-tana con un texto inspirado en las crónicas de Fernão Mendes Pinto un aventurero portugués del siglo XVI.

Hay dos aspectos interesantes en el es-pectáculo: el técnico y el narrativo.

En la narración la pieza fundamental es Marcelo Lafontana, quien realiza su labor con pasión y destreza, domina perfecta-mente los cambios escenográficos, los as-pectos técnicos, los cambios de voz para las situaciones y los personajes. Es, lo que podemos llamar, un hombre orquesta.

En lo tecnológico Peregrinaçao es es-pectacular. Todo concuerda, la minuciosa escenografía en una plataforma circular para las marionetas de unos diez cm, con un impresionante cambio de decorados, que sirven como set para la proyección en vivo de la historia. La coordinación entre las cámaras, las luces, los sonidos con ambientes y diálogos, las proyecciones

XXIII FestIval Don QuIjote

En el otoño parisino resuenan las voces del teatro en español

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de fondo escenográfico (por ejemplo el mar agitado), son realmente una proeza técnica, ejecutada en vivo ante los ojos del público. Y por lo menos en su presen-tación en el Festival don Quijote, de una ejecución impecable.

Con los ClásiCos al día

La otra temática del XXIII Festival Don Quijote fue la presentación de clásicos es-pañoles y universales, pero adaptados a nuestra época.

Fuenteovejuna de Lope de Vega, adap-tada y modernizada por Anna María Ricart con el subtítulo de Breve tratado de ovejas domésticas. Compañía Obskené dirección de Ricard Soler i Mallol

Seis actores narran en una plaza públi-ca lo ocurrido en el villorrio Fuenteovejuna en el siglo XV. La obra contiene fragmentos luminosos de los versos de Lope, pero los jóvenes también narran a lo brechtiano lo que pasa en Internet y las redes sociales, usan Smartphone en escena y realizan una intrincada mezcla de épocas muy eficaz que divirtió mucho al público juvenil (llegado de las escuelas).

Clásicos Cómicos, Cinco Entremeses de Burlas de Calderón y otros autores, dir Jesús Peña. Con Luis Miguel García, Carlos Pinedo, Blanca Izquierdo, Anahí van der Blick, Julio Lázaro, Borja Semprún, Teresa Lázaro.

Con este espectáculo el Teatro Corsario entra de lleno en la farsa y diversión, no hay otro fondo, se quiere disfrutar y pun-to. Hay que cantar y gozar que el mundo se va a acabar. Estamos ante un teatro burlesco, farsas cornudas, vaudevilles

rústicos, remedos del Boccacio hechos para una diversión ruda, inmediata, ca-llejera. Comicidad como antecedente de la gravedad del drama.

Destaca la versatilidad de los actores que cantan y bailan, así como el texto adicional que logra hilvanar la totalidad del espectá-culo. La puesta en escena fue muy fluida, su objetivo alcanzado: nos divertimos.

Edipo

Por la Compañía Chapitô de Portugal, di-rección de John Mowat

Nada en el escenario, vacío como lo pre-fiere Peter Brook, luz blanca con pocos ma-tices, el muro de piedra del Café de la Danza como ciclorama.

Los espectadores nos disponemos a pre-senciar una versión con tres actores del mito de Edipo, sin el glamour de los mármoles

griegos, sin los relieves de la tragedia, sin su coro para asombrar y asombrarse, sin el pathos del verso, pero con frenesí y carcaja-das. Entendemos que nuestro caótica época sólo admite la tragedia a través de la farsa, desopilante, grotesca, catártica.

En la obra hay una dinámica circense, un acelere de sketch, un deseo de acabar lo más pronto posible con ese equívoco que es la vida. Y aunque nos riamos hasta cansar-nos el asunto es grave, (y tal vez por eso reímos más). No hay vestuario especial, los actores, Jorge Cruz, Marta Cerqueira y Tiago Viegas, llegan a escena con ropa de calle, como si acabaran de bajar del metro.

Un festival debe tener la virtud de acer-car compañías, de descubrir estilos, de presentar propuestas insólitas. Con la pre-sentación de la Compañía Chapitô de Lisboa el Festival don Quijote cumple con creces estos objetivos.

Dos obras llegadas de Bolivia cerraron el festival, El Corral de Bernarda y El Retablillo de don Cristóbal dirigidas por Luis F Jiménez

El subtítulo del espectáculo lo dice todo: La bufonada. Se trata de la compañía Ditirambo, teatro popular al estilo boliviano, con música, bailes y un chacoteo que no respeta a ningún clásico, ningún valor y que tiende a poner en primer plano el disparate y la bufonada. Una estética que recuerda al teatro popular que tanto atraía a Lorca. Luis F Jiménez confirma una vez más sus cualidades para realizar un teatro irreverente, bufón y subversivo, teatro popular en suma, aunque esta vez con un tono muy boliviano conseguido por las can-ciones y los estilos de actuación.

Enrique Atonal

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Probablemente las obsesiones sean mucho más fecun-das que las me-

dias tintas o las actitudes reservadas. Volvemos de Rosario, del Experimenta que organiza el Rayo Miste-rioso en su versión número quince, todavía escuchando en nuestra cabeza los ecos de tantas horas de expe-riencias vistas, escuchadas, habladas, debatidas, soña-das que nos cuesta mucho hacer una narración que no esté cargada de impresio-nes que superan cualquier ejercicio analítico de lo su-cedido.

Cada año, del 7 al 13 de diciembre en la sala del Rayo en la calle Salta de Rosa-rio se concentran energías teatrales positivas que se muestran en espectáculos, talleres, demostraciones y muchas horas de debate, encuentro, desencuentro, análisis, transferencia de conocimientos, ya sea en el encuentro con los críticos y de teatro de diferentes me-dios de comunicación gene-ralistas o especializados argentinos e ibero-americanos; con los directores o redactoras de revistas, tanto de papel, como digitales, dedicadas a las artes escénicas; la ronda de directores de festivales internacionales que explican las motivaciones socio cultura-les en las que se fraguaron sus eventos, los objetivos de sus programaciones, algo que agradecemos para reafirmarnos en que no es bueno para la salud teatral de un lugar que se hagan programaciones casuales, o de mercado, esperando a ver qué han pescado los distribuidores, sino que hay

que incidir en la necesidad de partir de una postura previa porque es la única manera posible de hacer un discurso precisamente con la programación. Lo contrario es ser un simple reponedor de la parrilla.

Las actividades se suceden vertiginosa-mente, porque las obras programadas en Experimenta parten de una premisa: deben ser hechas por Grupos. No importa que tengan treinta años o treinta meses, pero que trabajen con esa idea de producción, contextualizando su estética a su propio sistema de producción, algo que es de una

significación rutilante. Esas obras son posteriormente desmontadas, el eufemismo para decir que son objeto de un análisis crítico por los asistentes a cada edición. Es decir que no de trata de tras-ladarse, ofrecer el espectá-culo y se acabó, sino que se están todos los días en plena actividad, intercambiando mé-todos de entrenamiento, de creación, conviviendo con los seminaristas que asusten a todo el programa. Algo más, mucho más, que un festival al uso. Una propuesta que resis-te el paso del tiempo porque no está pendiente de modas, sino de conceptos que van sustentando todo su ideario de creación, producción y exhibición y que en el Experi-menta anual se concentran to-das las energías compartidas por los Grupos asistentes y los invitados especiales.

Este año fue Juan Antonio Hormigón el homenajeado con el galardón de Guerrero Tea-tral. Emocionado se integró perfectamente a la dinámica de este encuentro en todas actividades y además de una

conferencia sobre la Asociación de Direc-tores de Escena ADE, impartió un taller sobre Meyerhold, su especialidad des de hace años, que volvió a poner en valor la importancia de este creador e investigador ruso que ayudó a la evolución del teatro en los albores del siglo pasado.

Hemos tomado nota de algunas de las ex-periencias contadas por los representantes de los medios de comunicación argentinos dedicados al teatro y parecen denunciar las mismas precariedades que se sufren en casi todos los lugares. La falta de espacio para

Xv eXperImenta 2015 - rosarIo

Cuando hablar importa mucho más que oír, ver y callar

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informar, el poco rigor de las críticas, la precariedad existente en todas las colaboraciones, con una frase reiterada, “se cobra algo simbólico”, lo que viene a confirmar el peligro de una pauperi-zación que lleve a un agotamiento y falta de interés que acabe depreciando el propio ámbito informado. Escuchado en una tierra fértil teatralmente hablando, uno siente un escalofrío muy grande porque parece existir una vulgarización de lo cultural de carácter global y en esta migración del papel a lo digital se están perdiendo algo más que costumbres y mitos, se está difuminando la calidad, la autoridad, el fundamento del valor de al crítica, perdida como está la batalla de la información teatral rigurosa.

Este año pudimos revisar dos trabajos históricos de El Rayo Misterioso, Macchina Napoli y Dionisos Aut, con retoques co-yunturales en sus repartos, pero manteniendo la esencia de su propuesta original, aunque con otras precisiones técnicas y en l caso de la primera, mostrado en un escenario a la italiana. Un acto no muy habitual, la muestra de un trabajo en construcción, una suerte de avance del que será su nuevo estreno durante este 2015 que contienen todos los elementos dramatúrgicos, interpretativos, narrativos y estéticos que definen al grupo rosa-rino dirigido por Aldo El-Jatib.

Dos grupos brasileños, ambos de Belo Horizonte, nos trajeron muestras de su vitalidad. Pigmaliâo se identifica como “escultu-ras que se mueven”, ofrecieron un trabajo de intervención calle-jera, Bira e Bedé, espectáculo de encuentro y paradoja, con dos personajes, dos ancianas de medidas descompensadas, suelta por las calles que van provocando sorpresas y equívocos. Un trabajo sencillo, de improvisación que requiere un buen manejo de las manipuladoras de un grupo que en la Fira de Titelles de Lleida de 2014 ganaron varios premios con otro espectáculo.

Sobre Dinossauros, galinhas e dragones del grupo Primera Companhia es un teatro vitalista, contado en primera persona, concebido y hecho por mujeres, que a través de diversas metá-foras literarias y una estética muy pop nos traen noticias de sus vidas, sus ambientes, su ciudad.

La Trinchera grupo histórico de Manta, Ecuador, presentaron Malanoche con dramaturgia y dirección de Arístides Vargas con quien han recorrido un gran trecho de su quehacer, un trabajo denso, de ambiente de cantina, con la violencia de género de fondo, con personajes bien definidos en situaciones fuera de lo normal. Una buena muestra de una opción de búsqueda de otro realismo más pegado a una identidad precisa.

Desde Buenos Aires, la Compañía de Yamil Ostrovsky presentó Subte, una pieza corta de danza muy historiada, narrativa, con dos buenos ejecutantes en una traslación de sueños eróticos en un trayecto de metro.

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Se acumulan los apuntes, se llena la memoria de recuer-dos, sensaciones encontra-das y deseos de demostrar

que las muestras están siempre en-tre la necesidad y lo imprescindible. Se pude entrar sin apenas apercibirlo en una fase de desmotivación, de in-flación de propuestas que provoquen una especie de desidia involutiva y la verdad es que hay meses del año, en los otoños y las primaveras esencial-mente, en donde sería imprescindible tener más desarrollado el don de la ubicuidad para poder atender a la gran oferta de eventos que reclaman la atención de este cronista que tiene el privilegio de poder acudir, siempre que se pueda organizar la agenda sin molestar demasiado a las pres-cripciones médicas, para conocer dramaturgias nuevas, recoger expe-riencias de otras latitudes, revisitar los lugares en donde las huellas han marcado un camino que en ocasiones lleva a un infinito o un túnel oscuro que siempre acaba en la otra parte, en una salida, donde la luz, aunque sea tenue existe.

No hay muestra ni festival pequeño. Casi todo lo que se hace formando parte de algo más que de un capricho, de un opor-tunismo mercantil o de política coyuntural o acaso de una circunstancia heredada descontextualizada debe ser atendido y analizado con detenimiento y respeto. No solamente las muestras, jornadas, encuentros, festivales, sino también las programaciones habituales, los salones especializados, como son los dedicados al libro teatral, las lecturas dramatizadas, las presentaciones o los talleres y cursos que diseminados por todos los lugares de las ciudades y los pueblos van creando

un tejido sutil de amantes del teatro. Por lo tanto el cronista viajero, sin cuaderno de bitácora y sin hoja de ruta, recuerda que estuvo en Alicante, asistió al home-naje merecido a Carles Alberola que le brindó la XXII Muestra de Teatro Español de Autores Contemporáneos, anduvo por los salones palaciegos del Ayuntamiento de la ciudad donde hay más fantasmas y miasmas que en todo Shakespere y sintió que, como le pasa tan a menudo última-mente, podría estar siendo testigo de una despedida, dos o un funeral y medio. Y es-tas circunstancias de incertidumbre crean desasosiego, porque a estas alturas nadie va a negar la importancia que ha tenido y

tiene la Muestra Alicante para ir so-lidificando una idea de regeneración de la nómina de dramaturgos. De ver en una misma semana a autores con-sagrados junto a los recién llegados. Con todos los discursos, estéticas y formatos. Y con una nota al pie de pá-gina muy importante, en los últimos años con un notable crecimiento del número de espectadores, algo que se debe tener muy en cuenta antes de tomar alguna decisión.

La función operativa y pragmática de la Muestra está más que justificada. Es imprescindible darle continuidad y ampliar sus objetivos presupues-tarios. No se puede estar jugando con el futuro de algo útil, estructural y que ya ha sido asumido, también, por los públicos locales y comarcales, además de despertar la atención de especialistas, traductores, autores de todos los lugares, tanto estatales, como del extranjero. No quisiera ha-cer crónica de espectáculos, reseñar la obra de Alberola ¿Me esperarás? que constatada la habilidad drama-túrgica de su autor, que es además

intérprete, para crear mundos singulares desde situaciones y personajes normales e identificables, o el volver a disfrutar de Penal de Ocaña, de Nao de Amores, ya que uno de los espectáculos presenciados me afecta directamente.

Pero sí quisiera reafirmar que hay cua-tro espacios de primer orden para hacer teatro de diferentes modalidades en con-diciones adecuadas: el Teatro Principal, el Paraninfo de la Universidad, en Centro Cultural Las Cigarreras y el Teatro Arni-ches. Más algunos espacios alternativos. Que conste en acta y que tengan sus res-ponsables posibilidades de programar con calidad y continuidad.

Donde se da cuenta del paso del cronista por tantos lugares que se aprietan en una acta única

Penal de Ocaña de Nao de Amores

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Antes habíamos pasado por Castellón de la Plana, para dar una conferencia en la jornada inaugural de ‘Reclam’, un festival gene-ralista organizado desde la Universidad Jaume I, con un programa exquisito, muy bien seleccionado, en donde se producen estrenos abso-lutos, con extensiones en diferentes localidades caste-llonenses. Una realidad que con demasiado frecuencia se desconoce. No solamente en el resto del Estado, sino en la propia ciudad donde se desarrolla. Las universi-dades se deben abrir a la ciudadanía en general, y parece una función muy plausi-ble aprovechar recursos económicos para crear talleres de teatro u otras disciplinas escénicas y ofer tar programación habitual y festivales como este evento, por lo que habremos dado un gran paso. El para-ninfo de esta universidad es una sala es-pléndida, con otros espacios adyacentes para convertirse en un foco importante de referencia cultural en la ciudad.

Volvimos a Zaragoza por donde pasamos con asiduidad. Desde hace años somos parte del jurado del Concurso Off de Ca-lle, que crece en entidad, en calidad, y re-percusión ya que va encontrando socios y cómplices que colaboran ofreciendo actua-ciones en sus festivales o ferias a las obras ganadoras. Pero en muy pocos días tuve que ir a dar una charla a la Escuela Muni-cipal de Teatro, a ver una representación en el Teatro Arbolé y a la segunda edición

del Mercado de las Artes Escé-nicas de Aragón que organiza el Ayuntamiento de Zaragoza. Una oportunidad para conocer algunas compañías y propues-tas del teatro aragonés que difícilmente tienen cabida en otras programaciones, y a la vez descubrir salas municipa-les en Centros Cívicos bien do-tadas y completamente aptas para el ejercicio de las artes escénicas. Diseminados por los barrios, nos recuerda que la buena utilización de manera racional de estas herramientas puede contribuir de una mane-ra definitiva al crecimiento de

la conciencia teatral de más sectores socia-les que tiene una idea muy estereotipada de lo que consideran teatro y que se une, desgraciadamente, al humor barato festivo o las comedias con actores televisivos. En el CC Teodoro Sánchez Punter tuvimos la oportunidad de presenciar la obra de Pro-ducciones Veridiana, Ligeros de equipaje de Jesús Arbués, una crónica muy sugestiva sobre la memoria histórica. Un teatro nece-sario, profundo, muy sugerente.

Ligeros de equipaje de Producciones Veridiana

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También vimos en funciona-miento otras salas que conocía-mos sin representaciones como el Teatro de las Esquinas, una opción magnífica, gestionada por dos compañías locales, bien dotado técnicamente, con mucha actividad y que lucha por man-tener un programación abier ta para amplios sectores sociales, El Teatro de la Estación, una sala creada y mantenida desde la ini-ciativa privada por una compañía de teatro que oferta produccio-nes propias y exhibe siempre obras dentro de una línea muy bien definida. En esta sala vimos sin Red titulada Animalicos, un texto de Daniel Marcos con di-rección de Alfonso Pablo que nos sorprendió muy gratamente, un teatro realista, duro, con un tratamiento escénico adecuado.

Si añadimos el Teatro Arbolé mencionado, que mantuvo una constante programación en este Mercado, con una anécdota cu-riosa, ya que un grupo de alum-nos de un instituto leridano acu-dió a ver la representación de Teatro de Los Navegantes, Peer Gynt el aventurero. O Teatro del Mercado que acogió una representación muy especial, Adictos durante los tres días, sin olvidarnos del nuevo local, inau-gurado en esas fechas El sótano mágico, que nace con la voluntad de dedicarse a la magia y espectáculos colindantes don-de vimos una buena muestra: Parias. Con

este conjunto de locales más el Teatro Principal a Zaragoza solo le falta dinero para programarlas, e incentivar a los pú-blicos, para convertirla en un referente.

Pero en nuestro caminar no solamente paramos en eventos puntuales, sino que en el paso por Buenos Aires, además de

tener un encuentro de inter-cambio de experiencias en el Centro de la Cooperación de la calle Corrientes con el equipo de críticos e investigadores que ca-pitanea Jorge Dubatti, o visitar la librería Libros del Balcón, donde llevamos algunos ejemplares de nuestra editorial, pude ver va-rios espectáculos entre los que quisiera remarcar, Baby Call de Sofía Wilhelmi en el estupendo Teatro del Abasto una obra muy especial de una joven autora y directora que deben apuntarse porque va a dar mucho de que hablar. También vimos Fronteras de Santiago Serrano en el Tea-tro Pan y Arte, un obra que nos coloca ante todas las fronteras físicas o subconscientes. En Córdoba en Documenta vimos un especialísimo espectáculo, Liberadas, con una estética muy extrema que es una road movie con elementos de memoria his-tórica. Sugerente.

Sin olvidarnos de un día es-pecial, un encuentro con la in-mensa mayoría de las personas que han colaborado con el bai-larín y coreógrafo canario Daniel

Abreu reunidos en la Sala Cuarta Pared de Madrid para celebrar los diez años de fructífera existencia de esta compañía in-dependiente. Un acto sencillo, casi íntimo, pero enriquecedor.

Carlos Gil

Baby Call

Liberadas